elDiario.es - Festivales de música

Del riesgo económico a las lluvias torrenciales o las olas de calor: más de 80 festivales de música cancelados este año

Nando Cruz — Tue, 01 Sep 2026 19:22:52 +0000

Al menos una treintena de eventos no se han realizado porque la venta de entradas no despegaba

Diecisiete años de luto es suficiente: los amigos convencen a Poison Ivy de dar a los Cramps el lugar que merecen

La temporada festivalera de 2026 pasará a la historia como una de las más inquietantes. Tras varias décadas de bonanza y crecimiento, incluso después de la pandemia, este año se han cancelado más de ochenta festivales de todos los tamaños, a lo largo y ancho de la geografía y estilos muy diversos, según los datos recogidos por elDiario.es a partir de los comunicados publicados por los promotores.

Al menos una treintena se han rendido porque abrir puertas suponía asumir un alto riesgo económico; principalmente, porque la venta de entradas no despegaba. Otros tantos aducen falta de apoyo institucional e incluso tensiones con los ayuntamientos. Y más de una decena se han suspendido parcial o totalmente debido a lluvias torrenciales, violentas rachas de viento, riesgo de incendios u olas de calor.

La cancelación más sonada de 2026 ha sido la que implicó las siete ediciones del Reggaeton Beach Festival. La comunidad autónoma más destacada por el número de cancelaciones es Galicia, con una decena: a The Wild Fest, Arbo Rock, Surfing the Lérez, L’Arena Experience, Hercules Brass, el Diversxs vinculado al Día del Orgullo, la Xornada Cultural Mar de Galicia, el RBF de Nigrán y O Gozo Fest, que canceló parte de la programación debido a una tormenta, cabe añadir Surfing The Lérez y Son Da Industria, que ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. El primero resalta que no se retira por falta de apoyo de su público, sino porque el sector es cada vez más competitivo y eso obliga a asumir una dinámica de crecimiento infinito con la que no comulgan. El segundo, porque no recibió el permiso del Ayuntamiento hasta un día antes.

El aumento de los costes de producción y, sobre todo, el de los cachés de los artistas determinan el presupuesto de los festivales. El primero depende de la coyuntura económica, pero el segundo lo marcan las agencias a partir de la demanda que prevén. Algunos analistas señalan que esa inflación de cachés, especialmente acentuada tras la pandemia, es una de las claves que está tensando el sector. La incertidumbre que supone no saber hasta última hora si recibirás la autorización es otro problema muy arraigado en el circuito español. La Asociación de Promotores Musicales (APM) ha denunciado en más de una ocasión esa casuística administrativa como una pesadilla para el gremio festivalero estatal.

Una debacle muy repartida

La cascada de suspensiones anunciada en junio ha seguido durante julio y agosto: Cala Pop, Monasterio Festival, Eztanda, Jordi’s Fest, Oshun Festival, Pura EsHencia, Raíces Sonoras, Puntal Sound, Santuario Fest, Time Warp Madrid, Vital Fest… Y, como suele decirse respecto al Gordo de Navidad, la lotería de cancelaciones ha quedado bastante repartida. Ocho en la Comunidad de Madrid y Andalucía, siete en Castilla y León, cinco en Castilla La Mancha, Aragón y Canarias, cuatro en Euskadi y Baleares, tres en La Rioja y Asturias, dos en la Comunidad de Murcia, Cantabria y Extremadura… Han caído festivales en Cervera de Pisuerga y Almadrones, en Villamediana de Iregua y Páramo de Sil, en Santa Úrsula y Santa Cruz de Zarza. De heavy metal y reggae, de breakbeats y brass bands, de punk-rock y power pop, de chirigotas y electrolatino, de surf y psytrance, de reggaeton y folk, de electrónica oscura y pop radioformulable.

Catalunya y la Comunitat Valenciana, dos de las zonas más surtidas de festivales, suman diez y nueve cancelaciones. En Barcelona, un festival de salsa que iba a celebrar su primera edición en el Parc del Fórum, el Salsón, murió antes de nacer al no encontrar cabeza de cartel. El Ombra barcelonés canceló la edición de diciembre, pero asegura que volverá en 2027. El White Summer de la Costa Brava se tomó una pausa estratégica en 2025, pero en 2026 no ha dado señales de vida. En la Comunitat Valenciana, la caída del Festival de les Arts, el Big Sound Festival de Torrevieja, el Blackworks Open Air, el Electrolatino Benidorm, el Reggaeton Beach Festival de Alicante y el Surf O Rama ha hecho saltar varias alarmas. Pareciera que la tierra de festivales ya no es tan fértil.

El ranking de eufemismos más usados para cancelar festivales lo lidera “motivos totalmente ajenos a nuestra voluntad”, seguido de cerca por “incidencias de última hora” y “causas externas”. En algunos momentos del verano ha parecido que los festivales se copiaban los comunicados entre sí, pues ha sido fácil detectar en varios de ellos la siguiente filigrana literaria: “No queremos celebrar una edición que no cumpla los estándares de calidad que os merecéis”.

El premio a la transparencia es para el Kalikenyo Rock de Juneda, no solo reconoció cancelar por escasa venta de entradas, sino que concretó la cifra: 241. Y el premio a la deportividad, para el Cala Pop de Fuengirola. En diciembre advirtieron no saber “si los vientos soplarán o no a favor de una nueva edición” y pusieron a la venta un lote de abanicos. El viento no sopló a favor y finalmente cancelaron. Varias caídas de eventos musicales se concentran en Vigo, donde la comunidad cultural está en pie de guerra contra el consistorio. Entre los motivos de cancelación más inusuales, el primer día del Tenerife Music Festival, debido a la visita del Papa, y los dos últimos del Barullo Fest (Logroño), porque murió un exalcalde.

Tormentas, incendios, olas de calor… y el eclipse

La crisis climática también empieza a afectar el calendario festivalero español. En junio hubo que suspender uno en una sala de conciertos de Bilbao por la ola de calor. Lo insólito, más allá de la combinación de estas tres variables (Bilbao, junio y calor) es que aquella matinal rockera se llamaba Here Comes The Sun Fest. El riesgo de incendio ha forzado a suspender jornadas o festivales enteros en Lleida, Ávila y Cáceres; alguno se reprogramó. Rachas de 80 y hasta 120 kilómetros hora se llevaron por delante ediciones en Jaén, Menorca, Lanzarote y Zaragoza. En el ciclo Puente Sonoro de la capital aragonesa, una integrante del dúo Lady Banana sufrió un accidente en la prueba de sonido a causa del viento.

Lo que antaño eran casos muy excepcionales hoy ya son situaciones que hay que prever. En los Conciertos de Viveros de Valencia este verano han sufrido de todo: reventones térmicos, olas de calor... y escasa venta de entradas. También en Europa ha habido más situaciones de emergencia climática de lo habitual. En Italia, las rachas de viento derribaron el escenario del festival Alien Sound. El festival húngaro de música electrónica Ozora se canceló tras la muerte de dos personas. Una de ellas sufrió un infarto, posiblemente debido a las altas temperaturas, en unos días en que el país sufría una severa ola de calor. Y en Inglaterra, el festival de música cristiana Big Church Fest se canceló tras la caída de una estructura que hirió a siete espectadores, uno de los cuales falleció.

Por si fuera poco con el millar de festivales que se celebran anualmente en España, en 2026 ha habido una hornada adicional de eventos vinculados al eclipse de sol del 12 de agosto. Algunos empezaron a planearse años atrás sabiendo que España era el único país europeo donde el eclipse sería total. Y, entre estos, varios eran de psytrance, un subgénero de la música electrónica especialmente popular entre el público israelí. La presencia de discjockeys y asistentes de Israel, algunos de los cuales son soldados, puso en alerta a colectivos de defensa de la población palestina. El festival Sigizia iba a celebrarse en La Sotonera (Huesca), el Astral Plane estaba programado en La Pinilla (Segovia) y el Iberia Eclipse ubicó en Vinuesa (Soria). Uno tras otro, los tres acabaron cancelándose.

Pinchazo o reajuste en el sector

Todavía faltan cuatro meses para que acabe el año, de modo que la lista de festivales cancelados podría rozar el centenar. La pregunta vuelve a estar sobre la mesa: ¿está pinchando la burbuja festivalera? Todo indica que el sector se está reajustando. La entrada de fondos inversores ha fortalecido a unos y debilitado a otros. Los festivales con una identidad consolidada no tienen problemas para llenar sus aforos, pero los que dependen de un cabeza de cartel vendedor deben arriesgar cada año más dinero sin saber si lo recuperarán. (Algunos aficionados al género aseguran que el verdugo del Reggaeton Beach Festival fue Bad Bunny y sus doce conciertos en España). Pero incluso en un contexto económico convulso hay quien se lanza a organizar festivales como si esto fuera coser, cantar y facturar. Entre los más de ochenta festivales cancelados en 2026, tres naufragaron en la primera edición. Quizá no sabían donde se metían.

Es pronto para asegurar que esta tendencia vaya a seguir llevándose festivales por delante en años venideros, pero Mobo Fest (Mallorca), Boombastic (Asturias), Sun And Thunder (Málaga) y Son Da Industria (Vigo) ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. Otros, como Dansàneu (Lleida), están en la cuerda floja. Saber si la gente se está cansando de ir a festivales es imposible, a menos que se contabilice la asistencia a absolutamente todos y se analice si baja el total de público o si solo se redistribuye. Pero las cifras de asistencia que aportan los festivales no están auditadas, por lo que es difícil de calcular.

Por otro lado, afirmar que en 2026 se habrán cancelado en España un 10% de los festivales que se celebran al año (cien de mil) implicaría asumir que todos los que se han suspendido esta temporada aparecían en ese listado. Y como ese censo, sistematizado y actualizado, no existe, no se puede arrojar un balance tan preciso. Como mucho, se puede constatar que el desmedido crecimiento del número los festivales de música en España ya no es tal crecimiento porque se ha frenado, pero que sigue desmedido porque nadie lo está midiendo.

Once años de 'Marca Propia', el festival de rock conquense que hará vibrar Ribatajada este viernes

Culturas de Castilla-La Mancha — Thu, 20 Aug 2026 12:51:06 +0000

A partir de las 22:00 horas se podrá disfrutar de la música de Miguel Costas, Mamá Ladilla, Gomad & Monster, y los grupos con integrantes locales Hambruna y Elementos Dinosaurios. Además, a lo largo del fin de semana se celebrará el 40 aniversario de la asociación que organiza el festival, Paralelo 40

Los conciertos en Toledo siguen en septiembre con ocho nuevas citas: de Sergio Dalma a Celtas Cortos

Este 21 de agosto, a partir de las 22:00 horas regresa a Ribatajada (Cuenca) la 11ª edición del Festival de Rock Marca Propia.

Un encuentro musical gratuito organizado por la Asociación Cultural Paralelo 40 que reunirá a diferentes grupos del panorama nacional.

Primeramente a Miguel Costas, el icónico compositor, guitarrista y cantante, fundador de grupos como Siniestro Total y Aerolíneas Federales, “una pieza fundamental” para conocer la música de los años 80 y 90, según detallan desde la organización. Ha escrito en 2026 el libro autobiográfico ¡Esas Palmas, Coño! , y es el autor de míticas canciones como Bailaré sobre tu tumba, Miña terra galega o No me beses en los labios. Su música llenará el escenario a las 00:30 horas.

Compartiendo cartel estará el grupo Mamá Ladilla, el trío de punk-rock y rock cómico encabezado por Juan Abarca presentará su último trabajo Molestar General, en el que sigue fusionando letras ácidas y satíricas con una “gran técnica” instrumental y una composición musical “extremadamente compleja y elaborada, de enorme calidad”. Tocarán a las 2:30 horas.

Junto a ellos, los enmascarados Gomad & Monster a las 4 de la mañana, pondrán el punto electrónico con base rock y drum and bass que los ha catapultado a la fama. Han conseguido que su música sea parte de la banda sonora del reconocido videojuego Need for Speed y han hecho de teloneros del grupo Prodigy en varios países europeos.

Visibilidad a grupos locales

Completa el cartel dos bandas con componentes con raíces en Ribatajada. Hambruna, grupo de punk-rock y streetpunk formado por experimentados músicos de la escena local, curtidos en La Dama Oscura, Krak o Kuero y que con esta nueva formación han tenido una magnífica acogida en sus directos. Actuarán a las 23:15 horas.

De Ribatajada es también el cantante de Elementos Dinosaurios, grupo de reciente creación que combina canciones propias y versiones rock, con una puesta en escena “muy disfrutona” que abrirá este año el Marca Propia a las diez de la noche.

40 aniversario de Paralelo 40

Por otro lado, durante el fin de semana se celebrará el 40 aniversario de la Asociación Cultural Paralelo 40. El sábado 22 una jornada de charanga a la hora del vermú, así como una sesión de DJ con Jay Leggan y otros invitados a partir de la medianoche.

Desde la asociación explican que este festival nació con la intención de animar la vida sociocultural de Ribatajada y dar a conocer la comarca conquense de El Campichuelo. Señalan que para financiar el coste del mismo, contará con una barra con precios populares y parte de lo recaudado será destinado a obras sociales.

La Toba Rock o poner banda sonora a la resiliencia de la Sierra Norte de Guadalajara tras el incendio de La Mierla

Carmen Bachiller — Fri, 14 Aug 2026 17:49:46 +0000

El festival en esta población se celebra desde hace ya cuatro años. La del 20 de agosto será una edición muy especial, y reivindicativa, un mes después del fuego que ha devastado 33.000 hectáreas en el noroeste de la provincia. "Tenemos que animarnos"

La Sierra Norte de Guadalajara “necesita recuperar la confianza de los turistas” tras el incendio de La Mierla

La Toba es un pueblo de apenas 70 habitantes en la Sierra Norte de Guadalajara. Hace ya casi un mes que un incendio declarado unos 45 kilómetros al sur, en La Mierla, devoró 33.000 hectáreas de esta zona de la provincia, aunque las llamas no llegaron hasta el pequeño municipio.

Dentro de unos días, el próximo 20 de agosto celebrarán la IV edición de La Toba Rock, un evento musical que surgió como proyecto de una treintena de amigos del pueblo. La mayoría vive fuera, pero el festival “se convierte en punto de encuentro cada verano”, explica Carolina Corujo Salazar. Ella forma parte de la Asociación Cultural que lo organiza. “Este tipo de actividades son un punto de encuentro para todos”.

Su marido grabó hace unos días imágenes del rastro del voraz fuego mediante un dron. “Muchos vecinos todavía no lo han visto. Yo tengo familia que no se lo imagina. No se puede hasta que no entras por la carretera de Veguillas y ves que no hay nada”.

Carolina cuenta que el arranque del festival servirá para guardar un minuto de silencio. “No se ha cobrado ninguna vida humana por fortuna, pero sí ha afectado a la flora y a la fauna. Y es que esto es nuestra vida”, comenta emocionada.

“Ha sido una tragedia”. Todavía recuerda aquel día. “Salimos a darnos un baño en el pantano de Alcorlo y pensábamos que iba a llover. Estaba negro. Hasta que vimos el humo y cómo salía de La Mierla. En dos días lo teníamos encima. Subíamos al Mirador a verlo y era como estar en el infierno. Absolutamente sobrecogedor. No llegaron a evacuarnos y el confinamiento en nuestro caso fue voluntario. Nos lo pidió el alcalde”.

Estos días muchos pueblos del entorno han suspendido sus fiestas patronales, pero el festival quiere ayudar a levantar el ánimo. La música puede sanar. De alguna forma. “Nos permite juntarnos, bailar y pensar que se puede”. Carolina Corujo cree que “hay que ir todos a una”. En los últimos días han surgido plataformas ciudadanas. Quieren organizarse para buscar ayudas y soluciones que permitan iniciar la recuperación. “Cuanto más unimos estemos todos, más podremos hacer por salir de esta situación. Quizá no sea como antes, pero hay que ir todos juntos”, insiste.

El festival ya tenía mucho de reivindicativo. La Toba forma parte del colectivo vecinal '¡Ni catas ni minas! Plataforma Río Cañamares-Sierra Norte' que se opone a un proyecto empresarial que quiere buscar oro en esta parte de Guadalajara y que espera permiso para realizar prospecciones en unas 15.000 hectáreas.

