¿Está Oasis anunciando las fechas de su próxima gira a través de vídeos crípticos en redes sociales? Sus fans están convencidos de que sí, y uno de los lugares que visitarán los hermanos Gallagher apunta a ser Barcelona. En la última publicación del grupo se puede observar a un hombre tocando la guitarra en una sala que cuenta con el cartel del pintor catalán Joan Miró, lo que muchos de sus seguidores han interpretado como una pista obvia de que la ciudad está en los planes de un nuevo tour.

Previamente, la banda compartió un vídeo en el que dos chicos esperaban en una tienda de patatas fritas mientras sonaba en un televisor su canción Little By Little (2002). Los más observadores se percataron de que los números de los folletos colocados por todo el local sumaban la longitud y la latitud del estadio Celtic Park en Glasgow. Desde entonces, los fans especularon que la pista podría significar que el recinto, con capacidad para 60.000 espectadores, es la primera parada de la gira.

Los hermanos Gallagher publicaron después otro vídeo que mostraba a dos niños jugando al fútbol contra una pared de ladrillos. Uno de ellos escribía en la pared el número de goles (11), mientras que el otro jugueteaba con el balón. Al final, el niño con el balón marcaba otro gol, lo que llevó a los seguidores del grupo a pensar en una confirmación de 12 noches en el estadio Etihad de Manchester. De hecho, una pequeña luna azul al fondo reforzaba esta teoría, dado que el himno del Manchester City es Blue Moon de The Marcels.

Además de Barcelona, Glasgow y Manchester, otro de los lugares que visitará el dúo musical atendiendo a esta estrategia de marketing es Múnich. En otro vídeo de Oasis, se podía ver a una mujer liando un cigarrillo al volante de un coche con volante a la izquierda aparcado en un campo, mientras sus amigas jugaban fuera. Los fans del grupo se fijaron en los colores rojo y blanco de las camisetas e inmediatamente pensaron en el club de fútbol Bayern de Múnich. Asimismo, la voz que hablaba por la radio del coche era alemana.

El grupo viene de arrasar en el Festival de Venecia con la proyección de su documental Don't look back in anger, en el que cuenta su vuelta al ruedo después de años de separación. El filme llega a las salas el próximo 11 de septiembre trasladando el mensaje de dejar atrás el rencor. Los hermanos muestran en la película que han superado sus diferencias y hacen de esa reflexión una metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado. El documental es un regalo para todo aquel que se ha enamorado de la música de Oasis.

Oasis terminó en noviembre del año pasado su gira de reencuentro tras pasar por América, Asia, Australia y Reino Unido. A su país dedicaron casi 1 de cada 3 fechas. No obstante, parece que su próximo tour por Europa está más cerca que la publicación de nuevas canciones. Así lo hizo constar Liam Gallagher cuando un fan le preguntó al respecto en X: “No, es que no estoy preparado para las críticas si no vende 100 millones de copias en la primera hora, si no cura el mal aliento y el estreñimiento de todo el país, si no hace retroceder el tiempo a Cher y otras tonterías por el estilo… Vamos a dar unos conciertos y a ser felices, gracias”.

Las grabaciones de Oasis, a subasta

Este lunes se ha conocido la preocupación de Oasis respecto a la inminente subasta de un archivo inédito de sus grabaciones, que comprenden 63 conciertos en directo, así como pruebas de sonido y más de 100 horas de ensayos de los hermanos Gallagher en la década de 1990. El ingeniero de sonido Huw Richards, quien trabajó con Oasis desde el lanzamiento de su álbum debut de 1994, Definitely Maybe, hasta 2001, recopiló todo este material, que saldrá a subasta el próximo mes.

La casa de subastas Littleton Auctions ha calificado la venta como una “oportunidad única tanto para fans como para coleccionistas” y ha confirmado que la banda no la apoya. El director general, Ben Homer, ha declarado que “el entorno de Oasis está al tanto de la subasta y ha expresado su preocupación”. “Es totalmente comprensible dada la magnitud y la importancia del material”, ha expresado Homer.

“Estamos gestionando todo con total transparencia y siguiendo los procedimientos legales correspondientes”, ha hecho constar Ben Homer en un comunicado enviado a la prensa. “Nuestro objetivo es simplemente presentar estos artículos de forma responsable, con procedencia verificada, y permitir que coleccionistas e instituciones se conecten con una parte importante de la historia de la música británica”, ha añadido.

Depresión, agresión sexual, intento de suicidio, anorexia, colon irritable, fibromialgia y muchísima, muchísima rabia, son las protagonistas que vertebran La noche cayó y ya nadie pudo salvarme (La Esfera de los Libros), las polémicas memorias de Cristina Llanos Fayos, en las que la que fue cantante de Dover ha volcado –o más bien vomitado– el infierno con el que convivió mientras la banda triunfaba encima de los escenarios. Aunque también antes, y después.

Un libro recibido con sorpresa por llegar tras diez años de silencio de la artista desde que se disolviera el grupo en 2015, y sobre todo por sus controvertidas opiniones sobre Israel y la ley trans. También arremete contra quien no le gustan The Beatles, el “puto viento” de Madrid, Freud e Íñigo Errejón. Todo en un tono cabreadísimo, con frases cortas, a veces formadas por una sola palabra, cargadas como una metralleta de bilis sin ningún tipo de seguro. Insulta con y sin ironía, maldice, amenaza.

El primer sujeto contra el que arremete en el texto es su psiquiatra, al que asegura que no soporta y que tiene cara de “maníaco escapado de un psiquiátrico”, de “sádico”, “animal”, “salvaje” y “asesino”; aunque asegura que le “da igual”: “Lo que haga o deje de hacer ese señor en sus ratos libres me la suda hasta el infinito”. Las memorias, articuladas como un diario, con capítulos dedicados a distintas jornadas que empiezan y también terminan en el mes de noviembre de 2023, transitando distintas jornadas y meses entre medias, sin especificar el año.

Concluyen con la reacción de Cristina Llanos a la muerte de su hermano Mariano, de quien relata que “fumaba base de cocaína desde hacía veintitantos años”, cuando trabajaba junto a ella y su hermana Amparo Llanos (cofundadora de Dover) conduciendo la furgoneta y gestionando el merchandising de la banda. Terminó viviendo en la Cañada Real y fue la Policía Nacional quien por vía telefónica le comunicó la noticia de su fallecimiento.

La “deuda” con el pueblo judío

Más allá de los apuntes biográficos, la músico vierte igualmente opiniones con enojo como el capítulo ubicado en la noche de un domingo 5 de marzo (no menciona el año, pero podría suponerse que de 2023), en el que comienza hablando de la cantidad de tiempo que pierde al día y termina reivindicando que “la humanidad le debe al pueblo judío el Estado de Israel”.

“Me parece que se acerca una oleada de antisemitismo. Y bien gorda esta vez. Traidora. Cobarde, como todas las ocurridas a lo largo de la historia. Repugnante, en una palabra”, señala Cristina Llanos. La artista asegura que “desde la destrucción del Segundo Templo no se les ha parado de perseguir. Diáspora que te crio, un siglo detrás del otro. Ya está bien cacho cabrones”, dice. “YA ESTÁ BIEN”, apostilla en mayúsculas. La artista revela que ella no quiere “eso” sobre su conciencia y plantea que “ojalá esté equivocada” y “sea exageración”, cosa que al mismo tiempo duda, “desgraciadamente”.

Cristina Llanos Fayos no había compartido su opinión sobre Israel hasta ahora. Su público no sabía que la intérprete de Devil Came To Me, Serenade y Let Me Out temía las “oleadas de antisemitismo” a las que hace referencia en su volumen. Unas memorias que llegan a las librerías de la mano de La Esfera de los Libros, editorial que ha publicado biografías de otras figuras como Mar Flores, Cayetano Martínez de Irujo, Isabel Pantoja, Carmen Lomana y Lydia Lozano.

De la 'ley trans fluida' a Íñigo Errejón

A raíz de recordar uno de los múltiples paseos que da con su hermana Amparo, Ampi, a quien dedica el libro, que funciona a su vez como una carta de amor a ella, Cristina Llanos acaba reivindicando a las mujeres que “dieron gran parte de su tiempo, murieron, fueron perseguidas o/y torturadas” por luchar por los derechos de las mujeres, desde Kate Millet a Emeline Pankhurst, pasando por Britney Spears, Emilia Pardo Bazán, Mahsa Amini, Nevenka Fernández y Emily Davinson.

Insiste en que alude a los derechos de “todas las mujeres”. “Mujeres machistas incluidas. Sí, los míos, los tuyos, los de ella, los de aquella, la otra, la del más allá. Al final son todos lo mismo. Derechos humanos. No me hartaré de repetirlo. Al que le aburra que cierre el libro y lo tire por la ventana. Me trae al fresco”, arremete.

Cristina hace referencia a Malcom X cuando hablaba del 'demonio blanco', para explicar que ella identifica al “demonio con pene, del color que sea, tanto él como su pene”; e insiste en identificar esta como su batalla. La artista explica que esta su lucha, irá siempre por encima de cualquier otra, sobre las que antes de especificarlas, avisa: “Oy, oy, oy, qué mala soy”.

Es entonces cuando enumera “la reivindicación de la ayuda para los pobrecitos niños de África y otros tantos lugares dejados de la mano divina, la oposición a las guerras de aquí o allá, la colaboración con las plataformas secuestradas por cualquier desastre y, por supuesto, los anhelos 'femeninos' de algunos hombres, algunos, llamados de género fluido, que mezclan a lo tonto churras con merinas, tan temidos hoy en día, inquisidores de primer orden, aprovechando la mínima crítica a la 'ley trans/fluida' para intentar quemarte en la hoguera”.

La cantante aclara que no quiere “caer en generalizaciones” y que es consciente de que “no todos” son así, y que se refiere a la ley entre comillas porque “una ley que protege a unos y desprotege a otras no es una ley, es un despropósito”.

La autora lamenta que, “ocurra lo que ocurra” alrededor, las mujeres se enfrentan “simultáneamente a la opresión y la violencia sexual, que nunca descansan”. Para sostener como argumento menciona los informes anuales de la ONU al respecto, en los que “el demonio con pene está siempre a la que salta”. Habla de las violaciones por conflicto bélico o catástrofe natural como el Katrina, pero también de España. En concreto sobre el “cacareado movimiento” del 15M.

“Hay que joderse, hubo intentos de agresión y agresiones totales, según denunciaron varias mujeres de las que estaban allí, como ellos, para protestar públicamente contra los gobiernos. Hubo agresiones todas las noches de acampada, repito, con el cabronazo 'aliade' de Errejón entre sus filas”, añade sobre el exportavoz de Sumar, sobre el que posteriormente indica que no pretende “dar a entender que cometió ningún delito” durante el 15M. Sí que señala que “ahora todos sabemos cómo se las gasta en las distancias cortas, admitido por él mismo en televisión tras ser denunciado públicamente”.

“Yo misma conmigo misma, en mi cabeza, puedo sacar las conclusiones que me dé la gana. Siempre he creído mucho en el humo y el fuego. Para mí, los hombres que cruzan la raya en lo más mínimo, por ejemplo, miradas cerdas y agresivas, están en el mismo saco que los que te violan, torturan y matan. Son puntos distintos de la misma línea. Me importa una mierda cómo y cuanto quiera la ley diferenciarlos”, concluye.

La cantante continúa sus memorias, cada vez más semejantes a un sumidero de enfados, dolor y rencor, con la angustia que le genera que se le apilen los platos sin fregar, la fobia que tiene al ginecólogo y la nostalgia por el “verdadero” febrero de Madrid, “el de las novelas de Galdós, el republicano, el de las películas de la guerra y la posguerra”. Cristina Llanos Fayos escribe que dejó de comer durante diez años, de los treinta a los cuarenta: “La anorexia es un aspirador de vidas. Te la roba, y sin pedir permiso, encima”.

El final se lo dedica a su hermano fallecido, a quien transmite que le quiere y pide perdón. “Si me perdonaste, gracias con toda el alma. Si no te dio tiempo, por favor, perdóname ahora. Si no puedes, no te preocupes, no pasa nada, lo entiendo”, son sus últimas palabras. Un testimonio sobre el que no vamos a poder preguntar, ya que la editorial comunica que la autora no va a conceder entrevistas. Cristina Llanos Fayos ha roto su silencio diez años después, en la manera que ha sabido y podido, con unas duras memorias escritas con tinta bañada en hiel, y afilados dardos repartidos por diversas dianas.

