Christine Ruiz-Picasso falleció este pasado lunes, 6 de abril, a las 18.00 horas a los 97 años, en su casa de Provenza, en Francia. Nacida en Francia en 1928, y vinculada al mundo del arte desde joven, era viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo de Pablo Picasso y de Olga Khokhlova, y fue la principal impulsora y artífice del Museo Picasso Málaga (MPM), junto con su hijo Bernard.

El Museo Picasso es el más visitado de Andalucía, con 800.000 visitantes al año. Abrió en octubre de 2003, fruto del empeño personal de Christine, presidenta de Honor junto con quien ostenta la Presidencia de la Junta de Andalucía, y fue punta de lanza en la transformación cultural de Málaga, que hoy cuenta con espacios de referencia como el Pompidou o el Museo Carmen Thyssen.

La idea inicial nació en 1953 de los contactos entre el propio Pablo Picasso y Juan Temboury Álvarez, académico, investigador del arte y por entonces delegado provincial de Bellas Artes de Málaga. El pintor malagueño quería que su obra estuviera presente en su ciudad natal, pero este proyecto quedó frustrado poco después. El contexto político no era el más favorable. 

Cuatro décadas después, Christine Ruiz-Picasso, viuda de Paul Ruiz-Picasso, hijo mayor del artista, acudió a Málaga con motivo de las exposiciones Picasso clásico y Picasso, primera mirada en el Palacio Episcopal de Málaga. Y salió tan satisfecha al contemplar el entusiasmo entre la ciudadanía malagueña por contemplar por vez primera en Andalucía el trabajo de Picasso, que en 1996 reiniciuó el proyecto de su suegro. 

En 1997 la Junta de Andalucía adquirió el Palacio de Buenavista, un palacete del siglo XVI, y poco después, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, nuera y nieto del artista, donaron 233 obras a la Fundación Museo Picasso Málaga Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, fundada ex profeso para la génesis del proyecto y que es la que actualmente rige el museo. Sigue constituyendo el grueso de la colección del museo. Cincuenta años de que el artista malagueño concibiera la idea, el Museo Picasso Málaga se hizo finalmente realidad: fue inaugurado el 27 de octubre de 2003.

Reconocimientos

Christine recibió en 2003 la Gran Cruz de Alfonso X El Sabio y ese mismo año fue distinguida como Hija Predilecta de Andalucía en 2003, en reconocimiento a su labor cultural y su contribución al patrimonio artístico de la región. Veinte años después, el Auditorio del museo fue rebautizado como Auditorio Christine Ruiz-Picasso para perpetuar su estrecho vínculo con el recinto. Ella no pudo asistir por motivos de salud.

El Museo Picasso Málaga y la Junta de Andalucía han lamentado la pérdida de una mujer “que dedicó su vida a preservar y difundir el legado de Pablo Picasso, uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

“Su legado como mecenas, promotora cultural y defensora del patrimonio picassiano ha contribuido significativamente a la vida cultural de Málaga, de España y al conocimiento del arte moderno”, han señalado desde el MPM.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha trasladado el pésame de Málaga a la familia, recordando en un mensaje en X que Christine Ruiz-Picasso “fue artífice del impulso cultural de la ciudad”. “Su generosidad, junto a su hijo Bernard, permitió la creación del Museo Picasso Málaga, uno de los hitos de la Málaga cultural, en 2003”. El regidor que ha recordado que Christine “donó el grueso de la colección permanente del museo, contribuyendo a que seamos un referente internacional, acercando la obra de Picasso a las generaciones presentes y a las futuras”. “Transmito con este mensaje el pésame de Málaga a su familia y la gratitud, enorme gratitud, de la ciudad. Descanse en paz”, ha concluido el hilo de mensajes De la Torre.

A pesar de su corta vida, Alfred Jarry (1873–1907) tuvo una existencia tremendamente rica y compleja, llena de evoluciones y cambios de actividad. Dramaturgo, novelista, crítico de arte –descubridor de artistas menospreciados como Charles Filiger y reivindicador tanto del arte bruto como del salvaje– o editor de revistas entre otras ocupaciones, Jarry nunca dejó indiferente ni a amigos ni a detractores.

Sus excesos y su extravagancia vital, su provocación continua y su costumbre de andar en bicicleta borracho de absenta por las calles de París, disparando su revólver al cielo a la mínima ocasión, le definieron como un personaje estrambótico. Pero, por otro lado, la creación del personaje del sátrapa Ubú Padre, que protagoniza una serie de obras teatrales entre las que destaca la célebre Ubú rey, le permitieron definir un prototipo tanto de individuo como de estilo expresivo, lo ubuesco –en referencia al modo de ser y hablar cruel, grosero, escatológico y cómico que caracteriza al Ubú en las obras de Jarry–, que ha pasado al imaginario global.

La idea de Ubú Padre, un tirano cruel, arbitrario, maleducado y a la vez ridículo, ha sido uno de los principales legados de Jarry, ya que la figura ha sido utilizada con recurrencia desde su creación por artistas de todo ámbito para criticar los abusos del poder, así como para denunciar la injerencia de la racionalidad en la creación artística. También a él se debe la creación de la llamada Escuela Patafísica, que estudia el universo en base a métodos absurdos salidos no de la lógica sino de la creatividad artística.

De este modo, la figura de Ubú ha obsesionado a artistas plásticos tan variados como Picasso, Miró, Le Corbusier, Max Erns, Marcel Duchamp y muchos otros. Sobra decir que su influencia sobre dadaístas, surrealistas y otros “ismos” fue máxima –numerosos de ellos, como Miró, fueron miembros de la Escuela Patafísica–, pero también alcanzó a grupos de teatro como Els Joglars, que en los ochenta, y posteriormente en los 90, adaptaron Ubú rey al contexto de la Catalunya convergente de Jordi Pujol con Ubú president.

Ubú pintor, una muestra con 496 piezas

Precisamente esta gran influencia que tuvo Jarry sobre las vanguardias artísticas del siglo XX es la base de la nueva exposición que presenta el Museu Picasso de Barcelona, hasta el 6 de abril de 2026: Ubú pintor. Alfred Jarry y las artes. Tal como ha explicado en la presentación de la exposición Emanuel Guigon, director del museo y a la vez comisario principal de la muestra, esta comprende “496 piezas entre revistas, grabados, esculturas, pinturas, instalaciones e incluso títeres, que proceden de la inspiración en Ubú o directamente tratan de representar al personaje”.

No obstante, Guigon ha explicado que además de obras de arte, la exposición aporta material epistolar entre Jarry y los artistas con los que tuvo contacto y amistad en su tiempo, entre ellos Paul Gaugin, siendo unos de los primeros defensores de su trabajo en la Polinesia.

También ha destacado que durante las visitas a la muestra podrá escucharse música influenciada por Jarry, como la de Satie, así como que “los jóvenes compositores del Conservatorio del Liceu están creando piezas específicas para Ubú pintor” que sonarán en el recorrido expositivo. Así mismo, el museo ha financiado una performance titulada Poesía Indispensable Número 1bú que se representará también durante el recorrido, sorprendiendo a los visitantes.

De Max Erns al guiñol de Miró

Guigon, que ya comisarió en el 2000 una muestra sobre Jarry en el IVAM, asegura que “esta es la exposición más importante sobre el creador de Ubú que se ha hecho en España”. Entre las aportaciones de distintos museos e instituciones a Ubú pintor –entre los que destaca el Pompidou parisino, el Musee d'Orsay o Es Baluard de Palma–, el director del Picasso destaca en especial el cuadro de Max Erns Ubú imperator.

“El Pompidou [su propietario] casi nunca lo cede pero este año [acaso porque se está renovando la instalación y las obras han tenido que ser removidas y guardadas en almacenes] nos lo ha cedido”, comenta Guigon. También menciona las tres series de ilustraciones sobre Ubú creadas por Miró, así como los muñecos a gran tamaño para la representación de Ubú rey que creó el pintor catalán en 1978. “Un montaje que fue uno de los últimos deseos cumplidos por Miró, que había dicho, además, en repetidas ocasiones que quería morir gritando 'merde!', como Ubú Padre”, añade al respecto.

Sobre aquella mítica representación, que se llamó Mori el Merma y fue llevada a cabo por la compañía de títeres La Claca, existe una película grabada por Francesc Català Roca que se exhibe también en Ubú pintor, junto a las enormes marionetas que utilizaron los miembros de La Claca. Otra cinta que se puede ver en la muestra es Anemic Cinema, una filmación de Marcel Duchamp de 1926 jugando con el efecto óptico de la espiral, en referencia a la espiral en la panza del personaje Ubú, símbolo del egocentrismo y la ambición desmedida.

Picasso y Ubú en Catalunya, gracias a Pilar Aymerich

Pero tanto Guigon como la otra comisaria de la muestra, la experta en Jarry María González Menéndez, han querido dejar claro que la exposicion tiene lugar por la especial influencia que tuvo el personaje de Ubú en Picasso que, según cuenta González, “lo descubre en una representación en París en 1905 y desde entonces se obsesiona con el personaje”.

Hasta tal punto influencia a Picasso que este recurre al personaje de Ubú para criticar a Franco seis meses después del estallido de la guerra civil. El malagueño dibuja una serie de viñetas que se expusieron al lado del Guernica, en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937.

En ellas, evoca al general fascista como una especie de caballero cristiano con armadura medieval, deambulando por las trincheras con un falo desmesurado o montando a un cerdo. Además, Picasso coleccionó grabados de Ubú e incluso se rumorea que se hizo con la pistola que usaba Jarry y la conservaba como una reliquia.

Finalmente, en el apartado la influencia de Jarry en Catalunya, no puede pasarse por alto el Ubú president que Els Joglars le dedicaron en su día a Jordi Pujol. Aunque Ubú pintor también quiere ser un homenaje a la fotógrafa Pilar Aymerich. El motivo es que la primera traducción de la obra Ubú rey que se hizo en España fue la suya, aunque no al castellano sino al catalán en 1964.

Aquel libro sirvió de base a la entonces joven fotógrafa para organizar el primer montaje de la obra en la España franquista, aunque, como ha recordado Aymerich durante la presentación, “se hizo a puerta cerrada, ya que una crítica tan obvia a la figura de un dictador no se hubiera podido hacer de otra manera estando Franco vivo”. Aymerich, que ha explicado que supo de la obra “en 1960 yendo a bailar rock'n'roll los domingos”, añade que a la representación acudió Joan de Segarra, “que luego hizo una crónica para el Noticiero Universal.

El Museu Picasso de Barcelona acoge durante tres meses, hasta el 26 de octubre, la exposición Creixer entre dos artistes. Homenatge a Claude Picasso (Crecer entre dos artistas. Homenaje a Claude Picasso), en la que puede contemplarse numeroso material artístico, bibliográfico y fotográfico de la vida familiar que llevó Pablo Picasso en el sur de Francia junto a su pareja de entonces, la también artista François Gilot, y sus dos hijos, Claude y Paloma.

La motivación de la muestra, sin embargo, es rendir un homenaje a Claude Picasso, fallecido hace dos años y que siempre estuvo muy vinculado al Museu Picasso de Barcelona, tanto en su creación, siguiendo los deseos de su padre de tener parte de su colección en Barcelona, como posteriormente a su funcionamiento como patrono de la institución junto a su hermana Paloma, que ha estado presente en la presentación Creixer entre dos artistes. Homenatge a Claude Picasso junto al director del museo, Emmanuel Guigon.

Claude, además de cogestor de los derechos de la obra de su padre, fue también director cinematográfico, diseñador y un fotógrafo destacado. No obstante, la muestra no recoge material creativo suyo, sino que pretende mostrar el ambiente familiar y la inspiración que los dos niños supusieron tanto para Picasso como para Gilot.

Retrato de familia

Lo hace a través de fotografías de los niños jugando con su padre y la familia al completo, así como con esculturas de Picasso en las que se basa en juguetes de los pequeños o dibujos y cuadros de ambos progenitores. En este sentido, es particularmente destacable que la muestra destina una sala a la obra de Françoise Gilot, la primera vez que los cuadros y dibujos de la pintora se muestran en España. Entre el expresionismo y el cubismo, la pintura de Gilot transita un interesante camino estético.

El material para la muestra ha sido facilitado tanto por Paloma Picasso, matrona del museo y actual gestora única de los derechos de explotación de la obra de su padre tras la muerte de Claude, así como por el propio Museo Picasso, que aporta obras y material de archivo tanto del artista como de Jaume Sabartés, quien fuera su amigo y secretario buena parte de su vida.

De hecho, tal como explica en la presentación de Creixer entre dos artistes. Homenatge a Claude Picasso Emmanuel Guigon, “la muestra surgió de una conversación hace pocos meses con Paloma y la hemos organizado también rápidamente” reuniendo material de diferentes colecciones y museos.

“Se trata de una exposición sensible, emocionante, en el sentido de que retrata a una familia, y muy poética”, apunta el director, que agradece “el gran apoyo [a la exposición] de toda la familia Picasso. A la presentación, además de Paloma, han acudido otros miembros de la familia, como Bernat Ruiz-Picasso, nieto del artista.

Finalmente, Guigon destaca que la muestra “tiene algo de mítica, puesto que se trata de crecer entre dos progenitores que fueron dos mitos”. A este respecto, el director de museo explica la anécdota de cómo Picasso robó un coche a Claude para inspirar la cara de una mona para la escultura La mona con su cría, de 1951.

Una sala para Françoise Gilot

La exposición ofrece también, por primera vez en España, un amplio espacio dedicado a la obra de Françoise Gilot, una artista de trayectoria internacional, cuya producción, cada vez más reconocida, ha sido expuesta en las principales instituciones artísticas del mundo. Gilot siempre se quejó de que haber sido amiga de Matisse y pareja de hecho de Picasso dificultó mucho su carrera artística.

Además, al parecer, tras la ruptura con Picasso, este conminó a todos los marchantes que conocía, que no debían ser pocos, a no mover la obra de Gilot. Incluso, tras la publicación de Vida con Picasso, las memorias de su relación con el pintor, Picasso se negó a reconocer a Claude y Paloma como hijos suyos, y solo lo hizo tras perder la batalla legal.

Paloma Picasso, explica al respecto que apenas guarda experiencia emocional de ruptura por parte de sus padres: “Hicieron todo lo posible para que los niños no nos enterásemos, simplemente nos mudamos a vivir a París desde la Costa Azul y papá se fue a un piso y mamá al otro”.

