Diane Kruger fue la gran estrella del reciente South International Series Festival 2025, celebrado en Cádiz y al que acudió verTele. La actriz alemana presentó su nueva serie Pequeños desastres, que llega a España este jueves 23 de octubre a través de HBO Max, plataforma que logró que estuviese en el evento dándose un baño de masas en la premiere en el Gran Teatro Falla, y atendiendo a la prensa tanto en entrevistas como en una rueda de presentación.

Pequeños desastres adapta la novela homónima de Sarah Vaughan, que ha participado en la producción de esta serie de seis capítulos tras el éxito de la adaptación de otra obra como Anatomía de un escándalo. En la rueda, Vaughan reconoció: “El thriller me permite explorar temas sabiendo que habrá una resolución, algo redentor”, y pese a aclarar que no escribe “con intención terapéutica”, sí confiesa que le ha “ayudado a explorar los aspectos más oscuros de la vida”.

Si en Anatomía de un escándalo, explica: “Me di cuenta de que estaba procesando una agresión sexual que sufrí cuando tenía 20 años”, en Pequeños desastres hay otro drama de fondo: “Sí sabía que sería un thriller psicológico, pero no comprendí hasta el final que estaba escribiendo sobre un periodo oscuro de mi vida: sufrí lo que ahora llaman 'TOC perinatal', una especie de locura maternal que viví tras el nacimiento de mi segundo hijo”.

La serie se centra en la amistad de una década entre Jess (Diane Kruger), Liz (Jo Joyner), Mel (Emily Taaffe) y Charlotte (Shelley Conn), cuatro mujeres embarazadas que se conocen en una clase de preparación al parto y que, aparte de la fecha prevista para dar a luz, no tienen nada en común, pero se han apoyado mutuamente durante todo el proceso de la maternidad. En el centro del misterio se encuentra Jess, una madre ama de casa aparentemente perfecta cuyo mundo comienza a desmoronarse cuando lleva a su hija al hospital con una herida en la cabeza que no se explica, y por la que su amiga Liz, doctora de guardia, debe avisar a servicios sociales.

Justo esos ingredientes son los que más atrajeron a Diane Kruger. Sobre la maternidad, “el estrés, el cambio en tu relación, la culpa que sientes”; sobre “los diferentes tipos de crianza que enfrentas”, y también sobre la compañía y el acompañamiento con otras madres que se convierten en amigas: “Intenté incorporar al papel mi realidad sobre lo que significa estar en un grupo de madres, cómo nos ayudamos mutuamente en esa comunidad”, como con su pareja y los hombres. Y destaca la forma de representarlo, pese al dramatismo: “Lo que me gusta de la serie es que no señala a nadie. Todos los personajes son muy cercanos”.

Para preparar esta cobertura, verTele y los periodistas pudimos ver los dos primeros capítulos de Pequeños desastres, en los que la serie se presenta como un thriller de verdadero nivel, intensísimo, y centrado en lo humano. La ficción no, como destaca Kruger, pero el espectador sí juzga a sus protagonistas, aunque la serie logra que nuestra sentencia varíe según se desarrollan los sucesos y vamos conociendo más sobre cómo han evolucionado las relaciones a lo largo de los años. “Creo que las mujeres se enfrentan a muchos prejuicios porque es algo muy femenino. Y creo que muchos hombres se sienten excluidos, no saben cómo abordar el problema. Me pareció muy interesante por eso”, defiende Kruger.

Sobre su propio personaje, el razonamiento que realiza la actriz le hace llegar a la principal base de la historia: “Aparte de la depresión, siente vergüenza y es incapaz de pedir ayuda, aunque estoy segura de que de alguna manera podría. Su marido está ahí, dispuesto a ayudar. Esa culpa personal que sentimos las mujeres por estar abrumadas, es lo que más me conmovió”.

“Las mujeres son capaces de lo mejor y de lo peor entre ellas”

Diane Kruger incide en que “una de las cosas más poderosas del libro es cómo nos juzgamos a nosotras mismas, y cómo otras mujeres nos juzgan aún más”. Y celebra que se haya trasladado a la serie: “Esos conflictos son muy evidentes. Y son muy realistas. Creo que las mujeres son capaces de lo mejor, así como de lo peor entre ellas. Sobre todo cuando se convierten en madres. Lo veo todos los días, el juicio es real”.

La actriz concuerda en que la sociedad actual tiene parte de la culpa: “Se espera que las mujeres lo hagan todo y se esfuercen: ser madres, tener una carrera, tener el marido perfecto, el jardín y la casa”. Su personaje sirve de ejemplo para muchas mujeres y madres que parecen cumplir ese cliché de perfección, pero que son humanas como todos los demás: “Esa imagen que le gusta proyectar se está desmoronando, y la vergüenza que siente es muy intensa. Es muy triste que no se sienta cómoda pidiendo ayuda ni admitiendo que está abrumada. Y creo que muchas mujeres están pasando por eso. La vulnerabilidad es difícil, y esta serie la representa con honestidad. También refleja lo importante que es la comunidad: las amigas, otras madres que te apoyan. La maternidad no se puede vivir sola”.

La sororidad se convierte en una salvación. Ella misma la sintió en el rodaje: “Hubo mucha solidaridad femenina en el set”, celebra, pese a explicar que ella tuvo más difícil hacer piña con el resto porque tenía que rodar más tiempo. Aún así, Diane Kruger destaca que todas y todos “fueron muy, muy amables” con ella, y al ser preguntada por la conexión especial con el personaje de Jo Joyner (Liz, la doctora) elogia a su compañera: “Además de ser una gran actriz, fue un gran apoyo emocional durante este proceso tan exigente”.

Sobre ese contrapunto de madre aparentemente perfecta pero que parece ocultar algo, y doctora que debe anteponer su trabajo a lo personal, la autora Sarah Vaughan aclara: “Espero no estar demonizando a los servicios sociales. Espero mostrar a profesionales que tienen que cumplir con su trabajo”. Su intención es plasmar cómo los servicios públicos de salud “tienen trabajadores sobrecargados que no pueden captar las señales. Y creo que todos, por difícil que sea para madres como Jess, preferiríamos una sociedad donde los trabajadores sociales estuvieran ahí para proteger a los niños y que no sufrieran daños”.

“Me encantaría hacer una comedia”

Diane Kruger, pese a su larga y exitosa trayectoria, no esconde que el rodaje de Pequeños desastres fue especialmente intenso para ella. Más allá de por la enorme carga dramática de su personaje, porque empezaron a rodar cuando todavía no tenían todos los guiones, y durante las grabaciones “cambió constantemente. Cada día había como mil incendios que apagar”.

Algo que normaliza, en base a su experiencia, pero dejando claro que ha sido “mucho más que en una película”, también por la forma de rodar series: “No grabamos episodio por episodio, lo cual lo complica todo. Porque grabas el episodio seis el segundo día, y luego vuelves al primero. Así que además de lo que tienes que interpretar, es un gran reto mental” al tener que gestionar esos cambios emocionales del personaje. Por todo ello, agradece que la autora también estuviera en el rodaje.

Me sentí bien al retratar algo que considero verdadero

Diane Kruger

La actriz cuenta que su carga de trabajo fue importante, grabando “unas diez páginas al día” y teniendo que aprender “muy rápido”. Y bromea: “No es un proceso fácil, todos los días. No tuve mucho tiempo libre”. El resultado, pese a tener que interpretar tanto peso dramático, le ha compensado: “No sientes que es una pérdida de tiempo. La primera impresión cuando leía los guiones no era muy buena, tenía que leerlos al llegar a casa y decir: '¡Qué día tan divertido voy a tener en el trabajo!'”, ironiza, y razona: “No son emociones de las más agradables. Pero me sentí bien al retratar algo que considero verdadero, y que no se aleja tanto de lo que siento. Tengo la suerte de no haber sufrido depresión posparto ni tenido pensamientos intrusivos, pero se acercan. Conoces esos sentimientos, están ahí. Y he tenido bastantes amigas que los han vivido. Así que también hablo de muchos de ellos, y eso te hace sentir bien”.

El papel le ha marcado tanto que ahora, cuando le preguntan por qué proyectos quiere afrontar, no duda: “Busco personajes femeninos verdaderos, reflejos de las mujeres que conozco. La industria ha cambiado mucho, y la televisión nos permite explorar personajes reales, sin estereotipos. Busco papeles con verdad”. No es su única lista de deseos: “Algo que no haya hecho antes. Por ejemplo, nunca he hecho una película en el espacio y ahora mismo estoy rodando una en España. Es divertidísimo, raro, pero divertidísimo. También voy a hacer una serie sobre política, e interpretaré a la esposa del presidente. Todavía hay muchas cosas que quiero hacer. Me encantaría hacer una comedia, pero nadie parece creer que pueda hacerlo”, bromea, señalando que no terminan de verle la vis cómica.

En esos planes de futuro, ya tiene dos pasos marcados: “Tengo una nueva serie que también se estrena en HBO Max en noviembre”, que en español se llama La marquesa de Merteuil y ya la promociona la plataforma, y “ahora mismo estoy rodando cine, pero creo que el año que viene haré otra serie en francés”. Instalada principalmente en Los Ángeles junto a su pareja, el también actor Norman Reedus (presente en el festival pero que no participó en él para dejarle el protagonismo a Kruger), también deja caer un importante cambio no sólo profesional, sino también vital: “Tenemos una casa en Francia, pero España se ha convertido en nuestro tercer hogar. De hecho, Norman está planeando mudarse aquí definitivamente”.

Diane Kruger no se opone, aportando también una explicación profesional: “Rodar en Europa es, en general, más íntimo: hay menos gente en el set, conoces los nombres de todos... se siente como una familia muy unida. En cambio, en EE. UU., los grandes estudios son impresionantes: entras a los lotes, te abren las puertas, tienes tu plaza de aparcamiento con tu nombre... pero allí todo se siente más como una industria, y tú eres sólo una pequeña pieza del gran rompecabezas. No es tan personal”. Veremos si Diane Kruger y Norman Reedus, que tras rodar su docuserie en España también hace lo propio con The Walking Dead: Daryl Dixon; acaban apostando por Europa y España, personal y profesionalmente.

Fernando Tejero atraviesa el mejor momento de su carrera, y desde fuera -de los que nos acercamos a él para entrevistarle, como en esta ocasión- también de su vida. Profesionalmente, llega al South International Series Festival para promocionar Nails, su nueva serie que se estrena en SkyShowtime este lunes 6 de octubre, encadenándolo con el rodaje de otra ficción y con la promoción de su reciente película El Cautivo, a las órdenes de Alejandro Amenábar.

Personalmente, a sus 60 años se le ve más a gusto que nunca consigo mismo, y capaz de manejar el privilegio que supone que los proyectos se te amontonen y puedas elegir. “En cuanto sienta que me he cansado de hacer el personaje, pues haré lo mismo que con La que se avecina: habrá terminado y ya está”, explica con sencillez, dejando claro que esa comedia aún tiene recorrido, pero que él ya no se lo veía al personaje de Fermín. “Intentaré no volver a estar en una serie tan longeva”, resume evidenciando sus ganas de experimentar y probar distintos proyectos, sin alargar más de 2-3 temporadas su paso por una serie.

En el caso de esta nueva comedia, su personaje queda supeditado como a un segundo plano porque las protagonistas son cuatro actrices: Cristina Castaño, Marimar Vega, Gracia Olayo y Teresa Cuesta, y la trama principal gira en torno a cómo esas cuatro mujeres se unen en un salón de manicura y deciden revolucionar sus vidas... y las de sus familias.

Tras años en los que el sector reclamaba que los personajes femeninos dejaran de estar supeditados a los masculinos, Fernando Tejero está lejos de posicionarse en contra de esta visión que a él podría perjudicarle, y defiende que aunque “lo ideal es que pasen las dos cosas, que tanto los hombres como las mujeres sean protagonistas”, series como Nails llegan en un momento perfecto encajadas en la revolución feminista de la sociedad: “Lo que ocurre es que durante muchos años ha pasado todo lo contrario, que todo ha sido para los hombres”.

El actor añade el machismo y la homofobia para defender que “hay que seguir luchando porque yo siento que de un tiempo a esta parte estamos como en retroceso”, y lamenta la politización y polarización: “Da pereza que todo tenga que pasar por el espíritu de la política”.

Hay que seguir luchando porque yo siento que de un tiempo a esta parte estamos como en retroceso

Fernando Tejero

En Nails eres un prota “como en segundo plano” por ser un personaje masculino. Tras años en los que hemos lamentado que los personajes femeninos estuvieran supeditados a los masculinos, ¿lo ves bien?

Lo ideal es que pasen las dos cosas, que tanto los hombres como las mujeres sean protagonistas. Pero es que no estaríamos hablando de esto si siempre hubiese habido igualdad. En este momento yo creo que está muy bien, porque llevamos ya mucho tiempo viviendo un movimiento feminista. No es que se estén cambiando las tornas, sino que antes había tan pocas mujeres directoras, tan pocos personajes para mujeres... y siguen habiendo pocos personajes para mujeres, sobre todo de una determinada edad.

Me parece bien que haya igualdad, que pase esto más veces, porque durante mucho tiempo ha ocurrido todo lo contrario. Debería de haber habido siempre las mismas oportunidades para las mujeres que para los hombres, en todo. Esto es así, y el que lo quiera ver que lo vea. Y por eso tenemos que seguir luchando, porque aunque hemos avanzado mucho, nos queda mucho camino que recorrer. Al igual que con el tema del machismo, con la homofobia... Hay que seguir luchando porque yo siento que de un tiempo a esta parte estamos como en retroceso. Así que hay que seguir alzando la voz y luchando por los derechos.

¿Por la igualdad de la mujer, en este caso?

No solamente de las mujeres, sino por los derechos en general. No creo en eso que ahora dicen de que “es que ahora parece que todo es para la mujer”. No, lo que ocurre es que durante muchos años ha pasado todo lo contrario, que todo ha sido para los hombres.

Estamos en un momento donde cualquier cosa que uno diga se politiza, es increíble

Fernando Tejero

Hablabas del machismo. ¿Crees que puede haber quien piense que Nails, por estar protagonizada por cuatro mujeres, es una serie “para mujeres”?

Es que las etiquetas... porque cuatro mujeres sean las protagonistas, no quiere decir que sea una serie para mujeres. Posiblemente con Machos Alfa no pase lo mismo, que yo creo que ha llegado a todo tipo de público. ¿Porque cuatro mujeres sean las protagonistas, tiene que catalogarse como una serie para mujeres? No, es una serie donde las cuatro protagonistas son mujeres, pero no es una serie para mujeres, es una serie para todos los públicos y que espero que llegue a todos los públicos. Y es triste que porque las protagonistas sean cuatro mujeres se cuestione si es una serie para mujeres exclusivamente. Es que es horroroso. Ahí es donde te das cuenta de que sigue habiendo machismo.

En la rueda de presentación también surgieron términos como 'feminismo' o 'política'. ¿Lo ves normal, o crees que surgen por la polarización en la que estamos?

Yo creo que es un poco por la situación en la que estamos, porque es cierto que todo se politiza, a todo se le ponen etiquetas, a todo se le ponen nombres, y yo creo que por eso uno siente la necesidad de aclarar las cosas. Sí, sin ninguna duda, estamos en un momento donde cualquier cosa que uno diga se politiza, es increíble.

¿Y eso asusta? ¿Provoca incluso auto-censura?

En mi caso sí, de verdad, porque nadie tiene que politizar algo que yo no he decidido que pase por el embudo de la política. Entonces, la verdad es que da un poco no de miedo, es como de pereza, de que todo tenga que pasar por el espíritu de la política. ¡Que no, que eso igual lo ha decidido usted, yo no!

Intentaré no volver a estar en una serie tan longeva

Fernando Tejero

Tras tantos años en La que se avecina, ¿te plantearías volver a tener un papel tan largo?

Hombre, lo ideal es hacer series que duren dos-tres temporadas, como mucho cuatro. Ojo, que yo no digo que La que se avecina haya acabado su recorrido. Yo me referí a mi personaje, porque sentía que lo que contaba ya lo había contado, que el personaje estaba ahí como en bucle, o al menos yo lo sentía así. Entonces me cansé, simplemente me cansé.

No sé si volveré a repetir eso, yo creo que no, porque las series ya no son tan longevas. Pero es que yo, aunque tenga dos temporadas, en cuanto sienta que me he cansado de hacer el personaje, pues haré lo mismo que con La que se avecina: habrá terminado y ya está.

¿Es también una forma de permitirte afrontar distintas cosas? Películas, teatro...

Es precisamente eso. Aunque yo incluso haciendo La que se avecina he tenido la suerte de poderla compaginar con cine, y hasta con otras series, con teatro... Intentaré no volver a estar en una serie tan longeva como esa, porque aun permitiéndote todo lo que a mí me han permitido, es cierto que siempre había problemas, por fechas. Lo mejor es poder hacer de todo y tener tiempo para todo.

Sinopsis de 'Nails'

Nails narra la historia de Lina, Vanessa, Irene y Marilís, cuatro mujeres de distinto estrato social y diferente edad que se conocen en un salón de manicura. Sus repetidos encuentros darán lugar a una curiosa amistad que las hará cómplices, hasta el punto de tomar la decisión de rebelarse contra su realidad y provocar un tsunami emocional en sus familias. ¿Qué ha pasado con la capacidad para elegir? ¿Son víctimas de lo que se espera de ellas? Este inconformismo, unido a un sentimiento de sororidad, también las empujará a ayudar a otras mujeres a resolver sus problemas.

Las cuatro mujeres protagonistas principales son Cristina Castaño, Marimar Vega, Gracia Olayo y Teresa Cuesta. La parte masculina del elenco la ponen Fernando Tejero, Javier Antón, Juanjo Cucalón y Raúl Mérida.

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Quizás ni te has enterado, pero Amazon Prime Video ha estrenado este viernes 26 de septiembre una nueva serie española, Romi. Además a cargo de Mediterráneo, la factoría de ficción del grupo Mediaset. Pero su tráiler no puede encontrarse en Youtube, no ha habido ninguna nota para anunciarlo y promocionarlo, ni tampoco hemos tenido acceso a fotos. Al menos este viernes sí aparece en el top-3 de recomendaciones de la plataforma. Pero sin duda, Prime Video ha tenido una curiosa manera de “promocionar” esta producción de Mandarina.

En verTele nos hemos “salvado” porque al menos sí tuvo presentación en el South International Series 2025, al que acudimos recientemente en Cádiz, donde el CEO de Mediterráneo y Telecinco Cinema Ghislain Barrois explicó la curiosa forma en la que había nacido el proyecto (adquirido de un programa de búsqueda de talento de showrunners, en este caso del joven creador Iker Azcoitia), y su difícil desarrollo (fue paralizado dos veces, y sólo el empeño del productor Santi Botello logró sacarlo adelante).

La ficción es un drama procedimental protagonizado por María Cerezuela en el papel de Romi, una detective que es sorda, y dirigido por Inés París. Y gracias a su presencia en el festival, pudimos hablar con la intérprete de 31 años que ganó el Goya como Mejor Actriz Revelación en 2022 y que afronta su primer papel protagonista en una serie: “Aprendí muchísimo, también la manera de conocerme como actriz”.

Hablamos con María Cerezuela para comprender el reto de interpretar a un personaje sordo, reconociéndonos que no ha podido tener referentes para prepararlo, y comparte su dulce visión de la interpretación desde el compañerismo (en esta serie, sobre todo con Edurne Azkárate) y el aprendizaje de 'los mayores', como ella se refiere cariñosamente a Elena Irureta, Asier Etxeandía y Natalia Millán: “El 50% de tu trabajo está en los ojos del otro compañero”.

¿En qué momento y de qué forma te llega la oportunidad de ser Romi?

Me llegó el casting, y te dan como una sinopsis muy chiquitina del personaje. Leí las separatas, y me pareció un proyecto en el que quería estar de cabeza, y también el personaje. Me parecía un personaje muy complejo ya en las separatas, que es muy poquito, y que estaba muy bien escrito, y lo quise hacer. Hice un casting, me cogieron, y directa.

Es también tu primer protagonista en una serie, tras hacer cine y mucho teatro. ¿Lo ves como una plataforma?

Es que no pienso tampoco mucho en la proyección que yo vaya a tener luego. Obviamente es algo que los actores y las actrices, sobre todo cuando somos emergentes y estamos empezando, que sí que ayuda. Porque al final, si nuestro trabajo está bien y gusta, probablemente sigas trabajando.

¿Pero sí abre una ventana para llegar a mucha más gente, no?

Sí, sí. Ha sido mi primer protagónico en una serie. Estuvimos unos cinco meses, más o menos, y yo rodaba prácticamente todos los días. Hubo días que obviamente estás cansada, hace frío y te dices: no puedo más. Pero aún así fue una experiencia súper grata. Aprendí muchísimo, también la manera de conocerme como actriz. De qué manera lo experimento yo.

El 50% de tu trabajo está en los ojos del otro compañero

María Cerezuela

¿Era una experiencia nueva para ti, a nivel interpretativo?

Sí. Y de forma de trabajar, y muchas cosas. A la hora de enfrentarme a un personaje por ejemplo me di cuenta rodando esta serie que yo trabajo desde el aquí y el ahora. Y también me gusta mucho sentir que el resto de actores y actrices nos estamos ayudando los unos a los otros. Porque yo creo que el 50% de tu trabajo está en los ojos del otro compañero. De esa manera, y escuchando también a la directora.

¿Cuál era tu principal reto con Romi?

Antes de rodar hay un trabajo previo con Romi, porque para mí era muy importante entender cuál era su herida y por qué ella, de alguna manera, se comporta así. Es una persona que tiene un carácter muy fuerte, que es muy directa, que confía mucho en sí misma, que le gusta trabajar sola. Todo eso viene precisamente de haberse quedado sorda. Ella nace como una persona oyente, pero con menos de 10 años sufrió un accidente donde perdió la audición y también a su padre. Entonces, a pesar de que hayan pasado más o menos 20 años, todavía sigue con esa herida. Le pusieron un implante coclear, con el que escucha perfectamente, pero cuando se lo quita, no oye absolutamente nada. Aprende lengua de signos, pero lo utiliza de manera muy ocasional.