La cantante y compositora de jazz Cassandra Wilson, famosa por revolucionar el jazz fusionando el blues, el folk, el country y el pop, falleció a los 70 años de edad en su natal Jackson, Misisipi (EEUU).

El forense del condado de Hinds, Jeramiah Howard, informó a la cadena de televisión WLBT de Mississippi que Wilson falleció el martes por la mañana, pero no aportó detalles del deceso.

Famosa por su profunda voz de contralto, Wilson se convirtió en una de las cantantes de jazz más importantes de los años 80 y 90, gracias a álbumes como Point of View (1986), Blue Skies (1988) y, sobre todo, New Moon Daughter (1995), que ganó el Grammy a Mejor Interpretación Vocal de Jazz.

En 2009 ganó otro Grammy más gracias a Loverly, con el que regresó al jazz tradicional a través de una reinterpretación de estándares clásicos del jazz y el blues.

Proveniente de una familia musical, su padre, Herman Fowlkes Jr., era contrabajista y guitarrista de jazz, además de maestro de música, y fue una figura clave en la escena de jazz y rhythm and blues de Jackson, donde llegó a grabar junto al músico de blues Sonny Boy Williamson.

De niña comenzó a tocar el piano y la guitarra, posteriormente inició su carrera profesional como cantante de folk a mediados de los años 70, actuando en clubes cerca de Millsaps College, antes de involucrarse con el rock y el rhythm and blues.

En 1982 se mudó a Nueva York, donde se unió al colectivo M-Base, liderado por el saxofonista Steve Coleman, y grabó varios álbumes junto a él a mediados de los años 80. Wilson además fue telonera de Miles Davis y realizó giras con Wynton Marsalis.

La industria del reguetón ha vencido: después de que el dúo de productores jamaicanos Steely & Clevie demandara a más de 150 artistas del género alegando que poseía los derechos del famoso ritmo dembow (la base del reguetón), un juez ha desestimado la demanda para dar la razón a artistas entre los que se incluyen Bad Bunny, Karol G, Pitbull, Drake, Daddy Yankee y Luis Fonsi, según se ha hecho eco Billboard. El juez apunta que el supuesto ritmo patentado de Steely & Clevie no aparece en su totalidad en ninguna de las tres canciones de su propiedad.

Pese a que Steely & Clevie reclamaba al principio que el característico compás que suena de fondo en los temas latinos había sido robado de una sola canción de 1989, Fish Market, el juez ha declarado que el reciente argumento de los abogados de Bad Bunny lo había llevado a reconsiderar su fallo. El puertorriqueño señalaba que los demandantes habían armado un monopolio temporal juntando elementos de esa canción con otras dos: Dem Bow y Pounder.

Estas tres canciones son importantes porque, a medida que avanzaba el caso legal, los abogados de Steely & Clevie ampliaron su reclamo de derechos de autor e incluyeron los temas Dem Bow y Pounder. Argumentaban que, como estas dos canciones derivaban originalmente de su canción Fish Market, cualquier artista de reguetón que haya copiado o sampleado fragmentos de cualquiera de esos tres temas en realidad estaba infringiendo la propiedad intelectual de Steely & Clevie.

No obstante, el juez ha escrito que, “tras un examen más detenido del expediente, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra protegida por derechos de autor contiene la selección y disposición supuestamente protegibles que pretenden hacer valer”. Asimismo, ha agregado que la ley de derechos de autor de Estados Unidos no otorga protección a una “amalgama abstracta de elementos extraídos de múltiples obras existentes de forma independiente”.

El juez ha explicado que los elementos deben existir en una sola canción y no pueden ser simplemente una “colección de similitudes reunidas con fines litigiosos”. “Dado que los demandantes no han identificado una sola obra protegida por derechos de autor que contenga la supuesta selección y disposición protegibles, no pueden, legalmente, proceder con la teoría actualmente alegada”, ha afirmado el juez, que en julio pretendía que el caso se solucionara por parte de un jurado, lo que lo habría alargado.

En declaraciones a Billboard, el abogado de Bad Bunny, Kenneth D. Freundlich, ha elogiado al juez por emitir un fallo que “vio este caso tal y como era”: “No se pueden registrar los derechos de autor de un ritmo mediante ingeniería inversa a partir de tres canciones diferentes una vez que el litigio está en los tribunales. Los derechos de autor protegen la creación original del artista, no un montaje elaborado durante el proceso judicial. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.

La resolución del juez es un gran triunfo para Bad Bunny y el resto de los cantantes acusados, ya que cierra la mayor parte del caso. Aunque todavía hay demandas pendientes por canciones que presuntamente usaron fragmentos directos de las grabaciones de Steely & Clevie, estos reclamos son mínimos en comparación con el conflicto sobre la autoría de la composición musical que fue archivado este martes.

La temporada festivalera de 2026 pasará a la historia como una de las más inquietantes. Tras varias décadas de bonanza y crecimiento, incluso después de la pandemia, este año se han cancelado más de ochenta festivales de todos los tamaños, a lo largo y ancho de la geografía y estilos muy diversos, según los datos recogidos por elDiario.es a partir de los comunicados publicados por los promotores.

Al menos una treintena se han rendido porque abrir puertas suponía asumir un alto riesgo económico; principalmente, porque la venta de entradas no despegaba. Otros tantos aducen falta de apoyo institucional e incluso tensiones con los ayuntamientos. Y más de una decena se han suspendido parcial o totalmente debido a lluvias torrenciales, violentas rachas de viento, riesgo de incendios u olas de calor.

La cancelación más sonada de 2026 ha sido la que implicó las siete ediciones del Reggaeton Beach Festival. La comunidad autónoma más destacada por el número de cancelaciones es Galicia, con una decena: a The Wild Fest, Arbo Rock, Surfing the Lérez, L’Arena Experience, Hercules Brass, el Diversxs vinculado al Día del Orgullo, la Xornada Cultural Mar de Galicia, el RBF de Nigrán y O Gozo Fest, que canceló parte de la programación debido a una tormenta, cabe añadir Surfing The Lérez y Son Da Industria, que ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. El primero resalta que no se retira por falta de apoyo de su público, sino porque el sector es cada vez más competitivo y eso obliga a asumir una dinámica de crecimiento infinito con la que no comulgan. El segundo, porque no recibió el permiso del Ayuntamiento hasta un día antes.

El aumento de los costes de producción y, sobre todo, el de los cachés de los artistas determinan el presupuesto de los festivales. El primero depende de la coyuntura económica, pero el segundo lo marcan las agencias a partir de la demanda que prevén. Algunos analistas señalan que esa inflación de cachés, especialmente acentuada tras la pandemia, es una de las claves que está tensando el sector. La incertidumbre que supone no saber hasta última hora si recibirás la autorización es otro problema muy arraigado en el circuito español. La Asociación de Promotores Musicales (APM) ha denunciado en más de una ocasión esa casuística administrativa como una pesadilla para el gremio festivalero estatal.

Una debacle muy repartida

La cascada de suspensiones anunciada en junio ha seguido durante julio y agosto: Cala Pop, Monasterio Festival, Eztanda, Jordi’s Fest, Oshun Festival, Pura EsHencia, Raíces Sonoras, Puntal Sound, Santuario Fest, Time Warp Madrid, Vital Fest… Y, como suele decirse respecto al Gordo de Navidad, la lotería de cancelaciones ha quedado bastante repartida. Ocho en la Comunidad de Madrid y Andalucía, siete en Castilla y León, cinco en Castilla La Mancha, Aragón y Canarias, cuatro en Euskadi y Baleares, tres en La Rioja y Asturias, dos en la Comunidad de Murcia, Cantabria y Extremadura… Han caído festivales en Cervera de Pisuerga y Almadrones, en Villamediana de Iregua y Páramo de Sil, en Santa Úrsula y Santa Cruz de Zarza. De heavy metal y reggae, de breakbeats y brass bands, de punk-rock y power pop, de chirigotas y electrolatino, de surf y psytrance, de reggaeton y folk, de electrónica oscura y pop radioformulable.

Catalunya y la Comunitat Valenciana, dos de las zonas más surtidas de festivales, suman diez y nueve cancelaciones. En Barcelona, un festival de salsa que iba a celebrar su primera edición en el Parc del Fórum, el Salsón, murió antes de nacer al no encontrar cabeza de cartel. El Ombra barcelonés canceló la edición de diciembre, pero asegura que volverá en 2027. El White Summer de la Costa Brava se tomó una pausa estratégica en 2025, pero en 2026 no ha dado señales de vida. En la Comunitat Valenciana, la caída del Festival de les Arts, el Big Sound Festival de Torrevieja, el Blackworks Open Air, el Electrolatino Benidorm, el Reggaeton Beach Festival de Alicante y el Surf O Rama ha hecho saltar varias alarmas. Pareciera que la tierra de festivales ya no es tan fértil.

El ranking de eufemismos más usados para cancelar festivales lo lidera “motivos totalmente ajenos a nuestra voluntad”, seguido de cerca por “incidencias de última hora” y “causas externas”. En algunos momentos del verano ha parecido que los festivales se copiaban los comunicados entre sí, pues ha sido fácil detectar en varios de ellos la siguiente filigrana literaria: “No queremos celebrar una edición que no cumpla los estándares de calidad que os merecéis”.

El premio a la transparencia es para el Kalikenyo Rock de Juneda, no solo reconoció cancelar por escasa venta de entradas, sino que concretó la cifra: 241. Y el premio a la deportividad, para el Cala Pop de Fuengirola. En diciembre advirtieron no saber “si los vientos soplarán o no a favor de una nueva edición” y pusieron a la venta un lote de abanicos. El viento no sopló a favor y finalmente cancelaron. Varias caídas de eventos musicales se concentran en Vigo, donde la comunidad cultural está en pie de guerra contra el consistorio. Entre los motivos de cancelación más inusuales, el primer día del Tenerife Music Festival, debido a la visita del Papa, y los dos últimos del Barullo Fest (Logroño), porque murió un exalcalde.

Tormentas, incendios, olas de calor… y el eclipse

La crisis climática también empieza a afectar el calendario festivalero español. En junio hubo que suspender uno en una sala de conciertos de Bilbao por la ola de calor. Lo insólito, más allá de la combinación de estas tres variables (Bilbao, junio y calor) es que aquella matinal rockera se llamaba Here Comes The Sun Fest. El riesgo de incendio ha forzado a suspender jornadas o festivales enteros en Lleida, Ávila y Cáceres; alguno se reprogramó. Rachas de 80 y hasta 120 kilómetros hora se llevaron por delante ediciones en Jaén, Menorca, Lanzarote y Zaragoza. En el ciclo Puente Sonoro de la capital aragonesa, una integrante del dúo Lady Banana sufrió un accidente en la prueba de sonido a causa del viento.

Lo que antaño eran casos muy excepcionales hoy ya son situaciones que hay que prever. En los Conciertos de Viveros de Valencia este verano han sufrido de todo: reventones térmicos, olas de calor... y escasa venta de entradas. También en Europa ha habido más situaciones de emergencia climática de lo habitual. En Italia, las rachas de viento derribaron el escenario del festival Alien Sound. El festival húngaro de música electrónica Ozora se canceló tras la muerte de dos personas. Una de ellas sufrió un infarto, posiblemente debido a las altas temperaturas, en unos días en que el país sufría una severa ola de calor. Y en Inglaterra, el festival de música cristiana Big Church Fest se canceló tras la caída de una estructura que hirió a siete espectadores, uno de los cuales falleció.

Por si fuera poco con el millar de festivales que se celebran anualmente en España, en 2026 ha habido una hornada adicional de eventos vinculados al eclipse de sol del 12 de agosto. Algunos empezaron a planearse años atrás sabiendo que España era el único país europeo donde el eclipse sería total. Y, entre estos, varios eran de psytrance, un subgénero de la música electrónica especialmente popular entre el público israelí. La presencia de discjockeys y asistentes de Israel, algunos de los cuales son soldados, puso en alerta a colectivos de defensa de la población palestina. El festival Sigizia iba a celebrarse en La Sotonera (Huesca), el Astral Plane estaba programado en La Pinilla (Segovia) y el Iberia Eclipse ubicó en Vinuesa (Soria). Uno tras otro, los tres acabaron cancelándose.

