Telecinco parece haber iniciado, sin anunciarlo formalmente, un proceso de desescalada que afecta tanto a sus contenidos como a los rostros que habitan el singular universo Mediaset. De un tiempo a esta parte, los espectadores han vuelto a ver en pantalla a colaboradores y entrevistados que anteriormente pusieron rumbo a otros destinos profesionales como Lydia Lozano o más recientemente Ylenia Padilla. De hecho, su primera entrevista en De Viernes evidenció la voluntad de retomar asuntos relacionados con Belén Esteban, afianzando esa 'tregua' del canal con su propio pasado.

Para entender el momento actual, conviene retroceder a febrero de 2023. La existencia de un Código Ético interno en el grupo audiovisual —donde se fijaban límites claros— salió a relucir. Determinados personajes dejaban de ser objeto de debate en los distintos programas, al menos en lo que respecta a su esfera personal aunque se permitiera informar sobre ellos de manera escueta y concisa. Aquella decisión marcó un claro punto de inflexión en la forma de abordar tanto el entretenimiento en general como el corazón en particular.

El siguiente hito a destacar llegó en junio de ese mismo año con la cancelación del siempre polémico Sálvame. La salida de sus principales colaboradores supuso mucho más que el final de un formato: implicó su práctica desaparición de la parrilla en una cadena que necesitaba iniciar una nueva etapa en su historia reciente. Durante algunos años, la crónica social se tomó un respiro de esos nombres que la coparon entre 2009 y 2023. Incluso se recurrió a eufemismos como “el exmarido de Makoke” o “ese programa”, y hasta se evitó citar al espacio cuando se hacía uso de su archivo, evidenciando una voluntad de ruptura con esa etapa anterior plagada de polémicas.

Telecinco 'se abre' a hablar de Belén Esteban

Sin embargo, los ciclos rara vez son definitivos en televisión. Y en este contexto toma especial importancia lo ocurrido recientemente en De Viernes. La reaparición de Ylenia Padilla, alejada de los focos de Telecinco desde hacía casi seis años, fue un evidente reclamo para los espectadores. Durante el scoop capitaneado por Santi Acosta se produjo una situación de lo más significativa: la mención abierta a Belén Esteban, una figura que fue estandarte del canal en el pasado, pero que se había quedado fuera. Aún resuena aquel enfado de la colaboradora en un photocall ante la negativa de Socialité a grabar su posado.

El gesto no es menor. Supone, en la práctica, la reducción de una distancia entre las partes que hasta no hace muchos meses era máxima. Más aún cuando la propia Esteban ha mostrado en los últimos meses cierta predisposición a un acercamiento: “Yo estoy muy agradecida a Sálvame, muy agradecida a Ten, muy agradecida a Top Chef y muy agradecida, después de todo el dolor que pasé, a Telecinco, la verdad. Porque es verdad que los mejores años de mi vida los pasé en Telecinco”, aseguró en unas declaraciones recogidas por Europa Press. Tampoco podemos pasar por alto una reflexión de lo más significativa: “Es verdad que yo soy más de De Viernes que de El Desafío”.

De hecho, una gran parte de los 'rostros fuertes' del cancelado espacio vespertino pusieron rumbo a RTVE para probar suerte. El fallido La familia de la tele fue su principal escaparate en la pública, con la propia Belén Esteban, María Patiño, Kiko Matamoros, Víctor Sandoval, Chelo García-Cortés o Lydia Lozano. Esta última probó suerte tanto en Mañaneros como en Baila como puedas, mientras que la penúltima se mantiene a día de hoy como colaboradora de L'Altaveu en La2Cat. Cabe recordar que Terelu Campos también fue colaboradora del espacio matinal presentado por Adela González en su anterior etapa antes del desembarco de Javier Ruiz.

Los rostros del pasado que vuelven a Telecinco

El movimiento de De Viernes abriéndose a hablar de Belén Esteban responde a una tendencia: la apertura hacia una 'vieja guardia' clave en su pasado más reciente. No son pocos los perfiles vinculados a Sálvame u otros espacios del canal en otras épocas los que han ido reapareciendo estratégicamente en Mediaset, bien como colaboradores o como entrevistados. Destacamos a continuación casi una veintena de nombres que afianzan esta particular 'tregua' que vive Telecinco.

Rostros fuertes de 'Sálvame' que han regresado a Telecinco:

Nombres clave de la antigua Mediaset que han reaparecido:

Otros rostros que trabajaron en 'Sálvame':

Destacamos también algunos perfiles de especial relevancia en tiempos pasados que han reaparecido como Carlos Lozano. El presentador abandonó la televisión tras sus últimas participaciones en Sálvame y derivados durante 2022, protagonizando una vuelta por todo lo alto como ganador de Gran Hermano Dúo 4. Mismo reality show en el que la audiencia volvió a ver a Antonio Canales, quien fue despedido por Carlota Corredera en riguroso directo hace ahora cinco años. No podemos pasar por alto a José Antonio León, quien forma parte de los colaboradores de De Viernes desde su estreno.

Digno de mención también es el viaje de Nagore Robles a Supervivientes 2026 como concursante oficial. La habitual colaboradora, que también se pasó a RTVE durante un tiempo, cambia por completo su rol tras presentar Uno de GH20 para lanzarse a la aventura e intentar convertirse en un soplo de aire fresco para los actuales habitantes de los Cayos Cochinos. En definitiva, la apuesta por rostros muy vinculados a etapas pasadas de Telecinco responde a la necesidad de nutrir sus espacios con aquellas personas capaces de generar conversación.

¿Hasta dónde llegará esta 'apertura' en Telecinco?

