Hay grietas que se abren y por las que se cuelan cosas diferentes. Entre ellas, los ápices de felicidad en momentos de bajón. Es algo que Ana Fabiola López (Málaga, 1987), conocida artísticamente como Anni B Sweet, ha aprendido leyendo la literatura de André Breton. “No hay que quedarse con lo que se tiene delante, hay que usar la imaginación para meter fantasía dentro de nuestra realidad, que también es parte de ella”, afirma la artista a elDiario.es. Es así cómo nació Alegría, su quinto álbum de estudio y el predecesor de Universo por estrenar (2019).

Tras una etapa marcada por el freno de la pandemia y una extensa gira para promocionar su anterior trabajo, Anni B Sweet ha necesitado siete años para volver a publicar un disco en solitario. Entre medias ha sacado diversos proyectos, como su álbum colaborativo con la banda Los Estanques titulado Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado (2022). Sin embargo, no ha sido hasta que ha intentado combatir la tristeza extrema cuando ha logrado crear canciones que beben de la psicodelia de los 60, inspiradas por los ritmos luminosos de la música brasileña.

“Leer a Breton me ha ayudado a quitarle hierro a las cosas y a ensanchar el paisaje. Me hizo pensar que me estaba perdiendo un montón de historias más y provocó que escribiera de una manera diferente”, confiesa Anni B Sweet. Todas esas historias perdidas se ven reflejadas en sus nuevos temas, en los que cuestiona la obligación constante de tener sentimientos positivos y se deja llevar por la complejidad del ser humano. Los presentará en un tour que arranca en Barcelona el 19 de noviembre y sigue por Valencia, Granada, Madrid, Oviedo y Ponferrada.

El disco nos sumerge en la psicodelia de los 60. ¿Echa algo de menos de esa época?

Lo que veo en la música de los años 60 es mucha imaginación, fantasía y detalle. Había una gran libertad que quitaba el corsé del pop que parece exigirte una estructura fija. Y la gente estaba más habituada a escuchar ese tipo de canciones, donde se iba de un paisaje a otro. El pop era más “redondito”. Esa música siempre me ha inspirado mucho y me ha dejado espacio para hacer cosas en lugar de tener que cerrarme a algo.

Se dice que los artistas hacen mejor música desde el dolor, pero ¿habría que valorar el hacer arte desde la alegría?

A mí la tristeza me gusta mucho porque profundizas y te permite encontrar otras cosas, pero la tristeza extrema no me dejó componer. Cuando estás en un momento muy malo, es difícil tener ganas de levantarte de la cama y ponerte a escribir canciones.

Cuando se mudó a Aranjuez buscaba silencio, pero ha contado que ese silencio también le resultó difícil.

El silencio también te trae la soledad, y no es lo mismo sentirse solo que estar solo. Estar solo físicamente está bien; estás en casa y necesitas tranquilidad para componer, pero hay veces que cuando te metes mucho en ese estado te cala un poquito más. Parece que desconectas de todo, aunque a veces desconectar de todo es conectar más que nunca. Hay un equilibrio que es complicado, y hubo momentos en los que dije: “Creo que me pasé”. Sentí esa soledad que ya no hace tanta gracia.

Hoy parece que es más difícil que nunca alejarse del ruido.

Es muy complicado porque apetece mucho alejarse de todo lo que está sucediendo. Además, yo ya no retengo nada: miro algo y paso rápido a otra cosa. Hablamos de estar conectados, pero estamos superdesconectados. Y ahora también necesitas estar en las redes: haces un disco y tienes que hacer la promoción o parece que desapareces. Lo llevo regular, sobre todo porque cuando hay tanto ruido no me da tiempo ni a pensar, y sin tiempo para pensar es muy complicado saber explicarte y contar las cosas de la mejor manera posible.

¿Estamos usando las redes correctamente?

Según cómo las uses, son un arma de doble filo. Dejando a un lado todo el tiempo que perdemos en las pantallas, siempre está bien compartir y comunicar las cosas importantes que están sucediendo para que ocupen espacio. Para eso están muy bien las redes sociales, pero que no se quede solo en eso. Está bien comunicarse, pero hay que seguir con ese sentimiento reivindicativo cuando no estás con la pantalla delante.

Y también está el problema de los algoritmos.

Eso sí que es terrible. Si miras pájaros un par de veces, ya todo lo que te viene son noticias de pájaros y te puedes llegar a creer que lo que está sucediendo en el mundo va de pájaros, por poner un ejemplo absurdo. Pasa eso con todo. Tenemos que tener en cuenta que lo que hay ahí es solo un añadido y no quedarnos únicamente con eso.

Se comparten todo el tiempo mensajes de que hay que ser felices y aprovechar el tiempo. ¿Acaba siendo un lastre?

Según en qué momento estés de tu vida, te puede venir bien un consejo de esos, pero hay demasiada imposición del tipo “tienes que...”. Al final, trato de escucharme, de atender a los pensamientos que tengo en la cabeza, a cómo me siento y qué es lo que necesito, pero muy difícil por todo el ruido y lo que influye alrededor. Es verdad que a veces resulta dañino dar cierto tipo de consejos que no son tan sencillos, aunque todos queremos estar contentos, claro.

Se dice que la música lo cura todo. ¿Es cierto?

La música hace muchísimo, aunque no sería justo decir que lo cura todo de manera literal. A mí me ha ayudado a salir de muchísimos agujeros. En este último, escuchando música volví a tener ganas de moverme. Me vi bailando en casa estando de bajón; no me sentía bien, pero el cuerpo se movía y pensaba que el cuerpo sabe antes que la cabeza que la cosa va mejorando. Es como cuando ves a un niño chico y le pones música: se mueve de verdad. La música mueve y cura, pero no lo cura absolutamente todo, es solo una forma de hablar.

En su música es productora y arreglista. ¿Las mujeres tienen menos posibilidades como productoras?

Sí, puede ser. Hay muchas y muy buenas, aunque a lo mejor no se les ha dado el espacio o no se les ha dado la importancia cuando lo han dicho. Llevo años diciendo que había producido la demo de mi disco anterior, y en este he entrado mucho más de lleno, pero son cosas que a veces se pasan por alto. Hay una parte del proceso de la que casi nunca se habla, y es esa en la que estás sola componiendo, grabando los teclados, buscando los colores y generando la atmósfera de la canción antes de poder trabajarla con gente que te entienda.

Debutó en la industria con 21 años en 2009. ¿Le da miedo envejecer?

No si envejezco bien. Si la memoria no me falla, voy haciendo las cosas que quiero, aprendiendo nuevos instrumentos y buscando la manera de transmitir lo que quiero siendo leal a ello, me da igual que me pasen los años por encima. Lo único es que en la industria musical parece que hay un poco de miedo a envejecer, sobre todo para las mujeres. Parece que cuando llegamos a ciertas edades ya no estamos dentro de algunas escenas, pero se está hablando de ello y cada vez somos más conscientes. Sería lo suyo que cambiara.

Su agenda de conciertos combina actuaciones en salas con festivales. ¿Qué sigue teniendo una sala que no le aporta un festival?

En la sala tenemos más tranquilidad para hacer una buena prueba de sonido. Para mí es muy importante que el directo suene bonito; todo lo que nos curramos en el estudio hay que llevarlo bien al directo. Necesitamos tiempo para sonorizarnos y estar cómodos para dar el concierto que el público merece cuando va a verte. Los festivales te dan público nuevo que a veces no iría a un concierto tuyo, y eso es muy bueno, pero allí todo es muy rápido. Llegas, no tienes tiempo para hacer pruebas completas y te tienes que ubicar rápidamente.

Sin embargo, parece que se prioriza el recinto: hacer un Movistar Arena o un Metropolitano.

Tal cual. No sé si es tirar piedras sobre mi tejado, pero no me veo haciendo un Movistar Arena. No me gusta si el sonido se pierde, a no ser que el recinto esté preparado increíblemente bien para que el sonido llegue perfecto hasta al que está en la otra punta. Prefiero hacer cuatro o cinco salas más pequeñas que un lugar gigantesco. Hay mucha más conexión. Obviamente, poder decir que has llenado un Movistar Arena sería la leche, pero priorizaría el sonido frente al lugar porque la experiencia va a ser más bonita para todos.

Ahora los precios de los festivales están desorbitados y los horarios muchas veces impiden que vayan los niños. ¿Hay que cuidar más a la audiencia?

Nos debemos a ellos y me preocupo un montón por el público; quiero que escuchen bien lo que llevo años trabajando, porque se lo merecen al venir a verte y quieren llevarse un buen recuerdo. Pasa lo mismo con lo de escuchar música por el teléfono: he estado meses mezclando y masterizando un disco para que luego alguien lo ponga por el altavoz del móvil y no se escuche ni el bajo ni sus matices. También es una manera de educar: decirle a la gente que escuche el disco con buenos altavoces, en el sofá o en el coche porque la experiencia cambia muchísimo.

En el pasado ha reivindicado la necesidad de que haya más mujeres en los festivales de música.

La solución está en manos de los que contratan y de los promotores. Entiendo que necesitan sacar ciertas cantidades para rentabilizar un festival de esas magnitudes, pero hay grupos de mujeres que pueden llevar a eso. Si las vetan o dejan fuera, el público tampoco las descubre; es la pescadilla que se muerde la cola. Se deberían poner normas en las que en un cartel haya la misma cantidad de hombres que de mujeres. Eso obligaría a escuchar a las muchísimas mujeres que están haciendo una música increíble y que no están teniendo el mismo espacio ni trato que los hombres. Hay mujeres de sobra para hacer festivales enteros. Hay que ponerse con ello y no mirar solo los números de escuchas que tiene una persona en plataformas digitales por una o dos canciones.

Quizá también falten más mujeres dirigiendo festivales y en los despachos.

Y más mujeres que quieran escuchar a mujeres. Todo eso sería de gran ayuda. Está empezando a moverse, pero falta muchísimo camino. He estado en varios festivales donde pienso: “¡Qué guay!”. Pero luego me doy cuenta de que soy casi la única mujer allí. Te sorprende todavía un montón en el año en el que estamos y con la de tías que hay haciendo cosas increíbles.

Vídeo de la entrevista completa

Raül Refree (Barcelona, 1976) va a la panadería y escucha lo siguiente: “¡A ver si nos traes el Oscar!”. Es algo que el músico nunca había podido llegar a imaginar y que, sin embargo, se ha convertido en una enorme posibilidad tras el estreno de La bola negra. La película con la que Javier Ambrossi y Javier Calvo conquistaron el Festival de Cannes se ha convertido en una de las grandes favoritas de Hollywood en la próxima temporada de premios. Tanto, que todos los que participaron en el filme también empiezan a acaparar los focos.

El productor es el responsable de la banda sonora de La bola negra, un trabajo en el que ha tenido que encontrar el equilibrio para acompañar una historia marcada por la represión y el miedo a ser homosexual sin subrayar demasiado las emociones. No era una tarea sencilla. “Siempre sentía que caminaba por la cuerda floja”, explica sobre el proceso de composición. Después de trabajar con los Javis en La Mesías, Refree vuelve a colaborar con ellos en una cinta en la que cantantes como Judeline o Guitarricadelafuente embellecen lo que se ve gracias a lo que suena.

Siendo reconocido por su trabajo en Los Ángeles de Rosalía, disco debut de la artista a la que le acaban de otorgar el Premio Nacional de las Músicas Actuales, y tras colaborar con Rodrigo Cuevas, C. Tangana o Niño de Elche, Raül Refree recuerda la fuerza de cantar en comunidad y la importancia de escuchar de verdad. Lo hace en su libro Cuando todo encaja, pero es algo que lleva constantemente al estudio. En una industria que parece exigir resultados inmediatos, el productor prefiere perseguir otra cosa: hacer música que pueda sobrevivir al momento en el que fue creada.

¿Se ve ya en los Oscar?

Intento no pensar mucho en los Oscar. Quieras o no, vas recibiendo inputs no solo de lo que está pasando aquí, sino también del interés en EEUU, y trato de vivirlo con toda la alegría, como algo nuevo que llega a mi vida. Aparte de que la gente le dé mucha importancia a los premios, lo que más satisfacción me da es ver cómo la película y la música han llegado a un público tan variado, desde gente muy joven hasta personas mayores. Estoy recibiendo un montón de mensajes y esa es la mejor sensación que puedes tener.

¿Lo esperaba?

Confiaba y creía que la película llegaría a mucha gente. Si tanta o no, es difícil de decir, pero la primera vez que leí el guion tuve la sensación de que era una película necesaria.

En su libro Cuando todo encaja dice que su primer recuerdo de la música es el de escuchar a su abuela tocando a Mozart. ¿Qué hay en esa escena que le sigue emocionando?

Me costó mucho encontrar la forma de explicar cómo entiendo la música, y fue entonces cuando recurrí al recuerdo de la infancia de ver a mi abuela tocar el piano. Ella ya era muy mayor, le fallaban las manos y hasta la memoria, pero me resultaba profundamente emocionante verla tocar, todo lo contrario a lo que sentía con mi profesora de piano, que tocaba con la posición y la técnica perfectas, pero no me despertaba ninguna emoción. A través de esa historia me vi capaz de explicar que para mí el objetivo fundamental de la música es la emoción; la técnica y todo lo demás no dejan de ser herramientas que, si no logran emocionar, no sirven para nada.

¿Esa profesora le hizo querer abandonar la música?

Que viviera una mala experiencia con la educación más clásica y con la forma rígida de enseñar a un niño a tocar el piano no significó que mi amor por la música disminuyera. Entiendo que en la educación clásica deben establecerse métodos generalizados, pero mi forma de acercarme a la música era muy libre y puramente emocional. Me resultaba mucho más fácil inventarme una pequeña melodía, aunque fuera una tontería, que reproducir algo exactamente como ellos querían. Eso me alejaba del método y me hacía sentir incómodo, hasta el punto de que me provocaron cierto trauma con el piano. Tardé muchos años en volver a tocarlo, pero mi amor por la música seguía intacto. Hoy me sigo considerando más melómano que músico; lo que más me gusta es escuchar, y así es como más he aprendido a componer.

Hace hincapié en la emoción. ¿Cómo puede una banda sonora transmitir el miedo a ser gay y a la represión?

La música tiene una potencia emocional enorme. Es el arte más abstracto de todos: no se ve, no se toca; la percibimos por pura abstracción y quizás por eso puede llegar a lo más profundo de nosotros. Pero eso también entraña un peligro: en una película con una carga emocional tan fuerte, la música puede pasarse de frenada y subrayar demasiado la emoción. En La Mesías encontré el equilibrio musical con cierta facilidad, pero en esta película siempre sentía que caminaba por la cuerda floja: si me inclinaba un poco a la derecha o a la izquierda, me caía. Tenía que encontrar el punto exacto, porque la historia no te permitía irte hacia los extremos para no subrayar de más ni resultar demasiado frío.

Judeline interpretó Soldadito español en La Revuelta y recibió muchas críticas, acusándola de embellecer un tema ligado a la guerra colonial.

No he visto mucho sobre el tema. Sí vi que ella la cantó muy bien. Al final, lo hace porque es parte de la historia de la película, tiene un significado concreto dentro del relato y simplemente está interpretando lo que ocurre en La bola negra. Con Soldadito español, los directores me pidieron una versión para ver qué se me ocurría; les mandé una demo con mi propia voz de fondo que era muy parecida a lo que terminó siendo. Recuerdo que me dijeron que era increíble porque les ayudó a visualizar el inicio de la película a partir de la música, y esa es la idea que ha sobrevivido hasta la pantalla.

Estamos tan sobreestimulados que la escucha real se ha vuelto un acto revolucionario

Raül Refree — Productor y cantante

Ha sido elogiado por La Nieve, que canta Guitarricadelafuente.

Los Javis tenían claro que, a pesar de que Álvaro [Guitarricadelafuente] actúa en la cinta, querían que cantara la canción original, pero sin que pareciera un paréntesis; querían que formara parte del diálogo narrativo y musical de toda la película. Álvaro me enseñó un primer esbozo de melodía antes de irse de gira, y yo pude trabajar con total libertad para que funcionara tanto como canción como banda sonora. Acompaña uno de los momentos más emocionantes de la película: cuando el personaje sube la montaña y van cayendo los esquiadores. Es preciosa y, aunque la he visto miles de veces, me sigo emocionando.

Usted suele trabajar en equipo. ¿Hemos perdido la capacidad de disfrutar la música en comunidad?

El espacio público es cada vez menor. Me sorprende ver plazas nuevas, de esas duras, donde los bancos no están enfrentados para mirarse los unos a los otros, como si pretendieran que toda la comunicación fuera digital y la presencial se redujera al mínimo. A lo largo de la historia, la música ha sido un gran factor cohesionador. El sentimiento de pertenecer a una comunidad nos hace fuertes, y cantar junto a alguien por el simple disfrute de hacerlo no solo es placentero, sino un nexo de unión poderosísimo que estamos perdiendo.

¿Este individualismo deriva de las pantallas?

Lo veo exactamente así. Estamos sobreestimulados, y eso complica la reflexión, la observación, la escucha y el silencio. Muchas veces hablo con mis amigos sobre cómo la “escucha real” —y no me refiero a oír algo de fondo, sino a estar escuchando a la persona frente a ti, como espero que estemos haciendo nosotros ahora— se ha vuelto un acto superrevolucionario. Hoy en día se escucha y se observa poco, dándole prioridad a ese estímulo constante y a ese crecimiento absurdo de querer estar haciendo cosas todo el rato.

Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales.

Lo recibí con muchísima alegría. Rosalía me parece una superartista; aparte de nuestra historia común y de que me llevo bien con ella, le tengo una admiración inmensa. Ojalá se lo dieran siempre a artistas de su envergadura.

¿Siente que el premio también es, en parte, suyo?

No, para nada.

¿Usted podría haber estado en los créditos de Lux?

Me considero un músico muy versátil y con muchas ganas de probar cosas nuevas. Ahora, con perspectiva, creo que he sido muy valiente al meterme en según qué proyectos, y me veo capaz de adaptarme a muchos sitios distintos. Al final tomo mis decisiones de forma muy poco racional y muy intuitiva; si siento algo especial por un artista o proyecto, me tiro de cabeza, sin importarme si es exactamente el estilo que domino.

Como músico, no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa

Raül Refree — Productor y cantante

¿Hacemos bien en ver a los músicos como genios?

Desde el Romanticismo se ha exagerado la figura del artista, subiéndolo a un pedestal casi como si tuviera una conexión superior con Dios. Yo creo cien por cien en la figura del artesano, y me siento como tal. Me gusta aprender, le dedico muchísimas horas a mi trabajo, pero no me creo mejor que la persona que tiene una tienda de costura o que hace zapatos al lado de mi casa. Al final, son trabajos útiles; el mío emociona, pero un buen mueble o el trabajo de cualquier otro profesional también te puede emocionar. Lo fundamental es que el trabajo de los demás nos llegue y nos toque.