Creo que Romi tiene esa cosa de sentirse entre dos mundos, y a ella le crea mucha inseguridad. Esto, sumado al trauma de su padre, le crea una herida y una barrera por la que dice: 'A mí nadie más me va a hacer daño. Yo voy a lo mío, voy a tope, no confío en nadie'.

Junto al personaje de su “ayudante”, os habéis acercado a la comedia.

Por una parte está el thriller, la historia de Alaia [su madre, y jefa de investigación de la Ertzaintza] con la policía y la investigación de Vicente [el padre fallecido de Romi] y luego, por otro lado, estamos Edurne y yo [los personajes de Nere y Romi]. Somos las detectives, y en cada episodio tenemos un caso distinto que vamos resolviendo. Romi no duda en burlar la ley si hace falta para conseguir algo, y Nere es todo lo contrario. Son personajes que tienen caracteres totalmente distintos, y de esa manera surge la comedia, y es muy gracioso de ver.

¿Has podido tener algún referente para preparar un personaje sordo?

No, no tuve ningún referente televisivo, pero sí lo he preparado con personas sordas, y además en la serie contamos también con actores sordos. También tuvimos una coach, Sara Castro, que es genial, que es la que nos enseñó lengua de signos y estuvo con nosotras desde el principio hasta el final. Venía con nosotras al rodaje, y aparte de enseñarnos lengua de signos, también nos enseñaba cómo una persona sorda se comporta en una sociedad para personas oyentes. He preguntado a personas profesionales y que obviamente se dedican a ello, pero como referente no he tenido.

Y sin crear presión, ¿sabes que desde ahora Romi sí será un referente para crear ese tipo de personajes?

Bueno, ojalá [ríe]. Nosotras con esta serie intentamos de alguna manera acercar al público oyente a esta realidad que también existe, y ya está. Yo, con que guste, me conformo.

¿Cómo definirías el “superpoder” de Romi? ¿Cómo lo has interpretado e integrado?

Efectivamente, el hecho de ser sorda ella también lo utiliza como una ventaja. En la serie, de alguna manera, se habla de la sordera de Romi como una ventaja a la hora de resolver los casos. Ella, aparte de estudiar un máster en lenguaje no verbal y microexpresiones, controla mucho la lectura biofacial. Es como ponerte delante de un polígrafo: si me mientes, voy a saber que me estás mintiendo. Y luego, ya digo, que es como un caballo y si tiene que pasar por encima de la ley, lo va a hacer. No tiene ningún escrúpulo [ríe].

¿Cómo llega a ser detective? A priori, no es una profesión que pueda relacionarse con una persona sorda.

La verdad es que eso no se cuenta en la serie, directamente ella es detective. Sí que Martín, que es el jefe, el personaje interpretado por Asier Etxeandía y que es muy amigo de Alaia, la madre de Romi y jefa de investigación criminal de la Ertzantza; conoce a Romi desde pequeñita y sabe que tiene ojo. La contrata y empiezan a trabajar juntos.

El Goya está muy bien, pero para mí lo más importante era que me siguieran llamando y seguir trabajando

María Cerezuela

Hablabas de la importancia de tus compañeros. En 'Romi' has tenido a Elena Irureta, a Asier Etxeandía, a Natalia Millán... ¿Cómo ha sido trabajar con ellos en tu primer protagónico de una serie?

Me siento muy afortunada, la verdad, porque son personas de las que he aprendido muchísimo. Debo decir que era una persona que al principio me machacaba mucho, como “esta secuencia la podría haber abordado de otra manera”, y me iba a casa un poco rayada. Pero luego me di cuenta, y veía a 'los mayores' y decía: jo, pues en vez de verlo así y tener tanta negatividad, vamos a pensar distinto. Ahora se me ocurre algo que podría haber hecho mucho mejor, pero me lo guardo para la siguiente.

He aprendido mucho de ellos, de la tranquilidad con la que abordan un rodaje, a pesar de las prisas, del estrés y de que va todo muy rápido. He aprendido eso, el ver cómo escuchan, cómo miran, cómo afrontan el personaje. Incluso cómo proponen, porque también Edurne y yo había veces que decíamos: ¿Podemos hacer esto? A veces nos lo compraban, a veces no, pero era una de las cosas que veíamos en 'los mayores'.

¿Para tu carrera ha sido clave el momento Goya? ¿Cómo lo has notado?

Sí, te da más visibilidad a la hora de hacer castings. También digo que el Goya está muy bien, y al final es un premio a un proyecto de toda tu carrera. Yo lo que siempre he dicho es que el Goya obviamente fue bienvenido, fue súper guay, una experiencia brutal, pero para mí lo más importante era que me siguieran llamando y seguir trabajando, porque es una profesión donde hay una tasa de paro bastante grande. El hecho ya solo de estar trabajando, para mí ya es un premio. Y sí, el Goya al final te da más visibilidad a la hora de hacer castings. Pero tú en los castings tienes que seguir peleando [ríe].

¿Para Romi tuviste mucha pelea?

La verdad es que no, yo hice un casting y ya está. Pero vamos, me refiero a que a parte de mí, supongo que habría más actrices. Al final te presentas a un casting con un mismo perfil, y tú estás con otras compañeras que también se postulan a ese personaje. Hay muchas veces que les toca a otras personas, y muy poquitas te tocan a ti.

A mí me gusta más el cine, y mucho más que el cine me gusta el teatro

María Cerezuela

Y ahora que has probado la 'full experience' televisiva de protagonizar una serie, ¿vas a querer ir tocando todos los palos, cine, series, teatro...?

Es cierto que a mí me gusta más el cine, y mucho más que el cine me gusta el teatro. Yo soy una actriz de teatro, empecé en teatro, el año pasado estuve en el Centro Dramático Nacional con María Velasco haciendo 'Primera Sangre', después de rodar Romi, y eran mundos completamente distintos. Porque al final, a la hora de ensayar una obra de teatro tienes tu tiempo para probar. Y en el audiovisual, tienes muy poquito tiempo de ensayo, o por lo menos yo los proyectos que he hecho hasta ahora, he tenido muy poquito. Entonces, a medida que va avanzando la serie, vas encontrando por dónde va el personaje. No sé, ojalá siga trabajando de... de lo que sea [ríe]. Pero si tengo que decir algo, me gustaría mucho el teatro.

¿En qué estás ahora? Si puedes contar algo...

Pues de momento no tengo ningún proyecto, pero en agosto acabé una peli, que es la próxima de Daniel Monzón y se llama Ruega por nosotras, y ¡buf! ha sido una experiencia impresionante. Hacía mucho también que no hacía cine, y ha estado muy guay. Y trabajar con Daniel Monzón ha sido impresionante, es un director majísimo.

¿Y si Romi te llama para la segunda temporada?

Pues ojalá, ojalá [ríe]. Hay que ver primero a ver cómo cae esta primera temporada, pero si cae bien, pues sí, claro. Ojalá.

Hay castings que salen, y muchos otros, la mayoría, no salen

María Cerezuela

El hecho de que esté en Prime Video y luego seguramente llegue a Telecinco, ¿cómo lo ve una como actriz?

Es presión porque al final nuestro trabajo es público y siempre quieres que guste. Pero el hecho de ser actriz también es como que firmas con el diablo: hay veces que vas a gustar, y sabes que no siempre vas a gustar a todo el mundo. Luego hay que afrontarlo como puedas, yendo a terapia o como sea. Yo estoy muy satisfecha con mi trabajo y con el trabajo de mis compañeros. Nos hemos dejado el alma en este proyecto. El hecho de que guste o no guste ya no depende de nosotras, así que estoy tranquila.

Ahora que dices que no tienes ningún proyecto entre manos, ¿cómo se llevan los tiempos de espera, o los noes?

Pues es lo mismo. Es que es parte de nuestra profesión. Hay momentos en los que estás a tope trabajando, y momentos en los que menos. Hay castings que salen, y muchos otros, la mayoría, no salen. Pero al final es nuestro trabajo.

¿Te ves en un futuro, como otras compañeras, produciendo, inventando y creando cosas? ¿O por ahora no te ves en esa faceta?

No, no. De momento no. Interpretación es donde más cómoda me siento.

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La serie What It Feels Like for a Girl, de Filmin y Hera Pictures (ITV Studios) ha sido galardonada como Mejor Serie de Ficción del South International Series Festival 2025 celebrado en Cádiz, acompañada por Una historia muy heavy, de RTVE Play y Magnetika Films, como Mejor Serie de No Ficción.

Los reconocimientos del público han ido a parar a Ella, maldita alma, de Mediterráneo Mediaset España, en la sección de Ficción; y a La Húngara. Toma que toma, de LyoMedia para Mediaset Infinity, en la sección de No Ficción.

Han sido 4 de los 11 premios anunciados este 17 de septiembre por los jurados de la III edición del festival, la cita seriéfila gaditana que en este miércoles ha llegado a su fin, en un palmarés que se completa con los siguientes:

Todos los reconocimientos han sido dados a conocer en la rueda de prensa convocada por el Festival, que ha contado con la presencia y conducción de Carles Montiel, director de la cita, quien ha estado acompañado por los miembros de los jurados de Ficción, No Ficción y Ciudad de Cádiz, y el coordinador de South Boost, así como arropados todos ellos por los responsables de programación del festival.

Categoría de Ficción

Carmen Serrano, presidenta del jurado de Ficción ha sido la encargada de anunciar los premios otorgados a las series que han participado a concurso en dicha categoría, junto a Patricia Vico, Myar Craig-Brown, Michael Murphy y Mariano Baselga. Concretamente, ha explicado el motivo por el que dicho jurado ha decidido entregar los premios:

El galardón Mejor Guion de Serie de Ficción para Sense Filtres de 3Cat, “por abordar una historia difícil y universal con enorme frescura y luminosidad, apoyándose en unos personajes llenos de vida con los que es imposible no empatizar”; el premio Mejor Reparto para What It Feels Like for a Girl “por el sobresaliente trabajo interpretativo de un puñado de jóvenes actores que destacan tanto por sus trabajos individuales como por la química que tienen entre ellos”; y el premio Mejor Serie de Ficción, también para What It Feels Like for a Girl, por “su valiente retrato de una realidad difícil y oscura con una energía y autenticidad que traspasan la pantalla, sacudiendo al espectador con una historia llena de dolor, ternura y alegría juvenil”.

Categoría de No Ficción

En el palmarés de No Ficción, Clara Ruipérez de Azcárate, acompañada de Claire Willats y Javier Miranda, han anunciado los premiados y expuesto los siguientes motivos: una Mención Especial para The Agent. The life and lies of my father (NRK), “por la audacia en la estructura narrativa y la forma en la que involucra al espectador”; el premio Especial del Jurado Serie de No Ficción para La Húngara. Toma que toma, por “ser capaz de capturar la personalidad de la artista y su consistencia en la mezcla de elementos de humor y drama de manera orgánica”; y el galardón a Mejor Serie de No Ficción para Una historia muy heavy, “por su ritmo, su estructura narrativa, su inteligente contextualización histórica y la investigación que sustenta la serie”.

Premio Ciudad de Cádiz

El novedoso premio Ciudad de Cádiz ha contado con un jurado presidido en esta primera edición en la que el mismo existe por Santiago Moreno, acompañado por Ester Trigo, Beatriz Aragón, Manuel Tirado y Aroa Plaza Blanco. Ellos han comunicado que la serie What It Feels Like for a Girl ha sido la ganadora de este galardón, “por la fuerza de su mensaje que muestra la involución de un tema tan actual y por la emoción de su narrativa que consigue conectar con el espectador de esta ciudad tan vinculada con lo social, las libertades y los derechos”.

Premios del Público y South Boost

Pero no solamente han hablado jurados y voces autorizadas, sino que también lo han hecho las más de 2281 personas del público que con sus votos han decidido que Ella, maldita alma y La Húngara. Toma que toma se alcen con los premios del Público a la Mejor Serie de Ficción y de No Ficción, respectivamente.

Además, amén de estos premios oficiales, se ha dado a conocer que el Premio South Boost, otorgado por un jurado, que en esta III edición de South ha estado conformado por el comité de South Boost, formado por Isabel Cabrera, Alberto Fernández, Manuela Ocón y Carlos Rosado.

La deliberación de estos ha sido la de otorgar el premio South Boost 2025 a Correos y telégrafos, de Jacobo Palomo, David G. Marcelo y Rocío Martín, “por arrojar una mirada fresca, luminosa y tierna sobre el mundo rural, dignificando a las personas no normativas y convirtiendo lo cotidiano en heroico, una apuesta decidida por los nuevos talentos que une generaciones y miradas”, lo que le ha parecido esencial al jurado “para unir sensibilidades teniendo en cuenta a públicos amplios”.

Además de ello, el comité ha concedido una mención especial a El cantante, de Jorge Naranjo, por ser “un proyecto de una solidez indiscutible que apuesta por una figura de la talla de Miguel Ríos, cuya obra forma ya parte del legado cultural universal. Un proyecto que merece una mención especial por la contundencia histórica del protagonista que va más allá de su trayectoria musical”.

Los datos de la III edición del SISF

Amén de todo ello, la III edición de South International Series Festival también arroja ya su primeros datos de balance 2025: 12.808 asistentes a las citas programadas, más de 700 profesionales de la industria nacional e internacional presentes en Cádiz, 310 periodistas acreditados, o las más de 230 personalidades del mundo seriéfilo y audiovisual que han pasado por su “alfombra naranja”, son algunos de los números que la organización ha compartido en este balance inicial, confirmándose así que la tercera edición de la cita seriéfila se consolida tanto en el mapa audiovisual de nuestro país, como en Cádiz, con tan solamente tres ediciones.

Precisamente en ese sentido se ha pronunciado el director del Festival, Carles Montiel, quien ha resaltado la importancia del número de ocupación de salas, tanto en proyecciones como en industria, ya que siendo el aforo 2025 de South de un total de 10.800 asientos, la ocupación de las proyecciones en el Gran Teatro Falla y el Teatro del Títere han llegado al 84,98%, disparándose en industria al 90,75%, sin ser aún definitivos estos números, dado que las tres últimas citas de esta edición tendrán lugar tras la rueda de prensa de balance que ha acogido el Palacio de Congresos de Cádiz.

Lo que sí es una realidad, como ha declarado el director, es que estos datos provisionales, que por el momento suman los 12.808 asistencias en 2025 al festival, demuestran el gran interés que la programación 2025 ha despertado entre el público de la ciudad, provincia e incluso visitantes de otros puntos de Andalucía y España, pero también, tal y como ha incidido Montiel, entre los acreditados que han pasado esta semana en la ciudad de Cádiz: “Más de 3600 asistencias a las citas de industria son la mejor demostración de que ha sido muy amplio el respaldo de los profesionales del sector al calendario que les habíamos propuesto, siendo en este 2025 el mejor dato obtenido en estos tres años”.

Carles Montiel también ha profundizado, durante su discurso, en el acierto que ha supuesto en esta tercera edición abrir el Gran Teatro Falla y el del Títere como sedes para la programación, ya que ello ha permitido una mayor cercanía del público a los equipos de las series proyectadas, así como el acierto que cree la organización de Womack Group de haber trasladado la alfombra roja diaria al Falla, dado que la Plaza Fragela ha estado cada tarde repleta de público de la ciudad, que no ha querido perderse a los más de dos centenares de personas que han pasado por la misma. También ha incidido en el cariño que ciudadanos gaditanos le han transmitido a él y a otros miembros de la organización, comentando concretamente estos y personalidades de la ciudad que hitos como el jurado y premio “Ciudad de Cádiz”, o la iniciativa “Cine en la playa” han ayudado a reforzar esa imagen de unión del festival y Cádiz.

El South International Series Festival, producido por Womack Group, ha contado en este 2025 con el Ayuntamiento de Cádiz y la Diputación de Cádiz como entidades oficiales, y la colaboración de la Junta de Andalucía; con Mediterráneo Mediaset España Group como Media Sponsor; la Autoridad Portuaria de la Bahía de Cádiz y Rims Mobility como sponsors; y la Writers Guild Fundation, el Vicerrectorado de Sostenibilidad y Cultura de la UCA, Canal Sur Radio y Televisión, Iberia, Cultura Inquieta y Crea SGR como sus partners.

La cuarta jornada del South International Series Festival 2025 ha traído a Cádiz la presentación de Romi, un proyecto esperado por partir del sello Mediterráneo, de Mediaset, que ya tiene fecha de estreno en Amazon Prime Video: este próximo 26 de septiembre. Pero ha sorprendido porque, de momento, no tiene planes de llegada a Telecinco: “Todavía no, estamos ahí. Esta serie es de Mediterráneo, que pertenece al grupo Mediaset, pero las series hoy en día no se pueden acometer solo con el lineal, necesitan de la colaboración de las plataformas. El ventaneo es una ciencia casi nuclear, con un montón de variables, y en este caso estamos encantadísimos que la serie se estrene en Amazon Prime Video”.

Las series hoy en día no se pueden acometer sólo en lineal. El ventaneo es una ciencia casi nuclear, que tiene muchas variables. En este caso estamos encantadísimos de que la serie se estrene en Prime Video“, ha respondido Ghislain Barrois, CEO de Mediterráneo y Telecinco Cinema.

La ficción es un drama procedimental protagonizado por María Cerezuela en el papel de Romi, una investigadora que es sorda. Su directora, Inés París, ha destacado que “por primera vez plantea como protagonista de una serie a una chica joven que además es sorda. Es una detective, y los capítulos nos van mostrando los diferentes casos que ella resuelve”.

La directora ha detallado también su tipo de sordera: “Es una sordera poslocutiva, ella nació oyente y después, a los seis años y en un accidente en el que murió su padre, es cuando ella perdió el oído. Lleva un implante coclear, lo cual le permite escuchar pero también desconectarse, no escuchar, y volver a su propio universo, con lo que juega la serie. Al tiempo que contamos los casos que ella va resolviendo, mostramos esa capacidad tan especial de observar, con la que ella ve cosas que los demás no vemos, y puede llegar a conclusiones, en lo que es única. Tiene una especie de superpoder”.

La inquietud sincera de su creador, Iker Azcoitia

Ahondando en esa diferenciación de la sordera, su creador Iker Azcoitia ha subido en un momento al escenario (gracias a un siempre educado y detallista Unax Ugalde que le ha cedido su sitio) para, a pregunta de un educador social, explicar hasta qué punto han documentado y preparado el personaje: “Hicimos un trabajo de documentación con Araceli Castaño, que es cofundadora de Aspas [Asociación de Padres y Amigos de los Sordos], tuvimos entrevistas con Loli Bermejo, una usuaria de implante coclear, y nos documentamos en series como Disclosure, protagonizada y dirigida por dos personas sordas, o The Sound of Metal, que es una película fascinante”.

De hecho, el creador y guionista ha explicado que la idea le surgió por una amiga: “Antes de crear la serie trabajé con una gran amiga que es actriz y que es sorda, y me fascinó sobre todo su forma de ver el mundo, su forma de expresarse, y su manera de observar. Cómo observaba todo, te leía, sabía leer el lenguaje corporal, cómo estabas antes de que tú hablaras. Aquello me fascinó tanto que a la hora de pensar el personaje de un detective privado pensé que mejor que no oiga para que pueda ver las pistas y darse cuenta de cosas que los oyentes pasamos desapercibidas”.

Su creador ha aclarado cómo se usará la lengua de signos: “El idioma principal de la serie es la lengua oral, el castellano, y la presencia de la lengua de signos y el euskera es muy puntual”. Su implicación es tal que Azcoitia ha explicado que lleva tres años estudiando lengua de signos, con la firme “inquietud de seguir proponiendo personajes sobre los cuales no solemos fijarnos mucho, o no les damos la oportunidad de verlos en pantalla. Creo que es conveniente ir abriendo un poco más y ensanchando, sobre todo para mostrar las distintas realidades comunicativas”.

Además, la serie ha contado con actores sordos, como ha explicado Azcoitia: “Emma Vallejo Canales, que es una actriz sorda espectacular, y Marcos Pereira. También para el piloto contamos con la asesoría de Ángela Ibáñez, amiga mía sorda, y tuvimos a una coach que se llama Sara Castro”.

La lengua de signos y el “hincapié” de sus actrices

A la hora de plasmarlo en pantalla, la responsabilidad ha sido de María Cerezuela, que encarna a Romi. Es una joven investigadora marcada por la tragedia por la muerte de su padre, en un accidente en el que ella perdió la audición. E interpretativamente, ese ha sido el gran reto: “Estuvimos un mes, sobre todo Edurne y yo, con una coach que nos enseñó la base de la lengua de signos. Estuvimos muchísimos días”. También juntas insistieron en que esa parte quedase perfecta, algo en lo que tuvo que implicarse todo el equipo ya que, por ejemplo, los momentos de la serie en los que se signa debían mostrarse en un plano medio. “Para mí lo más díficil fue llevar a la pantalla la lengua de signos. Hay que signarlo bien, y pusimos mucho hincapié en que nos queríamos sentir seguras, y se tenía que entender bien. Edurne y yo insistimos muchísimo, y con la ayuda de la coach lo hicimos”, ha añadido la actriz.

Junto a Romi está el personaje de Nere, interpretado por Edurne Azkárate, que se incorpora como su becaria y ayudante, y ofrece un contraste: “Mi personaje es muy idealista, muy buenín, y todavía cree en la humanidad. Romi es una desconfiada, mi personaje diría que es una borde, pero le gusta un poco... Nere cree que puede ayudar a la gente y se encuentra con Romi, que está desencantada, no se fía de nadie y es una persona que va como un tanque saltándose todas las normas y las leyes, normas y leyes que a Nere le encanta cumplir”.

Su contraste provoca la introducción de la comedia, algo que Azkárate explica con naturalidad y gracia: “María y yo en algún momento del rodaje nos dimos cuenta de que estábamos haciendo comedia, y lo asumimos. Entonces dejamos a los mayores hacer la parte del thriller, y nosotras nos colocamos en la comedia”. La directora Inés París ha defendido esta mezcla de géneros, entre drama y comedia, como en la propia vida: “Nosotros en cada día tenemos distintos momentos, no todo es comedia o drama”.