Por otro lado, la hija de Picasso y Gilot explica que no notó gran diferencia de carácter entre la madre y el padre: “Los dos tenían una personalidad muy fuerte y si bien vivir con papá era complicado, con mamá no era ni mucho menos fácil, porque nos ponía unas metas muy elevadas, era muy exigente”.

Asegura que fue un privilegio crecer viendo trabajar a sus padres, y añade la anécdota de que Gilot tenía mucho miedo de que en aquel ambiente sus hijos se hastiaran y pasaran a odiar el arte. “Por eso siempre que pintaba cerraba la puerta de su estudio con la intención de no saturarnos”, apostilla.

Para ilustrar el carácter de su padre, explica que Picasso “creó unas bonitas muñecas con mi cara y me las regaló”. Pero, “al cabo de pocos días me las quitó porque era trabajo artístico; él era así”, ha agregado con una risa resignada. No obstante, enfatiza que “gracias a que me las quitó, no se rompieron y he podido recuperarlas, aunque nunca pude jugar con ellas”. Cierra finalmente, la única hija viva de Pablo Ruiz Picasso y Françoise Gilot, la presentación de Creixer entre dos artistes. Homenatge a Claude Picasso con una sentencia: “No es fácil ser la hija de un artista como Picasso, pero tampoco tienes otra alternativa”.

Madrid, noviembre de 1936. Las bombas caen cada noche, los ecos de la artillería retumban en los muros del Museo del Prado.

Apenas un mes después del inicio del alzamiento militar, las autoridades republicanas tomaron una decisión sin precedentes: cerrar el museo más importante de España y trasladar su contenido a las salas inferiores, donde las obras estarían a salvo de los primeros ataques aéreos. No fue suficiente.

La noche del 16 de noviembre, un obús impactó sobre el edificio. La amenaza era real. El patrimonio artístico de España, acumulado durante siglos, estaba en peligro de desaparecer.

Y entonces comenzó una de las gestas culturales más heroicas y desconocidas de nuestra historia: la evacuación de las grandes obras del Prado a miles de kilómetros de distancia, lejos de la guerra, lejos del fuego.

Rumbo a Valencia, lejos del fuego

Dos semanas después del bombardeo, las pinturas comenzaron su exilio. Miles de piezas –entre ellas obras maestras de Velázquez, El Greco, Goya o Rubens– fueron cuidadosamente embaladas y sacadas de Madrid en camiones rumbo a Valencia, donde se había trasladado el Gobierno de la República. No había plan cerrado, solo determinación: salvar el arte como se pudiera, como fuera.

La operación se hizo bajo una presión constante, con riesgo real para las personas implicadas. Trabajadores del museo, funcionarios, intelectuales, soldados y ciudadanos comprometidos participaron en el traslado. Y entre todos ellos se gestó lo que después se consideraría una de las mayores acciones de protección del patrimonio cultural en tiempos de guerra.

Un periplo europeo: del caos a la exposición

El itinerario fue largo y complicado: Madrid–Valencia–Barcelona–Ginebra. Con cada traslado, nuevas tensiones. Las obras pasaban de unas manos a otras, siempre envueltas con mimo pero bajo amenazas constantes de ataque o robo. Finalmente, en 1939, lo imposible ocurrió: una exposición histórica en el Museo de Arte e Historia de Ginebramostraba al mundo el tesoro del Prado.

Durante trece semanas, más de 300.000 visitantes se acercaron a contemplar lo mejor del arte español, desde Las Meninas hasta los fusilamientos del 3 de mayo. Pero aquella muestra no era solo una exposición. Era una declaración política, cultural y moral: el arte debía sobrevivir incluso cuando todo lo demás colapsaba.

Azaña, Negrín y una frase para la historia

Detrás de esta proeza también hubo decisiones políticas valientes. En uno de los momentos más tensos del conflicto, el presidente Manuel Azaña le espetó a Juan Negrín una frase que aún hoy resuena como símbolo de compromiso cultural:

“El Prado es más importante que la República y la Monarquía, porque en el futuro podrá haber más repúblicas y monarquías en España, pero estas obras son insustituibles.”

Durante décadas, el franquismo ocultó esta historia. Pero la memoria de aquel acto de amor al arte ha ido recuperando su lugar, gracias a archivos, testimonios y exposiciones recientes.

La victoria de la cultura frente a la destrucción

Hoy, esas obras siguen colgadas en las salas del Museo del Prado, gracias a quienes arriesgaron sus vidas para protegerlas. Porque cuando todo se tambalea, incluso la democracia o la forma de Estado, el arte permanece. Y eso lo entendieron los protagonistas de aquel rescate: que preservar la cultura no era una frivolidad en tiempos de guerra, sino una forma de resistir al olvido y al horror.

Aquella epopeya silenciosa, tejida entre camiones, refugios y exposiciones lejanas, salvó mucho más que unos cuadros: salvó una parte esencial del alma de un país.

En el corazón de Madrid, muy cerca de Plaza de España y a pocos pasos del bullicio del centro, se esconde uno de los secretos mejor guardados de la capital: el Museo Cerralbo.

Un lugar que parece detenido en el tiempo, donde cada sala, cada objeto y cada rincón nos traslada a los días de esplendor de la aristocracia madrileña del siglo XIX.

Ubicado en un palacete señorial de la calle Ventura Rodríguez, este museo sorprende no solo por su valor histórico, sino también por su belleza y autenticidad.

Casa dinástica, nobles y armaduras

Fue el hogar del marqués de Cerralbo, Enrique de Aguilera y Gamboa, un noble apasionado por el arte y la arqueología que dedicó buena parte de su vida a coleccionar piezas en sus viajes por España y Europa.

El resultado: un conjunto de más de 50.000 objetos, entre pinturas, esculturas, armaduras, relojes, muebles antiguos y curiosidades que hoy conforman una de las colecciones privadas más valiosas del país.

Visitar el Museo Cerralbo es sumergirse en una experiencia cultural completa. Sus estancias, decoradas con gusto exquisito, conservan el estilo original de la época con una mezcla de influencias neobarrocas y rococós que refuerzan la sensación de estar dentro de una novela histórica.

Todo está dispuesto como si el marqués aún viviera allí: desde los salones y comedores hasta la biblioteca y la armería.

Entradas para la visita

Además de su valor artístico, este museo tiene un gran atractivo añadido: su accesibilidad. La entrada cuesta solo 3 euros, pero hay varias fechas clave en las que se puede visitar de forma gratuita.

Cada jueves por la tarde y cada domingo por la mañana, así como en fechas especiales como el 18 de mayo (Día Internacional de los Museos), el 12 de octubre (Fiesta Nacional) o el 6 de diciembre (Día de la Constitución), el acceso es libre.

Para quienes buscan una joya cultural poco conocida, con ambiente íntimo y un viaje asegurado al pasado, el Museo Cerralbo es una parada obligatoria en Madrid. Un rincón que combina historia, arte y belleza... a precio popular y con la magia intacta del siglo XIX.

España es un destino cultural de primer nivel y sus museos son prueba de ello. Desde grandes pinacotecas hasta espacios vanguardistas dedicados al arte contemporáneo, la oferta museística del país es impresionante.

Cada año, millones de visitantes recorren sus salas para contemplar algunas de las obras más icónicas de la historia del arte, desde los maestros del Siglo de Oro hasta las vanguardias del siglo XX. Estos son los cinco museos más visitados de España, auténticos referentes para los amantes del arte y la cultura de nuestro país.

1. Museo Nacional del Prado (Madrid)

No hay museo en España que reciba más visitantes que el Museo del Prado. Ubicado en el corazón de Madrid, este espacio alberga una de las colecciones de arte más importantes del mundo. Su catálogo recorre la historia de la pintura europea desde el siglo XI hasta el XVIII, con especial protagonismo de la escuela española. Velázquez, Goya, El Greco y Murillo son solo algunos de los grandes nombres que llenan sus salas.

Obras como Las Meninas, Las Majas de Goya o El jardín de las delicias de El Bosco son algunas de las joyas que hacen de esta pinacoteca una parada obligatoria en la capital. Su colección de pintura italiana y flamenca, con nombres como Tiziano, Rubens o Van Dyck, también es de las más destacadas a nivel mundial.

2. Museo Reina Sofía (Madrid)

Si el Prado es el museo de la tradición pictórica, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía es su contraparte moderna. En sus salas, que abarcan desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, conviven movimientos como el cubismo, el surrealismo y el arte figurativo, con grandes nombres de la pintura contemporánea española e internacional.

Su pieza más visitada es, sin duda, el Guernica de Picasso, una de las obras más emblemáticas del siglo XX. Además, el museo alberga importantes trabajos de artistas como Dalí, Miró, Juan Gris o Tàpies, consolidándose como un referente imprescindible del arte moderno y contemporáneo.

3. Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)

Cerrando el triángulo del arte de Madrid, junto al Prado y el Reina Sofía, el Museo Thyssen-Bornemisza es una de las colecciones privadas más importantes del mundo, ahora parte del patrimonio español. Su propuesta es única, ya que abarca estilos artísticos que no tienen tanta representación en los otros dos museos.

Aquí se pueden encontrar obras del Renacimiento, el Barroco, el Rococó, el Romanticismo y el Impresionismo, con nombres como Caravaggio, Van Gogh, Monet, Kandinsky o Hopper. Su recorrido permite entender la evolución del arte desde la Edad Media hasta el siglo XX, con una variedad de estilos que lo convierten en un museo imprescindible para cualquier amante de la pintura.

4. Museo Guggenheim (Bilbao)

El Museo Guggenheim de Bilbao es una de las instituciones más importantes de España y un referente mundial del arte contemporáneo. Su espectacular edificio, diseñado por Frank Gehry, es en sí mismo una obra de arte y un símbolo de la ciudad.

Más allá de su arquitectura vanguardista, el museo alberga una impresionante colección de arte moderno y contemporáneo, con piezas de artistas como Jeff Koons, Richard Serra, Louise Bourgeois y Yves Klein. Además, las exposiciones temporales que acoge cada año atraen a visitantes de todo el mundo, consolidándolo como uno de los espacios culturales más influyentes de España.

5. Museo Picasso (Barcelona)

Picasso es una de las figuras más importantes del arte español, y aunque su ciudad natal es Málaga, fue en Barcelona donde el artista pasó su juventud y dio sus primeros pasos en el mundo del arte. El Museo Picasso de Barcelona reúne más de 3.500 obras del genio malagueño, convirtiéndose en una de las colecciones más completas sobre su trayectoria.

Su exposición permanente recorre sus diferentes etapas creativas, desde su formación académica hasta sus periodos cubista y expresionista. También se pueden encontrar bocetos y estudios que revelan el proceso creativo del artista, ofreciendo una visión más profunda de su evolución y de la huella que dejó en la historia del arte.

Una oferta cultural inigualable

Estos cinco museos encabezan la lista de los más visitados en España, pero el país cuenta con muchas más instituciones culturales que merecen reconocimiento. Lugares como el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Dalí en Figueres, el Museo de Bellas Artes de Valencia o el Centro Botín en Santander siguen enriqueciendo el panorama museístico nacional.

Con una oferta tan variada, España sigue siendo un destino de referencia para los amantes del arte, donde cada museo ofrece una experiencia única que permite viajar a través de los siglos y descubrir la evolución de la creatividad humana.

Los museos españoles se han esforzado en dejar atrás el gran bache de visitantes que supuso la pandemia, cuyos efectos les ha costado remontar. Sin embargo, si el 2023 dejó cifras de celebración que los hacía ver la luz al final del túnel, el 2024 ha servido para certificar que la pandemia está definitivamente superada. El año ha sido de crecimiento salvo para el Guggenheim o el Thyssen. El Reina Sofía crece casi un 10% en su sede principal, pero acusa su caída general a los cierres de dos de sus espacios, y museos como el Prado o el Picasso de Barcelona festejan datos históricos.

Por segundo año consecutivo, el Museo del Prado ha sido la pinacoteca más visitada de España, como así celebró con Ana Belén interpretando España, camisa blanca. Lo hace superando el récord logrado en 2023 y congregando a más de 3,5 millones de visitantes en 2024, unas cifras que ascienden un 5% con respecto al año pasado, le dan al Prado el mejor año de su historia, y constatan que la mayoría de museos no solo han dejado del todo atrás la pandemia, sino que lo han hecho con más fuerza que nunca.

El Museo Reina Sofía recibe 1.960.249 visitantes bajo la nueva dirección de Manuel Segade, subiendo las visitas a su sede principal de Atocha un 9% en comparación con 2023, con 1.537.105 visitantes. No obstante, la institución baja en el cómputo general debido al cierre de dos de sus espacios fundamentales. El Palacio de Cristal permanece cerrado desde abril del año pasado por obras de restauración y el Palacio de Velázquez tuvo que clausurar sus puertas septiembre por el mismo motivo, recibiendo 319.706 visitantes (536.425 en 2023).

El Museo Picasso de Barcelona también cierra un año extraordinario con más de 1.300.000 visitantes, un dato que no había alcanzado nunca hasta ahora. Supone un aumento del 8% con respecto a 2023 y supera el público obtenido en 2019, que se había convertido en su mejor año. La institución catalana destaca Fernande Olivier, Pablo Picasso i els seus amics como su exposición más visitada.

También ha sido un 2024 de éxito para los palacios, monasterios, museos y espacios verdes gestionados por Patrimonio Nacional, que consiguen el año de mayor visitantes de su historia con 7.169.027 visitas. El Palacio Real de Madrid ha recibido a 1.563.869 visitantes, mientras que por la Galería de las Colecciones Reales han pasado 648.209 personas, un 45% de fuera de España, consolidándola como punto de referencia cultural y turística en su año y medio de vida.

El año ha sido igualmente positivo para el Museo Guggenheim de Bilbao, que suma 1.301.343 visitantes en 2024, tan solo un 2% menos que el año pasado, cuando consiguió las mejores cifras desde su inauguración. Además, el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona logra más 470.000 visitantes hasta diciembre, un 23% más que los que acudieron a ver las distintas exposiciones que acogió el centro en 2023.

Completa recuperación tras la pandemia

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha recibido 951.821 visitantes en 2024, una cifra ligeramente inferior a la registrada en 2023, cuando recibió 1.012.660 visitantes, pero muy por encima de las 600.000 personas que fueron en 2021, con la pandemia aún muy reciente. Su exposición más vista ha sido El realismo íntimo de Isabel Quintanilla con 159.122 visitantes.