“Nosotros no estamos de acuerdo con que se estropee nuestra tierra y bastante hemos sufrido con los fuegos”, comenta Carolina. El incendio de La Mierla no ha sido el primero en la zona. En septiembre de 2025, otro fuego declarado en Peñalba de la Sierra, junto al Pico del Lobo, una de las montañas referentes de esta zona serrana tuvo en jaque a los efectivos de extinción, y también a vecinos y vecinas, durante tres semanas. Aunque este año ha sido mucho peor. Entonces 'solo' ardieron unas 3.000 hectáreas.

Homenaje a Robe Iniesta, líder de Extremoduro

La Toba Rock es un festival gratuito que se celebrará en la campa agrícola del pueblo, donde habitualmente se deposita el trigo de la cosecha. Comenzará a las 20 horas y se prologará al menos hasta las tres de la madrugada.

Este año durante el festival se rendirá homenaje a Extremoduro, cuyo líder Robe Iniesta falleció en diciembre de 2025. “Ha sido a petición popular. Todo el pueblo se sabe sus canciones y de ese tributo se encargará Amor Castúo”.

También estará la banda Presbicia, que encabeza el actor y director de cine Daniel Guzmán, conocido entre otros papeles por su participación en la serie televisiva La que se avecina. Su actuación será un tributo a La Polla Records.

Además, por el festival pasará el grupo de punk Arpaviejas, junto a Shöck, banda bilbaína de punk rock y Sangre Salvaje. “El cantante es del pueblo y es el tercer año que vienen”. Les acompañarán dos bandas locales que se encargarán de abrir el evento.

“Para organizarlo nos ayuda el ayuntamiento, pero también vendemos papeletas, merchandising y hasta productos locales que ponen la carnicería, las personas que elaboran miel…”

La Asociación Cultural ya celebró el pasado abril, coinciendo con la Semana Santa, un evento cultural para calentar motores bajo el lema 'El Santo Arte'. “Dimos a conocer obras de artistas del pueblo. Hicimos un mural en el lavadero que ha quedado muy bonito, recordando cómo se trabajaba en el pueblo en otros tiempos”, explica Carolina . Otro de los murales sirvió para homenajear al sector del cómic, con un guiño a Pedro Pico y Pico Vena, la conocida serie de historietas que el dibujante Carlos Azagra creó para la revista semanal 'El Jueves', allá por 1984.

El festival Contempopránea celebra la explosión indie-pop de hace 30 años con un cortometraje nostálgico

Andrea Benavent — Wed, 12 Aug 2026 11:26:57 +0000

'30 años de pop y amistad' rinde homenaje al legado emocional del festival extremeño como antesala de la fiesta CPOP que se celebrará este 21 y 22 de agosto en Alburquerque, con Meteosat y Nosoträsh entre otros

'Hey Ho! Let's Go!' Marky Ramone, el último Ramone vivo

El festival Contempopránea ha presentado 30 años de pop y amistad, un cortometraje retrospectivo que repasa tres décadas de música independiente sobre este mítico festival que se celebra en Extremadura. La obra repasa, a través de la memoria emocional mediante testimonios de artistas, periodistas y público.

Para los nostálgicos, el metraje ofrece una muestra de los carteles históricos y los conciertos emblemáticos donde varias generaciones han visto a bandas pioneras del indie español. El estreno sirve como preámbulo para el pequeño festival, CPOP, que les hace regresar a sus orígenes en Alburquerque —donde se celebró el festival hasta 2019—, los próximos 21 y 22 de agosto en el Paseo de las Laderas del Castillo de Luna.

La programación del viernes 21 de agosto contará con las actuaciones en directo de Meteosat, Apartamentos Acapulco, Aurora Roja, Pálida Tez, Pequeño Mal, Yaveremos y La Merienda DJ. El sábado 22 relevan Nosoträsh, La Habitación Roja, Julien Elsie, Miguel Rivera revisando a Maga, Patronato, Nadie Patín y Fotomatón DJ.

Más allá del enofoque retrospectivo, el metraje refleja la esencia de un evento que transformó la localidad en el epicentro nacional del indie-pop y la escena alternativa. A través del recorrido nostálgico de una guía que vivió aquello, muestra a un joven el legado de esos recuerdos.

Juntos reviven la época dorada del festival y todo lo que hacía molar a una generación entera. Recorren la zona de acampada, la plaza del pueblo e incluso se ven los acústicos en la piscina con imágenes de archivo y fotos analógicas. Esta pequeña producción captura la esencia de una comunidad que entendía este rincón extremeño como su refugio del verano durante unos días, recordando que, en el fondo, “la música era solo la excusa para volver a ver a los amigos”.

Treinta años despues, es bonito recordar cómo a finales de los 90 y principios de los 2000, la escena indie-pop española funcionó como una alternativa frente al circuito comercial, cimentando una identidad propia, nostálgica y muy fan del merchan en formato tote bag.

Junto al festival de Alburquerque, este movimiento comparte listado de templos de culto con salas míticas como Siroco, Maravillas o la sesión Ochoymedio en Madrid, Apolo y Razzmatazz en Barcelona, la discoteca Camelot en Santa Pola, o recintos históricos como el Velódromo de Benicàssim durante las primeras ediciones del FIB.

A estos espacios es fundamental sumar festivales regionales clave como el Xixón Sound en Asturias o el Donosti Sound en Euskadi, que además sirvieron de catalizador para que toda una generación de bandas emergentes y melómanos tranformasen el underground en un gran fenómeno cultural e identitario de la escena musical española.

CPOP es la antesala de la celebración de una nueva edición del festival Contempopranea en Don Benito el 16 y 17 de octubre, donde tocará LA M.O.D.A., Carlos Ares, Barry B o Sexy Zebras entre otros.

El polémico festival de electrónica ligado al eclipse cancela su celebración tras intentarlo en Segovia, Soria y León

Javier Ayuso Santamaría, Alba Camazón — Wed, 05 Aug 2026 16:43:48 +0000

El evento intentó trasladarse al Parque Natural de Babia tras ser rechazado en Vinuesa, pero la organización anuncia ahora su cancelación y ofrece el reembolso íntegro de las entradas

MAPA - Dónde ver el eclipse solar del 12 de agosto: recorrido y visibilidad en cada municipio, minuto a minuto

Se puede decir a estas alturas, a tan solo unos días, que hay una 'eclipsemanía' en los lugares en los que este fenómeno va a ver mejor. Las reservas hoteleras de la franja con mejor visibilidad están cerradas desde hace meses. Algunos piensan que el evento del año, quizás, se puede hacer un poco más redondo si se le añaden un par de ingredientes: naturaleza y música.

Ese era el objetivo de dos festivales que, al amparo del eclipse, habían presentado sus carteles, con la música techno y djs como reclamo: Astral Plane, que se iba a realizar en la estación de esquí de La Pinilla en Segovia, e Iberia Eclipse, que había escogido la localidad soriana de Vinuesa y su entorno al pantano de la Cuerda del Pozo, como sede. Al final, el rechazo de permisos y la oposición de vecinos en Segovia agruparon el evento en uno solo en la localidad soriana y, más recientemente, han obligado a hacer las maletas hasta León, a Cabrillanes de Babia, en la Reserva de Biosfera del Parque de Natural. elDiario.es se ha puesto en contacto con ambos eventos para interesarse por su posición, pero no ha recibido respuesta al respecto.

Sin embargo, apenas unas horas después de conocerse ese último intento de realizar el evento, la organización anunció su cancelación definitiva mediante un comunicado difundido en redes sociales. La organización ha defendido que la decisión de cancelar no ha sido suya, sino consecuencia de la falta de un marco legal con plenas garantías para celebrar el festival.

Astral Plane, de la estación de la Pinilla a juntarse con el de Soria

Astral Plane, según sus publicaciones en Instagram, se promocionaba como un festival que había elegido La Pinilla —en la Sierra de Ayllón— como un enclave con “condiciones privilegiadas para observar el eclipse, con una alta probabilidad de cielos despejados”. El “momento central”, como lo definían, vendría de la mano del dj Kevin Saunderson, “pionero del techno de Detroit”, cuya actuación se alargaría durante cuatro horas y coincidiría con el “instante exacto de la totalidad”. Además, durante el festival se iba a ofrecer charlas y talleres explicando el eclipse.

Entre los reclamos, además de los propios djs, el entorno y la poca contaminación lumínica de la zona. Los precios originales de los abonos generales rondaban los 192,50 euros y las entradas de día entre 66 euros y 77 euros. También ofrecía servicios de 'glamping' en el festival, dirigido a un público internacional.

Todo parecía idílico en las redes sociales desde mediados de agosto de 2025, pero no tenían los permisos municipales ni la organización podía garantizar esta celebración. Colectivos de la zona, como la Asociación ‘Salvemos el Pico del Lobo’ se dirigieron en junio de este año al Ayuntamiento de Cerezo de Arriba, donde se encuentra la estación, y a la Delegación Territorial de la Junta de Castilla y León —que alegó falta de competencias— para pedirles que se revisase si contaban con todos los permisos. Además, llevaron el caso ante la Fiscalía Provincial de Segovia y la Guardia Civil.

El colectivo advirtió de los riesgos ambientales y de seguridad derivados de celebrar un acontecimiento multitudinario durante el eclipse en un lugar que no figura entre los puntos oficiales de observación. Definitivamente, el propio consistorio anunció en junio que no permitía el evento, mientras la organización seguía vendiendo entradas y con la promoción en redes.

El Ayuntamiento de Cerezo de Arriba comunicó en junio que el evento no se había autorizado. A pesar de ello, el festival continuó promocionándose y vendiendo entradas.

Otro festival de 200 artistas

Astral Plane anunció el mes pasado que cancelaba su evento en La Pinilla y se fusionaba con el de Iberia Eclipse, otro festival con una filosofía similar que se iba a realizar en Vinuesa, un pequeño pueblo de 900 habitantes junto al embalse más conocido de Soria. “Dos festivales fundiéndose bajo un mismo eclipse”, presentaban en sus redes, en las que explicaron que las entradas del Astral Plane servirían también para el festival de Vinuesa. El evento tendría más duración, del 10 al 14 de agosto, y sumaban sus carteles hasta los 200 artistas.

La experiencia era similar, aunque los precios eran más elevados: parcelas 'premium', para autocaravanas a 800 euros o 1.600, suites con camas de madera o electricidad entre los 1.800 euros para dos personas, 2.800 euros para seis. Además, se ofrecía una conexión directa desde el aeropuerto de Barajas a Vinuesa por 55 euros por trayecto. La entrada para los días ascendía a 260 euros, con el camping básico incluido.

La oferta que proponían era de tres escenarios con “identidades musicales claramente diferenciadas”: uno de“ techno toda la noche”, otro de “house y breaks al atardecer” y, el último, con “psytrance de día”.

Según la organización, se escogió Vinuesa por su ubicación: el eclipse total durará 1:42 minutos y hay poco riesgo de nubes, una baja contaminación atmosférica y un entorno de montaña con un pinar y a orillas del pantano de la Cuerda del Pozo. El evento lo organizaba Stelzinger GmbH a través de su corporación en España Aguzanieves y otros colectivos internacionales con experiencia en encuentros en torno a eclipses por todo el planeta, el último en 2024 en Texas.

El caos de otro festival y la falta de permisos hacen que se cancele

Sin embargo, tampoco esta localización ha triunfado. A mediados de julio Vinuesa acogió un festival motero que se saldó con una fallecida, varios robos y una sensación de caos, lo que despertó las protestas de vecinos, asociaciones locales. Pocos días después se reunieron varias administraciones públicas e instituciones para analizar los incumplimientos de este evento —que superó con creces el aforo previsto— y el alcalde de Vinuesa ya anunció que no quería repetir la experiencia con otro evento masivo como el que parecía ser el Iberia Eclipse.

El Ayuntamiento visontino rechazó la semana pasada que se celebrara el festival dados los informes desfavorables de la Junta de Castilla y León y la Confederación Hidrográfica del Duero (CHD). Además, tuvo en cuenta el recelo de la población local y el miedo a los incendios forestales —este mismo miércoles se registró un fuego—, puesto que en la comarca de Pinares Burgos-Soria se encuentra el mayor pinar de Europa.

En el pleno, la organización del evento defendió que contaban con planes de colaboración con el comercio local, las instituciones y la mejora ambiental, y que tenían intención de realizar otras actividades en el futuro.

“Estamos destrozados”

La decisión fue unánime: no se autorizaba el Iberia Eclipse. “Estamos destrozados”, lamentó la organización a través de redes sociales. “Los informes oficiales no recogían ninguna objeción técnica a nuestro proyecto. Lo ocurrido en otro festival en este paraje, semanas antes del nuestro, pesó demasiado al final. Estaba fuera de nuestro control”, publicaron.

Sin embargo, el Ejecutivo autonómico emitió un informe que recomendaba no realizar ninguna actividad hasta otoño debido a la necesidad de restauración, además de la existencia de un alto riesgo de incendios. Tampoco lo recomendaba la CHD, que emitió dictámenes desfavorables debido a que la promotora no había aclarado lo “suficiente” su identidad jurídica, según expresó la Subdelegación del Gobierno en la provincia.

El festival también acaba cancelado en León

En este momento, la organización contactó con sus clientes, que no llegaban a las 3.000 entradas de aforo que tenían pensado para darles opciones de reembolso o la forma en el que “este viaje puede continuar”. En concreto, la siguiente parada pasaba por la comarca de Babia, en León, aunque la propia organización no ha confirmado su ubicación exacta.

Después de unos días, la organización del Iberia Eclipse anunció que seguían adelante. “La Luna no se cancela”, apuntaban en otro comunicado en Instagram. “El camino hasta aquí ha cambiado más de lo que jamás imaginamos, pero la razón por la que comenzamos este viaje sigue esperándonos en el cielo”.

En un principio no se fijó la ubicación exacta del festival, aunque sería en la provincia de León, lo que ha levantado el recelo de algunos de los asistentes: “En un precioso nuevo hogar, a una hora de León, España, la luna pasará frente al sol. La luz desaparecerá. El paisaje cambiará. Y estaremos allí, juntos”. Días después, acotaron a “las montañas de León” y ya avanzaban que el evento sería “más pequeño y sencillo”.

Sin embargo, apenas unas horas después de conocerse el nuevo emplazamiento, la organización ha anunciado la cancelación definitiva del Iberia Eclipse. “Este no es el final que imaginábamos”, comenzaba el comunicado difundido en redes sociales, en el que asegura que, pese a contar con “el pleno apoyo del municipio local” y haber cumplido todos los requisitos técnicos, los permisos finales fueron retirados por circunstancias que afirman desconocer.

Las explicaciones ofrecidas por la organización, sin embargo, contrastan con la información trasladada por el Ayuntamiento de Cabrillanes. El alcalde, Emilio Martínez, ha asegurado a este medio que la organización ya le había comunicado su intención de renunciar al evento.

La organización del festival ha comunicado a los asistentes que podrán solicitar el reembolso íntegro de sus entradas mediante un enlace enviado por correo electrónico y ha defendido que renunciaba a celebrar el evento porque “operar sin absoluta certeza legal no es una opción” y porque no estaba dispuesta a comprometer la seguridad de los asistentes.

Red Natura y Reserva de la Biosfera

En principio, el lugar escogido Cabrillanes de Babia, una localidad del Parque Natural de Babia y Luna, un espacio protegido que forma parte de la Red Natura 2000 y es considerado por la UNESCO como Reserva de la Biosfera al acoger especies protegidas como el oso pardo cantábrico y el lobo ibérico.

Para la celebración en este nuevo sitio, la organización había parado la venta de entradas y esperaba que el público que no haya reclamado su devolución se trasladase a este nuevo emplazamiento. Eso sí, justificaban en su web que, en vez de “rendirse” han preferido “recordar” por qué empezaron y optar por “algo más fiel al origen”.

Antes de la cancelación, el alcalde Cabrillanes había confirmado a este diario que la organización les había preguntado por los terrenos disponibles en la localidad. El Ayuntamiento les había pedido que presentaran los informes pertinentes y los planes teniendo en cuenta “toda la protección” que tiene la zona: Parque Natural, Red Natura 2000, zona especial protección de aves el riesgo de incendio.

En ese momento, según ha comentado a Martínez, los vecinos del pueblo llamaron al regidor para interesarse por el tema. La respuesta de la Alcaldía es que iban a esperar a ver esos informes, aunque aseguró que “a lo mejor hasta por el tema de plazos es imposible de cumplir”, puesto que solo queda una semana para el eclipse y eran necesarios “muchos informes”.