¿La industria musical se ha vuelto elitista?

Me ha ocurrido infinidad de veces que alguien se me acerca tras un concierto y me dice: “Me ha encantado, pero bueno, yo es que no sé de música”. ¡Como si no pudieras dar tu opinión sin haber estudiado un montón! La música y el arte tienen que traspasarnos y convertirse en emoción. Si te llega, no hace falta haber estudiado nada para expresar lo que sientes.

En esta era de TikTok, donde la música se consume y se desecha, ¿cómo alcanza la atemporalidad?

La gran obsesión de mi vida siempre ha sido que la música que hiciera me pudiera sobrevivir. Me ha importado mucho menos lo efímero de la moda actual y siempre he trabajado para conseguir cierta inmortalidad a través del arte. Últimamente, me he dado cuenta de que, en el fondo, hay una parte de ego importante en ese deseo de trascender, algo que antes no quería admitir. No existe una receta mágica para la atemporalidad. Intento estar conectado con el día a día y me encanta trabajar con gente mucho más joven, pero en el momento de tomar una decisión creativa final, nunca pienso en si va a ser un éxito inmediato o si se va a poner de moda; siempre tomo la decisión buscando lo que considero mejor para la música en sí misma.

“Nuestra comunidad está siendo atacada. No es la primera vez”, recordó Félix Contreras, presentador del Tiny Desk, antes de que arrancara el concierto de la banda mexicana Los Tigres del Norte. “Podemos remontarnos a 1848, cuando cambiaron la frontera. Podemos remontarnos al periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial, durante la llamada ‘Operación Espalda Mojada’. Nos arrebatan nuestra humanidad”, añadió antes de reivindicar la importancia del grupo invitado: “Desde que tengo memoria, estos caballeros nos han devuelto esa humanidad”.

Sin embargo, esta parte del vídeo, no fue inicialmente subida al canal de YouTube de la organización de radiodifusión pública estadounidense NPR, responsable del formato.

La emisora explicó posteriormente que este tipo de conciertos grabados en vivo no suelen incluir una introducción, pero que debido al tema que se abordaba en ella, el inicio había sido retirado temporalmente para que se revisara editorialmente y fuera restaurada por completo en su página oficial.

Desde NPR respondieron a las quejas de los usuarios que los fans del grupo vertieron en los comentarios del vídeo en YouTube, acusándoles de “censura” por haber eliminado el discurso. “Somos conscientes de que el tema abordado es complejo y emocional, y algo muchos oyentes y miembros de nuestra redacción están lidiando”, reconocieron antes de incorporar la introducción al vídeo.

“Gracias por restaurar lo que fue censurado”, respondió uno de los usuarios tras la incorporación del discurso. “Gracias por estar en el lado correcto de la historia”, escribió otro. También hubo fans que se mantuvieron en su postura crítica ante lo sucedido: “No insultéis nuestra inteligencia. La opción de simplemente reconocer tu error sin intentar salvar las apariencias siempre estuvo sobre la mesa”.

El concierto de Los Tigres del Norte forma parte de la edición del Tiny Desk que la NPR dedica a la música latina, a través del programa Alt. Latino, para reivindicar a artistas latinoamericanos. Lo hacen durante el Mes Nacional de la Herencia Hispana, celebrado entre el 15 de septiembre y el 15 de octubre en Estados Unidos, y que reconoce las contribuciones e influencia de los españoles, hispanoamericanos en la historia, cultura y logros de EE.UU.

Los Mirlos, Mon Laferte, Los Texmaniacs y Draco Rosa son otros de los músicos que han desfilado por el famoso programa durante el último mes.

Los Tigres del Norte, por su parte, son uno de los grupos más emblemáticos para la comunidad migrante de EE.UU. La banda comenzó interpretando Somos más americanos, una canción que precisamente reivindica el sentido de pertenencia de los mexicanos. “Yo soy la sangre del indio. Soy Latino, soy mestizo. Somos de todos los colores y de todos los oficios”, expresa su letra.

Satanás siempre ha sido incomprendido o malinterpretado, así que tenerlo como referente intelectual y filosófico no es lo más recomendable si no quieres que tus vecinos murmuren a tus espaldas. Por lo tanto, sí, se puede decir que Satanás está en el corazón del rock & roll y también de la esencia del punk, porque cuestionar la autoridad lo convirtió en un paria. Básicamente, el satanismo ateo —que es el que defienden desde Anton La Vey a Lucien Greaves— viene a ser eso: subversión y rebeldía contra lo establecido. Una manifestación social o artística que, al presentarse con una estética teatral —arte gótico, calaveras, rituales, capas, la figura de la mujer desnuda, el símbolo de Baphomet— hace pensar en lo peor.

“La libertad de expresión, de religión, la proclamación del yo y nuestros derechos a ejercer todo eso encarnan lo que es el satanismo”, explica Alexandra James, mitad de Twin Temple, dúo que ha bautizado su estilo como doo-wop satánico. Acaban de sacar su tercer álbum, Doomed Lovers, y han estado embarcados en una gira por EEUU. Zack James, marido y compañero de grupo de Alex, declaró hace un tiempo que “EEUU es, en esencia, algo satánico”, y ella insiste en que “lo es porque se trata de un país construido sobre la idea del individualismo, el libre albedrío, la innovación y, sobre todo, la libertad”.

Así pues, si mañana Twin Temple actúa cerca de tu casa —el dúo ya tocó en ciudades españolas en 2022 y 2024, y está anunciado para el Azkena Rock de 2027—, ningún bebé corre peligro. Esta última observación puede parecer tremendista, pero no es ninguna exageración. En su país ambos sufrieron el acoso del periodista conspiranoico de ultraderecha Alex Jones, que les dedicó uno de sus podcasts de InfoWars, acusándoles de usar en sus conciertos sangre de bebés a los que habían asesinado. Y este verano, el músico country Charley Crockett los despidió como teloneros de su gira contrariado por su puesta en escena, alegando que “pensaba que eran como Black Sabbath, y no lo son”.

La decisión abrió un debate en los medios acerca de la libertad de expresión, pero, antes de eso, Jack White ya le había pedido al dúo, a través de sus redes sociales, si le harían el honor de abrir su concierto en Los Ángeles el 29 de septiembre, cosa que hicieron. “El amor es la ley”, afirma Alex ante la pregunta de si ser satanista en la América de Trump es una buena opción. “Si logramos fomentar un sentido de comunidad e inclusión bajo el estandarte del libre albedrío, la búsqueda del conocimiento, la libertad creativa, la libertad religiosa y la libertad de expresión, entonces, en cierto modo, habremos cumplido con nuestra misión. Queremos unir a personas con ideas afines y erradicar la intolerancia y la ignorancia en todas sus formas”, alega.

En su libro Satanismo. Historia del culto al mal (Editorial Almuzara, 2024), el periodista Javier Cavanilles presenta al dúo de esta manera: “Twin Temple puede considerarse la banda sonora del nuevo satanismo. La calidad de su música inspirada en los cincuenta, el compromiso de sus letras y el sentido del humor son lo mejor que le ha pasado al maligno en décadas. Temas como I Am A Witch, Satan Is A Woman, Be A Slut o Burn Your Bible son auténticas declaraciones de principios de satanismo ateo, progresista y social. El dúo ha confirmado que el diablo, como dicen los ingleses, siempre tiene las mejores melodías”. “Zack y yo nos conocimos en la escena punk de Los Ángeles cuando éramos adolescentes”, cuenta Alex acerca de los orígenes de Twin Temple.

“Los dos estábamos en bandas que tenían un lado muy Johnny Thunders, por eso ambos grupos compartieron cartel alguna vez. Creo que lo nuestro fue amor a primera vista, y nuestra relación romántica se desarrolló en paralelo a la artística y viceversa. Definitivamente, Twin Temple es el niño mágiko, la combinación de nosotros dos y de nuestras pasiones”. Eso explica que, desde que en 2019 lanzaron Twin Temple (Bring You Their Signature Sound... Satanic Doo-Wop), la mayoría de sus canciones sean de amor. Ahora mismo, son el grupo musical romántico por antonomasia, y su tercer álbum así lo confirma. “Muchas de las canciones de Doomed Lovers hablan de lo que ocurre cuando amas alguien sin contar con una red de protección que te proteja en una posible caída. Celos, obsesión, traición, dolor, deseo, cosas que hacemos ver como que no forman parte de lo que es el amor, cuando en realidad son parte del concepto”, indica.

La gran novedad de Doomed Lovers respecto a sus discos anteriores reside en la producción. Shooter Jennings —cuyo currículo incluye nombres como Brandi Carlisle, Waylon Jennings o Marilyn Manson— le ha dado un sonido majestuoso a unas canciones que provienen de las raíces de la música popular norteamericana. Country, balada, rock & roll y, cómo no, doo wop. “Shooter acababa de meterse en los Sunset Sound Studios cuando nos animó a trabajar con él. Estar ahí era como ser un niño en una tienda de dulces. Estaba el piano con el que se grabó Purple Rain, el estudio donde estuvieron los Stones haciendo Beggar’s Banquet y The Mamas & The Papas cantaron California Dreaming. Estando ahí nos entraron ganas de probar si podíamos hacer un disco de corte clásico. Escuchamos discos de Roy Orbison y Patsy Cline, música triste, suave, con arreglos sofisticados. Música romántica que también podía resultar devastadora”, dice.

La aparición de Jennings resultó providencial. En aquel momento, Alex y Zack estaban pasando por una mala racha debida a una serie de circunstancias personales y profesionales. “Perdí a mi halmeoni”, apunta Alex, usando el término coreano —su padre era de allí— para nombrar a la abuela. “Ella fue quien me crio y fue como una madre, así que su muerte me dejó hundida. También perdimos a nuestro niño [se refiere a su mascota, un perro de raza pug]. Sentí que dos de las cosas más bellas de mi vida me habían sido arrebatadas. Además, teníamos problemas editoriales que afectaban a nuestros discos. Durante años estuvimos envueltos en una batalla legal para poder publicar God Is Dead [su segundo álbum, que finalmente salió en 2023]. Vivíamos en una especie de cárcel creativa que nos impedía hacer lo que queríamos. Doomed Lovers fue un intento de curar esas heridas, o al menos dejar plasmadas todas esas cosas en el disco”, añade.

El doo-wop satánico de Doomed Lovers suena cien por cien clásico e intemporal, igual que esas canciones antiguas que cita Alex. Pero ella defiende la contemporaneidad de su estilo, más allá del detalle de que hayan hecho giras con bandas de metal como Danzig o Uncle Acid. “Creemos que, en muchos aspectos, incorporamos un carácter distintivo y una filosofía especial a nuestra música. Y a nivel lírico, en las tiendas de batidos no escucharás sonar letras como las que escribimos nosotros. Musicalmente, nos sentimos comprometidos al rock & roll americano clásico, y esa es una búsqueda que durará siempre. Pero a la vez, dentro de ese ámbito no dejamos de encontrar música que también nos inspira”, alude.

Sería fácil pensar que el Museo del Jamón, las científicas olvidadas del relato oficial y Robert de Niro no tienen mucho en común, pero hay una banda que lleva tiempo demostrando que sí, AmyJo Doh & The Spangles. El grupo, liderado por la británica AmyJo Doherty –hermana del músico Pete Doherty– ha conformado su universo en torno a los menús del día, las tascas de toda la vida, la necesidad de dar un paso al frente y la protesta alegre.

Su lema, según explica la propia cantante, es hacer “punk with purpose (punk con propósito)”, con el que “celebrar el cambio y usar la música de forma positiva”. “El punk te permite convertir la frustración en algo mucho más creativo”, suma Germán 'Moderno', bajista del grupo y DJ. Ambos han experimentado en sus propias carnes la transformación de la ciudad de Madrid, desde que hace veinte años arrancaran su carrera en una Malasaña que ha cambiado mucho desde entonces. Tampoco está igual Lavapiés, que es donde ella terminó mudándose y continúa actualmente.

Sus dos últimos temas, Menú del día e It’s a girl, son en castellano, que no suele ser lo habitual, y una reivindicación de las mujeres silenciadas, ¿cómo los gestaron?

AmyJo Doh: It’s a girl es una llamada a encontrarnos todos con nuestro lado feminista. Creemos que el patriarcado ya ha hecho todo el daño que podía y que esta es nuestra época. No solo hablo de las mujeres, sino de todas las minorías que han sido silenciadas por la historia. Es una invitación a reconectarnos con la Madre Tierra y a proteger nuestro planeta.

Germán Moderno: Musicalmente, es un tema muy punk, que es el estilo que queremos marcar como banda, y hemos tratado de darle unos buenos guitarrazos para apoyar ese discurso.

AJD: Forma parte de nuestro show. Las protestas también pueden ser alegres, no tenemos por qué ser siempre agresivos. Nuestro lema es hacer punk with a purpose (punk con propósito): celebrar el cambio y usar la música de forma positiva. Hoy en día todo es político; esto no es una cuestión religiosa, sino de supervivencia humana en este planeta.

Da la sensación de que, en un momento de tanta tensión social y enfado generalizado, a veces es difícil mantener ese tono festivo y no dejarse llevar por la agresividad.

GM: Tenemos un espíritu crítico con todo lo que nos rodea, incluida la industria musical y la sociedad, pero intentamos generar una actitud positiva. Yo transmito mi frustración a través de la música. La cuestión es comunicar y sacarte de encima lo que llevas dentro.

AJD: El arte te ayuda a canalizar esa agresividad. Saltar y bailar en un concierto punk te permite convertir la frustración en algo mucho más creativo. Para mí, el punk no es solo un estilo musical, es la actitud de los que no son apáticos ante lo que pasa, de los que deciden actuar.

El punk no es solo un estilo musical, es la actitud de los que no son apáticos ante lo que pasa, de los que deciden actuar

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

Hablemos de Menú del día. Es un homenaje a las tascas madrileñas de toda la vida, pero dejan muy claro en la canción que en su mesa no aceptan ni a racistas ni a fachas.

AJD: Esa frase me salió del corazón mientras grabábamos. Hice unas voces de fondo imitando a un camarero y lo dejamos así. Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, pero no toleramos a la gente que no respeta a los demás, como los racistas o los machistas.

GM: Llevamos viviendo en el centro de Madrid (en Lavapiés y Malasaña) muchos años y estamos sufriendo la gentrificación en nuestras carnes. Vemos cómo desaparecen las tascas y los sitios que molaban para dar paso a cafés de especialidad, tacos venezolanos, ¿dónde están el pincho de tortilla y el café? ¿Y la gente del barrio y las tiendas?

Todo eso lo estamos perdiendo, o edificios enteros de Airbnb sin ninguna restricción municipal. Da una pena brutal ver en qué se está convirtiendo el distrito centro. Además, cierran ya no solo tascas, también locales emblemáticos de ocio nocturno. Yo soy DJ y lo vivo también en mis propias carnes porque me quedo sin trabajo. Vas acumulando un cabreo que Menú del día transmite en modo festivo ese cabrero.

Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, pero no toleramos a la gente que no respeta a los demás, como los racistas o los machistas

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

¿Sienten que la ciudad ha cambiado mucho desde que empezaron? ¿Queda espacio para el optimismo?

AJD: Ha cambiado totalmente. Yo vivía en Malasaña hace 22 años y recuerdo el Bar Marathon, donde el menú del día costaba 8 euros. Para alguien que venía de Londres era increíble. El problema ahora es que Madrid sigue siendo barato para quien viene de Dublín o de París cobrando sueldos europeos, pero para nosotros tomar un vaso de vino a 5 euros es insostenible. También entiendo a los dueños de los locales de toda la vida que se jubilan y venden porque les ofrecen muchísimo dinero.

GM: Yo no soy optimista a no ser que cambien drásticamente las regulaciones sobre la vivienda y la hostelería. Desde la pandemia, la ciudad ha empeorado a un nivel exponencial.

AJD: El problema en realidad, aunque no queremos hablar de políticos, es la gente que están controlando todo y a ellos, obviamente no les interesan estas tascas ni sus vecinos. También escribí una canción llamada No a la tala; en Madrid han matado a miles de árboles en los últimos años. Vas por Sol y no hay plantas, es todo fuego, gris, metal y cemento.

¿Cómo afecta este modelo de ciudad y este capitalismo agresivo a las salas de conciertos y a las bandas que están en el circuito underground?

GM: El dinero se está concentrando cada vez en manos de menos. El capitalismo afecta a todos los sectores, y el de la música y el ocio nocturno también. A nivel musical, que es lo que más nos afecta a nivel de conciertos, casi todo lo organizan cinco agencias, que si rascas hay todavía menos fondos de inversión que los mantienen. Con lo cual, la música se está convirtiendo en un negocio y cortoplacista. Por eso luego vemos que todos los carteles de los festivales son los mismos. Con el ocio nocturno está pasando algo parecido. La tendencia es a homogeneizar todo y volvemos a lo mismo, a que se concentra todo en manos de unos estilos muy concretos de música que son los que mueven a más gente. 

2026 es el año en el que más dinero se ha gastado la gente en conciertos, pero es el año al que menos conciertos ha ido la gente. Es decir, se lo han gastado todo en muy pocos conciertos. Todos los sábados hay en Madrid 70 salas de conciertos muy vacías. Eso sí, los Movistar Arena se llenan completamente. Se concentra todo en manos de muy pocos. La diversidad desaparece, no hay clase media musical.

Antes, una banda cobraba un caché por tocar en una sala; ahora, en Madrid, tienes que pagar por tocar. El riesgo lo asumen al 100% las bandas y los promotores pequeños. Mientras los grandes pabellones se llenan para ver a Shakira, los sábados hay decenas de salas pequeñas medio vacías. Ha desaparecido la clase media musical.

A la hora de lanzar su música, ¿hay alternativas reales a las grandes plataformas digitales?

AJD: Es muy complicado. Yo estoy intentando boicotear a Spotify porque es el ejemplo perfecto de empresa sin moral, que además apoya económicamente tecnología militar, pero es muy difícil salir de ahí porque si no estás, no existes a nuestro nivel. Por eso valoro tanto los conciertos, son fundamentales para conectar con gente real.

Intento boicotear a Spotify porque es el ejemplo perfecto de empresa sin moral, que además apoya económicamente tecnología militar, pero es muy difícil salir de ahí porque si no estás, no existes

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

Tocan bastante fuera de España. ¿Existe en otros países un modelo que permita a los músicos vivir de su trabajo?

GM: En Francia o en Alemania la cultura de base está mucho más apoyada. Hay regulaciones, subsidios para los músicos, ayudas mensuales y salas que te pagan por ley. Aquí en España es un “sálvese quien pueda”. El poco dinero público que hay en los ayuntamientos se gasta en pagar cachés inflados a los mismos grupos que ya tocan en los festivales privados, en lugar de apoyar el tejido local.