El Museu Nacional d'Art de Catalunya supera los 860.000 visitantes en 2024 y crece un 44% respecto al año anterior, suponiendo un retorno claro a los niveles prepandemia, superando las cifras de 2019. Destacan las exposiciones temporales Suzanne Valadon. Una epopeya moderna, con 80.730 visitantes, y El espejo perdido. Judíos y conversos en la edad media, organizada conjuntamente con el Museo del Prado, que recibió 101.296 visitantes.

Los dieciséis Museos Estatales dependientes del Ministerio de Cultura registran 3.121.418 de visitas en 2024 y obtienen el mejor dato desde el 2000. Esto, además, es un 10,53% más que en 2023, desencadenando que el Museo Estatal con más afluencia haya sido el Museo Arqueológico Nacional con 627.334 visitas, su mejor registro en una década.

El Museo Nacional del Romanticismo rompe su récord histórico con casi 200.000 visitantes en el centenario de su fundación. Noticias no tan buenas para el Museo Sorolla en Madrid, que con 247.775 visitantes se queda lejos de los datos de récord de 2023 (346.194), pero consigue superar los de 2022, cuando acudieron a la institución un total de 246.219 personas.

Los centros CaixaForum repartidos por toda España y el Museo de la Ciencia CosmoCaixa de Barcelona también celebran sus 4.455.555 visitantes, asciendo un 2% con respecto a 2023. El Museo de la Ciencia CosmoCaixa es el centro que ha recibido mayor número de visitas, con un total de 1.181.600, mientras que el segundo más visitado ha sido CaixaForum Madrid, recibiendo a 947.642 personas durante todo el año 2024. 

Por otro lado, el Museo Picasso de Málaga alcanza la cifra de 792.353 visitantes durante 2024, casi 13.000 más que en 2023. Desde su directiva se hace especial énfasis en “la alta participación en las actividades educativas y culturales, con alrededor de 25.000 personas que han acudido al museo”.

Lo tenía todo en contra para triunfar en París, pero lo consiguió en la capital mundial del arte. Procedía de una pequeña capital de provincia como Santander, padecía una doble desviación de su columna, no hablaba apenas francés y debía abrirse camino en un cerrado mundo de hombres. Sin embargo, María Gutiérrez Blanchard (Santander, 1881 - París, 1932) se convirtió en maestra del cubismo y más tarde de la figuración con una obra brillante e innovadora a la altura de los genios con los que trató como Juan Gris, Diego Rivera o el mismísimo Picasso.

Borrada su huella durante décadas, algunas exposiciones recientes, como una retrospectiva en el museo Picasso de Málaga; o su inclusión con tres cuadros en una muestra de la pintura española del siglo XX en la Fundación Masaveu de Madrid o su presencia en la exposición Esperpento en el Reina Sofía, que estará abierta hasta marzo, recuperan a esta singular artista. Historiadores del arte y expertos consideran a María Blanchard la pintora española más importante de la pasada centuria.

Tras ocho décadas de olvido casi total, la talla de María Blanchard comenzó a ser reivindicada en 2011 con una retrospectiva en el centro Reina Sofía y con un documental biográfico. Detrás de aquella exposición se encontraba como comisaria María José Salazar, historiadora del arte y entonces conservadora del citado museo. Autora de una tesis doctoral sobre la pintora y la mayor experta en su obra, Salazar no tiene dudas cuando explica la relevancia de la artista española.

“Blanchard tuvo la valentía de marchar a París en 1911 sin recursos económicos ni contactos en la capital francesa a partir de una beca que le concedieron en Santander. Es decir, que se atrevió a romper con todo. Por otra parte, la pintura fue el fundamento de su vida, ella vivía sólo para pintar. Así se relacionó de tú a tú, no como alumna ni discípula, con los artistas más geniales del París de las vanguardias. Hoy, poco a poco la nueva lectura sobre las mujeres en el arte ha permitido un mayor conocimiento de Blanchard. No obstante, sigue siendo una desconocida para muchos aficionados o estudiosos del arte”, señala Salazar.

La también santanderina Gloria Crespo, licenciada en Bellas Artes, editora gráfica y autora del documental 26 rue de Depart sobre su paisana, recuerda que en la Universidad nadie citaba a Blanchard e incluso hoy su nombre sigue en sombras. “Dentro del cubismo –afirma rotunda–, ella es la artista más destacada y resulta heroico que desde sus orígenes en una familia burguesa de Santander llegara hasta Montparnasse y triunfara en una época tan marcada por el machismo entre los artistas y entre los críticos. No obstante, fue una mujer poco práctica y muy torpe para las cuestiones comerciales lo que supuso un obstáculo para su proyección”.

Tanto María José Salazar como Gloria Crespo subrayan que la pintora creció en un ambiente provinciano, pero muy culto donde destacaron otras tres mujeres de su familia: la escritora y diputada republicana Matilde de la Torre, la novelista Concha Espina y la traductora Consuelo Berges. Tuvo además Blanchard la suerte de que sus padres la animaran a estudiar primero en Madrid, con pintores consagrados como Manuel Benedito, y luego en París con maestros como Anglada Camarasa.

En la capital francesa, donde se instaló definitivamente en 1916 con 35 años para ya nunca regresar a España, María se adscribió a la corriente cubista donde introdujo el color como innovadora aportación. “Después de su breve e intensa etapa cubista”, señala Salazar, “regresó al orden, a una nueva figuración, pero con un resabio del cubismo”. Fueron los años veinte aquellos en los que Blanchard expuso con frecuencia y con éxito en París, Bruselas o Londres, ciudades en las que su trabajo comenzó a ser reconocido. Pero en 1927 una doble adversidad sumió a la artista en una profunda depresión, tomó conciencia de su grave enfermedad y surgió en ella un espíritu religioso que se trasladó a sus cuadros que reflejaron ambientes más dulces y melancólicos.

“Digamos que ella encontró un bálsamo en la religión”, apunta María José Salazar. Aquel fatídico año 1927 murieron su marchante y su gran amigo Juan Gris y, por si fuera poco, su vida se complicó por entonces con la llegada de sus tres hermanas a París con la intención de que las mantuviera. Así a los quebrantos económicos se unió un empeoramiento de su escoliosis de nacimiento debida a un accidente que tuvo su madre durante el embarazo. Blanchard vivió por ello con una doble desviación de la columna que la dejó jorobada y suscitó en ocasiones una mal entendida compasión por parte de sus colegas o de los críticos.

Un legado con mala suerte

“Estoy segura”, comenta Crespo, “que se le hizo un flaco favor a Blanchard al poner énfasis en su condición de jorobada y en una visión compasiva cuando ella superó tanto ese hándicap como la imposibilidad de tener hijos”. Las fotos que se conservan de la artista la muestran con el pelo corto a lo garçon y una mirada triste y al mismo tiempo enérgica tras unos quevedos. A juicio de María José Salazar, la pintora tuvo un carácter fuerte y marcó siempre un criterio propio hasta tal punto que otros compañeros solían pedirle su opinión. Esta historiadora lamenta que el legado de la artista, que falleció en 1932, tuviera mala suerte por distintos motivos, una razón más para su olvido. “Diversas circunstancias”, sostiene Salazar, “como que una de sus hermanas retirara su obra de los marchantes o problemas de aduanas o los estallidos de la Guerra Civil y de la II Guerra Mundial complicaron la conservación y la difusión de su obra que hoy cuelga en los principales museos de Europa”.

En los últimos tiempos la trayectoria y la obra de Blanchard han asistido a un afortunado impulso a través de algunas exposiciones y, en especial, a la organizada por el museo Picasso de Málaga entre abril y septiembre pasado con 85 óleos y dibujos en uno de los acontecimientos culturales del año. En la ciudad andaluza se exhibieron algunas obras clave de la pintora como La comulgante (1914), La dama del abanico (1916), La niña de la pulsera (1923) o La echadora de cartas (1925). El entonces director artístico del museo, José Lebrero, califica la reivindicación de la pintora como “un acto de justicia histórica” y añade que “una mayor sensibilidad colectiva y un mayor interés hacia el trabajo de las artistas ha derivado en un aumento de la presencia de las mujeres en el arte. En el caso de Blanchard esa gran exposición debía mostrarse sin duda en un contexto picassiano”.

Tal vez el termómetro de la recuperación de María Blanchard se comprueba ahora en la Fundación María Cristina Masaveu Peterson en Madrid, donde la pintora cántabra figura con tres cuadros en una sala que comparte, no por casualidad, con dos genios como Pablo Picasso y Juan Gris. Esta exposición, que estará abierta hasta julio del próximo año, lleva el significativo título de Arte español del siglo XX. De Picasso a Barceló y ahí figura por derecho propio una artista que triunfó contra viento y marea y cuyo legado ha podido al fin vencer al olvido. 

Se conoce como fin de siècle al periodo francés que abarca desde las últimas décadas del siglo XIX hasta las primeras del XX, en especial hasta la primera Gran Guerra, que se inicia en 1914. En esta época, toda Europa vivió un torbellino de cambios, tanto artísticos como culturales y sociales, que marcaron el devenir del siglo que comenzaba.

Fue un tiempo de gran efervescencia de vanguardias y movimientos artísticos que se plasmaron en la música, el teatro, la danza, la escritura, la poesía y, por supuesto, las artes plásticas. París fue su gran templo y capital cultural, imán para miles de artistas de todo el mundo que vivían arracimados en las estrechas calles del barrio de Montmartre, primero, y de Montparnasse, más tarde.

No fueron inmunes a esta atracción los artistas catalanes. Ahora, el Museu Picasso de Barcelona les ha dedicado una exposición para contar a través de sus ojos cómo era aquel París bohemio, canalla y fascinante, pero también oscuro, perverso en ocasiones, y miserable para los menos favorecidos.

Más de 250 obras expuestas

Comisariada por los historiadores Vinyet Panyella y Eliseu Trenc, De Montmartre a Montparnasse. Artistas catalanes en París, 1889-1914 se inicia hoy y se prolongará hasta el 29 de marzo del próximo año. Tal como destaca el director del Museu Picasso, Emmanuel Guigon, “se trata de una muestra multidisciplinar e inmersiva; no en el sentido de ser 3D, como se lleva ahora, sino porque junto a las obras pictóricas y escultóricas se incluyen numerosas fotografías y filmaciones de la época que dan contexto a la exposición”.

También apunta que “la muestra cuenta con un amplio soporte documental que se refleja en los libros, cuadernos y publicaciones de personajes del momento que hablan y perfilan aquel ambiente”. En la muestra se pueden apreciar cuadros de los consagrados Picasso, Rusiñol, Casas, Nonell, Anglada Camarassa, Clarà, Casagemas o Sunyer. Pero también de otros menos conocidos como Eveli Torent, Utrillo, Joan Sala o Gaspar Cassadó.

“En total cabe contabilizar más de 250 obras expuestas, que corresponden a 84 artistas y proceden de 59 prestadores”, presume Guigon. Con ello quiere dar cuenta de lo extenso del proyecto, que mezcla pinturas, dibujos, esculturas, aporte bibliográfico o partituras originales de músicos catalanes que residieron en París en aquella época, como Pau Casals, Isaac Albéniz o Enrique Granados. También aporta material fonográfico de dichos artistas datado en aquellos años y procedente en su mayoría de colecciones privadas.

Guigon explica que los donantes han sido muy variados e importantes, como el Museu Nacional D'Art de Catalunya (MNAC) y la colección de pintores catalanes que atesora. A su vez es, en buena parte, propiedad de la baronesa Thyssen; la red de museos de Sitges –población que fue el hogar de muchos de aquellos artistas en su retorno a Catalunya tras 1914–, la Fundación Mapfre o el Musée Picasso de París, entre otros.

Entre el cabaret y la miseria

La comisaria Vinyet Panyella apunta que la exposición pretende mostrar cómo era paisaje urbano y humano del París del momento, describiendo su realidad cotidiana y los modos de viva de la colonia bohemia y artística catalana. De esta suerte, nos acerca al trabajo de aquellos exiliados culturales y las dificultades por las que pasaban.

Las numerosas fotografías describen la ebullición ambiental de aquellos días, animada por el entonces nuevo ocio de masas, que se encarna en los parques de atracciones donde disfrutan los burgueses. Las filmaciones dan cuenta de las grandes avenidas y bulevares parisinos, así como del ambiente en los locales de fiesta. Por ello, la muestra empieza en 1889, “porque es el año de la Exposición Universal de París y el momento en que Picasso, gran referente del grupo, llega a la ciudad donde residirá ya de por vida”.

De Montmartre a Montparnasse. Artistas catalanes en París, 1889-1914 también da cuenta, explica la comisaria, de los momentos de ocio de la colonia catalana y de su presencia en los espectáculos del momento, sobre todo cafés y cabarets, que les inspiran numerosos cuadros y dibujos, algunos de ellos presentes en la muestra. Ahora bien, no oculta los prostíbulos y sobre todo las prostitutas, retratadas por Casas, Picasso y otros artistas.

Para Panyella, el relato de la exposición “es doble: paisajes y personas; esto es los bulevares y los espectáculos, pero también la gente pobre desahuciada –que pinta Nonell–, los burgueses y las lavanderas con su vida miserable –que pinta Sunyer–, o los suicidios”. Subraya que “esta es la visión que aquellos artistas tuvieron de París”.

Las “españoladas”

Finalmente, destaca el apartado de las llamadas “españoladas”, obras de regusto folclórico español y orientalizante que reproducían tópicos de la península. Tuvieron una gran demanda en Francia a finales del siglo XIX, en gran parte por el efecto tuvo la ópera Carmen de Bizet. La muestra contiene diversas obras a este respecto, algunas con pura intención comercial, pero otras, como destaca Panyella, de calidad considerable. Cita El tango, una obra del Claudi Castelucho pintada en 1908 que muestra a un trío flamenco bailando.

El apartado de las “españoladas” también recoge las partituras de piezas como la suite Iberia de Albeniz o las Goyescas de Granados, que si bien deben inscribirse dentro de la música romántica nacionalista española, tuvieron enorme acogida en París. También se pueden escuchar grabaciones de discos para gramófono de la época.

De Montmartre a Montparnasse buscando alquileres baratos

La muestra cita el nombre de dos de los barrios más populares de París, porque la colonia catalana habitó principalmente en ellos, aunque también en el barrio latino. El primer sitio al que llegan es al Montmartre bohemio de fin de siglo XIX; el segundo el Montparnasse, que se consolida como lugar relacionado con el arte desde principios del siglo XX.