Un elenco de “mayores” que se han engrasado como tutores

Esos “mayores”, que como han reconocido ellas mismas han servido como tutores de las dos jóvenes actrices, también han tomado la palabra. Natalia Millán es Alaia, la madre de Romi y a su vez jefa de investigación de la Ertzaintza obsesionada por descubrir qué pasó en el accidente mortal del padre de Romi. La actriz ha afirmado que quiso sumarse al proyecto desde el primer momento, y entre los motivos el representar a una protagonista sorda, y además por “tener una protagonista mujer, la mayor parte de los principales personajes éramos mujeres, y dirigidas por una mujer”. También ha destacado el rodaje en Bilbao: “Espero que haya más temporadas para volvernos a ir todos allí”.

Elena Irureta es Garbiñe, la abuela de Romi y suegra del personaje de Natalia Millán, que perdió a su hijo en el accidente. La actriz ha explicado que ella “vive en el caserío, y es el corazón de la gente. Ella intenta poner paz, porque las relaciones están un poco tensas entre todos. Es muy cómplice de su nieta, e intenta llevarse bien también con su nuera”. Irureta ha bromeado con que “es una mujer dentro de los tópicos de la matriarca vasca”, avanzando que “como todos, también tiene pequeños secretillos”.

Unax Ugalde, en ausencia de Asier Etxeandia, ha sido la representación masculina del reparto. Su personaje, Héctor, es un ertzaina especializado en el crimen organizado y las mafias internacionales, ayudante del personaje de Natalia Millán, pero también más: “No solo compartimos una relación profesional, también tenemos una relación sentimental, que llevamos de alguna manera oculta”. Por ella, ayuda a Alaia: “Es una mujer muy fuerte, y mi personaje le ayuda de una manera pragmática a que ella se centre en sus casos profesionales, y también en los problemas familiares que tiene también a veces con su hija. Esa unión me lleva a tener una difícil relación con Romi, y bueno, como otros personajes, pues todos guardamos secretos...”.

No sólo “la serie de la detective sorda”

Esos personajes marcan que Romi no sea simplemente “la serie de la detective sorda”. Su creador, Iker Azcoitia, ha resumido cómo juegan “con tres universos muy característicos: el caserío, que reina Garbiñe. La comisaría, donde reina Natalia. Y la agencia de detectives, donde Romi es la niña mimada. Tres mundos diferentes que casarlos ha sido el gran reto”.

Inés París también ha incidido en ello: “Toda la serie está recorrida por una historia que es el drama familiar que hay detrás de Romi. Su madre está empeñada en descubrir qué sucedió en aquel accidente, y esto las lleva a una relación en la que chocan continuamente”. La directora ha resumido: “Lo peculiar de esta serie es que trabaja dos cosas muy interesantes. Una de ellas es lo muy especial que es este personaje, y luego es una serie muy centrada en personajes femeninos y en sus relaciones complejas, curiosas, variadas”.

La presentación ha comenzado recordando que la serie tuvo un nacimiento peculiar, ya que fue Mediaset la que la adquirió del programa Showrunners para descubrir y apoyar a nuevos talentos. “El proceso fue a la inversa, lo recogimos nosotros y se lo entregamos a una productora. Necesitábamos una productora guerrera que le gustase este tipo de retos. De estas características solo hay una, y es Mandarina. Con muchísima pasión, recogió el guante del proyecto y empezamos a desarrollarlo juntos. Nos pilló el COVID y lo paró todo. Es un proyecto que ha muerto tres veces y ha resucitado, pero por el empeño de Santi Botello ha salido”.

El propio Santi Botello, como responsable de la productora Mandarina, ha diluido el elogio explicando que en realidad lo que había sido es “muy afortunado”, resumiendo que el proyecto lo encontró Mediaset y se lo confió a su productora, que Iker Azcoitia se incorporó con humildad y ganas de trabajar y aprender, y que una directora con la trayectoria de Inés París también quiso sumarse pese a ser un proyecto ya bastante empaquetado. “En términos generales, tengo mucha suerte”, ha resumido, fortaleciendo así el trabajo de todo el equipo y mencionando especialmente a Teddy Villalba, el director de Ficción de Mandarina.

El resultado, Romi, podrá verse desde el 26 de septiembre en Prime Video. Y, aunque los responsables de Mediaset no suelten prenda, en algún momento del futuro llegará también a Telecinco.

La tercera jornada del South International Series Fest 2025 en Cádiz ha traído a su primera gran estrella internacional, la actriz Diane Kruger para presentar su nueva serie Pequeños desastres que llegará a España a través de HBO Max; ha acogido el reconocimiento y homenaje a Paco León, Premio de Honor del festival; y también ha dejado ver por primera vez Ella, maldita alma, la nueva serie de Telecinco.

La unión de esta ficción creada por Aurora Guerra y protagonizada por Maxi Iglesias, Martiño Rivas y Karina Kolokolchykova con el South es curiosa: además de haberse rodado en localizaciones de la provincia de Cádiz, se presentó en la edición del año pasado, cuando estaba empezando su rodaje y pudimos hablar con sus actores, y ahora ha vuelto a la edición de este año para dejarse vez por primera vez antes de su estreno.

Y ha triunfado: llenazo en un emblema de la ciudad como el Gran Teatro Falla, para asistir a la breve presentación sobre el escenario a cargo de los productores de Plano a Plano, Aurora Guerra y los protagonistas Karina Kolokolchykova y Martiño Rivas, y luego para poder ver en primicia el primer capítulo de la ficción, que aún no tiene fecha de estreno en Telecinco.

Mediaset España es 'Media sponsor' del South International Series Festival, por lo que el grupo, que también presentará otra de sus nuevas series como es Romi, ya lo había promocionado incluso en sus informativos:

La cobertura mediática ha sido esta vez más complicada, puesto que la presentación ha sido breve y como introducción a la emisión del capítulo, y los actores no han concedido entrevistas. Pero sí ha permitido poner a Ella, maldita alma en la lista de próximos estrenos de Telecinco.

Además de sus tres protagonistas, completan su elenco Nacho Fresneda, María de Nati, Antonio Gil, Susana Córdoba, Paco Marín y Ana Ruiz.

Así es 'Ella, maldita alma'

Producida junto a Plano a Plano y creada por Aurora Guerra, Ella, maldita alma está basada en un relato del escritor gallego Manuel Rivas y cuenta con César Benítez, Álvaro Benítez, Emilio Amaré y Arantxa Écija al frente de la producción ejecutiva, y con la dirección de Iñaki Mercero y Javier Quintas. Su grabación se realizó en diversas localizaciones de Cádiz, como Conil de la Frontera, Zahara de los Atunes y Jerez de la Frontera. 

Esta nueva ficción narra la historia de amor imposible entre dos personas que luchan con todas sus fuerzas por negarse a sucumbir ante unos sentimientos que les arrollan: Fermín (Maxi Iglesias), un carismático sacerdote; y Ana (Karina Kolokolchykova) la mujer de su primo Isaac (Martiño Rivas), casi su hermano, cuya familia le acogió desde la infancia y que es, sin saberlo, el tercer vértice de este complejo triángulo amoroso. 

“A la vez que la trama principal presenta al espectador una amalgama de valores y sentimientos contrapuestos como el amor, la familia, la pasión, la culpa, la traición y la lealtad, la serie dibuja un retrato de la sociedad a través de la vida cotidiana de un rico abanico de personajes secundarios, sus relaciones, motivaciones e inquietudes; las peculiaridades de La Isleta, la localidad imaginaria en la que se desarrolla; una subtrama de intriga de política y corrupción; y referencias a la actualidad a través de elementos como la guerra de Ucrania o la multiculturalidad”, la presentó Telecinco.

Especialmente en los último años, el nombre y la imagen de José Luis Moreno han estado ligados al escándalo y las polémicas judiciales. Por eso cuando se supo que se preparaba una docuserie sobre su vida, las palabras “morbo” y “polémica” impregnaron desde el primer momento la conversación en torno al proyecto. Y esos calificativos son los que pueden aplicarse a la presentación que el propio productor ha realizado en el South International Series Festival.

El festival que se celebra por tercer año en Cádiz está producido por Womack Group, misma empresa que a través de su división audiovisual Womack Studios también se encarga de la producción (junto a LA GOOTA Entertainment) de Toma, Moreno, el título de la docuserie que hace referencia a la mítica expresión de Rockefeller, uno de los muñecos que lanzó a la fama a José Luis Moreno como ventrílocuo.

La productora presenta el proyecto como una “docuserie que rastrea la frenética biografía” de Moreno, adelantándola de la siguiente forma: “Productor de grandes éxitos como Aquí no hay quien viva y Noche de fiesta y uno de los rostros más reconocibles del espectáculo, su nombre aparece hoy ligado a titulares muy distintos: la Operación Titella, el Caso Roemmers, y recientes acusaciones de blanqueo de capitales y estafa. Pero, ¿quién es realmente José Luis Moreno? Toma, Moreno trata de esclarecer estas cuestiones sin partir de hipótesis previas y sin juzgar a un hombre que conoceremos de tú a tú a lo largo del metraje”.

En este festival, ni la prensa acreditada ni los asistentes hemos podido ver la producción, sólo un tráiler de unos 2 minutos ofrecido en la rueda de presentación. Se sabe que está acabada, y que según ha dicho el conductor del evento llegará en 2026, de momento sin que se haya anunciado qué cadena o plataforma habría comprado sus derechos para emitirla.

Fuentes de Womack Studios consultadas por verTele aclaran que la docuserie no sólo dará voz a José Luis Moreno, sino también a otras personas importantes a lo largo de su vida profesional y personal, repasará imágenes de su trayectoria, y tratará los distintos asuntos y polémicas judiciales para que el productor las confronte. Es decir, que se dejará la última palabra a José Luis Moreno tras presentar los titulares de sus distintas condenas y sentencias, que como el productor recurre una vez tras otra aún siguen estando judicializadas.

Y justo eso, la única palabra de José Luis Moreno, es lo que ha servido de presentación a la docuserie.

Las condenas judiciales a Moreno, y la 'Operación Titella'

Basta con tirar de hemeroteca para conocer cómo hacía negocios José Luis Moreno. En 2014, Valencia le echó de un teatro público por no pagar al fisco, pero en 2015 se supo que lo seguía gestionando aunque no pagaba a los artistas. En 2019, hubo una fuerte polémica porque se archivó el caso del “saqueo de RTVV”, la radiotelevisión pública valenciana, pese a que el Ministerio Público reconoció que se le pagó 1,8 millones por un programa de televisión valorado en 400.000 euros.

En 2022 estalló su gran escándalo. La Operación Titella, que detalló entonces elDiario.es, situaba a José Luis Moreno como uno de los cabecillas de una organización criminal para blanquear el dinero estafado a inversores públicos y privados que formaban un entramado de más de 700 empresas. El productor prestaba su nombre como “tarjeta de visita” y pedía enormes volúmenes de financiación para supuestos proyectos audiovisuales. Después, el dinero se esfumaba. En un informe los investigadores cifraron la fortuna del empresario fuera de España entre los 400 y los 900 millones de euros. Por eso poco antes de su detención se le captó una conversación en su teléfono pinchado por la Policía en la que decía que tenía que salir de España urgentemente.

Según los cálculos de la Fiscalía, la red pudo causar “un perjuicio evaluado en torno a los 85 millones de euros”. El destino de ese dinero eran países como Suiza, Panamá y Maldivas. Entre los proyectos de la organización estaba también crear un banco en Malta diseñado para el crimen económico.

El ejemplo más mediático es el de los 32 millones de euros que José Luis Moreno obtuvo del magnate argentino Alejandro Roemmers para filmar la serie Resplandor y Tinieblas, basada en la vida de San Francisco de Asís. En marzo de este mismo año, el productor fue condenado a devolver 35 millones de euros a Roemmers. La financiación inicial para el proyecto iba a ser de menos de la mitad, y el compromiso era entregar los capítulos. Pese a que Moreno afirmó que tenía 35 capítulos de 45 minutos cada uno listos, no entregó ninguno. Denise Richards y Jane Seymour fueron dos de las intérpretes fichadas, y de hecho, ambas aparecen en el tráiler que Youmore TV lanzó hace cinco años. Richards, además, fue noticia después de que Todo es mentira sacara a luz un audio de José Luis Moreno atacando a la actriz y al resto del equipo de la serie en el set de rodaje. Hasta el coro de la ficción le denunció.

Su última noticia judicial es que ha negado ante el juez el fraude fiscal de cerca de un millón de euros que le atribuye Hacienda. Otro caso distinto a Titella y al de Roemmers, al que se enfrenta después de que un informe de la Oficina Nacional de Investigación del Fraude (ONIF) encontrase irregularidades en tres ejercicios de su declaración del IRPF (fraude que se situaría por encima de los 981.000 euros) y además señalase que su sociedad Youmore TV cometió otro presunto delito contra la Hacienda Pública en los años 2019 y 2020 al dejar de pagar el IVA y el Impuesto de Sociedades. El fraude, en este caso, se eleva por encima de los 1.919.000 euros.

Moreno contra todos: “Se van a arrepentir. Hasta el último de ellos”

Ante todas estas sentencias judiciales tras diferentes investigaciones, José Luis Moreno siempre ha declarado que no es “el capo de nada”. Y tanto en sus entrevistas con los periodistas como en la presentación de su docuserie, el productor ha repetido el mismo discurso: “Me he dado cuenta de que en un país donde están Falla, Lorca, pintores, escultores... también hay jueces sin moral, fiscales corruptos, policías que entran en tu casa, hacen un registro de la Guardia Civil y te roban delante de ti, prácticamente”.

Moreno afirma que todo lo que le ha ocurrido “era un maravilloso guión de una serie”, y explicado que se toma esta producción como para “advertir a toda la gente de bien, que afortunadamente son mayoría, de que nos puede ocurrir cualquier cosa. Aparte de tus errores, que nada tienen que ver con el orden, con la democracia, con la pureza y con las instituciones que te tienen que proteger. Y aunque sea minoría, el cáncer social también está en ellos”.

El productor también ha apuntado contra los medios de comunicación (afirmando que esa minoría “podrida”, “cuando también está en los medios de comunicación, son un altavoz de la envidia, de la maldad”), y contra los periodistas (“mira que la prensa se lo ha currado bien conmigo, les he venido de maravilla”).

Pero se ha centrado especialmente en los nombres propios que le han investigado y condenado: “A mí me tocaron todos los podridos”. Moreno ha nombrado al juez de la Audiencia Nacional Ismael Moreno, al fiscal De Azcárraga Urteaga, o al “que firmó los informes míos, el jefe de la UDEF, que está en la cárcel porque encontraron 27 millones emparedados en su casa del tráfico de drogas”,

Moreno ha prometido vengarse: “Bloquearon mi vida cuatro años, y yo tengo que bloquear el resto de la suya para que no hagan más daño”, “Se creen que porque son el juez se pueden permitir todo. Pero se van a arrepentir. Hasta el último de ellos”, ha avisado. Según él, “cuando los jueces están mal pagados (...), y están hablando de millones y de estafas, son seres humanos que han perdido la moral sin darse cuenta. Todos los demás estamos bajo esa teórica justicia, que hay más artificio que justicia”. “Siguen en su mediocridad, en su espíritu podrido, en su bazofia, y en que no están de acuerdo con su profesión, lo que ganan en ella y lo que la vida les ha reparado”, les ha dedicado a los jueces e investigadores.

En el breve tráiler de la docuserie, se incluyen frases como “cada vez que entraba un nuevo director o un nuevo presidente, decían: hay que quitar al Moreno” y “hay delincuentes enmascarados en la Audiencia Nacional”, a la que también ha renombrado como “Desgracia Nacional”.

Sobre la docuserie y próximos proyectos

Sobre por qué ha decidido ahora hablar, y por qué no ha sido como siempre a través de su productora sino de la mano de Womack Studios y LA GOOTA Entertainment, ha afirmado que le convenció estar “rodeado de gente joven” y que vio que eran “personas que tenían una energía muy proactiva, que no querían dejar de poner la parte truculenta, fea o desagradable; pero siempre dentro de los tenores de la verdad y de la gran pregunta: ¿Qué habrá de verdad en todo esto?”. Precisamente tras plantear esa pregunta, ha asegurado que tiene lista su serie Resplandor y Tinieblas, y que cuando entregó a la Justicia “los 12.000 minutos grabados y los 10.000 hábiles para ya emitir, el juez se echó para atrás”.

José Luis Moreno ha asegurado que esa presentación en Cádiz “va a ser como la pista de despegue a recobrar mi vida y la felicidad”, afirmando que va a hacer una serie sobre su vida en clave de humor incluyendo al juez y al fiscal, y que también “vamos a hacer otra serie en Italia, vamos a hacer otra serie en Inglaterra, vamos a hacer otra serie en Alemania y otra en Estados Unidos de mi vida. No solo esto, este es el bebé que ha hecho que crezca todo esto para el mundo. Así que, de nuevo, vosotros sois sus embajadores desde Cádiz, gracias”.

La III edición de South International Series Festival se ha iniciado en Cádiz con una gran Gala de Inauguración, celebrada en el icónico Gran Teatro Falla, conformada por un espectáculo-musical presentado por la televisiva María Gómez, y que ha contado con sendos números musicales a cargo de Angy, Agoney, Añil Fernández, Belén López y Adrián Fernández, así como la participación de rostros tan conocidos como los de Toñi Moreno, Javier Achaga, Fernando Trueba u Okuda San Miguel.

Todos ellos dieron forma a una Gala de Inauguración en la que tuvo lugar la entrega del Premio de Honor 2025 a la actriz María Castro, seguida por la proyección de la serie inaugural El Centro, de Movistar Plus+ en colaboración con Fonte Films.

Con una trayectoria profesional de más de un cuarto de siglo, la actriz y presentadora María Castro, natural de Vigo en 1981, es ampliamente conocida en el sector audiovisual y seriéfilo, por su participación en multitud de series como Amar es para siempre, La promesa, Sin tetas no hay paraíso, Tierra de lobos, Vive cantando o Seis hermanas, entre muchos otras, además de en películas, programas de televisión y obras teatrales.

No es este del festival de Cádiz el primer galardón que recibe en su carrera, ya que María Castro ha sido premiada y nominada en multitud de ocasiones, teniendo en su poder el Premio Ondas a Mejor intérprete femenina de ficción nacional de 2009, o el de Mejor actriz de cine de los Neox Fan Awards de 2014, entre otros, siendo también nominada a Mejor actriz de los TP de Oro en 2009 o Mejor actriz de televisión de 2013 en Fotogramas de Plata.

Previo a todo ello, la Plaza Fragela fue testigo de la primera gran alfombra roja del festival, y es que, hasta el martes, cada tarde desfilarán por la misma los rostros protagonistas de las series del día, así como los de otros invitados del festival de Womack Group. De esta manera, este viernes 12 de septiembre pasaron por la misma nombres como los de María Gómez, Angy, Agoney, Añil Fernández, Belén López, María Castro, Adrián Fernández, Toñi Moreno, Pepón Nieto, Javier Achaga, Fernando Trueba, Okuda San Miguel, Elena Martín Gimeno, Clara Segura, Elisabet Gasanovas, Niño Josele, Dani Téllez, Carmen Daza, Paula Díaz, Ronan Bennet, Antonio González, Jeremy Pisker, Patricia Vico, Ana de Caro, Erika Leiva o Lucía Benavides, entre otros.

No serán los únicos rostros que brillen en South 2025, ya que en las siguientes jornadas, tanto las fotos matutinas en la playa de La Caleta, como las alfombras rojas nocturnas, serán escenarios por donde pueda verse a actores, cantantes y personalidades como Diane Kruger, Paco León, Mélani Olivares, Martiño Rivas, Karina Kolojolchykova, Cristian de Moret, María Luisa Bolívar, José Luis Moreno, Unax Ugalde, Laquarn Lewis, las hermanas Celia y Natalia de Molina, Fernando Tejero, Chris Brancato, Fran Doblas, Eva Isanta, Marimar Vega, Fran Perea, María Cerezuela, Jorge Coria, Marisol Bizcocho, Sonia Mª Priego “La Húngara”, Armando de Castro (Barón Rojo) o Manuel Jiménez, entre muchos otros.

Movistar Plus+ se ha encargado de abrir, este viernes 12 de septiembre, la III edición del South International Series Festival en la ciudad de Cádiz, al que asiste verTele. Lo ha hecho con la presentación de su nueva serie estelar El Centro, que cuenta quiénes y cómo son los que trabajan en el CNI, y que se estrenará en la plataforma el próximo 9 de octubre.

Producida por Movistar Plus+ junto a Fontefilms, quiere presentar una “versión intima y humana” de las personas que realmente hacen el CNI, representadas en el acto por las actrices Elena Martín, Clara Segura y Elisabet Casanovas. Las tres han profundizado en lo que han avanzado los distintos responsables sobre la inestimable colaboración con el propio Centro Nacional de Inteligencia.

Su creador, David Moreno, ha normalizado el origen de la historia porque le “apetecía hacer una serie de espías”, y encontró un punto en común con Movistar Plus+: “Buscamos el enfoque adecuado para hacerla, y les encajaba”. Ese enfoque es el de una serie sobre personas, en concreto las que trabajan en el CNI.

Carla Pérez de Albéniz, la productora por parte de Fonte Films, celebra haber llegado a esa “idea conjunta” que tras apuntarla definitivamente a lo que querían alineó también a la plataforma, con un colaborador indispensable: “La colaboración del CNI ha hecho que la serie sea más grande por todos los detalles que la hacen mas creíble y auténtica”.

Su compañero en la producción por parte de Movistar Plus+, Fran Araújo, ha explicado la visión de la plataforma: “Dentro del catálogo siempre intentamos representar la realidad española y contar las cosas de aquí, nos interesa contar lo público. Hemos hecho otros centros de la policía, y teníamos el deseo de trabajar con el CNI”.