Así las cosas, el regreso de Ylenia Padilla puede leerse como algo más que una vuelta puntual: es un síntoma de lo que puede venir. La cadena empieza a repasar su pasado más reciente y a recuperar, aunque sea de forma parcial y muy medida, a un destacado número de protagonistas —muy reconocidos entre la audiencia— que lo construyeron de alguna forma. En ningún caso se trata de una vuelta per se al controvertido modelo anterior, sino de una apertura para abarcar más contenido de la crónica social y mejorar sus índices globales. Queda por ver hasta dónde llega esta 'tregua', y si finalmente Belén Esteban acabará de nuevo frente a las cámaras de Telecinco.

Las mejores series de misterio combinan intriga, suspense y tramas complejas con capacidad para atrapar a los espectadores. Vivimos una época en la que este género parece estar en auge a juzgar por la cantidad de títulos que se estrenan en nuestra pequeña pantalla. Con estos ingredientes en la coctelera, Disney+ se lanza a la aventura con Si es martes, es asesinato. Antes de arrancar con la crítica, viene un spoiler: no estamos ante una mera adaptación a la española de la aclamada Solo asesinatos en el edificio pese a las similitudes estéticas como ya destacamos en verTele. Esta producción logra destacar por sí misma y cumplir su función principal: entretener al público ávido de este tipo de contenidos.

Todos los usuarios del servicio de streaming podrán disfrutar de esta producción original de Hulu el martes 31 de marzo, un día de lo más apropiado solo con ver el título. Dirigida por Salvador Calvo y Abigail Schaaff, la historia se vertebra con un grupo de turistas que viaja a Lisboa. En cuestión de horas, lo que parecía ser una escapada para descubrir a nuestro país vecino se transforma en una investigación policial. Uno de los excursionistas aparece muerto en una de las habitaciones del tenebroso hotel en el que se ven forzados a alojarse. La creación de Carlos Vila arranca entonces un particular camino para encontrar soluciones al crimen, sumiendo a los personajes en una vorágine de interrogantes y sospechas.

El reparto está encabezado por grandes figuras de nuestra industria como Álex García, Inma Cuesta y Ana Wagener. Ellos interpretan magistralmente a las tres personas que llevan la voz cantante en el proceso, con la inestimable colaboración de Biel Montoro. Su papel aporta una frescura vital para el desarrollo de la narrativa aunque con un recurso un tanto manido, siendo esta serie uno de sus primeros trabajos en nuestra pequeña pantalla. El elenco se completa con Pedro Casablanc, Luisa Gavasa, Carmen Ruiz, Saida Benzal, Gorka Lasaosa, Xavi Lite, Carla Campra, Mia Zafra, Raquel Pérez, Álvaro de Juana y Sonia Castelo. Además, la ficción producida en colaboración con Lazona cuenta con talento portugués también representado por Paulo Pires y Adriano Carvalho.

Mucho más que un 'Solo asesinatos en el edificio' a la española

Cuando Disney+ anunció el desarrollo de la serie —junto con su cartel promocional—, los espectadores no tardaron en atribuirle una particular etiqueta y plantear una cuestión: “¿Estamos ante un remake de Solo asesinatos en el edificio?”. Basta el primer episodio para desmontar la comparación. Es cierto que ambas comparten esencia: un crimen, un grupo cerrado de protagonistas y una investigación construida por amantes del true crime. Todos se atreven con el enorme reto de intentar averiguar la verdad entre las sombras, con cierto aire a The White Lotus o las obras de Agatha Christie.

El producto estadounidense tiene a Steve Martin, Martin Short y Selena Gomez como trío de cabecera, mientras que Si es martes, es asesinato incorpora a un cuarto miembro. ¿Qué tienen en común? Ambas series introducen ese humor con cierta retranca y esa solemnidad en una coctelera. Al agitarla, el producto resultante se presenta con grandes diferencias en el fondo y en la superficie. De hecho, en ningún momento se prescinde de esa esencia 'patria' de lo cotidiano que tanto gusta a los espectadores españoles.

Quizás, una de las principales diferencias tiene que ver con el enfoque. La serie española se permite el lujo de profundizar en las grietas de sus personajes, convirtiéndolas en un asunto primordial para resolver el misterio principal. No se trata únicamente de descubrir al asesino, sino de entender qué mueve a cada uno de los personajes en su comportamiento. Aunque ambas comparten el mencionado equilibrio entre comedia y misterio, la nueva ficción introduce una capa de dramatismo sustancialmente alejada del entretenimiento ligero que predomina en la estadounidense.

Un 'Cluedo' que despierta interés en el espectador

La estructura narrativa funciona como una partida del mítico 'Cluedo' en la que cada jugador guarda cartas secretas bajo la manga. Todos los personajes tienen algo que esconder, y precisamente aquí encontramos una de sus grandes bazas. Sin hacer spoliers, el entramado narrativo genera en el espectador un sinfín de conjeturas para intentar arrojar luz sobre lo ocurrido. Van pasando los capítulos y cada vez es más complicado encontrar respuestas… aunque las pistas —prácticamente imperceptibles— que aparecen durante el proceso son clave. Casi todo cobra sentido en el último capítulo.

No puede perderse de vista la destreza con la que la serie dosifica la información. Cada episodio añade una capa al misterioso asesinato, pero también introduce dudas para disparar las hipótesis en el espectador. Durante el rodaje, según nos han contado los propios actores en una entrevista que se publicará próximamente en verTele, se puso en marcha una apuesta para conocer quién había perpetrado el crimen. Ninguno de ellos acertó, y esa incertidumbre se traslada con eficacia a la pequeña pantalla.