Pinchazo o reajuste en el sector

Todavía faltan cuatro meses para que acabe el año, de modo que la lista de festivales cancelados podría rozar el centenar. La pregunta vuelve a estar sobre la mesa: ¿está pinchando la burbuja festivalera? Todo indica que el sector se está reajustando. La entrada de fondos inversores ha fortalecido a unos y debilitado a otros. Los festivales con una identidad consolidada no tienen problemas para llenar sus aforos, pero los que dependen de un cabeza de cartel vendedor deben arriesgar cada año más dinero sin saber si lo recuperarán. (Algunos aficionados al género aseguran que el verdugo del Reggaeton Beach Festival fue Bad Bunny y sus doce conciertos en España). Pero incluso en un contexto económico convulso hay quien se lanza a organizar festivales como si esto fuera coser, cantar y facturar. Entre los más de ochenta festivales cancelados en 2026, tres naufragaron en la primera edición. Quizá no sabían donde se metían.

Es pronto para asegurar que esta tendencia vaya a seguir llevándose festivales por delante en años venideros, pero Mobo Fest (Mallorca), Boombastic (Asturias), Sun And Thunder (Málaga) y Son Da Industria (Vigo) ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. Otros, como Dansàneu (Lleida), están en la cuerda floja. Saber si la gente se está cansando de ir a festivales es imposible, a menos que se contabilice la asistencia a absolutamente todos y se analice si baja el total de público o si solo se redistribuye. Pero las cifras de asistencia que aportan los festivales no están auditadas, por lo que es difícil de calcular.

Por otro lado, afirmar que en 2026 se habrán cancelado en España un 10% de los festivales que se celebran al año (cien de mil) implicaría asumir que todos los que se han suspendido esta temporada aparecían en ese listado. Y como ese censo, sistematizado y actualizado, no existe, no se puede arrojar un balance tan preciso. Como mucho, se puede constatar que el desmedido crecimiento del número los festivales de música en España ya no es tal crecimiento porque se ha frenado, pero que sigue desmedido porque nadie lo está midiendo.

Duran Duran, uno de los grandes grupos del movimiento británico new romantic, actuará en el Movistar Arena - Palacio de los Deportes de Madrid el 6 de noviembre de este año. Será un único concierto en España, dentro de su gira Free to Love Tour.

El cuarteto, integrado por sus miembros originales —Simon Le Bon (voz), Nick Rhodes (teclados), John Taylor (bajo) y Roger Taylor (batería)— presentará su nueva canción, Free to Love coescrita y producida por su colaborador habitual Nile Rodgers.

Las entradas saldrán a la venta a las 12:00 (CET) del jueves 3 de septiembre a través de la plataforma oficial de venta de entradas del recinto. Además, habrá una preventa exclusiva para los miembros de la comunidad VIP de Duran Duran, que tendrán acceso anticipado a las entradas a partir de las 10.00 horas del día 3.

Esta comunidad de fans es de pago y tiene dos tarifas: 40 dólares (35 euros) al año o 105 dólares (90 euros) con merchandising.

Esta gira llega cuatro años después del anuncio por parte del guitarrista Andy Taylor, que no girará con la banda y que revelaba un cáncer prostático en estado avanzado, diagnosticado en 2017.

El grupo tocará una selección de temas de su último álbum de estudio, Danse Macabre, además de grandes éxitos como Ordinary World, Girls on Film o Hungry Like the Wolf.

Un jurado popular de Las Vegas declaró este lunes culpable a Duane 'Keffe D' Davis de asesinato en primer grado por orquestar el tiroteo desde un vehículo que acabó con la vida del rapero Tupac Shakur en 1996.

El proceso judicial queda visto para sentencia a la espera de que un juez aplique la pena definitiva a la única persona acusada en relación a uno de los asesinatos más infames de la cultura del hip-hop en Estados Unidos. Davis permanecerá arrestado sin derecho a fianza hasta el 13 de octubre, fecha en la que la justicia del estado de Nevada dictará su sentencia, que lo enfrenta a una pena máxima de cadena perpetua.

La familia del legendario rapero se mostró visiblemente emocionada tras escuchar el veredicto del jurado, mientras el acusado se mantuvo impasible. El jurado inició este lunes las deliberaciones del caso tras escuchar, durante nueve días de audiencias, el testimonio de cerca de 30 testigos convocados por ambas partes para determinar la causa.

Davis, de 63 años, enfrentaba un único cargo de asesinato con arma mortal, agravado por la intención de promover, fomentar o ayudar a una organización criminal, y es la única persona que ha sido enjuiciada por la muerte del rapero.

El fiscal Binu Palal sostuvo ante el jurado que Davis, en complicidad con su sobrino Orlando Anderson y otros miembros de su grupo, persiguió a Shakur por motivos de venganza tras el altercado que el joven protagonizó con el rapero y su entorno en el hotel MGM Grand de Las Vegas.

Los alegatos de la fiscalía se sostuvieron en las memorias de Davis, tituladas Compton Street Legend, en las que detalló cómo organizó el ataque y consiguió el arma homicida utilizada en el tiroteo que terminó con la vida del icónico rapero en septiembre de 1996.

La defensa, por su parte, encabezada por el abogado Michael Sanft, buscó desacreditar esas mismas declaraciones, argumentando que Davis ha ofrecido versiones contradictorias del tiroteo y que gran parte de su relato se basa en hechos ficticios.

La muerte de Tupac Shakur, ocurrida el 13 de septiembre de 1996, cuando apenas tenía 25 años y se encontraba en la cúspide de su carrera musical, dejó un profundo vacío en la industria musical y décadas de especulaciones sobre quiénes fueron los verdaderos responsables de su asesinato.

Vive Morente leo en un dibujo en una pared frente al bar Provincias donde entro a tomarme dos cañas furtivas y camino del siguiente bar veo el rostro de Lorca sonriente en la bolsa de tela colgada del hombro medio rojo por el sol de una turista que no sonríe y en el tren que me trae a la ciudad y al pasado, pues los trenes que nos llevan a las ciudades donde nacimos emprenden dos viajes, en ese tren veo la silueta de la Alhambra y arriba el Generalife apuntados bajo un sol tímido que estallará a media tarde como una supernova.

Granada ha temblado durante semanas, agitada como está por la muerte y los muertos que no descansan desde el lejano 1936, manchadas las tapias de sangre que nadie ha limpiado. Esa es la sangre que alimenta la ciudad, un río como de óxido debajo del río tapado por el asfalto. Esta es la ciudad de los muertos y el rey de esos espectros es Lorca, al que se va a conjurar esta noche en una ceremonia que otros llaman concierto en la que sobrevolarán fantasmas y presencias y espíritus, el de Leonard Cohen, el de Jesús Arias, el de Enrique Morente. Las canciones salían entonces, éramos niños casi, no éramos hombres, de un cd comprado con el dinero malahorrado de poner copas en el bar donde una noche conozco a Antonio Arias, dos, tres años después de lo que él llama el tsunami o quizá no usa esa palabra y mi memoria la sustituye por la que usó, el tsunami al que sobrevivió y yo lo llamé victoria pírrica y a él le gustó ese término.

Espera la noche en el Generalife donde se cierra la residencia de tres días de la gira aniversario de Omega en la que Kiki Morente toma el lugar de su padre y se pone al frente de una banda de cantaores palmeros guitarristas percusionistas y Lagartija Nick y al girarme para buscar el rostro de mis amigos Alonso y Alba con los que subo siento mi vieja camiseta de Slayer quedarse enganchada, treinta años antes, en un agujero que alguien ha hecho en la verja de Feria de Muestras de Armilla para que nos colemos al Espárrago Rock y nos colamos porque tampoco podríamos haber pagado las entradas y venimos a ver a Morente con los Lagartija que andan paseando el estrenado Omega y allí antes del concierto bebemos, bebíamos, calimocho malo calentorro y aprendimos que la muerte anda siempre cerca, olisqueando y cuando escuchamos a Enrique cantar tú vienes vendiendo flores, tú vienes vendiendo flores, las tuyas son amarillas, las mías de tos colores, alguien dijo aquella tarde de abril, recuerdo el miedo que me recorrió, alguien dijo que el amarillo era la muerte para Lorca. Omega nos enseñó a morir y esta noche y aquella tarde coexisten en el tiempo último con los ojos cerrados por la muerte futura.

Consigo una lata de Alhambra en los camerinos antes de que empiece todo, un abrazo rápido al guitarrista Juan Codorniú, elegante en su traje de rayas, un beso a Isa, siempre sonriente, entreveo al Popo, percusionista alto, pendientes de oro, colgantes, y allí está Estrella, más guapa que nunca y Kiki va imponente de negro y me gustan estos minutos previos, los nervios entre ellos del ratito antes, los abrazos, los golpes cariñosos, las confidencias, esa mezcla de timidez prudencia y amabilidad. Y salen al escenario, cercado por cipreses y nadie se le olvidará esta noche lo cerca que estamos del cementerio. El flamenco es una puerta que se abre desde dentro, decía Antonio, al que ahora no veo entre los demás, andará por ahí calentando, me acuerdo de algunas risas, claro, de la desconfianza, me acuerdo de que Omega es fruto de su empuje y sufrimiento y compromiso y la intuición de Enrique y Aurora, Enrique sonriente aquella otra tarde que es también esta tarde, en Armilla, con un punto guasón como siempre tenía, a la vez intenso y jondo y no se me olvida, cómo podría, que algunos, ellos saben quienes son, torcieron la cara ante el disco y los conciertos. Mirad debajo de las camas, os digo, o en el azogue de los espejos porque os espera algo escondido, fruto del impulso eléctrico que surgió de vuestro desprecio. Cada año crece y un día crece tanto que te devora las tripas y te ves desangrarte tú y tu desprecio de entonces.

Empieza la ceremonia en el Generalife y no sé si el tiempo transcurrido está delante o detrás, si me precede o me sigue, los recuerdos del futuro, adelantarse al pasado, Enrique Morente en Armilla hace treinta años, Kiki Morente aquí.

Salen los rockeros, las máscaras blancas casi mortuorias los protegen de las miradas, los flamencos aparecen a un lado y otro, enlutados elegantes serios concentrados, primero conquistaremos Manhattan, canta Kiki, sigue Antonio, después conquistaremos Berlín. Se verán en la pantalla tras ellos soles ardientes lunas oscuras evocaciones fantasmagóricas de Enrique como interrupciones e interferencias, la aurora de Nueva York gime, cantan Enrique y Kiki, por las inmensas escaleras y luego Antonio, que es flamenco porque canta flamenco, agua que no desemboca y aparece Israel Galván, medias altas y tacones cresta de claveles, en nombre de los heterodoxos y los raros y su baile me recuerda que esta fue la música de los raros y los heterodoxos y un poco de los desposeídos y Kiki toma el centro del escenario, por derecho, los focos rojos, y canta Enrique y canta Kiki, quién te escribirá canciones de amor, aprendimos a querer el flamenco, y sigue el Kyrie Eleison y un Martinete nos lleva a Omega (Poema para los muertos) Enrique hablando a su madre, Kiki hablando a su padre, todos evocando la muerte y todos cantamos, no lo podemos evitar lo de no duerme nadie, por el cielo nadie, Enrique y Kiki cantan a la vez en dos tiempos que son el mismo tiempo, se superponen, Antonio a un lado y otro de los dos y sigue el toque fino elegante de Juan Habichuela Nieto, se escucha el grito de asesinao por el cielo y el Aleluya que evoca a los amores perdidos como si fueran muertos esta vez con los teclados de Jota Jota que adquieren una textura misteriosa, se canta por el desamor como si fuera una derrota final, la tierra por ser la tierra, se comerá mi dolor, se evoca el Alegato contra las Armas de Enrique y Kiki termina cantando aquellos versos que cantaron Lole y Manuel, Señor de los espacios infinitos, tú que tienes la paz entre las manos, derrámala Señor te lo suplico, y enséñales a amar a mis hermanos y el Pequeño vals vienés adquiere una tonalidad melancólica casi dulce, un beso inesperado, los labios calientes que nos recuerdan que seguimos vivos y que podemos bailar.