Dando el paso al rodaje, el director David Ulloa se ha mostrado encantado con las posibilidades: “Ha sido un regalo porque es un mundo que desconocía absolutamente. Puedes tener ideas preconcebidas, pero vas hablando con ellos y viendo vocaciones, frustraciones... es lo que hemos querido plasmar a través del reparto, y para que se viera en la serie. Ha sido una de las experiencias más especiales que he tenido”.

Introduciendo precisamente al elenco, y hablando sobre cómo debía ser la serie en su conjunto, Ulloa ha valorado: “El reto era hacerla cosmpolita, internacional, con muchas localizaciones diferentes, ir abriendo decorados… el reto era transmitir algo diferencial al thriller y que eso fuera la parte humana”.

La “distorsión” entre sus dos mundos

Esa humanidad, esa 'serie sobre personas' que trabajan en el CNI, está interpretada por un reparto con Juan Diego Botto, Elena Martín Gimeno, Israel Elejalde, Elisabet Casanovas, Clara Segura, David Lorente, Nacho Sánchez y Tristán Ulloa. Y en la presentación en el South, tres de sus actrices han tomado la palabra.

Clara Segura es la “jefaza” del CNI, Aitana. La actriz ha explicado que siempre le ha “fascinado lo que no se sabe de las personas que trabajan para una causa”, por lo que para ella El Centro “fue un privilegio”. La intérprete ha valorado especialmente poder acceder a agentes del CNI: “Hemos tenido un acompañamiento, no es fácil cuando no tienes información, y en este caso me ha fascinado poder preguntar, hablar… fuimos al CNI y fue un poco de película o de serie, pero a su vez notas la distorsión que tenemos de las personas que trabajan ahí”.

Una distorsión respecto a su oficio, el de la interpretación, que ha intentado explicar: “De entrada, están entusiasmados y dispuestos a ayudar. Nosotros venimos de otro mundo, somos visibles y recibimos reconocimiento, y para ellos es justo al revés. Trabajan, pero no vamos a saber lo bien que lo han hecho porque no te enteras, porque no pasa nada”.

Sobre su personaje, destaca que estuvo “más activa antes, no tanto de despacho, pero ahora la vemos en un sitio de responsabilidad, y eso le pesa”. Algo que precisamente le convenció a nivel personal: “Fue un lujo el hecho de poder contar con esa información, porque como profesional es cuando más te interesa un proyecto. Por lo que a mí me gustó dedicarme a esto fue por eso, porque me gustaban todas las profesiones y esta te permite ser un poco todo eso cada día”. En El Centro, le toca nada menos que ser la directora del CNI.

El personaje de Elena Martín se acerca un poco a los que en la rueda de prensa atendemos a sus palabras desde las sillas, porque es periodista. En su caso corresponsal, a la que le afecta en primera persona el suceso que desencadena la serie, por lo que se lo toma personalmente. Para Martín también ha sido un aprendizaje personal: “Lo bonito de hacer ficción es entrar en mundos que desconoces y aprender, y el mundo del periodismo siempre me ha interesado. No sabía ni me había adentrado en la vida de una corresponsal”.

En su caso, trabajar con una periodista y corresponsal como Cristina Solias le ayudó: “Fue muy importante entender cómo alguien que empieza muy joven ya tiene un recorrido, no es una periodista que acaba de empezar, y eso me generaba muchas preguntas. Su motivación de ir a un lugar que pone tu vida en riesgo, ir a un lugar del que la gente huye…”.

A la hora de materializar el personaje, explica: “Además de los ensayos, que fueron muy gratificantes, para hilar fino e ir a la contra de ideas preconcebidas, hablar con una periodista como Cristina Solias, corresponsal en Moscú que también estuvo en la guerra de Ucrania, y entender su motivación, estar en el lugar en el que nacen las noticias, su adrenalina al tener info valiosa en sus manos... Cuando te hablan con pasión es fácil llevártelo al personaje. El viaje ha sido muy bonito, no había trabajado en este género además”.

Elisabet Casanovas, por su parte, interpreta a la becaria de El Centro. Un perfil a menudo denostado, o infravalorado, que en la serie rápidamente adquiere una importancia vital por una investigación. La actriz deja claro que “queríamos huir de los estereotipos de lo que significa ser espías, saber detrás de estas personas qué pasa, qué miedos hay, si les habrá costado llegar, cuáles son sus inquietudes, cómo se trabaja ahí…”

Para ello, reconoce que “colaborar y tener respuestas de los que lo viven es un privilegio”, agradeciendo al director haberles “acompañado” para que todos los actores estén “dentro de un tono que es más difícil de lo que parece, por encontrar el no caer en el cliché”. En su caso, al interpretar a la novata, ha reconocido que: “A mí me surgieron dudas por si podía hablar con alguien que llevase poco tiempo en su trabajo, como mi personaje en la serie. Los puntos de vista eran diferentes”. Finalmente, lo logró.

“Me quedo con haber conocido a gente que desconocía y poner en valor lo que hacen”

Como creador y guionista, David Moreno también ha querido incidir en ese intento por alejarse de los clichés que sobre todo nos vienen de la espectacularidad de las películas y series hoollywoodienses: “El imaginario colectivo tiene una idea sobre el CNI, piensas en lo que ves en la prensa… pero yo quería entrar de verdad y ver cómo es ese trabajo, porque no conocemos el mundo de la inteligencia. No son espías, trabajan en inteligencia. Me apetecía contar algo lo más realista posible, y eso implica investigar de verdad y quitarte prejuicios”.

Como ha añadido sobre los verdaderos agentes del CNI, “de su trabajo diario no tenemos ni idea. Cuando funciona, cuando todo va bien, es cuando no se enteran. La de eventos que han podido pasar y no sabremos nunca... Todos los trabajos tienen su parte buena y la mala, el mundo de la inteligencia en cualquier parte del mundo se hace visible cuando se falla. Los servicios no dan información, y me parecía interesante hacerme preguntas”.

Desde la dirección, David Ulloa ha querido reflejar esos matices: “Para los personajes, en esta serie o en cualquier otra, los grises siempre están mejor. Encontrar las imperfecciones en los protagonistas es más atractivo, como director me interesan los fallos, las dicotomías morales, que intenten resarcirse... la ambigüedad es más interesante que quedarse a un lado o al otro. Me quedo con haber conocido a gente que desconocía y poner en valor lo que hacen, que desconocemos completamente”.

El realizador ha ahondado en ese reconocimiento: “Nos ha ayudado a entender cosas simples como qué hace esta gente. Eran preguntas absurdas: ¿Cómo entran, os conocéis por los nombres, hay familias dentro? ¿Os podeis presentar como amigos? Nos han enseñado sus traumas, sus flaqueos ante la traición de compañeros… de todo eso se habla en la serie”. Absorver toda esa información ha sido sencillo, pero también respetuoso: “Para abordarla mi premisa fue ser lo menos invasivo posible, no interceder desde mi narrativa a lo que contaban. Mucha referencia del cine europeo, y no ya de espias sino de cine de los 90, 2000, ingleses, francesas... y es en lo que me siento cómodo. Dejas escapar un poco el thriller… pero si que diría que hay referencias de ese tipo de cine para ahondar en la parte humana, contar lo sencillo en un único plano, hilar su actuación, dejar la cámara encima... robarles la intimidad de los personajes, que es a lo que me he dedicado esos meses”, ha concluido bromeando.

La tercera edición del South International Series Festival, que se celebrará del 12 al 17 de septiembre en Cádiz, desplegará una programación repleta de grandes estrenos y nombres de referencia internacional. Uno de los grandes focos de este 2025, estará sobre una de las novedades que presenta el festival en este ecuador del mes de agosto, y es que la actriz Diane Kruger (Troy, Inglourious Basterds o En la sombra) será una de las grandes estrellas que visitarán Cádiz, presentando Pequeños desastres, producida por Roughcut Television en asociación con Fremantle para Paramount+ UK e Irlanda, y adquirida en España por HBO Max: un intenso drama que explora los límites de la amistad y la maternidad.

Otras de las novedades que presenta hoy South para su cita de 2025 tendrá lugar el sábado 13 de septiembre, una de sus jornadas más intensas y diversas del festival, con estrenos que van desde la música y el arte hasta el thriller más adictivo. La jornada arrancará con dos avances de Womack Studios, como son Bajañí. El viaje de un guitarra, con Niño Josele y su director Fernando Trueba, y Toma, Moreno, docuserie autobiográfica sobre José Luis Moreno.

El público podrá disfrutar también en dicha jornada otra de las novedades, Sense FilTRES, de 3Cat, en la categoría de Ficción, que aportará un soplo de irreverencia y actualidad con Nico Ariso como embajador, a la par que desde Francia llegará Bardot, serie documental producida por TimpelPictures y distribuido por Fremantle, que se estrenará próximamente en Movistar Plus+, que ofrece un retrato vibrante de la legendaria actriz Brigitte Bardot, y seducirá a los apasionados del cine clásico dentro de la novedosa sección de esta edición, titulada como Spotlight. El broche de oro lo pondrá Pequeños desastres, también en la sección Ficción, intenso drama que explora las tensiones y secretos que amenazan con romper la amistad de un grupo muy unido.

El domingo 14 de septiembre, día en el que South International Series Festival vivirá una de sus jornadas más especiales con el homenaje a Paco León, será también jornada para la épica, que llegará a Cádiz con Nibelungos: La guerra de los reinos, serie de gran impacto visual, que combina una narrativa poderosa con misticismo, historia, mitología, romance, magia, fantasía y acción, producida por Constantin Film en colaboración con la emisora alemana RTL, y que será estrenada próximamente en Movistar Plus+. Desde el terreno de la animación y la gráfica, La Morenita. Historia gráfica de la Virgen de la Cabeza, producida por Huri TV en colaboración con Canal Sur TV, ofrecerá un original acercamiento a la tradición mariana andaluza, mientras que el impacto de las redes sociales se analizará con TikTok, un réseau sous influence (TikTok, The War of Data), una coproducción internacional de Morgane Production que revela las implicaciones geopolíticas de la plataforma.

Novedades también para el lunes 15 de septiembre, día de entrega del premio internacional de honor a Chris Brancato, y en el que la música y el arte popular cobrarán protagonismo con La Húngara. Toma que Toma, serie documental producida por LyoMedia para Mediaset Infinity, la nueva plataforma digital de Mediaset España, que repasa la vida, entorno y popularidad de la icónica cantante -presente en el festival- con la participación de C. Tangana y Antonio Carmona, entre otros artistas. La jornada tendrá como broche de oro el estreno del primer episodio de Romi, serie producida por Joko TV (Producciones Mandarina) para Mediaset España que entrelaza el género procedimental y la intriga en sus tramas, centradas en las investigaciones de una detective privada con discapacidad auditiva y una capacidad de observación fundamental para resolver los casos a los que se enfrenta. La ficción traerá a Cádiz a María Cerezuela, Elena Irureta, Edurne Azkárate, Natalia Millán y Asier Etxeandía.

El martes 16, la programación del South traerá propuestas tan potentes e íntimas como Vulnerables, producida por Atresmedia y OnzaTV, sobre jóvenes y salud mental, con asesoramiento de Marián Rojas Estapé, o The Agent – The Life and Lies of My Father, producida por NRK, docuserie ganadora del premio a Mejor Serie Documental en Cannes Series 2025.

El miércoles 17 la programación se despedirá con dos propuestas muy diferentes: Futuro Desierto, producida por Gaumont, un drama de ciencia ficción que reflexiona sobre la soledad y el futuro de la humanidad; y Una perra andaluza, una historia intimista que explora la identidad, el territorio y las raíces andaluzas desde una mirada profundamente personal.

Amén de todo ello, y como ya se anunciase, la programación de Industria de South International Series Fest 2025, que se desarrollará entre los días lunes 15 y miércoles 17 de septiembre, reunirá a algunas de las voces más influyentes del panorama audiovisual nacional e internacional para debatir sobre los retos, oportunidades y transformaciones del sector. Figuras como Chris Brancato (Narcos), Fran Perea, Eva Isanta, Patricia Vico, Ruth García o Clara Ruipérez de Azcárate compartirán escenario con expertos en producción, guion, distribución y marketing como Carmen Páez, Natalia Sánchez, Jorge Coira, Alexis Morante, Pilar Toro, Mariola Cubells o Valentina Viso. Durante las jornadas, se abordarán temas tan diversos como el futuro de las series y su prestigio creciente, los desafíos del clearance en estrenos internacionales, el poder global de la ficción española, el papel de las mujeres en el thriller, la reinvención de la ficción diaria, las oportunidades en las coproducciones internacionales, o la revolución silenciosa de la publicidad digital en el audiovisual. Habrá también espacio para sesiones masterclasses, after works y encuentros que fomentarán la conexión entre creadores, productores y profesionales de todo el mundo, consolidando a Cádiz como punto de referencia para la industria audiovisual.

El South International Series Festival 2025 está producido por Womack Group, y cuenta en este 2025 con el apoyo del Ayuntamiento de Cádiz y la Diputación de Cádiz, entidades oficiales; siendo Mediterráneo Mediaset España Group su Media Sponsor; la Autoridad Portuaria de la Bahía de Cádiz y Rims Mobility sus Sponsor; y la Writers Guild Fundation, el Vicerrectorado de Sostenibilidad y Cultura de la UCA, Canal Sur Radio y Televisión, Iberia, Cultura Inquieta y Crea SGR sus partner.

El South International Series Festival, que celebrará su tercera edición en Cádiz entre los días 12 y 17 de septiembre, apostará este año por una programación con una selección de títulos que combinan “talento emergente, diversidad temática y formatos innovadores”, con una Sección Oficial que destacará por la mezcla de propuestas internacionales de Canadá o Estados Unidos y producciones nacionales “con fuerte identidad autoral”.

Durante la presentación en Madrid, tanto el Ayuntamiento de Cádiz como la Diputación provincial han vuelto a reafirmar su compromiso con un evento que “consolida a la ciudad como referente cultural y audiovisual”, como ha señalado la organización en una nota.

En este sentido, el alcalde de Cádiz, Bruno García, ha destacado que el South tiene “un gran impacto en la ciudad”, tanto “en lo cualitativo” porque sitúa a la ciudad “en el perfil cultural que queremos tener y porque los gaditanos ya han hecho suyo este evento”, como en “lo cuantitativo”, porque “genera un impacto económico directo e indirecto en la ciudad que es muy importante”. “Queremos que los eventos que se organizan en nuestra ciudad dejen huella y el South la deja dando una imagen muy positiva de Cádiz”, ha afirmado, haciendo hincapié en que este año se suman como sedes dos espacios de la ciudad como son el Gran Teatro Falla y el Teatro del Títere.

Por su parte, la presidenta de la Diputación, Almudena Martínez, se ha referido a Cádiz como una provincia en la que “suceden grandes eventos todo el año” porque “tiene alma, capacidad organizativa y apoyo institucional”. Así, ha subrayado “la consolidación” del festival y de Cádiz como “escenario anfitrión”, por su impacto en la economía local y en la promoción de la provincia “en el universo de la industria audiovisual”. Por último, ha hecho un guiño directo a la industria para “seguir poniendo el foco en la provincia como plató de cine”, aseverando que su objetivo es “crear oportunidades en el territorio”, algo para lo que trabajan “en alianza público-privada”.

“Cádiz es historia, luz, sensaciones, sonidos y un destino para las series en el que cuidamos mucho el factor humano. Las productoras pueden encontrar aquí casi cualquier escenario imaginable y además, un trato excelente, algo que puede marcar la diferencia en el resultado de un trabajo. Animamos a las productoras a venir porque les merecerá mucho la pena”, ha argumentado Almudena Martínez.

El acto ha sido también el escenario para presentar el cartel oficial de esta edición, obra del artista Okuda San Miguel, quien ha reinterpretado la carta de ajuste televisiva “como símbolo de la diversidad y evolución del medio audiovisual”. En palabras del propio autor es “un estallido cromático con máscaras indígenas futuristas, que rinde homenaje al dinamismo y la transformación constante del universo seriéfilo”.

Sobre el festival, el Gran Teatro Falla acogerá las galas de inauguración, clausura y además de las proyecciones de la Sección Oficial de Ficción, mientras que el Teatro del Títere será espacio principal para la sección de No Ficción, permaneciendo el Palacio de Congresos como sede de la programación profesional, prensa y acreditaciones y las proyecciones de Sur.

Se crea el Premio Ciudad de Cádiz

Carles Montiel, director del festival, ha destacado la creación del Premio Ciudad de Cádiz, un galardón otorgado por un jurado ciudadano formado por representantes de algunos de los colectivos más representativos de la ciudad, reforzando así su implicación con el festival. Este premio “refuerza el vínculo del festival con su entorno, dando voz a entidades que reflejan la riqueza cultural y social de la ciudad”, como se ha explicado.

El jurado contará con representantes del mundo local gaditano, incluyéndose en él rostros pertenecientes al carnaval, la comunidad universitaria o el tejido creativo local. Así, desde una mirada “popular y crítica”, este premio reconocerá valores artísticos, sociales y de diálogo entre generaciones y culturas.

Además, el South y la Universidad de Cádiz han renovado su colaboración un año más con el objetivo de fomentar la participación de la comunidad universitaria como nuevos públicos. Para ello, se activarán los cuatro campus de la provincia, donde se desarrollarán actividades específicas adaptadas a los intereses del alumnado junto con campañas de comunicación dirigidas a este público y facilidades para su integración en la programación del festival.

El Vicerrectorado de Cultura y Sostenibilidad de la UCA aportará su experiencia con la creación de programas culturales y académicos dirigidos al entorno universitario. Esta colaboración permitirá ampliar la participación crítica y activa de los estudiantes, vinculando el conocimiento con el territorio y fomentando su formación integral a través de propuestas que conectan cultura y aprendizaje.

Primeros nombres y títulos confirmados

Desde Canadá llega Corbeaux, una serie de las productoras Encore Télévision Inc. y Québecor Contenu que amplía los márgenes del thriller psicológico, mientras que desde Reino Unido llegará What It Feels Like for a Girl, un drama adolescente “salvaje y anárquico” que distribuirá en España a través de la plataforma Filmin y que se inspira en las memorias de la periodista y activista trans, Paris Lees.

En el panorama español destaca la presencia de dos títulos que exploran nuevas formas de contar historias desde lo personal y lo urbano. Ella, maldita alma, serie de Mediaset España protagonizada por Maxi Iglesias, Martiño Rivas y Karina Kolokolchykova, narra una historia de amor imposible que ya estuvo presente como Avance en 2024 en el festival; y El Centro, un thriller que narra los entresijos del CNI, protagonizado por Juan Diego Botto, Elena Martín e Israel Elejalde, y abanderado por Movistar+.

En la Sección Oficial de No Ficción, se pone el foco en Una historia muy heavy, producida por RTVE Play, que revisa la historia reciente de la música y la contracultura en España a través de los grupos Barón Rojo y Obús. Se une a ella la confirmación también de Making Manson, producción estadounidense de Renowned Films que se sumerge en el legado oscuro de Charles Manson a través de 20 años de conversaciones inéditas.

Por su parte, Sur seguirá siendo “uno de los sellos distintivos” de South, dedicado a historias contadas desde Andalucía. En dicha línea se contará con Cuando nadie nos ve, producción original de Max que se adentra en la intimidad de una comunidad marcada por silencios heredados y resistencias invisibles, junto a dos temáticas tan distintas como la Semana Santa y el mundo militar.

El Antivlog, una creación de Celia de Molina que cuenta con JJ Bayona y Natalia de Molina en su reparto, rompe los códigos del relato digital tradicional para explorar la identidad en la era del contenido efímero, mientras que Las Tres Mil celebran la vida, protagonizada por el influencer y tiktoker Manuel Jiménez, ofrece un testimonio colectivo desde uno de los barrios más emblemáticos de Sevilla, “apostando por la esperanza, la cultura y memoria viva como forma de resistencia”, como ha definido la organización.

También se ha avanzado que la programación de esta edición incluirá nuevas secciones como Revival, dedicada a títulos que han marcado la historia de la televisión, y Spotlight South, heredera y unión de las anteriores secciones Joyas y Panorama, que anuncia como primer título destacado para esta edición de 2025 la temporada 2 de Crimen y Ley.

Han pasado prácticamente tres años desde que Rusia inició su invasión de Ucrania, y en estos días la guerra vuelve a estar en el epicentro de la política mundial después de que Europa se movilice de urgencia para contrarrestar la reunión bilateral que el nuevo presidente de Estados Unidos, Donald Trump, mantendrá con el líder ruso, Vladimir Putin. En ella negociarán pese al rechazo de Zelenski, mientras todos temen que Trump vaya a apoyar la definitiva anexión de los territorios ucranianos de los que se ha apoderado Rusia.

Este primer párrafo es una extraña introducción para una entrevista realizada a una actriz como Karina Kolokolchykova, que va a protagonizar Ella, maldita alma; la próxima gran serie de Mediaset que se verá en Telecinco. Pero también es un perfecto ejemplo de cómo los dramas de la guerra son mucho más cercanos de lo que creemos, y afectan a personas a las que vemos en nuestra televisión.

Porque Karina Kolokolchykova es de Ucrania, y a sus 33 años ha asentado su carrera en España en series como Servir y Proteger o Paraíso, además de intervenir en otras ficciones, películas y cortos. Algo que le ha permitido huir de la guerra que se vive en su país de nacimiento, y que afecta a toda su familia: “Mi gente lo vive de verdad, y hay mucha culpa cuando lo ruedo”. La actriz explica que para grabar escenas que recrean su país en guerra “hay que estar muy fuerte mentalmente”, y confiesa cómo intenta cambiar el chip: “Lo que me digo cuando lo estoy rodando es que esto puede servir para algo bueno”.

La situación le afecta muy personalmente, como explica de forma desgarradora con el ejemplo de su primo, al que han mandado al frente: “Es un niño de veintipocos años, informático, que vivía con su husky en su casa tranquilo... hasta que te llega la notificación y tienes que ir. (...) Entonces ahora me manda vídeos, al grupo de la familia, de él en un tanque... (...) Lo veo y se me rompe el corazón, porque digo: este chico no tiene que estar ahí”.

