A punto de llegar a España para sus conciertos en Barcelona el 25 de julio, y en Madrid el 29, Morrissey pide en una carta dirigida a Pedro Sánchez que “por favor utilice su influencia para hacer algo por el mundo y su pueblo lo amará: acabar con esta barbarie”. Esta apelación directa al Gobierno central llega en un momento de notable visibilidad pública del cantante debido a sus actuaciones en nuestro país. En un comunicado enviado a la agencia EFE, el músico y fiel partidario de la lucha contra las corridas de toros afirma que esta actividad “sigue empañando” la reputación internacional de España.

La petición, apoyada por PETA (Personas por el Trato Ético de los Animales), llega después de que el pasado 15 de julio 52 diputados españoles volvieran a presentar ante el Congreso la iniciativa ciudadana “No Es Mi Cultura”, con el objetivo de terminar con el estatus de patrimonio cultural protegido de las corridas de toros. Las organizaciones animalistas han intensificado sus alianzas con figuras de la cultura global para amplificar el impacto mediático de esta demanda legislativa.

Una propuesta que se planteó en 2025, pero fracasó por la abstención del Partido Socialista (PSOE), liderado por Sánchez, y que ahora reactiva el debate parlamentario mediante una Proposición de Ley que ya fue respaldada por más de 715.000 ciudadanos el año pasado. De salir adelante esta reforma, se retiraría el blindaje legal que actualmente permite destinar fondos públicos y subvenciones a la tauromaquia.

El cantante de The Bullfighter Dies ya había demostrado anteriormente su rechazo al mundo de la tauromaquia, como cuando le pidió al fallecido papa Francisco que condenara las corridas de toros en nombre de la Iglesia Católica, calificando esta práctica como “una crueldad hacia los animales que no puede justificarse como cultura”. A lo largo de su carrera, el artista británico ha mantenido un activismo firme y continuo contra cualquier forma de espectáculo que implique sufrimiento animal.

La oferta festivalera de cada verano sigue siendo abrumadora. Y, a menudo, sospechosamente parecida. No solo por el perfil de artistas sino por el planteamiento formal: terreno cercado, varios escenarios, maratón de actuaciones, abrevaderos en los laterales y sálvese quien pueda. Hay excepciones honrosas, sí. Pero algunas hay que buscarlas en los confines del país. Por ejemplo, en el Pirineo de Lleida, a apenas veinte kilómetros de la frontera con Francia. Allí se inicia este fin de semana la 35ª edición del festival Dansàneu. Casualmente, en el mismo lugar donde nació hace tres décadas la madre de todos los macrofestivales: el Doctor Music Festival.

La música es solo uno de los ingredientes de este certamen que también programa danza y teatro, conferencias y exposiciones. Sus ejes son el territorio, la tradición, la memoria histórica y la experimentación. Todo, en diálogo con el territorio. Quienes se acerquen a Esterri d’Àneu, población de mil habitantes y campo base del festival, verán la calle mayor cubierta por un cielo de cencerros. Buena parte de la oferta se diseña pensando en el lugar donde será exhibida. A partir de este jueves, actúan referentes del teatro, la literatura, la danza y la música catalana como La Veronal, El Petit de Cal Eril, Magalí Sare, Àngels Gonyalons, la Dharma Pol Guasch y Obeses.

Al lado de Lou Reed, David Bowie, Portishead y demás ídolos programados en el Doctor Music Festival, lo del Dansàneu suena poco llamativo. Sin embargo, el festival de la vaca solo duró tres años: 30.000 personas aún eran pocas para hacer viable aquel proyecto y el macrofestival se esfumó en busca de pastos más lucrativos y mejor comunicados. El Dansàneu, en cambio, sigue allí. Ajeno a lógicas resultadistas, buscando un diálogo con el entorno, garantizando los derechos culturales de sus habitantes.

Territorio, memoria y experimentación

Dansàneu nació en 1992 como una escuela de verano de danza tradicional impulsado por el Consell Cultural de les Valls d’Àneu, entidad sin ánimo de lucro que aglutina cuatro ayuntamientos de este valle. En 2015 la muestra adquirió su formato actual de festival incorporando música y teatro, realzando el patrimonio arquitectónico y paisajístico y trazando ejes ecologistas, feministas y de memoria. En cada decisión ha primado la mirada a largo plazo, el deseo de fertilizar el territorio y ser campo de experimentación artística y preservación de tradiciones. El impacto turístico y económico es la consecuencia; no, el objetivo. El objetivo siempre es cultural.

Durante diez días, el festival programa tres actividades por jornada. El 50% son gratuitas. Solo un espectáculo cuesta más de 20 euros. Muchos incluyen cata de productos de la zona. Los aforos oscilan entre los cien espectadores de la iglesia románica de Sant Joan d’Isil y los 350 del lago de la Torrassa. Las 38 actividades de este año están repartidas en 27 enclaves de 13 pueblos. El propósito es claro: interpelar a los habitantes de todo el valle e invitar al visitante a diseminarse por la zona. Lo contrario es hacinar a la gente en único espacio, lo más grande posible, y que pase todo allí.

El Dansàneu ha renunciado a su espacio de mayor aforo: el recinto ferial. Demasiado grande y difícil de adaptar. Además, el río baja muy cerca y caudaloso y alteraba las actuaciones silenciosas. Otra decisión que no antepone el lucro económico, sino garantizar las condiciones para que artistas y asistentes conecten. Tal vez por ello el público responde masivamente. Dos semanas atrás ya se habían vendido el 90% de las entradas.

Una inspiración para el sector

No son estas las medallas que busca el Dansàneu. Ni siquiera el Premi Nacional de Cultura que obtuvo en 2021. En el sector musical, este festival se ha ganado una merecida fama. Agencias y artistas lo resaltan entre los que ofrece tratos económicos más dignos. “El artista tiene que cobrar bien. ¡Y el técnico! Tenemos un sector totalmente precarizado”, denuncia su directora Rut Martínez. “Yo no quiero contribuir a precarizarlo más. Los festivales tienen que ser espacios seguros para los profesionales”, reinvidica.

En Dansàneu no hay voluntarios. “No estamos contra el voluntariado, pero hay que dar trabajo a la gente de aquí”, añade. Los jóvenes que montan la fiesta mayor son parte del equipo. La empresa de sonido es del valle. La copistería de Esterri imprime programas, carteles y lonas. Del diseño escénico se encargan estudiantes de un postgrado de escultura aplicada al espectáculo de la escuela de arte de Tàrrega que reciben mil euros y diez días de alojamiento. Ni siquiera los quesos y embutidos de las catas son aportación a fondo perdido de productores locales; el festival los paga.

A diferencia de tanto festival depredador, Dansàneu busca una redistribución real de los recursos que nutra al sector cultural y al territorio. Tal vez por ello, cuando en junio presentó su cartel en Barcelona la asistencia fue masiva. ¡Casi trescientas personas en la presentación de un festival que se celebra a 250 kilómetros de Barcelona! ¡El auditorio quedó desbordado y hubo que habilitar otra sala con pantalla! A diferencia de tanta rueda de prensa de festival llena de periodistas y políticos, allí quien no faltó fue su mejor aliado: su público. Buena parte eran habitantes del valle que condujeron tres horas y media y barceloneses que cada verano asisten al festival.

Recital de cencerros, recitar en el bosque

En la presentación, Ferran Rella, presidente del Consell Cultural de les Valls d’Àneu, rescató un proverbio catalán del siglo XIV: “De poca brasa se enciende un gran fuego”. Qué mejor forma de resumir el quehacer discreto y constante del Dansàneu. Al extremo cuidado a la hora de seleccionar los espectáculos, varios de ellos producciones especiales o coproducciones con festivales aliados, se suma una obsesión por encontrar el lugar adecuado donde exhibirlos. Para ello hay que recorrer los valles, conversar con lugareños e imaginar cómo sonaría aquel monólogo en este prado o qué tal luciría esa coreografía en la plaza de aquel pueblo de apenas 25 habitantes.

Dansàneu es una pieza artística en sí misma que encaja piezas de un puzzle infinito. En la iglesia de Santa Maria d’Àneu ha cantado Maria del Mar Bonet. La compañía de Berta Baliu ha presentado su espectáculo de danza vertical en la pared de la central hidroeléctrica. En la plaza de Sorpe recitó sus versos reptiles el poeta Enric Casasses. En la iglesia de Gavàs, la percusionista Núria Andorrà ofreció un conmovedor recital con vasijas de cerámica y cencerros. Música contemporánea experimental, de riesgo pero arraigada a una geografía, la del Pirineo de Lérida, de sólida tradición ganadera. Varias personas salieron de esa actuación con lágrimas en los ojos.

Para ilustrar el cariño con que se programa todo, no hay mejor ejemplo que la actuación del actor Carlos Cuevas de 2025. El Parque Nacional de Aiguestortes cumplía medio siglo y el festival se adentró en ese espacio natural. Se fletó un autocar. Quien no reservase plaza tendría que subir en coche y caminar dos kilómetros. En un claro del bosque, junto a una cabaña de troncos, Cuevas brindó una lectura dramatizada de ‘Walden’, obra de Henry David Thoreau que narra su vivencia lejos de la civilización. El público hipnotizado, escuchaba sentado en el suelo sobre cojines de goma reciclada con forma de hoja diseñados por los estudiantes. El 9 de agosto se reprogramará la lectura para clausurar del festival. En el mismo bosque.

“Estamos fundidos. No podemos más”

A pesar de todo, este pudiera ser el último Dansàneu. “Estamos fundidos”, resume la directora, ampliando el sentimiento al Consell Comarcal. “Esta es una edición de fin de etapa. Seremos los aliados más fieles para que continúe, pero ya no podemos más”, avanza. Los motivos de esta inesperada renuncia vienen de lejos. Gestionar un festival que se sostiene en buena medida con subvenciones implica depender de los tiempos de la administración y eso les sitúa económicamente contra las cuerdas. Año tras año.

“Cuando acabe el festival, en mi correo electrónico tendré facturas por valor de 400.000 euros”, desvela Martínez. Y menos de la mitad de dinero para pagar. “Las líneas de subvención se convocan tarde, se resuelven muy tarde y se pagan exageradamente tarde. Eso nos ahoga, nos obliga a endeudarnos y nos angustia muchísimo. No podemos soportar más la presión de pagar tarde”, ilustra Rut. Al no disponer de un convenio que garantice aportación fija, cada año hay que volver a partir de cero, visitando despachos y portales digitales para intuir dónde conviene más aplicar. Este año, con los presupuestos generales paralizados, las líneas acordes se convocaron a finales de junio. El Dansàneu y otros festivales están rellenando formularios y redactando justificaciones mientras ultiman sus preparativos.

El festival es viable, pero solo si la entidad que lo impulsa acepta endeudarse. Y solicitar un préstamo genera intereses que adelgazan el presupuesto (Este año, por primera vez, esos intereses bancarios son subvencionables). Si todo va bien, la mayoría de proveedores y trabajadores cobrarán en octubre. O casi todos. “Los que estamos al frente, al cabo de año y medio, y según cómo haya ido, cobramos algo”, desvela Martínez. Pero si fallase una línea de subvención, el festival quebraría y los organizadores deberían responder con su patrimonio. “Hemos trampeado así doce años y no podemos más. Celebremos que hemos llegado hasta aquí”, concluye Rut.

Un futuro muy incierto

El tiempo dirá si el público reclama el festival, si los ayuntamientos lo rescatan, si una empresa toma el relevo o si en 2027 se abre un inmenso cráter donde durante décadas hubo un cultivo cultural persistente y respetuoso. Si muere el Dansàneu, no solo queda huérfano de oferta artística un territorio: muere también un ejemplo de cómo hacer bien las cosas y un punto de apoyo para creadores que exploran sendas poco transitadas. Todo el entramado cultural del país será más frágil. Y aun así, otra duda de mayor calado resuena más allá del valle: ¿cuántos pequeños festivales de esos que cada verano salen adelante gracias a asociaciones y entidades sin ánimo de lucro que regalan su tiempo y dinero, están estos días a punto de rendirse?

Robert Smith, a través del perfil de Instagram de The Cure, se ha pronunciado públicamente en contra de FIFA y Donald Trump por el nuevo formato del descanso que tendrá la final del Mundial, inspirado directamente en la Super Bowl. El artista ha hecho alusión a la lista de artistas que protagonizarán el espectáculo de medio tiempo, como Madonna, Justin Bieber, Shakira y BTS, para dejar clara su postura respecto al evento. “Aaaagh”, ha escrito el artista acompañado de hashtags como “#PleaseJustFuckOff”, mandando “a la mierda” a los organizadores, o “#BreadAndCircuses”, un dicho que significa ofrecer distracciones superficiales al público como entretenimiento para evitar así que se rebelen.

El cantante de The Cure ha aprovechado para enfatizar que no tiene ningún problema con los cantantes que actuarán en el descanso, sino que está en contra del espectáculo en sí mismo. “El punto no es realmente sobre quién está actuando, sino sobre la idea de un espectáculo de medio tiempo en la final de la Copa del Mundo”, explicó en una segunda publicación. Además, ha aprovechado para evidenciar su descontento con la presencia de Donald Trump en la entrega del trofeo, confirmada por el presidente de la FIFA, Gianni Infantino.

Smith se ha referido al presidente estadounidense como “Infantosser”, haciendo un juego de palabras con el insulto británico tosser, que equivale a indeseable o imbécil, y ha agregado que no hay “Aaagh” suficientes para mostrar su desagrado. Asimismo, el artista ha acompañado su mensaje del haghtag #Mugwank, una combinación de dos términos británicos: mug se utiliza para referirse a un idiota, mientras que wanker es un insulto común para aludir a una persona egocéntrica o generalmente despreciable.

Más de 15 minutos de descanso

Este es el primer halftime show de la historia de los mundiales, que se celebra este domingo en el estadio de Nueva Jersey, está producido por la ONG Global Citizen y organizado por Chris Martin, el vocalista de Coldplay. En el show contará igualmente con Gustavo Dudamel, Burna Boy, y el coro PS22 según informó FIFA en un comunicado. La incorporación de este espectáculo de medio tiempo hará que el descanso de la final dure más de los 15 minutos reglamentarios.

La reacción del cantante de The Cure coincide con una etapa de gran exposición mediática para el grupo. Tras encabezar el cartel del festival Primavera Sound, la formación ha vuelto a la primera línea gracias a la recepción de su último álbum, Songs of a Lost World, un trabajo que funciona como la banda sonora idónea para el descontento actual de Smith y al que guiña el ojo en sus redes sociales con la etiqueta lostworld.