Fuera hay más ayudas, más tejido para potenciar la cultura de base, incluyendo a las bandas que empiezan. Todo eso está mucho más cuidado. En España no hay nada.

AmyJo, viniendo del Reino Unido y siendo hermana de alguien con una carrera tan inmensa como Pete Doherty, ¿cómo le ha influido esto a la hora de construir tu propio camino en la música?

AJD: Pete, mi hermanito, él sabía desde muy joven que quería ser una estrella del rock and roll. Nos juntábamos todo el rato en casa, yo ayudándole a llegar a las notas. Y cuando formaron The Libertines fue como un “pum”, que para una hermana mayor creo que es la peor cosa que podría pasar, porque él es un poeta y todo esto le llevó al lado oscuro. Pero claro, todo esto de lo que yo era testigo, no me gustaba. Por eso me llamo AmyJo Doh, porque no quería, aunque todo el mundo lo sabe, que supieran que soy su hermana. Yo al principio no quería hacer ni música ni nada, tocaba por mi propia salud mental.

Tenía mucho en la cabeza ¿qué van a pensar? No quiero que piensen que quiero ser como él, porque la prensa puede ser muy cruel. Empecé con treinta años, cuando todavía estaba un poco paranoica, pero ahora tengo muchos más, yo estoy orgullosa de él y él nos ayuda mucho. Yo ahora siento a la artista que soy en mis propios pies, soy muy diferente a él y tenemos muchas cosas en común, pero ahora sí puedo decir que este es mi proyecto y estoy muy orgullosa de lo que hacemos.

Vídeo entrevista completa

En Marruecos era “la cristiana”, como llaman allí a los europeos, pero cuando llegó a España tampoco terminó de sentir que se la acogiera bien. La cantante Restinga, nacida en Tetuán bajo el nombre de Herminia Loh Morenoha, ha experimentado lo que significa crecer con raíces en dos países y sentir que, a ojos de los demás, nunca terminas de formar parte de ninguno. “Lo que aprendes y lo que te hace ver la gente es que no perteneces a un lado u otro”, recuerda. Hoy, en cambio, reivindica que la cultura marroquí tenga su espacio en la música que se escucha en España: le gustaría que las canciones en árabe pudieran sonar en nuestra radio.

La artista refleja una realidad que atraviesa a jóvenes con raíces marroquíes que moldean nuestra cultura y que ya no quieren verse obligados a elegir entre dos identidades. De hecho, muchos de ellos son los autores de la música urbana que triunfa en España. Es el caso de Yassir, que ha compuesto canciones para artistas como Quevedo, Lola Índigo o La Zowi. Las experiencias de ambos tienen puntos en común, pero también muestran distintas formas de relacionarse con sus orígenes. Mientras ella vivió en Marruecos hasta la adolescencia y se mudó a Sevilla para estudiar una carrera, recuperando en su música elementos de la cultura popular marroquí, él ha construido aquí su identidad.

Ambos representan la lucha de quienes defienden que las fronteras no deben decidir quién merece ser aceptado en una sociedad. Restinga, de hecho, sostiene que el rechazo a las personas migrantes no se explica únicamente por sus costumbres, su origen o su religión, sino también por las desigualdades económicas. “No se trata de cosas culturales, sino de quién es pobre y quién no”, cuenta la artista a elDiario.es, señalando que “lo que molesta es la pobreza”. “Luego viene un noruego a pagar un alquiler por 1.500 euros que tú no puedes pagar como español y a la gente le da igual porque a los rentistas les conviene. Como son ricos, no pasa nada, pero cuando se trata de un moro empieza a molestar”, apunta.

Para Yassir, la dificultad por encontrar un lugar propio apareció durante su infancia. Aunque pasó sus primeros años en Madrid, cuando empezó a tener uso de razón vivía en un pueblo de Valencia donde no había otras personas marroquíes. Fue allí donde notó que tenía que amoldarse a los demás para encajar. “Es donde sentí que me tenía que adaptar y dejar de lado mis raíces para sentirme acogido”, afirma. Con el tiempo, no obstante, su relación con sus orígenes ha cambiado y asegura que cada vez conecta más con ellos, sin sentir que deba renunciar a una parte de sí mismo para formar parte de la sociedad española.

La historia de Restinga está atravesada, a su vez, por privilegios que no están al alcance de todo el mundo. Aunque nació y creció en Marruecos, su madre es española y ella tenía pasaporte español, una ventaja que le permitió plantearse marcharse para estudiar en Sevilla a los 18 años. “Sabía que podía irme de ahí”, reconoce. Sin embargo, durante su adolescencia no era plenamente consciente de lo que significaba disponer de esa opción mientras otras personas no podían plantearse la misma salida. “Me han educado un poco en el no opinar, en el silencio y en el 'tú tira pa'lante'”, recuerda, aunque con el paso del tiempo ha revisado aquella educación.

Yassir también considera que la posición desde la que cada persona observa la realidad condiciona la manera en que interpreta las experiencias ajenas. Respecto al debate sobre migración, reclama que hace falta escuchar más a quienes atraviesan momentos difíciles. “Deberíamos de entender más a las personas y saber que la situación de cada una es complicada”, insiste el músico. Este considera que “hablar desde una posición más privilegiada te hace ver las cosas de distinta manera” y cree que “hay que intentar entender más a las personas que necesitan ayuda”.

Restinga, por su parte, mantiene una mirada crítica sobre lo que sucede en Marruecos y sobre las personas que se ven obligadas a abandonar el país. “Ahora veo cómo la gente se está moviendo con una rabia muy bien colocada que me abruma y me enorgullece”, relata la artista, que viajó hasta Ceuta cuando empezó a ver en redes sociales vídeos de personas que cruzaban la frontera y de otras que morían en el intento. Impactada por aquellas imágenes, se marchó con unas amigas y pasó allí cuatro días para echar una mano. La joven, además, cuenta que se quedó impactada por la poca ayuda que encontró en la ciudad.

“Me acuerdo que decía: '¿Qué pasa que no están aquí las organizaciones que tienen que estar?'. Y no me refiero a las no gubernamentales, sino al Gobierno. ¿Dónde coño está, tío?”, rememora Restinga, que tuvo que escuchar “comentarios inhumanos” y “muy heavys” durante su breve estancia allí. “Puedo entender que abrume el hecho de que de repente en tu ciudad hayan entrado muchas personas doblando la población, porque de pronto dices: '¡Hostia! ¿Qué hacemos? ¿Qué pasa con esto?'. Pero otra cosa son las barbaridades que escuchaba, que es para mirárselo”, detalla.

“En España está entrando un fascismo que miedo me da ahora con las elecciones”, declara la artista, quien expresa su temor ante la normalización de discursos que presentan a las personas migrantes como una amenaza. “España es un país muy, muy racista”, comenta. “La gente no se queja cuando vienen migrantes de España para arriba. Es puro racismo y xenofobia, no consigo entenderlo”, alega. Yassir incluso indica que la diversidad cultural ha de ser motivo de celebración: “Cada cultura y cada persona tiene tanto cosas positivas como cosas negativas, pero deberíamos de entender que cada uno que tiene su forma de pensar y su forma de ver las cosas, siempre con el respeto por delante”.

Canciones en español y en árabe

Para no olvidarse nunca sus raíces, Restinga canta en español y en dariya, la variedad del árabe marroquí. Después de tantos años en España, la artista reconoce que a veces olvida palabras porque ya no las utiliza habitualmente en Madrid. Escribir en esa lengua le permite recuperar vocabulario y mantener vivo un vínculo con su lugar de origen. Además, ha observado que las letras en español suelen llevarla hacia asuntos íntimos y románticos, mientras que las que escribe en dariya tienden a abordar cuestiones relacionadas con Marruecos, la familia o su entorno social. Es algo que está presente en Free Baby, su álbum debut publicado el año pasado.

Las referencias al imaginario popular marroquí también conforman las canciones del disco. Una de ellas es Aisha Kandisha, que hace referencia a una figura vinculada a las historias que escuchaba en casa y cuya función se parecía a la del coco en España, un personaje con el que se asustaba a los niños. “Hay cosas que no quiero dejar atrás y que pertenecen a mí a día de hoy”, detalla la cantante. Otro tema de Free Baby se llama Cashcash, que significa “escondite” en dariya, e incluso el mismo título del proyecto hace alusión a un cántico infantil que le gustaba mucho cuando era pequeña. “Es un disco muy nostálgico que tira de la infancia para traerlo a tu persona actual”, cuenta.

La necesidad de decidir quién es también atraviesa su experiencia como artista queer. Restinga publicó en 2023 Abrazaditas, una canción que cuenta una historia de amor entre dos chicas. “Viviendo en España siento comodidad escribiendo de ciertas cosas. En el disco también compongo sobre cómo quiero a una persona y esa persona es una mujer. Estuve en noviembre del año pasado de gira en Marruecos y la canté”, afirma, aunque confiesa que no está segura de si el público siquiera llegó a comprender lo que contaba. “Obviamente, el miedo existe allí, y cuando voy tengo miedo y es algo muy serio. Mucha gente que se quiere ir es porque son personas queer y no pueden vivir allí como ellos quieren”, subraya.

Por su parte, Yassir dio sus primeros pasos lejos de los grandes estudios. Cuando quiso empezar a grabar, preguntó en uno cercano a su casa y descubrió que una sesión costaba 200 euros, una cantidad que no podía permitirse. Así que decidió aprender por su cuenta a través de tutoriales en internet. “Quería empezar a hacer música, así que opté por mirar vídeos de YouTube”, explica sobre aquellos comienzos, cuando aprendió a producir, grabar y crear sus propias canciones sin apenas recursos. Con el tiempo, Yassir ha encontrado su lugar en una industria en la que muchas veces el público conoce las canciones, pero no a todas las personas que han participado en su creación.

A él, sin embargo, no le preocupa demasiado ocupar un segundo plano. “Mi sueño al final siempre ha sido vivir de la música y hacer música”, comenta. Cuando trabaja con otros artistas, disfruta aportando ideas tanto en la composición como en el ambiente del estudio, sin reservarse sus propuestas por miedo a que otra persona se lleve el reconocimiento. Esa forma de entender su oficio también le ha llevado a valorar el trabajo en equipo: “Siempre he sido muy de ayudar y aportar y eso me ha llevado a donde estoy ahora”. Ahora, ambos tienen puesta la vista en el BIME Bilbao 2026, donde Restinga actuará en directo como parte del cartel de propuestas emergentes y Yassir será ponente en la charla Banger makers: el código del reggaeton contemporáneo, sobre la creación y composición de éxitos urbanos.

Los Planetas han anunciado este jueves en sus redes sociales que sacarán nuevo álbum, en el que incluirán su versión del bolero Dos cruces, que publicarán la semana que viene, el viernes 23 de octubre.

Por el momento se desconoce cuál será el título del disco, la fecha de lanzamiento y el número de temas que lo compondrán, más allá de este primer adelanto.

Dos cruces, canción que compuso Carmelo Larrea, ha sido interpretada por cantantes de distintas generaciones, como Antonio Molina, y el propio grupo, para el que lleva tiempo formando parte del repertorio de sus conciertos.

La banda de rock granadina, compuesta por Jota Rodríguez, Florent Muñoz, Eric Jiménez y Miguel López; sacaron su último disco, Las canciones del agua, hace cuatro años, en 2022.

Estopa ha anunciado que lanzará nuevo disco, La Maketa, y hará una gira de estadios en la que recorrerán cuatro ciudades españolas: Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla. La noticia ha sido comunicada por los propios David y José Muñoz en una rueda de prensa desde la Facultad de Geografía e Historia de la Universitat de Barcelona. Y lo han hecho cinco días antes del establecido como 'Día de la Estopidad', el 18 de octubre, en el que cada año los fans de la banda conmemoran el lanzamiento de su primer disco, Estopa, en 1999.

El nuevo álbum saldrá a la venta el 20 de noviembre, en el que han rescatado los temas de su maqueta de 1997 que nunca llegaron a editarse. Antes de que ninguna discográfica se fijara en ellos, compusieron más de treinta. Será un disco doble. El primero contendrá siete temas inéditos y tres canciones que no se llegaron a grabar entonces.

El segundo incluirá todas las maquetas, tanto las que grabaron con su minicadena en su casa con la ayuda de sus padres, que han reaparecido precisamente gracias a su ayuda, tras encontrar el máster original accidentalmente en su hogar. Junto a estas estarán las versiones de las mismas que grabaron en un estudio de Sabadell, gracias al dinero que ganaron en un concurso de cantautores, y que terminaría siendo su trampolín. Entre estas sí las hay que han podido irse escuchando en sus sucesivos trabajos discográficos.

El primer sencillo verá la luz este viernes 16 de octubre, Bicho raro, de la que han avanzado que fue una canción “matriz” de otros temas emblemáticos como Vino tinto y Tragicomedia. El grupo ha concluido la rueda de prensa interpretando precisamente este tema ante los alumnos de la Facultad, con únicamente voz y guitarra. “Pero me pongo tan malo cada vez que me roza tu pelo, así como un bicho raro, una especie nueva de insecto”, reza su estribillo.

Contra las alianzas con bancos y casas de apuestas

El tour arrancará el 12 de junio de 2027 en el estadio Ciutat de València, seguirá el día 18 en el Lluís Companys de Barcelona, el 26 en La Cartuja de Sevilla y concluirá el 9 de julio en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid. Las entradas saldrán a la venta el 17 de noviembre a las 22:22 horas en la web oficial del grupo. Aquellos que compren el disco, contarán con 24 horas más que el resto del público para hacerse con sus tickets.

Para combatir con la tendencia reciente en la que para conseguir entradas para los conciertos ser cliente del banco Santander, gracias a sus alianzas con Universal Music, Live Nation, Los 40 y Mad Cool, se ha convertido prácticamente en un requisito; Estopa solamente va a permitir el acceso a la reventa a quienes previamente se hayan hecho con su álbum.

“Nunca hemos hecho anuncios ni con bancos ni con casas de apuestas. Satisfyer bien, bancos y casas de apuestas; no”, han afirmado. Para el grupo, el privilegiar a los clientes de una compañía bancaria para poder ir a sus conciertos es “injusto, porque solo premias a los clientes de una marca. Queremos premiar a la gente a la que le gustamos”.

“La universidad pública hace que la gente que no tiene recursos pueda estudiar”, ha reivindicado igualmente David Muñoz, aprovechando que la presentación la han llevado a cabo en el centro en el que ambos se formaron, “es el auténtico ascensor social”.

El proyecto 'MKT'

El grupo hizo la primera mención de que se traían algo entre manos el pasado 27 de septiembre, con un primer vídeo compartido en redes sociales, titulado Acto I, en el que un hombre vestido de negro, encapuchado con una máscara blanca, pintaba un grafiti en la pared con la 'E' de Estopa, en color rojo. En seguida entraba una música con una voz de fondo indicando “tic, tac” y la frase “algo está a punto de pasar”.

El Acto II vio la luz el domingo 4 de octubre, con un supuesto trabajador de una tienda de electrodomésticos, tarareando Por la Raja de Tu Falda, uno de los mayores éxitos de Estopa, al tiempo que colgaba en la pared un póster, con el logo del grupo y, de nuevo el mensaje “Algo está a punto de pasar”, seguido de cuatro imágenes de cuatro estadios diferentes, los ubicados en Madrid, Barcelona, Sevilla y Valencia, dejando entrever que podrían estar preparando una gira de estadios con esas cuatro paradas.

La última entrega llegó a finales de la semana pasada, el Acto III, en el que anunciaron que darían “todas las respuestas” este martes 13 de octubre. El vídeo incluía a David y José Muñoz, sentados en un bar tomando una cerveza. Allí una noticia de última hora terminaba acaparando todas las miras, la aparición de las pintadas con la E de Estopa, que merecía “una explicación”, que finalmente han revelado.

Hola, estrella de la música que aún no se ha posicionado públicamente acerca del genocidio. Habrás seguido con interés la reciente polémica Macklemore contra Sheeran. Y es probable que, viendo cómo le cortan las barbas a tu vecino, estés poniendo ya las tuyas en remojo. No te preocupes, hoy he venido para ayudarte.

La cuestión de fondo no es nueva, pero ha saltado otra vez al primer plano: ¿qué debe hacer un artista tan popular como tú ante semejante atrocidad? ¿Seguir con la boca cerrada o posicionarte abiertamente? En ese caso, ¿cómo debe ser tu discurso? Me he molestado en analizar los comunicados y declaraciones sobre Palestina de músicos famosos para aprender de sus errores y preparar esta breve guía. Aquí van diez consejos que te harán ser un mejor profesional y, qué demonios, una mejor persona.

1. Más vale tarde que nunca

No nos engañemos: llegas un poco tarde. Se cumplen tres años desde que Israel iniciara descaradamente el genocidio. Si te manifiestas ahora, habrá quien se queje, y con razón, de que no lo hayas hecho antes. Pero nunca es demasiado tarde para situarse “en el lado correcto de la historia”, como dijo Taylor Swift cuando se enfrentó a Trump (aunque siga callada respecto a Palestina).

Te van a llover las críticas hagas lo que hagas, así que haz aquello que te permita dormir con la conciencia más tranquila. Y, cuanto antes te lo quites de encima, mejor. Menos probable será que te salpique algún escándalo, tengas que dar la cara bajo presión y te acusen después de oportunismo.

2. No te sacudas la política de encima

Es lícito que no quieras ser, al igual que Sheeran, un “activista” o un “comentarista político de ningún tipo”. Pero eso no significa que estés limpio de política. Bien mirado, haces política por el hecho de ser un referente social que encarna determinados valores. O por anunciar todo tipo de marcas. Y, en general, por ser una pieza fundamental del gran entramado capitalista del entretenimiento y la comunicación.

Pero no hace falta ponerse tan estricto. Hay algo más evidente que rechina: ¿por qué te defines como apolítico cuando callas sobre Palestina y no cuando das la cara por los derechos LGTBIQ+ o contra la Guerra de Ucrania?

3. Cuidado con la modestia

Está bien que te muestres como una persona humilde. Puedes empezar con frases del estilo “lo que escribiré será incompleto e imperfecto pero está escrito con la mejor intención” o “aunque siempre intento hacer 'lo correcto', probablemente no siempre lo consiga”, como hizo Rosalía en el comunicado que publicó tras la polémica con Miguel Adrover.

Pero no te empequeñezcas demasiado. No afirmes que “el señalamiento debería direccionarse hacia arriba (hacia quienes deciden y tienen poder de acción) y no en horizontal (entre nosotrxs)”. Está mal ponerte al mismo nivel que tu público para sacudirte la responsabilidad.

Aunque a menudo te convenga mimetizarte con tus fans, no eres como ellos. Mira los millones que tienes en el banco o, mejor aún, los millones de seguidores en tus redes sociales. Porque, como celebridad, ese es “tu poder de acción”. La capacidad de influir.