“Ambos eran sumamente pobres y peligrosos, por lo que los alquileres eran muy baratos, ideales para aquellos bohemios que apenas podían ganarse la vida, detalla Eliseu Trenc, el otro comisario de la exposición”. A este respecto, Trenc desvela que el núcleo duro del grupo tenía una vida dura y austera “porque primaban la libertad de creación frente al beneficio económico”. Aunque matiza que no todos tenían los mismos principios“.

Los artistas consagrados, que sacrificaron al principio el beneficio por su arte y exponían en la galería de Berthe Weil, vivían en los citados barrios, pero “los menos conocidos, que se dedicaron a la pintura y el dibujo de una manera profesional, se mudaron a los barrios burgueses, que era donde vivían sus clientes”.

Muchos de estos artistas menos conocidos, sin embargo, triunfaron comercialmente. Trenc cita el ejemplo del impresionista Gaspar Cassadó, “al que el ayuntamiento de París nombra paisajista oficial de la ciudad y le permite pintar donde quiera”. También a Joan Sala, “que llegó a ser uno de los retratistas más solicitados a nivel internacional”. En el apartado de los consagrados, asegura que pocos triunfaron en el momento. El que tuvo mayor proyección, al menos hasta la irrupción de Picasso, fue Anglada Camarassa. “Se considera que hay tres grandes pintores del ámbito hispánico en toda Europa en esos años: Anglada-camarasa, Zuloaga y, sobre todo, Sorolla”, sentencia el comisario.

Respecto a las obras más relevantes de la muestra, aunque subrayen los comisarios que es una exposición que solo se puede explicar por su conjunto, Panyella ha querido citar la importancia de algunas obras presentes. Destaca Novela Romántica de Rusiñol y La blanchisseuse du quartier du Belleville, de Sunyer, que muestra la dureza del trabajo de las lavanderas. Otra pintura que cita es Le paón blanc de Anglada Camarassa y, finalmente, “los tres dibujos que Josep Clarà le hizo a la bailarina Isadora Duncan”.

Bajo el título Eveli Torent. Entre Els Quatre Gats y la masonería, el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) celebra, desde este viernes y hasta el 16 de febrero de 2025, la que seguramente sea la primera retrospectiva mundial sobre Eveli Torent (Badalona, 1876–Barcelona, 1940), un personaje que estuvo en todos los “saraos” artísticos de principios del siglo XX en Barcelona y París pero que, a causa de una vida errante y cosmopolita, así como de la guerra civil, quedó relegado al olvido.

“Hasta hace relativamente pocos años se le conocía sobre todo por los retratos que sus amigos habían hecho de él, en especial Picasso”, comenta Lluïsa Sala, comisaria de la exposición y una de las pocas expertas mundiales en esta enigmática figura. Algunos de los retratos picassianos pueden contemplarse en el Museu Picasso de Barcelona, aunque otros pertenecen a colecciones particulares.

En la exposición, de hecho, pueden verse algunos de los retratos que el genio de Málaga realizó de Torent, así como otros hechos por Hermenegildo Anglada Camarasa y Ricardo Baroja. “Torent era un miembro muy activo del grupo de Els 4Gats, junto con Isidre Nonell, Picasso, Ramon Pichot, Manolo Hugué, Joaquin Mir o Carles Casagemas, de quien era pariente lejano y que le dedicó algunas obras”, explica Salas.

El grupo, que se reunia en el histórico café del barrio gótico de Barcelona llamado Els Quatre Gats, representó la renovacion del modernismo frente a los Rusiñol, Casas, Utrillo y compañía. “Torent fue de los primeros en exponer en Els Quatre Gats”, apunta el jefe de colecciones del MNAC Eduard Vallés. “También sabemos que solo llegar a París expone en la galería de Berthe Weill, lo que nos dice que era un artista conocido en el momento”, agrega.

El enigma Torent

Pero a pesar de aparecer en numerosos retratos y crónicas, ni la figura de Torent ni su obra se conocían excesivamente en los círculos artísticos y museísticos. Pepe Serra Villalba, director del MNAC, reconoce que “hasta hace apenas tres años, cuando comenzamos desde el museo a investigar su figura, yo desconocía su existencia”. “Por ello”, incide Serra, “era necesario hacer esta exposición que pusiera de relieve a uno de los protagonistas del arte catalán del siglo pasado”.

Lluïsa Sala explica que ha sido necesaria una larga labor de investigación “para ir atando cabos y reunir algunas de sus obras, la gran mayoría pertenecientes a colecciones privadas de todo el mundo”. De este modo, la experta ha podido reconstruir los periodos vitales de Torent, que fue una persona de gran movilidad, ya que tras mudarse a París en 1903 y permanecer hasta 1913, posteriormente viaja a Argentina, desde donde salta a Nueva York en 1914 para permanecer en América hasta 1921, pasada la primera gran guerra.

Vive todos estos años de la pintura, y la ilustración, de un modo profesional, aceptando encargos tanto para retratos de personalidades destacadas como carteles publicitarios. En la exposición se pueden apreciar los que realizó para una sastrería barcelonesa J. Peralta, para la marca de anís Perla o para el tónico francés Byrrh. “Todos ellos tienen una ambientación modernista muy en consonancia con otros cartelistas de la época”, desvela Sala.

De París a Nueva York

Pero de la etapa parisina la experta destaca la buena relación de Torent con el escritor satírico francés Laurent Tailhade y su mujer, la también escritora Marie-Louise Laurent-Tailhade. “Se podría aventurar que su amistad, que fue duradera, llegó a ser muy íntima”, apunta Sala. “El trío realizó numerosos viajes por Francia y fruto de uno de ellos a la Bretaña Torent realizó una serie de pinturas e ilustraciones de gran novedad estilística”, agrega.

Junto con Tailhade edita una crónica del viaje titulada L'Assiette au Beurre, en la que uno pone el taxto y el otro las ilustraciones. No obstante, Torent sigue aceptando encargos para revistas españolas como L'esquella de la Torratxa y en la exposición se pueden apreciar algunos de sus trabajos.

En 1913 deja Francia para buscar nuevos horizontes profesionales. Antes, hacia 1910, había viajado a Argentina, donde realiza un notable y poderoso retrato del célebre compositor sardanista Enric Morera. Finalmente, se instala en Nueva York, ciudad en la que permanecerá hasta 1921, cuando de nuevo se movió, esta vez de regreso a Barcelona.

Se sabe poco de sus años en América, aunque de sus relaciones epistolares se deduce que dio a su arte un enfoque profesional y trabajó mucho. A este respecto, Sala apunta que “era muy espabilado y trabajador, un buscavidas que nunca pasó aprietos económicos, también porque su familia era acomodada”.

Regreso a Barcelona y descubrimiento de Ibiza

Tras su regreso a Barcelona, ya con 45 años, se dedica a la docencia y se asienta en la ciudad. Pero en unas vacaciones estivales descubre la isla de Ibiza, de la que se enamora. Junto con su esposa, Consuelo Hernán, compra un torreón defensivo en la isla, la torre d'en Rovira, y lo acondiciona para pasar los veranos.

“Lo convierte en una especie de museo donde exhibe desde herramientas del campo hasta armas y organiza en los veranos recepciones para otros veraneantes”, desvela Sala, que añade que recibe a los visitantes vestido de califa junto a su mujer, en lo que podría ser un germen de las performances de los años 60.

Se hacían llamar “el Gran Califa y la Califina del Califato de es Pallaret”, según desvela el periodista del diario Ara Toni Ribas Tur, que ha investigado esta etapa de la vida de Torent y escribe un interesante artículo en el catálogo de la exposición. El comentario, sin embargo, no es suyo sino de Josep Palau i Fabre, el poeta, biógrafo y también gran amigo de Picasso en los últimos años, que en 1936 acudió a una de aquellas recepciones performativas y la fotografió, dejando un testimonio gráfico impagable de aquella etapa de Torent.

Masoneria, guerra, cárcel y muerte

“Torent dice en una carta a su sobrino desde Nueva York que es en esta ciudad donde se ha hecho masón, sin embargo creemos que ya lo era desde su etapa parisina”, apunta Lluïsa Sala. El caso es que la carrera de Torent dentro de la masonería es sólida y llega lejos, hasta el grado 33, el máximo, lo que le confiere una influencia tanto internacional como en el Estado. “Durante la república la mayoría de ministros eran masones y él los conocía y se carteaba con ellos”.

Esta influencia que le fue tan favorable antes de la guerra civil se volvió en su contra tras la contienda. El golpe fascista le sorprende en Ibiza desde donde se mueve a Barcelona. Allí es detenido por el bando republicano acusado de simpatizar con el alzamiento, si bien Torent rebate las acusaciones y finalmente es liberado.

Permanece los años de la guerra en Barcelona, pero tras la caída de la ciudad, en 1939 es detenido y procesado por masón. Reniega de la masonería en mayo de 1940, pero las duras condiciones de la cárcel Modelo hacen mella en él y tras ser liberado, fallece en octubre a los 64 años.

Hablar con Bernard Plossu es hacerlo con toda una leyenda, uno de los grandes fotógrafos de viajes del siglo XX, el artista que publicó ¡Vámonos!, un libro de imágenes de su estancia en México que, según el director del Museu Picasso, Emmanuel Guigon, está considerado uno de los mejores de la historia de la fotografía. Pero conversar con Plossu también es hacerlo con un anciano amable y cercano, con la mirada inquieta de un niño de curiosidad insaciable.

Plossu, nacido en 1943 en Vietnam, aunque francés de origen y educación, estrena exposición en el Museu Picasso de Barcelona tras pasar este verano por Madrid con una muestra de las imágenes captadas en sus viajes a la capital. Para la ocasión ha querido retratar, dentro de los eventos conmemorativos del llamado Año Picasso, si bien ya en 2024, los paisajes rurales catalanes a los que viajó el pintor malagueño durante su primera juventud y que le inspiraron pictóricamente.

¿Cómo surge la idea de realizar esta exposición?

Tengo una larga relación con el Museu Picasso de Barcelona y esta exposición era una idea que teníamos desde hace tiempo, algo que ya había hecho antes con pintores como Monet. Pero con la pandemia, el proyecto se retrasó, lógicamente, así que una vez pasado el confinamiento empecé a viajar por los paisajes en los que Picasso pasó parte de su etapa catalana, cuando vivió en Barcelona en su niñez y juventud. Son Gòsol en la montaña del centro de Catalunya, Horta de Sant Joan en el sur de Tarragona, Cadaqués en el norte de Girona y también la Barcelona que habitó y por la que se movió. 

¿Qué destaca de estos paisajes?

Me impresionó sobre todo Gòsol, en la montaña, a esa altura y con ese silencio entre grandes picos y bosques, todo tan salvaje que me llevó a pensar que ahí vivió y pintó un Picasso muy diferente del artista acomodado que sería después en París y Antibes, un hombre de mundo y de trato social. En cambio, tanto en el pueblo montañés de Gòsol como en Horta de Sant Joan, un pueblo con un paisaje muy mediterráneo y también muy agreste, que a mí me recuerda a Arizona con sus rocas rojas, Picasso debió sentirse como un apache, un hombre más conectado con la naturaleza, más salvaje, que se lavaba con agua del río y no tenía electricidad. Creo que ese contacto con lo primario se refleja en los cuadros que pintaba. 

Parece que también ha buscado usted ese espíritu en sus fotografías.

Porque he querido comprender a Picasso, reinterpretar lo que él sentía a través de estos paisajes de pueblos de piedra solitarios, sumergidos entre estas altas montañas de líneas perfectas, o bien entre las enormes rocas que sobresalen de los bosques en Horta de Sant Joan. He pretendido buscar el alma de Picasso entre estos paisajes.

En el caso de las fotografías hechas en Barcelona, especialmente las de tejados y altos de edificios, se diría que busca algunas de las formas picasianas que le llevaron al cubismo. 

Bueno, es que mi fotografía es muy cubista, pero en fotografía el cubismo es más invisible, en cambio en la pintura es muy obvio. Cartier-Bresson decía que una buena fotografía debe tener sentido también cuando la pones del revés y eso es lo que yo busco.

Mi fotografía es muy cubista, pero en fotografía el cubismo es más invisible, en cambio en la pintura es muy obvio

¿Le ayuda a ello el trabajar casi siempre en blanco y negro?

El color lo define todo de manera muy… como un catálogo de turismo. Aunque yo he utilizado una técnica de positivado llamada paper fresson tirage quadrichromes au charbon, inventada en el siglo XIX y que se sigue aplicando de manera artesanal. Es un proceso en el que la pigmentación de la fotografía es muy granulada y difusa, otorgando a la imagen unas sensaciones muy especiales, como de imagen antigua o atemporal. En Francia tal vez tenemos una historia un poco negativa con el color porque a Cartier-Bresson no le gustaba el color. A mí me sabe mal no haberle podido hablar de esta técnica.

Es la que usa para esta exposición, prescindiendo del blanco y negro. ¿Por qué?

Hice fotos tanto en color como en blanco y negro, pero al revelarlas tuve la intuición de que debía ser en color, con la técnica que ya le he explicado, porque así me acercaba más a lo que Picasso seguramente había buscado en el paisaje. 

Usted ha dicho en algunas entrevistas que la fotografía está más cerca de la literatura que de la pintura, porque una fotografía siempre busca contar una historia.

Pensaba más así cuando era joven, dado que mi educación había estado muy vinculada al cine, pues vivía muy cerca de la Filmoteca de París, donde vi las películas de los grandes de la nouvelle vague, pero también de clásicos como Buñuel o Bergman, que me influyeron mucho a la hora de fotografiar. En cambio con los años he evolucionado hacia una fotografía que habla menos y apela más a la intuición, al entendimiento inconsciente e intuitivo del espectador. Tengo 79 años, no soy joven y ahora me interesa la pintura. Creo que mis fotografías de los últimos tiempos buscan lo que llamo “el instante no decisivo” en las imágenes, aquel que suele pasarnos desapercibido porque habla de algo que ocurre todo el tiempo, que no ofrece variaciones. 

¿Qué tal fotógrafo fue Picasso?

Fue un fotógrafo sorprendente en el sentido de que sabía dónde mirar, qué buscar en las imágenes, en los paisajes, fotografiaba con mirada de artista por mucho que no dominase la técnica, los encuadres y otras cuestiones. Es algo que ocurre con muchos pintores, a los que les das una cámara y consiguen resultados sorprendentes, cosas en las que otras personas no suelen fijarse. Todo esto sucede porque aplican su mirada de artista a la fotografía. 