Por otro lado, el cantante sorprendió hace unas semanas al aparecer sin previo aviso junto a la estrella del pop Olivia Rodrigo en uno de sus conciertos. Ambos interpretaron en directo la colaboración what’s wrong with me, que se publicó de manera oficial una semana después y que demuestra que la crítica del autor no va contra el pop contemporáneo, sino contra los grandes despachos del fútbol.

En un mundo que exige socialmente mostrarse inquebrantable, a veces la verdadera fortaleza reside en poder reclamar el derecho a estar rota, furiosa o confusa. Es un tipo de mentalidad que está siempre merodeando por la música de Pipiolas, una banda que prefiere sacudirse las expectativas ajenas y que canta sin pedir disculpas. Así lo han compartido Paula Reyes y Adriana Ubani este jueves en un encuentro con socias y socios en la redacción de elDiario.es, donde han reivindicado las canciones como un arte que invita a la liberación y que no siempre debe ser un refugio complaciente para quien las escucha.

“Rechazo mucho la poesía relamida porque al final la veo mucho más vacía, lo poético está en la verdad”, ha declarado Reyes. Una verdad por la que Pipiolas ha apostado durante la conversación que ha mantenido con Laura García Higueras, redactora de Cultura. Y, puesto que el dúo no tiene miedo a señalar aquello a lo que se le sigue sin prestar la atención suficiente, ha abordado directamente la dificultad que continúa conllevando ser mujer en el mundo de la música. “Por mucho que se quiera ver que no es así, las mujeres tenemos un techo de cristal en la industria”, ha apuntado la artista.

Con respecto a la cuota que se exige en algunos festivales para asegurar un número determinado de mujeres en el festival, Paula Reyes ha alegado que esta “discriminación positiva” es “lo que hay que hacer”, pero ha optado por poner el foco en el problema sistemática que existe en torno a ello. “Los parámetros que hay hoy en día son estructuras patriarcales educacionales totalmente. No es una cosa de meritocracia”, ha indicado la cantante. “Los gustos son aprendidos y adquiridos. Esto es lo complicado de hacer entender, y la manera de obligar a que encontremos nuestro hueco a partir de cuotas”, ha agregado.

Sin embargo, Adriana Ubani ha puesto el foco en el “arma de doble filo” que suponen las cuotas cuando dejas de ser novedad en la industria como mujer. “Cuando dejas de ser cuota, hay seguramente otra persona a la que pueden utilizar como cuota porque es novedad. Esa discriminación positiva todavía está en que solamente es una cuota y no hay un ejercicio ni una estructura de permanecer en ese espacio que te ha dado la cuota”, ha argumentado la artista. Para ella, esto no soluciona nada de forma permanente: “En muchos espacios te programan por esas razones y, después, si te he visto no me acuerdo. Parece que crean un espacio para gente nueva, pero no hay una estructura que sostenga a las que estuvieron”.

Esta es, además, una conversación que ellas mismas mantienen con otros cantantes del sector. “A nivel interno lo hacemos siempre cuando hablamos con compañeros. No todo se puede reducir a una cuestión de programar a grupos que te gusten y que todos acaben siendo hombres. Hay que pararse a reflexionar de dónde viene esto. Estamos a favor de las cuotas, pero se están empezando a utilizar como un blanqueamiento”, ha reflexionado Paula Reyes. De hecho, no solo es que las mujeres sigan sin haber logrado equidad en los carteles de los festivales, sino que ahora hay una tendencia por parte de grupos masculinos de ponerse nombres femeninos que copan estos carteles.

“No programamos a mujeres, pero un grupo de hombres decide que es lícito ponerse un nombre femenino”, comenta Ubani. “Es como: 'No sé muy bien por dónde va esa narrativa. ¿Es que eres más moderno así? ¿Es que cuela ponerte de cabeza de cartel y que piensen que eres una mujer?'”, ha inquirido la componente de Pipiolas. Reyes, por su lado, ha dicho que les “explota más la cabeza” con las bandas recientes. “Claro que hay grupos que podemos salvar porque cuando se crearon no había esta conciencia, pero ahora, con todo lo que se dice y se señala, no nos entra en la cabeza que haya hombres que decidan coger esos nombres. Esto va en detrimento de ayudar”, ha declarado.

Asimismo, tampoco han podido evitar hacer alusión a las excusas que escuchan por parte de los jefes de festivales. “Te dicen que programan por los números y por lo que vende, pero al grupo de siete tíos que tiene un nombre femenino con 300 oyentes mensuales dudo mucho que lo hayas metido en el cartel por las razones que me estás intentando vender... para no programarnos a muchas mujeres en la industria”, ha contado Adriana Ubani. El dúo, que debutó en 2023 con No hay un Dios, ha publicado este 2026 su disco Pipiolas. Tres años han pasado entre un trabajo y otro, una “factura” que, según alertan, han “tenido que pagar” por haber dejado de ser nuevas en la industria.

“Eres más fácil de olvidar cuando sirves para rellenar un cupo y ya no eres la novedad”, ha apuntado Paula Reyes. “La música necesita pausa y reposar. Fue arriesgado porque éramos nuevas y normalmente se recomienda aprovechar la inercia de un buen comienzo, como fue el nuestro, pero es que no resonaba eso con nosotras. Se han pagado facturas, pero, a partir de ahí, que fuera lo que fuese siempre acorde con nuestra identidad y las decisiones que queríamos tomar”, ha añadido. Ubani ha detallado que “esta generación es la de la inmediatez y estamos acostumbrados a que tres años nos parezcan mucho, pero para la composición de un disco no es tanto”.

En su disco, con temas como No tocar, que han interpretado en la redacción del periódico con unos socios metidísimos de lleno en el concierto, Pipiolas invita a reflexionar sobre la impunidad que existe en los hombres para mirar o incluso tocar a las mujeres ya sea en persona o hasta desde la distancia con mensajes. Hace unos días, el creador de contenido El Xokas acaparó titulares por sus polémicas declaraciones acerca de Ester Expósito en una transmisión en directo en Twitch, afirmando que “no vale la pena” salir con ella “por su pensamiento político”. “Es mejor estar con un 6, te lo aseguro”, expresaba El Xokas, por lo que la canción ha servido para abordar este asunto.

Vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor que cualquier cosa tiene muchísima repercusión

Adriana Ubani — Cantante de Pipiolas

“Qué ganas de que saquen un menú con Ester Expósito”, ha bromeado Adriana Ubani en relación a la colaboración que tenía el creador de contenido con Burger King, que la empresa ha cancelado esta misma tarde por sus declaraciones. “Qué ganas de McDonald's”, ha rematado Reyes. Por su lado, Ubani ha explicado que “vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor y peso que cualquier cosa vuela y tiene muchísima repercusión”. “Al Xokas no lo justifico, es fuerte, pero todo tiene una repercusión que no se puede controlar y que no es la que pretendes que tenga”, ha aludido.

“No considero que sea complicado decir en alto las cosas que decimos porque considero que no decimos las cosas que dice El Xokas”, ha incidido la artista. “Ya me gustaría a mí que dijera algo El Xokas sobre nosotras para devolvérsela”, ha dicho entre risas Paula Reyes. “Pero la mitad de la argumentación que le daríamos no la entendería”, ha sentenciado su compañera. Frente a este tipo de polémicas y las dificultades que hay en la industria musical, la sororidad sigue siendo una de las mejores armas. “Está muy metido en la cabeza esto de que las mujeres nos pisamos”, ha denunciado Ubani para desmentirlo. “Motiva ver a otras mujeres, que se esté empezando a hacer espacio, ha añadido Reyes.

No es fácil ver actuar a Pipiolas. Desde el lanzamiento de su segundo proyecto, muy pocos son los conciertos que han ofrecido. “No nos está disgustando el proceso, pero no solo queremos girar el disco en festivales. Es algo que va a acabar explotando de alguna forma, así que estamos selectivas”, ha reconocido Reyes sobre el auge de estos macroeventos. Por eso, su propuesta en la redacción de elDiario.es, donde también han tocado NaNaNa y Soy una estrella!!!, ha sido única y ha contagiado a los socios. Han sido, como ellas reclaman, escuchadas en vez de consumidas: “La palabra 'consumir' va a favor de reducir lo que se hace a una cosa propiamente de consumo. Al final, no dejamos de ser productos, buscas ser consumido, pero preferimos decir que queremos ser escuchadas”.

Vídeo del encuentro

Podcast del encuentro

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El pase de España a la final tras vencer a Francia en el Mundial de fútbol no solo se ha celebrado en las calles y en los vestuarios; también ha desatado la locura en las redes sociales. ¿La banda sonora inesperada de esta victoria? Lady Gaga y su icónico tema de 2009, Bad Romance. Si te estás preguntando qué tiene que ver la reina del pop con el fútbol y la geopolítica europea, la respuesta está (cómo no) en un meme de TikTok.

El origen de este fenómeno es un clásico mondegreen, es decir, entender mal una letra de una canción en inglés. En el estribillo de Bad Romance, Lady Gaga canta “I don't wanna be friends” (No quiero que seamos amigos). Sin embargo, para nuestro oído y con la rivalidad deportiva de la semifinal, la frase suena exactamente igual a “I don't wanna be French” (No quiero ser francés).

En cuestión de horas, la ironía se ha impuesto en TikTok con imágenes de los jugadores franceses abandonando el campo cabizbajos, acompañados de la voz de Gaga de fondo repitiendo (según el oído español) que no quiere ser francesa, o la venganza gastronómica de los creadores de contenido que cambian el cruasán del desayuno por una tostada con tomate y jamón al ritmo de Bad Romance.

Lanzada a finales de 2009 como single de su disco The Fame Monster, Bad Romance fue la canción que consolidó a Lady Gaga como uno de los mayores fenómenos del pop de su generación. El tema llegó a lo más alto de las listas de decenas de países y ganó dos premios Grammy, convirtiéndose en un himno que, casi dos décadas después de su estreno, revive la afición de la selección española.

Lo que empezó como un meme ha acabado teniendo un impacto real en las listas de éxitos en España. Las reproducciones de Bad Romance se han disparado hasta el punto de que el tema ha reentrado en el top 100 de Apple Music, situándose en la posición 90, por encima de lanzamientos recientes de artistas internacionales como The Fate of Ophelia de Taylor Swift, o la esperada Hate that I made you love me de Ariana Grande, que pasa al puesto 97.

Esta no es la primera vez que un evento o un producto cultural impulsa las escuchas de una canción, independientemente de su fecha de lanzamiento. En TikTok, la canción Bloody Mary se convirtió en un fenómeno mundial años después de su salida gracias a los vídeos de los usuarios que emulaban el baile de la serie Wednesday (el cual, a su vez, provocó que la canción saltase a las radios y plataformas sin haber estado originalmente en la serie). Una vez más, el ingenio de internet demuestra que cualquier excusa es buena para rescatar un clásico del pop.

El pasado lunes la Policía del Condado de Miami-Dade encontró muerto a Michael-Anthony Leones Espino, conocido como 'Mykee'. El bailarín, que trabajó con Rosalía y Rauw Alejandro, había desaparecido el domingo en el sur de Florida, en Estados Unidos. Así lo confirmó este martes la autoridad local a EFE.

Los oficiales lo encontraron en una intersección vial cerca de las vías del tren en el área de West End. Tenía 28 años. La Oficina de la Alguacil del Condado de Miami-Dade informó de que sus detectives investigan el caso como un aparente suicidio.

A Mykee lo vieron por última vez el domingo en el suroeste de Miami, según una ficha de búsqueda de la Oficina de la Alguacil, que lo consideraba “un adulto en peligro”.

Su desaparición motivó a los fans de Rosalía y de Rauw Alejandro, quienes fueron pareja y estuvieron comprometidos hasta su ruptura en 2023, a pedir ayuda para la búsqueda.

“Este es el tipo de noticias que nunca nos gustaría compartir, pero hoy necesitamos vuestra ayuda. Mykee, uno de los motopapis, ha desaparecido y desde las autoridades nos piden colaboración para ayudar a encontrarlo”, publicó la cuenta oficial del club de fans de Rosalía, @rosaliavtspain, en Instagram.

Mykee, con raíces filipinas, tenía cerca de 80.000 seguidores en total en Instagram y TikTok, donde compartía sus rutinas de baile y cómo se preparaba para salir a los conciertos, pues estuvo en giras como el Motomami Tour, de Rosalía, y Cosa Nuestra, de Rauw Alejandro.

La ficha de búsqueda de las autoridades no detallaba las circunstancias de su desaparición, pero pedía “extremar precauciones al hacer contacto” con él, además de señalar que “el adulto desaparecido podría necesitar servicios” de atención.

En julio de 2018, el fondo Hipgnosis sale a la Bolsa de Londres con 202 millones de libras y una tesis de inversión inédita: las canciones generan ingresos tan previsibles que funcionan como activo financiero; su fundador, Merck Mercuriadis, llega a compararlas con el oro y el petróleo. Ese mismo año, Spotify empieza a mostrar los créditos de cada tema: quién compuso, quién produjo. La canción se revaloriza como activo justo cuando la autoría se convierte en información pública: dos hechos que han cambiado la manera de escribir canciones de pop, del encargo al trabajo colaborativo.

Entre 2020 y 2024 se venden los catálogos de Bob Dylan (Universal, entre 300 y 400 millones de dólares), Bruce Springsteen (Sony, unos 550), David Bowie, Sting, Justin Bieber (Hipgnosis, unos 200) y Queen, cuyo traspaso a Sony por unos 1.270 millones marca el récord histórico. Los compradores pagan en torno a 20 veces los ingresos anuales de cada catálogo, y eso, por supuesto, también cambia la forma de hacer música: “Hace veinte o treinta años muchos artistas pensaban únicamente en vender discos o hacer conciertos. Hoy saben que una canción puede generar ingresos durante décadas a través del streaming, las plataformas digitales, el cine, las series o la publicidad”, explica Luis Gómez Tamayo (Barcelona, 1971), director de Socios de la SGAE.

Más autores por canción

Por un lado, los catálogos van cambiando de mano en mano. Por otro, las canciones acumulan cada vez más autores: un éxito del Top 100 británico llevaba de media 1,7 autores en los años setenta, 2,6 en los noventa y 4,6 en la década de 2010, según la distribuidora iMusician. En España no existe estadística equivalente, pero la SGAE confirma esa orientación, cada vez más creciente, hacia la co-autoría. “Antes era muy habitual que una canción naciera de una sola persona o, como mucho, de un tándem muy clásico: el compositor y el letrista. Hoy el proceso creativo es mucho más abierto y colaborativo”, describe Gómez Tamayo. “No significa que haya desaparecido el autor individual, pero cada vez vemos más obras registradas con cuatro, cinco, seis o incluso más autores”.