Omega es un juramento, dice Antonio en el escenario antes de que se despidan, y veo a Popo jalear, alto y alegre en ese canto de vida y muerte, y aparece Aurora y se echa una pataíta y su belleza tiene algo frágil, de la misma fragilidad de esta noche y puedo ver en el rostro de Kiki el rastro de una emoción que le cuesta contener y en Armilla al mismo tiempo treinta años antes Antonio canta una letra de Val del Omar, eléctrico éxtasis, movimiento continuo en alta frecuencia, eternamente en vuelo, suenan las guitarras duras y Enrique entra por tangos, gitana si me quisieras te compraría en Graná la mejor cueva que hubiera, y a un lado está él y al otro, en el Generalife está Estrella que irrumpe en el bis de Manhattan como irrumpía su voz en aquel disco y no nos hemos recuperado aún de haber escuchado su voz y se cierran dos cortinas rojas enormes que llegan hasta el cielo en dos tiempos y veo a Rocío llorando sin parar y qué mejor que derramar lágrimas aquí en la Alhambra, donde tanto se perdió.

Veintiocho años atrás salimos en silencio por la puerta principal de la feria de muestras de Armilla, sin que nadie se percate de que nos hemos colado, el agujero en la camiseta de Slayer, las zapatillas viejas siempre rotas llenas de polvo, de regreso al barrio, los bolsillos sin un duro como siempre, con algo de hambre, con sueño, entendemos ahora mejor la ciudad en la que nacimos, la ciudad que nos espera para morir. Giro la cabeza, de vuelta al presente si es que existiera el presente, me protegen los bosques de la Alhambra y volvemos, después de un abrazo rápido con Kiki y un ole y otro con Antonio, que se quita el sombrero. Camino junto a Mafo y Berta, un rato en silencio, con una sonrisa triste. Agradecido a los muertos por vencer.

Un grave problema cardíaco acabó en 2009 con la vida de Lux Interior. 35 años antes, junto a Poison Ivy, había fundado The Cramps, la banda que en pleno apogeo del punk recuperó el rockabilly para transformarlo y pervertirlo más aún de lo que ya lo estaba desde su nacimiento.

The Cramps fueron una gloriosa irregularidad. Reivindicaron las raíces del rock a través de sus clásicos, untándolos bien con influencias como la serie B fantástica, las bandas de garage, el cine de terror y nombres como New York Dolls, T-Rex y, por supuesto, The Stooges. Fueron toda una provocación. Le devolvieron al rock su carácter lascivo, aquel que le imprimieron Elvis y Little Richard, pero también un escuadrón de ilustres olvidados (Charlie Feathers, Kip Taylor...) cuyos nombres reivindicaron a placer a lo largo de su trayectoria.

Cuando la muerte sorprendió a Lux Interior en 2009, el grupo ya se había erigido en una banda mil veces imitada pero irrepetible a base de predicar esas canciones que, como proclamaba el título de su primer e histórico álbum (Songs The Lord Taught Us, 1980), el Señor les enseñó. Un oscuro evangelio cuyo valor aumenta a medida que pasa el tiempo.

Ivy e Interior eran una pareja muy unida, tanto en lo personal como en lo artístico. Sin Lux a su lado, para ella nada relacionado con los Cramps tenía sentido. Se retiró de la vida pública y de la música. Ese es el motivo por el cual, en una época en la que el pasado del pop es constantemente reciclado, reenvasado y puesto de nuevo a la venta, no han aparecido reediciones de los discos del grupo. Problemas contractuales y malas decisiones profesionales persiguieron a la banda prácticamente desde sus inicios.

Hasta la fecha, solamente su primer álbum fue reeditado para su lanzamiento en cedé (en 1990), incluyendo algunas rarezas como temas extra. Paralelamente a eso, el mercado se ha visto invadido por discos con directos y colecciones de maquetas o temas perdidos, publicados sin pasar por los controles de calidad de sus verdaderos responsables. Desde hace unos meses, la situación ha cambiado.

Larry Hardy, director del sello independiente In The Red (cuyo catálogo está repleto de bandas herederas de los Cramps) convenció a Ivy para crear una empresa a través de la cual gestionar el catálogo, la mercancía y los derechos musicales de la banda. The Cramps Inc cuenta también con la participación del cineasta Jimmy Maslon (director de dos videoclips del grupo y de un documental sobre Hershell Gordon Lewis, artífice del gore). A partir de ahora, la música de Cramps, tanto la publicada como la inédita, tendrá la presencia y el respeto que merece.

Gravest Gravy es la primera entrega de este programa de lanzamientos que fans y aficionados en general han aplaudido desde que se anunció hace un par de meses. Publicado por Vengeance el pasado 21 de agosto, la marca que el grupo creó en 1977 para sacarse sus primeros sencillos (y agotadas ya las ediciones en vinilo), rescata las sesiones que registraron en octubre de 1977 en los estudios Ardent de Memphis, Tennessee, de la mano de Alex Chilton. De aquellas sesiones ya se conocían las canciones Surfin’ Bird, The Way I Walk, Human Fly, Domino y Lonesome Town que acabaron dando forma al mini álbum Gravest Hits (1978) y que recopilaba los dos primeros singles de la banda y un tema que no figuraba en ellos.

En 1989, Lux e Ivy mezclaron varios de los temas de Ardent que habían quedado sin estrenar para publicarlos en un álbum. Luego surgieron otras prioridades y el proyecto fue archivado. En 2008 decidieron retomarlo, pero la muerte de Interior impidió nuevamente que viera la luz. Gravest Gravy era un disco ya hecho, con los temas, la portada y el título decididos. Durante una visita a casa de Ivy, Hardy vio una caja con las cintas y preguntó qué era aquello. Así empezó todo. Dos fans devotos, Henry Rollins e Ian McKaye (Fugazi), han supervisado la edición del álbum con doce temas donde el embrión del sonido de The Cramps ya está más que formado.

Cuando se grabaron estas canciones, los Cramps ya empezaban a estar hartos de cómo se les trataba en Nueva York. La escena underground de la ciudad siempre tuvo a gala ser muy diversa, pero por lo visto, esa diversidad tenía unos límites. La crítica local se tomó su estilo como un chiste revivalista y muchos compañeros de escena los miraron por encima del hombro, a pesar de que algunos, como ocurrió con Ramones, les copiaron ideas.

Ivy y Lux habían llegado allí a finales de 1975, atraídos por el aura de una de sus formaciones favoritas, los New York Dolls. Estos acababan de separarse cuando llegaron allí, pero la ciudad les pareció perfecta para desarrollar el grupo que la pareja tenía en la mente. Su planteamiento era hacer música que devolviera el rock & roll a sus raíces más salvajes. Para ganarse la vida y poder poner en marcha la banda, Lux empezó a trabajar en una tienda de discos, mientras que Ivy se ganaba el sueldo como dominatriz.

En la tienda, Lux conoció a un comercial, admirador de Brian Jones, elemento perfecto para acabar de consolidar el grupo. A ambos les unía la pasión por los Stooges y a Ivy le llamó la atención que ella y Gregory cumpliesen años el mismo día. A él, una pitonisa le había dicho que en uno de sus cumpleaños conocería a alguien que le cambiaría la vida.

Lux era el vocalista, Ivy la guitarrista, pero Gregory se negó a tocar el bajo, instrumento fundamental en el rockabilly. Se empecinó en tocar la guitarra y su estilo marcó el sonido primigenio de los Cramps. El sonido de ella era más respetuoso con el del rock & roll clásico, inspirándose en gente como Link Wray, pero también en instrumentistas como The Duchess (alias de Norma Jean Wofford), Peggy Jones, Gloria Jolivet, Cornelia 'Cookie' Redmond o Debbie Hastings. “No sé por qué tocar la guitarra se considera un arte masculino —declaró—, salvo porque los hombres se han apropiado de ello. No requiere una fuerza especial ni un patrón cerebral masculino. De hecho, es algo muy femenino”.

Por su parte, Gregory se inclinaba más por el ruido y la distorsión y eso le dio un toque más contemporáneo a las grabaciones en las que participó. Le gustaba Elvis, pero también modernos como Gang Of Four y PiL. Esto derivaría en una serie de diferencias creativas que culminaron con su abrupta salida del grupo en 1980. Antes de eso, el caos y la violencia de su guitarra colaboraron a que Songs The Lord Taught Us se convirtiera en la obra maestra que es.

Los Cramps que se fueron a Ardent estrenaban nuevo batería. Tras haber probado suerte durante sus primeros dos años con Pam Balam primero y con Miriam Linna después, Nick Knox se había hecho con el puesto. A pesar de que tuvo que aprenderse el repertorio en unos días, su aportación sonora ya es notoria en Gravest Gravy. Su manera de golpear la batería, básica y rudimentaria, abre TV Set, una de las canciones emblemáticas de la formación en la que Interior ejerce como solamente él sabe hacerlo de Elvis poseído por Satanás mientras Gregory cortocircuita la canción con uno de sus característicos solos.

En el blog de Bandcamp, Henry Rollins destacaba que uno de los méritos de este disco es que incluye versiones que formaban parte de los primeros directos y que fueron desapareciendo a medida que iban saliendo las canciones originales. Entre dichas joyas ajenas está Hungry, de Paul Revere & The Raiders, y Problem Child, de Sam Phillips, fundador de Sun Records, cuna discográfica de Elvis, Carl Perkins y otros pioneros del rock & roll.

Los Cramps tuvieron ocasión de conocerlo durante aquella primera estancia en Ardent. “Le contamos que teníamos todos los singles de Sun, y él nos dijo: ”Bueno, ¿sabéis una cosa? Tenéis suerte“. Llevaba unas de esas enormes gafas que le agrandaban los ojos; parecía un monstruo del espacio exterior”. Así relataba Lux aquel encuentro a Dick Porter en el libro Viaje al centro de los Cramps (cuya edición en castellano en Liburuak ya lleva tres ediciones, la última de ellas con traducción revisada).

La idea era grabar solamente los temas necesarios para los singles que querían sacar, pero Chilton, otro personaje musical al margen de modas y fiel a sus gustos, los animó a que registraran todo lo que tenían. Por lo tanto, Gravest Gravy no es una colección de maquetas sino un disco que pudo haber sido el primero de la banda. Contiene versiones más salvajes de I Can’t Find My Mind y The Natives Are Restless, que volverían a hacer en su segundo álbum, Psychedelic Jungle (1981) con Kid Congo Power sustituyendo a Gregory. También están Twist & Shout y Weekend On Mars, ambas firmadas por Interior/Ivy, que nunca aparecieron en sus discos de estudio. En su crítica para Record Collector, Johnnie Johnstone, hablando de su versión de Hungry, dice algo que sirve para definir la esencia de los Cramps: “Es una brillante muestra de su genialidad para degradarlo todo hasta extinguir cualquier atisbo de decencia”.

Viendo la evolución de Rusia en estos quince años, resulta aún más sorprendente la irrupción de Pussy Riot en 2011. Nos enamoramos de ellas cuando salieron, con los rostros protegidos por balaclavas chillones, haciendo el punkarra a la catedral de Moscú en 2012. Fueron rápidamente detenidas y encarceladas. En aquel momento, nos pareció que lo que estaban desafiando era a la religión. Años después, entendimos que era a la democracia misma.

En el imprescindible documental Una plegaria punk (producido por HBO, se puede ver en Filmin) vemos cómo se desarrolló el juicio que las sentenció a dos años de prisión por haber “socavado el orden social” aquel día en la iglesia ortodoxa. Nadezhda Tolokónnikova, a quien vimos en el banquillo con una camiseta con el lema antifascista español “No pasarán”, dijo que la sentencia era un síntoma de que “la libertad está desapareciendo” en Rusia. Un síntoma y un presagio de que vendrían cosas peores.

Las integrantes de Pussy Riot en el exilio siguen recibiendo condenas, sin estar siquiera detenidas. El año pasado, Mariya Alyokhina, en busca y captura desde 2022 y que ya había pasado por la cárcel tras el primer juicio, fue sentenciada a 13 años de cárcel por criticar la invasión de Ucrania.

Y no es solo la libertad religiosa, Putin o la guerra en Ucrania. “En Rusia, si eres gay, te pueden matar sin miramientos. Cuando comienzan este tipo de ataques, es fácil llegar al fascismo. Es precisamente contra lo que luchamos”, dijo Alyokhina en una entrevista con elDiario.es en el año 2019.

Actualmente, Rusia tiene una lista pública de 22.000 personas a las que considera “terroristas o extremistas”, Pussy Riot está entre ellas. El objetivo es hacer pasar la disidencia por terrorismo, y así aplastar a activistas como ellas.