Si es martes, es asesinato se presenta como una experiencia en la que el espectador asume un papel activo: no solo observa, sino que además participa. Sospecha, descarta y elucubra; sin embargo, todo vuelve a empezar cuando las nuevas averiguaciones salen a relucir. Sobre todo cuando los secretos de los personajes se exponen abiertamente, generando nuevas conjeturas que tiran por tierra las anteriores. Como en cualquier buena historia de misterio, lo importante es el camino que conduce a la respuesta más que la propia resolución en sí. Y la ficción de Disney+ está a la altura en este sentido.

Lisboa, el quinto protagonista en la serie de Disney+

Si algo termina de elevar la propuesta de Disney+ es el uso de Lisboa como escenario narrativo. Las series de misterio suelen plantear sus marcos espaciales como un telón de fondo que resguarde la historia, sin darle un peso excesivo más allá de lo necesario. En este caso, la ciudad condiciona y acompaña a los personajes en cada paso de su investigación. De hecho, el aire melancólico tan característico de su urbanismo se integra en la narrativa como un protagonista clave en la resolución del misterio principal.

El hotel, casi laberíntico —no es baladí esta expresión—, se convierte en el epicentro de una historia que no podría existir en otra ubicación. La capital portuguesa es refugio y amenaza a la vez, una dualidad que encaja a la perfección con el tono de la ficción. Digno de mención es también el contenido histórico que se introduce a lo largo de los episodios, además de los clichés sobre la población española que se exploran. Aporta esa pincelada de humor necesario cuando la tensión está en auge.

Un colofón final que abre la puerta a la continuación

Sin desvelar detalles clave, el desenlace de Si es martes, es asesinato cumple con su cometido: cierra el misterio principal y la conclusión 'desbloquea' una continuación, aunque generando una sensación de que su último giro resulta menos arriesgado de lo esperado. Los personajes aún tienen mucho camino por recorrer, con un final que abre la puerta a explorar nuevos escenarios y, sobre todo, nuevos misterios clave para el núcleo de protagonistas. Queda por ver si Disney+ apuesta por este título con entidad propia y, sobre todo, por un elenco de intérpretes que ha sabido afrontar con solvencia la amplia variedad de registros.

La nueva serie de Disney no reinventa el género, pero en realidad tampoco lo necesita. Su fortaleza reside en que sabe jugar sus cartas para encandilar a su público objetivo: un reparto sólido, una atmósfera cuidada que es fundamental para la narrativa y emoción en su arco argumental. Pese a las comparaciones con la estadounidense Solo asesinatos en el edificio, el título español ha sabido encontrar un espacio propio con una apuesta clara por el misterio con grandes dosis de humor para entregar al público un buen producto de entretenimiento sin renunciar a ese costumbrismo patrio que tanto gusta.

La historia de laSexta es la crónica de un desafío a la industria audiovisual que arrancó en 2006. El 27 de marzo de aquel año irrumpía en los hogares españoles una nueva señal analógica —la última en España— que tiñó nuestras pantallas de verde: llegó con la vocación de ser una “televisión de autor”, título que se convirtió en un traje a medida con el paso de los años. Coincidiendo con su vigésimo aniversario, desde verTele ponemos en marcha un análisis para entender cuáles son los seis pilares de un canal que ha evolucionado parejo a los avances de la sociedad patria.

Detrás de este ambicioso proyecto no solo había inversores, también unos 'padres' dispuestos a cambiar las reglas del juego: Emilio Aragón, que fue su primer presidente, y una alianza de productoras entre las que figuraban Mediapro y Globomedia. Nació entonces una cadena con ADN propio dispuesta a romper moldes en la superficie y en el fondo para ganarse el respeto de una industria que ya abría las puertas a la fragmentación. Cierto es que la aventura arrancó con un alcance limitado —su señal analógica solo cubría el 70% del territorio—, pero esta 'barrera' no le impidió convertirse en un auténtico fenómeno cuando quedó disponible para todo el país.

Coincidiendo con su 20 cumpleaños, es el momento de poner en valor cómo esos pilares que cimentaron su nacimiento han evolucionado hasta convertir laSexta en un actor fundamental en el audiovisual español. La cadena que en 2006 se presentó ante la audiencia como un arriesgado estandarte del deporte y el entretenimiento, hoy es un trasatlántico del humor y la información en directo. Analizamos a continuación los hitos más destacados en toda su historia, desde los Mundiales emitidos hasta el gamberrismo que estuvo en boca de todos, sin olvidarnos de sus estrellas más insignes.

Los seis pilares que explican los 20 años de laSexta

1) El deporte como carta de presentación

La puesta de largo de laSexta todavía se recuerda dos décadas después. Durante su presentación, el canal anunció la compra de los derechos del Mundial de Fútbol de Alemania en 2006. Fue un movimiento de lo más audaz para darse a conocer en cada rincón del país, aunque logísticamente complejo: un evento de interés general como este debía verse en todo el país, pero la cadena apenas alcanzaba una cobertura del 50% al inicio del torneo. ¿La solución? Un acuerdo histórico con Cuatro para compartir derechos. Sea como fuere, logró posicionarse en el imaginario colectivo de manera rápida y asombrosa. El fallecido Andrés Montes fue un icono en aquellas narraciones.