El goteo de firmas es consecuencia, por otro lado, de la menor diversificación dentro del proceso creativo: la canción ya no se escribe primero para grabarse después, sino que nace dentro del estudio, siendo muchas veces compuesta y producida al mismo tiempo. “Hace años una canción podía escribirse perfectamente en el salón de una casa con una guitarra. Hoy muchas canciones nacen directamente en un estudio, donde la base rítmica, la producción, los sonidos, las melodías y la interpretación se construyen casi al mismo tiempo”, señala Gómez Tamayo.

Ese cambio no reparte igual el protagonismo en todos los géneros. En la música urbana, el pop o el hip hop, donde la producción es la columna vertebral del tema, el productor pasa a firmar como autor: “Ya no se limita a dar forma al sonido; forma parte de la composición desde el primer momento”, señala Gómez Tamayo. En el cantautor, el rock o la música de raíz, su papel sigue más cerca del arreglo y la grabación, y la autoría se queda en quien escribe la canción. Pero allí donde la producción manda, “la canción deja de ser el resultado de una sola inspiración para convertirse en el resultado de un proceso creativo colectivo”.

La fábrica de canciones reabre como campamento

El campamento de composición es la consecuencia tangible de ese cambio de modelo: un encuentro, que puede durar de tres días a una semana, en un estudio con varias salas, una residencia o un hotel, donde decenas de compositores, productores y artistas rotan por equipos para escribir canciones en serie. “Un camp es un campamento literal que se organiza para componer para equis artista, o un camp rotativo en el que la gente que participa va turnándose para hacer sesiones tanto para otros como para ti misma”, explica la cantante y productora María Blaya (Murcia, 1996), que escribe canciones bajo el nombre artístico de BLAYA, con camps en España y Estocolmo a sus espaldas.

Aunque en España pueda resultar novedoso, la coautoría en serie se remonta a más de un siglo. Entre 1900 y 1970, la industria estadounidense concentró la escritura de canciones en oficinas: primero en el Tin Pan Alley neoyorquino, la calle de las editoriales que despachaban éxitos por encargo; luego en el entorno del Brill Building de Manhattan, donde parejas de autores componían en cubículos con piano; después en Motown, el sello de Detroit que aplicó al soul la cadena de montaje de sus fábricas de coches. El formato se moderniza en los estudios suecos de los años noventa y se populariza a finales de la década de 2000. El caso más citado es el de Rihanna: para Rated R (2009), el sello Def Jam alquiló estudios en Manhattan y reunió a decenas de productores y topliners —los especialistas en melodía vocal y letra— para fabricar el disco en pocos días. El modelo se extiende a los álbumes de Madonna, Taylor Swift o Dua Lipa, y de ahí al K-Pop, que compra canciones nacidas en camps suecos.

“Hasta hace relativamente pocos años, los camps eran algo que aquí veíamos por la prensa”, reconoce Rubén Gutiérrez (Madrid, 1972), director de la Fundación SGAE. Uno de los primeros ensayos en España salió desde su institución: desde 2012, la Fundación organiza laboratorios de creación que reúnen durante varios días a autores emergentes con tutores consolidados. Allí descubren que “el contacto entre los distintos participantes” vale tanto o más que la tutoría, recuerda Gutiérrez, y aquellos laboratorios acabaron funcionando como prototipo local del camp profesional.

Como un sastre

Luis Gómez-Escolar (León, 1949) firma desde los años setenta parte del cancionero popular en español: Fiesta de Raffaella Carrà, Amor de hombre de Mocedades, Maldita primavera, Bailar pegados, María y La copa de la vida de Ricky Martin, versiones para Roxette o Bocelli. “Casi siempre he trabajado por encargo, como un sastre, y he compuesto los temas a medida, procurando conocer previamente al intérprete, charlar con él sobre su vida, sus preocupaciones y esperanzas. Y, por supuesto, intentando ponerme en el papel de su público, que es quien realmente manda”, cuenta. El oficio exigía disciplina: “Supone desprenderse de uno mismo y practicar un constante travestismo de género, nacionalidad, lenguaje e ideología”.

Un camp es un campamento literal que se organiza para componer para un artista, o un camp rotativo en el que la gente que participa va turnándose para hacer sesiones para otros

Gómez-Escolar fecha la transición del modelo a finales de los noventa, trabajando con Draco Rosa para Ricky Martin: recuerda pocos autores por canción en A medio vivir (1995) y en el siguiente disco, “ya éramos tres autores y, en algún caso, cuatro… luego cinco”. El contexto lo explica él mismo: “Era esa la época en la que la piratería y la difusión gratuita de música por la red empezaron a erosionar los pilares tradicionales de la industria”. Los directores artísticos fueron sustituidos por directivos con másteres en marketing y “eso creó un nuevo patrón de composición, más orientado a la música de consumo y evasión social”. Al resultado lo bautiza “la macedonia de autores”.

Autoría, autenticidad y patrimonio

El interés creciente de los intérpretes por figurar entre los autores responde a dos lógicas simultáneas. La cultural: “El artista de hoy quiere sentirse parte de la creación. El público también demanda autenticidad y valora que quien interpreta una canción haya participado en ella”, apunta Gómez Tamayo. Y la económica, que él mismo se niega a esconder: “Hoy vemos operaciones de cientos de millones de euros y eso ha contribuido a que muchos artistas entiendan que sus canciones también forman parte de su patrimonio. Los autores preguntan más, quieren entender mejor qué firman, qué porcentaje les corresponde”. Los créditos visibles en Spotify convierten esa autoría en información comprobable por cualquiera.

En 2021, compositores estadounidenses firmaron The Pact, un manifiesto contra las estrellas que exigen entre el 20% y el 35% de canciones que no han escrito. En los camps, la frontera se negocia caso a caso. Blaya aplica un criterio artesanal: acreditar toda huella real, incluso la guitarra descartada de la primera sesión, pero con un límite: “No vale con estar en la sesión, escuchar y dar opinión, porque eso lo hacemos todas en todo momento, hasta desayunando. Hay que acreditar bien, siendo humanos y sin egos”. La SGAE marca la misma línea roja: “La autoría debe responder a una aportación creativa real. Los derechos de autor protegen precisamente la creatividad”, insiste Gómez Tamayo.

El caso español

#FollowTheSong, el camp de Sony Music Publishing dentro de Primavera Pro, reunió en su primera edición a más de 200 creadores de 18 países, que compusieron más de 175 canciones; Warner organiza el suyo en Madrid con artistas de su plantilla y productores del pop latino. Gutiérrez ve en los camps “una formalización de esas ganas de hacer cosas juntos” de una generación que colabora en lugar de competir. El efecto llega a los premios: M.A.P.S., de Amaia —disco escrito con Irenegarry, Jimena Amarillo o La Bien Querida—, compitió como Canción del Año contra La Perla de Rosalía, firmada con Ryan Tedder, habitual del circuito internacional de campamentos.

Blaya defiende el formato frente a la sospecha de cadena de montaje: “Verdaderamente son espacios muy creativos”, y la industrialización solo aparece “cuando te sientes obligada y empiezas a hacer cosas que no van contigo”. La lectura larga la ofrece Gómez-Escolar, medio siglo de oficio a cuestas: “No es que haya cambiado el mundo de la música… es que ha cambiado el mundo y, naturalmente, con él ha cambiado la música. El compositor de piano, papel y lápiz ha quedado, de momento, para el Museo de Cera”.

Una miniván avanza por las desordenadas calles de la ciudad de Davao, en el sur de Filipinas. Al volante va Sherwin Tuna, que recorre el territorio polvoriento y ruidoso donde comenzó a hacer música, en tanto que su compañero de viaje, su representante e investigador Jorge Juan B. Wieneke, contempla cómo la vida de los barrios más humildes pasa zumbando ante sus ojos. Viajan rumbo a las playas de Mabini, donde les espera un festival masivo, pero lo que importa es lo que se escuchan durante el viaje. Se trata, en realidad, del portal de entrada al universo del budots, un género musical que nació en estos mismos suburbios marginados y que ha terminado explotando como uno de los grandes fenómenos de TikTok.

En ese simple trayecto con las ventanillas bajadas, ya se cruzan con el estilo callejero y casi espontáneo que caracteriza el budots. Ya sea que escuches el sonido de la bocina de un coche, las voces de vendedores ambulantes o los silbidos típicos que caracterizan el ambiente de cualquier ciudad, cualquier elemento cotidiano puede acabar en una de las canciones de este género. Sherwin Tuna lo sabe mejor que nadie: conocido artísticamente como DJ Love, es el gran pionero del budots. Dio vida a esta música en su modesto cibercafé, donde experimentaba en su ordenador con ritmos acelerados que encajaran con los bailes que veía en su vecindario.

Estos bailes se observaban en las zonas de gran pobreza de Davao. Allí, la palabra budots se usaba para describir a una persona “vaga” que pasaba el día sin hacer nada. Eran personas, en su mayoría adolescentes sin hogar, que consumían pegamento industrial barato para intentar olvidar el hambre y sus problemas familiares. Estos muchachos eran llamados popularmente rugby boys por la marca de pegamento que utilizaban y, para camuflar su consumo de drogas ante la gente o la policía, recurrían a estos bailes a los que se les empezó a poner melodía. “El budots se convirtió en una herramienta para el bien social de forma natural, no por decisión deliberada”, explica DJ Love a elDiario.es.

“Para las personas que vivían con esa etiqueta, esta nunca reflejó la realidad. El budots surgió del aburrimiento, la curiosidad y la supervivencia cotidiana”, añade el artista que reflexiona que, “a través de la música, ese significado cambió”. “Lo que antes se menospreciaba se convirtió en una fuente de orgullo, alegría y conexión”, cuenta. Tanto es así que, cuando suena la música, la gente se reúne, los jóvenes bailan, experimentan con la mesa de mezclas o ayudan a montar equipos de sonido. DJ Love argumenta que “les dio algo a lo que pertenecer, algo creativo en lo que centrarse en lugar de verse arrastrados a meterse en líos”: “La música se convirtió en un camino alternativo”.

El ruido cotidiano y los sonidos de la calle incorporados en los temas nunca se añadieron a propósito, pues “simplemente estaban ahí” cuando DJ Love se puso a crear estas canciones a inicios de siglo. “El budots no intenta escapar de su entorno, sino que lo refleja”, comenta el pionero. “Con el tiempo, pasaron a formar parte de la identidad de la música. La densa vida de los barangays [la división territorial y administrativa más pequeña de Filipinas, equivalente a lo que en otros países conocemos como un barrio o una aldea] es ruidosa, comunitaria, repetitiva y compartida, y la música es un reflejo de esa realidad”, detalla.

De esta manera, el género budots conecta directamente con aquellos que no tienen recursos. “Lo que hace que sea tan poderoso es su conexión con la clase trabajadora y los pobres, no como público, sino como su fuente. No habla de ellos, sino con ellos. Por eso resuena con tanta fuerza y sigue llegando mucho más allá de donde comenzó”, celebra DJ Love. Es algo que sostiene Jorge Juan B. Wieneke, representante del artista. “Es una música que no requiere formación académica, gustos elitistas ni infraestructuras costosas para ser sentida o para participar en ella”, alega el investigador.

Una liberación mucho más que física

Wieneke afirma que, para muchas personas que viven en condiciones precarias, el budots “ofrece una liberación emocional y física directa, comunitaria y sin pretensiones”. “Surge de los espacios cotidianos, del software pirata, de los estudios caseros improvisados, de la difusión por bluetooth, de las fiestas callejeras, de los mercados públicos, de los cibercafés y de los equipos de sonido montados con lo que haya a mano”, expone el agente de DJ Love a elDiario.es, aseverando que “es música de baile creada a partir de la limitación, pero que transforma esa limitación en placer, humor, movimiento y presencia”.

Lo que llamó la atención de Wieneke fue, precisamente, lo autosuficiente y descaradamente local que era la escena. “El trabajo de DJ Love no parecía tanto una imitación como una documentación de la realidad vivida”, asegura. Aun así, esta música fue considerada de mal gusto durante mucho tiempo. Las canciones se propagaban de forma lenta y muy rudimentaria, compartiéndose de teléfono a teléfono mediante conexiones bluetooth de baja calidad. Sin embargo, todo este aislamiento cambió radicalmente con la llegada de las redes sociales y la expansión de la conexión de internet móvil barata en las islas.

La viralización del género

El budots encontró en la plataforma TikTok el trampolín perfecto para darse a conocer ante millones de personas gracias a la sencillez de su ritmo y el enfoque divertido de sus coreografías. Varios temas se han convertido en la banda sonora de infinidad de vídeos virales en todo el planeta. Entre ellos destaca la clásica canción TiwTiw de DJ Love, que se ha coronado como un himno fundamental del género. Por otro lado, el remix Paro Paro G del productor DJ Sandy alcanzó la fama gracias a un baile colectivo que fue imitado incluso por las celebridades más famosas de la televisión filipina.

“A medida que el budots llega a un público global, proteger la propiedad intelectual y el trabajo de Sherwin es una prioridad. Esto implica acuerdos claros, licencias adecuadas y garantizar que los colaboradores entiendan que esta música es una obra cultural, no contenido gratuito o desechable”, defiende Wieneke. “La protección no es solo legal; es ética. Equilibrar la visibilidad global con la autenticidad significa negarse a suavizar las asperezas. No intentamos hacer que budots resulte más 'agradable'. Su carácter local es precisamente la razón por la que conecta a nivel internacional. El objetivo no es exportar un producto, sino invitar a la gente a adentrarse en su contexto”, agrega.

Algunas de las artistas más importantes del momento han utilizado este tipo de música para acompañar sus vídeos, como sucedió con Olivia Rodrigo en una de sus publicaciones en TikTok durante su anterior gira. Una canción que no venía de un refinado estudio de Los Ángeles, sino de los callejones más humildes de la ciudad de Davao. Por su parte, DJ Love se propone a seguir llevando él mismo estas canciones a todos los rincones del planeta. “Actuar a nivel internacional ha sido una lección de humildad. Da igual dónde sean los conciertos, ya sea en Europa o en Asia, mantenerse conectado con el hogar es esencial. La música siempre lleva consigo a la comunidad”, concluye.