Esta semana ha saltado una historia difícil de interpretar sin contar con mayor información de contexto. En una entrevista en un medio ruso, una excomponente de Pussy Riot —Margarita Konovalova, apodada Rita Flores— reveló que fue reclutada por la inteligencia rusa para espiar a sus compañeras y su entorno.

Según Flores, los agentes que la detuvieron la extorsionaron, amenazándola con convertirla en “el mayor satanás de toda Rusia”, según sus palabras. También le aseguraron que matarían a su familia si no cooperaba.

El primer trabajo de Flores (nombre en clave, Harley) como espía fue redactar perfiles de un par de folios de un alista de artistas que le dieron, como el creador de street art Philippenzo o el performer Pavel Krisevich. La agencia de espionaje (FSB, heredera de la KGB), le pidió que averiguara información muy personal de ellos, en especial si estaban deprimidos: “Porque si están deprimidos, significa que están enfermos. Así que podemos trabajar con eso”, afirma que le dijeron. La táctica de Rita Flores fue suministrar información inservible, una gran cantidad de detalles que ella consideraba inofensivos, como cuál era la marca de cerveza favorita de estas personas. Otro recurso que utilizó para entorpecer este trabajo fue alejar a las personas, procurando que se enfadaran o se enemistaran para que así fuera imposible obtener información.

La peor de las misiones se la asignaron el verano pasado: participar en el asesinato de su exnovio. Precisamente, Rita Flores había sido captada, según narró, durante el registro de su domicilio durante la investigación contra su ex, Pyotr Verzilov, editor del medio crítico Mediazona y colaborador de las Pussy y otro grupo similar, Voina. A Verzilov le acusaron de “difundir noticias falsas sobre el ejército ruso”. Casi tres años después de aquella investigación, y con Verzilov exiliado, se encontraba con que la FSB le pedía que se citara con él en un café de Serbia, donde le prepararían una emboscada.

La reacción de Flores fue extravagante, pero funcionó. Utilizó la moral rusa, contra la que ella había peleado, en su beneficio: se casó con su novio actual de un día para otro. Después se dirigió a los servicios de inteligencia y les dijo: mi marido no me deja que me encuentre con mi ex, ¿qué clase de mujer sería si lo hiciera? Y funcionó.

Esta historia debería hacernos saltar directamente al libro que publicó el año pasado Nadya Tolokonnikova, titulado Police State, que recoge el material que la artista utilizó en la exposición que comisarió en Los Ángeles, donde se mostraron obras realizadas por artistas disidentes rusos en prisión o que habían pasado por ella. Durante aquella muestra, sucedieron protestas contra el ICE en la puerta del MOCA y también del movimiento No Kings Day, que han sido incorporadas al libro.

Acompañando un vídeo que Tolokónnikova grabó cantando junto a soldados ucranianos de la Brigada Jartia, la artista escribió en un post: “Nadie está a salvo mientras la Rusia totalitaria siga incontrolable”.

La música tiene mucho que ver con las emociones, ya que existen melodías que nos hacen sentir alegría, y muchas otras que nos generan tristeza o ira. Un nuevo estudio, publicado en Scientific Reports revela que determinados géneros, como el heavy metal, podrían ayudar a los pacientes con dolor crónico a dar rienda suelta a sus emociones reprimidas y a gestionar el malestar.

Las personas utilizan la música para satisfacer una gran variedad de necesidades y funciones socioculturales. Entre sus beneficios, los expertos señalan que este tipo de arte es capaz de regular el estado de ánimo y promover el autoconocimiento y las relaciones sociales. En función del género musical, escucharla puede ir más allá del disfrute estético y convertirse en un momento de confrontación personal de sentimientos intensos como la tristeza o el enfado.

En este sentido, el estudio analizó si asistir al festival de heavy metal en 2023 Wacken Open Air en Alemania pudo proporcionar alivio ante el dolor. Los investigadores concluyeron que si bien la sensibilidad al dolor no difería de la del resto de personas, su tolerancia fue mayor entre los metaleros.

“Hasta ahora, sabíamos que la ira reprimida era lo que más influía en la intensificación de las sensaciones de dolor en pacientes con dolor crónico, explica la coautora del trabajo e investigadora del Instituto Max Planck de Ciencias Cognitivas y Cerebrales, Lydia Schneider. ”Queríamos investigar si la experiencia de esta sensación cambiaba mediante un género musical como el heavy metal, que expresa muchas emociones desagradables como la ira“, explica.

Bajo el agua helada

La experta viajó al Wacken Open Air en 2023 en Alemania con el fin de estudiar a los aficionados del metal in situ y analizó la tolerancia al malestar de 122 aficionados a este género musical.

Para saber su grado de tolerancia, analizó el tiempo que podían mantener la mano y el antebrazo en un dispositivo de agua helada mientras que les medía la frecuencia cardíaca a través de un electrocardiograma.

“Hubo mucha gente que quiso participar en el proyecto, y nos dimos cuenta de que la ciencia desempeña un papel importante en este ámbito”, señala Schneider. “Las correlaciones se apreciaron con mayor claridad cuando solo se tuvieron en cuenta a los participantes que no bebieron alcohol, bebieron poco o una cantidad moderada a lo largo del día de la prueba”.

Los asistentes fueron capaces de soportar el dolor provocado por el frío durante más tiempo que el grupo de control

El estudio concluyó que la intensa experiencia musical a lo largo de varios días consecutivos en el festival de metal no tuvo un efecto negativo en la forma en la que los participantes percibían el dolor. Al contrario, los asistentes fueron capaces de soportar el malestar provocado por el frío durante más tiempo que el grupo de control.

“Esto parece indicar que se volvieron más resilientes gracias al festival”, apunta la investigadora, un hallazgo que sugiere que los asistentes aceptaban mejor las sensaciones desagradables y se centraban en los factores sobre los que sí tenían control.

Según concluye el coautor del trabajo e investigador de la institución alemana, Tom Fritz, estos resultados son muy relevantes para los pacientes con dolor crónico, ya que aceptar estados emocionales desagradables o situaciones difíciles desempeña un papel fundamental en la resiliencia y la tolerancia al dolor. A su juicio, escuchar música que transmita ira puede resultar positivo para este tipo de personas, porque permitiría regular dicha emoción en lugar de enmascararla con otras más alegres.

Este estudio sugiere que el metal —o la música que transmite ira en general— podría desempeñar un papel preventivo para pacientes que experimentan esta emoción debido al dolor. No obstante, hacen falta más investigaciones para ver si los resultados son replicables en otros eventos.

El reconocido músico y compositor uruguayo Rubén Rada ha muerto este miércoles a los 83 años en Montevideo, tal y como ha confirmado su propia familia a través de un comunicado. Según informaron sus allegados, la muerte se ha producido tras batallar durante un mes contra una “neumonía y sus complicaciones”.

En la nota, la familia ha querido agradecer el cariño recibido durante este proceso: “Gracias a todos por los mensajes de preocupación y amor de hoy y siempre. Infinitas gracias al equipo profesional que hizo todo lo posible y más”. Tras conocerse la muerte del artista, la vicepresidenta uruguaya, Carolina Cosse, ha querido recordar al artista asegurando que “siempre nuestro Negro Rada estará presente”.

La estrella de la música popular latinoamericana triunfó al fusionar ritmos tradicionales como el candombe con el jazz, el rock y el pop. Nacido en 1943 en el Barrio Sur de Montevideo (cuna del candombe), dio sus primeros pasos musicales con apenas diez años al integrarse en la comparsa Morenada.

A lo largo de más de seis décadas de carrera, el artista formó parte de agrupaciones fundamentales para la música rioplatense como Los Hot Blowers, El Kinto Conjunto y Tótem. Con más de treinta álbumes a sus espaldas, firmó himnos icónicos como Mi País, Las Manzanas o Muriendo de Plena.

Además de la música, también participó en el cine y la televisión. Estuvo en programas como Telecataplúm, Gasoleros y Los Roldán, además de actuar en largometrajes como El Chevrolé o poniendo su voz en el doblaje de Los Increíbles. En 2024, su trayectoria fue llevada a la gran pantalla a través del documental Rada: la película, y este mismo año celebró su 83º cumpleaños lanzando el proyecto audiovisual ¿Quién va a cantar? junto a la banda La Vela Puerca.

En el año 2011, la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación le dió el Premio a la Excelencia Musical (Grammy Latino) en reconocimiento a su aportación a la música latinoamericana. Aquel premio dejó una de sus anécdotas más contadas porque el cantante olvidó el trofeo original en el taxi que le llevaba al aeropuerto tras la gala. Al llegar a Montevideo y no querer admitir el despiste ante la prensa, terminó pagando 500 dólares de su bolsillo para recibir una réplica. “Fui el único artista que pagó por su propio Grammy”, recordaba años después.

Rada mantuvo siempre una firme defensa de la cultura popular y de las raíces afrodescendientes a través del candombe, al que definía como la “pasión y patrón” de su alegría. Un compromiso con la identidad de Urugay que mantuvo intacto hasta sus últimos días de vida. Su legado e influencia intergeneracional quedaron plasmados también en sus colaboraciones con las nuevas corrientes de la música urbana latina. Su última participación fue en Uruguay, tema junto al rapero argentino Trueno, donde Rubén Rada aportó su inconfundible sello de candombe y tambores, tendiendo un puente entre la música contemporánea y las raíces tradicionales del Río de la Plata.

Los mensajes de despedida de amigos y compañeros no se han hecho esperar dentro de la industria musical latinoamericana. Figuras del rock y la canción de autor como Fito Páez le han despedido en redes sociales calificándole como el “gran caudillo del amor, la música, la risa y el swing”, mientras que Charly García y David Lebón expresaban su pesar por la partida de “un gigante y un gran amigo”.

También la cantante y actriz Natalia Oreiro recordaba la calidez y genialidad de Rada afirmando que “a él no se le va a extrañar, porque cada rincón y cada canción lo mantendrán siempre presente”, unas palabras a las que se sumaba Emiliano Brancciari, vocalista de No Te Va Gustar, con una pregunta que resume la conmoción del panorama cultural: “¿Y ahora, quién va a cantar?”.

Ahora que ha pasado un tiempo prudencial podríamos proponer que ser una persona “brat” es lo mismo que ser una persona bastante nihilista. Aun así, el término estuvo tan de moda en el verano de 2024 —el Brat Summer, para más señas— como para que la propia Charli XCX tuviera que correr a definirlo una vez el disco homónimo amasaba un éxito sin precedentes en su carrera, aseverando que aquello de “mocosa” o “mocoso” remitía a una persona desastrosa, a la que le gusta salir de fiesta y hacer idioteces de vez en cuando. “Que se siente ella misma aunque pueda venirse abajo. Muy honesta, un poco volátil y como que hace cosas estúpidas. Y es brat. Tú eres brat. Eso es brat”.

¿Kamala Harris era brat entonces? Cuando la candidata del Partido Demócrata se apropió de la palabrita de cara a las elecciones presidenciales muchos se sintieron ultrajados, todo perdió gracia abruptamente y el Brat Summer concluyó como una intensa exhalación. Aun así, ¿con qué autoridad podíamos establecer qué es o no es brat, si la etiqueta es así de voluble (“volátil”) y solo refiere a una vaga actitud de estar frente al mundo altamente contagiosa, ferozmente contemporánea? Es una actitud en la que cualquiera puede reconocerse, pues no solo apela esa autenticidad que, sea aspiracional o autocomplacientemente, tan bien cotiza en nuestro tiempo, sino también al presentismo y la búsqueda del placer de forma irresponsable, sin rendirle cuentas a nada ni a nadie.

Declararse brat es lo mismo que aceptar que no existe un futuro o una trascendencia. Que podemos fiestear sin pensar en el mañana, 365, en un verano eterno de gozo y desenfreno. Así que tiene mucha lógica que el final del Brat Summer haya sido tan traumático para su creadora. Una vez se agotó el frenesí y tocaba preguntarse “y ahora qué”, la reacción de Charlotte Emma Aitchison no ha podido menos que ser errática, fundirse en el familiar shock que sobreviene cuando prenden las luces de la discoteca y nos vemos rodeados de rostros demacrados. Music, Fashion, Film es el disco que ha venido a continuación. Charli XCX lo publicó el pasado 24 de julio, dos veranos después del Brat Summer, y no es que haya estado desaparecida entre tanto ni mucho menos.