CGT León ha mostrado su rechazo al festival por el riesgo de incendios, los peligros para la fauna y flora así como los posibles problemas de seguridad. El sindicato ha reclamado a las administraciones que sean “transparentes” cuando se dan permisos y se informe a los ciudadanos de las “características del evento, de las empresas que están detrás de los festivales y de las medidas de prevención de riesgos que se van a implementar”. “Todo esto se debe hacer con la suficiente antelación para permitir el derecho a la ciudadanía de presentar alegaciones y pedir información”, han defendido.

Con esta decisión se pone punto y final al recorrido de un festival que intentó celebrarse primero en La Pinilla, después en Vinuesa y, finalmente, en Cabrillanes de Babia, sin llegar a obtener el marco legal necesario para abrir sus puertas en ninguno de los tres emplazamientos. La conservación del patrimonio natural parece haber ganado una batalla contra los macroeventos.

El Sonorama regresa con la mejor "camada" de bandas emergentes y consolidadas

Patricia Carro / EFE — Wed, 05 Aug 2026 09:40:37 +0000

El festival comienza este miércoles en Aranda de Duero con nombres como Leiva, Guitarricadelafuente, Rigoberta Bandini o Love of Lesbian.

La familia de Robe Iniesta anuncia que la “pesadilla” de su relación con Live Nation está “encaminada a llegar pronto a su final”

Con la mejor camada de las bandas emergentes de su historia y en una apuesta constante por mejorar, este miércoles comienza el Festival Sonorama Ribera de Aranda de Duero (Burgos), que cumple su vigésima novena edición con nombres como Leiva, Guitarricadelafuente, Rigoberta Bandini o Love of Lesbian.

La música resonará durante cinco días en Aranda de Duero (Burgos), en un festival de referencia con la actuación de más de 150 grupos distribuidos en varios escenarios que en su mayoría se ubican en las calles y plazas de la localidad y que sumarán alrededor de 200.000 asistentes.

Además, este año ha recibido un “respaldo importantísimo”, según ha contado a EFE su promotor, Javier Ajenjo, con la declaración del 30 aniversario como acontecimiento de excepcional interés público por parte del Congreso, que lleva aparejados beneficios fiscales a patrocinios y mecenazgos.

“Para nosotros supone un regalo enorme”, ha insistido Ajenjo, que define Sonorama Ribera con dos palabras: consolidación e ilusión. Porque, en un momento complicado para el mundo de la música, el festival es ya un proyecto sólido, pero se vive “como si estuviera en el primer día de sus 30 años”.

Y “esa ilusión no tiene que desaparecer”, ha insistido, convencido además de que, como cantaba Shinova, “los mejores momentos están por llegar”.

Leiva junto a la “mejor camada” de emergentes

Los sonorámicos podrán disfrutar este año de un festival “mejor, pero no más grande” que seguirá apostando por la cercanía y avanzando en accesibilidad, inclusión y sostenibilidad, que son los retos de un festival “absolutamente transversal en géneros musicales y en la edad”.

El cartel lo encabezan nombres con Leiva, “un honorazo”, ha admitido Ajenjo, y que actuará en el recinto principal de El Picón, en el que también se podrá escuchar la voz rota de Guitarricadelafuente, el grito feminista de Rigoberta Bandini o a Love of Lesbian en su gira de despedida.

También se subirán a uno de los cinco escenarios del recinto ferial Iván Ferreiro, León Benavente y Crisytal Fighters (este miércoles); Veintiuno, Nacho Vegas y Rusowsky (el jueves, con Guitarricadelafuente y Bandini); Carlos Ares y Sexy Zebras (el viernes, con Love of Lesbian), y La M.O.D.A. y Xoel López (el sábado, con Leiva).

Sin embargo, Javier Ajenjo hace una advertencia: “hay que estar atentos a la plaza del Trigo porque llega con la mejor camada de bandas emergentes”, en referencia al ya mítico escenario urbano en el que tocarán entre otros Oslo Ovnis, “que van a ser gigantescos, cabeza de cartel en pocos años y el futuro de la música en España”.

Y recuerda no perder de vista tampoco el escenario Charco, dedicado a la música iberoamericana, que este año cumple su décimo aniversario y en el que “van a pasar cosas increíbles”, entre ellas, la actuación de Coti el viernes.

Controlar los estímulos y volver a Aranda

“En Sonorama se duerme poco porque hay muchísimas cosas maravillosas que hacer”, ha admitido Ajenjo, que aprovecha para recomendar a los 'novatos' que “controlen sus estímulos” y “no lo den todo el primer día”; también que aprovechen para descubrir Aranda, su cultura, su patrimonio y sus bodegas subterráneas.

Y si el cansancio lo impide, “que vengan a lo largo del año”, porque los cinco días de Sonorama Ribera son “los menos importantes”, pasan muy rápido, y parte de la ambición de este festival es demostrar también que eso que se ha dado en llamar España vaciada está llena de oportunidades durante todo el año, no solo en verano.

“El objetivo por el que luchamos es que se sigan creando empresas, generando puestos de trabajo, un impacto económico de 30 millones de euros. Esto es estar vivo, querer demostrar que el sitio en el que has nacido y donde vivimos tiene una oportunidad, y queremos que la gente vuelva de donde ha tenido que irse”, ha asegurado.

Consumo sanciona al Reggaeton Beach Festival con 320.000 euros por prácticas abusivas

elDiarioes Cultura — Tue, 04 Aug 2026 06:01:27 +0000

El ministerio multa al festival por impedir la entrada de comida y bebida del exterior, cobrar un suplemento para salir y volver al entrar al recinto, por cómo se realizó la devolución del saldo de las pulseras 'cashless'

Consumo abre expediente sancionador contra una gran promotora de festivales alegando prácticas abusivas

El Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030 ha anunciado la sanción de 320.000 euros a una promotora de eventos por incurrir en prácticas abusivas contra los clientes. Facua-Consumidores en Acción ha confirmado que se trata del Reggaeton Beach Festival. La entidad de consumidores había denunciado en su momento a la empresa organizadora de este evento por prohibir la entrada a los recintos con comida y bebida del exterior, entre otras quejas de los consumidores.

Con esta resolución, se pone fin al expediente abierto en octubre de 2025 tras las denuncias del colectivo de consumidores, y la promotora queda obligada a rectificar de manera inmediata y a eliminar todas las cláusulas ilícitas de sus contratos después de haber admitido su responsabilidad. Entre las conductas irregulares sancionadas por el departamento que dirige Pablo Bustinduy se encuentra también el límite a la movilidad de las personas, cobrando un importe económico adicional sobre el precio de la entrada a aquellos asistentes que deseaban salir y volver a entrar libremente al recinto a lo largo del espectáculo.

El expediente sancionador tramitado por Consumo también revela los abusos cometidos a través de los sistemas de pago propios de los festivales, habitualmente gestionados mediante pulseras electrónicas, conocidas como cashless. La empresa impuso plazos de tiempo muy reducidos para solicitar la devolución del dinero sobrante, aplicó un recargo adicional por hacer dicho reembolso en concepto de gastos de gestión e impidió el retorno de aquellos saldos sobrantes inferiores a dos euros. Asimismo, se ha constatado el cobro indebido de comisiones por gestión en la venta de los pases, encareciendo su precio final sin prestar ningún servicio real al comprador.

Facua-Consumidores en Acción ha informado en un comunicado esta mañana que “viene denunciando cada año a los organizadores del Reggaeton Beach Festival ante distintas administraciones de ámbito autonómico y local”, de las cuales señalan que “han mostrado una lamentable pasividad, al igual que ante las denuncias por irregularidades similares en otros festivales y conciertos”. “Algunas de las administraciones que decidieron no actuar ante las denuncias firmaban acuerdos de colaboración con los organizadores del festival mientras se desentendían de requerirles que cumplieran la legislación de defensa de los consumidores”, ha declarado la organización.

El Reggaeton Beach Festival, que se había consolidado como uno de los eventos de música urbana más multitudinarios del país, anunció el pasado 18 de junio que cancelaba todos sus conciertos programados para este verano. El festival tenía citas en Tenerife, Barcelona, Alicante, Santander, Mallorca, Madrid y Nigrán (Pontevedra), pero las suspendió “tras analizar la situación global del proyecto y constatar que la estructura operativa y financiera de la compañía ya no permite afrontar con las garantías necesarias la organización y desarrollo de una gira de estas dimensiones”. Entre los artistas que habían sido confirmados para los conciertos de este año estaban Anuel AA, Mike Towers, Omar Courtz o Clarent.

“Durante los últimos años, Reggaeton Beach Festival experimentó un crecimiento extraordinario que lo convirtió en una de las principales plataformas de música urbana y entretenimiento de Europa, reuniendo a cientos de miles de asistentes y acogiendo a algunos de los artistas más destacados de la escena internacional. Tras revisar la situación actual de la sociedad gestora, la nueva administración ha constatado la existencia de circunstancias económicas, financieras y operativas que afectan de forma significativa a la viabilidad del proyecto”, agregó entonces la organización, alegando que, “como consecuencia de esta situación, la sociedad no se encuentra en disposición de mantener la actividad operativa”.

Facua-Consumidores en Acción ya denunció en 2023 a los promotores del Reggaeton Beach Festival por imponer las cláusulas que Consumo ahora ha considerado abusivas. Posteriormente, el año pasado, Facua volvió a denunciar al festival por dar solo 15 días para pedir el reembolso de las entradas de Marbella y Castellón, eventos cancelados. “La organizadora vulnera la normativa vigente al establecer un plazo excesivamente corto para que los afectados puedan recuperar el dinero de los eventos suspendidos”, alegó Facua en un comunicado.

Los conciertos de este año no han sido los únicos eventos cancelados del festival. El 22 y 23 de julio de 2023, el Reggaeton Beach Festival tuvo que ser cancelado después de que el Ayuntamiento decidiera negarle la licencia para celebrarlo en el recinto Iberdrola Music localizado en Villaverde. La organización admitió su cancelación en Madrid después de haber afirmado que se llevaría a cabo pese a la negativa del Ayuntamiento. El festival atribuiría esta cancelación a una “disputa política en plenas elecciones”.

Además, recientemente ha habido un cambio en la directiva del Reggaeton Beach Festival. Como resalta Facua en su comunicado, la web del festival indica que su titular es Cyclop2014 SL, el socio único de todas las SL desde su constitución. El administrador único con el que la empresa se constituyó en 2014 es Rubén Moreno Abanades. En 2019, el cargó pasó a ocuparlo, Iván Sanahuja Fuentes, que también es el administrador único del resto de sociedades.

Cambios obligatorios y consejos prácticos para el público

Aprovechando la resolución de este caso, el departamento que dirige Bustinduy ha querido recordar al público cuáles son sus derechos básicos a la hora de acudir a un espectáculo de este tipo. Entre ellas, que la ley exige que el precio mostrado desde el inicio de la compra sea completo y definitivo, y que las comisiones por gestión solo puedan cobrarse si corresponden a un servicio real prestado al comprador.

Del mismo modo, el Ministerio de Consumo subraya que los organizadores tienen la obligación de garantizar el acceso gratuito a agua del grifo dentro del recinto. Respecto a la comida y bebida, recuerda que vetar productos del exterior resulta abusivo cuando dentro del evento sí se permite consumir comprando en los puestos de la propia organización.

En lo relativo a las entradas, se aclara que la reventa no es ilegal por definición, pero conviene verificar que el promotor la autorice y usar canales oficiales. Si se recurre a vías alternativas, se debe comprobar que los pases no sean nominativos, que garanticen la entrada y que no formen parte de eventos inventados por plataformas no autorizadas.

Los festivales de música siguen dando el cante: muchos hombres, pocas mujeres

Francisco Gámiz, Ainhoa Díez, David Velasco — Tue, 28 Jul 2026 19:41:33 +0000

Una radiografía a los carteles de los festivales más importantes del país confirma que la paridad todavía está muy lejos de ser una realidad en los grandes eventos musicales

Buscador - ¿Cómo sería el cartel de tu festival favorito si no tocaran hombres?

Carteles de festivales por género

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🎤 Este es el cartel de Bilbao BBK Live 2026, uno de los grandes festivales del país. Sus cabezas de cartel son Robbie Williams, Calvin Harris, Dellafuente, Idles, David Byrne, Lily Allen y FKA Twigs: de los siete nombres principales, cinco son hombres o grupos masculinos 👨‍🎤

¿Cuántas mujeres 👩🏽‍🎤 ves en el resto del cartel?

Vamos a ponértelo más fácil. Las artistas que ves destacadas son las mujeres.

Vamos a verlo más claro 👇

Así quedaría el cartel si dejáramos únicamente a las artistas y bandas de mujeres. El BBK es de los más equilibrados —29 solistas femeninas—, pero solo hay dos grupos formados por mujeres en todo el cartel.

Pero, ¿qué ocurre si nos quedamos solamente con los artistas o bandas de hombres? Ellos ocupan buena parte de las posiciones destacadas todas las jornadas, desde las primeras a las últimas filas del line up.

¿Crees que se diferencia mucho del original? Vamos a verlo 👇

¿Ves alguna diferencia con el cartel completo? Gran parte de la superficie sigue cubierta por grupos y solistas masculinos.

Te lo ponemos más claro. Destacados, los artistas y grupos formados por un solo hombre o por grupos con mayoría de hombres 👨🏻‍🎤.

Ahora bien, ¿es el caso del BBK una excepción o la norma? ¿Qué nota crees que sacarían en paridad los festivales más importantes del país? Hemos analizado el cartel de los grandes eventos con más asistentes para comprobarlo:

Persisten las malas noticias: la igualdad entre hombres y mujeres sigue sin cumplirse en los festivales de música en España. Si el año pasado la presencia de mujeres ya era baja, los números demuestran que el problema continúa, pues dos de cada tres artistas que suben a los escenarios continúan siendo hombres. Para esta radiografía hemos vuelto a revisar los diez eventos analizados en 2025, elegidos por ser los que aglutinaron el mayor número de asistentes según la Asociación de Promotores Musicales (APM), pero teniendo en cuenta sus carteles de 2026. Aunque la presencia de mujeres aumenta ligeramente en casi todos ellos, ni siquiera representan un 30%.

Para categorizar las bandas, las integradas mayoritariamente por hombres o mujeres han sido incluidas en la categoría del género del mayor número de miembros del grupo. Por eso, bandas como Kaiser Chiefs o Kings of Leon se cuentan como masculinas, mientras que HotWax, The Warning o Marlena se cuentan como femeninas. Sin embargo, en el caso de los grupos cuyo vocalista pertenece al género con menos integrantes, han sido clasificados como mixtos para reconocer el mayor peso que aportan los líderes de las bandas.

Con esta regla, las bandas formadas por músicos hombres en los que canta una mujer, como Wolf Alice, entran dentro de la categoría de bandas mixtas. Los dúos formados por un hombre y una mujer también se cuentan como mixtos, sin importar quién cante más. Además, en la suma final de los carteles de 2026 hemos tenido en cuenta a todos los artistas anunciados oficialmente por la organización de cada festival, sin quitar los cambios o las cancelaciones de última hora que hayan pasado después por motivos ajenos a los propios festivales.

Los festivales con más presencia de mujeres en 2026 son el Primavera Sound de Barcelona y el Sónar, ambos con un 41% de artistas femeninas (sumando solistas y grupos). En el Primavera Sound, la cifra se reparte entre un 35% de cantantes solistas y un 6% de grupos de mujeres, mientras que el Sónar llega a su 41% gracias a un 39% de solistas. Les siguen el Bilbao BBK Live con un 38% de presencia femenina (36% de solistas), el Granca Live Fest con un 31% y O Son Do Camiño con un 30% (en estos dos últimos, todas ellas son solistas). El Mad Cool se queda en un 28%, seguido del FIB con un 20% y el Arenal Sound con un 19%.

En los últimos puestos están el Low Festival, que cae hasta el 13% (8% solistas y 5% grupos), y el Viña Rock, con un muy bajo 9% de solistas femeninas y ningún grupo de mujeres. Los hombres, por ende, vuelven a ser una mayoría muy clara en los festivales más grandes de España. De los 760 artistas y grupos analizados en los carteles de 2026, un 64% pertenece a ellos. Es especialmente baja la falta de grupos formados solo por mujeres, que bajan hasta un escaso 2,8% del total. Festivales como el Arenal Sound, el Granca Live Fest, O Son Do Camiño y el Viña Rock directamente no tienen ningún grupo de mujeres en sus carteles de este año.