2023 fue bautizado como el Año Picasso en honor al 50 aniversario de la muerte del pintor, al que se dedicaron un total de 46 exposiciones (17 nacionales y 29 internacionales). El generoso despliegue, iniciativa de los Gobiernos español y francés, ha atraído a tres millones de visitantes. Ahora bien, ¿era necesario semejante esfuerzo para rendir homenaje a una figura tan conocida? ¿Ha sido el abanico de propuestas lo suficientemente amplia como para abordar sus lienzos, pero también los aspectos más controvertidos de su biografía? Y yendo un paso más allá: ¿sirven de algo este tipo de tributos?

“No había unas expectativas numéricas concretas, pero la celebración se ha desarrollado sin conflictos. En general estamos muy satisfechos”, valora a este periódico Carlos Alberdi, el máximo responsable del programa en España. El comisario expone que, dado que el malagueño apenas gozó de homenajes en vida y murió en el exilio, el que ha copado 2023 ha respondido a “cierta deuda” que considera que existía con él. Además, ensalza que ha servido para expandir sus cuadros por todo el territorio: “No ha sido solo una cosa de Madrid y Barcelona”.

Todavía no han podido completarse los registros de participación, ya que hay exposiciones que mantendrán sus puertas abiertas hasta mediados del próximo mes de marzo. Aún así, avanza que los de algunas de ellas, como la muestra Picasso/Chanel del Thyssen, ya se han situado en lo más alto de los ranking de las exhibiciones temporales de las pinacotecas que las han albergado.

Del mismo modo reconoce que hay datos que van ser difíciles de establecer. Es el caso de los centros que no han vendido entradas específicas para las muestras del programa, sino que se han incorporado dentro de las tarifas generales. Y cita en este grupo como ejemplo Picasso, el Greco y el cubismo analítico que exhibió el Museo del Prado.

Por el momento, el directivo considera “excelente” haber superado los tres millones de visitantes reunidos. Una cifra similar a los que acudieron al propio Prado en 2023, que se alzó como la pinacoteca más visitada del país tras lograr su mejor cifra histórica con un total de 3.337.500 asistentes. El Guggenheim de Bilbao, que también marcó récord, se quedó en 1,2 millones de visitas, el Thyssen en uno y el Reina Sofía en 2,5 millones.

A nivel global, Alberdi apunta que han percibido que “en España hay más hambre de Picasso que en otros lugares del mundo. Por razones biográficas y políticas, aquí hay menos obra suya que en Francia y Estados Unidos”.

¿Se “debía” rendir este homenaje a Picasso?

La separación –o no– del artista y la obra, cuando sus vidas son polémicas, es uno de los debates que más ampollas levantan y ante los que parece imposible lograr consenso a la hora de relacionarnos con el arte. Y Picasso, dada su problemática biografía –en especial por su controvertida relación con las mujeres–, es uno de los máximos exponentes de este persistente y candente dilema moral.

Un asunto que se planteó desde la conferencia inaugural del programa en septiembre de 2022, que contó con tirón de orejas a los organizadores. “Hay que borrarlo y empezar a leerlo de nuevo”, pronunció la catedrática Estrella de Diego en el acto que acogió el Museo del Prado.

“La pregunta no es si se puede celebrar a Picasso, sino si se debe. ¿Se debe celebrar un artista que es, por su fama y relevancia internacional, el máximo exponente del extractivismo cultural y de la misoginia más rampante y, además, hacerlo sin ningún tipo de crítica a estos dos ejes?”, cuestiona ante este medio la historiadora del arte Eugenia Tenenbaum, autora de Las mujeres detrás de Picasso (Lunwerg Editores, 2023). La escritora considera que existe “una manera responsable y adulta” de hacerlo, y una “aduladora y sesgada”, y critica que, hasta ahora, la que se ha preferido es la segunda.

“Por tanto, hemos asistido a una oportunidad tanto perdida como malgastada de convertir el circuito artístico y de exposiciones en un faro de cambio social en lugar de una trinchera del más rancio formalismo. No es algo nuevo pero sí que siempre decepciona”, lamenta.

De las 46 exposiciones, solo tres han abordado la faceta más problemática del pintor, según valora Alberdi: It's Pablo-matic en el Brooklyn Museum de Nueva York, Fernande Olivier y Pablo Picasso, en el Musée Montmaitre de París y Fernande y Françoise en la pinacoteca dedicada al pintor en la ciudad alemana de Münster. En nombre de la organización, el responsable considera: “Hay un peligro de exagerar desde nuestro punto de vista las malas, entre comillas, relaciones de Picasso con las mujeres, y hacer de Picasso una especie de monstruo misógino”. Además, el proyecto itinerante PI©A$$o™ de Rogelio López Cuenca abordó el fenómeno picassiano de una manera crítica, señalando la creación del mito y, su obra, como mercancía de consumo. Y la exposición de La Casa Encendida contó con creadores contemporáneos para retitular las obras aunque apenas se aprovechó la oportunidad para hacer una crítica sólida.

Alberdi defiende que es “un personaje con sus marcas de la época” y reconoce que sí que su relación con las mujeres fue importante porque “influyó en su vida y ayuda a entenderla. Pero de vez en cuando algunos autores lo expiran y dibujan un personaje semimonstruoso que es exagerado”. De ahí a que afirme que “una celebración como esta no puede dar la espalda a la realidad”.

Cabría preguntarse entonces si tres de 46 exhibiciones han sido suficientes. El doctor en Arqueología y divulgador Mikel Herrán (@PutoMikel en X), autor de La historia no es la que es. Es la que te cuentan (Planeta, 2022); apunta al respecto que un número tan elevado de exhibiciones debería haber permitido abordar al artista “desde otras perspectivas más allá de ese saco de palabras limitado con el que asociamos al pintor como su 'periodo azul' y el Guernica”.

De hecho, sostiene ante elDiario.es que este es el “reto” al que se han enfrentado los museos: “¿Cómo reformulamos a Picasso para que sea algo nuevo en este año? Ellos también han tenido la presión para ver qué decir de él que no se haya contado mil veces ya”. El divulgador plantea que al ser una figura con tanto renombre, se genere por su parte “un cierto temor” a la respuesta del público. “Quizás con un artista desconocido sí que los museos no tendrían miedo a romper ciertos moldes o expectativas que a veces se autoimponen ellos. Piensan que el público no va a aceptar ciertos mensajes y, por tanto, no dan el paso de sacarlos al público general”.

El experto defiende igualmente que, pese a que “un mínimo de rechazo” se va a encontrar siempre, “sí que hay formas de hablarlo sin intentar abrir una causa judicial contra Picasso. Simplemente contando cómo vertebra su arte y cómo es fruto de la mentalidad de su tiempo”.

No es tanto dejar de exponer a artistas misóginos, maltratadores y/o racistas; como saber nombrar estas características en los recorridos expositivos para sensibilizar y concienciar a quien los visita

Eugenia Tenenbaum — Historiadora del arte

La historiadora Eugenia Tenenbaum apoya su postura, ya que argumenta que precisamente la obra del pintor es “eminentemente autobiográfica”, de tal manera que “no se está pidiendo ni exigiendo un análisis responsable y riguroso de su obra en relación a su vida. Si así lo hizo siempre, ¿por qué este empeño en separar meticulosamente cuestiones que él siempre integró, negándoles la crítica y análisis exhaustivo que merecen?”. Para la escritora, su obra es una representación “gráfica y exhaustiva” de “la violencia hacia las mujeres”. “No reconocer, explorar y analizar este hecho es tener una venda sobre los ojos y además sentir orgullo de que así sea”, expresa.

Por ello, señala contundente: “Llevamos más de 50 años hablando de la misma forma y en los mismos términos de Picasso”. Motivo por el que afirma que el discurso “está desfasado y el olor a cerrado es insoportable”, y defiende que en un contexto como el actual, la “única manera novedosa y verdaderamente necesaria de acercarse al pintor es a través de la perspectiva feminista y decolonial”. De ahí a que no abogue porque no sea tan importante “dejar de exponer a artistas misóginos, maltratadores y/o racistas; como saber nombrar estas características en los recorridos expositivos para sensibilizar y concienciar a quien los visita”.

Para qué sirve un 'Año Picasso'

Picasso es uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Mikel Herrán opina que conforma el “panteón de los grandes de nuestro arte” junto a Velázquez y Goya. “El público ya sabe de ellos. No hace falta un año para darles a conocer”, opina. El divulgador considera que su valor sí reside en que “sirva para atraer a la gente a los museos”. Algo que sí se ha podido comprobar que ha ocurrido, ya que el Museo Picasso de Málaga ha logrado sus mejores cifras históricas (779.279 visitas); igual que el Museo Sorolla (344.799 visitas), que también ha estado de celebración, en su caso por el centenario de la muerte del pintor valenciano.

Picasso, Goya y Velázquez son el panteón de nuestro arte. El público ya sabe de ellos. No hace falta un año para darles a conocer

Mikel Herrán — Divulgador

“Deberíamos dar la oportunidad al público de ir más allá de los cuatro grandes. Cuando ha habido exposiciones como la de Invitadas en el Prado, en la que expusieron a mujeres de sus colecciones, fue mucha gente”, recuerda Mikel Herrán para sostener que el público sí quiere saber quién hay más allá de los nombres más manidos. La tónica no va a cambiar por el momento, ya que para 2024 se ha elegido como protagonista al escultor Eduardo Chillida.

“No estaría mal ir alternando entre perfiles más y menos conocidos para aprovechar el tirón del los grandes hombres, porque siempre son grandes hombres además, del panorama artístico; y combinarlos con artistas mujeres y hombres de distintos perfiles que no han llegado tanto al ojo público”, propone. Una dinámica que podría aplicarse igualmente a otros ámbitos como la literatura a través de artistas que, “al no enseñarse en el colegio, no se les tiene en mente”. “Pero es que si no se nos enseñan en ningún momento, no ocurrirá nunca”, concluye.

A la hora de valorar la fórmula 'Año de' para justificar estos homenajes, el doctor en Arqueología explica que no es casualidad que Chillida, Picasso y Sorolla, que desarrollaron sus carreras en los últimos 200 años, hayan sido los últimos protagonistas. “Tiene mucho que ver con la autoría. La figura del artista como persona individual que fragua el arte, la ideal de genio, se formuló más a partir del Renacimiento. Como estos son los años de una figura concreta, tienden a fijarse en los artistas que se han erigido como figuras en sí mismas”, describe sobre la coincidencia que subyace bajo su elección.

Al echar un vistazo al pasado, recuerda que la dificultad se acrecentaría porque muchas de las obras, por ejemplo, del arte medieval, son anónimas. “Eso es mucho más difícil de reivindicar. ¿Cómo sería celebrar el 'Año del arte románico'?”, se pregunta. De momento no habrá oportunidad de saberlo, ya que 2024 está reservado para los centenarios del citado escultor Eduardo Chillida y Antoni Tàpies, cuyas figuras serán reivindicadas a través de nuevas exposiciones repartidas por toda España.

La Fundació Joan Miró y el Museu Picasso han presentado la primera gran exposición conjunta de ambos artistas, que se podrá ver desde el 20 de octubre al 25 de febrero de 2024.

'Miró-Picasso' se adentra en la larga y fructífera amistad que mantuvieron los dos pintores y se estrena coincidiendo con la conmemoración de los 50 años de la muerte de Picasso y de los 40 de Miró.

Se trata de una muestra simultánea en ambos museos que ofrece una selección de 338 documentos y obras, algunos de ellos inéditos. El recorrido resigue la fascinación que sentían el uno por el otro, sus afinidades artísticas y la estima por Barcelona.

El hilo conductor de la muestra son los principales momentos en los que la vida de los dos artistas se cruzó. Por ejemplo, destaca su proximidad a círculos surrealistas, el compromiso político durante la Guerra civil española o la etapa de la Segunda Guerra Mundial. También se aborda el descubrimiento de la cerámica o la intervención en el espacio arquitectónico público.

La exposición está dividida en siete grandes bloques temáticos y cronológicos: el encuentro, el París del surrealismo, pintura y escritura, años de guerra, del asesinato de la pintura a la cerámica, el estilo Picasso, el lenguaje Miró y Miró homenajea a Picasso.

La muestra cuenta con obras cedidas de museos y colecciones institucionales y privadas de todo el mundo. 76 de ellas, se pueden ver por primera vez en Catalunya. Entre las piezas más destacadas está la 'Masia' de Miró, cedida por el National Art Gallery de Washington; 'Les tres ballarines' de Picasso, cedido por el Tate Modern de Londres o piezas de las colecciones de los artistas que ambos habían guardado en privado.

También destaca el caso de piezas como 'Flama en l'espai i dona nua' o 'Arlequí' de Picasso, que han salido de su museo para instalarse, durante un tiempo, en el de Miró. Este es el caso de 130 piezas.

El conflicto que enfrenta a la mayoría de los trabajadores con la dirección del Museo Picasso de Málaga parece lejos de resolverse. Este lunes la brecha se ha hecho más visible que nunca. Mientras los responsables del museo y de su última gran muestra, fundadores y destacados patrocinadores presentaban El Eco de Picasso, el 64% de los trabajadores secundaron la tercera y última jornada de huelga, según el Comité de Empresa. El museo estaba de inauguración, pero ni la tienda ni la cafetería estaban abiertos y decenas de turistas hacían cola ante los tornos y las máquinas de preventa, instaladas por el museo coincidiendo con las jornadas de huelga.

Eso, por la mañana. Por la tarde la brecha se escenificó con una sonora protesta. Unos 40 trabajadores dieron así la bienvenida a los invitados a la inauguración de la exposición. Si la dirección pretendía que la convulsa situación laboral pasase desapercibida, no lo consiguió. A la puerta de la pinacoteca se formó un fenomenal embudo durante casi una hora. Por momentos, pareció instigado por una quinta columna en el interior.

De esa forma, cientos de personas, muchas de ellas con peso político, social o cultural en Málaga y provincia, asimilaron durante bastantes minutos las consignas de los trabajadores. “Museo de lujo, trabajadores de saldo”; “somos el museo, menos postureo”; “nos sobra mes a mitad de sueldo”. Algunos simpatizaban con la protesta, otros trataban de ignorarla en vano, pero a todo el que fue a la inauguración le quedó bastante claro que en el museo hay un conflicto importante.

El pasado viernes la ruptura se representó gráficamente en un tenso cruce de miradas entre Bernard Ruiz-Picasso, presidente del consejo ejecutivo, y los trabajadores, a las puertas del museo. El nieto del artista se quedó frente a ellos impertérrito, como si los desafiase a continuar las protestas que iniciaron hace ya seis meses. No dijo nada, pero la imagen fue captada por La Opinión de Málaga.