De hecho, y ya que este 28 de agosto se estrena en cines en España —tras su paso por el Atlàntida Mallorca Film Fest— Erupcja (Filmin), una minúscula película independiente con Charli XCX de protagonista, es posible reconstruir una cronología muy reveladora. Descubriendo así que lo primero que hizo la artista británica cuando lo brat no daba más de sí fue marcharse a Polonia en compañía de un cineasta estadounidense llamado Pete Ohs.

Después del verano

El rodaje de Erupcja tuvo que ser, por fuerza, revelador para Aitchison. En los casi dos años transcurridos desde entonces hemos asistido a un viraje interesantísimo en su figura pública, pasando del descaro arrogante de Brat a las humildes palabras con las que comienza el making of de Music, Fashion, Film: “Adoro la música, la moda y el cine, pero no es que sea una experta en ninguna de esas cosas. Simplemente son parte intrínseca de lo que es mi vida”, admite la cantante poco antes de que irrumpa Rock Music, primer tema del álbum, y se la escuche cantar “I think the dance floor is dead”, “creo que la pista de baile ha muerto”.

La portada de Music, Fashion, Film reúne a tres representantes de estas tres pasiones de la artista: el músico John Cale, el diseñador Marc Jacobs y el cineasta Martin Scorsese. La lectura es sencilla y apuntaría a que, como forma de superar el final del Brat Summer —y sobreponerse a la que indudablemente va a ser la cumbre de su carrera, el fenómeno cultural por el que se la recordará—, Charli XCX se ha refugiado en sus pasiones. Se ha apartado asimismo del hyperpop y el espectro ravero que intensificaban la euforia de Brat en favor de guitarras eléctricas y algo, concedamos, similar al rock, pero lo verdaderamente significativo del disco pasa por este diálogo que Charli XCX entabla con la música, la moda y el cine. Con especial importancia de este último.

Al fin y al cabo es sobre todo lo que ha hecho en estos dos años: probar suerte en la industria cinematográfica. No es que haya sido una sorpresa. Los coqueteos de Charli XCX con el cine se remontan a su primerísimo disco, en 2013, con el título True Romance, citando directamente la película de Tony Scott (conocida en nuestro país como Amor a quemarropa), y han llegado a venirle muy bien para consolidar su título de abanderada de la generación milenial —como muestra su tema 1999, consagrado a la nostalgia de esa época con citas a Titanic y Matrix— mientras, por supuesto, iban llegando colaboraciones sustanciosas. Películas como Bajo la misma estrella, El club de las luchadoras o Barbie pudieron entonces beneficiarse de sus composiciones.

Pero indudablemente hay un cambio después del Brat Summer. La aportación a las bandas sonoras da forma a discos enteros —caso del estupendo álbum que acompañó a Cumbres borrascosas de Emerald Fennell, precediendo otra contribución al repertorio de Anne Hathaway en Mother Mary— y, sobre todo, empiezan a llegar los pinitos como actriz. A una velocidad ciertamente sorprendente, elucubrando Music, Fashion, Film tras una parálisis creativa —ella misma lo ha confesado— que se traduce en festivales de cine independiente con varias películas de Charli XCX en la programación. Erupcja se proyectó originalmente en el festival de Toronto de septiembre de 2025, acompañando una sátira de Romain Gavras titulada Sacrifice donde Aitchison contaba con un pequeño papel.

Más tarde, en el festival de Sundance a principios de este año —dejando por ahora de lado un controvertido filme de terror, Faces of Death—, nos topamos con I Want Your Sex de Gregg Araki y The Gallerist de Cathy Yan. Y, naturalmente, con The Moment. La respuesta más directa posible al Brat Summer: una sátira sobre el mundo de la música donde Aitchison se interpreta a sí misma —algo que ya había hecho brevemente en una serie previa de Amazon, Impostura— en medio de una delirante campaña por alargar el verano todo lo posible. Este filme de Aidan Zamiri —director de algunos de los videoclips de Charli XCX— buscaba ahondar en ese temible “y ahora qué”.

No es que fuera gran cosa, por lo demás. La película mostraba a Aitchison atrapada en una maquinaria agónica, cansada de la fiesta y buscando algo nuevo a lo que aferrarse sin que esta desigual comedia llena de vacuos estilismos a lo Succession —compartiendo incluso a Alexander Skarsgård en un rol secundario— llegara a encontrarlo. Solo atinaba a enunciar esa necesidad, a representarla en un momento previo a lo que parece haber conseguido en Music, Fashion, Film: no hablar de ella misma, sino de lo que le gusta. Algo que se parece mucho a la humildad, y justo de humildad habla Erupcja. La obra que realmente lo empezó todo.

La protagonista que ya no quiere serlo más

Resulta apropiado, entonces, que el estreno español de Erupcja le quede tan cerca a Music, Fashion, Film. Pete Ohs es un director independiente adscrito tardíamente al mumblecore —ese cine estadounidense minúsculo que durante los primeros 2000 se ceñía a treintañeros balbuceando sus diálogos (mumble)— y planteó Erupcja no solo como un divertimento ligero, sino como un escenario de trabajo colaborativo, algo así como horizontal: el guion de esta dramedia fue escrito por él junto al resto de intérpretes, incluida Charli XCX. Ella encarna a Bethany, que durante un viaje a Varsovia en compañía de un novio (Will Madden) a punto de pedirle matrimonio se reencuentra con una presencia del pasado (Lena Gora) con quien acostumbra a tirar su vida por la borda.

La relación episódica de Bethany y Nel es de lo más intensa, porque cada vez que cruzan sus caminos un volcán entra en erupción en algún rincón del mundo. Es lo que sucede, se reencuentran y la tierra tiembla, son el centro del universo y, por así decirlo, las únicas personas que existen. Erupcja, durante 70 concentradísimos minutos, ahondará en esta relación y en las consecuencias desagradables que tiene para la gente de alrededor, así como para las propias amigas/amantes cuya filiación volcánica ha sumido en un estado continuo de inmadurez. Su egoísmo hedonista, su incapacidad para comprometerse, vertebra una idea clarísima por mucho que la interpretación de Aitchison sea tirando a taciturna: es una brat. Sigue siendo una brat.

Nos reencontramos con ese nihilismo veraniego en las calles de Varsovia, en torno a una huida constante que la propuesta de Ohs, sin tampoco cargar demasiado las tintas —sus inquietudes, en la línea de Lost in Translation, apuntan más a la capacidad de una ciudad ajena para intensificar el extrañamiento social—, describe atendiendo al muro con el que siempre habrá de chocarse. Una cosa es que lo aprendan o no, pero lo que Bethany y Nel necesitan esencialmente es salir de su ensimismamiento, del modo que sea. La estrategia que Charli XCX parece haber encontrado en el mundo real no radica tanto en afrontar otros desafíos artísticos o diversificar su firma —algo a lo que ya nos tiene más que acostumbrados la escena pop— como en encomendarse a sus pasiones.

Un viraje que, sí, pasa porque ahora quiera demostrar que puede hacer cine, pero es algo distinto a lo de Rosalía con aquel pintoresco personaje de Euphoria. Mientras que esta se apunta a la serie más popular de HBO, Charli XCX transita por el cine indie y, discretamente, sigue interrogándose a sí misma. Comprende que lo único que queda de Brat es el recuerdo de su elaboración, fuera de las recompensas instantáneas de un mundo finalmente engañoso de tan emborronado que está por su propio ego. Queda el vértigo de haber creado, y la pasión con la que sea capaz de afrontar un futuro fuera de ese disco (ese Momento), conformada a su vez por otras muchas pasiones.

Son pasiones que desbordan la individualidad de Aitchison y la conducen, por ejemplo, a dedicarle una bella canción de amor a su productor A.G. Cook en este último disco, Magic Metal Montana. O a un estremecedor corte final donde David Cronenberg se pregunta por cuál es la verdadera trascendencia. Y confluyen, sobre todo, a este homenaje a la música, la moda y el cine que desde luego tiene mucho de infantil, pero solo porque sentirse niña y no mocosa —ser proclive al asombro, a que siempre pueda haber algo más— es condición de posibilidad para esquivar la tentación nihilista. “Nothing’s gonna save us, not music, fashion or film”, canta Charli en otro tema. Y mientras canta sonríe melancólicamente, pues ya se ha acabado el verano y tampoco pasa nada.

La legendaria estrella de la música country, Dolly Parton, ha muerto este martes a los 80 años, tal y como ha confirmado su familia en un comunicado. Según informó su equipo a la revista People, ha fallecido tras un cáncer que ha sido “breve”. La artista estaba ingresada en un centro médico especializado en Nashville, Tennessee.

Su sobrino, en representación de la familia Parton, ha sido el encargado de dar la noticia en redes sociales. “Hola a todos, mi nombre es Brian Seaver, hijo de Cassie Parton, y hoy represento a la familia de Parton y Owens, anunciando la muerte de mi tía Dolly, Rebeca Parton Dean”, ha iniciado.

“Este anuncio de vídeo es algo que Dolly me pidió hace años, antes de que lo absorba completamente como una realidad futura. Es un honor, un honor mezclado con absoluto orgullo y gran tristeza, pero la tristeza está con nosotros, no con Dolly”, ha razonado.

Bryan Seaver ha destacado que “Dolly ha vivido en la luz” y “está en los brazos de Jesús, seguramente conocida por Carl, sus padres e innumerables personas que la han observado y esperaban encontrársela en los cielos”.

“De niño salí al mundo con Dolly, probando lo que era la vida en la carretera al principio de los 80. Dolly abrió puertas, no solo para mí, sino para toda su familia, para alcanzar un potencial que ni siquiera imaginábamos”, ha señalado.

El sobrino de la leyenda del country ha destacado que su familia y él han compartido un tiempo de vida “de hermosos recuerdos con Dolly”, pero también “con vosotros”, sus fans. “Siempre ha estado en vuestra televisión, en vuestros tocadiscos, en vuestros cedés y en vuestra playlist del móvil, siendo una parte extendida de vuestra familia, tanto si os gustaba su música como si no”.

El emblemático Empire State Building de Nueva York se ha iluminado de color rosa en tributo a la legendaria cantante.

Extremadamente pobre

La estrella del country triunfó con himnos como Jolene, como se llamaba también su álbum de 1974, y también con otros que se popularizaron después y con la voz de otras cantantes. Es el caso de I Will Always Love You, escrito por ella, con la que alcanzó el número uno de la lista de las Hot Country Songs en los setenta, pero que irónicamente arrasaría dos décadas después gracias a la película El guardaespaldas, cantada por Whitney Houston.

Fue con Here You Come Again, la canción que daba nombre a su disco en 1977 con el primero con el que, realmente, arrasó en ventas logrando un millón de discos vendidos. Entre premios honoríficos y los logrados por sus canciones amasó hasta 12 premios Grammy, además de un Oscar honorífico. Sin embargo, el premio de la Academia de Hollywood a la mejor canción se le resistió las dos veces que optó al mismo, en 1981 por la composición para la película Cómo eliminar a su jefe y en 2006 por su tema para el filme Transamérica.

Empezó a cantar de niña en la iglesia y con tan solo diez años ya aparecía en programas locales de radio y televisión. Nació en 1946 en una pequeña cabaña en Sevierville (Tennessee, Estados Unidos), en el seno de una familia que siempre ha descrito como “extremadamente pobre”, siendo la cuarta de doce hermanos. Tiempo después consiguió su primer contrato discográfico, con Goldband Records, y en 1959 lanzó su primer sencillo, Puppy Love.

Ese año apareció por primera vez en el ciclo Grand Ole Opry, un reconocido programa de country, en el que conoció a Johnny Cash, que vio su potencial y animó a que lo aprovechara. Un año después de acabar el instituto se mudó a Nashville, donde poco a poco fue forjando su carrera hasta convertirse en toda una estrella mundial. Y lo logró, tanto por su voz como sus temas. A ella le debemos himnos como I Will Always Love You y Jolene.

Una de sus mayores fuentes de ingresos fue el parque temático Rabel Railroad que abrió sus puertas en 1961, y que la cantante coadquirió en 1986, cuando lo rebautizó como Dollywood. El complejo cuenta con un parque acuático, hoteles y campos de golf. Dentro del parque en sí hay hasta una iglesia, Dolly Chapel, en la que los visitantes más fans pueden casarse.