4. No te victimices

Es habitual que los famosos lamentéis el malestar que sentís cuando estáis en el ojo del huracán. “Ha supuesto una pesada carga en mi salud mental”, escribió Thom Yorke, el líder de Radiohead, en respuesta al revuelo iniciado por un fan que le afeó su silencio respecto a Palestina durante un concierto. O de nuevo Rosalía: “He seguido con gran tristeza lo que se ha venido diciendo estos días”. Ahora, sin embargo, debes intentar no ser el centro de la conversación. Procura que el foco mediático no empiece y acabe en tu persona.

El comunicado de Macklemore recoge este punto con acierto: por mal que lo estéis pasando, las estrellas, con vuestras “carreras de éxito, recursos económicos, oportunidades, seguridad y audiencias en todo el mundo”, no sois las víctimas en este asunto. Y sigue: “Las verdaderas víctimas son los palestinos que son asesinados, sometidos al hambre, desplazados por la fuerza y obligados a vivir una violencia difícil de imaginar. Quiero asegurarme de que no perdamos eso de vista”.

5. No digas que es complicado

No justifiques tu silencio por “no saber suficiente” del “tema político más complejo del planeta”, como se excusó Ed Sheeran. O como Bono de U2, quien, a pesar de contarnos su dilatada experiencia humanitaria en África Oriental, reconoció haberse mantenido al margen de la política en Oriente Medio dada su “complejidad evidente”.

Sigue el ejemplo de otros músicos que, como Brian Eno y Roger Waters, han demostrado que “no es complicado, y nunca lo ha sido”. Es más, han insistido en que el argumento de la complejidad se utiliza para mantener las bocas cerradas, en especial las de la gente joven, y así conservar el statu quo a favor de Israel.

Waters zanja así la cuestión: “No hay que ser un académico experto en geopolítica para saber que asesinar a familias y matar de hambre a niños está mal”. Y concluye: “El mero hecho de pertenecer a la especie humana te concede autoridad y, de hecho, responsabilidad de hablar en voz alta”. Más aún si dispones de un gran altavoz.

6. Hazlo en público

No muestres tu enfado si una parte de la audiencia interpreta tu silencio como complicidad con la injusticia. Esta idea, defendida por Martin Luther King, Ginetta Sagan, Elie Wiesel o Desmond Tutu, tiene una larga tradición en la lucha por los derechos humanos. No la deslegitimes reduciéndola a una estrategia de difamación de trols y haters.

Tampoco niegues tu complicidad alegando que sí te posicionas, pero en tu vida privada. Eso hizo Sheeran: “No soy cómplice. Solo porque no la exprese públicamente, no significa que no tenga una postura sobre este conflicto devastador y que no me importe”. Y antes Rosalía: “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con las expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando”.

Si en público no has dicho ni hecho nada al respecto, ¿cómo pretendes que la gente conozca tu postura? No seas como Aznar con el catalán: si apoyas a Palestina, no lo hagas solamente en la intimidad.

7. Las cosas por su nombre

Emplear la palabra genocidio no te convierte en un izquierdista radical. Al menos no desde que las Naciones Unidas certificaron que lo que ocurre en Palestina se ajusta sobradamente a la definición de genocidio. Usar la palabra es importante, entre otras razones, porque remarca el carácter intencional de la limpieza étnica llevada a cabo por Israel. Algo que Ed Sheeran y otros tantos esquivan al substituirla por términos más abiertos como “catástrofe”, “tragedia” o “crisis” humanitaria.

Más significativo resulta convertir el genocidio en un mero “conflicto o ”guerra“, como si existiera un enfrentamiento entre dos bandos con fuerzas simétricas y no, como es el caso, una ocupación militar de un territorio colonizado. Así puedes apuntarte, con Sheeran, a un pacifismo abstracto (”Hay demasiadas guerras en este mundo y ninguna debería tolerarse“), desde el que solo podrás lanzar consignas más huecas que el peinado de Robert Smith.

8. No seas equidistante

Tampoco aproveches el marco del conflicto bélico para adoptar una postura intermedia entre los dos supuestos polos. Fíjate cómo Sheeran y otras estrellas nunca lamentan los crímenes cometidos por Israel sin condenar, inmediatamente antes o después, a los extremistas de Hamás. Así, presentan el genocidio como la respuesta “desproporcionada” del radical de Netanyahu a los terribles atentados del 7 de octubre. No se trata de que des una clase de Historia, pero si hablas del tema es importante dar a entender que las cosas no empezaron en 2023, sino que se asientan sobre una injusticia estructural alimentada desde hace ochenta años.

En cualquier caso, hazte un favor y no lleves tu centrismo tan lejos como Madonna. No muestres tu preocupación por los niños de Gaza y, al mismo tiempo, te enorgullezcas de “no señalar con el dedo, no culpabilizar ni elegir bando”.

9. No riñas a tu público

No es agradable recibir toneladas de comentarios adversos a diario. Los algoritmos, ciertamente, favorecen las emociones negativas y pueblan las redes de energúmenos y amargados. Pero ello no significa que todos los que te critican sean presas de la “manipulación online”, como escribió Thom Yorke. Ni responsables de una “caza de brujas” que no hace sino “simplificar problemas complejos que merecen un debate cara a cara”. No asumas, como hicieron varios artistas durante la polémica de los festivales propiedad de KKR, que las voces críticas “se equivocan de enemigo” y conspiran para convertirte en un “chivo expiatorio”.

Si te fijas bien, verás que entre los indignados también hay personas que te tienen como referente y usan la pantalla de su teléfono –la única vía de comunicación contigo– para que respondas a un genocidio que contemplan horrorizados en tiempo real. Haz autocrítica y no los desacredites en bloque.

A fin de cuentas, te ganas la vida capitalizando las relaciones digitales, tan intensas e inmediatas, que estableces con tu público. Sé consecuente y no te pongas a la defensiva cuando la conversación se te escape de las manos.

10. No brindes al sol

Es probable que estés coqueteando con la religión. Quizá desees “unirte a los millones que rezan para que cesen el sufrimiento y la muerte”, como Yorke. O quieras pedirle al papa León XIV, como Madonna, que “lleve su luz a los niños”. Los expertos en genocidios, sin embargo, no suelen recomendar propuestas tan vaporosas.

Si estás igual que Sheeran y tratas de “averiguar cómo hacer una contribución que ayude a las víctimas de estos tiempos terribles”, puedes imitar a Rosalía y reconocer el trabajo de “las personas que realmente actúan, como las ONG, activistas, voluntarios, sanitarios, trabajadores, cooperativas, asociaciones y periodistas que dedican su vida a ayudar en esta causa y muchas otras”.

Pero no insinúes que estos agentes son los únicos capaces de “actuar realmente”. Tú tienes tu plataforma. Mejor no le hagas caso a Selena Gomez cuando, tras lamentar la situación en Gaza, afirmó entre suspiros: “Ojalá pudiera cambiar el mundo. Pero un post no lo hará”. Recuerda, en cambio, cuando Taylor Swift instó a sus fans a votar en las presidenciales. Con solo poner un enlace en sus stories, logró que decenas de miles de personas se registraran.

Puedes hacer lo mismo para difundir información concreta (artículos, manifiestos, campañas de presión política y boicot económico, donaciones…) que contribuya de alguna forma a la lucha del pueblo palestino. Al fin y al cabo, no es nada diferente de lo que ya sabes hacer para promocionar tus contenidos. Solo que ahora, como dijo Dua Lipa, estarás al servicio de algo que es “necesario” y “mucho más grande que tú”.

Bonus: Asume los costes (y los beneficios)

Ya lo advirtió Macklemore: “Tomar partido puede costarte caro”. Prepárate para perder “dinero, acuerdos con marcas, patrocinios, festivales, actuaciones privadas, relaciones y acceso”. Pero tampoco será para tanto. Alguien como tú se lo puede permitir. Fíjate en tus compañeras Billie Eilish y Dua Lipa. Ahí siguen, en lo más alto, tras haber apoyado a Palestina desde el principio.

Además, ten en cuenta que la tibieza ya no sale gratis. Sheeran se quedó solo en su propia gira tras el abandono de los teloneros y su banda de apoyo. Y en pocos días perdió medio millón de seguidores en Instagram. Macklemore, en cambio, ganó casi tres millones y duplicó sus reproducciones en Spotify.

Y es que, en la era de la autenticidad, el público valora que sus ídolos demuestren valentía y compromiso con unos valores. Ser generoso con la causa palestina también tiene recompensa. Pero eso, como seguramente sepas, ya lo decía la Biblia: “Da y se te dará”.

Lleva cinco semanas en el número uno del país y se ha convertido en la primera mujer española en encabezar la lista mundial de Spotify. Lara Fernández (Jerez de la Frontera, 2003), conocida artísticamente como Judeline, ha logrado la fama de manera pausada, haciéndose un hueco en la industria musical a prueba de canción y canción, de escalón en escalón. Lo que la cantante no esperaba es que su participación en el último disco de Karol G la ayudaría a subir del tirón el resto de escaleras, alcanzando un estrellato casi inimaginable.

Judeline ha acaparado todos los focos con el tema Bby Wow, en el que, además de la artista colombiana, también colabora el español Rusowsky. Un tipo de exposición que, si bien ya había experimentado en el pasado —la artista logró uno de los discos más aclamados de 2024 con Bodhiria y llenó por primera vez el Palacio de Deportes de Madrid a inicios de este año—, no se asemeja en absoluto al nivel de popularidad que ha cosechado tras este impulso.

Ahora, tras ofrecer decenas de conciertos y decidir darse una pausa de los escenarios para encerrarse a crear nueva música en el estudio, la artista publica el tema La falda y aprovecha para reflexionar tanto sobre el pasado como sobre el futuro. Lo hace tomando comprensión sobre lo que ocurre a su alrededor: celebra las movilizaciones por el derecho a la vivienda, asume su compromiso frente a las injusticias globales y se enorgullece de su debut en el cine de la mano de Los Javis con La bola negra, una película que va más allá del éxito comercial y de la que reconoce su importancia en pleno periodo electoral.

Cuando vuelve a esa niña de Barbate, ¿alguna vez imaginó que todo lo que le está pasando podía ser posible?

Yo siempre lo manifesté mucho. Era el típico sueño, poco realista, de ser niña, ver la tele y tener metas más surrealistas. Pero ha salido y está saliendo; todo se ve un poco como la foto que yo tenía de pequeña.

Vino a Madrid con 17 años. ¿Se ha preguntado qué hubiera pasado si hubiera intentado construir todo esto desde Cádiz?

Hubiera sido muy difícil. Tendría que haber tenido mucha más fuerza de voluntad para hacer muchas cosas sola y las posibilidades hubieran sido muchísimas menos. Aquí tuve acceso a contactos, a mucha gente y a los estudios; al final, en Madrid está toda la gente de la industria. Si viviera en Cádiz y viajara cada dos por tres a Madrid, tal vez, pero por desgracia hubiera sido mucho más difícil.

Además, tuvo que trabajar como niñera y recepcionista para conseguir el dinero.

Ahorré dinero trabajando un verano entero y mis padres también me ayudaron cuando llegué, pero fue complicado. Ahora miro al pasado, veo mi vida diaria y mis gastos actuales frente a los que me podía permitir cuando llegué aquí, y es una diferencia bastante loca.

¿Le ha hecho reflexionar sobre las oportunidades de los jóvenes y la dependencia de los recursos?

Es muy evidente que la mayoría de las personas que consiguen llegar alto en la industria vienen de tener un apoyo financiero al comienzo. Es muy complicado que una persona con cero recursos lo consiga. Yo vengo de una familia muy sencilla, trabajé y me ayudaron; al menos me podían dar esos 100 euros extra al mes, aparte de mis ahorros, para poder comprar comida o pagar mi habitación. Hay gente que no tiene eso, que tiene que estudiar y trabajar a la vez, y son personas superdedicadas. Yo era un desastre para los estudios y menos mal que en la música me fue bien. No somos conscientes de que no se trata solo de suerte; mucha gente tiene más impulso y es mucho más sencillo buscar tus sueños y trabajar en la música si no tienes que despertarte todos los días desesperado pensando de dónde vas a sacar el dinero para vivir.

¿La situación es más difícil ahora que cuando vino a Madrid?

Han subido muchísimo los precios. Lo que vemos normal ahora por un piso habría sido una locura cuando yo llegué a Madrid hace cinco años. Sí veo el cambio, pero es que en realidad ya era una locura cuando yo llegué. Si antes era inaccesible, ahora ya no hay por dónde cogerlo. Siendo realistas, con el sueldo mínimo que tenemos en España de milagro te puedes permitir una habitación. Hay gente que lleva trabajando desde los 18 o 20 años, que ahora tiene 27 y todavía no puede dejar de tener compañeros de piso porque no se lo puede permitir; es una vergüenza. Yo estoy superfeliz de las movilizaciones que están pasando y ojalá se haga algo por cambiarlo.

¿Esta conversación llega tarde?

Ha tenido que pasar ahora, pero la gente ya llevaba mucho tiempo enfadada. No solo ocurre en España, pasa en todo el mundo. Cada vez te puedes permitir menos una vivienda si quieres vivir en la ciudad. Se le da más importancia a los pisos turísticos y a los Airbnb. Pareciera que la vivienda es un privilegio, cuando todo el mundo necesita una cama y un techo donde dormir.

Acaba de publicar una nueva canción, La falda.

Es el punto perfecto de lo que tengo que sacar ahora y estoy emocionada. Es una canción que me gusta muchísimo. La hice aquí en España, sobre junio. Siempre escuchaba la canción I've Never Been There de Yann Tiersen y pensaba que un beat de reguetón ahí sería una locura, y que quien lo hiciera se forraría. Se lo propuse a mis productores y, aunque limpiar el sample fue difícil, me gusta mucho el resultado.

En La falda juega con el deseo y la provocación. ¿Es importante jugar con la sexualidad en la música?

Sí, a mí me divierte. Además, pienso que tengo 23 años; si no hablo ahora de sexualidad, ¿cuándo lo voy a hacer? Me hace mucha gracia y me divierte mezclar una voz más sutil con una letra más pícara.

¿Cree se espera que con su edad no hable tanto de ello, como si fuera tabú?

Al revés: los jóvenes somos los que más hablamos del tema porque es algo más nuevo para nosotros y le damos más importancia. La gente más adulta ya pasa un poco más del tema. No creo que el sexo sea tabú; hay muchísimas cosas que lo son más. Pienso que la menstruación es muchísimo más tabú que el sexo; del sexo habla todo el mundo.

En la industria musical también existen roles; se espera que una mujer solo tenga éxito si adopta el rol de estrella pop.

La figura de diva del pop está cambiando mucho. Ahora hay “chicas raras”, hay divas del pop clásicas, hay estrellas que bailan increíble... Hay mucha variedad. Hay tanta oferta que puedes encontrar cualquier tipo de diva pop. Personalmente, no me preocupa ni me está resultando complicado desobedecer esos patrones; me siento superagradecida por el recibimiento que he tenido siempre. No me puedo quejar.

Siempre ha sido muy reivindicativa y feminista. ¿Considera que últimamente ya no mola tanto serlo?

Ha habido una desconexión porque los jóvenes nos cansamos y decidimos que la política daba demasiados dolores de cabeza, al menos cuando era adolescente. Pero en las últimas semanas, con las manifestaciones, con todo lo que está gritando la gente joven en la calle por el acceso a la vivienda, siento que está volviendo esa conexión con la política y la concienciación de la situación que hay. Ahora con las votaciones seguro que los chavales se informan muchísimo más, y eso me da esperanza.

¿A qué cree que se debía esa desconexión?

Hablando desde mi experiencia, creo que la gente joven de izquierdas no sentía que hubiera un partido político que les representara al cien por cien. También da mucho miedo la situación general del mundo, y muchos optaron por desconectarse, lo cual entiendo. Vivimos en una sociedad que cada vez es más individualista, que cada vez nos separa más y en la que la tecnología cada vez nos hace ser menos humanos, y esto puede traer una desconexión muy grande que te haga despreocuparte de los problemas sociales. Pero la gente se está volviendo a concienciar. Yo misma estoy volviendo a estar más atenta después de haber estado unos años desconectada.

¿Le emociona ver a la gente joven acampando en Sol?

Sí, eso es ser conscientes de que el pueblo tiene más poder del que pensamos. Si hay cosas que están pasando, que son injustas y que no nos gustan, podemos salir a la calle a gritar. A veces parece que no funciona, pero sirve para muchísimas cosas y está ayudando.

De hecho, canceló su participación en el FIB por la presencia del inversor israelí KKR. ¿Fue complicado tomar esa decisión?

No, para nada. Siempre he sido muy consciente de la situación en Palestina porque mis padres me han hablado de ello. Es una barbaridad y nos vamos a avergonzar como humanidad cuando dentro de muchos años miremos hacia atrás y veamos lo pasivos que fuimos. Siguen asesinando a personas y sigue habiendo una limpieza étnica por parte de Israel. Espero que pare en algún momento, porque pareciera que la gente se olvida del conflicto cuando sigue superpresente.

Hace un cameo en La bola negra. ¿Cómo fue acercarse a esa historia?

Los Javis me llamaron al principio para un cameo y luego decidieron que hiciera la canción de Soldadito español. Fue muy bonito. Yo nunca había actuado y ellos me dirigieron superbien. Es una experiencia que me llevo para siempre. Cuando supe que [la película] hablaba de Lorca, de todo lo que ocurrió, me hacía muchísima ilusión participar en el proyecto. No sabía tanto del argumento completo cuando grabé mi escena, pero al verla me emocioné muchísimo y salí llorando del cine. Es una película supernecesaria.

Versiona el pasodoble Soldadito español y lo hace más íntimo y tranquilo. ¿Le ha hecho mirar palabras como "patria" o los símbolos españoles de otra forma?

Me gustó mucho transformar el pasodoble y darle otro significado. Ya lo versionaba en su momento Marujita Díaz y me hizo mucha ilusión. Se puede ser patriótico a tu manera, yo estoy superorgullosa de España este año. Me llena de orgullo ver que estamos haciendo cosas artísticas tan especiales como La bola negra, la de cantantes increíbles que están saliendo, que hayamos ganado la Copa [del Mundial de fútbol], que seamos los primeros del mundo en donar órganos. Somos un país muy especial, tenemos muchísimo que aportar y nos queda mucho recorrido. Todo lo que está pasando ahora y todo lo que están haciendo los chavales en la calle me hace sentirme más orgullosa que nunca del país en el que vivo.

¿Es interesante que esta película esté en cartelera ahora que se abre un periodo electoral, para recordar a los jóvenes que los derechos se pueden perder?

Es muy importante mirar atrás. No hace mucho que vivíamos en una dictadura, y es fundamental que los chavales que no han estado cerca de esa generación —yo incluida— miren hacia el pasado. Quien olvida su historia está condenado a repetirla, eso es así.