La actriz valora esta gran oportunidad, su primer papel protagonista rodeada además de Martiño Rivas y Maxi Iglesias, en una serie creada por Aurora Guerra basándose en el relato homónimo de Manuel Rivas (padre a su vez del actor). Y sobre todo razona de cómo le dará ocasión de hacernos ver lo que sigue sucediendo en su país: “Los días que grabamos como si estuviéramos en Ucrania son muy duros”.

¿Qué supone para ti y tu carrera 'Ella, maldita alma'?

Buf... pues es una mezcla de muchos sentimientos. Para empezar mucha felicidad, no puedo creerme que estoy viviendo mi sueño desde pequeña, poder trabajar en un proyecto así, mi primer papel protagonista, acompañada de este elenco... Y claro, también está esa parte un poco de la presión, cuando confían en ti sin ser muy conocida y te dan esta oportunidad, tienes que estar a la altura, y no decepcionar a nadie, y gustar, y hacerlo bien. Entonces es una mezcla de muchas cosas, pero creo que por encima de todo está la felicidad por vivir algo así.

¿Cómo te llegó el proyecto? ¿Hubo casting, o te llamaron?

Hubo un casting, un proceso largo el pasado verano, que yo estaba en un sin vivir mirando el teléfono [ríe]. Se planteó la opción de hacerme el casting porque yo ya había colaborado con Plano a Plano [la productora] en Servir y Proteger durante años, y ya me conocían. También en Cicatriz. Y entonces era como “esta chica ucraniana, con la que ya hemos trabajado, que sabemos cómo trabaja”... Hubo una llamada, diciéndome: tenemos esta opción, ¿te interesa? Y yo: “Claro, ¿cuándo empezamos?”. Y ellos: no no, hay un casting [ríe]. Hicimos el proceso del casting, y casi el día de mi cumpleaños recibí la llamada conduciendo, y me puse a gritar. A partir de ahí como que me calmé y dije: vale, lo tengo. Y me empecé a preparar. Pero fue un sube y baja emocional todo el rato [ríe].

Interpretas a una chica ucraniana, y como la serie da valor a la multiculturalidad, representas a tu país y tus raíces. En un momento como este con la guerra, ¿qué te hace sentir?

Mucha presión, y como comentan también los compañeros, los días que grabamos como si estuviéramos en Ucrania son muy duros. Porque es como si estuviéramos haciendo “el juego” de los disfraces, de los refugiados, de los cadáveres, de los soldados... Y mi gente lo vive de verdad. Entonces hay mucha culpa también cuando lo ruedo.

Recuerdo el primer día que me impactó mucho porque llegué a donde íbamos a hacerlo, y lo vi, y fue muy duro, la verdad. Pero le quiero dar la vuelta y enfocarlo desde la perspectiva de que vamos a mostrar la realidad sobre lo que está pasando en mi país, para que la gente vea y sienta cómo puede ser vivir en esa situación. Y que sirva para algo, para que la gente vea todo ese dolor. Pero rodarlo es duro, de verdad.

Los días que grabamos como si estuviéramos en Ucrania son muy duros

Karina Kolokolchykova

¿Este papel que te ha hecho aprender? ¿Te ha hecho salir de tu zona de confort?

Mucho, sí, por el tema de la guerra. Esa parte hay que estar muy fuerte mentalmente para rodarlo. Y creo que es un ejercicio de no juzgar. Porque quizás vemos determinadas situaciones desde fuera, y de pronto cuando abordas personajes que pasan por una tesitura que dices: “Si yo estuviera ahí nunca haría...”, y al vivirlo desde dentro no puedes entrar juzgando, tienes que entender lo que está viviendo. Creo que es un buen ejercicio para no juzgar a los demás, porque cada uno vive, fuera de la guerra real, su guerra personal.

La serie ayuda a entender que todos tenemos decisiones difíciles, y que hay que escoger. Y a veces cuando apuestas por tu felicidad puedes dejar a mucha gente herida por el camino. Y puedes romper el corazón a otra persona cuando apuestas por ti. Pero hay una frase que dice Ana [su personaje] en la serie que me gusta mucho, porque ella le dice a Fermín: “¿Y qué nos merecemos nosotros, Fermín? Sólo tenemos una vida, ¿qué nos merecemos nosotros? ¿Apostar por el deber, o por nuestra felicidad?”. Y es una buena pregunta. ¿Qué nos merecemos nosotros?

La serie va a hablar de la guerra, y también de la inmigración.

Sí, yo soy una ucraniana, y voy a dar clases de español a migrantes [ríe].

En definitiva, va a acoger temáticas muy importantes como la inmigración, en tiempos en los que a refugiados de guerra como los ucranianos algunos los consideran inmigrantes ilegales.

En concreto creo que de los ucranianos no se va a hablar, pero sí hay muchos inmigrantes de África, y hay un personaje también proveniente de África. Pero claro, son tramas de otros personajes, en los que justo yo no estoy. Mi trama es muy moral, amorosa, religión... No se trata tanto de política. Pero justo el personaje de Maxi [Iglesias], y hay otros personajes también extranjeros que abordan más esos temas.

Hace poco a mi primo le mandaron al frente. Es un niño de veintipocos años, informático, que vivía con su husky en su casa tranquilo... hasta que te llega la notificación y tienes que ir

Karina Kolokolchykova

¿Crees que mostrar de esta manera la guerra, a través de la ficción, y recordar que todavía hay gente que está muriendo, sirve para abrirle los ojos a la gente?

Sí, creo que sí. Eso es lo que me digo cuando lo estoy rodando: que esto puede servir para algo bueno. Porque hay muchos conflictos, y se produce como un desgaste psicológico, no nos importa de la misma manera, con la misma intensidad todas las guerras. Y Gaza, y Ucrania, y Afganistán, y Siria... Y al final te disocias para protegerte, para disfrutar de la vida. Y eso conlleva la culpa, porque claro, no estás ahí. Es un cacao de sentimientos y emociones. Pero está bien, sí, recordar que eso sigue pasando, lamentablemente. Y bueno, igual sirve para algo.

¿A ti te ha afectado a nivel familiar, o con amistades, la guerra?

Sí, porque toda mi familia está ahí. Mis abuelos, mis primos... todos siguen viviendo allí menos mis padres. Y de hecho, hace poco a mi primo le mandaron al frente. Y no sé si está en Donbass, en Donetsk... no sé dónde está. Es un niño de veintipocos años, informático, que vivía con su husky en su casa tranquilo... hasta que te llega la notificación y tienes que ir. Porque si no vas, vas a prisión. Es obligatorio. Entonces ahora me manda vídeos, al grupo de la familia, de él en un tanque... Que es como si tú, mañana, estás en un tanque. No es un soldado, no es un mercenario, no es su sitio. Pero lo hace, y lo hace como orgulloso, como: esto es mi país, esto es donde tengo que estar. Está cantando con sus compañeros... Pero lo veo y se me rompe el corazón, porque digo: este chico no tiene que estar ahí.

¿Por eso también es importante que las figuras públicas, dentro de lo complicados de hablar que son estos temas, se expresen en redes para que la gente no se olvide?

Sí, pero también yo siempre he tenido este conflicto de hasta qué punto se preguntan muchas cosas políticas a los actores. Incluso mientras crecía, me preguntaba y yo decía: Jo, es que si a mí me preguntan sobre cualquier conflicto, o cosas políticas, diría: es que yo no lo represento. Yo no soy el portavoz de, o yo no soy especialista en geopolítica, en diplomacia. Entonces también a veces posicionarme mucho, digo: Es que no lo represento, no tengo el conocimiento suficiente. Y por ejemplo, si hablo de Ucrania, es porque es una cosa personal, sentimental mía. Pero cuando me preguntan cosas políticas, digo: es peliagudo, porque todos podemos opinar, pero no soy nadie; y enseguida la gente te sitúa, te etiqueta, te pone en un lugar. Entonces... bueno, se responde dentro de lo que se puede [ríe].

Mi primo ahora me manda vídeos, al grupo de la familia, de él en un tanque. Lo veo y se me rompe el corazón

Karina Kolokolchykova

Hablabas antes de 'Servir y proteger', en la que tuviste un shippeo importante con otra actriz. Ahora vas a estar entre Martiño Rivas y Maxi Iglesias, ¿puedes ser una de las mujeres más envidiadas de España cuando la serie salga?

[Ríe] Envidiada, u odiada... Está siendo un aprendizaje, claro. Ellos llevan casi toda la vida rodando, trabajando. Están siendo muy generosos conmigo. Son personas de las que puedo aprender, dan buenas ideas. Improvisamos mucho también en determinadas secuencias y la verdad es que se lo agradezco mucho porque están siendo muy pacientes, muy generosos y como muy dispuestos a “¿Qué necesitas?”, “Te acompañamos”... Entonces agradezco mucho, la verdad, que sean así. Porque hay cosas que digo: “Joder, esto es mi primera vez, estoy nerviosa”, y me dicen: “Tranquila, no te preocupes”. Está siendo guay, la verdad. Estoy bien acompañada [ríe].

Fuera de 'Servir y proteger', has hecho muchas películas y cortos de terror, como 'La abuela' con Paco Plaza. ¿Lo buscas?

No tantas como me gustaría [ríe]. Es que es mi género favorito, y si pudiera, rodaría más. Es que me encanta el terror. Tengo muchos castings de terror, como de aparición demoníaca, fantasma, bruja... También estuve en Paraíso, en Movistar Plus+, con efectos especiales de todo el cuerpo que eran como ocho horas de preparación para ser una no-muerta. Sí, me encanta. Todo lo que sea terror, que me llamen, que me gusta mucho [ríe].

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Movistar Plus+ nunca ha renovado a ninguna de sus series hasta llegar a una cuarta temporada... pero “igual les ha llegado el momento de echarle un pensamiento, ¿no?”, nos dijo Alberto Caballero en su reciente entrevista con verTele. La “culpable” de este hito podría ser Muertos SL, la comedia que ya tiene fecha para estrenar su segunda temporada, que sin siquiera lanzarse ya ha terminado de grabar su tercera tanda... ¿y que será la primera ficción de Movistar Plus+ en romper esa barrera?

Aunque la respuesta a esa pregunta todavía no se sabe, y de hecho habrá que esperar a las dos temporadas que quedan por emitirse, su creador y guionista junto a la también creadora y directora Laura Caballero dejan clara su voluntad de seguir adelante con una comedia “que es muy agradecida”, en la que lograron volver a triunfar con su sello trasladándolo a un ámbito completamente distinto como es el funerario. Y sus actores, también lo ven con buenos ojos.

Aprovechando el South International Series Festival de Cádiz, donde presentaron la segunda temporada de Muertos SL, también pudimos hablar con Adriana Torrebejano, Amaia Salamanca y Salva Reina, que entre muchas risas nos dijeron cómo les han “afectado” sus papeles: “Me ha pasado de verme yo como analizando el trabajo que ha hecho la tanatopractora”.

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¿Qué sorpresas de vuestros personajes vamos a ver en la segunda temporada?

Amaia Salamanca: Pues... Vanesa tiene una relación inesperada [ríen].

Salva Reina: Pero inesperada absoluta, vamos.

Adriana Torrebejano: Sí, sí, inesperadísima. Cuando leí eso me quedé muerta, dije: “¡¡¿Qué?!!”.

Salva Reina: Muerta SL se quedó [ríen].

¿Da reparo enfrentarse a la muerte, aunque sea desde la ficción? Por ejemplo las escenas de tanatopraxia... dan cosita.

Adriana Torrebejano: Yo me repito todos los días lo mismo en el set de rodaje. Porque a veces son gente viva, y a veces son muñecos. Te puedes llevar más de un susto.

Salva Reina: Y es curioso eso, porque me ha pasado alguna vez estar allí, tocar el muñeco y decir: joe, qué bien hecho está. Y que me diga: '¡Es que soy yo!', y pedirle perdón [ríe]. Tocarle así como el pie y tener que decirle: perdone caballero, que usted está vivo.

Cuesta mucho aguantarse la risa en esta serie, es un trabajo

Adriana Torrebejano

¿Cómo os lleváis con vuestros personajes?

Amaia Salamanca: ¿Estamos juzgando al personaje?

Sí, por favor.

Amaia Salamanca: [Riendo] A mí me encanta mi personaje. Ella tiene sus valores muy claros, la ambición de querer, a parte de joder a Dámaso, seguir escalando posiciones en su profesión, y no le veo nada malo. Sigue sobreviviendo con un hijo al que también tiene que cuidar. Es una tía fuerte.

Adriana Torrebejano: A mí es que me encanta Manuela. Esa frialdad, esa manera de luchar por todo, porque todo es una lucha para ella y si no la hay se la inventa... Su manera de trabajar es esa: a ver qué hago hoy para entretenerme. Es que no tengo nada malo que decir de ella...

Salva Reina: Yo sí, a mí no me cae bien Nino [ríe]. Es un completo indeseable, pero a la hora de enfrentarte a él es divertido. A nivel actoral y profesional es un punto guay ser alguien que no te cae bien. Y hay una cosa que sí me gusta, que yo pregunté al principio si eliminaba el acento, y me dijeron que mi acento andaluz estaba bien, y claro lo típico del buscavidas o que no llega a las deudas... yo pregunté: “¿Pero es un indeseable, no?”, me dijeron que sí, y me gustó muchísimo afrontarlo desde ese punto, no desde el típico dicharachero sino un tipo amargado, derrotado, y absolutamente triste.

Adriana Torrebejano: Ahora me ha hecho pensar, ¿no hay nadie “sonriente” en la serie, no? Porque por ejemplo Manuela también es super triste.

Amaia Salamanca: Chemi [el personaje de Diego Martín].

Adriana Torrebejano: Chemi, claro. A mí me cuesta mucho estar siempre tan seria. Sobre todo porque cuesta mucho aguantarse la risa en esta serie, es un trabajo. Salva se inventó una técnica que es, en mitad del rodaje cuando como siempre te da la risa por algo, antes de que ruedes te repites 'La muerte, la muerte, la muerte'.

Salva Reina: Y viene la muerte [ríen].

¿Os ha pasado alguna de las locuras que cuenta esta serie?

Salva Reina: A mí no, pero sí tengo gente cercana que trabaja en funerarias y tal, y me dicen: es que estas cosas nos han pasado. De tener que recoger a un hombre con sobrepeso y no saber por dónde sacarlo, de un tipo que vino a prepararse su propio funeral, incluso las guerras que hay de los comerciales, los enfermeros compinchados para que llamen primero... Son cosas que pasan.

Adriana Torrebejano: Tuvimos que aprender a hacer tanatopraxia de verdad, y a mí me dan mucho reparo la muerte y los muertos. No me gusta ir a los cementerios... lo evito. Pero sí que me ha pasado el tener que ir a un velatorio, de un familiar de una amiga este año, y por un momento he pensado qué le habían practicado [risas]. ¿Sabes qué pasa? Que una vez te preparas un personaje como Manuela, que es tanatopractora, ya ves el truco y qué se hace, a nivel profesional. Y me ha pasado de verme yo como analizando el trabajo que ha hecho esa tanatopractora.

Con tu amiga al lado.

Salva Reina: Y ella diciendo: ¡Así no se hace! ¡Así no se cose la boca!

Adriana Torrebejano: [Riéndose] Es que sí que me ha pasado. Y he dicho: joder, Adriana... Pero es que ya sabes todo lo que le han hecho, ya no sólo ves a una persona. Yo antes veía un velatorio desde un punto de vista religioso, de una despedida familiar, algo bonito. Pero una vez ves el otro lado, el show, pues te fijas en las bambalinas del teatro. Y al ver a ese fallecido, de repente... Mira, yo nunca había mirado tan de cerca a un muerto, ¿sabes? [ríen]. Y ahora, después de hacer a Manuela, cuando he tenido que ir a un velatorio, lo he mirado diferente.

Mira, yo nunca había mirado tan de cerca a un muerto, ¿sabes?

Adriana Torrebejano

¿Os liáis?...

Salva Reina: Sí, entre nosotros. Ah no, perdona, que no habías acabado la pregunta [risas].

Ah vale, entonces la acabo: ¿Os liáis al promocionar esta segunda temporada, teniendo en cuenta que habéis terminado de grabar la tercera?

Adriana Torrebejano: ¡Sí! Casi se nos escapan cosas de la tercera.

Salva Reina: Es como que de repente dices: ah no, no, eso no se puede contar.

Si os ha cambiado tanto en un año, que Adriana decía que ya tiene esa visión profesional, los Caballero llevan 15 años con La que se avecina. ¿Os veis dentro de 10 años con Muertos SL?

Salva Reina: Pues sería maravilloso.

Adriana Torrebejano: ¡Por supuesto! Yo ya he disecado a dos zorros en mi casa, para practicar [ríe]. Es broma eh, es mentira, por favor.

Amaia Salamanca: Ojalá. Pero también digo: son seis capítulos de 30 minutos. Es que una temporada de las de antes son más de dos de ahora, porque antes eran 70 minutos y trece capítulos. Ahora una temporada son seis capítulos de 30 minutos. Que nos dé para quince temporadas, vamos.

¿Permite también hacer otros proyectos, no?

Amaia Salamanca: Eso es maravilla.

Ahora una temporada son seis capítulos de 30 minutos. Que nos dé para quince temporadas, vamos

Amaia Salamanca

¿Cómo lleváis los cambios de registro? Adriana ha pasado de presentar A qué estás esperando, que es un registro digamos muy distinto, a Muertos SL. Espero que no hagas crossover, por cierto.

Salva Reina: [Ríen] Bueno, eso sería... también hay gente tiesa.

Adriana Torrebejano: ...Y bastante tiesa eh... Bien duro en ambas series, un trabajo bien duro en ambas series... [risas].

Salva Reina: Y gente desnuda. Que al final en la tanatopraxia también hay mucha desnudez.

Adriana Torrebejano: [Sin parar de reír] Jamás pensaría que A qué estás esperando y Muertos SL tienen tanto que ver, tantas similitudes. He visto mucho rigor mortis, he visto mucho cuerpo desnudo, y he tocado cosas bastantes frías en ambas series, la verdad. Pero bueno, creo que los actores nos enfrentamos a eso, y esa es la riqueza de nuestro trabajo, cambiar los géneros. De hecho, yo rodé la segunda temporada y la empalmé, nunca mejor dicho, con A qué estás esperando. Y claro, no tiene nada que ver: Manuela es una persona muy fría, con cero contacto, como muy 'padentro'; y Sonia es todo lo contrario, es una mujer super explosiva, sonriente, con ironía, con una viveza que no tiene Manuela.

Salva Reina: Pero esto es lo bonito, poder tener la oportunidad de hacer cosas así al final es lo que todo actor y actriz quiere. Que el proyecto nuevo que te salga sea completamente diferente a lo que hayas hecho hasta ahora.

¿Vais a ir a promocionarla a El Hormiguero, o a La Revuelta?

Salva Reina: ¡Pues donde nos lleven! Con un poquito de suerte, a ninguno de los dos [ríen].

Adriana Torrebejano: Con la primera fuimos a El Hormiguero, que fuimos Salva y yo; y a La Resistencia, que estuve yo con Carlos [Areces]. Hemos ido a los dos sitios. Y yo hace poco también estuve otra vez en El Hormiguero, con la serie de Atresmedia.

Salva Reina: O sea, Adriana irá, no sabemos con quién [ríen]. Y a mí me haría mucha ilusión ir a Jara y sedal. O a Cifras y Letras... ¡donde nos lleven! O al Tiempo, estaría muy bien dar el Tiempo.

¿Veis los papeles de compañeros y opináis? ¿Alguna vez le habéis dicho a un compañero: 'Este no me ha gustado'?

Adriana Torrebejano: ¡Habría que ser ruín!

Salva Reina: No hombre no... ¿tú le dices a un compañero tuyo: 'el otro día hiciste una entrevista y fue un mojón'?

Pues... si hay confianza... yo sí he dicho a compañeros: 'Oye, he leído esto, y yo creo que aquí te has equivocado'.

Salva Reina: Ah bueno, pero 'te has equivocado', no que es un mojón.

Mojón no joe, pero me refiero a opinar. Las críticas pueden ser positivas y negativas.

Adriana Torrebejano: Eso sí, una crítica constructiva sí.

Salva Reina: Pues mira, yo no soy de opinar a no ser que me pregunten. Y tampoco las recibo bien, quiero decir, si yo no te he preguntado, no me importa tu opinión [ríe].

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Javier Gutiérrez es uno de esos actores a los que nunca les importó hacer televisión. ¿Por qué no aceptar un papel en una serie? “Independientemente del medio, lo que quiero es contar buenas historias”, defiende el asturiano. En 2017, tras ganar un premio Goya por La isla mínima, protagonizó 52 capítulos de Estoy vivo (TVE). Después hizo Vergüenza y Reyes de la noche, ambas para Movistar Plus+, y este año se ha cubierto de gloria con otro papel memorable en El caso Asunta (Netflix). “Si no fuese por la televisión, estoy seguro de que más del 50% del público no vendría a ver las funciones de teatro que hago”, reconoce.

Ahora tiene entre manos otro proyecto para la pequeña pantalla, esta vez con Mediaset. Encabeza el reparto de La Agencia, una serie que sigue los pasos de cuatro agentes de representación artística. Gutiérrez da vida a uno de estos negociadores incansables que hacen hasta lo imposible para que sus clientes estén siempre bajo el foco. Manuela Velasco, Carlos Bardem y Fiorella Faltoyano interpretan al resto.

La Agencia es la versión española de la exitosa serie francesa Call my agent, ganadora de un premio Emmy. Aunque su rodaje acaba de comenzar y, por lo tanto, es todavía muy pronto para hablar de fecha de estreno, a finales de octubre ya se dieron algunas pistas sobre este proyecto en el South International Series Festival de Cádiz. “A priori, al espectador no le interesaría mucho que se hable del mundo de los representantes, así que la serie ahonda en las relaciones de pareja, en las infidelidades, los celos, las disputas familiares, los codazos en el trabajo”, contó el actor durante un corrillo con varios medios de comunicación, entre ellos verTele.