Algo mejor les va a las cantantes solistas, que representan el 25,7%, con nombres conocidos como Doja Cat, FKA Twigs o Lorde. Aun así, los solistas ocupan el 33,6% de los escenarios, con artistas como Robbie Williams, Calvin Harris o Guitarricadelafuente. Por su parte, las bandas mixtas representan un pequeño 7% del total de los carteles de 2026, con ejemplos como Alabama Shakes. En cambio, los grupos de hombres se quedan con el 30,4% del espacio con bandas como Foo Fighters, The Cure o The Prodigy. Mientras tanto, los artistas no binarios siguen teniendo una presencia casi invisible en los grandes eventos, reduciéndose a un mínimo 0,7% del total.

Al mirar la igualdad en los festivales, no solo importa contar el número de mujeres que actúan, sino también en qué lugar del cartel las ponen y qué relevancia les dan en los conciertos. El resultado vuelve a ser muy malo en este punto: ningún grupo de mujeres figura como cabeza de cartel en 2026 y solo una de cada cinco plazas principales (un 20,5%, es decir, 17 solistas) es para cantantes mujeres, de un total de 83 cabezas de cartel analizados. Hay que recordar que en esta cuenta no entran el Sónar ni el Viña Rock, porque ninguno de los dos marca en sus anuncios quiénes son los cabezas de cartel principales.

En este aspecto, el que tiene peores resultados es el FIB, con hasta 9 cabezas de cartel formados solo por grupos de hombres, sin poner a ninguna mujer arriba. El Low Festival tampoco tiene a ninguna cantante o grupo de mujeres al frente de sus 11 puestos principales (7 grupos de hombres, 3 solistas hombres y 1 banda mixta). En el Arenal Sound, las mujeres solistas solo ocupan 2 de los 11 puestos importantes, frente a 8 solistas hombres y 1 grupo de hombres.

O Son Do Camiño y el BBK Live ponen a 2 solistas mujeres entre sus nombres principales (de un total de 6 y 7 puestos). En el lado contrario, los festivales que ponen a más mujeres arriba son el Granca Live Fest, con 5 solistas mujeres de 14 cabezas de cartel; el Mad Cool, con 3 solistas mujeres y 2 bandas mixtas de 16; y el Primavera Sound, con 3 solistas mujeres (como Doja Cat o Addison Rae) y 1 banda mixta entre sus 9 nombres principales.

Aunque el porcentaje total de mujeres en los grandes festivales ha subido un poco, pasando del 26% en 2025 al 28% en 2026, la situación se vuelve más complicada si miramos cada festival por separado. El caso más claro de bajada lo tiene el Low Festival, que pierde 11 puntos al pasar del 25% al 14% en solo un año (sumando un 8% de solistas y un 5% de grupos femeninos). En otros eventos la situación se ha quedado totalmente parada, sin ningún avance: el Mad Cool repite exactamente su 28% del último año, el FIB se queda atascado de nuevo en el 20% y O Son Do Camiño frena su subida repitiendo el 30% que ya tuvo el año pasado.

No obstante, algunos festivales sí mejoran sus números en 2026, aunque vienen de cifras tan bajas que no se puede hablar de un cambio real. El Primavera Sound es el que más sube al pasar del 31% al 41% de mujeres (+10 puntos), seguido por el Granca Live Fest, que sube del 21% al 31% (+10 puntos). El Bilbao BBK Live sube del 32% al 38% (+6 puntos) y el Sónar pasa del 37% al 41% (+4 puntos). En otros, las subidas casi ni se notan: el Arenal Sound sube ligeramente del 16% al 19% y el Viña Rock pasa de un 8% a un 9%, un aumento de un solo punto que no cambia su enorme mayoría de hombres. Por tanto, la pequeña subida general de dos puntos se debe al esfuerzo de festivales concretos como el Primavera Sound o el BBK Live Fest, y no a una mejora en todo el sector.

De esta manera, la tendencia más clara en los carteles de 2026 es que los hombres siguen dominando los festivales de música. Los solistas ganan espacio y llegan al 33,6% de los carteles este año, lo que supone una subida de 1,5 puntos respecto a 2025. Por otro lado, los grupos de hombres siguen siendo una parte muy importante con un 30,4% del total, aunque bajan 2,9 puntos. En total, la suma de cantantes y grupos masculinos alcanza un abrumador 64% de todos los artistas analizados.

Las cifras siguen mostrando una diferencia muy grande con respecto a las mujeres. Aunque las cantantes solistas suben un poco y llegan al 25,7% de los carteles en 2026 (con un aumento de 2,9 puntos), esta pequeña mejora se pierde por la continua bajada de los grupos de mujeres. Las bandas femeninas caen 0,4 puntos más y se quedan en un escasísimo 2,8% del total. Por su parte, las bandas mixtas bajan 0,8 puntos y representan el 7% en los macroeventos, mientras que los artistas no binarios descienden 0,4 puntos y se quedan en un 0,7%.

Mientras los cantantes ganan fuerza y las mujeres solistas intentan conseguir algo más de sitio, los grupos femeninos y las bandas mixtas pierden todavía más presencia. Aun con la bajada de grupos de hombres, los artistas masculinos son la gran mayoría en los escenarios con más público, y deja claro que la falta de paridad sigue siendo un problema serio en los festivales más importantes de nuestro país. A continuación puedes comprobar cómo serían sus carteles según los solistas o bandas masculinas, solistas o bandas femeninas, o bandas mixtas que figuran en ellos.

Carteles de festivales por género

Quién toca en los grandes festivales de 2026

Cada bloque es un artista o banda del cartel, coloreado según su género. El tamaño indica la posición en el cartel.

Fuente: elaboración propia a partir de los carteles publicados por cada festival.

La cantante y pianista Diana Krall despide al Jazzaldia de Donostia con una profunda comunión musical

María Laura Ferreira Niño — Sun, 26 Jul 2026 20:15:09 +0000

Con el Kursaal totalmente vendido y una lista de espera, la canadiense ha puesto el broche final al festival con su vigésima visita

Las atmósferas eléctricas del trompetista noruego Nils Petter Molvær retumban en el Jazzaldia de Donostia

Un sencillo “Good evening” marcó el inicio de la velada mientras Diana Krall se acomodaba frente a su piano. Era la última tarde de la 61ª edición del Jazzaldia de Donostia, y el auditorio del Kursaal había anunciado su venta completa, manteniendo incluso una lista de espera para presenciar la vigésima visita de la artista canadiense al festival. Durante dos horas, la pianista y su banda se propusieron inmutar al público donostiarra a través de una mezcla de talento, complicidad y genialidad.

El concierto arrancó con un solo de piano que abrió paso a la interpretación de ‘Let’s fall in love’. Mientras las notas de ‘We just couldn’t say goodbye’ y ‘Just like a butterfly that’s caught in the rain’ flotaban en la sala, las luces se volvieron guías. Cuando la banda al completo –integrada por el bajista Dennis Crouch, el guitarrista Marc Ribot y el batería Jay Bellerose– participaba, el escenario brillaba a la vez que se teñía de colores. En los momentos de los solos individuales, le acompañaba una única luz, obligando al público a admirar al artista en acción.

Los pelos se pusieron de punta durante 'I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter'. Tras este número, Krall no ocultó su entusiasmo y compartió su sentir con el auditorio. “I really enjoyed that, I really enjoy playing with these men”, expresó en referencia a sus músicos. Esa sintonía fue palpable en piezas como ‘Fly away home’, donde se pudo apreciar un destacado solo de percusión tras haber disfrutado previamente de las intervenciones del bajo y la guitarra.

Más allá de los estándares como ‘I’ve got you under my skin’ o ‘I’M Confessin’’, Krall ofreció regalos musicales en forma de versiones, incluyendo ‘It's All Over Now, Baby Blue’ de Bob Dylan y una pieza de la artista Eleanor Collins. Esta versatilidad refuerza su imagen como un puente entre la música clásica y la popular, una identidad artística forjada desde que comenzó a tocar a los cuatro años en Nanaimo.

La sesión, definida por un tono tranquilo y relajante, llevó al público a un momento de desconexión del mundo exterior para centrarse únicamente en la impresionante presencia de la música. Antes de despedirse, Krall se dirigió a los asistentes con un escueto pero sincero “what a wonderful audience”. Su paso por el Kursaal dejó la huella de una intérprete que busca la excelencia y el respeto por la tradición, cerrando el festival con la calidez emocional que la caracteriza.

CGT reactiva este verano su campaña por los derechos laborales en los festivales de música

elDiariocv — Thu, 23 Jul 2026 21:56:30 +0000

El sindicato libertario se ofrece a denunicar ante la Inspección de Trabajo las "jornadas maratonianas" o los "sueldos ínfimos"

La federación local de València de CGT, junto con la Federación Estatal de Sindicatos de Espectáculos, Artes Gráficas, Audiovisuales y Papel (FEGAP) del mismo sindicato, reactivan este verano la campaña para denunciar los abusos patronales en los festivales de música y defender los derechos laborales de las trabajadoras y trabajadores de la industria cultural. “Estamos en verano y con él, festivales de música, festejos populares, ciclos de conciertos y todo tipo de eventos lúdicos y culturales se multiplican por todo el estado y detrás de estos hay muchos y muchas trabajadoras invisibles” explican fuentes de CGT de València.

La organización anarcosindicalista informa de que detrás de estos eventos culturales “hay jornadas maratonianas y sueldos ínfimos, en los que prima la productividad antes que los derechos laborales”. “Músicos, técnicos de sonido, montadores de escenarios, personal en las barras o de limpieza, que trabajan con contratos precarios, irregulares y, muchas veces, obligados a ser falsos autónomos o directamente cobrar en negro”, denuncia el sindicato, que incide en que “detrás de estos macrofestivales ya no solo hay productoras de música sino grandes fondos de inversión que hacen su agosto a costa de explotar a sus trabajadores y trabajadoras”.

CGT incide en que la intención de la campaña, además de denunciar los abusos laborales a Inspección de Trabajo, es “lograr una contratación adecuada para todo el personal aplicando el convenio correspondiente, sin recurrir a la figura de los falsos autónomos, conseguir unos salarios dignos, ya que las tarifas y salarios están prácticamente 10 años congelados, que se cumplan las normativas de seguridad e higiene necesarias en los festivales y se respete el derecho a la representación sindical”.

El sindicato ha habilitado un formulario en su página web para los músicos, técnicos de sonido, montadores de escenarios y personal en las barras o de limpieza que quieran participar de la campaña, que cuenta con el apoyo de grupos como Los De Marras o Manifa. CGT interpondrá las denuncias ante la Inspección de Trabajo sin revelar la información de las denunciantes, según indica en un comunicado.

Marco Mezquida pone en marcha el Jazzaldia de Donostia con su octava visita... con permiso de ETS

María Laura Ferreira Niño — Thu, 23 Jul 2026 07:55:18 +0000

El pianista menorquín regresó a las terrazas del Kursaal para presentar su último disco, ofreciendo un concierto marcado por la interacción con sus músicos y la complicidad con el público donostiarra, pero eclipsado por el multitudinario 'show' de los alaveses

El Jazzaldia de Donostia premiará a David Murray, Joe Lovano y Miguel Martín en una edición con 77 conciertos

El Jazzaldia de Donostia ya ha arrancado. Con permiso de ETS, multitudinarios allá por donde pasan, también se han puesto en marcha el resto de escenarios. “Tenía ganas de volver aquí”, afirmó Marco Mezquida, por ejemplo, en su octava vez en la ciudad. La actuación se integró en la programación gratuita, junto a Martín Meléndez, en el violonchelo, y de Aleix Tobías, batería y percusión.

Marco Mezquida Trío eligió Donostia para presentar 'Táctil', su más reciente trabajo discográfico autoproducido y publicado en febrero de este mismo año. El proyecto surge de la intención del artista de recuperar la dimensión física de la música, centrando la creación sonora en el gesto y la vibración de los materiales.

El concierto abrió con Mezquida manipulando directamente las cuerdas internas del piano, una técnica que utiliza para ampliar las capacidades del instrumento más allá de las teclas. Con la interpretación de ‘Carpe diem’, pieza de su álbum Talismán, el músico estableció desde el inicio un estilo que combina la improvisación libre con elementos del folklore y la música clásica. “Celebra la vida y los momentos que vivimos”, así fue como definió el pianista su canción, que recuerda habérsela dedicado a un amigo.

Canciones que exploran la experiencia humana emocional es uno de los diversos temas que el trío exploró. Desde un eje más social, Mezquida presentó ‘World’s hope’, una composición que tiene de referencia la labor activista de Greta Thunberg. En cambio, ‘Constantine’ es una pieza de ritmos rápidos inspirada en una conversación que el pianista mantuvo con una mujer que no dejaba de hablar de su expareja. Según explicó el propio Mezquida, la composición surgió en el momento en que dejó de prestar atención al relato de su interlocutora para empezar a imaginar las notas musicales que la historia le sugería.

La interacción con los asistentes fue clave durante el evento. Aunque se trató de un público muy tranquilo, ese se mostró completamente apreciativo y presente. Destacan las risas cuando el pianista mencionó a su amiga, Jésica, presente entre el público, tras de tocar ‘Cavalcanti’, pieza que le dedicó. Durante ‘Fraternitat’ se vivió un solo de piano que dejó al público boquiabierto, al igual que cuando el trío enlazó la ejecución con ‘Évora’, una pieza escrita en homenaje a la cantante Cesária Évora.

El acompañamiento de Aleix Tobías en la batería y Martín Meléndez en el violonchelo evidenció una conexión técnica consolidada tras diez años de trabajo conjunto. El público respondió con una escucha atenta y participativa, acompañando con palmas el ritmo del violonchelo durante el tema ‘Táctil’. La sincronía entre la percusión, el piano y el violonchelo generó una respuesta de asombro en la audiencia, especialmente en los pasajes donde la música cobraba mayor intensidad rítmica.

El trío concluyó su actuación con ‘Felice’, una composición que el pianista definió con humor como un “merengue malo” menorquín gestado en las calles de Florencia tras disfrutar de unas copas. Tal como se describió, la canción evocaba gracia y vida que no fueron desapercibidas. Con una ovación general mientras Mezquida, Meléndez y Tobías se abrazaban en el escenario, el trío cesó una jornada que enfatizó el valor del directo y la relación física con la música.

Sin embargo, el gran hito del estreno del certamen fue, por la afluencia de público, el concierto de ETS. A medianoche, miles y miles de personas colmaron la playa de la Zurriola. Este grupo alavés, oficialmente En Tol Sarmiento, viene llenando sí o sí grandes recintos en Madrid, Barcelona y, desde luego, también en tierras vascas.

Dansàneu, un festival modélico en la cuerda floja: “Estamos fundidos. No podemos más”

Nando Cruz — Wed, 22 Jul 2026 19:27:01 +0000

La fértil muestra de danza, teatro y música del Pirineo de Lérida, Premio Nacional de Cultura de 2021, inaugura una trigesimoquinta edición que pudiera ser la última

Festivales a los que no les salen las cuentas: una veintena han sido cancelados este año por problemas de viabilidad

La oferta festivalera de cada verano sigue siendo abrumadora. Y, a menudo, sospechosamente parecida. No solo por el perfil de artistas sino por el planteamiento formal: terreno cercado, varios escenarios, maratón de actuaciones, abrevaderos en los laterales y sálvese quien pueda. Hay excepciones honrosas, sí. Pero algunas hay que buscarlas en los confines del país. Por ejemplo, en el Pirineo de Lleida, a apenas veinte kilómetros de la frontera con Francia. Allí se inicia este fin de semana la 35ª edición del festival Dansàneu. Casualmente, en el mismo lugar donde nació hace tres décadas la madre de todos los macrofestivales: el Doctor Music Festival.