Vídeo de la entrevista completa

“Más disco, menos fascismo”. Así ha sido el lema que ha acompañado gran parte de la carrera de Norman Quentin Cook (Londres, 1963). El artista venido del pop pulcro y educado conquistó la pista de baile como una celebración de la vida bajo el nombre de Fatboy Slim. Tras superar sus problemas con el alcohol hace más de 15 años, el británico se ha reinventado para subir al escenario y se alimenta de la pasión de su público.

Fatboy Slim acompaña sus actuaciones de un mensaje que recalca que la música permite ahogar el racismo y la intolerancia “con amor”. De hecho, el productor dio sus primeros pasos en los 80 con The Housemartins, una banda de origen obrero cuyas letras atacaban a la clase dominante británica, al Gobierno conservador de Margaret Thatcher y a las desigualdades económicas del momento.

Después de haber bloqueado una marcha de extrema derecha en su ciudad a base de altavoces y bailes pacíficos, el músico se prepara para su próxima cita en España. Tendrá lugar este sábado 10 de octubre en Madrid, donde encabezará la fiesta LOOP en la sala Fabrik cuatro años después de su última visita. En este set especial de tres horas, el DJ recorrerá distintas etapas de una carrera marcada por temas como Right Here, Right Now, Praise You o The Rockafeller Skank, invitando a mirarnos a los ojos en lugar de convertirnos en esclavos de la cámara del móvil.

Después de haber recorrido todo el mundo, ¿qué tiene de especial la energía de los españoles?

He dado un montón de conciertos increíbles en Madrid. Me encanta la ciudad, así que tengo muchísimas ganas de que llegue. Hay algo que llamamos “sangre latina”. Los españoles son muy apasionados, muy expresivos y les encanta celebrar. Ya sea por alguna festividad católica, el fútbol o, sobre todo, la música. Parece que todos sentimos lo mismo: que la música es una forma de unirnos y celebrar la vida. Cada país es diferente, a veces solo de forma muy sutil. La música tiene un papel distinto en diferentes sociedades, pero la gente que más me gusta es aquella para la que la música forma parte de la celebración de la vida. Sin embargo, no siempre es igual.

Lleva más de 15 años sin tocar el alcohol. ¿Ha sido difícil este proceso?

Cuando dejé de beber por primera vez, tenía mucho miedo y pensaba en cómo iba a salir todo esto. Ese miedo escénico que nunca antes había sentido me invadió de golpe, pero después de dos o tres conciertos, encontré mi nueva personalidad. La cuestión es que obtengo mi energía del público; en cuanto empiezo, si me devuelven algo, me emociona, lo que a su vez les emociona aún más a ellos. Si me vieras 20 minutos antes de salir al escenario, estaría sentado pensando: “Dios mío, son las tres de la madrugada, ¿cómo voy a hacerlo?”. Pero en cuanto subo, el público me da energía. Además, la emoción de la música a todo volumen y las luces intermitentes me embriagan un poco, haciéndome entrar en un estado de excitación que es como estar borracho, pero sin la resaca.

Ha mencionado antes que le entristece ver a gente en la pista centrada en grabar videos. ¿La presión de las redes sociales nos quita la libertad de ser nosotros mismos?

No son las redes sociales en su conjunto, sino solo algunas partes de ellas. Todo el mundo debería poder grabar; hay quien prohíbe los móviles y las cámaras en los conciertos, pero yo no estoy a favor de eso. Yo recomendaría grabar un vídeo corto, solo como recuerdo para ti o para presumir ante tus amigos. Uso las redes sociales todo el tiempo y, en su mayor parte, son bastante seguras. Pero no te estropees la noche por convertirte en esclavo de tu cámara.

¿Tiene buena relación con la tecnología?

Soy de los que tardan en adaptarse. Tardé mucho en usar los CD porque me gusta el vinilo, y tardé en usar las memorias USB porque me gustan los CD. Siempre les doy un par de años para asegurarme de que no son una simple moda pasajera. Intenté evitar las redes sociales porque tengo una personalidad adictiva y pensaba que eran un agujero negro en el que no quería meterme a menos que fuera necesario. Pero ahora las uso y la verdad es que lo disfruto mucho: hablo con la gente que viene a los conciertos, recibo comentarios y puedo hacer tonterías que hacen reír. Como toda la tecnología, es algo fantástico en buenas manos.

¿Y acabará estando en malas manos, si no lo está ya?

Es muy probable, por el rumbo que está tomando la inteligencia artificial, que algún día decidan que somos prescindibles e ineficientes. Espero que no. Seguimos siendo seres humanos y, mientras sigamos controlándola, seguirá teniendo esa humanidad y trabajando para nosotros. La tecnología facilita el pago del aparcamiento o te permite ver el programa de televisión que quieras a cualquier hora del día sin esperar a que lo emitan. Pero en cuanto a la parte artificial, mi única preocupación es que las máquinas decidan que son más inteligentes y útiles que nosotros.

La razón por la que hay pobreza no es la inmigración, es nuestra economía

Fatboy Slim — DJ y productor

En 2002, reunió a mucha gente de forma gratuita en Brighton Beach. ¿Ha dejado la música de ser para todo el mundo?

Parece que cuanto más famoso es el artista, más pagas, lo cual es raro porque los artistas más famosos ya no necesitan el dinero. Si hay gente que no se lo puede permitir, va a clubes o conciertos más pequeños. Nunca ha sido tan fácil disfrutar de la música, ya que puedes escucharla en streaming gratis. Cuando era joven, si te gustaba mucho un disco, tenías que ahorrar durante dos semanas para comprarlo. Si la gente realmente piensa que la música se ha encarecido demasiado, dejará de ir y los precios tendrán que bajar. Mis inclinaciones socialistas me dicen que no puedo entender por qué los artistas más grandes cobran más que los pequeños; debería ser al revés.

¿Entonces es mejor la industria musical de ahora que la de antes?

No necesariamente. Quizá sea solo porque soy mayor, pero creo que la música de los años 70 y 80 era mejor que la de ahora.

Empezó en la banda de izquierdas The Housemartins y, a lo largo de los años, ha seguido teniendo un marcado compromiso político y social. ¿Cree que ahora es más importante que nunca?

Por supuesto que sí. No creo que la música dance haya tenido nunca una agenda política en el sentido en que la tiene el rock, donde hay gente que busca cambiar el mundo. Pero como ser humano, no puedo ignorar las cosas malas que están pasando; no se trata tanto de ser socialista, sino de ver cómo ciertas personas destruyen nuestro planeta o difunden el odio y la división. La música siempre ha unido a la gente generando un sentimiento de amor y conexión, y prefiero explorar la forma en que nos conecta para permitirnos ver nuestras similitudes.

Hace unos meses, instaló su equipo en plena calle, frente a la estación de tren de Brighton, para tocar música de forma improvisada ante miles de vecinos que habían salido a impedir una manifestación de extrema derecha.

Iba a la manifestación de todos modos porque es mi ciudad, y habíamos oído que muchos fascistas racistas iban a invadirla. Pensamos que teníamos que detenerlos y, como Brighton es Brighton, nuestra mejor forma de hacerlo fue montar una fiesta delante de ellos. Mientras se reunían en la estación de tren para marchar, los rodeamos con una fiesta para que no pudieran ir a ningún sitio ni atravesarnos, algo que la policía tampoco les permitió. Fue un día precioso que me devolvió la fe en mi ciudad, ya que superamos en número a los racistas en una proporción de 50 a 1. Les mostramos amor, les demostramos cómo se ven la unión y la hermandad, y les dejamos claro que no queríamos que difundieran odio.

La ultraderecha está creciendo en todo el mundo. ¿Se puede combatir esta ola de intolerancia?

Tenemos que plantar cara a quienes siembran el odio y la división, ahogándolos con amor y unidad. Toda mi generación creció con bandas que nos encantaban, como The Clash, Tom Robinson o Steel Pulse, que nos enseñaron que no se puede odiar a alguien solo por el color de su piel. Nos atraían con la música y nos transmitían un mensaje contundente. Hay que centrarse en explorar las similitudes entre nosotros en lugar de enfadarnos por las diferencias. Es muy importante ahora mismo porque este país y muchos otros de Europa y Sudamérica se están volviendo muy racistas, y depende de gente como yo hacer lo que podamos para difundir este mensaje.

Son tiempos difíciles.

Es erróneo odiar a tus semejantes. En este país, culpan a los inmigrantes y dicen que la razón por la que la gente es pobre es por ellos. Pero la razón por la que hay pobreza no es la inmigración, es nuestra economía y el hecho de que tenemos muchos otros problemas. Se trata simplemente de acabar con ese mensaje que dice que todo lo que va mal en tu vida se debe a la gente que llega en barcos cruzando el mar. Es la mayor mentira que existe y es bastante fácil desenmascararla.

Sus hijos pertenecen a una generación implicada con los problemas sociales. ¿Le da motivos para mantener la esperanza en el futuro?

Tengo dos hijos, y mi hija de 16 años se ha criado en esta generación; aunque se ha pasado la mitad de su vida haciendo bailes de TikTok, es una persona muy completa a la que le importa la gente. Se preocupa por sus amigos y, en medio de toda esta locura de TikTok, hay amor. Ella siempre me está corrigiendo; como vivo en Brighton tengo muchos amigos gays y a veces usamos apodos, pero ella me dice que no se pueden usar esos términos para referirse a ellos. Yo le digo que mis amigos lo hacen y no pasa nada, pero ella insiste en que no se debe. El hecho de que te hayas pasado la mitad de tu vida viendo tutoriales de maquillaje no significa que no te importen las cosas importantes de la vida.

Rosalía ha ganado el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2026 por su disco Lux. El jurado define el álbum como una propuesta musical ambiciosa, innovadora y transformadora, que eleva los límites creativos y que ha alcanzado el reconocimiento unánime de crítica y público“. Sucede en el homenaje concedido por el Ministerio de Cultura a Antonio Serrano, vencedor del año pasado.

El comité señala igualmente que el disco reafirma “una trayectoria de alcance internacional caracterizada por la investigación, el riesgo y la evolución creativa a través de la búsqueda de un lenguaje sonoro propio que trasciende géneros, estilos y épocas, reflejo de su enorme capacidad para combinar vanguardia y patrimonio”.

El jurado valora “su contribución a la proyección global de la música española y su habilidad para aunar talentos y aportaciones de otros artistas, poniendo en valor la colaboración en el proceso de la creación artística”.

Lux se convirtió desde su lanzamiento en noviembre del año pasado, en todo un fenómeno musical tanto a nivel nacional como internacional. Rosalía rompió moldes con su disco, un ejercicio de reflexión, de pena, de celebración, de euforia y profunda tristeza; cargado de espiritualidad, piano, violines y lirismo. Su primer adelanto, Berghain, dejó claro que aquel no iba a ser un trabajo discográfico en la línea de anteriores como Motomami o El mal querer. La Perla, Reliquia y Sauvignon Blanc son algunas de las canciones que han hecho del álbum un hito.

La cantante, productora, compositora e intérprete Rosalía nació en Barcelona en 1992. Su álbum debut, Los Ángeles, lo publicó en 2017, realizado junto al productor y músico Raül Refree. Un año después llegó el segundo, El mal querer, coproducido junto a El Guincho, con temas como Malamente y Pienso en tu mirá; y en 2022 Motomami, en el que combinó ritmos urbanos latinos, electrónica y flamenco. Para Lux, apostó por grabarlo con la Orquesta Sinfónica de Londres, contando con la participación de artistas como Silvia Pérez Cruz, Björk y Estrella Morente. En su palmarés cuenta con dos Premios Grammy y trece Latin Grammy.

Tan solo un día después de que Universal tomara una de las decisiones más restrictivas sobre la música que controla este gigante internacional, sus acciones cayeron un 23% en la Bolsa de Ámsterdam, lo que se corresponde con unas pérdidas de 8.800 millones de euros.

El terreno para este banco de pruebas fue la India. Allí, desde el último día de julio de este año, las novedades de sus artistas más destacados estarían disponibles solo para suscriptores de pago durante tres días en las plataformas de streaming. El objetivo de Universal Music Group era frenar el descenso de sus ingresos por suscripción, que habían pasado de 7,9% del trimestre anterior al 6,7%, buscando más ingresos de quienes ya pagan y la conversión de quienes aún no lo hacen.

El streaming musical funciona con dos niveles desde el lanzamiento de Spotify en 2008, un esquema que YouTube replicó en 2018 con YouTube Premium. El gratuito, con publicidad y restricciones de uso; el premium, sin anuncios, bajo demanda y sin conexión. Hasta ahora la fecha de lanzamiento de las novedades discográficas era la misma en ambos. La ventana india, en vigor desde finales de agosto, introduce un cuarto valor diferencial: los que pagan tienen el privilegio de ser los primeros en oírlo, mientras que los que no pagan, llegarán tarde a ese lugar en el que todo el mundo quiere estar; la canción del momento, la última hora.

Universal no publicó una lista de títulos ni de plataformas. Spotify, que respondió a las preguntas de elDiario.es, pero optó por no atribuir sus respuestas a ningún portavoz, describe la medida como un programa piloto con artistas participantes: ninguna canción queda retenida de forma permanente y los temas en ventana siguen apareciendo en las listas editoriales y en las recomendaciones de los usuarios gratuitos.

Un banco de pruebas sin riesgo

Entre los primeros lanzamientos afectados figura No Formula, el mixtape del rapero de Nueva Delhi Raga, publicado en septiembre. Según Anurag Tagat, editor sénior de Rolling Stone India, “es un experimento. Lucian Grainge [CEO de Universal] dijo en la presentación de resultados que lo habían probado en China con resultados decentes, y esa es también la jugada con India”, explica, a las preguntas de elDiario.es. En India solo el 1% de la población paga una suscripción musical, el 93% de los oyentes utiliza servicios gratuitos y el 42% de quienes no se suscriben declara: “YouTube tiene toda la música que necesito y es gratis”, según un estudio de la Indian Music Industry y EY. La ventana alcanza también al YouTube gratuito, según Music Business Worldwide.

Leon Farrell, analista sénior de la consultora británica MIDiA Research y especializado en el estudio de los superfans, lo describe: “India es un mercado de prueba útil y acotado: su pequeña base de suscriptores limita el riesgo comercial. Pero sus precios y sus expectativas de música gratis lo convierten en un test imperfecto para occidente. Lo que se está probando es si la escasez puede convertir oyentes gratuitos en suscriptores”, dice en declaraciones a este medio.

Spotify planteó su nivel gratuito como alternativa legal a la descarga desde su nacimiento: todo el catálogo a cambio de publicidad, con la suscripción como mejora opcional. En España, el proceso fue tardío: el país figuró en la lista de vigilancia sobre propiedad intelectual de Estados Unidos hasta la ley Sinde de 2011, adoptó pronto el Spotify gratuito y mucho más despacio el de pago.

Las ventanas de pago tienen un precedente contractual: en abril de 2017, Spotify y Universal acordaron que los nuevos álbumes pudieran reservarse a los suscriptores durante dos semanas, si bien la cláusula apenas se utilizó. En India, la restricción deja de ser una excepción pactada disco a disco y se aplica de forma sistemática a los lanzamientos que selecciona el sello.

Un mercado saturado

Los ingresos de la música grabada en Estados Unidos crecieron un 6,9% en el primer semestre de 2026, hasta 5.970 millones de dólares (5.300 millones de euros), mientras que las suscripciones de pago aumentaron un 5,5%, según la RIAA: el crecimiento procede más de las subidas de precio que de nuevos abonados. Will Page, autor de Pivot y execonomista jefe de Spotify y de PRS for Music, rechaza, preguntado por elDiario.es, la lectura del agotamiento: “Sigue funcionando, sin duda. Funciona en mercados emergentes como India y en mercados consolidados como Estados Unidos, donde los ingresos crecen un saludable 7%. Los agoreros llevan prediciendo la desaceleración desde que empezó la década y siguen equivocándose”.

Farrell sitúa en esas cifras el regreso del windowing (las “ventanas de explotación”): “Vuelve como forma de elevar el ingreso medio por usuario y de convertir usuarios gratuitos en suscriptores, ahora que el crecimiento de los abonados de pago se frena. Los sellos siguen dependiendo enormemente de la suscripción premium, como demostraron los últimos resultados de Universal y la consiguiente caída de su cotización”. Sobre el límite del modelo, Page apunta que “el streaming reparte demanda, no la crea. No es un escenario en el que entras en El Corte Inglés y compras cinco discos en vez de tres: es una tarifa fija, y ni un céntimo más”.

El nivel superfán en Europa reuniría ventajas como entradas prioritarias, merchandising y lanzamientos anticipados. No hay precio confirmado, pero el rumoreado nivel de seis dólares puede funcionar si las ventajas compensan

Leon Farrell — Analista de la consultora británica MIDiA Research

El superfán —la minoría de oyentes que más escucha a un artista, compra su merchandising y acude a sus conciertos— es el objetivo declarado de la industria. Lucian Grainge, presidente y consejero delegado de Universal Music Group, la matriz mundial del sello, anunció en su mensaje de Año Nuevo de 2026 que trabajaba con las plataformas en “niveles premium mejorados para superfans”. Sobre un nivel superfán europeo, Farrell opina que “reuniría ventajas como entradas prioritarias, merchandising y lanzamientos anticipados. No hay precio confirmado, pero el rumoreado nivel de 5,99 dólares de Estados Unidos [5,33 euros] puede funcionar si las ventajas compensan”.

Mirando a China

La referencia de Universal es Tencent Music Entertainment, la filial musical del conglomerado tecnológico Tencent y principal operador de streaming de China. La compañía cerró 2025 con 127 millones de usuarios de pago, de los cuales 20 millones (el 15,7%) pertenecen a la categoría Super VIP, que cuesta unos 40 yuanes (5,30 euros) al mes frente a los ocho yuanes [un euro] de la tarifa estándar y da acceso anticipado a lanzamientos, entre otras ventajas. Grainge, al presentar la ventana india, afirmaba que China “ha mostrado qué es posible” y “muchos otros mercados de alto potencial lo harán también”.

Page piensa que “puedes comprar un billete de clase estándar o pagar más por ir en primera. ¿Qué te hace cambiar? En la música eran tres cosas: sin anuncios, bajo demanda y sin conexión”, señala. “Universal está añadiendo una cuarta, y me parece inteligente. En India hay muchísima gente en el embudo gratuito: hace falta algo más para que den el salto”, añade. Farrell distingue entre las herramientas y los hábitos: “Las propinas, los regalos y los pagos directos ya resultan familiares a muchos consumidores chinos. El oyente occidental está acostumbrado a tenerlo casi todo con una sola suscripción. Las mecánicas de Tencent se pueden transferir; el comportamiento, no”.