Ese bautismo deportivo dio paso la histórica emisión en abierto de varios partidos de LaLiga por jornada que derivó en la llamada 'Segunda Guerra del Fútbol', un conflicto con precedentes televisivos que colocó a laSexta en el epicentro mediático hasta el año 2009. Pero no fue su única punta de lanza, ni mucho menos. La cadena fue hogar de épocas doradas, emitiendo el Mundial de Baloncesto de Japón, donde España se coronó campeona, o las carreras de Fórmula 1 tras arrebatar los derechos a Telecinco. Con Antonio Lobato a los micrófonos, laSexta se consolidó como ese lugar en el que disfrutar de grandes eventos de masas muy poco tiempo después de su nacimiento.

El legado deportivo de la cadena se mide también en la resistencia de sus formatos de análisis. Jugones se mantiene como una referencia entre los amantes del deporte, con Josep Pedrerol como maestro de ceremonias. De hecho, la marca sobrevive a día de hoy cuando han pasado 13 años del inicio de sus batallas contra Los Manolos de Cuatro. En definitiva, la estrategia inicial de utilizar el deporte como motor para alcanzar visibilidad funcionó a la perfección. laSexta dejó de ser la nueva para convertirse en la plaza donde celebrar los triunfos de nuestros propios equipos.

Las seis emisiones deportivas más vistas de su historia:

2) Referencia informativa entre la audiencia

El segundo pilar que articula la historia de laSexta es, sin duda, la posición que alcanzó como referencia informativa. La apuesta de Atresmedia por convertir el canal en un termómetro de la calle tuvo su primer gran test en los comicios europeos celebrados en mayo de 2014. Aquella noche, el especial capitaneado por Antonio García Ferreras rompió un techo: la cobertura se elevó hasta el liderazgo superando por primera vez en su historia a La 1 de RTVE. Fue el germen de un gran rendimiento posterior para los debates entre candidatos y las coberturas electorales. Los espectadores ya no solo se conformaban con una sucesión de datos, sino que requerían un análisis exhaustivo con grandes dosis de ritmo y espectacularidad. Fue entonces cuando Antonio García Ferreras y Ana Pastor, con la fusión de sus marcas Al Rojo Vivo: El Objetivo, se convirtieron en las caras visibles de las grandes noches informativas. Una labor clave que los presentadores han seguido desarrollando hasta nuestros días.

Conviene destacar que aquel triunfo de 2014 no fue un simple espejismo aupado por los sufragios, puesto que la cadena ya había adquirido tiempo atrás un importante compromiso con la información. Un hito de lo más sintomático se produjo en la temporada 2021-2022, cuando la edición de sobremesa de laSexta Noticias logró batir al histórico Telediario 1 en audiencia media. Se firmó un sorpasso de lo más simbólico a la televisión pública, mientras que otras marcas como Al Rojo Vivo, El Objetivo de Ana Pastor, Más vale tarde o laSexta Noche —hoy laSexta Xplica— alcanzaban un lugar privilegiado entre los espectadores. El respaldo del público encontró su máximo apogeo durante la pandemia del coronavirus con máximo histórico para sus informativos.

Las seis emisiones informativas más vistas de su historia:

3) La fusión que resultó en Atresmedia

El panorama televisivo español vivió una profunda reconfiguración marcada por dos grandes movimientos empresariales. Por un lado, la creación de Mediaset culminó en 2011 con la integración de Telecinco y Cuatro; por otro, se formalizó la fusión entre Antena 3 y laSexta en octubre de 2012, dando lugar al actual Grupo Atresmedia. Este último proceso unió bajo un mismo paraguas a ambas cadenas junto a sus canales temáticos. Aunque la operación no estuvo exenta de dificultades —Competencia impuso condiciones posteriormente rebajadas por el Gobierno—, se mantuvo una de sus premisas clave: que la cadena verde jamás perdiese una identidad progresista de alto valor para los espectadores. Con el paso del tiempo, esa independencia se ha demostrado como una ventaja competitiva sin necesidad de poner en marcha una mimetización con su 'hermana mayor'.

4) Un sello 'gamberro' cimentado en los programas de humor

El humor y el gamberrismo han sido seña de identidad de laSexta desde sus comienzos. La cadena se abanderó de estos factores desde sus orígenes, en ese intento inicial -unido al del mencionado reclamo del deporte- de hacerse notar en sus primeros pasos en la industria televisiva. Y lo consiguió de forma muy efectiva, por un lado, a través de un Sé lo que hicisteis... que empezó en 2006 siendo semanal pero que marcó una época dorada a partir de 2007 en las sobremesas del canal. Su razón de ser fue la de desmontar los programas del corazón -en auge en aquella primera década del 2000-, a través de la crítica, la parodia y la sátira, con Patricia Conde y Ángel Martín al frente. Sin embargo, la histórica demanda de Telecinco contra laSexta, y la posterior sentencia que prohibió a Sé lo que hicisteis... el uso de imágenes de la cadena de Fuencarral, acabaron mermando sus contenidos y, como consecuencia, también sus audiencias hasta su cancelación en 2011.

La cadena tardó dos años en encontrarle un sustituto sólido en la franja, hasta que llegó Zapeando, otro espacio diario de zapping televisivo pero esta vez con un humor casi tan blanco como el apellido de su primer presentador. Frank Blanco, al que sustituyó Dani Mateo en 2019, y sus 'zapeadores' -una larga lista de colaboradores y cómicos- lograron consolidar el formato, que tras 13 años en antena continúa en pantalla como uno de los espacios más longevos del canal. Pero si hablamos de longevidad, la palma se la lleva El Intermedio del Gran Wyoming, que arrancó sus emisiones de la mano de laSexta hace ahora dos décadas. 20 años en los que el presentador, codo con codo de forma mayoritaria con Sandra Sabatés, y con el foco de la sátira puesto en la política, han convertido a El Intermedio en uno de los formatos más identitarios de laSexta.