La música es solo uno de los ingredientes de este certamen que también programa danza y teatro, conferencias y exposiciones. Sus ejes son el territorio, la tradición, la memoria histórica y la experimentación. Todo, en diálogo con el territorio. Quienes se acerquen a Esterri d’Àneu, población de mil habitantes y campo base del festival, verán la calle mayor cubierta por un cielo de cencerros. Buena parte de la oferta se diseña pensando en el lugar donde será exhibida. A partir de este jueves, actúan referentes del teatro, la literatura, la danza y la música catalana como La Veronal, El Petit de Cal Eril, Magalí Sare, Àngels Gonyalons, la Dharma Pol Guasch y Obeses.

Al lado de Lou Reed, David Bowie, Portishead y demás ídolos programados en el Doctor Music Festival, lo del Dansàneu suena poco llamativo. Sin embargo, el festival de la vaca solo duró tres años: 30.000 personas aún eran pocas para hacer viable aquel proyecto y el macrofestival se esfumó en busca de pastos más lucrativos y mejor comunicados. El Dansàneu, en cambio, sigue allí. Ajeno a lógicas resultadistas, buscando un diálogo con el entorno, garantizando los derechos culturales de sus habitantes.

Territorio, memoria y experimentación

Dansàneu nació en 1992 como una escuela de verano de danza tradicional impulsado por el Consell Cultural de les Valls d’Àneu, entidad sin ánimo de lucro que aglutina cuatro ayuntamientos de este valle. En 2015 la muestra adquirió su formato actual de festival incorporando música y teatro, realzando el patrimonio arquitectónico y paisajístico y trazando ejes ecologistas, feministas y de memoria. En cada decisión ha primado la mirada a largo plazo, el deseo de fertilizar el territorio y ser campo de experimentación artística y preservación de tradiciones. El impacto turístico y económico es la consecuencia; no, el objetivo. El objetivo siempre es cultural.

Durante diez días, el festival programa tres actividades por jornada. El 50% son gratuitas. Solo un espectáculo cuesta más de 20 euros. Muchos incluyen cata de productos de la zona. Los aforos oscilan entre los cien espectadores de la iglesia románica de Sant Joan d’Isil y los 350 del lago de la Torrassa. Las 38 actividades de este año están repartidas en 27 enclaves de 13 pueblos. El propósito es claro: interpelar a los habitantes de todo el valle e invitar al visitante a diseminarse por la zona. Lo contrario es hacinar a la gente en único espacio, lo más grande posible, y que pase todo allí.

El Dansàneu ha renunciado a su espacio de mayor aforo: el recinto ferial. Demasiado grande y difícil de adaptar. Además, el río baja muy cerca y caudaloso y alteraba las actuaciones silenciosas. Otra decisión que no antepone el lucro económico, sino garantizar las condiciones para que artistas y asistentes conecten. Tal vez por ello el público responde masivamente. Dos semanas atrás ya se habían vendido el 90% de las entradas.

Una inspiración para el sector

No son estas las medallas que busca el Dansàneu. Ni siquiera el Premi Nacional de Cultura que obtuvo en 2021. En el sector musical, este festival se ha ganado una merecida fama. Agencias y artistas lo resaltan entre los que ofrece tratos económicos más dignos. “El artista tiene que cobrar bien. ¡Y el técnico! Tenemos un sector totalmente precarizado”, denuncia su directora Rut Martínez. “Yo no quiero contribuir a precarizarlo más. Los festivales tienen que ser espacios seguros para los profesionales”, reinvidica.

En Dansàneu no hay voluntarios. “No estamos contra el voluntariado, pero hay que dar trabajo a la gente de aquí”, añade. Los jóvenes que montan la fiesta mayor son parte del equipo. La empresa de sonido es del valle. La copistería de Esterri imprime programas, carteles y lonas. Del diseño escénico se encargan estudiantes de un postgrado de escultura aplicada al espectáculo de la escuela de arte de Tàrrega que reciben mil euros y diez días de alojamiento. Ni siquiera los quesos y embutidos de las catas son aportación a fondo perdido de productores locales; el festival los paga.

A diferencia de tanto festival depredador, Dansàneu busca una redistribución real de los recursos que nutra al sector cultural y al territorio. Tal vez por ello, cuando en junio presentó su cartel en Barcelona la asistencia fue masiva. ¡Casi trescientas personas en la presentación de un festival que se celebra a 250 kilómetros de Barcelona! ¡El auditorio quedó desbordado y hubo que habilitar otra sala con pantalla! A diferencia de tanta rueda de prensa de festival llena de periodistas y políticos, allí quien no faltó fue su mejor aliado: su público. Buena parte eran habitantes del valle que condujeron tres horas y media y barceloneses que cada verano asisten al festival.

Recital de cencerros, recitar en el bosque

En la presentación, Ferran Rella, presidente del Consell Cultural de les Valls d’Àneu, rescató un proverbio catalán del siglo XIV: “De poca brasa se enciende un gran fuego”. Qué mejor forma de resumir el quehacer discreto y constante del Dansàneu. Al extremo cuidado a la hora de seleccionar los espectáculos, varios de ellos producciones especiales o coproducciones con festivales aliados, se suma una obsesión por encontrar el lugar adecuado donde exhibirlos. Para ello hay que recorrer los valles, conversar con lugareños e imaginar cómo sonaría aquel monólogo en este prado o qué tal luciría esa coreografía en la plaza de aquel pueblo de apenas 25 habitantes.

Dansàneu es una pieza artística en sí misma que encaja piezas de un puzzle infinito. En la iglesia de Santa Maria d’Àneu ha cantado Maria del Mar Bonet. La compañía de Berta Baliu ha presentado su espectáculo de danza vertical en la pared de la central hidroeléctrica. En la plaza de Sorpe recitó sus versos reptiles el poeta Enric Casasses. En la iglesia de Gavàs, la percusionista Núria Andorrà ofreció un conmovedor recital con vasijas de cerámica y cencerros. Música contemporánea experimental, de riesgo pero arraigada a una geografía, la del Pirineo de Lérida, de sólida tradición ganadera. Varias personas salieron de esa actuación con lágrimas en los ojos.

Para ilustrar el cariño con que se programa todo, no hay mejor ejemplo que la actuación del actor Carlos Cuevas de 2025. El Parque Nacional de Aiguestortes cumplía medio siglo y el festival se adentró en ese espacio natural. Se fletó un autocar. Quien no reservase plaza tendría que subir en coche y caminar dos kilómetros. En un claro del bosque, junto a una cabaña de troncos, Cuevas brindó una lectura dramatizada de ‘Walden’, obra de Henry David Thoreau que narra su vivencia lejos de la civilización. El público hipnotizado, escuchaba sentado en el suelo sobre cojines de goma reciclada con forma de hoja diseñados por los estudiantes. El 9 de agosto se reprogramará la lectura para clausurar del festival. En el mismo bosque.

“Estamos fundidos. No podemos más”

A pesar de todo, este pudiera ser el último Dansàneu. “Estamos fundidos”, resume la directora, ampliando el sentimiento al Consell Comarcal. “Esta es una edición de fin de etapa. Seremos los aliados más fieles para que continúe, pero ya no podemos más”, avanza. Los motivos de esta inesperada renuncia vienen de lejos. Gestionar un festival que se sostiene en buena medida con subvenciones implica depender de los tiempos de la administración y eso les sitúa económicamente contra las cuerdas. Año tras año.

“Cuando acabe el festival, en mi correo electrónico tendré facturas por valor de 400.000 euros”, desvela Martínez. Y menos de la mitad de dinero para pagar. “Las líneas de subvención se convocan tarde, se resuelven muy tarde y se pagan exageradamente tarde. Eso nos ahoga, nos obliga a endeudarnos y nos angustia muchísimo. No podemos soportar más la presión de pagar tarde”, ilustra Rut. Al no disponer de un convenio que garantice aportación fija, cada año hay que volver a partir de cero, visitando despachos y portales digitales para intuir dónde conviene más aplicar. Este año, con los presupuestos generales paralizados, las líneas acordes se convocaron a finales de junio. El Dansàneu y otros festivales están rellenando formularios y redactando justificaciones mientras ultiman sus preparativos.

El festival es viable, pero solo si la entidad que lo impulsa acepta endeudarse. Y solicitar un préstamo genera intereses que adelgazan el presupuesto (Este año, por primera vez, esos intereses bancarios son subvencionables). Si todo va bien, la mayoría de proveedores y trabajadores cobrarán en octubre. O casi todos. “Los que estamos al frente, al cabo de año y medio, y según cómo haya ido, cobramos algo”, desvela Martínez. Pero si fallase una línea de subvención, el festival quebraría y los organizadores deberían responder con su patrimonio. “Hemos trampeado así doce años y no podemos más. Celebremos que hemos llegado hasta aquí”, concluye Rut.

Un futuro muy incierto

El tiempo dirá si el público reclama el festival, si los ayuntamientos lo rescatan, si una empresa toma el relevo o si en 2027 se abre un inmenso cráter donde durante décadas hubo un cultivo cultural persistente y respetuoso. Si muere el Dansàneu, no solo queda huérfano de oferta artística un territorio: muere también un ejemplo de cómo hacer bien las cosas y un punto de apoyo para creadores que exploran sendas poco transitadas. Todo el entramado cultural del país será más frágil. Y aun así, otra duda de mayor calado resuena más allá del valle: ¿cuántos pequeños festivales de esos que cada verano salen adelante gracias a asociaciones y entidades sin ánimo de lucro que regalan su tiempo y dinero, están estos días a punto de rendirse?

Delaossa, cuando la música se convierte en redención tras las adicciones: "Sentía que estaba poseído"

Rodrigo Abad — Thu, 16 Jul 2026 18:23:22 +0000

El cantante malagueño actuará este 17 de julio en la capital toledana dentro del ciclo 'Toledo en Concierto 2026'

De Viva Suecia a JC Reyes: Toledo celebra un verano de conciertos con 18 actuaciones hasta septiembre

“Pasé de vivir en el cielo a sentir la llama del infierno”, es una de las primeras frases con las que comienza La Madrugá, el tercer álbum de estudio de Daniel Martínez de la Ossa (Málaga, 1993). Este rapero y cantante malagueño, más conocido como Delaossa, nacido y criado en el barrio de El Palo, lleva en los escenarios desde hace una década y este 17 de julio actuará en la capital toledana dentro del ciclo 'Toledo en Concierto 2026', en la plaza de toros.

Un estilo que mezcla el hip-hop, el rap, pero también los sonidos más actuales de la música urbana, junto al flamenco y ecos de armonías andaluzas. En esta conversación, 'Dani' habla de lo importante que es mantenerse fiel a las raíces, de crecer y seguir en el barrio, pero también de las consecuencias de haber pasado por momento complicados ligados a las adicciones. La música se ha convertido para él en una redención, una válvula de escape que, como en la portada de su disco le ha hecho salir de las profundidades de un mar de confusión en el que se encontraba atrapado, o como él mismo expresa: “La recuperación ha sido para mí como un exorcismo”.

Pregunta: Tu último trabajo es el álbum ‘La Madrugá’, ¿qué puedes contarnos acerca de este nuevo disco? ¿Cuál fue el germen del mismo, el momento de inspiración?

Respuesta: A ver, yo creo que para componer el disco ha habido muchas fases diferentes. La primera fase más primigenia, así como de los inicios de las primeras canciones, era un poco desde la desesperación, desde el sentimiento de querer salir de donde estaba, un poco desde la agonía, porque es verdad que yo quería hacer un cambio en mi vida, pero nadie me había dicho cómo hacerlo, ni tenía las herramientas que luego conseguí durante el camino. Entonces, si la primera etapa fue un poco desde la agonía y así un poco más catártica, luego la segunda fue desde un poco la recuperación que atravesé para hacer el disco, que luego me enteré de que no era solo el disco, sino que necesitaba en mi vida una recuperación.

Y la tercera etapa fue después de esa recuperación, bueno, durante la recuperación, un poco más estable, pues un poco desde un lado más como la creencia. Yo este álbum lo he hecho muy apoyado en la creencia de que la búsqueda de la luz a través de mi madre, que me guiaba en esa búsqueda y todo eso, resultó en la madrugada. O sea, que realmente no es un disco que pueda definir un estado de ánimo o un momento concreto de mi vida. O sea, han sido varios.

En declaraciones a Billboard en 2025 decías literalmente “me saqué el demonio”. ¿Por qué esta expresión? ¿Cómo lidias con tus demonios internos?

Bueno, yo creo que la adicción, de alguna forma, me gusta compararla con un demonio. Siempre hablo como de adicciones y de drogas, pero para mí eso es algo muy clave, porque yo creo que estaba poseído.

Estaba poseído porque todo lo que yo decía y lo que hacía no estaba alineado. Porque yo, por mucho que quisiera hacer algo, luego no podía, porque era presa de... O sea, yo era como una especie de vehículo de la desidia, de la falta de voluntad, de todo lo que conlleva el estar en consumo, de estar en noches, de estar en fiestas...

Pues lo que yo decía y lo que hacía no iba alineado, al fin y al cabo. Entonces, para mí, la recuperación que he vivido lo comparo con un exorcismo, tío, porque luego te das cuenta de lo macabro que te vuelves cuando consumes. Al final, porque te vuelves una persona manipuladora, mentirosa, otras muchas cosas negativas que luego te das cuenta cuando estás fuera.

Entonces yo creo que no solo el consumir y el estar en adiciones es el diablo, pero sí como que creo que es un coqueteo con la parte negativa del ser.

Te das cuenta de lo macabro que te vuelves cuando consumes. Al final, porque te vuelves una persona manipuladora, mentirosa, otras muchas cosas negativas que luego te das cuenta cuando estás fuera

Se trata de un disco muy visceral que bebe de lo autobiográfico y con sonidos que mezclan lo andaluz con la música urbana nacional. ¿Cómo fue el proceso creativo?

Buena pregunta. A ver, yo el disco lo considero como una vuelta a casa, al fin y al cabo, de ese niño perdido entre la industria y entre el oropel que promete el éxito y todo eso. Y es como un poco la vuelta a casa a nivel simbólico y literal también.

Entonces qué mejor que volver a casa y recuperar a través de ciertas raíces musicales originales de aquí. Creo que era un poco blanco y en botella que el disco tenía que tener esos tintes flamencos, esos tintes andaluces y esos tintes de la música tradicional de mi comunidad, de mi tierra. Se dio por pura inercia. No hubo una búsqueda, simplemente yo ya tenía en la cabeza que la intro de este cantador legendario de Málaga, El Tijerita, iba a ser esa, porque la tenía en la cabeza hace tres, cuatro años previos a la salida del álbum. Y bueno, lo demás se ha ido dando en el proceso, en el camino, totalmente natural.

¿Cómo ha ido evolucionando tu sonido propio? Desde un estilo más rapeado hasta el que has construido actualmente.

Pues hay una frase, no recuerdo quién la dijo, pero a mí me identifica mucho, y es que al final “el artista que es curioso y el artista de verdad, cuando domina un género, lo abandona en el momento”. Yo creo mucho en eso, porque yo en el momento en el que ya siento que he alcanzado una zona de confort en algún género concreto, a mí me gusta abandonarlo un poco.

Entonces me gusta buscar nuevos horizontes, nuevos colores diferentes, y siempre he tratado de hacerlo porque es lo que me mantiene vivo al fin y al cabo. El nuevo reto, el seducirme con algo nuevo que me ilusione, siempre para mí es el modus operandi que tengo con la música, y va a seguir siendo así.

Entonces bueno, creo que La Madrugá es un paso más en mi carrera, pero no es el último ni muchísimo menos, o sea que seguiré sintiéndome seducido por otro género y otras formas de hacerlo, seguro.

¿Qué has aprendido a lo largo de tu trayectoria, tanto en composición como a la hora de crear?

En cuanto a composición he aprendido a base de pruebas. Suelo dejar las canciones abiertas cuando me voy del estudio, o cuando sale una idea, y luego dejo que el tiempo me las termine.

Muchas veces dejo las demos abiertas y luego encuentro el momento perfecto en mi vida para terminarlas. Y eso me da una perspectiva temporal. Por ejemplo, la canción que se llama Estrella, que al final le hablo a mi madre, esa canción se empezó en 2021 y se terminó en 2024, por ejemplo. En el momento en el que yo la recuperación la tenía interiorizada y consideré que era el momento para terminarla.

En el proceso de hacer canciones a mí me gusta, sobre todo en las más sentimentales, me gusta dejarlas abiertas y que sea el tiempo el que me dé la señal.

En tus letras, además de este carácter autobiográfico, también aparece en repetidas ocasiones la palabra “barrio” o derivadas de este. ¿Crees que es más urbano escribir sobre el barrio o es algo que solo va ligado al sonido?