No vale para la piratería

Casi todos los analistas descartan que la ventana reactive la piratería. “La inercia sugiere que esperarán o, más probablemente, que acabarán pagando. Lo que la gente olvida de India es que ha vivido una silenciosa revolución de inclusión financiera: más de mil millones de personas tienen ya una cartera digital”, sostiene Page. Farrell coincide: “La mayoría de los oyentes casuales esperará tres días. Las subidas no autorizadas a YouTube o SoundCloud siguen siendo un riesgo, pero los sellos tienen hoy mejores herramientas para atajarlas. Si las ventanas son cortas y selectivas, pueden generar expectación en vez de piratería”.

La gente ha encontrado la manera de saltarse la restricción en India, con algún tipo de plugin o pirateando la música y subiéndola a distintos sitios para escucharla o descargarla, hasta que la encuentran y la retiran

Anurag Tagat — Editor de Rolling Stone India

Sin embargo, Tagat registra desde Bangalore una reacción ambivalente: “La reacción inicial ha sido de gente un poco contrariada por no poder entrar la primera en la música nueva de su artista favorito”, aunque las cifras de No Formula “han sido bastante decentes”. “La gente ha encontrado la manera de saltárselo, con algún tipo de plugin o pirateando la música y subiéndola a distintos sitios para escucharla o descargarla, hasta que la encuentran y la retiran”, añade. En las publicaciones del propio Raga, los seguidores le reprocharon no haber anunciado el disco “el día en que estaba disponible para todos y no solo para los premium”.

“La piratería y las descargas no autorizadas ya eran una preocupación antes del streaming, y las plataformas no han conseguido resolverla después de años atrayendo a millones de usuarios”, recuerda Tagat, que enmarca los atajos en un rasgo cultural: “A los indios les encanta su jugaad, una expresión para encontrar un resquicio con el que saltarse algo, así que puede que no funcione de forma hermética. YouTube puede ser el lugar donde existan esos atajos, al menos temporalmente”. Su balance: “Si los artistas acaban ganando más con ello, y no solo los sellos, es una victoria en un ecosistema donde solo una pequeña parte de los artistas ha ganado algo sustancial con el streaming”.

España, lejos del experimento indio

El mercado español de música grabada facturó 181,4 millones de euros en el primer semestre de 2026, un 11,6% más que un año antes. “España sigue teniendo un déficit de penetración de la suscripción”, señaló Antonio Guisasola, presidente de Promusicae, en la presentación de esos datos.

Page descarta que el modelo indio se traslade: “España fue pionera del Spotify gratuito y tardía en el de pago, pero ahora la industria va a toda máquina. No creo que lo que ocurre en India vaya a pasar aquí: no lo necesita. España afronta un reto distinto, la glocalización: las listas las domina el castellano, pero cuesta romper con un artista español porque dominan los latinos. Taylor Swift tocó dos veces en el Bernabéu; Karol G actuó cuatro y quería una quinta”. Farrell prevé, en todo caso, “lanzamientos seleccionados y ventanas cortas, no una política general”.

Por primera vez, una gran discográfica utiliza de forma sistemática el calendario de lanzamientos como incentivo de pago dentro de un servicio de streaming gratuito. El regreso de la piratería a gran escala parece improbable; la reaparición de la escasez como instrumento comercial, en un modelo que se construyó sobre la abundancia, ya es un hecho.

Han pasado tres décadas desde que Arab Strap lanzara su primer single, pero Aidan Moffat y Malcolm Middleton tienen claro que no quieren convertirse en una banda que se limite a vivir de la nostalgia y salir de gira para tocar viejos éxitos. Para celebrar su trigésimo aniversario, el dúo escocés ha optado por mirar hacia el futuro con la publicación de Half-Told Tales, su noveno álbum de estudio. Se trata de un trabajo compuesto por 14 canciones que ellos mismos describen como un “conjuro de música disco-metal”, el cual esperan poder tocar en España el año que viene con algunos conciertos y que ha sido creado para hacer bailar y sonreír al público en medio del caos moderno.

El caos moderno es, de hecho, la cuerda sobre la que Aidan Moffat ha aprendido a hacer equilibrios. Es crítico con grandes plataformas como Spotify, Apple Music o Amazon pese a que “es imposible vivir de forma totalmente ética hoy en día”, huyó de Twitter en cuanto Elon Musk lo transformó en una “horrible plataforma de extrema derecha” y planta cara abiertamente a las presiones de su propia discográfica: prefiere tener menos éxito comercial a tener que convertirse en un influencer que es esclavo de las pantallas. A sus 53 años, el vocalista de Arab Strap tiene claro que la autenticidad y la salud mental no se negocian en una industria musical cada vez más tiranizada por los algoritmos.

Atrás quedaron las letras sobre las noches de ocio, la juventud y los desamores que marcaron sus inicios. Hoy, las composiciones de Aidan Moffat funcionan como un espejo de la sociedad contemporánea, aunque él continúe sin considerarse un artista demasiado político. Desde el ridículo de los líderes de la “manosfera” y el auge de una extrema derecha que seduce a la clase trabajadora, hasta el peligroso miedo social a envejecer de forma natural, muchos son esos “cuentos a medias” que dan título a su último proyecto. Sin embargo, puesto que ningún cuento se ha contado por completo, que falten páginas por escribir siempre da cabida a la esperanza. Y Moffat tiene mucha esperanza.

¿Cómo cambia la perspectiva del mundo al pasar de los veinte a los cincuenta?

Sin duda cambia. No se trata de querer escribir canciones que suenen como las de antes, sino de reflejar el mundo que nos rodea ahora. Nuestras antiguas canciones románticas —aunque algunas no eran muy románticas— son algo sobre lo que escribes cuando eres joven porque lo vas descubriendo. Para cuando nos volvimos a reunir y empezamos a grabar discos de nuevo en 2021, ya éramos mucho mayores y, con suerte, un poco más sabios. Te conviertes en padre, te haces mayor y tus prioridades cambian. Es importante escribir sobre el momento presente, en lugar de intentar capturar algo que tuvimos en el pasado. Que escribiera canciones sobre la juventud sería horrible, es ridículo y no quiero hacerlo. A veces puedo ponerme un poco político porque es muy difícil que el flujo constante de noticias no se cuele en las canciones.

La primera canción del álbum, I Get Noise, trata sobre soñar en silencio. ¿La tranquilidad se ha convertido en un lujo inalcanzable?

Es algo por lo que hay que esforzarse más. Es muy difícil encontrar paz y tranquilidad en la sociedad actual, pero mucha más gente lo está buscando. Tengo la sensación de que los jóvenes que conozco, como mi hijo, que pasa mucho tiempo con el móvil, pero sobre todo jugando, tienden a valorar esos momentos de tranquilidad más que nosotros. Los jóvenes se resisten de forma natural a las cosas que hacían sus padres, así que ven muchos comportamientos contra los que reaccionan, o al menos eso espero. Me gustaría pensar que nos hemos vuelto menos dependientes de estas cosas y sobre todo de las redes sociales, que yo ya casi no uso. Sigo publicando cosas abstractas y del trabajo, pero ya no a nivel personal porque te quitan mucho tiempo. Fui adicto a Twitter durante muchos años.

¿Le ha sido difícil dejarlo?

Ahora me encuentro en un estado mucho más saludable. Estaba en Twitter todo el tiempo y me encantaba, también tenía aspectos muy positivos. Recuerdo mi fiesta de cumpleaños de los 40: hice una lista de reproducción de DJ en Twitter, invité a la gente a que se uniera a mí y nos lo pasamos bien. Hay cosas realmente buenas que puedes hacer para conectar con la gente, pero se volvió horrible hacia el final, un auténtico asco. Y luego, claro, Elon Musk lo compró y se convirtió en esa horrible plataforma de extrema derecha. Sigo echándole un vistazo, pero no participo ni publico nada. Alejarme de eso fue un gran paso; me siento mucho más feliz y sano porque es muy estresante tener que lidiar con la raza humana en el día a día, cuando tienes a miles de personas gritándote. Las redes sociales no me gustan, y también me molesta mucho que ahora sean una parte tan importante de la industria musical. Nuestro sello nos pide constantemente que hagamos más en redes, y yo pienso que no puedo: prefiero vender menos discos y ser feliz a meterme en las redes sociales para intentar ser un influencer.

En Glamour Magic adopta una visión muy irónica de los tratamientos de belleza. ¿Por qué aterra tanto mostrar las arrugas o envejecer de forma natural?

Como humanos, valoramos la juventud y la vitalidad mucho más de lo que valoramos el cuerpo que envejece y la sabiduría de la vejez. En parte se debe al miedo a la muerte, obviamente, pero también hay un componente sexual y el temor de mucha gente a ser olvidada por la sociedad. Parece que estamos programados desde los albores de la evolución para centrarnos en nuestros primeros años como los más importantes. Yo nunca me he sentido así realmente, siempre me he sentido como un alma bastante vieja. Siento que he crecido hasta llegar al cuerpo que siempre me he merecido. Me lo pasé muy bien cuando era joven, pero siempre tenía ganas de hacerme mayor. Eso puede ser bastante inusual, porque conozco a mucha gente a la que le aterra envejecer, lo cual me parece extraño.

¿Le parece una tiranía tener que parecer siempre joven?

Hay una presión enorme sobre mucha gente, y supongo que la decisión está en si quieres o no ceder a esa presión. Hubo una época, hace unos veinte años, en la que esto era sobre todo un problema para las mujeres, que se encontraban con esa presión constante en los medios de comunicación. Pero ahora es igual de malo para los hombres. Sin duda hay una tiranía implícita en ello, y parte de la culpa la tienen las redes sociales, que constantemente están mostrando a gente joven y guapa con sus vidas perfectas y maravillosas. Puede afectar a mucha gente, así que simplemente tienes que intentar ignorarlo lo mejor que puedas y envejecer con dignidad.

El 90% de los medios son de derechas y controlan la información, es fácil dejarse llevar por eso y vivir con miedo

Aidan Moffat — Cantante de Arab Strap

En la canción Be A Man aborda la masculinidad tóxica. ¿Cómo habla de ello con su hijo adolescente?

La verdad es que no hablo mucho de eso con él. A veces salía el tema, pero sentía que si insistía demasiado y se convertía en algo de lo que teníamos que hablar, podría empujarlo en la dirección contraria, despertando un sentimiento de rebelión que le hiciera querer hacerlo. Así que me limité a vigilar su comportamiento. Si alguna vez surgía el tema, lo comentábamos rápidamente y con ligereza. En la canción utilizo la expresión “el rey estafador de la manosfera”, que se refiere a un hombre muy concreto, pero no quería mencionar su nombre [Andrew Tate]. Era muy importante convertirlo en un personaje ridículo; tienes que intentar quitarle el poder en lugar de darle importancia teniendo conversaciones serias y profundas sobre su efecto en la gente.

No estoy diciendo que no sea un problema muy grave, por supuesto que lo es, pero mi idea era burlarnos de este hombre y señalar que todo lo que hace es ridículo y, además, mentira. Mi hijo es muy consciente de lo viles y odiosas que son estas figuras de la manosfera y los ve como figuras ridículas. Son gente absolutamente peligrosa y vil. Espero que Andrew Tate siga en la cárcel, donde debe estar. Mi hijo siempre ha sido bastante íntegro; si se encontraba con algo remotamente racista en la PlayStation cuando jugaba online, lo denunciaba enseguida. Al ver que hacía eso, pensé que probablemente estaría bien.

La gente está dando un golpe sobre la mesa para que los artistas alcen la voz sobre aquello que les preocupa. Al menos, eso le ha sucedido a Ed Sheeran.

Es una situación extraña. Macklemore tiene toda la razón: se están cometiendo atrocidades terribles en Gaza, por supuesto que sí. Pero Ed Sheeran también está en su derecho de no querer politizarse. Es difícil saber qué pensar; no creo que debamos esperar que la gente se implique políticamente. No es su trabajo. A algunas personas no les hace gracia, y si a Ed Sheeran no le apetece, es su decisión. No estoy necesariamente de acuerdo con lo que hizo, pero lo respeto; es una decisión que él quiso tomar y tiene todo el derecho a hacerlo. Aunque la cosa no le está yendo bien y le ha salido un poco por la culata, y con razón. Pero yo no lo haría; si tuviera un grupo telonero con un mensaje político, no los echaría de la gira porque no es asunto mío. Tienen derecho a expresarse y a decir lo que quieran. Es esa cuestión del tribalismo: vivimos en un mundo tan ridículo en el que no hay sentido del matiz ni del debate ni de la empatía.

En Fighting for You canta sobre la clase trabajadora británica que se desplaza hacia la derecha.

Como digo al principio de esa canción, me recuerda mucho a cuando era joven. En los años 80 pasaba lo mismo; aquí teníamos el thatcherismo y la clase trabajadora empezó a votar a partidos de derechas. No es nada nuevo y son las mismas tácticas: la promesa de un sueño que no pueden cumplir, aprovechándose de los miedos de la gente. Siento mucha simpatía por la gente que vive aterrorizada porque les dicen que tengan miedo, pero la verdad es que es una mentira, es propaganda. Por desgracia, el 90% de nuestros medios de comunicación son de derechas. Todas las plataformas de redes sociales y los periódicos son propiedad de figuras de la derecha, de la extrema derecha en algunos casos, conservadores con miles de millones en los bancos.

La idea de que a estas personas les preocupe en lo más mínimo la gente corriente de la clase trabajadora es ridícula. Pero como controlan la información que recibe todo el mundo, es fácil dejarse llevar por eso y vivir con miedo. Como digo, ya he pasado por esto antes y tengo la edad suficiente para haberlo visto, así que espero que lo superemos. Creo que cuando Trump se vaya —le quedan dos años y legalmente no puede estar más—, las cosas empezarán a calmarse un poco en Estados Unidos y en el Reino Unido. Esperemos que eso se extienda también a Europa, porque Alemania ha tenido recientemente unos resultados muy preocupantes para la AfD. Estas cosas son llamativas y preocupantes, pero creo que hay esperanza a la vista. No puedes quedarte ahí sentado pensando que todo es una mierda; veo rectitud en los jóvenes de ahora que quieren cambiar el mundo, y estoy seguro de que tendrán su oportunidad.

La Oreja de Van Gogh contará con su propio musical, siguiendo la estela de ABBA y Mamma Mía, y Mecano y Hoy no me puedo levantar. La banda ya está desarrollando Puedes contar conmigo, una película musical en la que el repertorio del grupo donostiarra será el hilo conductor.

Fernando González Molina (Cronos, Tres metros sobre el cielo, El guardián invisible), dirigirá el largometraje, y coescribe el guion con Miguel López Martínez. Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson serán los productores. Los integrantes de La Oreja de Van Gogh, también participarán en la producción ejecutiva.

La noticia llega al tiempo que la banda continúa de gira por España, tras la vuelta de Amaia Montero como vocalista del grupo y la salida de Leire Martínez.

“Ver que nuestras canciones van a cobrar una nueva vida en el cine es un sueño para nosotros. Siempre hemos contado historias a través de nuestra música, y saber que ahora esas historias inspirarán un universo visual y narrativo tan grande nos llena de ilusión”, ha declarado la banda en una nota de prensa compartida con los medios.

Fernando González Molina, por su parte, avanza que quiere crear “un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho durante décadas las canciones de La Oreja de Van Gogh.

Wes Leavins mira al escenario, situado a tan solo unos metros de distancia, como si fuese un refugio al que siempre tiene la necesidad de volver. El músico acaba de terminar la prueba de sonido para el concierto que tiene esa noche en Madrid y se encuentra, además de satisfecho, emocionado. No es para menos: fuera, cuando todavía falta una hora para que abran las puertas, decenas de personas ya hacen cola para entrar a la sala Galileo Galilei. Se trata del primer espectáculo en España de Brigitte Calls Me Baby, una de las bandas estadounidenses más prometedoras del rock alternativo, y su vocalista se aferra a la cita con el mismo ímpetu con el que se aferra a la música.

En un momento en el que muchos son los motivos que hacen a las jóvenes generaciones sentirse más tristes y desanimadas que las anteriores, Leavins reconoce que las canciones le han otorgado la vitamina perfecta para desconectar. Es algo que también ha conectado con sus oyentes, quienes han encontrado en la banda un abrazo. “En esta sociedad algo no está funcionando. En mi caso, es el exceso de estimulación, así que busco una vía de escape, que es lo que me ha ayudado a sentirme menos deprimido”, cuenta el cantante a elDiario.es. “Pero, al final del día, solo puedes huir hasta cierto punto. Por la noche te quedas solo contigo mismo, con tus pensamientos y con tu cama”, añade el músico, cuyo nuevo disco, Irreversible, parte precisamente de ese lugar incómodo.

Leavins creció en Port Arthur, un lugar pequeño de Texas del que quería marcharse y donde encontró en las canciones una posibilidad de imaginar una vida más grande. “Fue lo único que encontré que me permitía evadirme”, recuerda. La idea de salir de allí sigue presente en su forma de entender el arte, que no contempla solo como una profesión. “Estoy aquí, de Texas a Madrid, gracias a ello, así que sin duda la música es un catalizador perfecto para escapar, pero también para cambiar tu vida y la de los demás”, explica el intérprete, que ha logrado que Brigitte Calls Me Baby, una banda formada en Chicago en 2021, haya emergido hasta poder permitirse girar por toda Europa este otoño.

“El lugar del que vienes acaba reflejándose en la música, y el lugar del que vengo es un poco deprimente, aunque me dio mucha esperanza porque estaba decidido a salir de allí”, indica Leavins respecto al municipio petrolero en el que se crio, donde había pocas alternativas de futuro para los jóvenes y cuyo entorno estaba caracterizado por la pobreza. Esta es una de las razones por las que el álbum está atravesado por la salud mental, pues abordar estos problemas resulta “terapéutico” para el grupo. “Si no puedes cambiarlos, más vale hablar de ellos, reírse de ellos o, al menos, comentarlos. Es una de las mejores formas de afrontarlos”, declara el artista.

El artista, además, ha sacado adelante este proyecto haciendo frente al Trastorno Obsesivo-Compulsivo (TOC) y al Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad (TDAH). “Tienes unos estándares muy, muy específicos y, cuando estás de gira, todos ellos se van al traste”, afirma Leavins, que enfatiza que “vives situaciones en las que tienes que adaptarte”. “La terapia de exposición ha sido básicamente lo que me ha ayudado. Hemos vivido tantas situaciones impredecibles que tienes que aprender a aguantarlas”, asegura.

En un momento en el que todo el mundo se ve forzado a aparentar a través de las redes sociales, y en el que los artistas construyen (o destruyen) su imperio a través de la imagen que proyectan, Brigitte Calls Me Baby opta por abrazar la vulnerabilidad, desafiando el rock más tradicional en el que prevalece la apariencia del 'tío duro'. “Me encanta la música rock, pero también tengo mucho que decir, y el rock como medio de expresión tiene todo el espíritu que se necesita para comunicar la vulnerabilidad de forma realmente eficaz”, sostiene Wes Leavins. “En realidad van de la mano porque el rock es visceral, enérgico y expresivo. Cuando a eso le añades vulnerabilidad, pasión y convicción, es una receta fantástica”, celebra.