A lo largo de su historia, laSexta ha apostado por otra larga lista de formatos de humor, entre los que encontramos títulos como Los irrepetibles, Sabías a lo que venías, ¡Qué más quisiera yo!, Así nos va, El club de la comedia, el mítico Caiga quien caiga o el emblemático Buenafuente. En 2007, Andreu y su late night saltaron de Antena 3 a laSexta, donde siguieron haciendo gala de un humor irreverente que casaba con el de su nueva 'casa'. Esa comedia encontró su punto álgido, entre otros hitos, en el envío en 2008 de Rodolfo Chikilicuatre, personaje que ellos mismos habían creado, como representante de España en Eurovisión y en la emergencia de una nueva estrella en TV: El Follonero Jordi Évole.

5) Una factoría de estrellas que creó el 'fenómeno Pedroche'

Jordi Évole es, sin duda, la mejor muestra de la capacidad que ha tenido laSexta para ser cantera de nuevas estrellas televisivas. Aquel 'follonero' que emergió entre las gradas del público de Buenafuente se acabó emancipando con su propio programa: un Salvados que arrancó impulsado por la campaña electoral de 2008 entre Zapatero y Rajoy y que, gracias a su éxito y repercusión, acabó afianzándose en la parrilla como un formato independiente de reportajes y entrevistas de actualidad. Salvados, hoy por hoy conducido por Gonzo tras el nacimiento en 2019 de Lo de Évole, es sin duda el programa más exitoso de laSexta y, prueba de ello, es que 16 de las 20 emisiones no deportivas más vistas de su historia llevan el sello del formato, 14 con la marca Salvados y dos con el falso documental Operación Palace y su debate de análisis posterior.

Las seis emisiones no deportivas más vistas de la historia de laSexta:

Otro gran ejemplo de la factoría de estrellas de laSexta lo encontramos en la figura de Cristina Pedroche. La presentadora, que encontró en Sé lo que hicisteis... su primera oportunidad en TV, fue encumbrada como uno de los rostros estelares de la cadena. En 2014, la vallecana fue elegida junto a Frank Blanco para dar las Campanadas de laSexta, detonante de un 'efecto Pedroche' que Atresmedia trasladó un año después a Antena 3 para, poco a poco, acabar arrebatando a RTVE tres históricos liderazgos en audiencias entre 2021 y 2024.

A Évole y Pedroche se les unen otra multitud de rostros que laSexta ha catapultado en estos 20 años a la primera línea televisiva, como Alberto Chicote -pareja indiscutible de Pedroche en las Campanadas-, Antonio García Ferreras, Ana Pastor, Helena Resano, Iñaki López, Cristina Pardo, José Yélamo, Sandra Sabatés, Andrea Ropero, Gonzo, Glòria Serra, Rodrigo Blázquez, Thais Villas, Jokin Castellón, u otros ya fuera de la cadena, como Pilar Rubio, Cristina Saavedra, Cristina Villanueva o María Lamela, la nueva presentadora de Supervivientes 2026 desde la isla, entre muchas más figuras.

6) laSexta buscó su nicho con las series de éxito internacional

En su empresa de convertirse en una cadena alternativa, laSexta buscó durante varios años erigirse como una de las 'casas' de la televisión en abierto para las series de prestigio internacional. El canal, que compitió con Cuatro por hacerse con este nicho que en España estaba 'reservado' para el pago, llegó a emitir títulos de reconocimiento mundial como Juego de Tronos, Boardwalk Empire, True Detective, Prison Break o The Walking Dead, siendo esta última poseedora de un meritorio logro. La ficción de zombies de AMC protagonizada por Andrew Lincoln consiguió el capítulo de una serie más visto en toda la historia de laSexta, con un 15.5% de share y 3.201.000 espectadores para Díselo a las ranas, el tercer episodio de su primera temporada que la cadena emitió en enero de 2011.

En el apartado patrio, las series de producción propia han sido una de las asignaturas pendientes de laSexta, aunque llegó a impulsar títulos destacables en sus inicios como la mítica SMS: Sin Miedo a Soñar, serial juvenil que popularizó a actores de la talla de Amaia Salamanca, Mario Casas, María Castro o Yon González, entre otros. laSexta también contó en sus orígenes con comedias como BuenAgente, Qué vida más triste o La tira. Sin embargo, hay que remontarse al año 2015 para encontrar un título español: Refugiados, serie de coproducción internacional con la BBC que emitió entre los meses de mayo y junio de aquel año.

El rearme de laSexta con Marc Giró y Aimar Bretos

Cuando se cumplen 20 años de su nacimiento, laSexta afronta su madurez manteniendo su enorme apuesta por el directo; de hecho, cuenta con emisiones en vivo desde las 07:00 horas hasta aproximadamente las 23:00 de la noche. Durante años se mantuvo como la cadena de segunda generación más vista de nuestro país, aunque en los últimos meses perdió el título en favor de Cuatro. Sin embargo, la corona podría volver a sus manos a finales de marzo, salvo drásticos cambios de tendencia: ese actual 6.6% de cuota frente al 6.3% de su rival certifica que su modelo de “televisión de autor” sigue conectando con el espectador.

Lejos de acomodarse en la nostalgia, laSexta encara el futuro apuntalando dos de esos pilares fundamentales que hemos analizado en este artículo: la información de rigor y el humor irreverente con el que alcanzó su máximo —9.1% de cuota media— en octubre de 2017. La estrategia tiene como nuevos baluartes a Marc Giró y Aimar Bretos, quienes ya están en la nómina de Atresmedia para oxigenar el prime time con Cara al show y La noche de Aimar, respectivamente.