Es una pregunta que yo ni siquiera me he planteado nunca, porque nunca he pensado que hablar del barrio es más urbano, y lo he hecho adrede, ¿entiendes? Yo hablo de las cosas que vivo, y vivo en un barrio, y he sido siempre un abanderado de representar de dónde vengo, a nivel la forma de ser, la idiosincrasia de aquí, y todo lo que yo he vivido siempre, y he visto a mis vecinos de aquí. Entonces, a mí me sale solo, no es una cosa que tú digas, voy a hacer esto porque suena más rapero, o suena más urbano.

Yo lo hablo porque es mi realidad. Entonces, no es una pregunta que me haya planteado nunca, ni que para mí tenga cabida en mi música.

En tu canción ‘Rey’, cantas “un niño de barrio siempre tendrá hambre”. La canción habla de salir de allí, de tener sueños y aspirar alto, pero ¿consideras que el barrio es algo que nunca sale de nosotros mismos?

No podemos garantizarlo al cien por cien, porque cada persona es un mundo, y cada vida toma su propio derrotero, y sus propios caminos, pero yo en mi caso siempre voy a estar ligado a él, y es más, yo he estado bastantes años en Madrid, y volveré a ir a Madrid seguro, porque al final es un sitio donde hay una afluencia de trabajo considerable, y donde hay afluencia de contactos, y es conveniente estar, pero yo cada vez tengo más la cabeza aquí, en Málaga, en El Palo, y en querer estar aquí tranquilo cuando tengo vacaciones.

Mis vacaciones no es que sean ostentosas por naturaleza, prefiero estar aquí tranquilamente. Estoy muy conectado y voy a estarlo más, ahora me vengo a vivir aquí, si Dios quiere, a finales de año, esos son los planes que yo tengo en la cabeza.

Me he sacado la licenciatura de cómo no hacer las cosas fallando. Golpeándome con todas las esquinas que había en el camino y todas las piedras, he tropezado

En otro de tus temas, ‘Vulnerable’, dices: “Me puse el disfraz de duro, para que nadie me dañe. Pero todas las noches sueño que esto se cae”. Si lo interpretamos como el momento vital en el que te encuentras, ¿tienes miedo de perder todo lo que has conseguido?

No va tanto en ese sentido. Al final, en esa canción en concreto, habla un poco del disfraz de tipo duro que tienes que armarte cuando vives rodeado de tipos duros de verdad. Y creo que me representa porque, al fin y al cabo, yo he tenido, desde que soy joven, que simular que soy un tipo duro.

Y he tenido que creerme ese propio personaje. Entonces, lo de sueño que esto se cae, no habla tanto de mi trabajo, que es la música, que también, obviamente, cierto miedo a que se acabe siempre he tenido, y la incertidumbre siempre existe, pero a día de hoy no la tengo tanto. O sea, no es una cosa que me quite el sueño.

Pero va un poco más en el rollo de que se caiga el personaje de tipo duro que yo me he construido y el disfraz.

El título de tu último álbum, evoca a la madrugada, un periodo de tiempo que es finito, que dura unas pocas horas, pero en el que pueden ocurrir muchas cosas. También muchos artistas de cualquier ámbito cultural señalan crear durante este momento de la noche. ¿Qué significa para ti?

Bueno, obviamente la noche es un periodo del día inspirador por excelencia. Siempre he frecuentado la noche para escribir y tal, pero a día de hoy no la frecuento tanto.

Trato de ser más diurno y creo que ese cambio era necesario también. Y luego respecto a lo que significa para mí la madrugada, bueno, tiene varios significados también. Hay significados más poéticos y tal, pero al final todo el transcurso y esa batalla que libramos desde que anochece hasta que amanece.

Y eso a nivel personal ha sido algo revelador también. Para mí el atardecer empieza, cuando yo genero esta adicción interna y este tipo de problemas, el amanecer y la madrugada concluye con la vuelta a casa. Como si fuera una redención.

Sobre el proceso creativo en tus canciones y en tu música, ¿cómo es componer en este mundo tan acelerado, donde muchas personas creen que cualquier producto cultural caduca rápido?

Yo creo que la música buena de verdad permanece. O sea, es verdad que la oferta es como incontrolable, y hay tanta, tanta, tanta música semanalmente que se estrena, que es muy complicado poner el ojo en todo y cada uno de los estrenos semanales, pero sí, siento que la música que ha perdurado de mi carrera, o sea, como que todavía sigue siendo relevante después de los años, es porque creo que son canciones buenas de verdad, y como la gente las ha cogido y ha empatizado con la canción y se la ha apropiado. Entonces, bueno, yo tengo la creencia de que las cosas cuando se hacen lentamente y como sin buscar esa reacción instantánea de las personas y de los oyentes, acaban perdurando. Y bueno, hay muchos ejemplos de artistas de España mismo, de nuestro país, que siguen haciéndolo así y que les va genial. Entonces, prefiero que el espejo donde mirarme sea ese tipo de artistas.

¿Tienes también esa percepción con tu música, que un tema se pegue más que otro y quizá el que es más especial para ti no ha subido tanto, y sientes que va a perderse en el tiempo?

La verdad no busco tantas explicaciones en ese sentido. O sea, yo creo que las canciones que son más emocionales y que la gente se las toma más profundas, como puede ser Estrella o puede ser Cuánto falta de este álbum, no son canciones que estén preparadas para tener un alcance súper masivo.

La gente que le gusta esa canción, pues no sé cuánta repercusión ha tenido ni cuántas visitas tendrá, pero a la gente que la siente de verdad le cala mucho más hondo que cualquier otro tema que haya tenido a lo mejor más reproducciones. Sin embargo, creo que cada tema tiene su vida y tiene su pico de repercusión, pero que tampoco hay que buscarle tres pies al gato.

Al que le haya calado muy hondo, ese tema será de sus favoritos para siempre y a lo mejor hay otro que ni siquiera le ha llegado. Y tampoco hay que enfadarse tanto con eso.

A través de la canción ‘Ángel’ escuchamos versos como “otra copa más, otra raya más, otra mañana viendo el atardecer a través del cristal”. En otras entrevistas has hablado abiertamente de las adicciones. ¿Cómo ha sido reinterpretarlas a través de este disco?

Ha sido genuino, nada incómodo, ni muchísimo menos, al revés. Creo que es un camino que he atravesado con toda la dureza que conlleva y todo lo difícil que ha sido, pero que sí me enorgullezco contándolo y sacándolo fuera, y sobre todo si alguien se ha sentido identificado conmigo y representado por mi camino, pues también está bien que busque, o que encuentre un aliado en mí y un espejo también donde mirarse.

O sea, que creo que es algo positivo. Y luego, por ejemplo, esta canción de Ángel, yo la empecé a escribir antes de decidir tomar el camino que tomé luego. O sea, que imagínate, yo ya lo tenía en la cabeza. Ahí estaban haciendo algo dentro de mí que quería aire y no sabía cómo conseguirlo.

Además de los momentos complicados que has vivido en tu entorno, ¿crees que la ‘fama’ y la sobrexposición son efectos desencadenantes que puede hacer que caigas en “una rueda horrible y sin fondo” como ya lo has definido anteriormente?

Bueno, al final son las consecuencias del trabajo bien hecho, supongo, pero es verdad que, claro, que son tentadoras. O sea, todo el show-off que conlleva esto de la industria, de las alfombras, de los eventos. Nadie te explica cómo funciona. Es muy difícil lidiar con todo esto que aparece cuando las cosas van bien en la música sin tener a alguien que te avise de los errores que se pueden cometer. O que te avise de dónde no ir, de qué errores no cometer... Es complicado. Si nadie te marca las líneas rojas, no verse fallando en el camino y tomando decisiones que igual no son las más convenientes.

Me he sacado la licenciatura de cómo no hacer las cosas fallando. Golpeándome con todas las esquinas que había en el camino y todas las piedras, he tropezado.

¿Cómo crees que la música te ha ayudado a cerrar esa etapa y construir este nuevo renacimiento?

La música ha sido siempre una luz en mi camino, un motivo vital. Lo más normal cuando no tienes un motivo vital, como pasa en los barrios profundos y en el mío mismo, en El Palo (Málaga), es caer en adicciones y no saber salir de ahí. Sin embargo, para mí la música, o como te decía antes, esa luz que yo me imaginaba cuando hacía el disco que era la de mi madre, la de mi abuela, para mí han sido los motivos como para salir de ahí, que al final, claro, ha sido la salvación.

La música me ha salvado y también en otras ocasiones de mi vida ha sido el motivo del hundimiento, pero al final cogiéndome a la cuerda que la música me soltaba ha sido la forma de salir.

Dani es músico y cantante, pero también un fenómeno de masas, ¿cómo es para ti enfrentarte a un escenario?

A mí me divierte mucho hacer conciertos. Mira, justo esta mañana estaba desayunando aquí en El Palo y me ha venido un amigo de la infancia y me ha dicho que se acordaba del concierto de Málaga y de cómo me vio disfrutarlo, porque él había visto a otro artista recientemente en el mismo sitio y me decía que no había reconocido el disfrute, en la cara del artista, como si lo vio en mí.

Yo lo disfruto, me fusiono con el concierto y siempre lo he hecho. No te voy a garantizar que en todos los conciertos de mi vida ha sido así, pero es lo que busco cuando salgo al escenario. O sea, busco también entender que lo conseguimos.

Hay algunas fechas que no son las mejores, como estás más cansado o lo que sea, pero yo trato de recordarme a mí que es el fruto de todo lo que hemos luchado desde que somos niños. No me olvido del mérito que conlleva todo lo que hemos hecho.

Algunos cantantes comentan que siempre antes de salir tienen un ritual previo o un tótem (objeto que llevan encima para que les dé suerte y todo salga bien) ¿Es este tu caso?

No, no tengo ninguno físico por así decir. Sí a nivel mental, lo que te decía justo antes. Tratar de tirar del hilo y saber de dónde venimos y cuánto hemos luchado y cuánto hemos sufrido para llegar aquí y siempre recordarme lo afortunado que soy. Agradecer debe ser el ritual que yo siempre llevo a cabo. Entonces, eso y calentar la voz.

Lo último dirías que es esencial, ¿no? Preparar el instrumento.

No creas, para nada. Yo no he calentado la voz hasta hace dos o tres años. Nosotros que venimos del hip-hop yo no recuerdo ver a ningún rapero calentando la voz en el backstage.

La música me ha salvado y también en otras ocasiones de mi vida ha sido el motivo del hundimiento, pero al final cogiéndome a la cuerda que la música me soltaba ha sido la forma de salir

¿Es la primera vez que vas a actuar en Toledo? ¿Cómo esperas a tu público aquí?

Actué en Toledo hace como siete años y como telonero del rapero Foyone. Pero solo sí, sería la primera vez.

Espero que el público esté preparado para disfrutar y que se divierta, que lo pasen grande y que se deje llevar, eso es lo que espero.

¿Qué es lo que hace Dani cuando no está componiendo o girando con su música? ¿Con qué es con lo que te entretienes?

Me gusta ir al cine, yo soy muy cinéfilo, me gusta ir al campo, estar con amigos, comer, el día a día de un chaval normal y corriente, jugar a la Play, muchas cosas. Nada estrambótico, raro o distinto. Me gusta escuchar música y bueno, disfrutar el día, al fin y al cabo, buscar momentos de calidad.

Como buen cinéfilo, ¿qué película nos recomendarías ver?

Pues la vi justo en el cine hace dos o tres meses. Incontrolable, que es británica, se llama I Swear en inglés, y del director Kirk Jones. Me conmovió mucho, tío, me conmovió mucho. Me gustó un montón. Creo que es la mejor película que vi este año.

El éxtasis de Nick Cave y la alegría de Pulp revientan el corazón del fan en la noche final de Mad Cool

Elena Cabrera — Sun, 12 Jul 2026 02:59:14 +0000

Finaliza el festival más importante de la capital, que ha reunido durante cuatro días a unas 200.000 personas en el distrito de Villaverde, con una noche que reunió a los cabezas más potentes del cartel, complementados por David Byrne, The Black Crowes o Kasabian

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Termina el festival más multitudinario de Madrid —48.000 personas este sábado con el reto pendiente de solucionar algunos problemas de movilidad— con una jornada diseñada, como expresó un joven crítico musical, “para conocedores”. Mad Cool ha conseguido armar una personalidad para cada día: miércoles para rockeros soft, jueves para jóvenes fans del pop mainstream, viernes para indies futboleros y sábado para, efectivamente, conocedores de los nombres a los que hay que rendir tributo si uno siente que la música es la manifestación cultural más importante de los últimos cincuenta años.

Parece un sueño hecho realidad ver en un mismo día a Nick Cave, Kasabian, Pulp y David Byrne. Y es tan onírico que en realidad es imposible. Los dos primeros tocan a la vez, en diferentes escenarios; y lo mismo sucede con los otros dos. Para los que no puedan soportar el FOMO, existen varias zonas del macrorrecinto de Villaverde donde se pueden ver dos conciertos a la vez. También se escuchan los dos a la vez, pero ese es el precio a pagar por estar a todo.

En un encuentro con medios poco antes de iniciarse el festival, el director del festival dio explicaciones sobre el drama de los solapamientos: hay grupos que exigen tocar de noche, por lo que al final la franja prime time queda reducida a tres horas al día; no queda más remedio que poner a los grupos a competir por la audiencia.

A quien no parece que le importe mucho tocar bajo la solana, más propia de grupos principiantes, es a The Black Crowes, que fueron gigantes con su rock stoniano en los 90 y que, tras reagruparse en 2019 están tocando intensivamente. El atardecer se refleja en las gafas de sol de Chris Robinson, que aguanta el tipo con actitud y afirma, antes de acometer su versión de Hard to Handle, que Otis Redding fue el mejor cantante de todos los tiempos. Los hermanos Robinson llegaron al Mad Cool tras pasar por Alicante y el Cruïlla, que se celebra simultáneamente en Barcelona, y por el que también pasó David Byrne el día anterior. Después de cierta polémica por dejar de lado al batería original, al que llamaron “manipulador”, el nuevo se ha ganado el favor de algún sector del público vistiendo camiseta de los piradísimos Butthole Surfers.

A pesar de que estos bluseros sureños tienen un nuevo disco manufacturado este año, el grupo pasa olímpicamente de él, para centrar su repertorio en Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. Vamos, que saben a lo que vienen.

Otro al que no le importa mucho tocar de día —también con gafas de sol y atuendo de elegante negro— es a Matt Berninger, quien además parece que lo pide en el título de su último single, Who Loves The Sun, un cándido tema de indie pop junto a una cantante de country ochentero. El cantante de The National se está tomando un respiro del grupo que comparte con dos parejas de hermanos para cultivar un rato su carrera en solitario, con un sonido chamber no muy diferente del de la banda. Un camino que le ha llevado hasta la pista, para mezclarse con sus fans.

Con el eco del concierto de 2024 presentando Wild God en el Palacio de los Deportes, cómo no se iban a arrojar los madrileños con los ojos vendados hasta el límite de la ciudad en un julio ardiente para adorar a un dios de nombre Nick Cave.

Qué arrebatador inicio de concierto, de dos horas de duración —estamos en un festival pero Nick Cave respeta a su público— en el que primero te pide que te prepares para el amor, luego que te llevará a la eternidad y, en tercer lugar, que llegaremos ahí en una noche trepidante montados en un tren de larga distancia al que te has subido para sufrir, oh Lord! In the name of pain!

Un equipo logístico con chalecos reflectantes que llevaban las palabras Nick Cave and the Bad Seeds estampadas en la espalda, montaron y desmontaron una barricada transitable a lo largo de la valla que separa al público con el foso, lo que permitía al cantante pasearse una y otra vez por delante y por encima de su público. Primero echaba un ojo, como valorando qué lugar le producía mayor seguridad, y luego se adentraba en el mar de cuerpos que le sostenían las rodillas y las pantorrillas, a veces incluso el micrófono, para que pudiera entregarse no solo en alma sino también en cuerpo.

Cave fija sus ojos claros en su público. Un chico de dos metros de altura con aspecto de haber entrado hace poco en la veintena fue ungido por la mano del cantante, que la apoyó con firmeza sobre su frente y cantó para él. El término arrobado se inventó para definir este momento, un acto que jamás podrá olvidar.