Termina el festival más multitudinario de Madrid —48.000 personas este sábado con el reto pendiente de solucionar algunos problemas de movilidad— con una jornada diseñada, como expresó un joven crítico musical, “para conocedores”. Mad Cool ha conseguido armar una personalidad para cada día: miércoles para rockeros soft, jueves para jóvenes fans del pop mainstream, viernes para indies futboleros y sábado para, efectivamente, conocedores de los nombres a los que hay que rendir tributo si uno siente que la música es la manifestación cultural más importante de los últimos cincuenta años.

Parece un sueño hecho realidad ver en un mismo día a Nick Cave, Kasabian, Pulp y David Byrne. Y es tan onírico que en realidad es imposible. Los dos primeros tocan a la vez, en diferentes escenarios; y lo mismo sucede con los otros dos. Para los que no puedan soportar el FOMO, existen varias zonas del macrorrecinto de Villaverde donde se pueden ver dos conciertos a la vez. También se escuchan los dos a la vez, pero ese es el precio a pagar por estar a todo.

En un encuentro con medios poco antes de iniciarse el festival, el director del festival dio explicaciones sobre el drama de los solapamientos: hay grupos que exigen tocar de noche, por lo que al final la franja prime time queda reducida a tres horas al día; no queda más remedio que poner a los grupos a competir por la audiencia.

A quien no parece que le importe mucho tocar bajo la solana, más propia de grupos principiantes, es a The Black Crowes, que fueron gigantes con su rock stoniano en los 90 y que, tras reagruparse en 2019 están tocando intensivamente. El atardecer se refleja en las gafas de sol de Chris Robinson, que aguanta el tipo con actitud y afirma, antes de acometer su versión de Hard to Handle, que Otis Redding fue el mejor cantante de todos los tiempos. Los hermanos Robinson llegaron al Mad Cool tras pasar por Alicante y el Cruïlla, que se celebra simultáneamente en Barcelona, y por el que también pasó David Byrne el día anterior. Después de cierta polémica por dejar de lado al batería original, al que llamaron “manipulador”, el nuevo se ha ganado el favor de algún sector del público vistiendo camiseta de los piradísimos Butthole Surfers.

A pesar de que estos bluseros sureños tienen un nuevo disco manufacturado este año, el grupo pasa olímpicamente de él, para centrar su repertorio en Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. Vamos, que saben a lo que vienen.

Otro al que no le importa mucho tocar de día —también con gafas de sol y atuendo de elegante negro— es a Matt Berninger, quien además parece que lo pide en el título de su último single, Who Loves The Sun, un cándido tema de indie pop junto a una cantante de country ochentero. El cantante de The National se está tomando un respiro del grupo que comparte con dos parejas de hermanos para cultivar un rato su carrera en solitario, con un sonido chamber no muy diferente del de la banda. Un camino que le ha llevado hasta la pista, para mezclarse con sus fans.

Con el eco del concierto de 2024 presentando Wild God en el Palacio de los Deportes, cómo no se iban a arrojar los madrileños con los ojos vendados hasta el límite de la ciudad en un julio ardiente para adorar a un dios de nombre Nick Cave.

Qué arrebatador inicio de concierto, de dos horas de duración —estamos en un festival pero Nick Cave respeta a su público— en el que primero te pide que te prepares para el amor, luego que te llevará a la eternidad y, en tercer lugar, que llegaremos ahí en una noche trepidante montados en un tren de larga distancia al que te has subido para sufrir, oh Lord! In the name of pain!

Un equipo logístico con chalecos reflectantes que llevaban las palabras Nick Cave and the Bad Seeds estampadas en la espalda, montaron y desmontaron una barricada transitable a lo largo de la valla que separa al público con el foso, lo que permitía al cantante pasearse una y otra vez por delante y por encima de su público. Primero echaba un ojo, como valorando qué lugar le producía mayor seguridad, y luego se adentraba en el mar de cuerpos que le sostenían las rodillas y las pantorrillas, a veces incluso el micrófono, para que pudiera entregarse no solo en alma sino también en cuerpo.

Cave fija sus ojos claros en su público. Un chico de dos metros de altura con aspecto de haber entrado hace poco en la veintena fue ungido por la mano del cantante, que la apoyó con firmeza sobre su frente y cantó para él. El término arrobado se inventó para definir este momento, un acto que jamás podrá olvidar.

Es un set largo pero Nick Cave y sus Bad Seeds conceden a sus fans una selección de clásicos y no tanto una presentación —que ya no necesita ser presentado— de su último disco Wild God. La canción homónima cae, por supuesto, dando un primer respiro desfibrilador. Es importante que llegue este momento valle en la selección de canciones, porque sería el éxtasis sería insoportable. Pero es breve, porque sin verlo venir estalla una tormenta de verano y el relato se vuelve sucio, tabernero, a lo que uno se imagina que debe sonar el borde de un pantano en Misisipi, a la medianoche y con mucho calor. Durante más de cinco minutos, Elvis no nació en Tupelo sino en Villaverde, linde con Getafe, y miles de personas asisten al parto y descubren, con horror, cómo su hermano gemelo nace muerto. De eso va Tupelo, uno de los grandes momentos del concierto. El público aúlla.

El concierto sube y baja en intensidad, sobresaliendo una hermosa Joy o la Carnage firmada por el canoso bad seed Warren Ellis. Tras un segundo acto de cierta tranquilidad, en la que una de las coristas sustituye a PJ Harvey cantando la parte de ella, quizá no con mucho acierto, en Henry Lee, otra vez Cave se acelera de manera demoniaca para The Mercy Seat y una desbordante Papa Won’t Leave you, Henry y estalla con Red Right Hand, un favorito del público.

Después de muchos “fucking Spain” y “fucking Madrid” —entiendo que como halagos—, este concierto tan intenso, perturbador y arrebatador, inolvidable, terminó con la bellísima Into My Arms.

Para saltar de Nick Cave a Pulp, es mejor desintoxicarse con algo. Si no, es muy difícil. Para ello, hay dos opciones: resetear el cerebro bailando techno durante media hora con Richie Hawtin —una de las pocas presencias electrónicas del festival—, una leyenda a cuyos pies todo el mundo debería ponerse al menos una vez en la vida, o presentar respetos a otro grande, como es el cantante de Talking Heads, David Byrne.

Hawtin, el padre de Plastikman, el rey de los abstractos, el acelerador de partículas, el reventador de los BPM, no parece que afloje nunca. Los extraños especímenes que pasaron por la carpa de Loop a sudar junto a él, sintieron el corazón asomar por la boca.

Byrne, por su parte, vestido de naranja junto a sus músicos, en realidad se hace un concierto de Talking Heads sin Talking Heads. Se toca todos los clásicos, del Psycho Killer al Once In a Life Time, pasando por el Burning Down The House. Y ahora, hay que correr para ver a Pulp, a los que tristemente parece que en España solo conseguimos atisbar en festivales.

En las pantallas del escenario más grande, pasada la medianoche, apareció un mensaje en español: “Buenas noches. Os vais a acordar de esta noche para el resto de vuestras vidas”. Y seguía: “Estáis a punto de ver a Pulp. Este concierto entero es un encore. Un encore significa que el público quiere más. Así que…”. Los miembros de Pulp comienzan a aparecer en el escenario. El mensaje de la pantalla insiste: “He dicho ¡HACED RUIDO!”. las mayúsculas causan efecto y Jarvis Cocker entra a escena envuelto en chillidos.

Te voy a contar una historia. Ella vino de Grecia a estudiar arte en Saint Martin’s, más que de conocimiento, estaba sedienta de experiencias. Su padre estaba forrado, así que no tenía ni idea de qué hace la gente normal con su vida. ¿Qué comen? ¿Cómo duermen? Un año en Londres, haciendo cosas vulgares, como cortarse el pelo, buscar un trabajo, mirando las cucarachas subir por la pared de tu piso barato. Esta historia la contábamos y la cantábamos cada noche de viernes entre el 95 y el 2000. Así era nuestra vida en los 90.

El primer concierto de Pulp en Madrid tuvo lugar el 18 de noviembre de 1995. Lo recordó el propio Jarvis. “En un club llamado Revolver. ¿Sigue existiendo?”. “Nooo”, le gritamos. “¿Qué es ahora, un parking?”, pregunta. Y pide que levanten la mano los que estuvieron. Alguna aparece.

Pulp fue el grupo que ya estaba ahí cuando empezó el britpop —su protohistoria comienza, es increíble, en 1978— y que sigue estando ahora que se ha formalizado su retorno. Y Jarvis Cocker no es solo un cantante, es un cronista; y sus canciones no dicen cosas, sino que las cuentan. Por eso, un concierto de Pulp es un drama, en el mejor de los sentidos.

Different Class, su disco de 1995 en el que se inscribe Common People, Sorted for E's & Wizz o Disco 2000, entre las muchas que han sonado esta noche de ese álbum, está lleno de ellas. Normalmente son las cosas que le pasan a chicas que Jarvis conoce, a las que quiere conocer o con las que se ha acostado o se quiere acostar. La vida romántica en Sheffield. Pulp es la manera en la que la gente corriente nos creímos británicos durante tres minutos y medio en los noventa.

Pulp ha sufrido oleadas de incomprensión a lo largo de su carrera. Y se le ha intentado matar varias veces. Mismamente, cuando publicó la continuación de Different Class, This Is Hardcore, muchos de sus seguidores le dieron la espalda, porque era raro. Visto hoy, su larga canción homónima es una obra maestra que supone uno de los momentos de mayor intensidad en el concierto. El escenario se tiñe de rojo, Jarvis se recuesta en un sillón, una lámpara de araña aparece mágicamente sobre él.

Jarvis Cocker, a sus 62 años, parece el mismo tipo escuálido, miope, desubicado, demasiado abrigado, tímido —pero desatado sobre un escenario— que ha sido siempre. Como una anguila erecta, su cadera rompe su figura primero a un lado, luego al otro, un hombro sube, el otro baja, golpea un bombo gigante como si la baqueta fuera un varita mágica, trepa a los monitores y se detiene por tres segundos como un chaval británico que quiere ser Tony Manero, se quiebra las muñecas, camina bailando, baila caminando. Es Jarvis Cocker, el chico raro que demostró que la gente como él también puede ser una estrella del pop.

Common People, la historia de la chica que vino de Grecia a estudiar arte en Saint Martin’s, cierra el concierto, con un largo protagonismo del público cantando que quiere vivir como la gente corriente. Jarvis golpea un bombo gigante y unos tubos enormes se hinchan de aire. Es la traca final. Cuando ya se había despedido, Jarvis parece recordar algo y se acerca de nuevo el micrófono a la boca: “Disfrutad del resto del festival”, pero ya no queda nada, salvo buscar la manera de llegar a casa. En eso consiste el pop: darlo todo, sin preocuparse por qué pasará mañana.

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Bonnie Tyler ha fallecido este miércoles en Faro (Portugal) a los 75 años, según ha informado la propia familia de la artista británica. La cantante de éxitos como It's a Heartache, Total Eclipse of the Heart y Holding Out for a Hero, no logró recuperarse de la enfermedad por la que fue hospitalizada el mes pasado.

Tyler, cuyo nombre real era Gaynor Hopkins, nació el 8 de junio de 1951 en la ciudad galesa de Neath, en Reino Unido. El amor por la música se lo infundó su madre, Elsie, que era una gran admiradora de la ópera y cantaba en el coro de una iglesia local.

Janis Joplin y Tina Turner fueron dos de las voces con las que Bonny Tyler se crio; y con diecisiete años logró quedar segunda en un concurso de talentos interpretando Those Were the Days de Mary Hopkins y I Can't Stop Loving You de Ray Charles. Dos años después formó su propia banda, Imagination, con la que tocó en bares y clubes del sur de Gales, bajo el nombre de Sherene Davis.

Roger Bell la descubrió durante una de sus actuaciones, impresionado por su talento. De ahí viajó a Londres para grabar algunas demos y meses después firmó con RCA Records. Allí le recomendaron que se buscara un nombre más potente, y se decidió por Bonnie Tyler. My my Honeycomb y Lost in France fueron sus primeros sencillos. Tras el lanzamiento de ambos, la cantante tuvo que someterse a una operación de nódulos en las cuerdas vocales. Su médico le ordenó que no hablara durante varias semanas, pero Tyler no le hizo caso. Su 'desobediencia' fue la que generó el sonido rasgado e inconfundible de su voz que le acompañó durante el resto de su carrera.

La artista fue galardonada con el premio Brit a Mejor artista revelación británica en 1977, aunque su salto a la fama mundial fue un año después, gracias al éxito de It's a Heartache. Tyler estuvo ligada a RCO hasta el álbum Goodbye to the Island, que publicó en 1981, y grabó principalmente en el Algarve, Portugal. El tema Sitting on the Edge of the Ocean ganó en el Gran Premio del Festival Yamaha Music celebrado en Tokio en 1979. Descontenta con sus anteriores productores, al expirar su contrato fue en busca de nuevos, y acabó proponiéndoselo a Jim Steinman, con quien terminaría alcanzando la cima de su carrera.

Su primera obra juntos fue el hit Total Eclipse of the Heart, al que siguió el disco Faster Than the Speed of Night. Canción y álbum fueron nominados al Grammy.

Su siguiente trabajo discográfico, Secret Dreams and Forbidden Fire incluyó otro de sus grandes éxitos, Holding Out for a Hero. La cantante grabó Hide Your Heart con Columbia Records en 1988 y posteriormente Bitterblue con Hansa Records, tras establecerse en Alemania. Le siguieron Angel Heart (1992) y Silhouette in Red (1993). A finales de los noventa, la artista firmó con una nueva compañía, East West Records, con quienes fusionó pop con música celta en su álbum All in One Voice.

Tyler continuó saliendo de gira, grabó un disco de covers con la orquesta filarmónica de Praga, y en Wings apostó por involucrarse por primera vez activamente en el proceso de composición de su álbum, eminentemente pop. En 2013 sumó un nuevo hito en su trayectoria, representando a Reino Unido en Eurovisión con Believe in Me. Obtuvo el puesto 19. En Malmö, ciudad en la que se celebró el certamen ese año, protagonizó un divertido encuentro con la delegación española. La artista compartió escenario con El sueño de Morfeo en los conciertos previos a la gran final, donde les recibió con ánimos y a grito de: “¡Que viva España!”.

Tyler lanzó otros dos álbumes más, Rocks and Honey en 2013 y Between the Earth and the Stars en 2019, y siguió recorriendo escenarios y actuando en televisión. Hasta su complicación intestinal, seguía a pleno pulmón. Actualmente estaba de gira, de hecho, tenía previsto tocar en Malta el 22 de mayo y en Alemani el día 30.