Hay una réplica de la cabaña en la que se crio, un museo propio que incluye el vestuario de muchos de los filmes en los que ha participado, sus premios y estilismo de sus conciertos. Hay atracciones como una de las montañas rusas de madera más rápidas del mundo, actuaciones en directo, espectáculos y festivales. Entre ellos, además de la National Gospel and Harvest Celebration y el Festival of Nations, en el que se presenta a artistas de todas las partes del mundo; está Smoky Mountain Christmas, una celebración navideña conformada por conciertos especiales, comidas y otras atracciones, todo decorado hasta el más mínimo detalle.

Respaldo a las personas trans

Más allá de su impacto musical y empresarial, Dolly Parton construyó a lo largo de más de seis décadas una figura pública que sigue uniendo a los estadounidenses. A pesar de que Parton nunca se posicionó a favor o en contra de ningún partido, la artista siempre mantuvo una decidida postura en favor de los derechos humanos. Defendió abiertamente el matrimonio entre personas del mismo sexo antes de su legalización en Estados Unidos y respaldó a la comunidad transgénero frente a las restrictivas leyes de uso de baños públicos.

En una entrevista concedida al medio especializado Pride Source, la cantante recordó cómo desde su juventud convivió con personas homosexuales en su propio entorno y familia: “Son parte de nuestra comunidad y son quienes son. No tratamos de que se sientan diferentes o marginados, los aceptamos”, afirmó al defender que todas las personas deben poder mostrarse de una manera libre y respetada. Además, a finales de los 80 produjo un documental sobre la situación del sida en Estados Unidos, Oscar Common Threads: Stories from the Quilt, en un momento especialmente delicado para la aceptación de la comunidad LGTBIQ+.

En el mundo audiovisual a través de su compañía Sandollar Productions ejerció como productora de la película y la célebre serie Buffy, cazavampiros. Aunque su nombre no figuraba explícitamente en los créditos finales, su implicación fue clave para impulsar y desarrollar la serie, tanto fue así que en homenaje los creadores hicieron coincidir el cumpleaños del personaje principal con el de la artista, el 19 de enero.

Esa firmeza a favor de las políticas sociales se extendió también a la lucha contra el racismo y a la igualdad de género. En 2020, tras las movilizaciones por la muerte de George Floyd, la cantante apoyó públicamente el movimiento Black Lives Matter y decidió renombrar sus espectáculos para eliminar referencias vinculadas a la historia de la esclavitud en el sur de Estados Unidos.

La artista fue también un icono para la tercera ola feminista en los 80. En el libro Dolly Parton: Un retrato americano, aborda el tema y cuenta: “Si ser femenina me hace ser feminista, entonces soy feminista”. Y luego bromea: “Fui la primera en quemar mi sujetador, los bomberos tardaron cuatro días en apagar el fuego”.

La madrina de la vacuna

Durante la pandemia, ella misma ayudó a financiar el desarrollo de la vacuna contra la COVID-19 del laboratorio Moderna con una donación personal de un millón de dólares (unos 857.000 euros) al laboratorio. Su impulso a la investigación nació de la amistad con el médico Naji Abumrad, quien la atendió tras un accidente en 2013 y cuyo hijo creó el aclamado podcast Dolly Parton's America. Fiel a su estilo cercano y humorístico, Parton adaptó en directo la letra de su célebre tema Jolene transformándolo en “Vaccine, vaccine” (Vacuna, vacuna) para animar a la población a vacunarse.

Su empeño por no dejarse encasillar ideológicamente la llevó a rechazar en dos ocasiones la Medalla Presidencial de la Libertad que le ofreció el Gobierno de Donald Trump, alegando motivos de salud familiar y la situación de la pandemia, posteriormente el Gobierno de Joe Biden le propuso de nuevo el galardón y lo volvió a rechazar. Pese a estas reticencias a asociar su imagen al poder político, el propio Trump ha ordenado tras su fallecimiento mantener las banderas a media asta en la Casa Blanca en memoria de la estrella del country.

El legado de un icono inolvidable

Los mensajes de cariño, dolor y memoria tras su fallecimiento no se han hecho esperar entre grandes figuras de la industria audiovisual. Artistas como Paul McCartney la han recordado en sus redes sociales como una “mujer maravillosa” con un talento y una labor filantrópica “sin rival”, mientras que Beyoncé ha destacado que fue “el barómetro y la estrella polar” para toda una generación.

Por su parte, el músico de country Billy Ray Cyrus —padre de Miley Cyrus— ha expresado con afecto la complicidad que siempre compartieron, asegurando que la querrá “con todo el corazón”. Parton no solo era una gran amiga de la familia Cyrus, sino que, como hablaron en una charla distendida en el especial 20 años de Hannah Montana, ejercía oficialmente como la madrina profesional y personal de Miley (a quien cariñosamente solía llamar su “hada madrina”).

Sean Seymour, compañero junto al fallecido Tom Verlaine del guitarrista Richard Lloyd en la influyente banda neoyorquina Television, ha impulsado esta semana una campaña solidaria a través de la plataforma GoFundMe para ayudar al artista de 74 años. Lloyd fue diagnosticado el pasado marzo de 2026 de colangiocarcinoma, un tipo de cáncer muy agresivo que afecta al conducto biliar y al hígado por lo que no puede subir a los escenarios.

La imposibilidad de salir de gira ha dejado a su familia sin el principal sustento económico en un país como Estados Unidos, donde la ausencia de cobertura sanitaria pública y universal devasta las economías de los trabajadores culturales. A esto se suma que su esposa, Sheila, ha tenido que dejar su empleo para volcarse por completo en los cuidados continuos que requiere la enfermedad del guitarrista.

El cuadro médico del cofundador de la mítica banda Television se ha complicado en los últimos meses tras ingresar siete veces en cuidados intensivos. Entre los episodios más graves sufridos por el músico hay dos cuadros de sepsis y fallos severos en la función de sus riñones.

Míticas figuras de la escena musical anglosajona, como la cantante Patti Smith o Susan Tweedy, esposa del líder de Wilco, se han sumado a las donaciones, que ya alcanzan casi los 70.000 dólares (60.000 euros) de los 80.000 (68.600 euros) que pretende recaudar. Además de la falta de ingresos por no poder salir de gira, se añaden además varios impagos por derechos de autor que el artista arrastra desde hace dos años.

El músico alcanzó la cumbre del rock tras cofundar la banda Television en el Nueva York durante los 70, liderando junto a Tom Verlaine. Su álbum de debut Marquee Moon está considerado por la crítica como una obra maestra y un clásico, con sencillos memorables como la que da nombre al disco o Prove It.

“Por lo general soy optimista, pero la situación se ha vuelto muy difícil y financieramente estamos al límite”, ha explicado el propio Lloyd en un mensaje publicado en la web de la recaudación. La iniciativa pretende ofrecer liquidez inmediata a la pareja mientras el equipo médico determina los siguientes pasos de su tratamiento.

La dramática situación de Lloyd no es un caso aislado dentro de la industria musical independiente estadounidense. Otras figuras de la escena cultural como David Thomas del grupo de rock Pere Ubu o miembros de Bad Brains han recurrido en los últimos años a las plataformas de recaudación para financiar sus tratamientos. Otro de los casos fue el músico Matthew Sweet quien pidió apoyo colectivo para pagar un avión medicalizado y su hospitalización tras sufrir un colapso en Canadá sin cobertura sanitaria.

La banda de metal cristiano Demon Hunter, fundada en Seattle, ha demandado a la plataforma de entretenimiento Netflix por el uso de la marca KPop Demon Hunters (Las guerreras K-Pop), título del fenómeno de animación que se convirtió en la película más vista en la historia de la plataforma.

La demanda fue presentada esta semana ante un tribunal federal de California. En el escrito, la corporación Hyde Lane y, representante legal del grupo, alega que los demandados “eclipsan la marca Demon Hunter” y acusa a Netflix de apropiarse de manera indebida de la identidad que define el origen del grupo.

El conflicto se intensificó tras el anuncio en mayo de una gira mundial de conciertos basada en la película. Según la denuncia, esta iniciativa “lleva a los consumidores a percibir a Hyde Lane como una entidad afiliada, patrocinada o derivada de los demandados, privándola así del control sobre su destino comercial”. La banda sostiene que la confusión generada en el público podría llegar a desplazarlos del mercado.

“En pocas palabras, Netflix no tiene más derecho a usar la marca KPOP DEMON HUNTERS que a lanzar un artista discográfico, un espectáculo en vivo o productos bajo las marcas KPOP METALLICA, KPOP U2 o KPOP BLACK SABBATH”, enfatiza el texto legal.

Demon Hunter fue fundada en el año 2000 por los hermanos Don y Ryan Clark. A lo largo de más de dos décadas de trayectoria, la banda ha consolidado un público fiel dentro del metal alternativo promoviendo mensajes de fe cristiana en sus composiciones.

Por su parte, la película de Netflix se estrenó el 20 de junio del año pasado y se convirtió rápidamente en un fenómeno de masas global. Dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, el filme no solo batió récords de audiencia en la plataforma, sino que se alzó con dos premios Óscar a mejor película de animación y mejor canción original por el tema Golden. Tras el éxito cosechado, Netflix ya ha confirmado una secuela prevista para 2029.

El productor, arreglista y compositor Ricardo Pachón (Sevilla, 1937), considerado el más influyente del 'nuevo flamenco' y responsable de discos como La leyenda del tiempo, de Camarón de la Isla, ha fallecido este miércoles, según han confirmado a EFE fuentes de la Junta de Andalucía.

Pachón trabajó en el área de Cultura de la Diputación de Sevilla y en la Junta de Andalucía y RTVE, sobre todo realizando documentales y programas relacionados con el flamenco. Fue también director el Instituto Andaluz del Flamenco.

A principios de los años 70 inició su carrera como productor, durante la que se encargó de varios de los discos más representativos del 'nuevo flamenco', el resultado de la fusión del flamenco tradicional con otros géneros populares. Fue también director del sello Flamenco vivo, dedicado a la producción fonográfica y audiovisual del flamenco.

Dirigió además el documental Triana pura y pura, que fue nominado para los premios Goya, y participó en la serie de tres capítulos 'Para Camarón, el tiempo se hizo leyenda'. Como productor trabajó, además de con Camarón de la Isla, con otros artistas como Lole y Manuel, Veneno, Pata Negra, Silvio y Tomatito. En 2021 recibió el premio Leyenda del Flamenco en San Fernando (Cádiz).

Hubo un momento a la puerta de un estudio de grabación en la Francia rural, mientras contemplaba una manzana a medio comer que creía que poseía propiedades psicodélicas, en el que James Ford supo que la situación se había descontrolado por completo. Estaba con Klaxons; todos los miembros de la banda estaban hipnotizados por aquella fruta podrida que palpitaba en el suelo con una intensidad caleidoscópica. Estaban convencidos de que su moho floreciente era, de hecho, su gurú espiritual.

La banda venía de disfrutar del éxito de su enorme álbum debut, Myths of the Near Future (2007), que marcó un hito en la escena musical y fue producido por Ford. Ahora intentaban grabar el interminablemente difícil siguiente disco, con la ayuda de dosis diarias de un brebaje que llamaban “el general de cinco estrellas”.

“Era una bolsa enorme, con cinco drogas mezcladas, probablemente ketamina y anfetaminas; no sé qué más, pero era un polvo bastante psicodélico y lo consumían todas las mañanas y durante todo el día”, cuenta Ford. Se dio cuenta de que no podía volver a poner orden. “Y después de dos semanas y media… la cosa se puso jodidamente rara”.

Tan rara, de hecho, que el director de la discográfica británica llegó en el Eurostar con una campana de cristal a petición de la banda, solo para descubrir que era para cubrir una manzana que un perro había mordisqueado y escupido, y que ahora llamaban “Señor Tabernáculo”. Se podría decir que los Klaxons se habían vuelto un poco locos. El álbum fue cancelado.

“Pensábamos que estábamos haciendo The Dark Side of the Moon”, dice Ford entre risas, sentado ahora en el estudio de su casa en el este de Londres. En cambio, ese “desafortunado segundo disco” se convirtió en el único proyecto que Ford nunca terminó en una carrera que lo ha consolidado como el arma mágica de la industria musical.

Vaya trayectoria. Ford pasó de arrasar en las pistas de baile de los 2000 como la mitad, junto a Jas Shaw, de Simian Mobile Disco —músicos y DJs que impulsaron la era electro-rave de la década— a convertirse en la oreja más requerida del mundo de la música. En la última década, con poca publicidad, se ha consolidado discretamente como el productor más destacado de su generación.