Con estas incorporaciones, y otros movimientos como el regreso de forma regular de El Objetivo de Ana Pastor al prime time con el fin de explicar el convulso panorama internaiconal, se evidencia una clara voluntad de volver a situar a la cadena verde en una posición de relevancia. En definitiva, sus fichajes son la continuación de un proyecto que nació como alternativa gamberra y que hoy, dos décadas después, se erige como una pieza fundamental en el ecosistema audiovisual español.

Movistar Plus+ estrena este jueves 26 de marzo Por cien millones, la miniserie que recuerda el secuestro de Enrique Castro 'Quini', el pichichi del FC Barcelona, en 1981. España acababa de sufrir un golpe de Estado, su democracia era todavía muy débil y ETA mataba y extorsionaba casi a diario. Todas las miradas se dirigieron a la banda terrorista, también a los GRAPO, pero detrás de aquella inexplicable desaparición había tres mecánicos de Zaragoza ahogados por las deudas. Estaban convencidos de que el Barça les pagaría 100 millones de pesetas a cambio de su delantero. Ni más ni menos. Parecía un plan infalible, un pasaporte directo a la buena vida, pero les faltó picardía.

Los actores Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara interpretan en la serie a los tres humildes hombres que ejecutaron aquella locura que parecía diseñada por auténticos profesionales. Nada más lejos de la realidad. Agustín Otón da vida al conocido futbolista, con el que guarda un sorprendente parecido.

La serie no necesita más de tres capítulos para contar (con algunas licencias ficticias) la historia que durante semanas tuvo en vilo a España y a medio mundo. Quini era uno de los deportistas más queridos del país por su talento con el balón y su humildad dentro y fuera del terreno de juego. Pocas personas despertaban tanto consenso como él.

El reto de encontrar el tono adecuado

Detrás de la serie están Oriol Capel y Nacho G. Velilla, sus creadores. Este último, además, dirige los tres capítulos que produce Felicitas Media.

Capel y Velilla son dos conocidos autores de la comedia española –y compañeros habituales tras las cámaras– con obras en su currículum como Perdiendo el norte, A muerte, Mañana es hoy, Villaviciosa de al lado y Los Quién.

Por paradójico que pueda parecer, el secuestro de Quini les ha dado otra oportunidad para sacar una sonrisa al espectador. Lo hacen poniendo el foco sobre la torpeza de los protagonistas –el Estado tampoco sale muy bien parado– y el patetismo de la situación que ellos mismos provocaron para meter en un zulo al máximo goleador de la Liga. Ni es esta la clásica historia de secuestros, ni son ellos los típicos secuestradores.

Oriol Capel y Nacho G. Velilla han tenido que moverse con delicadeza entre la comedia y el drama para rozar la caricatura sin caer en la frivolización total. Al fin y al cabo, el trasfondo de la serie es absolutamente dramático: hay pobreza, ignorancia, sueños rotos, un hombre privado de libertad y varias familias desesperadas. Por más chistes que se hagan sobre el secuestro de Quini, no deja de ser un secuestro.

La serie es breve y tremendamente ágil, lo que facilita su visionado y resta importancia a sus puntos débiles. Tiene un humor demasiado simple y un tono algo difuso, pero la historia es lo suficientemente atractiva como para dedicarle una pequeña parte de nuestro tiempo. Es una comedia sin grandes pretensiones, es puro entretenimiento y un pequeño recuerdo a este grandísimo jugador. Y no, no es una serie para futboleros. Que no sea esta una excusa para pasar de ella.

Por cien millones se estrena al completo este jueves 26 de marzo en Movistar Plus+. Su reparto lo completan Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Nacho Guerreros, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros.

Daredevil: Born Again es una serie de superhéroes oscura que ha llegado en un momento extrañamente oportuno, llena de escalofriantes rimas con la actualidad. La primera temporada, estrenada en 2025, nos planteaba qué sucedía cuando un hombre poderoso y narcisista embaucaba a toda una población (en este caso, la de la ciudad de Nueva York) que se dejaba llevar por sus promesas de mano dura y de un renacer esplendoroso. Wilson Fisk, con un grave pasado criminal a sus espaldas, se convertía en alcalde nada más empezar la serie, votado por ciudadanos que creían en sus promesas de cambio real y que lo admiraban como hombre de acción. Un punto de partida que viene de los los cómics y que se exploró en las viñetas hace unos diez años.

Al poco de llegar al cargo, Fisk creaba un cuerpo parapolicial, la Fuerza Especial Antijusticieros, una agencia supuestamente destinada a perseguir delincuentes enmascarados, pero que enseguida sembraba el terror entre ciudadanos de todo tipo. Había detenciones arbitrarias, ejecuciones de manifestantes y personas encarceladas en paradero desconocido, sin las mínimas garantías procesales. Es inevitable hacer comparaciones con lo que se muestra en esta historia y algunas de las señas de identidad de la presidencia de Donald Trump en EEUU, con la agencia antinmigración del ICE a la cabeza. Lo que demuestra que las ficciones de superhéroes muchas veces sirven para hablar de temas profundos y de realidades que nos quedan muy cerca.

Al final de la temporada 1, Fisk sufría un intento de asesinato del que le salvaría, precisamente, nuestro protagonista, su mayor enemigo, el mismísimo Matt Murdock: un abogado ciego, íntegro y noble que, animado por su moral católica y por sus profundas convicciones en lo relativo a la justicia, estaba a punto de dar su vida para salvar la de Kingpin. Porque Murdock quiere vencerlo, pero no matarlo. Por desgracia, el heroísmo de Murdock no le hace replantearse nada al alcalde Fisk, que decide tirar para adelante con más fiereza en su deriva autoritaria.