El cantante canadiense Justin Bieber se sumará a Shakira, Madonna y el grupo de K-Pop BTS en el espectáculo de medio tiempo de la final del Mundial de fútbol 2026, que se celebrará el próximo 19 de julio en el estadio MetLife de Nueva Jersey.

En el show, que durará once minutos a imitación del que la Super Bowl celebra tradicionalmente en sus intermedios, contará igualmente con Gustavo Dudamel, Burna Boy, el coro PS22 y Coldplay, según informaron este miércoles en un comunicado la FIFA y la plataforma Global Citizen. La incorporación de este espectáculo de medio tiempo hará que el descanso de la final dure más de los 15 minutos reglamentarios.

El espectáculo de la final del Mundial apoyará el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a una educación de calidad y al fútbol para niños en todo el mundo. Un dólar de cada entrada vendida para los partidos del Mundial irá destinado a este fondo, que ya ha recaudado más de 50 millones de dólares.

Apoyo al acceso a la educación para los niños

“El Mundial de la FIFA une al mundo como nada más puede hacerlo. Estoy agradecido de formar parte de este ‘show’, aun más sabiendo que ya está ayudando a ampliar el acceso a la educación para los niños”, apuntó Bieber en la nota.

Por su parte, el presidente de la FIFA, Gianni Infantino, subrayó que “no hay nada más importante que la educación”: “Estamos orgullosos de que Justin Bieber se una a Madonna, Shakira y el grupo surcoreano BTS para encabezar este espectáculo en apoyo del fondo educativo”.

El show inlcuirá a los personajes de Barrio Sésamo, entre ellos Kermit y Miss Piggy del show de los Muppets, “reforzando el enfoque educativo del evento”, destacaron la FIFA y Global Citizen.

A las 18:35 de la tarde del miércoles, cuando daban comienzo los dos primeros conciertos del primer día del Mad Cool —Palaye Royale en el Orange, uno de los más grandes, y Hot Wax, en el Mahou Cinco estrellas—, el termómetro madrileño marcaba casi 40 grados. A ambas bandas les había tocado la pajita más corta en el sorteo. Salir a tocar a primera hora de un macrofestival siempre es malo. Hacerlo con una ola de calor que hacía que la gente buscara las sombras, los chorros de agua y los dispensadores gratuitos de crema que ofrecía una marca de bronceadores es, directamente, una misión casi imposible.

El miércoles del Mad Cool se vio marcado por el calor extremo. Un calor que hacía que la gente estuviera, además, en un extraño estado de aplatanamiento del que solo salían gracias a estímulos concretos. El primero lo logró Jehnny Beth, que comenzó su concierto haciendo mención, cómo no, al calor. “Estoy un poco mareada, ¿cómo estáis vosotros?”, dijo la artista en un momento de su actuación.

Es difícil tocar bajo una carpa sin climatización a las siete de la tarde en este Madrid tórrido, pero Jehnny Beth envolvió al público en algo que no es en absoluto frescor, pero sí un rapto hipnótico, sucio y salvaje. Salvaje como fue su grupo Savages, mucho más incómodo y punk que esta formación en solitario —acompañada de una banda de hombres, al contrario que su anterior formación— en la que ahora se presenta la también actriz (dio la sorpresa en Anatomía de una caída). Beth pidió en español que las mujeres del público levantaran la mano: “¡Mujeres al frente siempre!”, dijo antes de acometer una versión intensa de Army Of Me de Björk. Después, y a pesar del calor, la humedad y el aire que solo se mueve alrededor de los abanicos, se lanzó a hacer flexiones en la canción Push ups (que compuso con el genial dúo Sextile).

Por si fuera poco, pidió que alguna mujer subiera también a hacerlas. Una lo hizo, y llegó hasta el heroico número de 25. En ese punto del concierto, y quizá la borde del desmayo, la manera de refrescarse fue todo lo contrario de lo esperado: con sus zapatos de tacón fino de 13 centímetros, bajó del escenario, cruzó el foso y se lanzó sobre los brazos del público de las primeras filas, que la sostuvo no se sabe con qué fuerzas mientras ella cantaba, mirando fijamente a su público I’m The Man. Un concierto de una fiereza excelente para iniciar el Mad Cool.

La (no) sorpresa de Bigger Splash

El concierto de uno de los platos fuertes, Wolf Alice —que también comenzó su concierto haciendo referencia al insportable calor— coincidía casi en horario con el de una banda desconocida. Bigger Splash apareció en el cartel del Mad Cool sin que nadie les conociera. Pero había algo raro. ¿Por qué colocar a una banda random en una hora como las 21:00?, ¿por qué el Mad Cool no había colocado ni siquiera foto de ellos? Y lo más raro, ¿cómo es posible que los Bigger Splash no tuvieran ninguna canción publicada en ninguna plataforma musical pero hubieran sido contratados también en el Cruïlla y en el BBK?

Los rumores de que Bigger Splash no eran otros que Arde Bogotá comenzaron a coger fuerza la mañana del miércoles de comienzo del Mad Cool. La propia banda había dejado miguitas de pan que surtieron efecto. La cola media hora antes de empezar el concierto de aquella banda desconocida daba varias vueltas por el recinto. En esa cola había mucha gente con camisetas de Arde Bogotá. La banda española había realizado una performance/troleo que solo podía tener dos finales: o la decepción de todos sus fans, que podían estar haciendo cola para un grupo que no conocían, o llevarles al cielo al ver a una de las bandas españolas más pujantes del momento.

Cuando comenzaron los acordes (15 minutos más tarde de la hora planeada) de La torre Picasso ya no quedaba ninguna duda, y el recinto Mahou Reserva, que encima es cubierto y climatizado, se convirtió en el segundo momento en el que el Mad Cool se olvidó del calor asfixiante. El troleo de Arde Bogotá salió a la perfección y convirtieron uno de los escenarios más pequeños en uno de los focos de la primera jornada del festival donde cantaron singles de su próximo disco, entre ellos el que se llama Bigger Splash, solucionando el misterio del nombre de la banda fantasma. Cabe preguntarse qué necesidad hay de esta “performance” como ellos la llamaron, y qué pasa ahora con los próximos conciertos, que ya han perdido el factor sorpresa.

Una carrera de obstáculos

La planificación de horarios del primer día del Mad Cool convertía el recinto en una partida infernal del Mario Bros. Si uno quería ver a todos los artistas que quería le obligaba a ver conciertos a medias o apurar e ir corriendo de uno a otro para intentar llegar a tiempo en una carrera de obstáculos. Si encima, como ocurrió con el de Arde Bogotá, empieza tarde, llegar a Dogstar a tiempo era casi imposible. Y había morbo por ver al grupo que tiene a Keanu Reeves como bajista.

Nunca se aplaudió tanto a un bajista en Mad Cool, quizá desde que Flea salió al escenario con Red Hot Chilli Peppers en 2023, pero a Flea, que también es actor, no le gritaron el nombre de uno de sus personajes como ocurrió entre la primera y la segunda canción del concierto de Dogstar cuando se escuchó un “¡Neo!”. Y es que Keanu Reeves, que protagonizó la saga Matrix con ese personaje, está en el escenario y todos los móviles hacen zoom sobre él, un discreto bajista, pero Keanu Reeves al fin y al cabo, una leyenda del cine.

Dogstar no es la banda con la que Reeves se entretiene entre películas, en realidad es una vida anterior en la que él podría no haber sido Neo, si no un bajista más de una banda más del grunge americano de los 90. El grupo se formó ocho años antes del estreno de Matrix, y menos mal que Keanu Reeves no lo apostó todo a Dogstar. El grupo se separó en 2002 y la covid les juntó de nuevo dos décadas después. Y aquí les tenemos, en Villaverde, devolviendo un sonido indie 90s a este presente en el que todo vuelve, tan solo un par de horas después de que el hijo de Liam Gallagher (Gene) actuara en otro escenario —climatizado y con portadas de discos gigantes, como el Goo de Sonic Youth, eso es un plus—, en una especie de banda tributo a aquel sonido, Villanelle, que viene a ser apreciada más por nostalgia que por necesidad.

El rock eterno de Foo Fighters

Para escuchar realmente rugir al Mad Cool hubo que esperar a que ocurrieran dos hechos. El primero, lógico y natural, es que el sol se fuera y bajara la temperatura, aunque es cierto que tampoco lo hizo tanto. El otro —lo que se espera de un cabeza de cartel de un evento como el Mad Cool— se dio en cuanto Dave Grohl y su banda pisaron el escenario dos minutos antes de la hora prevista. Nada más apareció el lider de Foo Fighters el Mad Cool se desgañitó, resucitó y olvidó de golpe el calor del día.

Se notaba que había ganas de Foo Fighters. Suele ocurrir en el Mad Cool que cuando tocan bandas tan marcadas por su personalidad, y que no se suelen desviar del rock que han destilado toda su carrera, la gente que acude está poblada, mayoritariamente, por fans reales de la banda, y no por grupos de jóvenes que piensan que están en un Coachella cañí y se acercan a Villacerde para hacerse fotos con botas altas y la noria de fondo. Se nota en el uniforme. Las camisetas de Foo Fighters y de Nirvana —no hay que olvidar que Grohl comenzó como baterista de la mítica banda de Kurt Cobain— eran mayoría aplastante.

Eso ayuda a que conciertos como el que ofreció Foo Fighters funcionen a la perfección. Mad Cool sabía de las ganas y del poder de la banda, y les dio, además, el tiempo suficiente para que desplegaran su habitual setlist. Los conciertos del grupo siempre son largos. Hacen el suficiente hueco a sus míticos himnos, y eso siempre provoca que se alarguen a más de dos horas. El escenario principal de Mad Cool se reservó durante dos horas y media para un regreso que ya se hacía esperar.

Desde 2017 Foo Fighters no pisaban nuestro país. Primero la pandemia y luego la muerte de su batería, Taylor Hawkins, fallecido a los 50 años en marzo de 2022, hicieron que cancelaran las dos ocasiones previas en donde iban a tocar en España. Por eso los fans esperaban ese momento que era, además, casi un acto de presentación de una banda renovada y que ha sabido sobreponerse a la tragedia.

Grohl y compañía lo sabían, e hicieron lo que mejor saben, entretenerse poco entre canción y canción e ir encadenando sus temazos en detrimento de los de su último disco, Your Favorite Toy, publicado hace pocas semanas. Tras tirarse un vaso de agua por la cabeza en los primeros minutos, Grohl encadenó un repertorio a prueba de bombas. Es imposible no tener a los pies a las decenas de miles de personas del Mad Cool si encadenas en los primeros compases temazos como All My Life, The Pretender, Times Like These, Rope, My Hero y Learn to Fly.

Y así hasta un final en alto con Exhausted y Everlong como bises perfectos. A los que no tuvo de su lado, sin embargo, fue a los fotógrafos profesionales, que vuelven a quejarse por las condiciones que sufren en los conciertos. Si en el de Rosalía no les dejaron acreditarse, aquí solo a unos pocos elegidos a los que pidieron firmar un contrato leonino por el que cedían el copyright de las fotos al grupo a cambio de poder usarlas durante un año.

Un trance electro/político

El dichoso solapamiento de los festivales hizo que en la primera jornada los dos cabezas de cartel coincidieran a la vez y en los dos escenarios más grandes. Solo 40 minutos después de que los Foo Fighters empezaran a tocar, Moby comenzaba su concierto a escasos metros. Y ahí se evidenció el principal error en la planificación de los escenarios de este año. En una edición en la que todos los días van a ocurrir a la vez dos conciertos, el sonido de uno va a acabar comiendo parte del otro.

A Moby le ocurrió con los restos del concierto de Foo Fighters. La parte derecha de la pista se veía afectada y eso hizo que la gente apostara por ir a escucharle al otro lado, donde la propuesta por el dance y la electrónica del artista se disfrutó a la perfección. Una pena lo del ruido, porque lastró un concierto que fue una auténtica fiesta. Primero, porque Moby fue el único que alzó la voz. Es un poco triste que en momentos como los que vivimos, los músicos pasen de puntillas por todo en sus conciertos.

Apenas unos ‘Hola Madrid’ y poco más. Quizás por eso la ovación que recibió Moby cuando tras comenzar con Body Rock se dirigió al público para decirles que había traducido algo con su móvil que quería decir en español, especialmente “tras las noticias de hoy”. “¡Que se joda Trump”, dijo pronunciando la J como si fuera una Y. Lo repitió y lo subrayó: “Sé que vosotros odiáis mucho a Trump, pero nosotros le odiamos más ”, dijo haciendo referencia al ataque del presidente de EEUU a España en la cumbre de la Otan este miércoles.

Desde ese momento el artista, que iba con tatuajes de 'Vegan for life' y 'Human Rights' en brazos y cuello, desplegó una especie de conjuro electro/político que puso a los que habían abandonado a Foo Fighters a bailar en una especie de trance nostálgico (reforzado por unos visuales absolutamente noventeros) en el que recordó sus mejores temazos, Porcelain, Honey o Natural Blues, además de ese par de goles que le metió a las radiofórmulas: We are all made of stars y un Lift me up que sirvió de casi colofón en el que Moby volvió a hablar: “Esta es una canción que alerta de los peligros del fascismo y de los ataques a la democracia que vivimos. Hagamos todo por defender la democracia”. Una pincelada a la acción en una primera jornada de Mad Cool marcada por el calor y la astenia política generalizada.

Antes, los pueblos antiguos subían a altares de piedra para arrancar corazones a sus enemigos y así ganarse el favor de sus dioses. Ahora, regalamos “corazoncitos” virtuales en la pantalla de nuestro móvil con la esperanza de que Internet nos devuelva un poco de cariño y nos cure la soledad. La reflexión la hace Pablo García (Gijón, 1984), musicalmente conocido como Pablo Und Destruktion, que lleva más de veinte años recorriendo carreteras con su guitarra a cuestas como trovador, pero a la vez es psicólogo social y ha estado dos décadas estudiando cómo funciona nuestra imaginación. Un análisis que le ha hecho darse cuenta de que, por mucho avance tecnológico que haya, los humanos seguimos respondiendo a los mismos rituales y miedos de siempre.

El también escritor ha plasmado todas estas reflexiones en Música de carne: Pop, seducción y sacrificio, una obra que invita a mirar la música de una forma totalmente distinta. No como un simple entretenimiento para bailar, sino como la herramienta de control mental más antigua que existe. Pablo Und Destruktion indaga en cómo la industria del pop de masas utiliza las canciones para jugar con nuestras emociones, engancharnos a través del cerebro y exprimir nuestro tiempo. Pero no solo eso: también la relevancia de la cultura en la política, el relevo que ha intentado coger a la religión y la cada vez mayor falta de conciencia de clase entre los artistas.