Cruce de reproches

Por primera vez en muchas semanas, el Museo había dado explicaciones. No lo hizo Bernard Ruiz-Picasso (nieto del artista y cabeza visible de la Fundación propietaria de la colección, los fondos y el Palacio de Bellavista) cuando fue interpelado en la presentación de El Eco de Picasso, pero sí el gerente Guillermo Peiró, quien no fue diplomático con los trabajadores en huelga. Acusó al Comité de Empresa de “falsedades” en las cifras, y advirtió de que no negociará “bajo presión” en un escenario de conflicto y huelgas.

“Lo que se pide es una reconsideración de la oposición, de que la vía de la confrontación no nos lleva a ningún lado y que la única manera es la vía negociada. Una vía sin la presión constante de huelgas, manifestaciones, declaraciones un poco altisonantes y muchas veces inexactas”, dijo Peiró.

Las declaraciones del gerente fueron respondidas de inmediato por el comité, y no ayudarán a encontrar el punto de encuentro. “Este Comité de empresa desea aclarar que nunca ha falseado información y que ante el silencio explícito que la empresa ha mantenido durante meses, ha venido informando con rigurosidad y asiduidad”, señaló en un comunicado. El comité denuncia que la ruptura de la paz social se debe a las “imposiciones, amenazas de externalización y el nulo interés de la empresa” por avanzar en derechos laborales.

Hace tres semanas ya desconvocó la huelga para dar una oportunidad al acuerdo, mientras simultáneamente convocaba nuevas jornadas (para el 28 y 29 de septiembre y el 2 de octubre). Fuentes del Comité aseguran que hacen todo lo posible para evitar los paros, y acusan a la otra parte de arrastrar los pies y presentarse sin propuestas si no hay movilizaciones en el horizonte. La renovación del convenio, caducado en 2021, se negocia desde hace aproximadamente un año, y las únicas jornadas de huelga (la única de su historia) se realizaron en mayo. No ayudó a calmar las aguas el hecho de que se conociera, en mitad de esta negociación, que el nuevo director artístico doblará el salario del actual, José Lebrero, y tendrá un complemento de vivienda de 35.000 euros, tanto como la base salarial de la categoría más alta entre los trabajadores.

Las condiciones de conciliación y la “amenaza” de la digitalización

Peiró admite que las posiciones están (o, al menos, estuvieron) cercanas. Principalmente, en retribución y horas anuales. Los trabajadores han ido rebajando sus posiciones iniciales y el acuerdo aquí parece hecho. Pero el gerente se escuda en el carácter deficitario del Museo para justificar sus reticencias a conceder otras peticiones de los trabajadores, como aumentar las semanas de jornada intensiva y otras medidas de conciliación. “Parece que las condiciones laborales son infrahumanas y se paga fatal. Ni una cosa ni otra”, dijo, lamentando la imagen que está ofreciendo la pinacoteca justo en el Año Picasso, que celebra el 50 aniversario de la muerte del pintor. “No estamos a la cola. Quizá no somos los que más cobramos, pero tampoco somos los que más trabajamos”.

El Museo Picasso está regido por un consejo ejecutivo presidido por Bernard Ruiz-Picasso, a su vez responsable de la Fundación (privada) que pone los fondos y el inmueble. Pero cada año recibe una subvención de la Junta de Andalucía, que ha sido de 4,3 millones de euros en los últimos ejercicios, y que supone en torno al 40% de sus ingresos. Los trabajadores llevan tiempo reclamando en vano las cuentas, pero según detalló Peiró, el resultado de explotación es negativo. Además, el gerente advirtió de que trabajan ya en “un vuelco” a los entornos digitales y en la distribución horaria de las visitas a través de las reservas por Internet para evitar aglomeraciones.

Desde hace meses, el Comité denuncia que la gerencia haya ido deslizando la posibilidad de privatizar determinados servicios como una amenaza latente. Precisamente, en las últimas semanas, y coincidiendo con la convocatoria de huelga, el Museo prorrogó los contratos temporales de verano, e instaló máquinas de preventa y tornos. Según Peiró, llevan “dos años dándole vueltas a esa posibilidad” y que haya coincidido con la huelga es casualidad. Pero el Comité interpreta que se está menoscaban el derecho a la huelga, y valora llevarlo a los tribunales. “Las máquinas de vending no pretenden sustituir a nadie, sino atender unas necesidades que tenemos materialmente en la actualidad. No hay más”, señaló el abogado del museo, ante la posibilidad de que el conflicto laboral que ya dura un año acabe, por un motivo o por otro, ante los tribunales.  

En una pelota de tenis, Pablo Picasso, veía unos ojos, en un colador, media cabeza de mujer. Así fue elaborando su cara menos conocida como artista, la de su escultura, que a partir de este jueves estará disponible en el Museo Guggenheim de Bilbao gracias a la exposición 'Picasso escultor. Materia y cuerpo'. “Picasso solía recolectar las pelotas de tenis que se iban cayendo de la pista que tenían o cualquier utensilio que había en la cocina para sus esculturas. De hecho, la cocinera a veces llegaba y no encontraba los utensilios que necesitaba para cocinar”, bromea el nieto del artista, Bernard Ruiz-Picasso, presente en la presentación de la muestra que se inaugurará esta tarde con la presencia del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta.

A lo largo de más de 50 esculturas realizadas entre 1909 y 1962, que completan la segunda planta de la pinacoteca, la muestra abarca la pluralidad de estilos que Pablo Picasso utiliza a lo largo de su carrera para representar las formas del cuerpo humano. Cuestionando los límites entre la escultura y la pintura, y la obra acabada y el proyecto, este recorrido por casi sesenta años de esculturas de Picasso constituye un recorrido histórico por el cubismo, la abstracción, lo primitivo o el objeto encontrado. Se trata de la primera vez que el museo bilbaíno recoge una muestra de tal calibre del pintor malagueño, tras haber intentado, sin éxito, mostrar el famoso 'Guernica' dentro de sus paredes. “Casi se consigue, pero en el último momento no se pudo”, reconoce el director del museo, Juan Ignacio Vidarte. A lo que la comisaria de la muestra y experta en la carrera del artista, Carmen Giménez, alega que se trata de un cuadro que “se ha movido mucho, ha recorrido todo el mundo por haber sido un símbolo de propaganda republicana”, por lo que, en estos momentos, es “demasiado frágil” como para volver a ser transportado.

Entre las razones por las cuales la escultura de Picasso, en comparación con la pintura, es menos reconocida, Giménez argumenta que es un arte “más difícil”. “Siempre es más complicada la escultura que la pintura, pero Picasso era escultor desde el principio. El escultor Julio González escribió en una carta maravillosa que para él Picasso es más escultor que pintor, simplemente la escultura ocupa otro espacio y muchos escultores se sienten frustrados porque la pintura es más fácil de colgar en casa, mientras que la escultura ocupa más espacio”.

De hecho, el artista malagueño realiza esculturas a lo largo de casi toda su trayectoria artística y acercándose al medio con la libertad de un artista autodidacta, dispuesto a romper todas las reglas. Para ello, emplea diversidad de formatos y materiales como madera, hierro, yeso, cemento, metal o bronce, que le permiten expresar diferentes aspectos de su creación.

Su mayor inspiración son las mujeres que le rodearon y acompañaron a lo largo de su vida. Así comienza la muestra, en la que una venus gigante con la mano estirada recibe al público. Se trata de la 'La dama oferente', obra creada por el artista en 1933 en yeso, y presentada en 1937 -vaciada en cemento- en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París, que también acogió el Guernica (1937). Al ser parte del legado del Guernica, la familia de Picasso y el Estado francés acordaron su devolución a España tras la dictadura de Franco en 1985 tal y como fue la voluntad de Picasso. No obstante, el yeso original de 1933 fue destruido tras ser utilizado para los dos fundidos de bronce, realizados entre 1972 y 1973, mientras que el ejemplar en cemento está hoy en día desaparecido. Uno de los fundidos de bronce es el que a día de hoy se encuentra en la tumba del pintor en el castillo de Vauvenargues (Francia), la otra es la que da comienzo a la exposición del Guggenheim de Bilbao.

La obra de Picasso se ve fuertemente condicionada durante la Segunda Guerra Mundial. Concretamente durante la ocupación alemana de Francia, a pesar de estar amenazado por la Gestapo y algunas de sus obras son destruidas por ser consideradas “arte degenerado” por los nazis, Picasso decide combatir la situación quedándose en París. La escasez de material, en especial del bronce, y la imposibilidad de exponer limitan extraordinariamente su trabajo, pero aun así durante este tiempo realiza algunas de las obras más destacadas de su carrera, como 'Cabeza de mujer', un busto monumental de Dora Maar creado en 1941 o 'El Cráneo' ('Cabeza de muerto') de 1943 que muestra una cabeza en descomposición, una imagen que Picasso emplea en muchas de las obras que produce durante la guerra. 

A pesar de haber nacido en España, Picasso muere sin poder volver a pisar su tierra el 8 de abril de 1973, dos años antes de fallecer el dictador Francisco Franco. “Tristemente no pudo venir a España, hubiera podido si Franco hubiese muerto antes. La sociedad ha ganado hoy en día que los artistas pueden ser artistas en Málaga, en Bilbao y en el lugar que quieran, sin embargo, antes no había más remedio que ir a París o después a Nueva York para conseguir una presencia. Ahora hay más libertad y creatividad en todos los rincones del mundo”, reconoce el nieto del artista.

Organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con el Museo Picasso Málaga, la muestra forma parte del programa internacional Celebración Picasso 1973-2023 y está organizada con el apoyo del Musée national Picasso-Paris y la Comisión Nacional española para la conmemoración del 50º aniversario de la muerte del artista malagueño, que cuenta con Telefónica como empresa colaboradora del programa español. Será inaugurada esta tarde en un acto en el que participará el ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta; el comisionado para la Conmemoración del 50º aniversario de la muerte de Picasso, Carlos Alberdi; el consejero de Cultura del Gobierno vasco, Bingen Zupiria; el alcalde de Bilbao, Juan María Aburto; y la diputada general de Bizkaia, Elixabete Etxanobe.

Los trabajadores y trabajadoras del Museo Picasso de Málaga irán a la huelga, después de que hayan concluido sin acuerdo las últimas reuniones para renovar el convenio que rige sus condiciones laborales, caducado desde 2021. Miembros del comité y negociadores de la empresa se reunieron nuevamente este lunes en el SERCLA, el servicio de resolución extrajudicial de conflictos laborales, pero no hubo fumata blanca, así que este martes y miércoles se celebrarán las primeras jornadas de huelga, que podrían tener continuidad, si todo sigue igual, el próximo 2 de octubre, cuando está prevista la presentación a los medios y la inauguración de la gran exposición “El eco de Picasso”. También hay concentraciones previstas para la tarde noche del sábado 30 de septiembre y lunes 2 de octubre.

Las representantes de los trabajadores insisten en que su última propuesta estaba ya sustancialmente rebajada de lo que habían empezado pidiendo cuando comenzaron las negociaciones con la empresa, hace casi un año. El objetivo era conseguir una mejora salarial que compensara la pérdida de poder adquisitivo acumulada desde la crisis de 2008, que según el comité asciende al 25%, así como obtener mejoras en conciliación que consideran elementales, como no trabajar más de siete días seguidos, remuneración doble por horas extraordinarias fuera del horario, una regulación del teletrabajo y más semanas de jornada intensiva en verano.

Ahora, si trabajan fuera del horario para eventos privados que se organizan en la sede del Museo (que el Museo cobra), las horas pasan a una bolsa con un valor de 1. Es decir, no se pagan como extra ni computan doble, aseguran desde el Comité. Es lo que habría pasado este fin de semana con trabajadores que doblaron turno (de 10 a 19) y luego prestaron servicios en un evento. “Pedimos cosas normales”, dicen desde el comité.

Hace menos de dos semanas, el Comité desconvocó la huelga prevista para dar una nueva oportunidad a la negociación. Aseguraban que las posturas en cuanto al salario estaban ya muy cercanas, y pedían a la empresa que evitara que el conflicto escalara “actualizando” las condiciones laborales. También pidieron por carta la intermediación de Bernard Ruiz-Picasso, presidente del Consejo Ejecutivo, después de intentarlo infructuosamente con el consejero de Cultura de la Junta de Andalucía. Aunque la colección, los fondos y el Palacio de Buenavista son propiedad de una entidad privada, la Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, la pinacoteca recibe una aportación de dinero público de la Junta de Andalucía que asciende a 4,3 millones de euros cada año.

Sin reunión si se mantiene la convocatoria

Pero el llamamiento no ha tenido el efecto deseado. El pasado viernes se reunió el consejo ejecutivo, que toma las decisiones en la institución. Los trabajadores esperaban que los negociadores en nombre de la empresa trasladaran al consejo su última propuesta, pero ni siquiera saben si eso ocurrió. Fuentes del Comité señalan que la empresa ha advertido hoy ante el SERCLA que no sé reuniría mientras hubiese una convocatoria de huelga sobre la mesa. Ante el SERCLA sí ha acudido hoy un mediador de la administración autonómica, que solo ha podido constatar el desacuerdo.

En las últimas semanas la gerencia del museo ha prorrogado contratos temporales, y adquirido tornos de acceso y máquinas de preventa, algo que el comité interpreta como una medida de presión que podría conculcar el derecho a huelga.

“Ellos querían que desconvocáramos la huelga y hablar después del día 3 [cuando se inaugura la nueva exposición]”. El día 2 está prevista la presencia de numerosos artistas con obras en la muestra, algunos de ellos pertenecientes a la galería de la pareja de Bernard Ruiz Picasso. En marzo, el comité ya desconvocó una huelga prevista coincidiendo con la inauguración de la otra gran exposición anual. Ahora, las representantes de los trabajadores se sienten engañadas, después de que la empresa se haya plantado en septiembre sin nuevas propuestas para desbloquear la situación.

No ha habido entente, y habrá huelga en un momento especialmente simbólico para la institución, que este año celebra sus veinte años de vida y el cincuenta aniversario del fallecimiento del pintor malagueño. Precisamente el 2 de octubre, tercer día de la huelga, se inaugura la segunda de las dos grandes muestras de este año, El eco de Picasso. Será el “día de más tensión para la institución”, vaticina el Comité, que tiene previsto concentrarse a las puertas del museo y del hotel Miramar, donde se celebrará la preinauguración y la cena de gala.