Ford es a quien llamas cuando intentas crear un álbum que defina tu carrera (Arctic Monkeys, Florence + the Machine, Jessie Ware, Fontaines DC), en quien confías para lograr un regreso triunfal (Pulp, Blur, Gorillaz, Depeche Mode) y a quien necesitas para convertir el éxito de crítica en éxito comercial (Geese, The Last Dinner Party, Black Country, New Road).

Creo que intentar imprimir tu sonido a todo el mundo es una actitud egocéntrica, como intentar ser un Phil Spector en el disco de cada artista

“Es un término muy amplio, 'productor'”, dice, intentando explicar su papel. “En realidad no describe lo que hago; intento comprender la visión de otra persona y plasmarla en el escenario”. Ya sean Pet Shop Boys o Jessie Ware, los artistas coinciden en que Ford no produce de forma convencional. “Creo que intentar imprimir tu sonido a todo el mundo es una actitud egocéntrica, como intentar ser un Phil Spector en el disco de cada artista”. Por eso, no impone un sonido o una atmósfera, sino que media, guiando a los artistas dentro y fuera de su proceso creativo.

En casa, rodeado de sintetizadores, guitarras y todo tipo de equipos de grabación, Ford se muestra relajado y habla en voz baja, con un ligero acento de Staffordshire con el que creció. Puede que su época de hedonismo haya quedado atrás, pero es evidente que sigue amando lo que hace. Es esta cualidad, junto con una naturalidad que transmite, lo que le ha granjeado la confianza de artistas en sus momentos más vulnerables. Un tipo amable y simpático en una industria que suele carecer de decencia, es fácil entender por qué los artistas más importantes del mundo se mueren por trabajar con él.

Aun así, es casi un milagro que estemos conociéndolos hoy. En la Nochebuena de 2024, Ford estaba con su esposa y su hijo pequeño en casa de sus suegros en Folkestone cuando sufrió un golpe fulminante. Estaba postrado en el sofá, incapaz de levantarse, con una fiebre que no bajaba y una gripe persistente. Había trabajado sin descanso todo el año y, en las semanas previas a diciembre, se había sentido inusualmente fatigado. Se preguntaba si estaría al borde del agotamiento, pero esto era algo completamente nuevo.

Ingresó en urgencias; sus análisis de sangre arrojaron resultados muy dispares. Tras haber viajado a la India con Damon Albarn unas semanas antes, los médicos sospecharon inicialmente que había contraído una enfermedad tropical. “Había muchas pistas falsas”, comenta. “Tardaron muchísimo en darme un diagnóstico porque mis análisis de sangre tenían que enviarse a Londres, así que pasé semanas en ese estado horrible, con la sensación de que me iba a morir. Fue terrible”.

Las enfermeras se acostumbraron a administrar la atención médica diaria mientras Ford experimentaba con ritmos de batería y cantaba, inmerso en su estado de flujo creativo. En dos semanas, Ford escribió y grabó su nuevo álbum, 'Lost in Another World', que ya sería notable por sí solo, de no ser porque también es impresionante

Semanas después, un viernes por la noche, “alguien entró sin ceremonias y dijo: ‘Hemos detectado leucemia. Tiene que ir a la planta de oncología’”. Y eso fue todo. Si su vida hubiera pasado ante sus ojos, Ford, que acababa de cumplir 46 años, podía admitir que había sido una buena vida. Una vida estupenda, incluso. “Tengo una familia maravillosa con mi esposa y mi hijo pequeño, tengo una gran relación con mis padres, una buena carrera, he viajado mucho, he hecho muchas cosas con mucha gente con la que soñaba trabajar”, dice. Y ha salido de fiesta a lo grande, bromeo, después de haber presenciado varias sesiones y fiestas posteriores de Simian Mobile Disco. “He salido de fiesta a lo grande”, dice. “He vivido momentos maravillosos, tengo muchos buenos recuerdos y he creado cosas de las que me siento muy orgulloso. Creo que, en general, he sido una buena persona. Así que casi llegué al punto de pensar: si muero, habré tenido una buena vida. No me daría tanto miedo”.

Finalmente, Ford fue trasladado al hospital St. Barts de Londres, donde recibió una intensa terapia farmacológica. Pasó las primeras semanas de 2025 devastado por la enfermedad. Luego llegó la segunda ronda de quimioterapia, y se produjo un avance importante. Le pidió a su esposa Sereen, a quien conoció cuando estudiaba en la Universidad de Manchester, que le llevara su portátil, una mesa plegable de Ikea, algunos sintetizadores, un micrófono y una guitarra a su habitación del hospital. Con el apoyo del personal del hospital, que notó que le animaba y le ayudaba a levantarse de la cama, Ford empezó a componer música. Las enfermeras se acostumbraron a administrar la atención médica diaria mientras Ford experimentaba con ritmos de batería y cantaba, inmerso en su estado de flujo creativo. En dos semanas, Ford escribió y grabó su nuevo álbum, Lost in Another World, que ya sería notable por sí solo, de no ser porque también es impresionante.

A pesar de haber sido cantado y grabado por Ford en un arrebato creativo mientras reflexionaba sobre la vida y la muerte, el disco tiene su sello personal: melódico, electrónico, art-pop. Es alegre donde uno esperaría que fuera sombrío. En el transcurso de nueve meses, Ford se sometió a dos ciclos más de quimioterapia, un trasplante de células madre, sepsis (tres veces) y una estancia en cuidados intensivos. Decir que ha sido un año traumático sin tregua se queda corto, pero él —y el álbum— lo llevan con naturalidad.

Kiko Veneno estrena el videoclip de Precisamente (Subterfuge), el segundo adelanto de su próximo trabajo de estudio que se publicará el 6 de noviembre. Tras anunciar el disco en verano y lanzar el primer aperitivo, Helicrisum, el artista muestra ahora la producción audiovisual de este tema, grabado en escenarios andaluces entre Córdoba y las playas de Almería.

Años despúes del lanzamiento su último álbum de estudio, Kiko vuelve a la rumba con una canción que reflexiona sobre el afecto con frases tan ingeniosas como “es muy fácil que te quieran, lo difícil es querer”. Entre lo romántico y la ironía de lo cotidiano, el tema defiende la necesidad de comunicarse y resolver los conflictos antes de que las cosas “se vayan pudriendo dentro de la cesta”.

El videoclip, dirigido por Dany Ruz y producido por Imprevisible Films, traslada el concepto de la canción a tres escenarios cotidianos: una patio andaluz, un cortijo y la costa almeriense. En ellos se retratan pequeñas disputas familiares y roces entre seres queridos que terminan resolviéndose en una celebración colectiva marcada por el baile y la risa.

Este álbum, el vigésimo primero de su carrera, supone el reencuentro de Kiko Veneno con la rumba cinco años después de su último trabajo acompañando su sonido con mezclas de vanguardia, con la ayuda en producción del jerezano Bronquio y las mezclas de Raúl Pérez en los estudios La Mina, combina la guitarra flamenca de José Torres Vicente con arreglos de bajo eléctrico.

Con más de cuatro décadas de carrera a sus espaldas y pionero en revolucionar la música española con el disco Veneno (1977) o su aportación histórica a La leyenda del tiempo de Camarón, el autor de Volando voy o En un mercedes blanco demuestra que su capacidad para retratar la vida cotidiana y escribir letras con ingenio sigue intacta.

El juicio contra Duane 'Keffe D' Davis, señalado por la Fiscalía como organizador del asesinato del rapero Tupac Shakur en 1996, arrancó este lunes en Las Vegas con la presentación de pruebas en su contra, entre las que se incluyen una grabación policial y un libro de memorias escrito por el propio acusado.

Davis, de 63 años, es el único acusado en el caso y enfrenta un cargo de asesinato con arma mortal con la intención de promover, facilitar o ayudar a una banda criminal en la muerte de Shakur, considerado uno de los raperos más influyentes de todos los tiempos.

Shakur tenía 25 años cuando recibió varios disparos mientras viajaba en un automóvil con su amigo y fundador del sello Death Row, Marion 'Suge' Knight, en Las Vegas.

La Fiscalía del condado de Clark (Nevada) inició la presentación desvelando partes de una grabación de Davis en una conversación con la policía en 2008, en la que acepta que viajaba en un vehículo con sus amigos y vio a Shakur como pasajero en un BMW asomándose por la ventana. La Fiscalía también utilizará como prueba las memorias que Davis publicó en 2019, cuando concedió numerosas entrevistas para promocionar el libro, titulado Compton Street Legend. El acusado habló sobre el papel de la pandilla Crips en la muerte de Shakur y se describió a sí mismo como “uno de los pocos testigos presenciales vivos del asesinato de Tupac”.

El primer testigo llamado por la Fiscalía fue Garry Dale, un policía de Las Vegas que acompañó a Shakur en la ambulancia tras resultar herido la noche del 7 de septiembre, tras acudir a una pelea de Mike Tyson. Dale contó que acompañó a Shakur hasta el hospital y que, durante el trayecto, le preguntó quién le había disparado. Según su relato, el rapero respondió que no lo sabía, pero añadió: “Nosotros nos encargaremos de eso”.

Por su parte, la defensa de Davis aseguró que la Fiscalía carece de pruebas contundentes para demostrar su culpabilidad más allá de toda duda razonable, y se basa en las propias declaraciones del acusado, que ha dicho que sus memorias parten de la ficción.

Nacido para dejar huella

La historia de Tupac Shakur estuvo marcada desde la cuna por el activismo: su madre, Afeni Shakur, militante de las Panteras Negras, fue absuelta del caso de conspiración Panther 21 estando embarazada de él. Lo nombró en homenaje al líder indígena peruano Túpac Amaru II, ejecutado por rebelarse contra el dominio colonial español.

Aunque nació en Nueva York en 1971, el autor de California Love se convirtió en uno de los máximos exponentes del hip hop de la Costa Oeste de EEUU. Se formó en teatro, poesía y ballet en Maryland, pero las dificultades económicas familiares lo llevaron, en 1988, al área de la Bahía de San Francisco, en donde se adentró de lleno en la escena de California, primero como bailarín y después como rapero del grupo Digital Underground, con quienes debutó.

A finales de los 80, la Costa Oeste se consolidó como una fuerza propia dentro de la industria del hip hop de la mano del gangsta rap, un subgénero centrado en narrar de forma cruda y sin filtros, los estilos de vida, la cultura y las realidades de las pandillas y los vecindarios marginales de Los Ángeles.

En ese ambiente, Shakur encontró un espacio para reinventarse: lanzó en 1991 su primer álbum en solitario, 2Pacalypse Now, y dos años después consolidó su carrera como solista con Strictly 4 My N.I.G.G.A.Z.. Nunca abandonó del todo la conciencia social en su música; sin embargo, fue adoptando los códigos del gangsta rap. En 1995 se volcó en este estilo al firmar con Death Row Records, el sello de Suge Knight. Shakur destacó por su capacidad para fusionar la vulnerabilidad emocional, la crítica política y la crudeza del gangsta rap.

Marcó un hito con All Eyez on Me, considerado el primer álbum doble de hip hop de un artista en solitario, y, pese a su corta vida —falleció con 25 años—, se consolidó como uno de los raperos más prolíficos de su generación, con una obra que siguió creciendo después de su muerte.

Enfrentamiento entre costas

La rivalidad de costas se personificó, sobre todo, en el enfrentamiento entre Shakur y su antiguo amigo The Notorious B.I.G., estandarte de Bad Boy Records, de Sean 'Diddy' Combs, en Nueva York, cuyo sello solía emplear como seguridad a miembros de la pandilla de los Crips.

La amistad se rompió en 1994, después de que Shakur sobreviviera a un tiroteo en un estudio de grabación neoyorquino y acusara públicamente a Biggie y Combs, algo que ambos siempre negaron. La disputa escaló en 1996 con Hit 'Em Up, un tema en el que Shakur atacaba directamente a Biggie, y que se convirtió en la banda sonora de una contienda que terminaría por marcar su propio destino: apenas unos meses después, el 7 de septiembre de ese año, murió baleado en Las Vegas.

La investigación por la muerte de Shakur quedó estancada durante años. Orlando Anderson, sobrino de Davis y señalado como el presunto tirador, murió en 1998 en un tiroteo no relacionado, sin haber sido nunca acusado formalmente.

Pero la indagación cobró un nuevo impulso a raíz de las propias palabras del hoy acusado, quien habló abiertamente de su papel en el crimen, primero en entrevistas y después en su libro de memorias.