¿Cómo la tecnología ha ocupado el lugar que antes tenía, por ejemplo, la religión?

La canción esotérica trata de conmoverte por medio de la apertura de tu corazón, por el sentimiento. Cuando te conmueve, produce esa apertura. Pero una nana ya no está para dormir a un niño por medio de entrar en él y conseguir ese truco de magia. Ahora, una nana está para tener muchas reproducciones y mucha repercusión. La lógica cambia progresivamente hasta acabar siendo la de la tecnología, que tiene sus propios planes, como estamos viendo ahora con el desarrollo de las inteligencias artificiales. Es como construir una segunda naturaleza. Sin entrar en un juicio moral de si es bueno, malo o regular, nos permite estar hablando de estas cosas y volver a replantearnos qué conexión sutil y natural existe que nos conecta a todos sin falta de Internet.

¿Las nanas solo sirven ahora para hacer dinero?

Bueno, es que la música popular hasta hace muy poco sí era popular, realmente venía de abajo y, en todo caso, podía llegar hasta arriba cuando algún gran artista recopilaba canciones populares y hacía un disco como Johnny Cash, que de repente se internacionaliza y se vende por todo el mundo. Ahora, en cambio, se propone como música popular aquella que viene de arriba y va hacia abajo. La cuestión es visibilizar el poder que tiene la canción para con uno mismo y para con su entorno, sin necesidad de enmarcarla en un contexto ni político, ni mercantil, ni social. Se trata de ver cómo la canción transforma en ti y en tu entorno la percepción de la realidad.

La izquierda ha tenido más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha dejado ese poder cultural a la religión

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

La música es poderosa en la política.

Los políticos se pegan por controlar la cultura, como vimos hace unos días con Pedro Sánchez corriendo para ir al Primavera Sound. Y es importante porque genera amores y, por lo tanto, amos. Y tanto unos como otros, de un lado o de otro del espectro político, forman parte de un proceso que es mucho más orgánico. La izquierda sí ha tenido muchísimo más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha estado más torpe porque ha dejado ese poder cultural a la religión. Lo hemos visto estas semanas de Papa en Madrid y Primavera Sound.

Hay como cierta convergencia entre determinados postulados de la izquierda cultural y de la religión católica. Ahora parece que convergen porque tanto unos como otros quieren utilizar la idea del bien para gobernar y, de esta manera, decidir quiénes son los malos para poder así pastorear. A mí me parece interesante la cultura independiente, la cultura popular, lo contracultural, aquello que trata de salir de estas tendencias tan moralistas en el uso de la cultura. Normalmente, siempre que te dicen “esto es lo bueno”, es la antesala de que te digan “esto es lo malo, atácalo”. Si no quieres vivir en esas guerrillas, está bien utilizar todas las posibilidades que te da la música como canalización de tu propia ira, para luego poder relajarte como algo meditativo, como creación de lazos con personas con las que realmente quieres tenerlos.

Si la derecha ha tendido más a la religión, ¿cómo se explica el auge de la religión en la cultura?

En el acercamiento a lo religioso, como siempre, hay una parte sincera y otra que es de ampliación del campo de batalla mercantil y de meterse en parcelas en las que no se había atrevido a meter. Primero hubo un revival mágico, todo este rollo witch presente en Lady Gaga, Marina Abramović y tantísimos artistas de las últimas décadas. Pero, cuando eso ya empieza a estar agotado, te metes en el catolicismo para utilizarlo y transformarlo. También el catolicismo tiene esa capacidad: acogió a los dioses paganos y los integró dentro de su seno. Y ahora lo hace también con esto, por eso es una institución que sobrevive durante tantos siglos. Lo ideal de este revival mercadotécnico de lo religioso, más allá de los intereses mercantiles, es que traiga de vuelta lo verdaderamente artístico.

¿Falta más conciencia de clase en las canciones?

La conciencia de clase no es identidad de clase. Hay mucha identidad de clase, pero falta conciencia. Por ejemplo, Bad Bunny y la casita. Hay identidad de clase, pero, ¿qué conciencia de clase hay? Ninguna. Todo lo contrario, y ese es el problema de las identidades. Las identidades sirven para hacer exactamente lo contrario de lo que dicen. Si no hubiera sido por esta trampa de lo identitario, sería imposible algo como lo de la casita de Bad Bunny. La conciencia no es identidad, sino darte cuenta de que formas parte de un engranaje productivo en el que, organizándote colectivamente, puedes intervenir en él.

Una canción con conciencia de clase es una canción que llame a la huelga, por ejemplo, y que haga que esa huelga se realice para lograr una intervención directa en el sistema productivo. Y eso sí que falta. Más allá de la canción con conciencia de clase, un acercamiento artístico con conciencia de clase es el que hace que los sellos independientes sean verdaderamente independientes. Ahora casi nada lo es realmente porque llegas a distribuidores que no son independientes y no te queda otra que obedecer a fuerzas imperiales. TikTok, Instagram y Spotify lo son. ¿Uno puede mejorar las condiciones de la clase trabajadora de su comunidad si su comunidad es sierva a nivel internacional?

El hackeo del poder político está en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que nos dicen quién es el malo y a quién tenemos que atacar

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

¿Hasta qué punto Silicon Valley controla lo que escuchamos?

De una forma evidente, por eso vemos cómo todas las ideologías han cambiado desde que la tecnocracia ha entrado a jugar. La forma de salir de la polarización es entender que esa polarización no es más que el código binario de ceros y unos. Se ha utilizado la hipersensibilización de un espectro de la sociedad para que la izquierda abandone luchas obreras concretas, cohesión comunitaria basada en el trabajo y en el vecindario real, e ir así metiendo luchas identitarias para luego dárselas a la ultraderecha. Es lo que está haciendo ahora que en Francia uno de los mayores grupos de ultraderecha se llame Generación Identitaria.

La lucha por las identidades siempre es una lucha que va a favorecer a la derecha nacional, a la derecha étnica, que es al fin y al cabo la que están apoyando los tecnócratas. Tanto aquellos de Meta, que tienen una orientación más sionista, como Elon Musk y compañía, que tienen una orientación más propia del apartheid sudafricano, el supremacismo blanco y el imperialismo angloamericano. En el fondo son dos caras de la misma moneda. La cuestión es que tienen un monopolio tan grande que ya es imposible no llegar hasta el final del relato que nos han planteado. El hackeo de ese poder político está precisamente en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que siempre nos van a decir quién es el malo, a quién tenemos que atacar y de quién tenemos que tener miedo.

¿El devenir de la cultura siempre va a estar condicionado por lo que ellos decidan?

Siempre van a ir apareciendo personas que son conscientes de esos procesos y que luego son martirizadas y sacrificadas, como ha pasado a lo largo de la historia con múltiples figuras. La de Cristo es bastante evidente, pero con muchos revolucionarios ha ocurrido lo mismo cuando han sido capaces de generar el no imperio. El imperio es la voluntad de poder, de economía y la sed de sangre, mientras que el no imperio es lo que trata de resistir a esa deriva que trasciende lo ideológico, lo religioso y los siglos.

Ahora lo tenemos delante de los morros y lo estamos viendo, puesto que la corrupción política trasciende la ideología y la sed de sangre trasciende los imperios. Es una fase muy apocalíptica en la que estamos viendo el horror del poder político en todo su esplendor. Nunca se va a ganar, porque si se gana, entonces eres imperio. Entras dentro de la lógica imperial, como ha ocurrido mil veces. Entonces te corrompes y acabas montando la marimorena.

¿El silencio puede ayudarnos entre tanto ruido?

A mí me gustaría, y lo digo para pedírmelo a mí mismo para Reyes Magos. En el silencio habita un tipo de conocimiento que no está en otro lado, que no está ni los libros ni en los reels ni en los pódcasts ni en los gimnasios. Está única y exclusivamente en el silencio, y para tener ese silencio necesitamos tener la voluntad de no atender al resto de reclamos. Ese es el verdadero empoderamiento: que por mucho que te llamen, que por mucho que te chantajeen los medios de comunicación para que ames u odies a tal, seas capaz de conquistar ese centro de gravedad permanente. Es un silencio de ser consciente de ese centro y mantenerlo independientemente de los bombardeos ajenos que tengamos.

Luego, por supuesto, tratar de ir creando espacios seguros más allá de lo eclesiástico para que pueda haber ese tipo de escucha. Los pequeños conciertos, el underground y la música independiente es eso. No necesito gente, no necesito la gran fiesta. Puedo ir a ver un concierto para 15 personas, estar tranquilo y salir renovado y conmovido. La obra de arte puro todavía tiene la capacidad de llevarte a un lugar mental o espiritual en el que hay ese silencio, esa parada.

No ha pasado ni un año desde que la cantante chilena Mon Laferte publicara su último disco, Femme Fatale, y de la necesidad de dar salida a las más de cincuenta canciones que escribió, acaba de publicar una segunda parte, Femme Fatale Vol. 2. El álbum arranca con el tema For Your Consideration, en el que critica que la culpa, el neoliberalismo, el capitalismo y el optimismo no le dejan descansar. También canta al amor, al paso del tiempo, al genocidio y hasta al bótox.

“Crear es mi manera de vivir, pero un día me di cuenta de que soy un producto, un negocio para mucha gente”, reflexiona la artista en su visita a Madrid para actuar en el Orgullo, sobre el que afirma que “no solo es la celebración del amor y la diversidad, también un recordatorio”, frente a la “ola de conservadurismo” que impera en el mundo.

Mon Laferte suma con este diez discos de estudio desde que en 2003 grabara su primero, La chica de Rojo, todavía como Montserrat Bustamante, antes de que modificara su nombre artístico. Más adelante serían éxitos como Tu Falta de Querer, Amárrame y Mi Buen Amor los temas que la consolidaron como una de las voces latinas más distintivas. Ganadora de cinco Latin Grammy, la chilena ha desarrollado su carrera también a través de la moda y la pintura.

¿Cómo combate ese no poder descansar por la culpa, el neoliberalismo y el optimismo?

Creo que todas y todos tenemos nuestros demonios y luchamos por ser personas dignas, y que la vida nos sea leve. Una de las temáticas que atraviesa mi vida y me quita el sueño es justo eso, el que trabajo demasiado. Un día en terapia con mi psicóloga hablamos de que creía que estaba confundiendo el ser admirada con ser querida, que es algo que menciono en la canción.

Y lo del capitalismo es que es muy fuerte. Me cuesta sentarme a ver una serie y no sentirme culpable porque no estoy haciendo nada productivo, y es algo que le pasa a todo el mundo. La canción la escribí justamente después de unos Grammy, y también es una sátira de lo que es la industria a la cual pertenezco.

También dice que no le gusta sentir que se convirtió en una mercancía, ¿siente que los artistas lo son?

Pienso que lo que hago es superhonesto, genuino. Hago música, he amado el arte toda la vida. Crear es la manera que tengo de comunicarme y vivir, pero de repente un día me di cuenta de que soy un producto, básicamente. Yo, mi personaje, Mon, mi música y todo mi universo es un negocio para mucha gente. Tengo que tomar las cosas buenas y las malas. Puedo darle trabajo a muchas personas, pero también es fuerte darte cuenta de eso.

¿Cómo lo interiorizó?

Justo para eso están para mí las canciones, desde muy pequeña. Me gusta hablar de Violeta Parra, que es una de mis artistas favoritas y ella siempre, a través de sus canciones, contaba su vida, como en El gavilán. Escribir canciones es para mí la forma de expresar, de contar, de procesar, de vivir. Ahora, soy un ser humano, estoy llena de contradicciones. Soy cero consecuente y coherente, pero así somos todas y todos.

En Hola Montserrat menciona el bótox y reflexiona sobre el hecho de ser joven; acaba diciéndose “debo aprender a quererme”. ¿Por qué parece que hay un momento en la vida en el que nos damos cuenta de que tenemos que querernos mejor?

Es muy fuerte porque he hablado con muchas amigas sobre esto, y siempre la conversación llega a “cuando yo era más joven me sentía mal” y ahora veo mis fotografías de aquella época y digo “era hermosa”, “superinteligente” y yo en ese momento no me amaba, no me quería. Con los años sí he ido queriéndome y aceptándome cada vez más, con todo lo que soy, pero siento que todavía a veces soy un poco dura conmigo misma. Y está bueno ponerlo en una canción y repetir que debo aprender a quererme sin condicionantes. Con todos mis errores, mis luces, mi oscuridad. Soy muy exigente.

La canción dice que “pienso en el bótox, en la música experimental, en mi madre, en la soledad de la gira mundial, tal vez esté mejor cuando no intente ser ni joven ni normal”. Y claro, es que todo el tiempo pienso sobre eso. Hay una sobreexposición hoy por redes sociales y una superexigencia de todo. De lo que dices, de que tienes que ser correcta, que si dices algo o no te vamos a funar, de si tienes o no arrugas. Si te pones o no te pones bótox. Que da igual, pero a la vez lo pienso todo el tiempo, ¿tendré que ponerme bótox?

Ahora, en especial las mujeres, se exige que tengan que hacer de todo encima del escenario.

Hace poco fue Coachella y Sabrina Carpenter dio un megaespectáculo, y luego Justin que es increíble y todo fue supersencillo, y te das cuenta de que el estándar para las mujeres está muy alto. En la imagen también. Es cierto que antes, y un poco ahora también, se tiene esta idea de que las mujeres tienen una fecha de caducidad en la música porque no se ven jovencitas, guapas de veinte años.

Ahí es donde muchas comienzan o comenzamos a querer estirar un poco más eso, y empieza el bótox. Y claro, no lo culpo. Es muy fuerte realmente. Vi un TikTok que decía “se puso bótox, es falsa. No se puso, uy se dejó, está vieja. Que trabaja y es mamá, pobrecito su hijo. Que no trabaja, oye se quedó en la casa”. No le puedes dar el gusto a nadie, siempre te van a criticar por algo.

¿Le preocupa que por el hecho de cumplir años, por ser mujer, pueda quedarse sin hueco en la industria?

No, honestamente nunca me ha hecho ruido. Tengo ya 43 años, tampoco soy una jovencita, soy una mujer. Pero no me preocupa. Siento que también lo mío ha ido por la música. Mi personaje es superteatral. Nunca he intentado estar buena. Sé que no soy supercurvilínea ni nada por el estilo. Sí me siento guapa pero mi carrera no está tampoco ahí, entonces puedo jugar mucho con mi personaje. En mi próximo álbum puedo ser quién sabe qué cosa.