Es un set largo pero Nick Cave y sus Bad Seeds conceden a sus fans una selección de clásicos y no tanto una presentación —que ya no necesita ser presentado— de su último disco Wild God. La canción homónima cae, por supuesto, dando un primer respiro desfibrilador. Es importante que llegue este momento valle en la selección de canciones, porque sería el éxtasis sería insoportable. Pero es breve, porque sin verlo venir estalla una tormenta de verano y el relato se vuelve sucio, tabernero, a lo que uno se imagina que debe sonar el borde de un pantano en Misisipi, a la medianoche y con mucho calor. Durante más de cinco minutos, Elvis no nació en Tupelo sino en Villaverde, linde con Getafe, y miles de personas asisten al parto y descubren, con horror, cómo su hermano gemelo nace muerto. De eso va Tupelo, uno de los grandes momentos del concierto. El público aúlla.

El concierto sube y baja en intensidad, sobresaliendo una hermosa Joy o la Carnage firmada por el canoso bad seed Warren Ellis. Tras un segundo acto de cierta tranquilidad, en la que una de las coristas sustituye a PJ Harvey cantando la parte de ella, quizá no con mucho acierto, en Henry Lee, otra vez Cave se acelera de manera demoniaca para The Mercy Seat y una desbordante Papa Won’t Leave you, Henry y estalla con Red Right Hand, un favorito del público.

Después de muchos “fucking Spain” y “fucking Madrid” —entiendo que como halagos—, este concierto tan intenso, perturbador y arrebatador, inolvidable, terminó con la bellísima Into My Arms.

Para saltar de Nick Cave a Pulp, es mejor desintoxicarse con algo. Si no, es muy difícil. Para ello, hay dos opciones: resetear el cerebro bailando techno durante media hora con Richie Hawtin —una de las pocas presencias electrónicas del festival—, una leyenda a cuyos pies todo el mundo debería ponerse al menos una vez en la vida, o presentar respetos a otro grande, como es el cantante de Talking Heads, David Byrne.

Hawtin, el padre de Plastikman, el rey de los abstractos, el acelerador de partículas, el reventador de los BPM, no parece que afloje nunca. Los extraños especímenes que pasaron por la carpa de Loop a sudar junto a él, sintieron el corazón asomar por la boca.

Byrne, por su parte, vestido de naranja junto a sus músicos, en realidad se hace un concierto de Talking Heads sin Talking Heads. Se toca todos los clásicos, del Psycho Killer al Once In a Life Time, pasando por el Burning Down The House. Y ahora, hay que correr para ver a Pulp, a los que tristemente parece que en España solo conseguimos atisbar en festivales.

En las pantallas del escenario más grande, pasada la medianoche, apareció un mensaje en español: “Buenas noches. Os vais a acordar de esta noche para el resto de vuestras vidas”. Y seguía: “Estáis a punto de ver a Pulp. Este concierto entero es un encore. Un encore significa que el público quiere más. Así que…”. Los miembros de Pulp comienzan a aparecer en el escenario. El mensaje de la pantalla insiste: “He dicho ¡HACED RUIDO!”. las mayúsculas causan efecto y Jarvis Cocker entra a escena envuelto en chillidos.

Te voy a contar una historia. Ella vino de Grecia a estudiar arte en Saint Martin’s, más que de conocimiento, estaba sedienta de experiencias. Su padre estaba forrado, así que no tenía ni idea de qué hace la gente normal con su vida. ¿Qué comen? ¿Cómo duermen? Un año en Londres, haciendo cosas vulgares, como cortarse el pelo, buscar un trabajo, mirando las cucarachas subir por la pared de tu piso barato. Esta historia la contábamos y la cantábamos cada noche de viernes entre el 95 y el 2000. Así era nuestra vida en los 90.

El primer concierto de Pulp en Madrid tuvo lugar el 18 de noviembre de 1995. Lo recordó el propio Jarvis. “En un club llamado Revolver. ¿Sigue existiendo?”. “Nooo”, le gritamos. “¿Qué es ahora, un parking?”, pregunta. Y pide que levanten la mano los que estuvieron. Alguna aparece.

Pulp fue el grupo que ya estaba ahí cuando empezó el britpop —su protohistoria comienza, es increíble, en 1978— y que sigue estando ahora que se ha formalizado su retorno. Y Jarvis Cocker no es solo un cantante, es un cronista; y sus canciones no dicen cosas, sino que las cuentan. Por eso, un concierto de Pulp es un drama, en el mejor de los sentidos.

Different Class, su disco de 1995 en el que se inscribe Common People, Sorted for E's & Wizz o Disco 2000, entre las muchas que han sonado esta noche de ese álbum, está lleno de ellas. Normalmente son las cosas que le pasan a chicas que Jarvis conoce, a las que quiere conocer o con las que se ha acostado o se quiere acostar. La vida romántica en Sheffield. Pulp es la manera en la que la gente corriente nos creímos británicos durante tres minutos y medio en los noventa.

Pulp ha sufrido oleadas de incomprensión a lo largo de su carrera. Y se le ha intentado matar varias veces. Mismamente, cuando publicó la continuación de Different Class, This Is Hardcore, muchos de sus seguidores le dieron la espalda, porque era raro. Visto hoy, su larga canción homónima es una obra maestra que supone uno de los momentos de mayor intensidad en el concierto. El escenario se tiñe de rojo, Jarvis se recuesta en un sillón, una lámpara de araña aparece mágicamente sobre él.

Jarvis Cocker, a sus 62 años, parece el mismo tipo escuálido, miope, desubicado, demasiado abrigado, tímido —pero desatado sobre un escenario— que ha sido siempre. Como una anguila erecta, su cadera rompe su figura primero a un lado, luego al otro, un hombro sube, el otro baja, golpea un bombo gigante como si la baqueta fuera un varita mágica, trepa a los monitores y se detiene por tres segundos como un chaval británico que quiere ser Tony Manero, se quiebra las muñecas, camina bailando, baila caminando. Es Jarvis Cocker, el chico raro que demostró que la gente como él también puede ser una estrella del pop.

Common People, la historia de la chica que vino de Grecia a estudiar arte en Saint Martin’s, cierra el concierto, con un largo protagonismo del público cantando que quiere vivir como la gente corriente. Jarvis golpea un bombo gigante y unos tubos enormes se hinchan de aire. Es la traca final. Cuando ya se había despedido, Jarvis parece recordar algo y se acerca de nuevo el micrófono a la boca: “Disfrutad del resto del festival”, pero ya no queda nada, salvo buscar la manera de llegar a casa. En eso consiste el pop: darlo todo, sin preocuparse por qué pasará mañana.

El Mundial también se vive en el Mad Cool, pero España no deja a Kings of Leon en fuera de juego

Francisco Gámiz — Sat, 11 Jul 2026 02:14:20 +0000

Ni la selección española ni ninguno de los artistas del festival tuvieron que salir a remontar: Pixies, Twenty One Pilots y Halsey se suman a la fiesta de la Roja en una jornada para amantes de la música... y del fútbol

El sol de Lorde y la luna de Florence guían las constelaciones del Mad Cool

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

El sol de Lorde y la luna de Florence guían las constelaciones del Mad Cool

Francisco Gámiz — Fri, 10 Jul 2026 01:55:38 +0000

La segunda jornada del festival de música, protagonizada también por Jennie, Teddy Swims, Charlie Puth y Zara Larsson, ha estado marcada por el pop en todas sus formas

El rock de Foo Fighters ruge en la primera jornada de un Mad Cool que comienza contra Trump y con troleo de Arde Bogotá

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Quejas en el Mad Cool por los problemas de transporte y acceso: "Tremendo atasco, qué desastre"

Guillermo Hormigo — Thu, 09 Jul 2026 10:58:40 +0000

La vicealcaldesa Inmaculada Sanz admite que hacen falta "ajustes en la movilidad" tras las críticas de asistentes por los problemas en el tráfico o las entradas al Metro reportados desde el festival. El Consistorio de Getafe cierra el párking del estadio Coliséum ante el "caos"

Guía útil para el Mad Cool 2026: cómo llegar, horarios del festival, conciertos, transporte y otras recomendaciones

“Hay que hacer algún ajuste en la movilidad”. Así ha reconocido la vicealcaldesa de Madrid, Inmaculada Sanz, la necesidad de acometer mejoras en el transprote público y el tráfico rodado en torno al festival Mad Cool. Lo ha hecho en la rueda de prensa posteior a la Junta de Gobierno de este jueves 9 de abril, horas después de que hayan proliferado quejas de asistentes al evento del recinto Iberdrola Music, ubicado entre el distrito de Villaverde y la localidad de Getafe.

“Se ha hecho un esfuerzo extraordinario tanto desde Metro de Madrid como desde Cercanías o la Empresa Municipal de Transportes, con lanzaderas a Legazpi o Atocha. Pero algún ajuste habrá que hacer en cuanto a las salidas y entradas de VTCs”, ha explicado la número dos de José Luis Martínez-Almeida. Sanz espera que la situación mejore con el paso de los días: “Ayer había un número muy importante de personas, quizás algunos de los grupos más potentes del cartel”.

En esta ocasión, a diferencia de la edición pasada y de otros actos como la visita del Papa, Metro de Madrid no ha alargado su servicio de manera extraordinaria en la línea 3. Las lanzaderas de EMT se han reducido además de tres a dos. Por ello, el número de personas que han regresado en su vehículo personal, en taxi o en VTC ha sido mucho mayor. La congestión ha aumentado de manera palpable, según muchas críticas publicadas en redes sociales, que hablan de “tremendo atasco” o “desastre”. Y quienes han decidio volver en transporte público antes del cese de servicio también han encontrado grandes embotellamientos.

El resultado han sido tiempos de espera de hasta una hora para tomar un transporte público, más del doble de lo ocurrido el año pasado, cuando las incidencias descendieron sensiblemente. “Vaya infierno la vuelta a casa desde Mad Cool. Un día va a pasar algo y lo vamos a lamentar”, lamentaba en X la cuenta oficial de la página web especializada Dod Magazine

“La aglomeración al salir del festival al tren o Metro es normal y es cuestión de paciencia. Lo preocupante es la experiencia del propio viaje. Hay mucho peligro cuándo un andén se llena de la manera que se llenó ayer (y en otros años) y la cantidad de gente por vagón, el calor, etc...”, exponían desde dicha publicación en otro mensaje.

Getafe cierra el párking del estadio Coliseum debido al “caos”

El Ayuntamiento de Getafe, dirigido por la socialista Sara Hernández, ha exigido por su parte explicaciones urgentes a la Delegación de Gobierno, al Ayuntamiento y a los promotores del festival Mad Cool tras el “caos de movilidad” provocado en el municipio durante la primera jornada de conciertos. El equipo de gobierno ha anunciado que cierra el parking del Coliseum, el estadio de fútbol local, para los no residentes en la ciudad.

En un comunicado, el Consistorio ha criticado el “cambio de criterio improvisado” en la primera jornada de conciertos en el Espacio Iberdrola Music. Han afirmado que “sin ningún tipo de consenso previo”, la Guardia Civil decidió “unilateralmente” desviar el tráfico procedente de la M-45 a Getafe Norte. “Trasladó todo el embotellamiento a un barrio residencial, el cual sufrió una grave congestión que fue empeorando conforme avanzaba la tarde. Esta decisión se tomó de manera unilateral, y saltándose por completo todos los acuerdos obtenidos en las reuniones previas de seguridad mantenidas para tal efecto, como ya sucedió con el Festival Iberdrola Music recientemente, en el mismo recinto”, ha reprochado el Gobierno local.

A renglón seguido, ha criticado el “absoluto desastre en la gestión del flujo peatonal”. Según datos de Policía Local mientras, 6.000 asistentes utilizaron el municipio como vía de entrada al recinto, pero la cifra “aumentó exponencialmente hasta las 16.000 personas durante la salida”. Esta multitud “deambuló totalmente desorientada” por las calles de Getafe preguntando por la estación de tren de Villaverde, lo que “evidencia un nulo plan de comunicación y señalización por parte de la organización del evento”.

El transporte al Mad Cool, con varias alternativas que no parecen suficientes

Las estaciones de Metro más cercanas al Iberdrola Music son las de Villaverde Alto (línea 3), El Bercial (línea 12), Los Espartales (línea 12) y El Casar (línea 3 y 12). El horario de funcionamiento habitual del servicio es de 6.00 a 1.30 horas, que no se ha extendido, aunque sí se anunció que se reforzaría el servicio, especialmente en Villaverde Alto. El servicio extraordinario de lanzadera de Metro presta servicio entre las estaciones de Villaverde Alto y Sol. Únicamente en Villaverde Alto se permite la subida de viajeros y en Sol, Legazpi y Embajadores se llevará a cabo la bajada de viajeros.

En lo que respecta al Cercanías, las estaciones más cercanas son las de Villaverde Alto (líneas C4a, C4b y C5), San Cristóbal Industrial (líneas C3 y C3a), El Casar (líneas C3 y C3a) y Las Margaritas-Universidad (líneas C4a y C4b). El horario habitual de funcionamiento del servicio es de 5.30 a 23.45 horas. Durante las salidas del festival se habilita un servicio especial de Cercanías entre Villaverde Alto y Atocha, sin paradas intermedias. El día 8 de julio este servicio especial se prestó en horario de 0.30 a 2.00 de la madrugada del día siguiente y los días 9, 10 y 11 de julio se prestará en horario de 1.30 a 3.30 horas de la madrugada del día siguiente. El servicio extraordinario de lanzadera de Cercanías no cuentacon paradas intermedias, se fija la estación de Villaverde Alto para la subida de viajeros y Atocha para la bajada de viajeros. La frecuencia del servicio es, sobre el papel, de entre 15 y 60 minutos.

Los asistentes al festival también pueden hacer uso de los autobuses interurbanos (líneas 428, 432, 441, 442, 443, 446, 447, 448, 450, 455, 488, N805 y N807), los autobuses de la EMT (líneas 22, 79, T41 y N14) y el servicio especial de autobuses entre la Gran Vía de Villaverde y Atocha. Durante los días de concierto se implanta un servicio lanzadera de autobuses durante las horas de salida del evento desde la avenida Gran Vía de Villaverde, en las inmediaciones de la calle San Jenaro (solo para subida de viajeros), con parada en la Plaza de Legazpi y Atocha (ambas paradas solo para bajada de viajeros).

El día 8 de julio el horario del servicio lanzadera de autobuses fue de 0.30 a 2.00 horas de la madrugada del día siguiente, mientras que los días 9, 10 y 11 de julio irá de 1.30 a 3.30 horas de la madrugada del día siguiente. La frecuencia del servicio es de entre 5 y 10 minutos y el tiempo de recorrido estimado oscilará entre los 14 y los 35 minutos. Unos tiempos optimistas, pero en los que confían los asistentes a uno de los grandes acontecimientos musicales de cada año en Madrid.

El rock de Foo Fighters ruge en la primera jornada de un Mad Cool que comienza contra Trump y con troleo de Arde Bogotá

Javier Zurro, Elena Cabrera — Thu, 09 Jul 2026 00:49:26 +0000

La banda cumple tras nueve años sin venir a España, mientras que Moby convierte su show de electrónica en el más político del día y Arde Bogotá aparecen por sorpresa

Pablo Und Destruktion: “Hay identidad en la casita de Bad Bunny, pero ninguna conciencia de clase”

A las 18:35 de la tarde del miércoles, cuando daban comienzo los dos primeros conciertos del primer día del Mad Cool —Palaye Royale en el Orange, uno de los más grandes, y Hot Wax, en el Mahou Cinco estrellas—, el termómetro madrileño marcaba casi 40 grados. A ambas bandas les había tocado la pajita más corta en el sorteo. Salir a tocar a primera hora de un macrofestival siempre es malo. Hacerlo con una ola de calor que hacía que la gente buscara las sombras, los chorros de agua y los dispensadores gratuitos de crema que ofrecía una marca de bronceadores es, directamente, una misión casi imposible.

El miércoles del Mad Cool se vio marcado por el calor extremo. Un calor que hacía que la gente estuviera, además, en un extraño estado de aplatanamiento del que solo salían gracias a estímulos concretos. El primero lo logró Jehnny Beth, que comenzó su concierto haciendo mención, cómo no, al calor. “Estoy un poco mareada, ¿cómo estáis vosotros?”, dijo la artista en un momento de su actuación.