El remake español tendrá más comedia y conservará el “punto cabrón” de la versión francesa. “Los actores no vivimos al margen de las miserias de cualquier otro oficio”, destaca Gutiérrez sobre la competencia y los desmanes del mundo laboral. La suya es una profesión más, insiste el intérprete, pero no todos los trabajos dan para una serie. ¿O quizá sí?

Cuéntanos acerca de tu personaje en 'La Agencia'

Yo interpreto a Gabriel Solá, que es uno de los cuatro representantes que llevan la agencia. Él está un poco superado por sus circunstancias vitales y profesionales. Es un personaje que, en muchos momentos, lleva el peso de la comedia de la serie.

Este es un remake español de la serie francesa, que está teniendo mucho éxito en el mundo y tiene remakes en diferentes países. El nuestro tiene de particular que va a ahondar más en la comedia que la serie original.

¿Va a haber menos 'cabronismo' que en la original?

A priori, al espectador no le interesaría mucho que se hable del mundo de los representantes y de las agencias, así que [la serie] ahonda en las relaciones de pareja, en las infidelidades, los celos, las disputas familiares, los codazos a la hora de ascender... Tiene ese punto cabrón que tiene la serie francesa.

¿Habéis vivido situaciones de este tipo en el mundo de la interpretación?

Los actores desempeñamos una profesión como cualquier otra. Decidme dónde no pasa esto, porque si empezamos a hablar del periodismo... No vivimos al margen de las miserias de cualquier otro oficio.

Nuestro remake tiene de particular que va a ahondar más en la comedia que la serie original

Javier Gutiérrez

'Call my Agent' es muy popular. ¿La habías visto antes de que se plantease este proyecto?

Había visto algo, pero ahora he visto mucho más para ver el tono de la francesa, el perfume de la original. La nuestra se distancia mucho de ella.

Una de las premisas de la versión francesa es que, en cada episodio, hay un actor que hace una versión ficticia de uno mismo. ¿Va a ser así en la versión española?

Eso no me compete a mí [dar los nombres], pero sí es cierto que va a haber primeros espadas de la interpretación interpretándose a sí mismos como en la serie francesa.

¿Imaginas una versión en la que tú hagas tu papel de Gabriel, y a la vez hagas de Javier Gutiérrez ficticio?

No tengo el don de la ubicuidad como para hacer eso, pero si me ofreciesen interpretarme a mí mismo en una serie como esta, me haría gracia, sería algo simpático.

¿Qué es lo que más te atrae de tu personaje?

Creo que me va a permitir transitar sin solución de continuidad entre el drama y la comedia, que es algo que me apetece mucho. Hacer un personaje de televisión de 13 capítulos te da para probar y experimentar mucho. Da para divertirse. Yo soy un gran defensor de la televisión y creo que, a los actores, este tipo de trabajos donde podemos pasar por diferentes momentos y disfrutarlos con el personaje, es algo que en el cine no se puede hacer.

Aunque no tienen nada que ver, esta serie se va a comparar con 'Paquita Salas'

Que sea del mismo gremio no quiere decir que tenga ningún paralelismo con Paquita Salas. Ese es un personaje tan brutal que tiene [para sí mismo] absolutamente toda la serie, en la que hay una galería de personajes muy peculiares. Aquí hay otro tipo de fauna y flora.

¿Qué tipo de representante es Gabriel Solá?

Lleva muchos años en el negocio y se desvive por sus actrices y actores. Es un tipo muy honesto, y con algunos de ellos tiene una relación casi de amistad más que de profesión.

Dado que cada episodio tiene varias estrellas, es una oportunidad para que coincidas con otros grandes profesionales. ¿Cómo vas a vivir esos momentos?

No lo sé. Es cierto que hay compañeros con los que nunca he rodado y con los que me apetece mucho encontrarme. Va a ser curioso que ellos hagan de sí mismos, y yo interprete un personaje.

¿Con Marta Hazas y Manuela Velasco habías trabajado antes?

Manuela Velasco interpretó un personaje en Águila Roja, pero no coincidimos en ninguna secuencia. Con Marta acabo de presentar La vida breve de Movistar Plus+; hace un cameo en el primer capítulo, pero no tenemos ni una sola línea de diálogo juntos. Me apetecía mucho trabajar con ellas porque son dos actrices que manejan muy bien la comedia y el drama. Voy a tener una relación muy particular con las dos.

Vosotros también tenéis representantes. ¿Habéis hablado con ellos para prepararos vuestros personajes?

La mía es una mujer y hablo casi a diario con ella. En ese sentido, sí reconozco mucho de lo que hay en mi personaje porque mi relación [con su representante] va más allá de lo profesional. Muchas veces, los representantes se convierten en padres, madres, amigos y compañeros a los que contamos secretos inconfesables. Por momentos, saben de nuestras vidas más que nosotros mismos. Yo tengo la experiencia profesional de haber tratado no solo con el mío, sino con muchos representantes, y de ver lo diferentes que son. Más allá de un guion muy bien escrito, hay muchas versiones de los cuatro o cinco primeros capítulos.

¿Qué dicen ellos al verse así retratados?

Un representante no tiene por qué ser cabrón. Sí es verdad que es la cara amarga que negocia cosas que un actor no tiene por qué negociar. El actor se viste, se maquilla y sale al set a dar lo mejor de sí mismo, pero no tiene que estar enfrentándose a cosas para las que están los representantes.

Los representantes os cubren en muchos malos momentos.

Están en lo profesional y en los momentos personales. Yo, por fortuna, soy un actor que trabaja, pero hay que apuntalar e insuflar ánimo y energía a los compañeros y compañeras que no trabajan.

También es interesante mostrar lo que hay entre las bambalinas de la profesión

Claro, es que esta serie va de eso, de cómo los representantes luchan, pelean y, si hace falta, mienten para que sus representados consigan el trabajo perseguido.

Un representante no tiene por qué ser cabrón, pero sí es la cara amarga

Javier Gutiérrez

¿Ha influido el movimiento Me Too en las relaciones que hay entre bambalinas, y se va a ver reflejado en la serie?

De momento, no. Esta serie va por otro lado, y tampoco queremos alejar al público de lo que se cuenta en la serie, que es una agencia de representantes de actores con sus éxitos, frustraciones y fracasos.

Hubo años en los que un actor de cine no podía hacer una serie porque parecía que se estaba rebajando. Tú nunca has sido de esos, ¿te sientes uno de los referentes de eso? ¿Qué les dirías a esos compañeros que sí tenían esa percepción?

No soy referente de nada, pero sí tengo una idea de lo que es este oficio. Independientemente del medio, lo que quiero es contar buenas historias y acceder a buenos personajes que me aporten a mí y a los que yo pueda aportar. En ese sentido, la televisión es un maravilloso trampolín de entrenamiento. Si no fuese por la televisión, estoy seguro de que más del 50% del público no vendría a ver las funciones de teatro que hago. Para mí es una pena que el cine se vea en una pantalla de televisión; quizá soy un romántico, pero el cine tiene que verse en una pantalla de cine. Pero a la hora de producir y de hacer, todo se ha fusionado: los tiempos son los mismos, la forma de producir es la misma y la forma de interpretar es la misma. Con lo cual, ahora nos hemos dado cuenta de que la gente que hacía televisión no estaba equivocada porque, al final, de lo que se trata es de hacer historias.

En la época en la que las series arrasaban en abierto, los hermanos Alberto y Laura Caballero ya triunfaban con Aquí no hay quien viva y después con La que se avecina, que aguantó incluso cuando las plataformas ya impusieron su nueva forma de consumo. Y desde entonces, han sabido adaptarse no sólo manteniendo las dos ventanas con la propia LQSA y la ya cerrada El Pueblo, sino también produciendo directamente para plataformas como hacen en Muertos SL (Movistar Plus+) o Machos Alfa (Netflix).

Alberto Caballero, como creador, productor ejecutivo y guionista; y Laura Caballero, como creadora y directora; son el binomio más exitoso de la comedia televisiva española de las últimas dos décadas. Los “hermanos Caballero”, su nombre artístico para los periodistas, se completa en realidad con el resto del equipo de su productora Contubernio encabezado por su inseparable Daniel Deorador. Y entre todos han moldeado un sello propio que, pese a la crítica más repetida por algunos, les permite hacer humor con cualquier cosa.

Ahora que los audímetros ya no pueden reflejar el éxito de las series, ellos siguen dando que hablar cada semana con el nuevo capítulo de LQSA, hasta cuando sus fans les riñen por “matar” a uno de sus personajes. Alberto Caballero se lo toma con ironía, sabedor que lo importante es que pese a los cambios sigan provocando impacto. Lo mismo que logran con sus otras dos series, aunque ellos mismos bromeen con que “da igual qué te pase: esto es lo principal, La que se avecina es lo importante. El resto de tu vida ya no importa” y reconozcan que ha sido difícil mantener en secreto la renovación de su comedia estrella.

Aprovechando el South International Series Festival de Cádiz, en el que presentaron lo nuevo tanto de LQSA como de Muertos SL, hablamos con Laura y Alberto Caballero sobre sus series, su concepción de la comedia, y sobre todo de acabar con el debate de los 'límites del humor' y las 'líneas rojas': “No hay líneas rojas, y se demuestra en que puedes tratar temas delicados”. Algo que Alberto Caballero también defendió en su masterclass.

¿La renovación de La que se avecina es el secreto mejor guardado que habéis tenido en vuestra vida? Porque ha costado, ¿eh?

Alberto Caballero: [Mientras ríe] No, no, no. Tenemos alguno mejor todavía.

Laura Caballero: Yo creo que ha habido alguno mítico, más que este.

Alberto: Lo que pasa es que esto ha sido un proceso largo. Y llega un momento en el que sí, tienes que hacer esfuerzos porque la presión externa es tal que dices: 'Hostia, por qué no puedo decirlo ya'. Y hemos tenido que esperar. Pero ha costado, sí.

Laura: Cuesta porque te lo recuerdan a diario. Es que da igual qué te pase: esto es lo principal, La que se avecina es lo importante. El resto de tu vida ya no importa [ríe].

Alberto: Es que no somos series humanos, es Matrix. A nosotros nos han enchufado en unos sitios para hacer una serie, y ya está. Y el resto se la suda [ríe].

Laura: Y lo demás nos tiene que pasar simplemente para coger ideas, punto [ríe].

A los personajes les cojo un cariño que luego me cuesta muchísimo pensar en el fin

Laura Caballero

¿Con Muertos SL os veis 15 años también, o no?

Alberto: Bueno, a priori ya siempre pensamos cosas más cortas...

Laura: Lo que pasa es que es jodido luego, porque les coges tanto cariño... En el caso de Muertos, además, es tan agradecida de producir, tan divertida, tan rápida... Y yo a los personajes les cojo un cariño, que luego me cuesta muchísimo pensar en el fin.

Alberto: El otro día nos dijeron en Movistar: “Nunca hemos hecho cuatro temporadas de una serie”. Y digo: 'Pues igual os ha llegado el momento de echarle un pensamiento, ¿no?' [Ríe]. Nosotros, mientras dé juego y te lo pases bien... Hay que tener en cuenta, además, que ahora lo de las series de media hora es una maravilla. Porque son mucho más fáciles de hacer. Estas series que son más fáciles de hacer, que dura menos el proceso de producción... Si lo consigues encajar de calendario, y a ti te divierte grabar, y son divertidas de escribir, pues nosotros no nos planteamos acabar. Tampoco tenemos ese rollo de autor que dice: 'Hostia, hacer una segunda temporada es humillante. Yo soy un artista'.

¿De hecho es al revés, no? Por ejemplo Nathalie Seseña ha valorado lo increíble de poder desarrollar un personaje 15 años.

Alberto: Sí, lo que pasa es que depende mucho de la naturaleza de cada persona. Y nuestra naturaleza en ese sentido es que luego nos apegamos mucho a las cosas y a las personas. Y yo entiendo que habrá gente que tenga la capacidad de hacer una primera temporada, o una serie de puta madre, y decir: no hago más. Pero nosotros eso no sabemos hacerlo.

Laura: Ni podemos. Cogemos mucho cariño enseguida.

Por seguir con el repaso, Machos alfa ¿cómo va?

Alberto: Bien, bien. Estamos escribiendo la cuarta temporada. Como siguen pasando cosas con respecto al patriarcado y a la masculinidad tóxica, y lo digo en general...

Laura: Por lo que sea, por quien sea.

Alberto: Es una serie también súper agradecida de escribir. Es más complicada de grabar, porque todo son exteriores, casi todo sucede en el centro de Madrid, que tampoco te lo ponen especialmente fácil... Entonces es más dura de producir, pero de escribir es una gozada.

¿Tras lo de Errejón, no habréis metido a un político en las próximas tramas, no?

Alberto: No. No lo hemos metido, pero, ostras... mola la idea.

Laura: Encajar, encaja [ríe].

Alberto: Es que un progre feminista abusando y acosando... Pues está muy bien para meterlo.

¿Demasiado irreal, otra vez la realidad superando a la ficción?

Laura: Es demasiado jugoso para una serie.

Alberto: Si es que al final dices: es un chiste todo.

Un progre feminista abusando y acosando... Pues está muy bien para meterlo en 'Machos Alfa'

Alberto Caballero

Os hago esta al revés: ¿Estáis hartos de que os pregunten por los 'límites del humor' y las 'líneas rojas'?

Alberto: Sí, porque al final es un debate que no es real. Quiero decir, si es que de verdad que no nos pasa nada. Nadie nos dice nada, luego tampoco se enfada nadie...

Laura: De hecho creo que históricamente había más críticas en la época de Aquí no hay quien viva y tal. Y eso que era más difícil hacerlas llegar, que era casi a veces por carta [ríe]. Y ahora de verdad que no.

¿Quizás el tema es que ahora es más fácil quejarse y unirse?

Alberto: Pues mira, debemos de estar teniendo suerte porque llevamos una época larga en la que nadie se nos queja de nada. Y no hemos bajado el pistón en el sentido de polémica, o de cosas de las que hemos hablado. Yo creo que la gente se acostumbra y se adapta. Es más un miedo de la industria a “uf, si dicen esto o este personaje es así, nos van a dejar de ver cualquier cosa que hagamos”. Y se ha demostrado ya que no. Entonces, creo que en eso es de agradecer que tanto en Netflix como en Movistar nos han respetado la autoría al 100%, y lo agradecemos mucho. Y cuando nos preguntan de fuera, los medios o lo que sea, es que no es un conflicto real. Nos están preguntando por una línea roja, por una cosa que ni la otra parte, ni nosotros, ni el público está fijándose en eso.

Lo mejor de nuestro trabajo es que nadie tiene ni puta idea de lo que está haciendo ni de lo que va a pasar

Alberto Caballero

¿El éxito de 'La Revuelta', que también es comedia aunque sea desde un punto distinto, demuestra que lo que hay que hacer es atreverse?

Alberto: Es comedia, claro que sí. Y además en TVE, y con el target supuestamente contrario a los que ven ese tipo de programas... Mira, lo mejor de nuestro trabajo es que nadie tiene ni puta idea de lo que está haciendo ni de lo que va a pasar. Entonces, qué líneas rojas ni qué niño muerto.

Laura: También hemos comentado muchas veces que parece que detrás del drama no hay al final un negocio como el de la comedia. O sea, tú puedes hacer un drama sobre la cosa más dura, niños con cáncer en fase terminal y tal, y no pasa absolutamente nada. Pero en la comedia todo el mundo se cree que por hacer comedia te estás “riendo de”. Que es el fallo más grande. Y creo que la gente tiene muchísima comedia, porque no hay nada más que abrir las redes sociales para verlo.

Alberto: [Riendo] En cuanto sale una noticia, por grotesca que sea, la colección de chistes, memes, gifs... Es que es maravilloso. Repito: qué líneas rojas ni qué niño muerto.

Laura: Y de hecho creo que llega mucho más a la gente, de cara a querer abrir caminos, a abrir formas de pensamiento y tal, creo que es mucho más resolutiva la comedia que te lo metan con un drama.

Alberto: Si tú haces Machos Alfa en drama, es un panfleto. O es un panfleto, o de repente se convierte en una serie que... Y en cambio en la comedia, pues tampoco se nos ha quejado nadie. Quiero decir, ha habido uno que ha dicho que nos la ha financiado el Ministerio de Igualdad...

Laura: Nos han dicho eso antes de que la vieran.

Alberto: Antes de que la estrenaran, sí. Luego otro te dice que es un alegato pro-machirulos... Pues vale, muy bien, tú opina lo que quieras, pero si te gusta la ves, si no te gusta no la ves. Pero que no hay líneas rojas, y se demuestra en que puedes tratar temas delicados.

Si tú haces 'Machos Alfa' en drama, es un panfleto

Alberto Caballero

En vuestras series generáis mucho material adicional, en forma de bromas o de tomas falsas. ¿Qué pasa con él? ¿No puede hablarse con Movistar para hacer una recopilación y un formato propio?

Laura: De hecho ya estamos muy pendientes de eso. Por ejemplo yo este año, en Muertos, ya estamos grabando los ensayos. Porque en el primer ensayo que se hace te das cuenta que ahí surgen siempre muchas capulladas. Y entonces este año están surgiendo muchas que están grabadas, y que hablar, sí. Tenemos que llegar a un entendimiento para ese material.

Alberto: Hay mucho material, lo que pasa es que el tema del making off cada uno lo trata de una manera. Hubo una época de La que se avecina en que directamente el access prime time de Telecinco era el making off del capítulo anterior. Nosotros seguimos tirando, pero lo que no tenemos es un despliegue de la hostia de tener al típico tipo grabando todo. Es una cosa más artesanal.

Laura: Pero es verdad que la toma falsa, que es tan divertida, las apuntamos y las tenemos compactadas.

[Aquí nos contaron: El final nunca visto de 'La que se avecina' al estilo 'Los Serrano' que cerraba el círculo con 'Aquí no hay quien viva']

La vez que más cerca hemos estado de acabar 'La que se avecina' ha sido esta

Alberto Caballero

¿Realmente ha estado cerca de ser el final de La que se avecina?

Laura: Varias veces, no ha habido sólo una [ríe].

Alberto: La vez que más cerca hemos estado de acabarla ha sido esta. De hecho habíamos dicho que no, porque no podíamos, no encontrábamos la manera de compatibilizar las condiciones económicas, los plazos de grabación, las duraciones... con lo que realmente está siendo ahora la industria. Al final, haciendo un esfuerzo entre todos, hemos podido llegar a un entendimiento. Pero nosotros por inercias no podíamos seguir haciéndola.

Laura: Ya se había dicho que no, a los actores y a todo el mundo, para que fueran buscando.

Alberto: En la primera lectura del guion, les dijimos: 'Chicos, vamos a disfrutar de esta temporada, porque muy probablemente sea la última'. Y Nathalie se puso a llorar... Fue un momento muy potente. Nosotros empezamos grabando la temporada sin saber. Contamos cuáles eran las condiciones, que entendíamos que eran complicadas, en las cuales nosotros podíamos seguir. Y en principio era que no, y luego ya, pues según se fue grabando la temporada, fuimos hablando y al final... [sonríe].

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La que se avecina estrena este lunes 18 de noviembre su temporada 15 en Amazon Prime Video. Una tanda que puede calificarse como “sufrida”, porque hubo serias dudas de si iba a ser la última de la serie hasta que, en el reciente South International Series Festival de Cádiz, la plataforma junto a Mediaset (ya que la comedia en algún momento también se verá en Telecinco) anunciaron su esperada renovación por otras dos temporadas.

Tras ese esperado anuncio, en verTele tuvimos la ocasión de acercanos a charlar con su creador, productor ejecutivo y guionista Alberto Caballero; y con la también creadora y además directora Laura Caballero.

A los 'hermanos Caballero', término que se ha convertido en su apodo como showrunners (aunque es más una imposición periodística, porque realmente ellos no lo emplean nunca) les preguntamos sobre si era verdad que había estado tan cerca el final de La que se avecina al acabar su temporada 15. Y al explicar que ellos habían sentido que ese final podría haberse producido varias veces, recordaron un detalle: “Esto no lo hemos contado nunca, y es buenísimo. Fue un drama de lo que nos pasó al final de Montepinar”.

Refiriéndose al final de la temporada 12 en el que la serie destruyó sus antiguos platós de Montepinar para iniciar la temporada 13 en los nuevos de Contubernio, Alberto Caballero desveló: “Fue a final de temporada, cuando ya íbamos a destruir el decorado de Montepinar. Como no sabíamos si iba a seguir la serie o qué iba a pasar, se nos ocurrió, pedimos a Edu, al de arte: oye por favor, reprodúcenos un dormitorio como el de los Cuesta, que queremos meter a José Luis Gil y a Loles León en la cama, y que de repente José Luis se despertara, haciendo como Los Serrano, y que fuera como un sueño, y Paloma dijera: '¡Ay Juan, pero Juan!'”.

El creador y guionista explicó cómo seguía la breve escena, con el Juan Cuesta de José Luis Gil diciéndole a su mujer: “He soñado que vivíamos en el extrarradio”, y preguntaba: “Bueno, ¿y nuestros hijos?”, y ella le respondía: “No, no te preocupes, porque tu hija es matemática” refiriéndose a la actriz Sofía Nieto, relató Alberto Caballero riéndose junto a su hermana.

La intención, aunque fuera de broma, era cerrar el círculo con Aquí no hay quien viva a través de José Luis Gil, que con sus personajes de Juan Cuesta y Enrique Pastor había estado en las dos series, y desde el principio en La que se avecina. La escena paródica venía a bromear con que toda La que se avecina había sido un sueño.

Y no es que fuese una idea, es que se hizo realidad: “Eso lo grabamos”, confirmó Alberto, con Laura incidiendo: “Eso está grabado”.