En Por la gracia de Dios comenta que con la excusa de “por la gracia de Dios”, se han cometido atrocidades. ¿Cuánto daño ha hecho esta impunidad? Menciona en una lista criptomoneda, aborto, cárceles, genocidio y un largo etcétera.

Yo amo escribir y escribo muchas cosas en mi teléfono. Y un día pensé en hacer un inventario del mundo por el placer de hacerlo. De pronto me di cuenta de que tenía potencial de canción. En un avión tuve una revelación en cuanto a que al mismo tiempo están pasando todas estas cosas a la vez. No eres consciente de que yo estoy aquí hablando de mi música y en otra parte del mundo hay un genocidio, y en otro lugar está naciendo un bebé.

Me gusta dejarlo como este inventario, como una fotografía del tiempo presente. La otra vez meditaba con una amiga sobre cómo dejamos que sucediera en la humanidad lo que pasó en la II Guerra Mundial, ¿qué pasó en el mundo? Y siento que hoy estamos un poco en lo mismo y dejamos que suceda. Es como una fotografía del presente.

En 2019 acudió a los Grammy mostrando sus pechos con el mensaje “en Chile torturan, violan y matan”, y llevaba un pañuelo verde en el cuello. ¿Ha cambiado mucho la situación desde entonces? ¿Volvería a hacerlo?

No sé si lo volvería a hacer porque en ese momento estaba muerta de miedo. No fue algo fácil. Lo ves con distancia y dices “bueno, mostró las tetas”, pero estar ahí fue fuerte. Lo hice por lo que sucedía en ese momento en mi país, en Chile. Iba con el pañuelo verde pero siento que en algún momento se desvirtuó un poco el tema del feminismo. Se le hizo mucha mala fama también. Hoy decir feminismo como que causa un poco de roncha, de alergia. Todos dicen “uy, no, es feminista”, y le huyen. Y creo que es importante recordarnos que el feminismo es buscar la igualdad y es importante seguir mencionándolo. Yo amo a los hombres, jamás quiero ponerles el pie encima, no, yo les quiero besar. Solo quiero que tengamos las mismas oportunidades todos. Les conviene a ellos también.

En No le regales tu corazón incluye directamente en la letra los votos de su boda, deja mucho de sí misma en sus canciones.

Es una carta de amor, literalmente una declaración. Se la escribí a mi pareja actual, al padre de mi hijo. Su padre se suicidó cuando él tenía tres años. Él se deprimió hace un tiempo y yo tenía mucho miedo de que él repitiera la historia. Nuestro hijo estaba cerca de los tres años también. Por eso en la canción le digo “tú no eres como él” y lo repito una y otra vez. Cuando la escribí se la mostré en una madrugada y lloramos juntos. Afortunadamente, él ahora está bien, está tranquilo. Es una carta de amor. Poner al final los votos de la boda es recordarle que aquí estoy para él y recordarme a mí también que tengo la capacidad de amar.

Vídeo completo de la entrevista

¿Es posible salir de un festival con la sensación de que, por una vez, todas las piezas encajan? ¿Es normal que, de entre una treintena de actuaciones, y habiendo visto solo una decena, cuatro de ellas, como mínimo, merezcan el calificativo de excepcional e inolvidable? ¿Quién recuerda un festival donde cada concierto estuviera programado en espacios elegidos para realzar la propuesta artística, para que los intérpretes pudiesen dar lo mejor de sí y para el público los disfrutase en las mejores condiciones imaginables?

Hemos asumido que un festival de música sea un contenedor de conciertos a granel ubicados en un mismo escenario para así recortar costes de producción donde contemplar versiones defectuosas, rácanas o descafeinadas de nuestros grupos favoritos en condiciones de visibilidad y acústica deficientes. Por eso, cuando asistes a uno en el que parece que los artistas están ofreciendo su mejor actuación del año piensas, ¿tan difícil era planificar un festival con sentido? Todo esto, a raíz del (a)phònica, un festival especializado en propuestas artísticas con la voz como protagonista y que la semana pasada celebró su vigesimosegunda edición. El milagro ocurrió en Banyoles, municipio famoso por su lago; el más grande de Catalunya.

Es este un festival distinto por muchas razones. De entrada, porque no se celebra en un recinto vallado a las afueras del pueblo, sino que se disemina por una veintena de espacios del municipio. Asistir al (a)phònica implica recorrer las calles de Banyoles. Para ver sus conciertos habrá que visitar el claustro del monasterio, la muralla del siglo XV, la plaza mayor, el teatro municipal, el auditorio y hasta navegar por el lago. La cantautora Raquel Lúa y Quim Carandell, líder de La Ludwig Band, ofrecieron cada uno dos pases a bordo de La Tirona, el barco que surca sus tranquilas aguas.

Otra anomalía. Es imposible adquirir el abono del festival porque no existe. Y no existe porque se asume que nadie puede, quiere ni necesita ver todas las actuaciones. En (a)phònica no se solapan los conciertos, pero la idea nunca fue vender al público algo que luego no podrá digerir. Además, la mitad de conciertos son gratis y solo la otra mitad son de pago. Cada asistente compra entradas para los conciertos que decide ver. ¿La cantante portuguesa Lina junto al pianista Marco Mezquida en el Auditorio? 18 euros. ¿Kiko Veneno en el club náutico? 28. ¿Anna Andreu en el Teatro Municipal? 14. Eso sí, quien tenga claro que quiere asistir a muchos conciertos, puede adquirir un pack más económico para tres, cinco u ocho pases.

Mediante esta fórmula, cada actuación se convierte en la más importante del festival en cada momento. No se percibe estrés entre el público. Ni se detectan prisas por parte del artista. El tiempo se detiene. El público no huirá a otro escenario. Apenas hay gente filmando con el móvil. Y ese ambiente de máxima atención aporta la confianza necesaria para que el artista se tome su tiempo para dar expresarse. Así ocurrió en el pase de la asturiana Lorena Álvarez. Su actual repertorio exige paciencia y dedicación, pero cuando te atrapa ya no te suelta. Su imaginativo trío de músicos y su consabido don de gentes apuntalaron un recital de psicodelia honda. Como si Ibon Errazkin produjese a Lole Montoya. “Este es el concierto donde he estado más a gusto de los últimos cinco años”, aseguró. El público acabó cantándole la canción más famosa del pueblo: El monstre de Banyoles.

Impacto económico, social y cultural

“El festival nació hace veintidós años fruto de la larga trayectoria coral de Banyoles y con la intención de tener en cuenta a las entidades locales y los grupos musicales. No queríamos pensar solo en el retorno económico”, recuerda el director del (a)phònica Francesc Viladiu. “La idea era mostrar la ciudad y no programar lo que programa todo el mundo”, añade. Así es. El festival está fuertemente vinculado al tejido cultural local, pero también al social y económico. Los grupos emergentes actúan delante de restaurantes y comercios emblemáticos para fomentar el consumo local. Cada año llaman al festival empresas de food trucks que quieren montar sus caravanas, pero siempre las rechazan. Hasta un 36% de los gastos de producción del festival revierten en proveedores, empresas y trabajadores de la comarca.

El impacto estrictamente cultural del (a)phònica va más allá de programar espectáculos de riesgo económico y artístico como los de Magalí Sare, con la participación de veintitrés voces del Cor Bruckner; L’Arannà, el dúo que recupera y actualiza los cants redoblats de Ibiza y Formentera; o Vocal Vircan, un coro de polifonías georgianas, género de gran belleza y riqueza expresiva declarado Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad. Son propuestas en las antípodas del típico festival que caza a golpe de talonario al grupo de moda. Propuestas que enriquecen y amplían el imaginario cultural y que sin el apoyo de este evento, verían tambalear su futuro.

Pero en su objetivo de plantear un festival para la gente del pueblo y que deje una huella cultural, (a)phònica hace algo más. Vincular algunos artistas de cada edición con alumnos de bachillerato artístico de la comarca, prolonga la estancia de grupos de música infantil durante el curso escolar y sirve de escaparate para estudiantes de la escuela municipal de música estrechando así sus lazos con las entidades culturales y visibilizando su progresión creativa durante el año. “Todo se complica más cuando hablas con una entidad, pero el resultado es mil veces mejor”, estima Viladiu. Plantear un festival como un espacio de conversación con las entidades ha contribuido a que la gente de Banyoles sienta el (a)phònica como algo muy suyo. “Y todo esto justifica el dinero público que recibimos”, añade.

Dinero público y cerveza

Otra peculiaridad del (a)phònica: si llamas al teléfono de información te responderá el director. Sin embargo, este no es un certamen casero. Maneja un presupuesto de en torno a 260.000 euros de los que 100.000 son aportación del ayuntamiento. La diputación de Girona le otorga 40.000 más y la Generalitat de Catalunya, otros 70.000 desde que la muestra fue declarada Festival de Interés Cultural. El resto de recursos económicos llegan a través de patrocinios (20.000 euros) y venta de entradas (40.000). La aportación pública es abundante, sí, pero también son abundantes los beneficios que aporta. Porque son principalmente culturales y eso es muy inusual en un circuito festivalero que cada vez se mide más por el impacto turístico, el falso sold out y la foto del grupo de moda fichado mediante caché astronómico.

Los ingresos en barras, tan imprescindibles para tantísimos festivales, son insignificantes en (a)phònica. Sea cual fuera ese importe, el dinero es para las entidades locales que las gestionan; nunca para el festival. Es un mecanismo automático de redistribución del impacto económico. Cada año la única barra está ubicada lo más lejos posible del escenario principal; el gratuito. Este año la cerveza costaba 2,5 euros y el euro del vaso reutilizable se devolvía a quien lo quisiera y sin hacer cola. No, en el (a)phònica no hay colas. Ni pantallas, porque difícilmente se juntan más de mil personas por concierto. El dinero público que recibe el festival permite que las finanzas del festival no dependan del consumo en barras. Ese consumo de alcohol es tan discreto y razonable que no afecta a los conciertos ni obliga al ayuntamiento a desplegar efectivos policiales para evitar altercados.

“El gran problema del dinero público es que se está destinando para contratar a grupos que no dejan ninguna huella en el municipio”, denuncia Viladiu. La huella del festival es, sobre todo, cultural. Por lo tanto, no puede calibrarse a corto plazo. Y, aún menos, en ocupación hotelera, cifras de asistencia o visualizaciones de reels. De hecho, el gran éxito de (a)phònica es no ser una fecha excepcional en el calendario de Banyoles, sino algo así como la fiesta de fin de curso de una actividad cultural sostenida durante todo el año. La partida de cultura de este municipio de 21.000 habitantes es de 3,39 millones de euros, casi el 11% del presupuesto del consistorio.

Penúltima peculiaridad: este año, (a)phònica ha superado con creces la paridad de género sin alardear de ello y gracias a la presencia de las gallegas Filles de Cassandra, la catalana Anna Andreu, la argentina Carmen Aciar y las también gallegas Caamaño & Amexeiras, protagonistas de una actuación destacada en el claustro del monasterio. Acordeonista y violinista culminaron su recital colándose en la iglesia para regalar allí un bis. Cabe señalar también el pase de Minibús Intergalàctic, quinteto gerundense de psicodelia entre cuyo público no se avistó a su más ilustre seguidor.

Los públicos ausentes

La cultura juega un papel tan central en Banyoles que el edificio de la Escuela Municipal de Música está en la plaza mayor. Aun así, en el debe de (a)phònica sigue pesando el escasísimo interés que despierta el festival entre la población migrada. Cerca de un 20% de sus habitantes es extranjero. Y de esos 4.000 habitantes, a los que cabría añadir los jóvenes catalanes de padres extranjeros, la mitad proviene del continente africano. Todos viven de espaldas al festival. Y viceversa. “Uno de nuestros grandes retos es llegar a esos públicos de orígenes diversos. Es algo que hay que abordar urgentemente, no hay excusa”, reconoce Viladiu, tras veintidós ediciones. En este aspecto, (a)phònica no es un caso único. Interpelar a las comunidades migradas es la asignatura pendiente de la mayoría de festivales de España.

Edu, Lukas, Mangel, Espi y Anteo son el alma de Dinosaurio Meteorito, la banda de indie-rock asturiana que ha venido para quedarse y revolucionar el panorama musical español. Ellos mismos se definen como “independientes, ruidosos, jóvenes y hambrientos” y con la fuerza de sus directos están forjando una madurez artística que les augura un camino plagado de éxitos.

Su carrera va lanzada ya hacia ese camino de la mano de la discográfica Boomerang Discos de Enrique Patricio, que edita su primer EP con seis temas agrupados bajo el título de 'Por si no me encuentro al volver'.

“Producción clara, sin artificios”

“Son disparos directos que combinan la crudeza de guitarras saturadas con melodías pegadizas que invitan al pogo y a la sonrisa. Producción clara, sin artificios, cada golpe de batería parece empujar una idea, cada línea vocal apela a una generación perdida”, asegura Enrique Patricio.

Estos cinco jóvenes “independientes, ruidosos y hambrientos” crecieron escuchando a The Strokes, Twenty One Pilots, Queen Of The Stone Age, Arctic Monkeys, Carolina Durante y el ruido honesto del rock alternativo de los 2000.

Unos inicios, de premio

Apenas llevan un año tocando juntos y ya han comenzado a recoger los primeros premios. Empezaron en la primavera de 2025 participando en varios concursos y haciendo conciertos en distintos puntos de Asturias.

Dinosaurio Meteorito se presentó a Festiamas 2025 y ganó. Este concurso musical recorre la geografía asturiana para poner en valor la música que realizan los grupos y artistas asturianos en sus diferentes estilos, desde el hard metal hasta el folk, pasando por el rock, indie y pop, entre otros estilos.

También probaron suerte en el Concurso de Rock Ciudad de Oviedo y quedaron en segunda posición.

Canciones con mensaje

A finales de año editaron su dos primeros singles, 'Intolerante a la lactosa' y 'Si te vas y nunca regresas'. Ellos mismos explican qué querían contar con estas dos canciones de tan sugerente titulo: “La primera es una canción que trata sobre encontrar a esa persona nueva en tu vida que te hace vibrar y querer perderte del resto del mundo junto a ella. Y la segunda, habla de la clásica relación en la que no podéis estar el uno sin el otro pero luego cuando estáis juntos os hacéis daño”.