Es difícil tocar bajo una carpa sin climatización a las siete de la tarde en este Madrid tórrido, pero Jehnny Beth envolvió al público en algo que no es en absoluto frescor, pero sí un rapto hipnótico, sucio y salvaje. Salvaje como fue su grupo Savages, mucho más incómodo y punk que esta formación en solitario —acompañada de una banda de hombres, al contrario que su anterior formación— en la que ahora se presenta la también actriz (dio la sorpresa en Anatomía de una caída). Beth pidió en español que las mujeres del público levantaran la mano: “¡Mujeres al frente siempre!”, dijo antes de acometer una versión intensa de Army Of Me de Björk. Después, y a pesar del calor, la humedad y el aire que solo se mueve alrededor de los abanicos, se lanzó a hacer flexiones en la canción Push ups (que compuso con el genial dúo Sextile).

Por si fuera poco, pidió que alguna mujer subiera también a hacerlas. Una lo hizo, y llegó hasta el heroico número de 25. En ese punto del concierto, y quizá la borde del desmayo, la manera de refrescarse fue todo lo contrario de lo esperado: con sus zapatos de tacón fino de 13 centímetros, bajó del escenario, cruzó el foso y se lanzó sobre los brazos del público de las primeras filas, que la sostuvo no se sabe con qué fuerzas mientras ella cantaba, mirando fijamente a su público I’m The Man. Un concierto de una fiereza excelente para iniciar el Mad Cool.

La (no) sorpresa de Bigger Splash

El concierto de uno de los platos fuertes, Wolf Alice —que también comenzó su concierto haciendo referencia al insportable calor— coincidía casi en horario con el de una banda desconocida. Bigger Splash apareció en el cartel del Mad Cool sin que nadie les conociera. Pero había algo raro. ¿Por qué colocar a una banda random en una hora como las 21:00?, ¿por qué el Mad Cool no había colocado ni siquiera foto de ellos? Y lo más raro, ¿cómo es posible que los Bigger Splash no tuvieran ninguna canción publicada en ninguna plataforma musical pero hubieran sido contratados también en el Cruïlla y en el BBK?

Los rumores de que Bigger Splash no eran otros que Arde Bogotá comenzaron a coger fuerza la mañana del miércoles de comienzo del Mad Cool. La propia banda había dejado miguitas de pan que surtieron efecto. La cola media hora antes de empezar el concierto de aquella banda desconocida daba varias vueltas por el recinto. En esa cola había mucha gente con camisetas de Arde Bogotá. La banda española había realizado una performance/troleo que solo podía tener dos finales: o la decepción de todos sus fans, que podían estar haciendo cola para un grupo que no conocían, o llevarles al cielo al ver a una de las bandas españolas más pujantes del momento.

Cuando comenzaron los acordes (15 minutos más tarde de la hora planeada) de La torre Picasso ya no quedaba ninguna duda, y el recinto Mahou Reserva, que encima es cubierto y climatizado, se convirtió en el segundo momento en el que el Mad Cool se olvidó del calor asfixiante. El troleo de Arde Bogotá salió a la perfección y convirtieron uno de los escenarios más pequeños en uno de los focos de la primera jornada del festival donde cantaron singles de su próximo disco, entre ellos el que se llama Bigger Splash, solucionando el misterio del nombre de la banda fantasma. Cabe preguntarse qué necesidad hay de esta “performance” como ellos la llamaron, y qué pasa ahora con los próximos conciertos, que ya han perdido el factor sorpresa.

Una carrera de obstáculos

La planificación de horarios del primer día del Mad Cool convertía el recinto en una partida infernal del Mario Bros. Si uno quería ver a todos los artistas que quería le obligaba a ver conciertos a medias o apurar e ir corriendo de uno a otro para intentar llegar a tiempo en una carrera de obstáculos. Si encima, como ocurrió con el de Arde Bogotá, empieza tarde, llegar a Dogstar a tiempo era casi imposible. Y había morbo por ver al grupo que tiene a Keanu Reeves como bajista.

Nunca se aplaudió tanto a un bajista en Mad Cool, quizá desde que Flea salió al escenario con Red Hot Chilli Peppers en 2023, pero a Flea, que también es actor, no le gritaron el nombre de uno de sus personajes como ocurrió entre la primera y la segunda canción del concierto de Dogstar cuando se escuchó un “¡Neo!”. Y es que Keanu Reeves, que protagonizó la saga Matrix con ese personaje, está en el escenario y todos los móviles hacen zoom sobre él, un discreto bajista, pero Keanu Reeves al fin y al cabo, una leyenda del cine.

Dogstar no es la banda con la que Reeves se entretiene entre películas, en realidad es una vida anterior en la que él podría no haber sido Neo, si no un bajista más de una banda más del grunge americano de los 90. El grupo se formó ocho años antes del estreno de Matrix, y menos mal que Keanu Reeves no lo apostó todo a Dogstar. El grupo se separó en 2002 y la covid les juntó de nuevo dos décadas después. Y aquí les tenemos, en Villaverde, devolviendo un sonido indie 90s a este presente en el que todo vuelve, tan solo un par de horas después de que el hijo de Liam Gallagher (Gene) actuara en otro escenario —climatizado y con portadas de discos gigantes, como el Goo de Sonic Youth, eso es un plus—, en una especie de banda tributo a aquel sonido, Villanelle, que viene a ser apreciada más por nostalgia que por necesidad.

El rock eterno de Foo Fighters

Para escuchar realmente rugir al Mad Cool hubo que esperar a que ocurrieran dos hechos. El primero, lógico y natural, es que el sol se fuera y bajara la temperatura, aunque es cierto que tampoco lo hizo tanto. El otro —lo que se espera de un cabeza de cartel de un evento como el Mad Cool— se dio en cuanto Dave Grohl y su banda pisaron el escenario dos minutos antes de la hora prevista. Nada más apareció el lider de Foo Fighters el Mad Cool se desgañitó, resucitó y olvidó de golpe el calor del día.

Se notaba que había ganas de Foo Fighters. Suele ocurrir en el Mad Cool que cuando tocan bandas tan marcadas por su personalidad, y que no se suelen desviar del rock que han destilado toda su carrera, la gente que acude está poblada, mayoritariamente, por fans reales de la banda, y no por grupos de jóvenes que piensan que están en un Coachella cañí y se acercan a Villacerde para hacerse fotos con botas altas y la noria de fondo. Se nota en el uniforme. Las camisetas de Foo Fighters y de Nirvana —no hay que olvidar que Grohl comenzó como baterista de la mítica banda de Kurt Cobain— eran mayoría aplastante.

Eso ayuda a que conciertos como el que ofreció Foo Fighters funcionen a la perfección. Mad Cool sabía de las ganas y del poder de la banda, y les dio, además, el tiempo suficiente para que desplegaran su habitual setlist. Los conciertos del grupo siempre son largos. Hacen el suficiente hueco a sus míticos himnos, y eso siempre provoca que se alarguen a más de dos horas. El escenario principal de Mad Cool se reservó durante dos horas y media para un regreso que ya se hacía esperar.

Desde 2017 Foo Fighters no pisaban nuestro país. Primero la pandemia y luego la muerte de su batería, Taylor Hawkins, fallecido a los 50 años en marzo de 2022, hicieron que cancelaran las dos ocasiones previas en donde iban a tocar en España. Por eso los fans esperaban ese momento que era, además, casi un acto de presentación de una banda renovada y que ha sabido sobreponerse a la tragedia.

Grohl y compañía lo sabían, e hicieron lo que mejor saben, entretenerse poco entre canción y canción e ir encadenando sus temazos en detrimento de los de su último disco, Your Favorite Toy, publicado hace pocas semanas. Tras tirarse un vaso de agua por la cabeza en los primeros minutos, Grohl encadenó un repertorio a prueba de bombas. Es imposible no tener a los pies a las decenas de miles de personas del Mad Cool si encadenas en los primeros compases temazos como All My Life, The Pretender, Times Like These, Rope, My Hero y Learn to Fly.

Y así hasta un final en alto con Exhausted y Everlong como bises perfectos. A los que no tuvo de su lado, sin embargo, fue a los fotógrafos profesionales, que vuelven a quejarse por las condiciones que sufren en los conciertos. Si en el de Rosalía no les dejaron acreditarse, aquí solo a unos pocos elegidos a los que pidieron firmar un contrato leonino por el que cedían el copyright de las fotos al grupo a cambio de poder usarlas durante un año.

Un trance electro/político

El dichoso solapamiento de los festivales hizo que en la primera jornada los dos cabezas de cartel coincidieran a la vez y en los dos escenarios más grandes. Solo 40 minutos después de que los Foo Fighters empezaran a tocar, Moby comenzaba su concierto a escasos metros. Y ahí se evidenció el principal error en la planificación de los escenarios de este año. En una edición en la que todos los días van a ocurrir a la vez dos conciertos, el sonido de uno va a acabar comiendo parte del otro.

A Moby le ocurrió con los restos del concierto de Foo Fighters. La parte derecha de la pista se veía afectada y eso hizo que la gente apostara por ir a escucharle al otro lado, donde la propuesta por el dance y la electrónica del artista se disfrutó a la perfección. Una pena lo del ruido, porque lastró un concierto que fue una auténtica fiesta. Primero, porque Moby fue el único que alzó la voz. Es un poco triste que en momentos como los que vivimos, los músicos pasen de puntillas por todo en sus conciertos.

Apenas unos ‘Hola Madrid’ y poco más. Quizás por eso la ovación que recibió Moby cuando tras comenzar con Body Rock se dirigió al público para decirles que había traducido algo con su móvil que quería decir en español, especialmente “tras las noticias de hoy”. “¡Que se joda Trump”, dijo pronunciando la J como si fuera una Y. Lo repitió y lo subrayó: “Sé que vosotros odiáis mucho a Trump, pero nosotros le odiamos más ”, dijo haciendo referencia al ataque del presidente de EEUU a España en la cumbre de la Otan este miércoles.

Desde ese momento el artista, que iba con tatuajes de 'Vegan for life' y 'Human Rights' en brazos y cuello, desplegó una especie de conjuro electro/político que puso a los que habían abandonado a Foo Fighters a bailar en una especie de trance nostálgico (reforzado por unos visuales absolutamente noventeros) en el que recordó sus mejores temazos, Porcelain, Honey o Natural Blues, además de ese par de goles que le metió a las radiofórmulas: We are all made of stars y un Lift me up que sirvió de casi colofón en el que Moby volvió a hablar: “Esta es una canción que alerta de los peligros del fascismo y de los ataques a la democracia que vivimos. Hagamos todo por defender la democracia”. Una pincelada a la acción en una primera jornada de Mad Cool marcada por el calor y la astenia política generalizada.

De Guns N' Roses a Kylie Minogue: dos décadas de BBK Live en 18 cabezas de cartel y una edición con mascarillas

María Laura Ferreira Niño, Rubén Pereda — Wed, 08 Jul 2026 19:25:42 +0000

Metallica, The Police y Green Day son otros nombres que han encabezado desde 2006 el cartel del festival de Bilbao, que vuelve este jueves con una nueva entrega

La del Bilbao BBK Live, a mediados de julio, es una cita ineludible en el calendario del rock. Kobetamendi, desde donde se puede otear toda la capital vizcaína, se convierte durante unas jornadas en el epicentro de un género de música muy variado, con sonidos que abarcan un espectro tan amplio en el que caben desde subgéneros como el hard-rock hasta el post-punk, pasando por el dark wave y el indie. En algunas ediciones, ha llegado a superar la barrera de los 100.000 asistentes. A lo largo de los años, el festival internacional, que este 2026 cumple dos décadas, ha dejado un reguero de artistas de renombre, entre los que se cuentan Guns N' Roses, Metallica, The Police, Coldplay, Radiohead, Green Day, Muse, Depeche Mode y Kylie Minogue.

En una entrevista con este periódico, Yurdana Burgoa, la directora general de Last Tour, la promotora del festival, reflexionaba sobre el equilibrio de género, a la vista de que los grupos y artistas masculinos han copado los carteles a lo largo de las dos décadas. “Es un reto para la sociedad, porque en esta industria pasa exactamente lo mismo que en todas las industrias y que en todos los sectores económicos”, argumentaba. Para hacer frente a la disparidad, señalaba, el festival se ha integrado en un programa con la organización Más Músicas, que promueve el talento musical de las mujeres.

Reflexionando sobre el recorrido del festival, Burgoa se negaba a usar el prefijo “macro” para definir el BBK Live, que ha recibido también críticas de precariedad laboral. “Yo no definiría el BBK Live como macrofestival porque cuidamos muchísimo la experiencia. Tenemos una afluencia de 100.000 personas en los tres días, pero el festival tiene un horario muy amplio. La gente sube y baja de Kobetamendi y va disfruntado de la experiencia. No es un macrofestival en el que estamos todos apiñados”, describía. “Este festival al final es el único festival que se desarrolla en una montaña y eso le da un plus muy importante para la gente que viene porque al final la experiencia no es solo la música, sino vivir la música en el entorno que es Kobetamendi”, decía sobre el entorno.

Sigue a continuación una lista con 18 cabezas de cartel —y una edición diferente, con mascarillas entre el público por la pandemia de COVID-19— que representa la variedad que ha caracterizado al festival. Se quedan fuera de esta recopilación otras grandes estrellas que también han pasado por Bilbao en estos veinte años de festival, como R.E.M., Red Hot Chili Peppers, Keane, Iron Maiden... Mientras tanto, la edición de este año 2026, que comienza el jueves e irá hasta el sábado, tendrá como cabezas de cartel a Calvin Harris, Robbie Williams y Dellafuente. Otros grandes nombres de los que se podrá disfrutar en Kobetamendi durante estos días son David Byrne, fundador de Talking Heads, Lily Allen y Belle and Sebastian.

Confirmada la pena de cárcel para el vigilante del Extremúsika que golpeó a un asistente con una porra extensible

elDiarioex — Tue, 07 Jul 2026 11:53:07 +0000

El tribunal ratifica los dos años de cárcel para el principal acusado y multas de 450 euros para otros dos empleados tras un altercado con bengalas en el recinto ferial

Presentan cuatro denuncias contra la seguridad privada del festival Extremúsika

La Audiencia Provincial de Cáceres ha confirmado las condenas impuestas a tres vigilantes de seguridad por la agresión a un asistente durante el festival Extremúsika del año 2023 (celebrado en el recinto ferial de Cáceres) al desestimar los recursos de apelación presentados contra la sentencia dictada por el Juzgado de lo Penal.

La Sala ratifica la pena de dos años de prisión para el principal acusado por un delito de lesiones con instrumento peligroso, así como las multas de 450 euros impuestas a otros dos empleados de la empresa de seguridad por su participación en la agresión.

Los hechos se remontan a la madrugada del 15 de octubre de 2023, cuando el lanzamiento de varias bengalas por parte de asistentes al festival, celebrado en el recinto ferial de Cáceres, provocó un altercado que obligó a intervenir al personal de seguridad y generó el descontento de parte del público.

Según recoge la sentencia, en un momento de la intervención el principal acusado sujetó por la espalda a un asistente que se encontraba entre los presentes y, “sin que mediara justificación, le golpeó en la cabeza con la defensa extensible que portaba”. Tras caer al suelo, la víctima fue también “agredida por los otros dos vigilantes condenados”.

En su recurso, el principal acusado alegó vulneración del derecho a la presunción de inocencia al considerar “incorrecta” la valoración de la prueba realizada por el juzgado. Sin embargo, la Audiencia rechaza ese argumento y sostiene que las conclusiones alcanzadas en la sentencia recurrida son “totalmente razonables y lógicas”.

Los magistrados consideran que el recurso pretende sustituir la valoración efectuada por el órgano judicial por la interpretación interesada del recurrente, una estrategia de defensa que califican de “legítima”, pero “inadmisible en este caso”, dada la existencia de una prueba de cargo “sólida y correctamente valorada”.

La resolución añade que la prueba practicada durante el juicio desvirtúa plenamente la presunción de inocencia reconocida en el artículo 24.2 de la Constitución, por lo que confirma íntegramente las condenas impuestas en primera instancia.

Con este fallo, la Audiencia Provincial mantiene las penas impuestas a los tres vigilantes y da por acreditada la agresión ocurrida durante el festival, sin apreciar motivos para modificar la resolución recurrida.