“La escena era brutal, brutal... y se borró”

Obviamente, la pregunta era lógica: ¿por qué nunca se ha visto, aunque fuese en redes o como broma? Y la respuesta es que sucedió un error fatal, como cuenta Alberto Caballero: “Dijimos: bueno, lo dejamos ahí para cuando sea, en plan vacile. Y no es que no haya salido, es que cuando nos mudamos a los nuevos platós, el equipo de postproducción no lo tenía apuntado, y lo borraron”. “Se borró”, sentencia Laura Caballero, con verdadero pesar en su tono.

El dolor de los creadores de La que se avecina por perder esa pieza de su serie que nunca podrá llegar a verse es mayor por las circunstancias de su protagonista, como lamenta Alberto Caballero: “Luego José Luis Gil tuvo el problema de salud, osea que ni siquiera podemos volver a grabarlo”.

Para ejemplificar hasta qué punto todo el equipo de La que se avecina, empezando por ellos mismos, tiene “ganas de hacer el capullo” como el guionista bromea, Alberto Caballero destaca qué supuso ese trabajo: “Quiero decir que dedicamos media jornada, medio día entero, para hacer eso, para grabar una cosa que no era para nadie”, comenta entre risas.

Laura Caballero no se arrepiente: “Mereció la pena, pero es una putada. El otro día lo estábamos recordando”. Y su hermano Alberto tampoco, aunque le duele no haber podido enseñarlo: “Nos entraron ganas de matar. No era culpa exactamente de nadie, porque era final de temporada, y final de etapa, pues lo típico, y no lo apuntaron. Pero de verdad, dijimos: vamos a dejar grabado esto para subirlo cuando queramos, en plan vacile. La escena era brutal, brutal... y se borró”.

Dijimos: vamos a dejar grabado esto para subirlo cuando queramos, en plan vacile

Alberto Caballero

Ahora que ya sabemos que La que se avecina se alargará hasta al menos 2026, con otras dos tandas de ocho episodios que le harán alcanzar las 17 temporadas, nos enteramos de que sus creadores tenían no sólo pensado, sino ya incluso grabado, un paródico cierre del círculo que llevaba a Aquí no hay quien viva, al estilo del de Los Serrano y con Juan Cuesta, el personaje de José Luis Gil, habiendo “soñado” la otra realidad que vivieron en La que se avecina. Pero ni tan siquiera de vacile podrá verse, para su pesar y el de todos los fans de sus dos series.

Dado el perfil de Maxi Iglesias, la noticia de que pasaba a ejercer de cura en una serie resultaba cuando menos llamativa. Y más llamativo fue verlo ya vistiendo sotana en la primera imagen del rodaje de Ella, maldita alma, adaptación del relato de Manuel Rivas que Plano a Plano y Mediaset han puesto en marcha. El actor lidera este drama destinado a Telecinco y consagra uno de los tres vértices del triángulo amoroso que plantea, completado por Karina Kolokolchykova y Martiño Rivas.

Hace un año, Iglesias se sinceraba en verTele al hablar de las dificultades para poder acceder a ciertos papeles en España, algo que le había llevado a buscar oportunidades en el extranjero: “Me ven para hacer de 'guapo al que le va bien', pero es que no quiero que me vaya bien”. Ahora, este papel en nuestro país le abre a un nuevo registro que le permite romper con la imagen preconcebida que hay sobre él y cumplir ese objetivo. Eso sí, el riesgo es lo suficientemente elevado como para que hubiera dudas en su entorno.

“La mayoría de la gente a la que conté que me ofrecían esto me dijo que no lo hiciera”, reconoce el actor, que defiende su “ignorancia” al lanzarse de la mano de César Benítez, productor al que muestra su plena confianza, algo que viene de largo: ya ha trabajado con su productora en la primera temporada de Desaparecidos, que abandonó una vez se ejecutó un cambio de productora para la segunda tanda; y en Toy Boy. Pero Ella, maldita alma no lo solo le permite cambiar drásticamente de registro, sino coincidir con otro actor que ha tenido que lidiar con similares limitaciones, como es Martiño Rivas.

La sintonía entre ambos se hacía patente en la presentación de la serie en el South International Series Festival, y se confirma al hablar con Iglesias: “Martiño Rivas es el tío más guapo de España”, dijo, explicando la importancia que también tiene para esta ficción. Sobre los proyectos por los que han ido compitiendo, y sobre la culpa y la religión, todas ellas claves en la serie, hablamos con el intérprete.

¿Cómo fue esa primera vez viéndote a ti mismo con la sotana puesta?

Es tremendo, tremendo. De mi entorno, de las personas que me han preguntado, no se lo cree ni dios. De verdad. He tenido que mandar las fotos con el vestuario. La gente se ha sorprendido.

¿Qué es lo que más te llamó la atención del proyecto, o del personaje?

Es una historia preciosa, que habla del alma y de lo más básico y la esencia más primaria que podamos encontrar en nuestro haber como humanos y como sociedad. Si dejamos de lado, que obviamente no se puede, una sotana o una vestimenta, ¿a quién no le ha pasado que se te ha cruizado alguien y te ha puesto la vida del revés? Seas lo que seas: arquitecto, policía, panadero... A este pobre hombre le pasa que se dedica a la Iglesia y a sus feligreses y la vida se le pone del revés. Y lo pasa realmente mal. Es una angustia... El personaje lleva una especie de penitencia, está atortmentado porque no cree que le esté pasando a él, que se ríe de las debilidades carnales, que cada día da consejos y explica y guía. Eso no puede ser. Es el primero que no da crédito y que se juzga y se machaca, y sangra. Se deja el alma. Encima la mujer de quien es como su hermano.

En mis tiempos de descanso de rodaje, me estoy leyendo la Biblia

Maxi Iglesias

¿Eres muy creyente? Estudiaste en un colegio católico...

[Se lo piensa] Poco. Me quedé con lo mejor, que es mucho. Es un gran libro y lo que se cuentan son cosas realmente necesarias y a tener muy en cuenta. Ahora, cada uno las puede aplicar o creerlas, o creer si era una persona u otra, si se llamaba X o Y. En mis tiempos de descanso de rodaje me estoy leyendo la Biblia. La leí en su día, me la leí antes del proyecto, y en mis descansos sigo leyéndola. Y oye, quien vea la serie, o bien se hace creyente o deja de serlo. Pero ahí va a estar.

Decías que habías abordado la preparación del personaje con mucho respeto, y que lo habías llevado más por lo humano, que te has fijado en casos de curas que ayudan a su alrededor. ¿Has conocido a párrocos reales en tesituras así?

He conocido casos, sí. No es fácil encontrarlos, pero los hay. Y... guau. A mí no me puede afectar porque no quiero enseñar eso. Mi pregunta no ha sido el por qué, sino cómo diste el paso. Qué te hizo pensar que era factible cambiar tu estilo de vida. Y luego... si ves a un pastor en EEUU tienen su mujer y sus hijos. Todo depende, pero esto tiene lugar en España y aquí hay una cosa que nos pesa mucho que es la culpa. Todo cobra más sentido y mayor peso. Pero más que preguntarle a un cura, es cómo se atrevieron a dar el paso, porque es muy complicado. Encima, Fermín tiene al pueblo encima. Porque es alguien que, no es que te diga cómo has de ser, pero sí que te guía... Iba a poner un ejemplo que iba a levantar mucha polémica, pero es que lo estamos viendo... Estamos viendo últimamente a una persona que ha estado glorificando o diciendo unas cosas, y luego ha hecho otras. No conozco a ciencia cierta qué ha pasado ahí, pero es el pan de cada día.

Esto es lo que me gustaba: Fermín es en ámbito deportivo el que parte como “no favorito”. Fermín tiene todas las de perder. Desde el minuto uno sabes que la va a liar. Piensas: '¡Este tío, con esta cara, la va a liar!'. Ahí está mi reto de plantear que no es el que la va a liar, que es alguien que va a sufrir. Pero sí, la acaba liando. Cruza una línea.

¿Cómo ha sido trabajar con Martiño Rivas?

Martiño es el tío más guapo de España. Lo sabía de antes, cuando él hacía El Internado y yo en Física o Química ya pensaba: “¡Qué tío tan guapo!”. Pero ahora, de verdad... Hay una escena en la que viene a socorrerme tras tener yo un desmayo. Yo me apoyo sobre él y me quedé pensando: “¡Qué guapo!”. Y encima está muy fuerte. Se lo dije: “¡Tío, estás muy fuerte!”. Pero... más allá de la belleza y la parte física, me gusta que es una persona que se toma muy en serio este trabajo, y eso me encanta. Y más aún por la parte que le toca. Hablamos de un relato que escribió su padre.

Ya lo hemos hablado en otras ocasiones. ¿Hasta qué punto la belleza es un hándicap en vuestras carreras?

A ver... Es una parte que está ahí. Lo que pasa es que... Lo fácil es que si tengo un sacerdote con cierto físico, pongamos que con ojos claros, y ponemos a un marido -y odio esto- con algo menos en algún ámbito, ya diremos: “Ah, claro, es normal que se vaya con él”. Pero... ¡Mirad a este hombre! Ya no es que sea guapo, es que es una opción de marido... muy válida. Es atento, se preocupa por su esposa, van a un pueblo nuevo para formar algo nuevo bajo petición de ella, y en una relación muchas veces uno no está dispuesto a cambiar de lugar por una persona, y él lo hace. Es la pareja 10.

Todo gira en torno a mí en la serie. No puede haber fallo

Maxi Iglesias

Entonces, ¿este papel sí puede entrar en los parámetros de lo que tú buscabas, y que no te daban en España y tenías que buscar fuera?

Es una superoportunidad. No puedo estar más agradecido. La gran mayoría de gente a la que le dije que me estaban ofreciendo esto, me dijeron que no lo hiciera.

¿Por qué?

Porque ellos mismos pensaban... ¿De cura? ¿Estás seguro? ¿Tú? ¡Pues por eso mismo! Mi propio representante el primero, eh.

¿Te llegaron a hacer dudar de si aceptar?

No... Igual soy un ignorante tremendo, pero me lancé. Estoy muy agradecido a César Benítez, que no solo es el productor de Valeria sino que tiene en su haber muchas películas. Una de las que más me marcaron en la infancia es El amor perjudica seriamente la salud, y es de él [n.e.: Benítez era uno de los productores del filme a través de Bocaboca]. Penélope Cruz, Gabino Diego, Juanjo Puigcorbé, Ana Belén... hacían una comedia romántica disparatada, llena de accidentes, y es para mí la esencia del cine romántico. Que venga él y te diga: “Tienes que hacerlo tú”. Y yo: “No”. Y él insistió: “¡Sí!”. Y yo... “¡Vale!”. No me iba a hacer más el interesante, más allá de cuestiones económicas. Además, tienen mucho mérito. Plano a Plano es una productora que tiene mucho tiempo, que está peleando. Con ellos hice Desaparecidos, cuya historia sabéis... ellos entienden la ficción, lo que le gusta al público. Y a la vista está. Para mí es casa. Solo alguien así podría darme una oportunidad como esta.

¿Dirías que es tu mayor reto hasta la fecha, el proyecto de mayor responsabilidad que has asumido?

Mayor reto, y sí, una mayor responsabilidad que en otros personajes. Vengo de hacer Matices, con un elenco con el que estaba feliz. Eran todos o compañeros con los que he trabajado y que admiro, o con los que no había trabajado y los admiraba por lo que había visto de ellos. Luego, en Punto Nemo, una producción muy ambiciosa... Y te plantas aquí y todo gira en torno a mí. No puede haber fallo. Tienes que dar con la clave porque no va a haber otros personajes que puedan tomar ese relevo. Tengo la suerte de tener a Martiño de contrincante, que no es así, pero para formar ese triángulo con Karina, que también me parece una apuesta atrevida y arriesgada. Lo normal en estos casos es dárselo a una actriz conocida y además de aquí. Eso me parece doblemente atrevido.

Sorprendía en la rueda de prensa que hayan indicado que son ocho capítulos “en principio”, como dejando la puerta abierta.

El relato de Manuel es el relato. Sí es cierto que no le veo mucho más allá de lo que es. Creo que hay univeross que una vez se crean es mejor dejarlos ahí, en el haber. Yo soy de vivir el presente y de disfrutar. Tenemos por delante ocho capítulos maravillosos. Luego ya veremos.

Martiño ha dicho que le quitaste un papel, pero no cuál fue...

[Risas] Lo hablábamos él y yo. Le dije que sabía positivamente que había dos cosas, una en la que él podía haberla hecho y la hice yo, y otra que yo podía haber hecho y la hizo él. Una fue Tres bodas de más, que la hizo él. Pero yo nunca hice el casting con Inma Cuesta. Y la otra que hice yo y podía haber hecho él es Toledo. Cruce de destinos. “Si tú esta no, pues esto sí”. Pero como esas hay muchas. Es la primera vez que coincidimos y tenía muchas ganas de trabajar con él porque transmite mucho, más allá de todo lo que viene haciendo. A mí él siempre me ha gustado.

“Queremos matizar el título de 'El arte de hacer reír', que suena un poco como de ir de guay”. Como saben bien que lo más importante para reírse es empezar por uno mismo, y que una buena forma de hacer comedia es partir de la autocrítica, Alberto Caballero y Diego San José comenzaron así su reciente masterclass en el South International Series Festival de Cádiz, rebajando su título que era precisamente 'El arte de hacer reír'. Bueno, y también el antetítulo: “También lo de masterclass... es jodido, porque nos sentimos totalmente infracualificados para dar una masterclass”.

Lo cierto es que no lo están, y en la charla, a la que acudió verTele durante nuestra cobertura del festival, lo demostraron. Alberto Caballero presentó en Cádiz la decimoquinta temporada de La que se avecina (anunciando su renovación) para Amazon Prime Video y Mediaset, la segunda de Muertos S.L. (mientras justo acababan de rodar la tercera) para Movistar Plus+, y también tiene en el horizonte lo nuevo de Machos Alfa, tras haber cerrado El Pueblo. Y en el recuerdo, la mítica Aquí no hay quien viva.

Por su parte, Diego San José cuenta los días para estrenar Celeste (la serie “inspirada” en el caso de Shakira) para Movistar Plus+, tras lograr algo muy poco habitual como es aunar crítica y público con su saga Vota Juan, Vamos Juan, Venga Juan; y entre otras muchas ser autor de uno de los mayores taquillazos de la historia del cine español, Ocho apellidos vascos. Una comedia con el mismo humor irreverente con el que empezó en Vaya Semanita, y que también explotó (con perdón) en Fe de etarras y en Qué vida más triste.

En resumen, sus líneas de guion han provocado muchas risas a ya tres décadas de espectadores, y lo primero que quisieron es dar las gracias, pues son “muy privilegiados porque nos seguimos dedicando de mayores a lo que hacíamos en el patio del colegio: los que hacemos comedia somos la gente que normalmente ponía el apodo a los compañeros”, como dijo Diego San José. Pero tranquilos, que si estáis leyendo esto porque dais por hecho que una masterclass sobre comedia será graciosa, estáis en lo cierto.

“La comedia es escribirle a la persona malvada que tenemos dentro”

El momento sentimental duró poco: “En el fondo todos, cuando somos niños somos muy crueles. No somos tan crueles nunca como cuando tienes 5 o 6 años. La ética y la moral surgen más tarde, pero los chistes más crueles del ser humano se hacen en parvulario. Los límites del humor no existen cuando tienes 5 años, eso sí que es la anarquía absoluta de la comedia. Y luego surgen la ética y la moral, pero el niño pequeño que hacía aquellos chistes sí que está dentro de nosotros. Yo creo que la comedia es hablarle al niño pequeño que está dentro de nosotros. Al ir a ver una película de comedia, cuando se apagan las luces, es el único momento en el que es legítimo que ese gran hijo de puta que tienes dentro salga, para que a través de la ficción se tranquilice, se ría un rato, y luego se encienden las luces y volvemos a ser civilizados. Pero la comedia realmente es escribirle a la persona malvada que tenemos dentro”. Eso fue Diego San José, pero Alberto Caballero amplió: “Sí, que en vez de ir a terapia, pues te dedicas a la comedia para no matar a nadie”.

Ver una comedia es el único momento en el que es legítimo que ese gran hijo de puta que tienes dentro salga

Diego San José

Saber que asistíamos a una masterclass de guionistas especializados en comedia, y no a la de dos psicópatas explicando cómo canalizar sus ansias homicidas, ayudó a proseguir la charla. Y mereció la pena, porque nos seguimos riendo mientras Caballero daba consejos tan sinceros como crudos a los allí presentes que querían dedicarse a la comedia: “Si queréis dedicaros a la comedia o escribir comedia tenéis que daros cuenta de varias cosas: en primer lugar, estáis jodidos porque el mercado es más pequeño. Es decir, se fían menos de vosotros. Y en segundo lugar los famosos debates: abrimos el melón de los debates sobre los límites de la comedia”. Lo cierto es que el debate se retrasó un poco, porque San José tuvo algo que aclarar:

“Es curioso porque la comedia, como género, siempre tiene esta especie de nube de que es un género menos intelectualizado que otros, sobre todo que el drama. Tiene esta eterna batalla del ”prestigio“. Pero luego, si lo piensas, no hay ningún género que levante tantos debates como la comedia. Hemos estado años decidiendo dónde están los límites del humor, ahora se está debatiendo mucho sobre si una serie en particular es comedia o no lo es... y mientras tanto el thriller y el drama campan a sus anchas, nadie discute sobre esos géneros. Bueno, ni el porno. Es acojonante. El porno vive más tranquilo que la comedia”.

Si te ríes es comedia, si no te ríes es una mierda

Alberto Caballero

Alberto Caballero retomó para zanjar el debate de una manera clara: “A ver: ¿Qué es comedia y qué no es comedia? En primer lugar: si te ríes es comedia, si no te ríes es una mierda”. Las cosas claras: hay que hacer reír, y partiendo de esa base, explicando a continuación que hay muchas formas, y que en el caso de Caballero una de las favoritas es “la comedia involuntaria”, que él definió como “el drama que te hace reír”. Pero volviendo a simplificar: “Si te ríes, si hay una vocación de divertir y de hacer reír, es comedia. Y si no, no lo es”, lamentando esa “invasión” de dramas que, por ejemplo en los Globos de Oro, ganan en categorías de comedia sin serlo.

El creador de La que se avecina dejó otro mensaje claro sobre qué piensa de las comedias que no buscan hacer reír: “Los acomplejados que se ponen a hacer pseudocomedia y te dicen: no, esta no es una comedia de chiste, es un estado superior de la comedia... que significa que no te vas a reír. Es más de situación, de generar... pues eso es otra mierda de comedia”.

“En comedia quitas ese peso que te podía limitar en el drama”

Los dos incidieron en defender a la comedia como género. San José, con otro ejemplo tras alabar El Apartamento o Aterriza como puedas pese a ser muy distintas: “Como género, a mí me encanta la comedia, yo lo defiendo casi como desde una militancia sindical, porque creo que es mucho más ancho de lo que a veces pensamos, y porque es el género que perdura en el tiempo. Nuestra venganza es que 50 años más tarde, yo puedo ver La Vaquilla y entender la Guerra Civil como no la entendí en clase de Historia”. Caballero, animando a los que antes había avisado: “Berlanga vino a demostrar, que es por lo que os animo a escribir comedia, que parece que estás tirando tu carrera hablando de cosas que no tienen ninguna trascendencia, cuando tienen toda la trascendencia del mundo. En comedia se puede tratar cualquier tema, y de una manera que cale mucho más fácil entre la gente”.

El guionista puso el ejemplo de Machos Alfa: “Si tú lo haces desde el drama, parece un panfleto. Va a ser adoctrinamiento, por un lado o por otro. Y en cambio en comedia, tú estás tratando exactamente los mismos temas, pero al estarse divirtiendo a la gente con ellos, es como que le quitas ese peso que te podía limitar en el drama”. En esa idea incidió Caballero: “Se puede escribir comedia muy seria como planteamiento, como fondo. Y luego tú ya le das la forma que quieras y esa forma puede ser tremendamente divertida”.

Reconociendo que “la base de la comedia es la crueldad el espectador, que se divierte con gente pasándolo mal”, Caballero explica que los actores siempre deben tener presente que lo que les pasa a sus personajes para ellos es “una gran putada”, y enlaza con ese sentimiento infantil de crueldad: “También está el niño cabrón del espectador, que lo que quiere es divertirse y decir: 'hostias, que mal lo está pasando este tío, cómo me divierte qué desgraciado es'”.

“El humor blanco es un asco” y los límites del humor

Llegados a ese punto, a San José se le vino una idea que calentó a ambos: “Surge una gran estafa que es el humor blanco, que es como el gran timo”. “¡El humor blanco es un asco!”, puntualizó Caballero, reconociendo que es un invento de los programadores televisivos, y recordando cuando en Aquí no hay quien viva se ofendió la asociación de productores de aguacate o por dar de comer lechuga a un conejo enano. “Es imposible no ofender a nadie”, zanjó Caballero, dando paso a San José: “Escribir comedia bien no es que nadie se ofenda, sino saber a quién hay que ofender. Es elegir bien a la víctima de tus chistes, y no equivocarte”, ejemplificando en que cuando él empezó en Vaya Semanita, hacían chistes con ETA pero respecto a los etarras, y no respecto a un amenazado.

Los que nos dedicamos al periodismo, y de vez en cuando entrevistamos a un cómico o un guionista de comedia, sabemos lo poco que les gusta que se les pregunte por 'los límites del humor', más por cansancio que por miedo a responder. En esta masterclass, Diego San José explicó bien por qué (dirigiéndose precisamente a los periodistas): “El debate sobre los límites del humor es un debate que no ha tenido nunca un guionista. Es un debate que han tenido periodistas que no escriben comedia”. Caballero lo amplió: “Y muchas veces tampoco ni siquiera las cadenas o las plataformas. Esto me jode mucho, porque al final los guionistas o creadores no tenemos un problema con los límites de la comedia, las cadenas y plataformas. Mi experiencia personal ha sido que nunca he estado limitado. Nunca ha habido una línea roja. Tú tienes un cierto sentido común, pero nadie nos ha censurado un guion. Y el público, pues siempre habrá algún escocido, me imagino que algún tío con con la masculinidad frágil habrá dicho: 'Hijos de puta, esto os lo ha financiado el ministerio de Igualdad'. Bueno, pues que ponga un tuit y que se vaya a su casa. Pero es un debate artificial totalmente, que yo creo que en la práctica luego no existe. Y además nosotros tenemos que pelear por ello, porque si no estamos jodidos”.