Los únicos que pueden hacerle frente son Matt Murdock y Karen Page, los auténticos protagonistas de la segunda temporada de la serie: buscan desvelar públicamente las actividades criminales de Fisk y reunir pruebas contra él que sean útiles ante los tribunales, además de convencer a la mayoría de ciudadanos de Nueva York del peligro que supone para ellos su propio alcalde. Todo ello, claro, mientras se ocultan de la Brigada Antijusticieros, que quiere capturarlos.

La temporada 2 de Daredevil: Born Again tiene 8 episodios, con una duración de en torno a una hora cada uno, que verTele ha podido ver ya al completo. La primera temporada ya era muy buena e interesante, y tenía momentos brillantes y secuencias espectaculares, pero creo que esta segunda es mejor, más coherente y constante: se centra en contar una sola gran historia, que desarrolla poco a poco. Esta nueva entrega es una estupenda parábola sobre la resistencia ante la tiranía en momentos difíciles. Una llamada a rebelarse contra la crueldad sin abandonar nuestra humanidad por el camino.

El nivel de toda la segunda temporada es altísimo: empieza a fuego lento, pero el final de la primera entrega es bien potente, y los capítulos 4, 5, 7 y 8 (el último) son una maravilla. Me ha parecido especialmente interesante el quinto episodio, que es prácticamente una historia de fantasmas que se mueve entre el pasado, el presente y el futuro; entre hospitales e iglesias; entre la vida y la muerte; y que recupera esas reflexiones sobre la gracia, el perdón, la justicia y la posibilidad de redención que eran tan habituales en la serie original de Daredevil (2015-2018), y que tuvieron también gran peso en el primer capítulo de la temporada 1 de Daredevil: Born Again, con la genial escena de la cafetería tipo diner en la que quedaban a desayunar dos archienemigos como Fisk (Kingpin) y Murdock (Daredevil).

La nueva entrega de Born Again da mucha importancia a personajes como Benjamin Poindexter, conocido también como Bullseye; a Vanessa Fisk; o a Daniel Blake, interpretado por el estupendo Michael Gandolfini, que se ve inmerso en un interesante juego de espejos y reflejos deformados, pues en la subtrama en la que aparece se enfrenta a dilemas que, precisamente, recuerdan a Los Soprano (que protagonizaba su padre, James Gandolfini). Esta temporada 2 sigue explorando además el lado más violento de Fisk, que se maneja igual de bien en las altas esferas que en los combates cuerpo a cuerpo. La serie también nos presenta a personajes nuevos, como el intrigante hombre interpretado por Matthew Lillard (Scooby Doo, Scream), y nos trae de vuelta a viejas conocidas, como Jessica Jones, encarnada por Krysten Ritter, que brilla en varias secuencias. 

Destacan por derecho propio las interpretaciones de Charlie Cox (Matt Murdock) y Vincent D’Onofrio (Wilson Fisk), sin olvidarse tampoco de la de Wilson Bethel (Bullseye), que retrata de forma excelente la mentalidad atormentada y autodestructiva de un Poindexter que busca algo de luz; la de Deborah Ann Woll, que tiene más espacio para desarrollar la complejidad de Karen Page, con toda su fuerza y valentía; o la de Margarita Levieva, que interpreta a la traumatizada doctora Heather Glenn, en un viaje cada vez más oscuro que la acerca peligrosamente a Fisk en busca de protección; o la del propio Gandolfini.

Por si fuera poco, los aficionados a los cómics podemos disfrutar además por primera vez en pantalla de un traje negro espectacular que incluye por fin las dos letras D en color rojo (las iniciales de Daredevil) que eran todo un símbolo del personaje en las viñetas. Un traje que tiene además mucha presencia porque, como ha explicado el propio Charlie Cox, la naturaleza de la temporada, en la que los protagonistas están en busca y captura, hacen que veamos más su vertiente de superhéroe y menos la de abogado. El vestuario tiene además otro detalle estupendo: como ha adelantado también el actor, con el paso de las peleas el traje pierde poco a poco parte de la pintura negra y va volviendo a ese rojo clásico al que estamos más acostumbrados (y que aquí que de alguna forma nos recuerda aquí a la sangre de las heridas de combate).

La tercera temporada de Daredevil: Born Again ya está en producción, lo que la convierte en la primera serie de Marvel para Disney + en tener al menos tres entregas. Y el final de esta temporada 2 es realmente potente, deja abiertos algunos interrogantes y parece que puede engarzar directamente con la película de Spider-Man: Brand New Day, que se estrena el 31 de julio (algo que tiene sentido, pues ambos personajes comparten un mismo escenario: la ciudad de Nueva York). Conviene advertir, eso sí, que Charlie Cox ha insistido hasta la saciedad en que Matt Murdock no aparecerá en la nueva película, en la que sin embargo sabemos que sí saldrá Frank Castle, conocido también como Punisher. El personaje interpretado por Jon Bernthal es un habitual de temporadas anteriores de las series de Daredevil, además de tener la suya propia (2017-2019), y Marvel ha anunciado que dedicará al personaje un especial de televisión, titulado The Punisher: One Last Kill, que se estrenará el 12 de mayo, una vez que haya terminado la emisión de esta segunda temporada de Daredevil: Born Again. Frank Castle promete ser uno de los secundarios más importantes del nuevo film del hombre araña.