Casi un año después de que empezaran a negociar, los trabajadores y la gerencia del Museo Picasso de Málaga siguen sin llegar a un acuerdo para un nuevo convenio que mejore las condiciones laborales de la institución, entre las peores de los grandes museos de España. En pleno Año Picasso, la negociación ha sumido al museo en una conflictividad laboral desconocida desde que se inauguró hace dos décadas, con protestas, episodios chuscos de amedrantamiento por parte del encargado de negociar por la empresa y una huelga desconvocada a última hora, entre acusaciones de prácticas restrictivas con el derecho a la huelga.

Este viernes, el comité de empresa desconvocó las jornadas de paro previstas a partir del lunes, pero registró nuevas convocatorias para los días 26 y 27 de septiembre (Día Internacional del Turismo) y 2 de octubre, cuando se inaugura la exposición El Eco de Picasso. También anunció concentraciones a la puerta del museo y del hotel Miramar, coincidiendo con la preinauguración, la cena de gala y la inauguración de la muestra.

Su pretensión es que el 22 de septiembre el consejo ejecutivo acepte su nueva propuesta, con un aumento de retribuciones cerca de lo aceptado por la empresa y una rebaja de las pretensiones iniciales en el resto de conceptos. Si no lo hace, habrá acciones más contundentes. “No queremos ir a la huelga, pero tampoco nos conformamos con una vuelta atrás”, advirtió este viernes Inmaculada Abolafio, vocal del comité de empresa.

Máquinas expendedoras y tornos

El comité ofrece su mano tendida mientras acusa a la empresa de bordear lo delictivo. Justo antes de la huelga, el Museo ha ampliado las contrataciones temporales que ahora terminaban, ha preinstalado tornos y ha adquirido máquinas de venta de entradas, todavía sin uso pero visibles en el hall. Su instalación limitaría la eficacia de la protesta, por lo que el comité decidió desconvocarla, advirtiendo de que sus asesores jurídicos estudian si constituye una restricción de su derecho de huelga. La posibilidad de llevar esta actuación a la vía penal también podría tener un peso en la negociación.

En paralelo, ha entregado a la empresa una nueva propuesta en la que reduce “considerablemente sus expectativas”. “Un texto a modo de bandera blanca de la paz, que evite el conflicto y permita actualizar las condiciones laborales y salariales de los trabajadores”, aseguran desde el Comité, que también ha enviado una carta a Bernard Ruiz-Picasso, presidente del Consejo Ejecutivo, en la que le pide que medie para poner fin al conflicto.

En esa misiva, trasladan al nieto del artista el desánimo que reina en la plantilla, la mayoría de la cual entró a trabajar en la institución en el momento de su inauguración. “Los trabajadores nos preguntamos... ¿se va celebrar nuestro 20 aniversario sin hacernos partícipes? ¿Se va a festejar esta trayectoria museística a pesar del desánimo generado? ¿Se van a acometer los importantes cambios del 2024 sin contar con nosotros?”.

El Museo más visitado en Andalucía

Desde hace meses reivindican una mejora en sus condiciones laborales que les equipare con quienes trabajan en otros museos españoles de similar importancia. Con 641.216 visitantes en 2022 y más de ocho millones desde que se inauguró, el Museo Picasso de Málaga es el más visitado de Andalucía, y está entre los diez más populares de España.

Sus trabajadores se quejan de que sus condiciones no reflejan la relevancia que ha adquirido la institución, pionera también en la apuesta de Málaga por el turismo cultural. Esgrimen un estudio comparativo, que refleja que los empleados del Picasso trabajan casi noventa horas más (1743) que la media de otros museos representativos del Estado, como el Thyssen, la Fundación Miró, el Bellas Artes de Bilbao, el Reina Sofía y el Museo del Prado. El estudio muestra que en ninguna de las cinco categorías profesionales se alcanza la media retributiva de esos museos. No cobran trienios, ni tienen planes de jubilación, sus días de asuntos propios no se remuneran, no tienen flexibilidad horaria, la jornada intensiva en verano es la más acotada y trabajan cuatro tardes a la semana, sin posibilidad de teletrabajo.

La gerencia argumenta que ese estudio selecciona la muestra a conveniencia, recoge “datos sesgados” e incluye instituciones de titularidad pública que no son comparables al Museo Picasso. Aun sin ser público, la aportación de dinero público es esencial para el sostenimiento de la institución. El Museo Picasso está regido por la Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, una entidad de carácter privado que es propietaria de la colección, los fondos del museo y del Palacio de Buenavista, donde su ubica. La Junta de Andalucía, que aporta 4,3 millones de euros cada año mediante subvención nominativa, es su principal donante.

Pérdida del 25% del poder adquisitivo

Cuando empezaron a trabajar en el museo, las condiciones estaban entre las mejores en el sector. Pero con el paso del tiempo, han ido quedando desfasadas. En salario, la falta de actualización (y rebaja, durante dos años) durante más de una década ha provocado una pérdida de poder adquisitivo del 25%, según los cálculos de los trabajadores. Aspiran a recuperar el 17% de aquí a 2026. En junio, la empresa aceptó una propuesta apenas medio punto porcentual inferior.

Pero no es solo más salario lo que piden, sino unas condiciones laborales acordes al signo de los tiempos. “Planteamos una reducción horaria que no es la que queremos, pero puede ser un punto intermedio. Y cuestiones de conciliación: que no se trabaje más de siete días seguidos. Y remuneración doble en las horas extraordinarias fuera del horario habitual”, además de una regulación del teletrabajo y una ampliación de las semanas de jornada intensiva, explicó Pepa Babot en una rueda de prensa celebrada este viernes.

Con estas mejoras, el comité cree que la plantilla votaría a favor del nuevo convenio. Hasta ahora, ha secundado las jornadas de huelga más del 80% de los trabajadores. “Llegamos felices, poniendo lo mejor de nosotras y esa situación hoy se ha quebrado”, protesta Blanca Rodríguez, otra de las portavoces del comité. “No nos merecemos el trato que estamos recibiendo después de veinte años. Y eso está causando desmotivación y un ambiente laboral negativo, más allá de la imagen a nivel nacional e internacional”, zanja Babot. 

Picasso ya no es lo que fue. La memoria difumina los perfiles, pero con el pintor malagueño ocurre otra cosa: en un proceso del que se intuye el inicio y no se vislumbra final, el artista devino mito para convertirse en una marca global y polifuncional. De coches. De pizzerías. De promociones inmobiliarias. De ciudad. Rogelio López Cuenca (Nerja, 1959), Premio Nacional de Artes Plásticas 2022, lleva años investigando cómo la lógica del mercado se tragó la figura del pintor y la regurgitó depurada para el consumo de masas. Este viernes presenta un nuevo proyecto de investigación y creación artística encuadrado en el Año Picasso. Tiene un título tan impronunciable como explícito: PI©A$$o™. El nombre como elemento identificador de la persona, sustituido por la marca registrada y monetizable.

“Picasso es un Rey Midas cuya marca aplicada a cualquier cosa es susceptible de multiplicar su valor. Y esta es la primera dificultad: cómo se pronuncian los símbolos que usan las firmas y Picasso para sugerir su condición de marca comercial”, comenta López Cuenca, en conversación con elDiario.es Andalucía poco antes de viajar a Santillana del Mar, sede del Centro de Investigación de Altamira y el primero de los diez museos nacionales para los que ha creado una instalación que dialoga con el discurso expositivo de cada institución. La de Santillana se inaugura este viernes, y le seguirán, por este orden, el museo de Arqueología Subacuática (ARQUA) de Cartagena (a partir del 19 de julio), el de Cerámica y Artes Suntuarias en Valencia, el de Escultura de Valladolid, el de Arte Romano de Mérida y cinco madrileños: Cerralbo, del Traje, el Lázaro Galdiano, el de Artes Decorativas y de Romanticismo.

Pocas cosas se insertan mejor en la lógica comercial que una efeméride, y López Cuenca admite que está en las “antípodas” de las demás actividades y exposiciones (hasta 50) previstas para la Celebración de Picasso, denominación oficial de los actos por el 50 aniversario de su muerte dada por los ministerios de Cultura francés y español, que comisaria el proyecto. Pero defiende la pertinencia de su mirada: “Tiene sentido incluir una perspectiva crítica. No podemos limitar a Picasso como si estuviéramos en los 80, manteniendo el cliché monolítico vinculado al mito de la resistencia y lo democrático. Picasso ya es otra cosa”.

¿Y qué es Picasso? Entre otras cosas, es un artista cuya fama trasciende el arte para adentrarse en el terreno simbólico. El paradigma de éxito en la lógica de mercado dominante. Valga un ejemplo: el ensayo canónico sobre su figura escrito por John Berger se tituló Éxito y fracaso de Picasso en su edición original en español, en 1973. La última, de 2013, ha mutado de nombre acompañando a la propia mutación del mito: Fama y Soledad de Picasso. “Picasso es incompatible con fracaso”.

El objetivo de López Cuenca es ahondar en el “mito poliédrico” de un artista en el que confluyen los “tópicos de mito romántico y genio demiúrgico creador percibidos a través de los filtros de la cultura contemporánea del espectáculo”. El resultante es algo que va más allá del arte: la marca.

Descifrando la marca Picasso

Los publicistas lo saben bien. Una marca de éxito transmite valores. “¿Qué compra el consumidor de Picasso?”.

“La marca Picasso encaja con el individualismo de masas”, contesta López Cuenca: “Todos percibimos que somos singulares, y por eso tendemos a identificarnos con un personaje que representa la quintaesencia de la genialidad, lo extraordinario y lo excepcional, el paradigma de la fantasía del héroe patriarcal. Y eso es lo que vende: la asociación del artista como chamán”. En la configuración de la marca de éxito, hace tiempo que Picasso es también un “elemento de la identidad española”, aunque descubriera el arte ibérico en París. “Es una identidad descubierta a través de una puesta en escena”.

A pesar de las profundas contradicciones del personaje y su peripecia vital, su representación se limpia de complejidades que dificulten el encaje limpio en un relato prefigurado y empaquetable. Orillada queda su violencia con las mujeres o la militancia comunista en la Francia de postguerra, en la que algunos testimonios de terceros empiezan a observar rasgos oportunistas. Aristas despreciadas por la lógica de mercado. “Reúne muchos filos complejos y me parece un derroche dejarlos pasar por la fascinación de celebración del artista de éxito”.

La picassización de Málaga en el mercado de las ciudades

López Cuenca lleva años observando con distancia crítica el uso y abuso que se ha hecho en Málaga del nombre de Picasso. Pi(ca)ssoir (2003), Ciudad Picasso (2011) o Surviving Picasso (2012) apuntaron con el dedo: la marca de ciudad que se expone hoy en las estanterías del mercado cultural y turístico se sostiene sobre el estrecho andamiaje del nacimiento y tierna infancia del pintor, fundamento del mito del artista malagueño y mediterráneo.

Es suficiente: en el mercado de las ciudades resulta difícil imaginar una ventaja competitiva mayor que te toque un hijo pródigo como Picasso. Después vinieron los museos sobre los que consolidar la apuesta por la cultura como polo de atracción turístico: el propio Museo Picasso en 2003, y las franquicias del Pompidou, del Museo de Arte Ruso, en 2014, o de la Colección Thyssen-Bornemisza.

Sin Picasso, es probable que nada de eso hubiese sido posible. Pero aunque el punto culminante del proceso sea la inauguración del Museo que lleva su nombre (el más visitado de Andalucía, 641.216 visitantes en 2022), la piedra fundacional de la picassización de Málaga se colocó mucho antes.

Febrero de 1961. En la capital de la Costa del Sol se celebra el IV Congreso Intelectual sobre Velázquez, bajo el auspicio del Instituto de Cultura Hispánica dirigido por Blas Piñar, histórico referente de la extrema derecha. En el curso del encuentro, al que acuden académicos y especialistas, se coloca una placa ante el número 15 de la plaza de la Merced: “En esta casa nació Picasso, el 25 de octubre de 1881”. Aquel es el primer vestigio de la recuperación para la ciudad de un artista que se marchó en 1901 para no volver jamás.

Hoy, con las ciudades compitiendo como empresas al uso para atraer turistas e inversores, cualquiera pagaría por haber visto nacer al “genio malagueño”. “Hay una disputa por la explotación del capital simbólico de los santos lugares picassianos, que pasa por subrayar la importancia del paso de Picasso por Málaga, La Coruña o Barcelona”, dice López Cuenca, que atesora una colección de titulares que dan cuenta de la competición. Es la economía, claro. “Es un capital simbólico que revierte en capital contante y sonante”.

De Picasso… a Antonio Banderas

Estos días los trabajadores del Museo Picasso reivindican con huelgas una mejora en sus condiciones laborales, porque están a la cola entre los grandes museos de España. “Es una paradoja sistemática”, subraya López Cuenca, que advierte de que la precariedad de la cultura afecta a trabajadores y artistas, y de que la picassización de Málaga va más allá de la explotación de su imagen con fines turísticos: “Se ha entronizado la figura de un artista como aquel que tiene éxito comercial, y eso es patético. Así se mantiene un modelo nefasto para la educación de las generaciones de jóvenes artistas como referencia”.

Mientras, la marca goza de buena salud. En estos años, Málaga se ha llenado de referencias a su hijo más ilustre. Se estampa por doquier su firma, su nombre y sus dibujos. Hay colegios e institutos, dos museos, restaurantes y tiendas de souvenirs que se aferran a su imagen como reclamo. Pero ocurre que a veces se generan disputas por la gallina de los huevos de oro, y algo así ocurrió cuando Metrovacesa y Sierra Blanca Estates tuvieron que renombrar una lujosa promoción de tres torres de 21 plantas por falta de acuerdo económico con los titulares de la marca Picasso. De Picasso Towers a Málaga Towers. La apropiación toponímica con fines comerciales no ha generado fricciones con la ciudad.

Las torres, ya casi terminadas, están en la fachada litoral oeste de Málaga, en el Paseo Marítimo Antonio Banderas, con cuya imagen se promocionó el proyecto. A falta de Picasso, Banderas. La trayectoria del actor como símbolo malagueño discurre paralela a la del pintor al que un día interpretó, que da nombre al otro gran paseo marítimo de la ciudad, al este. “Cada vez más, Banderas se parece a Picasso. Y si no, ya se parecerá”, remata López Cuenca, aludiendo a la famosa frase que el pintor le soltó a Gertrude Stein: “No se preocupe, al final llegará a ser usted exactamente así”.