Con el ego periodístico ardiendo (si es que eso existe), y al sentir cómo me vilipendiaban (la verdad es que ni me conocen) frente al auditorio (estaba lleno, e hice por ni tan siquiera toser); he de reconocer que en ese instante quien escribe estuvo tentado de levantar la mano y recordar que en los últimos años han tenido compañeros cómicos que han sido denunciados por un chiste, que incluso han acabado ante el juez aunque luego se archivasen las denuncias, o que han lamentado censura ultraderechista. Pero sería darles la razón en que es un debate periodístico: ellos mismos, creadores y guionistas de comedia, están diciendo que jamás han sentido esos famosos 'límites del humor'. La mejor noticia posible para los espectadores.

La IA, Almodóvar y el ninguneo de los premios

La charla dio para muchas más risas. Por ejemplo, cuando Alberto Caballero contó una prueba que hicieron con la Inteligencia Artificial, y que le sirve “para colocar a la comedia en el lugar que le corresponde de una puta vez”. Al pedirle a la IA que les diese el nombre de un libro escrito por un personaje dentro de la ficción, recordó que “sacó un texto bastante digno, y yo pensé: hostias, la cantidad de guionistas de drama que ahora mismo están jodidos y les quedan 5 años de carrera. En cuanto un productor pueda meterle los cuatro códigos básicos... Tú para una diaria vas a necesitar a un coordinador de guion que sepa manejar Chat GPT, a un informático”. Sin embargo, al meterle las mismas coordenadas con un diálogo de LQSA, pidiéndole un diálogo de Amador y Antonio Recio, “sacó una mierda”. “Tuvo un intento de chiste, y era malísimo. Nos dio un subidón de la hostia, porque si el algoritmo de la IA tiene mucha más dificultad para gestionar la comedia que el drama, ¿qué es más difícil de escribir? No hay más preguntas señoría”.

Los dos creadores también ironizaron con esa frase típica sobre las comedias de “es una puta mierda, pero te ríes”. Caballero se preguntó: “A ver, ¿tú dices 'Vaya puta mierda de drama, solo he llorado tres veces'? Pues no. Si un drama te hace llorar, te sientes más humano, aunque sea una gilipollez, porque te pones delante una cosa que es mentira y lloras, tiene una parte ridícula. En cambio en comedia, si dices 'es una mierda, pero te ríes'... Perdona desgraciao, si te ríes... Emites un capítulo y dices: 'Esta semana sólo me he reído tres veces'... ¿Pero en tu vida real, quién te hace reír tres veces? ¡Nadie!”. San José añadió, valorando la dificultad de sus trabajos: “Si yo veo una comedia de 90 minutos, si me río cuatro veces me merece todo mi respeto. Y además me parece complicadísimo hacer reír a alguien cuatro veces. Es magia, es alquimia pura”.

La comedia es como la curva en la que se han matado muchos directores de drama

Diego San José

Esa diferencia de consideración con los de drama les condujo a hablar nada menos que de Pedro Almodóvar. Fue por una anécdota que recordó Alberto Caballero, y que también sirvió para valorar a los creadores de comedia, y especialmente a los que hacen series de televisión: “Cuando hizo Los amantes pasajeros, fue cuando los Premios Fotogramas que estábamos nosotros nominados por otra cosa, de repente el tío dijo: 'Pobrecitos los actores de televisión que no tienen tiempo para hacerlo bien'. Me entró una mala hostia... sobre todo porque ahora mismo el cine está financiado por la tele. Entonces yo dije: hostias, ¿como me den el premio qué hago? Porque estaba sentado ahí delante, él estaba nominado también, y me apetece decirle que pobrecitos los de la tele, pero que gracias a nosotros, desgraciaos, ellos pueden seguir haciendo cine”. También ironizó precisamente con esa comedia: “Has hecho Los amantes pasajeros... Eres Almodóvar, eres Dios, pero también has hecho Los amantes pasajeros. No pasa nada, pero es un truño de película como una catedral. Y eres Dios, pero bajó Dios a hacer una mierda”. San José añadió que precisamente “la comedia es como la curva en la que se han matado muchos directores de drama”, poniendo como ejemplos a Spielberg o Kubrick.

Desatados y entre las risas de todos, Alberto Caballero quiso plantear una comparación: “Para nosotros, y esto lo hemos hablado en la sala de guion, y suena muy feo pero que nadie se ofenda, la diferencia entre escribir drama y comedia es que escribir drama es como follar sin correrse. O sea que está bien, que es divertido, pero como que le falta algo, le falta ahí un remate”. El guionista explica que realmente les gusta meter el chiste, y que por eso “no podemos escribir drama”, y San José completa: “Una vez que has hecho que la gente se ría, es muy difícil que quieras renunciar en la siguiente a que la gente se ría”.

No quiero prestigio a cambio de vender mi alma

Alberto Caballero

Su pasión y defensa de la comedia les llevó a valorar y lamentar el histórico ninguneo que siempre reciben en los grandes premios de cine, pese a que años o décadas después sí recordamos comedias que no ganaron por ejemplo el Oscar, pero ni nos suenan las que en su mismo año se hicieron con la estatuilla. Y desde su posición privilegiada, Alberto Caballero realizó una última reflexión: “Spielberg tuvo que hacer una peli de judíos del holocausto en blanco y negro para que le dieran un puto Óscar. Un tío que había hecho E.T., o Indiana Jones... Es de locos, es que son gilipollas. Y ante eso no se puede hacer nada. Yo me niego a hacer una película en blanco y negro sobre el holocausto. Bueno, si es una comedia sí. Pero no quiero prestigio a cambio de vender mi alma. Es que no hay que prostituirse, está muy feo”.

Acumula 20 años de una carrera que recibió un impulso mundial con La casa de papel, e Itziar Ituño sigue disfrutando que “hay mucha vida y muy diversa” tras esa serie que reconoce que les “abrió puertas a todos a nivel internacional”. Tras vivir ese boom global, la actriz valora que ahora es de las privilegiadas a las que le llegan papeles y puede elegir proyectos, y que a sus “50 tacos” quiere moverse “por las historias que me apetece contar”. Y la próxima es Detective Touré, que se estrena el 6 de noviembre en La 1 de TVE tras presentarse en el South International Series Festival de Cádiz, donde verTele ha podido entrevistarla.

Ella es el contrapunto femenino, y sobre todo social, del protagonista Touré que encarna Malcolm Treviño-Sitté, como un migrante guineano que vive en el barrio de San Francisco en Bilbao y se ve convertido en un atípico detective tras el encargo de la ricachona Charo, el personaje de Ituño. De ese choque y contraste nace la normalización que hace RTVE a través de la ficción y el humor en esta serie, y que valora la actriz: “Que Detective Touré sea un boom mundial sería muy bueno. Porque le iba a dar la vuelta absolutamente a todo ese discurso discriminador del diferente, del que tiene otra cultura, otra manera de interpretar”.

Antes de su estreno, hablamos con ella de la serie, de su personaje, de su primera vez trabajando con guiones que adaptan una obra literaria, y de cómo la cadena pública ha querido mantener ese “espíritu vasco” que su paisano Jon Arretxe, el autor de la saga, impregna a sus novelas. Ituño, que tiene la carrera de sociología, ha recibido incluso amenazas por dar su opinión, aunque aclara que “el rollo hater, cara a cara, no sucede así”. La intérprete defiende que “somos actores, pero no por eso hemos comprado la patente de idiotas”, y zanja: “El odio no conduce nunca a nada”.

“La Charo” va a lo suyo, pero va a ser la que desencadene todo en 'Detective Touré'.

La Charo [ríe], que es mi personaje y me encanta, me alucina de verdad, es una ricachona que vive en Getxo, en un casoplón con piscina, con su marido que ella sospecha que le está poniendo los cuernos, y su perrito al que adora, que es lo más grande de su vida. Pero es una mujer de negocios, dueña de una inmobiliaria, que [pone tono irónico] no es por hacer mal a nadie, para ella negocio es negocio, y lo que quiere es gentifricar: en el barrio de San Francisco, echar a toda esa gente que le están molestando porque ella quiere edificar y especular bien ahí, y hacerse cada vez más rica. Pero claro, tiene esa otra parte emocional que es que necesita de alguien del barrio que le diga con quién se la está pegando su marido.

Y ahí entra Touré, en el que confía pese a ser alguien de la calle, y acaba convirtiéndose en un detective improvisado.

Sí, de pronto la vida cruza a Charo con Touré, de una manera bastante bizarra [ríe]. Ella se guarda su teléfono, el de “El gran mago africano que te va a decir tu futuro”, se cita con él y le propone: mira, necesito un detective, porque el último que he mandado lo han desvalijado en el barrio, entonces tiene que ser alguien del barrio que me diga quién es esa chica de San Francisco con la que me la está pegando mi marido. Al principio él, que es una persona que tendrá todos los problemas del mundo y no tiene papeles... pero tiene unos principios inamovibles de buena persona, ejemplarizante, le dice que no. Pero en cuanto ve el primer billete y ella le dice: mira, después de esto va a haber más... la necesidad es la necesidad.

Touré y Charo es la extraña pareja

Itziar Ituño

La de Touré, claro.

Sí, sí. Desde entonces se genera una relación así, comercial, a través del dinero, que es como hace las cosas Charo. Pero de pronto ella, que necesita desahogarse, empieza a contarle su vida y terminan entendiéndose, curiosamente, gentes de estratos sociales completamente diferentes y opuestos. Incluso se echan en un cable en ciertos momentos. Y ella es la primera persona que le contrata como detective, y él ve que ahí tiene tirón, que puede encauzar un poco su camino y sacar su sueldo. Así que dice: pues ahora soy detective. Touré se mete en un gran caso, que ya lo verá la gente cuando vea la serie, no voy a destripar nada, en el cual en ciertos momentos va a necesitar la ayuda de Charo. Y Charo se la va a dar. Es la extraña pareja [ríe].

Es una ficción basada en la saga literaria de Jon Arretxe. ¿Te parece ya de ficción confiar en alguien, que es de la calle, para algo tan personal?

Es ficción, pero en la vida pasa eso, pasa que conoces a una persona y de repente hay un entendimiento mutuo que no sabes por qué, pero te da confianza esa persona, como si la hubieras conocido de otras vidas. Eso pasa. Y esto les pasa a ellos. Es muy gracioso, porque les pasa a los dos. Se utilizan, pero se entienden, se hacen amigos. Es muy bonito.

¿Habías trabajado ya en alguna adaptación desde un libro?

No, la verdad.

¿Y cómo se trabaja, es distinto? ¿Te lees el libro y extraes algo de él, o sólo te centras en el guion adaptado?

Yo me había leído un par de libros de Jon Arretxe, porque entre otras cosas es de mi pueblo, de Basauri. Digo de Detective Touré, de él me he leído varios más. Y es verdad que está adaptado de forma bastante diferente. Está narrado de forma un poco más “amable”, porque el thriller que escribe Jon es bestia. A mí me encanta, pero es verdad que no es para todos los públicos, y es un riesgo todavía más alto y... hay que adaptar [ríe]. Para que sea en una televisión pública, y un poco del gusto de todo el mundo. Todo se modifica un poco, Charo también. Y de hecho, vas encontrando tu personaje a través de los otros y de la relación con los otros personajes de la historia.

Entonces al final te tienes que basar más en el guion, en lo que han adaptado, ¿no?

Sí. Y a veces incluso juega en tu contra, porque tú tienes información de lo que has leído, y tienes que dejarla a un lado, y es complicado. Yo ahí dije: 'Bueno, mira, no voy a seguir leyendo'. Me planto aquí y así hago caso al director y al guion.

Charo no es yo para nada, pero sí que ese acento de Bilbao lo puedo soltar libremente

Itziar Ituño

Eres paisana de Jon Arretxe, en la rueda de presentación José Pastor ya incidió en que “se ha querido mantener el espíritu vasco”... ¿Para ti eso también ha sido importante, poder ser un poco tú?

Charo no es yo para nada, ¿eh? [ríe]. Pero sí que ese acento de Bilbao lo puedes soltar libremente [ríe]. Sí, si es que estaba a 15 minutos de mi casa, eso es un lujo asiático. Me decían a veces: bueno, pues nada, que ya te llevan. Y yo: que me voy en metro, que llego en 15 minutos, que llego antes en Metro. Era maravilloso.

¿Ibas a rodar en Metro de verdad?

Sí, o me he vuelto a casa. Yo decía: no os preocupéis, que yo vuelvo. O “que me voy a quedar de cañas, y vuelvo por mis medios en Metro”. Pues claro que suma, es que es una maravilla.

Después de esto vuelves a ser pregonera de Aste Nagusia todos los años.

[Ríe] Sí, sí...

Somos actores, pero no por eso hemos comprado la patente de idiotas

Itziar Ituño

¿Cómo te tomas que cuando das tu opinión te critiquen?

Bueno, que te critiquen en una sociedad no me parece mala cosa. Nadie tiene que estar de acuerdo con tu manera de pensar. El problema es que te anulen, que te cancelen, que te aparten, que te quedes sin curro, que te discriminen por razones de ideología... Porque tener ideología, lo dijo Mercedes Sosa, es un derecho. Y somos actores, pero no por eso hemos comprado la patente de idiotas. Somos parte de esta sociedad. Yo como parte de esta sociedad, y socióloga, que hice la carrera, pues evidentemente todo lo que pasa con el mundo me interesa, y me traspasa, y me permea. Y es verdad que la vida te da un altavoz. Y dices: bueno, tengo un altavoz, pues lo uso cuando me nace. Sin tratar de adoctrinar a nadie, pero por qué no voy a decir lo que pienso cuando me preguntan.

Tampoco yo voy buscando guerras, pero tengo todo el derecho del mundo, como cualquier persona, a pensar e incluso a decir lo que pienso. Y ya con 50 tacos... tengo el gore-tex bastante puesto [ríe]. Lo que fastidia es cuando te insultan. Que bueno, el insulto también puede ser un desahogo. Hasta ahí asumo, insultadme lo que queráis, pero las amenazas ya me parecen muy heavy, eso sí. Pero bueno, es verdad que el rollo hater, cara a cara, no sucede así.

Por la calle no te han dicho nada nunca, ¿no?

No, la verdad que no. Y yo soy una persona muy tranquila, además. Yo tampoco voy odiando a la gente, trato que sea al revés. El odio no conduce nunca a nada.

En otra entrevista en 2020 nos dijiste que esperabas que no hubiese “un vacío existencial” después de La casa de papel. Parece bastante claro que no lo estás teniendo, ¿no?

No, es verdad. De hecho, al revés. La casa de papel nos ha abierto las puertas, creo que a todo el mundo que hemos tenido la gran suerte de hacer un personaje ahí, a nivel internacional. Y eso es de agradecer, y es así. Hay mucha vida y muy diversa después de La casa de papel. Quizá no sea un boom tan escandaloso como el que fue a nivel mundial, pero yo ya lo he vivido, y ahora creo que me toca vivir otras cosas. Ahora me muevo por las historias que me apetece contar, que también es un lujo poder elegir un personaje. Hay compañeras y compañeros actores que no tienen esa suerte, y que están reinventándose para poder vivir de esto.

¿Te llegan ya muchos personajes, no tienes que ir tú a por ellos sino que directamente te “piden”?

Sí. De hecho, el que no te hagan casting es... yo flipo. Es la hostia. Porque te pones nerviosísima, es como un examen. Es maravilloso. Que cuando tienes que hacer un casting, que te pone de los nervios, igual es porque te quieren ver en otras facetas que no conocen de ti, y se hacen igual. Pero al no hacerlos hay que ser consciente de que es como: “Madre mía, soy de las privilegiadas ahora”. ¿Quién me lo iba a decir a mí?

Ahora me muevo por las historias que me apetece contar, que también es un lujo poder elegir un personaje

Itziar Ituño

Estás presentando Detective Touré, y ya se ha anunciado tu próximo proyecto, El cuco de cristal para Netflix, que es un personaje completamente distinto. ¿Quieres eso ahora mismo, elegir cosas muy distintas?

Sí. Quiero hacer cosas distintas, y cuanto más diversas y más distintas, más reto, y más te ponen los retos, ¿no? Porque es: a ver si soy capaz de, a ver cómo me va... Porque quedarte haciendo sota-caballo-rey todo el tiempo... Es que esto se trata de jugar a distintos juegos. En El cuco de cristal hago un papel que no tiene nada que ver con lo cómico, es un drama bastante profundo de una mujer que sufre mucho. A sufrir toca otra vez, pero con un equipo maravilloso que encima la gran mayoría son de Sevilla. Es un buen contraste, muy guay. Norte y sur nos llevamos muy bien, es así.

El cuco de cristal es para Netflix, y Detective Touré, luego, también llegará a Netflix. Tu experiencia con esa plataforma es inolvidable, ¿querrías volver a ese éxito, o como has dicho es algo que tú ya has vivido?

Que Detective Touré sea un boom mundial sería muy bueno. ¿Sabes por qué? Porque le iba a dar la vuelta absolutamente a todo ese discurso discriminador del diferente, del que tiene otra cultura, otra manera de interpretar... Y te va a poner en la piel de un detective que es increíblemente atípico en el 2024. Señoras y señores, ¿todavía estamos así? De pronto que alguien mire a su vecina, a su vecino, como lo que somos, de igual a igual, sería... Que haya 11 temporadas más de Detective Touré, por favor.

¿Conocías a Malcolm Treviño-Sitté, tu compañero y protagonista de Detective Touré?

No lo conocía, pero tengo el gran gusto de conocerle como persona, y mi vida es mejor.

Sacamos cuando estuviste en el Mask Singer francés. ¿Te gustaría participar o hacer algo de tele? Quizás no un reality, ¿pero algo aventurero tipo El Conquis?

A sufrir ahí, sin comer... que yo ya tengo una edad... [ríe]. Ponte ahí colgado de algo, a comerte un bicho crudo... buf. Yo veo tele, y lo de Mask Singer lo hice porque pensé, tonta de mí: Bah, esto es televisión francesa, aquí no me conocen mucho, es un día y medio de ir y cantar una canción, y además lo voy a hacer porque no me pega nada [ríe]. Bueno, la gente piensa que no me pega nada, pero yo soy una salsera.

¿Y participar en algo de salseo?

¿De bailoteo, por ejemplo? Pues igual sí. Cosas de Gran Hermano y así no, pero no sé. Nunca voy a decir un 'no' rotundo porque cosas peores me han pasado de decir “esto jamás en la vida”, y escupes para arriba y... pum. Basta que mandes ese mensaje al universo, para que de pronto la vida te ponga ahí. Así que...

El South International Series Festival de Cádiz, que celebra estos días su segunda edición que de nuevo cubre verTele, se ha solidarizado con las víctimas de la DANA tras verse también afectado por el temporal que azotó con menor intensidad a la ciudad andaluza, decidiendo cancelar su fiesta de clausura y alfombra roja, y limitando las citas de sus dos últimos días a la actividad profesional. Pero eso no ha impedido que anuncie su palmarés de premiados, con sorpresa por el protagonismo internacional.

Además, el jurado de No Ficción también ha entregado una Mención Especial para La historia del reguetón “por el complejo y rico retrato de una sociedad y su historia a través de un género musical vivo y actual de manera atractiva para todas las audiencias”.

Todo ello ha sido dado a conocer en la rueda de prensa convocada por el Festival, que ha contado con la presencia y conducción de Joan Álvarez, director de la cita, quien ha estado acompañado por los presidentes del jurado de Ficción, Rémi Tereszkiewicz, y la del jurado de No Ficción, Ángeles González Sinde, junto al resto de miembros del mismo.

En su intervención, Álvarez ha mostrado su agradecimiento a todas las plataformas y asistentes a South 2024, y ha comunicado que los datos de balance se podrán conocer dentro de unos días, al haberse decidido mantener la jornada de hoy para comunicar exclusivamente el palmarés, como señal también de la disminución de actividades del festival por los acontecimientos vividos.

Rémi Tereszkiewicz, presidente del jurado de Ficción, ha sido el encargado de anunciar los premios otorgados a las series que han participado, a concurso en dicha categoría, junto a Ana Torrent y Virginia Yagüe. En el palmarés de No Ficción, Ángeles González Sinde, acompañada de Julio Rojas y Sofía Squittieri, han anunciado los premiados de esa categoría.

Pero no solamente han hablado jurados y voces autorizadas, sino que también lo han hecho las más de 1580 personas del público que con sus votos han decidido los premios del Público a la Mejor Serie de Ficción y de No Ficción, respectivamente para Joan y Alive. The Andes plane disaster.

Además de estos premios oficiales, se ha dado a conocer que el Premio South Boost, otorgado por un jurado, que en esta II edición de South ha estado conformado por Sara Sevilla, de Spain Film Comission; Isabel Cabrera, directora adjunta de RTVA; Manuela Ocón, directora de Producción de Movistar+; y Xelo Montesinos, directora general de Unicorn Content; ha recaído en el proyecto 'La Roca', de Rocío Sepúlveda (creadora) y Teresa Segura (productora Different Entertainment). El jurado ha destacado que “apunta a dilemas humanos atemporales que abrazan la literatura universal. Gibraltar en los años 60 se convierte, a través de esta ficción histórica, en un conflicto no resuelto que demuestra que las barreras físicas no cumplen su objetivo de separar las emociones humanas. Un proyecto viable, con una estructura sólida y una amplia proyección internacional”.

Además, el jurado también entrega una Mención Especial a El futuro del ayer, de Gorka Mata y Víctor Fernández (creadores y coproductores Dracma 3D) y Ángel Tirado (coproductor Tarkemoto Films), incidiendo que “esta docuserie apunta a un target muy definido, con un planteamiento original y comprometido, una estructura sólida y una selección de entrevistados de primer nivel”.