Los seis temas

Los miembros de la banda siguieron con sus directos este año 2026 y a finales del pasado mes de junio sacaron su tercer single 'Volver', un tema que va “sobre echar de menos una relación pasada que tienes idealizada y sobre la baja autoestima que te lleva a pensar en ello” y que forma parte del EP de seis temas.

El EP que ahora presentan lleva el título 'Por si no me encuentro al volver', donde además de los temas ya editados, incluye otras tres canciones: 'Ponte las pilas', 'La vida adulta' y 'Viaje al centro de mí mismo'.

“Hay cosas que merecen la pena”

En 'Ponte las Pilas' llaman a espabilar, que “aunque estés mal la vida no es tan terrible como la pinta tu cabeza y hay cosas que merecen la pena”.

'La vida adulta' es una canción con tintes irónicos que trata sobre “cómo las rutinas y las responsabilidades de hacerse mayor acaban comiendo todo tu tiempo libre y poco a poco te vas alejando de las personas que quieres y solías ver con asiduidad”.

“Viaje al Centro de Mí Mismo” es el título de un tema que “va de estar totalmente perdido y deprimido y entender que avanzar pasa por alejarse del ruido externo y abrazar el amor hacia uno mismo”.

Los próximos conciertos

La grabación ha tenido lugar en Estudios Ovni de Llanera bajo la producción de Sergio Firu y Andrey Fomchenko. Actualmente se encuentran acabando nuevos temas que irán viendo la luz a partir del mes de septiembre.

La banda ya tiene cerrados conciertos el 25 de julio en Salinas en el Longboard Festival, el 6 de agosto en Verdicios en Las Dunas y el 4 de septiembre en el Casino de Llanes.

Contempopránea regresa a sus orígenes para celebrar sus 30 años con una fiesta pequeña en Alburquerque (Badajoz), justo donde empezó todo, y lo hace con la vuelta de Nosoträsh a los escenarios. El que es uno de los festivales de música independiente y pop más veteranos de España organizará un evento llamado CPOP los próximos 21 y 22 de agosto para celebrar su aniversario, que no ha querido perderse una de las bandas que lideró en la escena indie en los años 90 y que fue pionera del Xixón Sound.

El evento, fuera del marco de la edición del festival de este año, tendrá lugar en el Paseo de las Laderas, que se prepara para acoger un pequeño concierto único y exclusivo de la banda. Es el lugar donde el grupo actuó por última vez en el festival en su edición de 2015, e interpretará entre cuatro y cinco canciones, pero no será un regreso al uso o el inicio de una gira. La organización ha destacado que “es una reunión puntual para celebrar los 30 años de un festival con el que siempre han compartido una historia y una forma de entender la música”.

Fundado en Gijón en 1993, Nosoträsh irrumpió con fuerza en la escena nacional tras ganar en 1995 el prestigioso concurso de maquetas de la revista Rockdelux, donde ya aparecía uno de sus primeros himnos, Voy a aterrizar. Su debut discográfico, Nadie hablará de... Nosoträsh (1998), fue reconocido como uno de los discos más importantes del pop independiente español y consolidó al grupo como uno de los nombres de referencia de su generación.

Su regreso a los escenarios supone la guinda del pastel para una fiesta que pretende mirar la música más allá del mainstream. Agustín Fuentes, director de Contempopránea, explica a elDiario.es que el propósito de la fiesta es “recuperar la esencia del festival”: “Vamos a volver a los orígenes y a celebrarlo de manera muy alternativa. Lo típico hubiese sido llevar a las bandas que están en todos los festivales, pero me apetecía más buscar el lado más esencial del indie de la actualidad, con pinceladas de bandas que ya no están y que significaron mucho para el festival”.

Asimismo, destaca que “CPOP 30 no es un festival más de los más de 1.200 festivales que existen en España”, puesto que “será una celebración íntima, con aforo reducido y un cartel acorde al espacio y a la población que lo acoge”. “Volvemos al formato que definió la identidad de Contempopránea en 1996. Una apuesta por la escala humana, por la cercanía y por un encuentro donde el patrimonio histórico y la música dialogan sin interferencias”, señala la organización.

Un festival que siempre buscó ser la alternativa

A la fiesta también se sumará Meteosat, una banda fundamental en la música española a finales de los años 90 porque impulsó la popularización del indie pop. El grupo rompió con la hegemonía de las bandas que cantaban en inglés y creó un estilo desenfadado que fusionaba el tecno-pop, la electrónica y el pop-punk. Pero el aniversario cuenta con más invitados, como Miguel Rivera (Maga), Julien Elsie, Apartamentos Acapulco y La Habitación Roja.

“Otra vez, 30 años después, tenemos que volver a hacer la alternativa, porque hace 30 años, cuando nosotros irrumpimos en la escena musical con ese tipo de bandas que no tenían visibilidad, ayudamos a darles exposición en un momento en el que ya existía el mainstream”, señala Agustín Fuentes a este periódico. Para la fiesta habrá camping y zona de autocaravanas gratis junto a la piscina del pueblo, y las entradas ya están a la venta.

Además, habrá descuento para quienes también vayan a la presente edición de Contempopránea Don Benito, puesto que esta fiesta no es la edición que el festival tiene preparada para este año. El festival como tal se celebrará los días 16 y 17 de octubre con artistas como La M.O.D.A., Nena Daconte, Carlos Ares, Sexy Zebras, Veintiuno, Barry B, Depedro, Elyella o Ultraligera, entre otros.

Madonna tenía 24 años cuando lanzó su primera canción en solitario, Everybody. Era 6 de octubre de 1982, fecha que cambiaría para siempre la historia de la música. Nacía la que terminaría convirtiéndose en la 'reina del pop'. Soberanía que su majestad mantiene más de cuatro décadas después en las que, con ahora quince álbumes de estudio a sus espaldas, ha compuesto himnos como Like a Prayer, Like a Virgin, Vogue, Hung Up y La Isla Bonita.

Pero su legado no se ha limitado únicamente a su talento como artista. Madonna rompió los moldes del mainstream, transgredió a nivel sexual, tomó las riendas de toda su corporalidad y look, y dio visibilidad al sida cuando era un tabú envuelto en estigmas, ha desafiado al Vaticano y ha subido la bandera palestina al escenario de Eurovisión en Israel.

“Siempre ha abierto camino”, afirma Eduardo Viñuela, Doctor en Musicología y autor de la biografía Bitch She's Madonna (Dos Bigotes). Un camino que sigue ampliando con el lanzamiento de su nuevo disco, Confessions II, este viernes, siete años después del anterior, a punto de cumplir 68.

“Está haciendo algo que no ha hecho nadie, que es envejecer siendo mujer en un género musical como el pop. No estamos hablando de una artista de country, ni de blues, ni de jazz, sino del pop, que siempre se asoció a la juventud”, valora el experto, que incide en que la cantante ha sido y es diana de edadismo: “Se le ha criticado mucho, cuestionando que por qué no se retira; que además tiene un componente de género, porque desde luego no es algo que le digan a Bruce Springsteen”.

Leyre Marinas, publicista y Doctora en Periodismo, analizó en Fucked Feminist Fans. Los orígenes del #MeToo desde la cultura pop musical (Dos Bigotes) las conexiones que han existido en los últimos treinta años entre la música, los movimientos feministas y el sexismo divulgado por los medios de comunicación, en las que Madonna cuenta con su propio apartado.

Para la investigadora, la artista “ha sufrido y sufre todas las normas de vigilancia y control sobre absolutamente todo lo que pueda atravesar a cualquier mujer. Ya sea por edadismo, su sexualidad, su talento, sus creaciones, su poder dentro de la industria musical y su influencia. Las críticas siempre han sido sexistas. No encontrarás a ningún hombre del pop, rock o cualquier otro género al que le digan 'deja de ocupar este espacio'”.

La doctora en periodismo incide en que desde el inicio de su carrera, la artista “obligó a que la sociedad se hiciera preguntas muy incómodas dentro del papel de las mujeres en la industria musical y los videoclips. Mostró su sexualidad sin estar subordinada a la mirada masculina. Siempre enseñó su deseo como herramienta de poder y de liberación; y a ella misma como mujer ambiciosa dentro de la industria. Eso rompía muchísimos esquemas”. “Su gran aportación fue demostrar que las mujeres podían llegar al poder y al éxito”, suma.

El intocable trono de la 'reina del pop'

Desde que Madonna fuera apodada como la 'reina del pop', la industria musical ha contado con un radar particular sobre quién sería su digna sucesora, creando una necesidad de relevo, realmente inexistente, fruto de la competitividad entre las mujeres impuesta por patriarcado y capitalismo. Sin embargo, ella ha ido a la contra, poniendo el foco en generar precisamente lo contrario.

“Desde los ochenta le ha perseguido ese buscar a la siguiente reina para cuando hiciera falta el relevo generacional. Mientras tanto, ella ha reivindicado la unión y validación a las figuras del pop de cada momento”, apunta Eduardo Viñuela, haciendo referencia a su apoyo a Christina Aguilera, Britney Spears, Nicki Minaj, Sabrina Carpenter –con quien tiene una colaboración en su último disco–, Arca y Charli XCX.

“En vez de rivalidad, está creando sororidad”, añade el experto, que aplaude que a su vez ponga en valor a figuras del pasado, como Tamara de Lempicka y Liza Minnelli.

Leyre Marinas comparte su valoración, aplaudiendo que en ese 'ir por delante', Madonna ha sabido incluso “sacarle partido al jugo que podía haber en esa construcción cultural de la competitividad entre mujeres, de 'peleas de gatas'”, y cita como el gran epítome el icónico beso que se dio con Britney Spears en la gala de los MTV Awards celebrada en 2003.

“Fue un diálogo generacional. Una actuación plagada de safismo. No solo fue una provocación mediática, sino una transmisión simbólica de la reina del pop a su heredera. Ahora estamos más acostumbrados a ver colaboraciones y halagos entre artistas, pero en su momento rompió con ello bastantes esquemas”, reivindica.

El poder político de Madonna

Más allá del éxito de su música, Madonna siempre ha llevado el significarse políticamente por bandera, que en numerosas ocasiones ha derivado en polémicas. Uno de sus grandes hitos fue dar visibilidad a la lucha contra el sida en los ochenta, rompiendo por completo con el tabú que suponía en ese momento. “Fue un gran altavoz de este problema en un momento en el que estaba muy escondido”, recuerda y menciona otros hitos controvertidos como sus enfrentamientos con el Vaticano. “Al mercado no le interesa mucho cuando alguien mete mucho el dedo en la llaga, pero le ha dado igual”, explica.

El videoclip de Like a Prayer, que culminaba con la cantante bailando rodeada de cruces en llamas fue dio mucho que hablar en 1989, al que siguió que, un año después, Madonna llegara a ser amenazada por la Policía. Varios agentes le advirtieron de que si volvía a simular una masturbación durante su interpretación de la misma canción en un concierto en Canadá, sería arrestada por escándalo público. Por supuesto su reacción fue hacerlo aún con más empeño que sus actuaciones previas.

En su 'idilio' con la Iglesia faltaría sumarle el lanzamiento de la canción Papa Don't Preach en 1986, en el que hablaba sobre una adolescente que decidía seguir adelante con su embarazo, y que durante su tour internacional en 1987, dedicó al papa Juan Pablo II, que la institución entendió como una provocación directa, ofensiva e irrespetuosa.

En 2019 protagonizó otro momento histórico, esta vez sobre el escenario de Eurovisión. Con Israel como sede del concurso, la cantante incluyó en su puesta en escena a dos bailarines subiendo una escalinata cogidos de la mano, con la bandera de Palestina e Israel cosidas en la espalda. “La música hace que la gente esté unida”, había dicho la artista durante la gala. El gesto no gustó en el país anfitrión, cuya ministra de Cultura calificó de “error inapropiado”.

Madonna volvió a significarse sobre el genocidio en Gaza. De hecho, incluyó un alegato en su gira mundial de 2023. “Podemos unirnos de una forma oscura y malvada, o podemos unirnos para crear un espacio de luz y amor. Y si todos tenemos esta conciencia colectiva, podremos cambiar el mundo y traer paz no solo a Oriente Medio, sino a todo el mundo”, expuso durante sus shows.

“No se ha valorado nada político de lo que ha hecho”, critica Leyre Marinas, mencionando el citado beso con Britney Spears, pero también en su reivindicación de la sexualidad femenina, el feminismo en sí, la visibilidad sobre el colectivo LGTBIQ+ y rechazo al racismo. La Doctora en Periodismo considera que muchas veces la sensación de 'polémica' haya “eclipsado a veces el contexto sociocultural y político en el que han ido sucediendo”, empezando por el marco que acompañó el lanzamiento de cada uno de sus discos, que provocaron que discos como Erotica (1992) fuera todo un escándalo.

Leyre Marinas critica que hasta hay quien ha leído sus polémicas como “incluso individualistas, o meras provocaciones de una artista que se ha subido a un escenario con un talento y éxito mundial, y que, sin embargo, no se le ha tomado en serio”. La investigadora apunta que “ocurre siempre como reacción a cualquier acción de mujeres o colectivos discriminados, que parece que pasan sin pena ni gloria, pero han funcionado igualmente como intervención cultural, de representación y visibilidad”. “Esto también ayuda mucho a entender por qué Madonna sigue siendo una figura imprescindible dentro de la historia del pop y de la industria del entretenimiento en general”, concluye.

La capacidad de “augurar” el futuro

La cantante publica este viernes Confessions II y hay una sensación generalizada de que el final de su carrera quede aún muy lejos, también para ambos expertos. “Madonna augura el futuro y el público obedece. Da igual hablar de la industria musical, la estética o el apoyo público a comunidades discriminadas; ella siempre ha ido un paso por delante de las mortales y es la que guía”, alaba Leyre Marinas.

Eduardo Viñuela destaca que en su nuevo trabajo podría haber optado por acercarse a “la línea de lo que se escucha, quizás algo más de reguetón, pero lo que está haciendo es reivindicar la música disco”. Madonna sorprendió a sus fans con un concierto sorpresa en Times Square presentando su disco a principios de junio, del que también adelantó un cortometraje de trece minutos, Confessions II - The Film, disponible en YouTube.

“En un momento en el que todo es muy fugaz y líquido, en el que todo son eras que pasan muy rápidamente, solo hay que ver cómo Taylor Swift o Rosalía cambian cada dos años de concepto; ella se mantiene en una línea que ha estado muy presente en su carrera”, considera, “todavía le quedan muchas cosas por decir, y eso que ya todo lo que lleva haciendo muchos años está por encima de lo que se podría esperar de un artista”.