Aun así, la banda no es ajena a que cada vez sea más difícil encontrar la verdad en la cultura. “Todo el mundo quiere ser famoso”, sentencia Leavins. “Todo el mundo quiere tener éxito y están dispuestos a comprometer toda su moral, sus principios y su identidad para conseguirlo. Por eso la mayoría de los artistas que tenemos hoy en día son menos interesantes, porque hay gente que ni siquiera se conoce a sí misma”, reflexiona el cantante. “Se supone que los artistas deben decir: 'No todo el mundo entiende lo que hago, pero lo hago igualmente porque esto es preciso, es auténtico y soy yo'. En cambio, ahora la gente dice: 'Oh, no les gusta, pues voy a cambiarlo'. Eso mata el arte, y sin duda puedes sentir si algo es auténtico o no”, argumenta.

Todo el mundo quiere tener éxito y están dispuestos a comprometer toda su moral, sus principios y su identidad para conseguirlo

Wes Leavins — cantante de Brigitte Calls Me Baby

Entre los temas que los hacen más auténticos como banda se encuentra Slumber Party, una canción que pone el foco en personas que están desgastadas hasta el punto de que salir de casa se convierte en algo pesado, ahondando en la soledad. Leavins reconoce que nunca ha ido una fiesta de pijamas y que, pese a que el título nació de esa imagen, llevó la situación al presente. “En la actualidad no hay misterio. Si vas a quedar con alguien en algún sitio, puedes enviarle un mensaje y decirle: 'Oye, ¿a qué hora vas a estar allí?'. Ahora todo está muy organizado”, dice el compositor, que agrega que “en el pasado las cosas eran distintas, podía pasar cualquier cosa, podías conocer a cualquiera”.

“No quiero decir que la tecnología haya hecho que todo el mundo se sienta solo, pero, en cierto modo, sí lo creo”, apunta el vocalista de Brigitte Calls Me Baby. Frente a esa vida perfectamente coordinada, sin embargo, Leavins reivindica los conciertos como una experiencia difícil de sustituir. La música en directo, señala, puede llegar a ser “una experiencia espiritual” y también “muy sanadora”, tanto para el grupo como para la gente que disfruta escuchándoles. “No podemos hacerlo sin ellos y ellos tampoco pueden hacerlo sin nosotros, así que es como cerrar el círculo”, alega Leavins, que insiste en que vivimos una época en la que “nos necesitamos los unos a los otros”.

La música como vía empática

Las emociones son las protagonistas de su propuesta. Las canciones hablan de sentimientos privados, pero se nutren cuando otras personas se reconocen en ellas y el escenario se convierte, así, en un lugar donde una experiencia individual se transforma en algo colectivo. “Siento mucha empatía por la gente, y desde que era niño ya era muy sensible. Personificaba a los objetos inanimados y me daba pena por ellos. Incluso cuidaba de los bichos para que no les pasara nada. Ahora siento que mucha gente está sufriendo, así que, ¿por qué no íbamos a ser empáticos?”, inquiere el cantante ante este periódico.

La esperanza, de hecho, no desaparece en las canciones más oscuras. Un ejemplo es The Future Is Our Way Out, que da título al disco con el que la banda debutó. “Cuando mi vida termine / Oh, toda la gente me amará / Oh, si la vida fuera tan amable / Entonces no me importaría estar vivo”, canta el músico en un tema sobre la crueldad de esta sociedad. Este aboga por un halo de luz en el futuro: “La esperanza es más profunda en los momentos más devastadores, es lo único que te queda cuando estás destrozado. De eso trata la canción: de mi lucha contra la depresión, contra la vida, y contra el hecho de, aunque no creo realmente en una vida después de la muerte, tengo mucha esperanza”.

Asimismo, el deseo de querer escapar de la realidad convive con la sensación de echar de menos lo que se deja atrás. La banda lo trata en el tema I Wanna Die In The Suburbs, pues Leavins, pese a querer salir de su pequeño entorno, descubrió con el tiempo que incluso los lugares que uno sueña con abandonar terminan formando parte de su identidad. “Vayas donde vayas en el mundo, seas de donde seas, siempre hay una parte de ti que solo quiere volver”, subraya. “Soy alguien que no puede dejar atrás el pasado. Todo lo que me ha pasado en la vida es probablemente demasiado especial para mí, le doy mucha importancia, aunque es doloroso cargar con tanta nostalgia”, reconoce.

Esa nostalgia la transmiten en cada uno de sus conciertos, defendiendo sobre el escenario una discografía centrada en lo emocional. “Nos moríamos de ganas de tocar aquí y nos han invitado un montón de veces. Por fin tocamos por primera vez en España y el concierto tiene las entradas agotadas”, celebra Leavins sobre su espectáculo en la capital, pero no es la única cita, pues Brigitte Calls Me Baby también ha actuado en Barcelona y promete volver a visitar esa ciudad el año que viene. De momento, frenar no está en sus planes: “Siempre quiero más, sentir más, hacer más, ver más. Quiero experimentarlo todo y sacarle todo a la vida antes de que la vida me lo quite todo a mí”.

Madonna le dedicó una canción de su último disco y, ahora, Soft Cell han bautizado su último álbum con su nombre: Danceteria, el club donde el cabaret, la música de baile, la no wave, el indie y el arte crearon un cruce de culturas explosivo en el Nueva York de principios de los ochenta.

Gracias al enorme éxito del single Tainted Love, el dúo británico Soft Cell pudo terminar de registrar en Nueva York su primer álbum, Non Stop Erotic Cabaret (1981). Una vez allí, el productor Mike Thorne les proporcionó a Marc Almond y Dave Ball la tecnología necesaria para engrandecer su sonido y las noches de la ciudad hicieron el resto. Desde que el Mudd Club abriera sus puertas el Halloween de 1978, los clubes locales vivían una época revolucionaria.

En el CBGB se podían ver actuaciones de artistas que harían historia, pero en el Mudd Club, el Club 57 o el Pyramid Club, además de conciertos de nombres nuevos y veteranos a reivindicar, también se celebraban las fiestas más extravagantes, se proyectaban películas underground, se celebraban performances y desfiles de moda de diseñadoras que nadie conocía aún. Jim Fouratt y Rudolf Piper también aplicaron esta filosofía a un local bautizado como Danceteria, el cual tuvo dos vidas, y la primera solamente abarcó los últimos seis meses de 1980 porque carecía de licencia para servir bebidas alcohólicas y la policía terminó cerrando el negocio.

Un año después, en febrero de 1982, dos bandas primerizas —una de ellas era R.E.M.— actuaban en la inauguración de la nueva sede de Danceteria. Ocupaba un edificio de cuatro plantas en la calle 21 y la gran novedad respecto a sus predecesores era su sala de baile, situada en el segundo piso. En ella tenían lugar sesiones sin prejuicios donde se mezclaba el funk y la disco music, el naciente hip hop, los ritmos jamaicanos, el pop independiente del momento, y la electrónica de jóvenes blancos libres de los tabús segregacionistas propios de los viejos rockeros.

Danceteria acogió a artistas de todas las disciplinas, pero ninguna de ellas ha llegado tan lejos ni se ha mantenido en lo más alto durante tanto tiempo como Madonna. Gracias a una canción que lanzó hace unos meses, Danceteria, —y que acaba de actualizar con una colaboración con Charli XCX—en la que rendía homenaje a aquellos primeros años, el mundo descubrió un lugar legendario de verdad.

La relación entre la cantante y el local fue la típica cuestión de llegar al lugar preciso en el momento idóneo. Había actuado en el Max’s Kansas City y el Mudd Club sin pena ni gloria, pero su paso por Danceteria estuvo bendecido por los astros. En la letra de su canción, Madonna nombraba personajes del local con los que mantuvo una estrecha relación y que fueron difundidos por las redes sociales con tanta insistencia como si formaran parte del temario de algún examen crucial.

Entre ellos figuraba el del diseñador y bailarín Martin Burgoyne. Él la sacó de la cola que se formaba en torno al local y la metió directamente en el club. También fue fundamental para su despegue artístico, lo mismo que uno de los DJ estrella del club. Madonna ha contado que uno de los motivos por los que iba a Danceteria era para ligar con Mark Kamins. Además de consumar el inevitable affair, él empezó a pinchar su maqueta y terminaría produciendo Everybody, su primer single, publicado en octubre de 1982.

Danceteria abría a última hora de la tarde y cerraba a primera de la mañana. Era un refugio perfecto para gais, lesbianas, transexuales y cualquier otra persona queer. Un destino nocturno idóneo para Soft Cell, que lo frecuentaron durante sus estancias neoyorquinas. Allí descubrieron ritmos y sonidos que sacaron su música de los esquemas de la escuela de arte para acercarla al baile. La noche que Cindy Ecstasy llevó a Almond a Danceteria por primera vez, lo introdujo también en una nueva sustancia recreativa llamada MDMA, de ahí su mote y sus posteriores colaboraciones con el dúo.

En aquel momento se había acuñado la etiqueta mutant disco, que acogía cualquier tipo de forma musical, ortodoxa o no, siempre que tuviera una base rítmica que incitara al baile. Una tendencia que acuñó y definió el sello ZE, que lo mismo fichaba a Lydia Lunch y Suicide que a Kid Creole & The Coconuts y Was (Not Was), patronos de la mezcla total de estilos. Suya es la canción Out Come The Freaks, incluida en Danceteria, el nuevo álbum de Soft Cell (terminó de grabarse antes de la muerte de Dave Ball), que también es un regreso a aquellos primeros años de vertiginosos descubrimientos. Su versión tiene como vocalista invitada a Nona Hendryx, excomponente de Labelle. Hendryx inició una carrera en solitario a principios de los ochenta y sus maxi-singles formaron parte de las sesiones del club neoyorquino.

Anita Sarko fue otro de los personajes fundamentales en Danceteria. Almond la menciona en la canción homónima de Soft Cell: “Le dije a Anita: Ponme lo que quiero escuchar / Ella dijo: Cariño, no soy una DJ, soy una especialista en crear atmósferas”. Natural de Detroit, Sarko fue locutora de radio hasta que la despidieron por negarse a poner a Barry Manilow. Consciente de que era demasiado mayor para radiar la nueva música que le gustaba, se marchó a Nueva York a probar suerte y, gracias a su amigo Fred Schneider (vocalista de B-52's), entró en el Mudd Club. “Me di cuenta de que era mejor que el DJ que tenían contratado y decidí demostrarlo —contaba en el libro New York Noise—. Has de ser así de arrogante e ignorante para hacer realidad tus sueños, ¿verdad?”.

Su eclecticismo cuando se plantaba ante los platos (en una misma noche mezclaba a Bo Diddley, Bush Tetras, Parliament, Esquivel, Blondie, Aretha Franklin, The Cramps y Marianne Faithfull) la hizo célebre, así que cuando el Mudd Club cerró, la ficharon para Danceteria. Allí, además de poner música, organizaba las fiestas temáticas No Comprendes, uno de los grandes reclamos del establecimiento. Para estos menesteres trabajaba junto a Haoui Montaug, uno de los porteros del local, al cual el periodista Michael Musto describía en un reciente artículo de Vanity Fair como “un intelectual, nada que ver con la típica mole a tope de esteroides” a los que se asignan estos trabajos. A Monatug se le atribuyen hitos como la ausencia de racismo a la hora de permitir la entrada de público al local y que en varias ocasiones le negara el acceso a Donald Trump.

Que dos personajes tan distintos como Madonna y Marc Almond se sintieran como en casa en el mismo establecimiento explica muy bien lo que era Danceteria. Un punto geográfico de Nueva York donde la diversidad y el gusto por la aventura iban de la mano, y que sería todo un referente para locales como The Haçienda, según reconoce el propio Peter Hook (Joy Division /New Order), uno de sus fundadores.

Allá van algunos ejemplos. El DJ Bill Bahlman era cofundador del 99 Records, la independiente a través de la que él y su hermano Ed publicaban a Liquid Liquid, ESG y Glenn Branca. Fuera de la cabina, Kamins alternaba remezclas de baile para bandas como Bow Wow Wow con producciones para artistas de vanguardia como Elliott Sharp. La performer y poeta Karen Finley actuaba con frecuencia en No Comprendes, donde también dieron conciertos 3 Teens Kill 4, el grupo no wave del cineasta y activista David Wojnarowicz. Y fue precisamente Danceteria el club al que Lydia Lunch le vendió un acontecimiento irrepetible. Durante dos noches de 1983, coincidiendo con Halloween y bajo el nombre de Immaculate Consumptive, cobró forma una colaboración única: Nick Cave, que comenzaba su carrera en solitario, Marc Almond, el músico industrial Clint Ruin (conocido como Foetus, que inspiraría tanto a Depeche Mode como a Ministry y Trent Reznor) y la propia Lunch. Para la ocasión, Cave estrenó su versión de In The Ghetto, Lunch y Ruin versionaron a Alice Cooper y Almond dio rienda suelta a su faceta como baladista gótico. Un acontecimiento tan glorioso como caótico.

“En la era del conservadurismo de Thatcher en Inglaterra y Reagan en Estados Unidos —reflexionaba Marc Almond en Vanity Fair—, Danceteria fue una isla, un lugar en el que podías expresarte fueras quien fueras, fuera lo que fuese aquello que quisieras hacer”. Haría falta un libro entero para poder contar bien esta historia, así que ojalá llegué a buen puerto el proyecto que prepara Rudolf Piper, el avispado empresario que hizo posible aquella locura y que muy acertadamente definió su invención como “el supermercado del estilo”.

“Tía, que lo ha subido A24, ¿pero esto qué es?”. Así reacciona Cecilia Soto cuando su amiga Elsa Moreno le enseña un vídeo que acaba de recibir por Instagram. Las dos están a punto de entrar a una reunión en La Casa Encendida cuando un fan les manda unas imágenes a las que ninguna de las dos dan crédito: Robert Pattinson, uno de los actores más reconocidos de Hollywood, lleva una camiseta tematizada de Las Petunias, el grupo de punk-pop que ambas conforman junto a Natalia Montes desde 2020. Ambas se ponen a dar “botes de alegría”, recuerda Moreno, y tienen que aguantar toda la reunión hasta que finalmente salen del edificio, se reúnen con su equipo e investigan la historia detrás de la camiseta.

Aunque al principio dudaban de si era real o no, porque “obviamente no te puedes fiar de nada”, según explica la artista a elDiario.es, no tardan demasiado en descubrir que el vídeo es auténtico. Sin embargo, aquella camiseta no forma parte del merchandising oficial de Las Petunias, ni siquiera el color o el diseño había sido utilizado por el grupo. Durante días barajan las posibilidades que podían haberse dado para que Robert Pattinson esté haciendo promo de su nueva película con la productora A24, Primetime, con una prenda tematizada de la banda. Pese a que no consiguen ponerse en contacto con el equipo del actor, acaban descubriendo que la camiseta se vende desde una marca extranjera.

El precio de la prenda es de 80 euros y al principio contemplan la opción de denunciar, pero sucede algo que las lleva a cambiar de opinión. “Fue el día en el que desahuciaron a Maricarmen, así que se nos hacía bastante distópico que muchísimos medios nos estuviesen dando voz por esta tontería”, reconoce Elsa Moreno. “Pensamos: 'Mira, si se le está dando voz a la camiseta por ese diseño, lo mínimo que podemos hacer es fabricar nuestras camisetas y donar el dinero recaudado al Sindicato de Inquilinas”, cuenta. La propuesta, ya cerrada, ha tenido un éxito descomunal: la camiseta inspirada en la que llevó Robert Pattinson costaba 14,99 euros y ha vendido más de 4.000 unidades.

El grupo, además, acudió a la acampada de la Puerta del Sol de Madrid, donde la gente lleva días manifestándose por el derecho a la vivienda, después de que el Sindicato de Inquilinas organizara una convocatoria cultural para que actuaran cantantes en lo que se acabó denominando Fuck Rent Fest. “Fue algo superimprovisado”, cuenta Moreno sobre su concierto, una experiencia que describe como “bonita y agridulce”. “Al final estás ahí por el sufrimiento de Maricarmen y de toda la gente que tiene problemas similares y sin medios para quejarse de que les hayan desahuciado, ya que hay un problema muy gordo que afecta a derechos fundamentales y básicos de las personas”, reflexiona la artista.

Aun así, declara que “es muy emotivo ver cómo hay una concentración grande de personas que están unidas por la causa, que están creando revolución, que están literalmente haciendo historia de España”. “Fue un momento especial al sentir que puedes aportar algo a un movimiento tan importante”, señala la guitarrista. “Empatizamos con todo el mundo, dos de nosotras seguimos en casa de nuestros padres, que también es por el problema de la vivienda, aunque tenemos la suerte de tener un respaldo. Es algo tan universal que no puedes ni pensar en no hacerlo. Como artistas valoramos un montón el tener un altavoz y medios de convocatoria para reunir a gente y magnificar el movimiento”, agrega.

La actuación de Las Petunias en la Puerta del Sol tuvo un cambio que no estaba previsto. Durante la canción Marcelo Criminal, una versión del rapero Jarfaiter a la que le cambiaron la letra cuando la grabaron, modificaron también el nombre del estribillo para cantar Ayuso Criminal en lugar de Marcelo Criminal. Cecilia Soto confiesa que incluso la regañaron en casa por esa decisión, pero no se arrepiente. “Si me acarrea consecuencias es una barbaridad”, asegura. Además, subraya que “la libertad de expresión es igual tanto para artistas como para todo el mundo”: “Nuestra libertad de expresión como banda va mucho más allá de que nos ofrezcan un bolo o no nos lo ofrezcan”.

“Si el Ayuntamiento de Madrid nos quiere ofrecer unas fiestas, lo haremos con gusto. Si no, pues no pasará nada y seguiremos diciendo lo que nosotras creamos que tenemos que decir”, comenta Soto, que asegura que prefieren asumir el coste antes que comportarse como “una marioneta” que se calla para mantener contratos. “¿Qué sentido tendría formar parte de un movimiento y no mojarte?”, plantea. Aun así, apunta que no son “nadie” para decirle a otros artistas si deben posicionarse: “Cada uno que se vaya a dormir por la noche sabiendo lo que ha hecho y con su conciencia. Cada uno sabrá dónde estuvo en los momentos históricos y si estuvo donde había que estar”.

La relación entre música y política no es algo que hayan incorporado ahora. Cecilia Soto cuenta que, para ellas, ambas cosas siempre han ido juntas porque su propia vida está atravesada por decisiones y problemas colectivos. “Nunca hemos entendido el arte sin la política”, afirma, detallando que han sido estudiantes en la universidad pública, han acudido a manifestaciones desde adolescentes y entienden las canciones como una extensión de lo que les sucede fuera del escenario. “Nuestra música es un reflejo supertransparente de nosotras mismas”, resume la artista, que enfatiza que la “mera existencia es política”.