Los trabajadores del Museo Picasso de Málaga irán este viernes a la huelga, después de que haya fracasado el intento de última hora para alcanzar un acuerdo sobre el nuevo convenio laboral. Al terminar la reunión ante el SERCLA, este jueves, el comité de empresa envió un comunicado mostrando su “perplejidad” por la “amenaza” que habría transmitido la gerencia del museo al sugerir que, en caso de no aceptar tal cual la propuesta de convenio que hay sobre la mesa, podría abrirse la posibilidad de externalizar servicios y, por tanto, sus puestos de trabajo. La gerencia del museo niega que esa posibilidad esté “hoy por hoy” encima de la mesa y cree que la propuesta de convenio da “estabilidad” al museo y sus trabajadores.

El consejo ejecutivo de la Fundación privada que dirige el museo y los trabajadores se habían emplazado a este jueves. Sin embargo, no hubo marcha atrás ni matices a la última propuesta de la empresa, que ya fue rechazada por los trabajadores, la gran mayoría de los cuales respaldó hace tiempo la convocatoria de huelga. El comité interpretó la mención a la posibilidad de externalizar servicios, que ya le había sido avanzada hace unos días por un abogado de la empresa, como una “intimidación desproporcionada” y “un castigo a los trabajadores”. Guillermo Peiró, gerente del Museo, asegura que “hoy por hoy no está previsto externalizar ningún servicio de los que actualmente presta el Museo”.

El comité ha pedido la intermediación de la Junta de Andalucía, que dice no tener constancia del nuevo planteamiento de la empresa. El consejero Arturo Bernal aseguró por la mañana ante el Pleno del Parlamento que el acuerdo estaba “cerca de conseguirse”, apenas un par de horas antes de que el comité remitiera su comunicado.

La huelga es un aldabonazo en plena celebración del Año Picasso con motivo del cincuenta aniversario del fallecimiento del pintor, y el previsible comienzo de un ciclo de movilizaciones hasta que se alcance un acuerdo. “Hemos demostrado nuestro compromiso, sacrificándonos en épocas de crisis”, protestan fuentes del comité, que recuerdan los dos ERTE que sufrieron, y subrayan ahora las buenas cifras del museo (el más visitado de Andalucía y entre los diez más visitados de España), su buena consideración en el sector y el boyante momento turístico que vive Málaga. “No entendemos el trato que estamos recibiendo. Es como si sabes que tienes un examen para diez, te encuentras un cuatro, y cuando vas a la revisión y te ponen un uno”.

Las negociaciones para renovar el convenio arrancaron en noviembre y no han avanzado. No ayudó al buen clima que se conocieran, en plena negociación, las nuevas retribuciones que disfrutará el próximo director artístico, en un concurso internacional cuya convocatoria acaba de cerrarse: 80.000 euros brutos de salario (casi 20.000 más que el actual, José Lebrero) y un complemento de hasta 35.000 euros para vivienda y 5.000 para viajes, con la garantía que todos los conceptos se actualizarán conforme al IPC en Málaga. En contraste, los empleados calculan que han perdido un 25% de poder adquisitivo y trabajan bastantes más horas que otros grandes museos de España.

Situación actual: más horas de trabajo al año, por debajo de la media en el salario

La convocatoria de huelga, anunciada a finales de abril, contó con el respaldo del 79% de la plantilla, integrada por 89 trabajadores. La huelga durará tres horas, y se ha hecho coincidir con la reunión del patronato en la propia pinacoteca, aunque fuentes de los trabajadores subrayan que, de momento, su intención es que repercuta lo menos posible en la institución. Durante la única huelga de su historia, en marzo de 2018, los trabajadores denunciaron que la empresa contratara personal de seguridad para sustituir a los trabajadores de sala.

Por ahora, es el punto culminante de unas protestas que empezaron el 20 de mayo, la tarde previa a la Noche en Blanco. La plantilla, enmascarada bajo motivos picassianos, se concentró a las puertas del Museo. Mientras protestaban, uno de los patronos de la institución les grabó descaradamente con su móvil.

El Comité de Empresa acusa a la “empresa” que dirige el Museo Picasso (la Fundación privada Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso) de haber “mareado la perdiz” durante siete meses de negociaciones, que desembocaron en una oferta final para el nuevo convenio: un aumento salarial del 8% en 2023 (sin efecto retroactivo para 2022), el 3% para 2024, el 2’5% para 2025, el 2% para 2026 y el 1’5% para 2027, lo que supondría un 18% acumulado a final de 2027.

Es una cifra lejos del 25% de pérdida acumulada de poder adquisitivo que calcula el comité, primero por los tajos salariales durante la crisis económica y, ahora, por la inflación. La empresa también ofrece una reducción de 63 horas anuales, 30 de ellas correspondientes a una bolsa de horas de libre disposición. El convenio actual, el cuarto desde que el museo comenzó a operar, rige desde 2018 y está prorrogado desde enero de 2022.

Para defender su posición, el comité hizo un informe comparativo con los convenios laborales que rigen en otros museos, de la que el Museo Picasso no sale bien parado. Según el comité, los empleados trabajan casi noventa horas más (1743) que la media de otros museos representativos del Estado, como el Thyssen, la Fundación Miró, el Bellas Artes de Bilbao, el Reina Sofía y el Museo del Prado. La comparativa en salarios tampoco favorece: en ninguna de las cinco categorías profesionales alcanza la media.

Peiró acusa al comité de comparar “realidades e instituciones muy distintas” y ofrecer “datos sesgados”, recogiendo una mayoría de instituciones de titularidad pública, que no serían comparables al Museo Picasso, de carácter privado pero nutrido en gran parte de fondos públicos. “Cada museo es un mundo”, opina, apuntando que parte de los servicios que el Picasso tiene internalizados y mejor remunerados “en la mayoría de museos están externalizados”.

Además, los trabajadores denuncian que la empresa está proponiendo condiciones que los separa de “las tendencias actuales laborales y de la realidad museística”, reduciendo la flexibilidad horaria, reestructurando categorías o retrasando al cuarto día el cobro de la prestación por incapacidad temporal. Según el comité, la conciliación que pretende el Plan de Igualdad del museo, aprobado el pasado verano, es una entelequia, porque aún se adjudican turnos de siete días seguidos y el personal de atención al público está obligado a trabajar los 14 festivos anuales, “sin más recompensa que un día laborable a cambio”.

La falta de acuerdo está generando un mal clima laboral entre unos trabajadores que, en su mayoría, llevan dos décadas en el museo y dicen sentirse “de saldo” en un “museo de lujo”.

4,3 millones de euros anuales de dinero público y precarización

El Museo Picasso está regido por la Fundación Museo Picasso Málaga. Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso, una entidad de carácter privado que es propietaria de la colección, los fondos del museo y del Palacio de Buenavista, donde su ubica. En su funcionamiento es esencial la aportación económica de la Junta de Andalucía, que aporta 4,3 millones de euros cada año mediante subvención nominativa. Es el principal donante a las arcas del museo, que también recibe aportaciones privadas.

La otra pata esencial de su sostenibilidad es la venta de entradas: en 2022 recibió 641.216 visitantes, acercándose a los más de 700.000 de 2019, antes de la pandemia. Sigue siendo el museo más visitado de Andalucía, y en sus 20 años de vida más de ocho millones han pasado por sus salas. En 2021, último ejercicio con las cuentas cerradas, la venta de entradas y los demás ingresos por actividades propias supusieron 1,8 millones de euros.

El Museo Picasso abrió en 2003, y fue un precursor de todo lo que vendría después en la ciudad: Pompidou, Museo Ruso, Museo Carmen Thyssen... A diferencia de los museos municipales, en este es determinante la Junta de Andalucía, cuyo presidente es también uno de los dos Presidentes de Honor del Museo (la otra es Christine Picasso). Son patronos seis altos cargos de la Consejería de Cultura, empezando por el consejero (Arturo Bernal), de un total de 19 (entre vitalicios, natos, honoríficos y “otros”). Entre los patronos figuran también el alcalde, Francisco de la Torre, Christine, Bernard y Paul Ruiz-Picasso (nuera y nietos del artista) o Pedro López Jiménez, empresario y vicepresidente del Real Madrid.

La Fundación tiene como fin conservar y divulgar la obra del pintor malagueño a través del museo de su ciudad de origen (donde también está la Casa Natal), dándole un componente social que lo integre en la sociedad malagueña. El objetivo declarado es que sea un “impulsor cultural y social” en la ciudad.

Esa significación de la cultura (y de los museos) como elemento vertebrador y enriquecedor de la sociedad malagueña viene siendo cuestionada por algunas voces, que observan que algunos museos municipales (Centro Pompidou o la Colección del Museo Ruso, abiertos ambos en 2015) se han utilizado como pretexto para posicionar a la ciudad en el sector del turismo cultural, priorizando una lógica de mercado en la que también entran las condiciones de trabajo. La precarización en los museos fue objeto de polémica en 2015, cuando se conoció que los auxiliares de sala y recepción del Pompidou y del Museo Ruso, contratados a través de una ETT, cobrarían cinco euros brutos por hora, incluyendo prorrateo de horas extras. 

El pintor y escultor malagueño Pablo Ruiz Picasso murió hace 50 años y España y el mundo le rinden homenaje este sábado con actos y exposiciones como gran genio que revolucionó la historia del arte. España, donde nació (1881), Francia, donde vivió y murió (1973), y otros países europeos, Latinoamérica y Estados Unidos se han unido a las celebraciones de este Año Picasso, que recuerdan su figura y su obra.

El Museo Casa Natal Picasso en su ciudad natal de Málaga ha preparado una jornada de puertas abiertas en el hogar donde pasó la infancia y la sala de exposiciones de la Plaza de la Merced. También como homenaje al pintor se celebra la corrida picassiana de toros; el diestro Juan Ortega recorrerá a pie y vestido de luces el camino entre la casa Picasso y el coso la Malagueta, siguiendo los pasos del artista y su padre en las tardes taurinas.

Tal y como apunta Efe, en la capital malacitana se han organizado para este año multitud de actividades, desde exposiciones temporales a conferencias, conciertos, publicaciones o acciones turísticas. El Museo Picasso de Málaga, que este año celebra su 20 aniversario, organizará próximamente las exposiciones Picasso: materia y cuerpo y El eco de Picasso, mientras que la Casa Natal albergará Las edades de Pablo y La imagen de Picasso.

El Museo Picasso ha iniciado los actos este sábado con la suelta de una paloma como una acción simbólica con la que recordar su compromiso con la paz y su oposición a la guerra. Una paloma blanca –símbolo de la paz universalmente conocido gracias a la obra de Picasso– ha sido la protagonista de este elogio que ha tenido lugar en el patio del Palacio de Buenavista. Desde allí, el ave ha emprendido el vuelo poco después del amanecer. El museo ha elegido poner la atención en esta faceta de la vida del artista malagueño en su aniversario debido a que “los conflictos bélicos tristemente siguen siendo un tema de actualidad en el mundo con la consiguiente pérdida de vidas humanas y migraciones forzadas”, han explicado en un comunicado.

Por su parte, el Museo de Bellas Artes de La Coruña (noroeste), donde vivió de pequeño, muestra cómo el artista comenzó a pintar en esta ciudad, que fue un marco de “primeras veces” para el artista: vio su primer desnudo, empezó su compromiso social y su interés por la geometría, precursora del cubismo.

El Museo Picasso de Barcelona (noreste) acogerá exposiciones sobre la relación de Picasso con otro gran artista español del arte contemporáneo, Joan Miró, y las cerámicas españolas que le inspiraron. Además de publicar este mes de abril Picasso Barcelona. Una cartografía, el museo barcelonés propondrá a lo largo del año múltiples diálogos de la obra picassiana con artistas contemporáneos. Casa Seat prepara la muestra Picasso y el cómic y la Filmoteca de la región de Cataluña ha digitalizado cinco películas “poco conocidas” relacionadas con el artista.

Bilbao y Madrid

En Bilbao, el Museo Guggenheim se suma a la conmemoración con una exposición de 45 esculturas de Picasso de varios periodos, la primera muestra que se realizará en España centrada exclusivamente en su obra escultórica, con piezas sobresalientes La dama oferente, el Homenaje a Apollinaire, La mujer embarazada o el Retrato de Dora Maar.

El Museo Picasso-Colección Eugenio Arias de Buitrago del Lozoya (Madrid) ha programado para este sábado un maratón de actividades para todos los públicos, con espectáculos gratuitos de títeres, circo, danza y música. Eugenio Arias fue amigo y confidente del artista, que le regalaba obras.

Tanto el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, como el ministro de Cultura, Miquel Iceta, valoraron hoy en Twitter el legado “inmenso” de un artista que trasciende “todas las fronteras”. “Un 8 de abril moría el artista español de mayor trascendencia del siglo XX: Pablo Picasso. Hoy, medio siglo después, conmemoramos el #AñoPicasso siendo más conscientes que nunca del inmenso legado que dejó. Su obra seguirá inspirando a las generaciones del presente y futuro”, ha indicado Sánchez.

También en esta red social, el ministro de Cultura, Miquel Iceta, recuerda en un vídeo el aniversario y explica cómo España y Francia se han unido para celebrar a este artista universal “que aún hoy transciende todas las fronteras”. Son más de 40 las exposiciones que a lo largo de todo el año, tanto en Europa como en América descubren los aspectos más destacados de la obra y la vida de Picasso pero también aquellos “más sorprendentes y desconocidos”, indica el ministro.

Símbolos para la paz y la guerra

En España, las protagonistas “son las ciudades en las que recaló, de las que se nutrió y en las que fue desarrollando su talento: Málaga, su ciudad natal; A Coruña, Madrid y Barcelona. En el exterior, aparte de Francia, donde experimentó su definitiva eclosión, la celebración se disemina por países como Estados Unidos, Suiza, Rumanía o Bélgica”, señala Iceta.

“Picasso creó símbolos para la paz y símbolos para la guerra, expresó tanto el gozo y la exuberancia como las miserias humanas y lo hizo rompiendo límites para dejarnos un legado vanguardista personalísimo y único”, destaca Iceta que recuerda que las actividades previstas se extienden a otras disciplinas artísticas como el cine, la música o la danza “que no pueden escapar a la influencia de este artista total”.

Picasso “desbordó su creatividad, la proyectó en su vida, en su obra y nos dejó un valioso legado”, ha recordado el ministro de Cultura, que ha animado a conocer, difundir y cuidar.