De hecho, Las Petunias reivindican la necesidad de dar visibilidad a espacios culturales, sociales y vecinales en los que no hay que gastar dinero para participar en la vida de la ciudad, como el Eko de Carabanchel o La Enredadera. “La mejor manera en la que sobrellevamos la gentrificación es manteniéndonos cerca de la gente que está en el lado bueno de la historia y, sobre todo, buscando esos planes, esos sitios alternativos”, explica Soto, que sostiene que buscar lugares gratuitos o colectivos sirve como una “especie de respiro frente al turbocapitalismo”. “Hay miles de sitios que ofrecen fiesta, reflexión, tarde de juegos de mesa y muchas alternativas al capitalismo”, indica.

La velocidad que exige actualmente la industria musical tampoco va con la banda. Publicó su disco debut Creo que soy de porcelana a finales de 2024, y desde que lanzara su EP Ahí te pudras, maldita el año pasado no ha vuelto a sacar ninguna nueva canción. Elsa Moreno explica que dentro de su sello conocen las reglas que pueden ayudar a que una canción funcione, pero valoran poder decidir cuándo publicar cada cosa. “El arte es muy orgánico y una canción sale cuando sale”, apunta. En una industria que describen como “una fábrica y una máquina de sobreproducción”, prefieren esperar a sentirse preparadas antes que lanzar canciones “como churros”. Para ellas, esa lentitud también forma parte de proteger la música de las presiones externas.

La camiseta de Robert Pattinson ha colocado a Las Petunias ante un escaparate enorme, pero Moreno insiste en que el éxito del grupo no se entiende en términos de oyentes o conciertos, sino en la creación de “vínculos con gente” y en comprobar que las canciones sirven para conectar con personas que comparten preocupaciones. “Hemos crecido con conciencia social y vamos a seguir viviendo con conciencia social”, afirma la artista. El próximo paso será un disco previsto para principios de febrero de 2027 que, según adelantan, llevará todavía más lejos ese cruce entre experiencias personales y posicionamiento político: “Trata sobre las cartas que nos escribiríamos a nosotras mismas en el fin del mundo, porque el fin del mundo está muy cerca, al menos el fin de las sociedades buenas”.

Antes de que comenzara el concierto de Placebo, la advertencia de las pantallas parecía solo una petición amable. Luego, bajo la amenaza de los lacerantes focos en la cara del personalidad de seguridad, se vio que era obligatorio: móviles no.

“Recordarás el momento, no la grabación. Mejor sin tu móvil. Placebo. Compartamos esto juntos”. Ese era el mensaje que el grupo de Brian Molko y Stefan Olsdal proyectaron a sendos lados del escenario antes de dar inicio a su actuación en el Palacio de los Deportes - Movistar Arena de Madrid este jueves.

Un gran telón blanco cubría el escenario. Sobre él, se proyectaron las imágenes que, como palabras de un hechizo, abrían una puerta mágica a 1996, año en el que se publicó el primer disco homónimo del grupo formado en Londres dos años antes, en plena explosión mundial del indie y el rock alternativo. “El presente es pasado”, se lee en inglés con letras arrugadas sobre los pliegues de la tela blanca. Y se funden los números 1996 con 2026, al igual que a lo largo de la noche se fundirían los Brian Molko y Stefan Olsdal de entonces con los de ahora.

Deformado por las ondulaciones de la tela aparece David Bowie, lo cual desata un estallido de reconocimiento entre el público. Bowie es Dios prácticamente en todos los foros y en todas las religiones. Una de las virtudes de Brian Molko a lo largo de su carrera ha sido la de arrimarse a las personas adecuadas, quizás en busca de cierta bendición. Molko ha sido de los que han dicho: si se va a reconocer a quién copio, al menos que se entienda como homenaje.

En 1997, Placebo fue uno de los grupos tocados de la mano de Dios, es decir, de los amigos invitados al 50 cumpleaños de David Bowie en el Madison Square Garden. La línea de sucesión se reafirmó con la ceremonia de confirmación, cuando salieron juntos cantando en los Brit Awards la canción de T-Rex 20th Century Boy. Una vez más, y como veremos esta noche, se trata de reafirmar la genealogía y rendir un tributo al lugar y al tiempo del que venimos.

Cuando cae la sábana blanca, comienza Pure Morning, el single de su segundo disco. En esta gira se celebran los 30 años de la banda británica, que pasó de trío a dúo, tocando solo canciones de los dos primeros discos (Placebo de 1996 y Without You I'm Nothing de 1998), además de un par de versiones y una canción nueva que en cierta forma es vieja.

“Os queremos mucho, Madrid”. Así, en castellano, se dirige Stefan Olsdal a la audiencia que abarrota el Palacio. A Stefan le hemos enseñado a hablar español en las noches de Madrid. Al principio, su presencia era algo excepcional: “¡Está el bajista de Placebo!”, decía alguien al verle aparecer en cualquiera de los clubes habituales de la escena indie y dark de la ciudad. Después, Stefan era uno más. Y cuando formó el grupo con músicos españoles Hotel Persona y colaboró con Digital 21, ya fue totalmente uno de los nuestros. “Gracias por vuestro apoyo en estos 30 años. Hagamos un poco de ruido, ¿no?”, dijo justo antes de interpretar Bionic.

Y sí, lo que parecía una recomendación se evidenció como una obligación: los móviles estaban prohibidos. Personal de seguridad armado con potentes linternas iluminaba la cara del que veían enfocando al escenario. Incluso penetraban entre la masa del público de la pista para acercarse a cualquier luz que asomara entre la masa. Poco a poco, todo el mundo obedeció. Antes de acometer Whitout You I'm Nothing, Brian Molko comenzó a explicar, primero en español y luego pasándose al inglés, por qué no quería ver móviles entre el público: “No teníamos putos móviles en 1996”, dijo. Por ser polite, añadió: “Agradezco tu comprensión” y “gracias por tu cooperación”, pero luego, un mucho más tajante: “Guarda tu móvil o vete”. Y, por si no había quedado del todo claro: “Yo lo veo todo desde aquí, así que recibiréis una advertencia de mi parte”. Y efectivamente, Molko no se cortó en señalar con su dedo índice estirado, sin dejar de cantar, cuando veía un móvil entre el público.

La lucha de Placebo contra los móviles no es nueva. En la gira de 2022, teléfonos, relojes, cámaras y cualquier otro cacharro grabador se metía dentro de una bolsa que no podía abrirse hasta la salida. Según ellos, el objetivo era “vivir el momento”. Ahora, parece que el público no necesitaba medidas tan coercitivas, y lo cierto es que, mientras transcurría el concierto, comenzaban a verse las diferencias.

Primero: es verdad que parecía 1996. Sin los móviles, vuelve a haber brazos arriba, cabezas moviéndose, cuerpos bailando y sin duda una mejor visibilidad del escenario. Segundo, vuelven los aplausos. De unos años para acá, es evidente que cada vez se aplaude menos en los conciertos. No se puede saber si este fenómeno se da porque el gesto está dejando de significar como reacción sonora de agradecimiento hacia el artista, o porque el público tiene una mano ocupada sujetando el móvil. Sin datos científicos con los que llegar a una conclusión, lo cierto es que bajo el estricto régimen de Placebo, volvieron a sonar los aplausos con volumen.

Además de momentos de éxtasis como los vividos con una inmensa interpretación de Lady of Flowers y, por supuesto, Nancy Boy (aunque más controvertida fue una nueva versión ralentizada de 36 Degrees), como novedad no estrictamente de este regreso al pasado se encuentra una canción nueva, HELEN KELLER, que en realidad tiene algo de vieja. Titulada como una activista sordociega estadounidense (“una de mis personas favoritas de la historia”, dijo Molko en una ocasión), no es una canción que pase a la historia, pero su curiosidad reside en estar inspirado en el instrumental oculto del primer disco, H.K. Farewell.

Tras la despedida para el bis, el concierto culmina con un final apoteósico gracias a un hit que siempre hará enloquecer a sus fans —o a cualquiera que haya salido, bebido o amado a finales de los 90— Every You Every Me, seguido de dos versiones, que nos llevan al tema del principio de esta cróncia: reconocer el homenaje, de donde viene uno, a quien admira, hacia donde se quiere dirigir.

Para esta misión, Placebo ha elegido su versión de Depeche Mode I Feel You, del disco que más cercano les resulta en la carrera de los de Basildon (Songs Of Faith And Devotion, de 1993), durante la que Molko pretende bailar como Dave Gahan pero no le acaba de salir de todo, y una Running Up The Hill (A Deal With God) de Kate Bush (1985) ejecutada con menos suerte. Quizás ahora resulta más obvia, pero Placebo lleva versionando esta canción desde 2003 y es probable que después de Stranger Things este tema tenga ya otros matices, pero no pierde nunca esa inmensa carga de melancolía que tan bien le viene al grupo para despedir un concierto que es, sobre todo, un viaje al pasado, un broche, un ouroboros, una forma de decir que, porque fuimos somos, y porque somos, seremos.

“Alquilaré una limusina y allí pondré canciones tristes”, avisa la banda Arde Bogotá en Antifiesta, una de las canciones de su nuevo disco, Manufacturas del club de la gente sola, que verá la luz este viernes. El mismo día que los decretos de vivienda propuestos por el Gobierno para ofrecer más protección a los inquilinos tras las protestas por el desahucio de Maricarmen, pasará por el Congreso. “Necesitamos que la clase política de un paso adelante y resuelva el problema del derecho a una vivienda justa”, reclaman al respecto.

El nuevo disco de Antonio García (voz y guitarra), Dani Sánchez (guitarra), Pepe Esteban (bajo) y Jota Mercader (batería) les ha quedado “más triste y más profundo”, fruto de la mirada “hacia dentro” con la que han compuesto las canciones. Temas que, a su vez, han bebido de todo lo que viene de “fuera”; de asuntos como la precariedad, el desamor y la desesperanza en el futuro que también han impregnado sus letras. “Ha sido sin querer, estamos bien”, bromean.

¿La música puede ser un remedio para la soledad del club que da título a su disco?

Antonio García: Vivimos en una realidad hiperconectada y, sin embargo, este un momento humano de mucha soledad, de mucha soledad indeseada, y de mucha gente que se siente muy desconectada del resto a pesar de que las herramientas para la conexión son mejores que nunca.

Jota: La música puede ser remedio y puede ser acompañante. A todos nos gusta cuando estamos tristes ponernos una canción en el coche que nos haga estar más tristes, o envuelva nuestra tristeza. Eso mismo también puede ser un remedio.

Van a presentar el disco en una gira de salas, sus 'Hervideros', en la que la compra de entradas en exclusivamente en taquilla. ¿Por qué decidieron hacerlo así? ¿Qué expectativa tienen?

Dani Sánchez: Queríamos presentar el álbum en salas. Analizando lo que habíamos anteriormente y la cantidad de gente que viene a los conciertos, pensamos que vender las entradas iba a ser una locura, y bastante injusto. El peor procedimiento es sacarlas online y que la gente se mate, creíamos que lo más justo era poner las entradas en taquilla y que quien de verdad quisiera ir, hiciera ese esfuerzo.

Sabemos que es muy difícil porque mucha gente trabaja, pero la que más anhelaba estar en ese concierto iba a ser la que se pusiera a la cola y apreciara el momento de estar con más fans y comprar ese ticket físico.

AG: Una de las mejores cosas que nos llevamos de esto es haber generado algo de comunidad. Nos han contado que la gente que estuvo se puso cara, se hicieron amigos y quedaron para ir juntos.

Añadían la limitación de dos entradas por persona, entiendo que para evitar la reventa, algo que el público sufrimos desde fuera. ¿Cuánto les preocupa desde dentro?

DG: También somos consumidores de música y de conciertos, y hemos estado en ese otro lugar. Seguramente esto no sea la solución de nada, y no sabemos quién tiene la llave para solucionarlo. Tampoco sé si somos los máximos responsables de solucionar el problema, pero cada artista que ponga un grano de arena o intente girar el volante hacia una dirección que no sea la que ya conocemos y que es injusta; aporta algo nuevo, descubre algo nuevo y agita el avispero para que todos seamos conscientes de que hay que cambiar la reventa de bots.

¿Lo hablan mucho entre compañeros de otras bandas y artistas?

AG: Sí que hemos recibido palabras de aliento de otros compañeros. Supongo que a alguno no le habrá parecido nada bien y nos lo dirá cuando nos vea. Tampoco existe una organización tan clara de los músicos, aunque podría.

Depende de que lo pongan en marcha, ¿no?

J: Sí. Sería interesante tener una organización del mundo de la música que pudiera hacer frente a tiqueteras, a lugares de reventas donde las prácticas son abusivas en cuanto a poner el precio de la reventa, verificar que esas entradas sean reales o cuánto antes puedes poner unas entradas en reventa.

No es lo mismo hacerlo al día siguiente de comprarlas que un mes o una semana antes, que de ser así sabes que es porque esa persona no va a poder ir. Es unirse y establecer una serie de estamentos que puedan regular, y sobre todo que llegue al público y puedan tener una guía de las prácticas que se llevan a cabo, de lo que ocurre en la reventa. Decir qué es lo que hay que evitar y cuáles son las red flags. Todo es empezarlo.

Los músicos deberíamos estar organizados para poder hacer frente a tiqueteras y lugares de reventa

Jota — Batería de Arde Bogotá

¿Y por qué querían hacer la gira en salas?

Pepe Esteban: Es volver un poco a ese momento cercano con la gente que pasas como banda antes de llegar a un escenario muy grande. Ese estar en una sala, ver a una persona delante de tí y ser capaz de reconocer el espacio en su totalidad. También, dentro de la sala, hay algo vibrando distinto a un festival. La gente que va a una sala va a verte a tí. En un festival también puede ver a otras personas, puede ser un recinto grande que tú haces y todo el mundo vaya a verte a ti, pero es distinto. Está todo mucho más condensado y es una energía distinta. Se palpa un calor diferente.

Hablan en otra de sus nuevas canciones sobre el consumismo. Pipiolas, que estuvieron en elDiario.es en verano, comentaban que tenían un debate entre concebir una canción como una obra de arte, pero que también puede ser un producto, porque en cierto modo la música la escuchamos, pero también la consumimos. ¿Ustedes qué opinan?

AG: Hay una parte de lo que hacemos que inevitablemente entra dentro del juego de un mercado, y por eso le llamamos industria. Pero concretamente la canción, no, porque yo cuando escucho una no siento que la consuma, siento que la escucho. La disfruto como cuando miras un cuadro.

Evidentemente, cuando pagas un dinero por escucharla, porque compras un álbum o pagas una suscripción, entras en el juego de un mercado, pero si el álbum es tuyo, ya lo pagaste y estás rompiéndolo en la minicadena de tu casa, yo creo que ahí aparece una experiencia que está casi desligada de lo que se consume y está todo en lo que se experimenta, lo que se siente o se disfruta. Ese es el último reducto que queda de la experiencia artística que hay en la música. El disfrute que tú tienes cuando ya no hay mercado alrededor.

J: Es verdad que si le das vuelta, hay que pasar obligatoriamente por el paso del consumismo antes de que pierda esa etiqueta y pase a ser un ente exclusivamente artístico, lo cual puede generar un debate ideológico.

AG: También creo que la mayoría de las canciones, al menos las nuestras, no las creas como un producto, sino como experiencia creativa, un gesto de comunicación. Luego sí que tiene que pasar por el yugo de convertirse en un producto y algo que puedas publicar, envolver en una campaña de marketing, etc. Pero el origen de eso no estaba destinado a venderlo. Solo era algo que querías compartir, que querías sacar de ti. De hecho, creo que si hiciéramos las canciones pensando en que nos dieran mucho dinero, nos saldrían fatal, rarísimas.

El disco sale en la misma semana en la que se va a llevar al Congreso el decreto de vivienda, con cientos de acampados en Sol, en la que hemos visto a mucha gente joven protestando. Como músicos y ciudadanos, ¿cómo se sienten respecto a lo que está sucediendo?

AG: Absolutamente interpelados como generación, como chavales de treinta años. Es la realidad de la mayoría de nuestros amigos. Tenemos el deseo absoluto de que cambie la sociedad y de que esto sirva para que la clase política dé un paso adelante y resuelva un problema estructural y terrible de nuestro país, que es el acceso a la vivienda, el derecho a una vivienda, y una vivienda justa. A ver si es posible y el viernes celebramos dos cosas.

J: No solo hay que sentirse orgulloso de la ciudadanía que ha salido a expresarlo con tanto ahínco, unidad y colaboración en Madrid. Ha habido manifestaciones en casi todas las ciudades de España. Se nos olvida que la presión también viene de la periferia, no solo de aquí.

¿Han notado muchos cambios dentro de la industria desde que empezaron? En cuanto a la presión por sacar canciones cada vez más rápido o tener que estar en todos los festivales posibles.

DG: La tuvimos. Sí que recuerdo la época en la que estábamos en los carteles de todos los festivales y había que tomar una decisión sobre si seguir estando o no, o tomarnos nuestro tiempo para hacer las cosas que queríamos hacer, tanto discos como conciertos propios. Quizás ahora la presión es más esperar a ver cómo recibe la gente el álbum.

¿Se sienten en una posición privilegiada en la que se han podido librar de situaciones que otros compañeros no?

Jota: Sí. Es un privilegio porque hemos pasado por todos los pasos, muy rápido. Al haber ido tan bien el disco anterior y haberlo girado tanto, llega un punto en el que en realidad ya no te queda más por girar en el circuito. Ahí empezamos a crear nuestro propio show para pasearlo, y que sea un sitio grande, que venga mucha gente. Eso nos pone en una situación muy privilegiada porque podemos hacer esos shows, nos puede ver mucha gente en muchos sitios del país, incluso llevarlo fuera; y nos permite no estar sujetos a tener una ansiedad por el número y cuáles festivales estamos. Eso es un privilegio.

Poder hacer tus propios shows y no depender de un festival te quita de preocupaciones y te otorga más tiempo para poder hacer las cosas con calma y tranquilidad. Lo que pasa es que hay un proceso en el cual muchas bandas se ven con mucha cantidad de las dos cosas. De sus propios conciertos, la posibilidad de perder pasta, el ver cómo lo haces con las salas, lo que te cobran las salas, con qué otras bandas te vas a juntar para que salga más o menos rentable. Que es lo que nosotros hemos hecho toda la vida, tanto en Cartagena como en Madrid. Ver en cuántos festivales tenemos que meternos, no solo para llegar a más gente, sino también para aguantar económicamente el proyecto. Nosotros en ese aspecto somos privilegiados.

Vídeo de la entrevista completa