La esencia de Daredevil: combatir al enemigo sin caer en las tinieblas

Daredevil: Born Again es, a la vez, un reinicio y una continuación: la de la estupenda serie de 2015 que hizo Marvel para Netflix (aunque actualmente solo se puede encontrar en Disney +), y que simplemente se llamaba Daredevil. Constaba de tres temporadas y, para algunos de nosotros, es la mejor serie de superhéroes de la historia (especialmente por su primera y tercera temporada). Una especie de The Wire que desgranaba la corrupción en distintos estamentos como la justicia, la policía, la política y el periodismo.

Disney y Marvel decidieron continuar la historia de estos personajes, interpretados por los mismos actores, y ambientada unos pocos años más tarde. Por lo que vimos en el impactante primer capítulo de la temporada 1 de Daredevil: Born Again, es posible que los años más felices de Murdock y sus amigos fueran precisamente los que transcurrieron entre esas dos series, en los que simplemente se dedicaron a ser buenos abogados en el despacho Nelson, Murdock y Page, y en el que Matt Murdock solo tuvo que enfundarse el traje de Daredevil muy ocasionalmente. Vivieron ese sueño al que se refiere el famoso dicho irlandés, que precisamente mencionaban al inicio de la serie, en un brindis: “Ojalá pases media hora en el cielo… antes de que el diablo sepa que has muerto”.

En la primera temporada de Daredevil: Born Again, el asesinato de Foggy Nelson por parte de Bullseye dejaba destrozados a los protagonistas. Matt Murdock renunciaba a su vertiente de superhéroe después de haber traspasado la raya que se había jurado no cruzar jamás, pues en un acto de rabia y desesperación intentó matar al hombre que había asesinado a su amigo. Karen Page se alejaba de Matt, pues chocaron mucho durante el año siguiente a la muerte de Foggy, y ella también estaba sufriendo mucho. 

En esa primera temporada, Murdock aceptaba la promesa de Wilson Fisk, que le aseguraba querer ser un hombre nuevo, pero sin llegar a fiarse del todo, y haciéndole saber que iría a por él si retomaba sus actividades criminales desde la alcaldía. Después, y dejando al margen el estupendo y divertido capítulo del atraco (muy desligado en realidad del resto de la trama), los esfuerzos de Murdock se centraban en detener a un asesino en serie (y para lograrlo necesitaba volver a recurrir a su lado de Daredevil) y en vigilar las actividades del oscuro cuerpo parapolicial de Fisk, que se creaba en torno a un grupo de agentes fascistoides que decían tener de referente a The Punisher, y a los que el propio Frank Castle, Punisher en persona, acababa por confrontar, demostrándoles que no tenían nada que ver con él y que los despreciaba profunadamente.

Castle también servía para enfrentar a Murdock con su deseo de venganza por el asesinato de su mejor amigo. Punisher quería hacía ver a Matt que era absurdo esconderse siempre detrás del bonachón de Murdock, renunciando a lo bueno que tenía Daredevil, y recordando la eterna pregunta que siempre plantea el género de superhéroes de si el lado más real de sus protagonistas es el que muestran cuando se ponen el traje y la máscara o cuando van de paisano. Punisher conseguía que Matt volviera a abrazar su lado de Daredevil, pero no cambiaba sus principios morales más profundos. A pesar de que Fisk había traicionado su promesa y lo había amenazado directamente, cuando llega el momento de la verdad, Murdock decidió salvarle, y puso su cuerpo para recibir una bala que, de haber cumplido su objetivo, habría eliminado al alcalde de Nueva York. Quizá, como cree Punisher, Matt Murdock es un ingenuo, pero se demuestra que está a punto de dar su vida por salvar la de su mayor enemigo.

Esa idea todavía se explora todavía con más detalle en esta segunda temporada, y de forma más brutal si cabe, porque Murdock considerará una responsabilidad suya la vida de Benjamin Poindexter, el hombre (con graves problemas de salud mental) que asesinó a su mejor amigo, Foggy Nelson, bajo el encargo de Vanessa Fisk. Bullseye, brutal por naturaleza, asegura querer reformarse, aunque tanto él como Matt son muy conscientes de sus limitaciones y de su naturaleza peligrosa. Pero, a pesar de que quiere salvarlo, Daredevil odia profundamente a Bullseye, por lo que no está garantizado que él o que Karen Page consigan resistirse a sus más bajos instintos.

Algunos de los mejores momentos de esta temporada 2 vienen de ese conflicto, de la mano que Murdock se plantea tender a Poindexter, guiado, precisamente, por todos aquellos principios que le enseñó en su día el propio Foggy Nelson. Porque esa es la esencia de Daredevil, lo que nos apasiona a muchos de su personaje, lo que nos desconcierta y a la vez admiramos: que quiere salvar y proteger hasta al hombre al que más odia, porque considera que su vida, como la de todos, es un fin en sí mismo.

Daredevil es un héroe que cree de forma profunda en la justicia y en la redención, y que considera que no le toca a él decidir el destino de nadie, ni mucho menos su muerte. Y se mantiene firme en esa creencia por encima de cualquier otro tipo de cálculo racional. Matt Murdock sabe que de poco sirve vencer si te conviertes en un monstruo todavía peor que aquellos a los que combates. Porque el bien deja de serlo si se impone por la brutalidad y por fuerza, y porque la valentía se demuestra muchas veces a través de la contención. Porque la resistencia es más noble y valiente que los ataques preventivos, y porque la rebelión no solo debe basarse en el odio, sino en el amor: hacia aquellos que perdimos, hacia esos por los que peleamos y hacia el mundo que queremos dejarles.

Porque cuando uno se asoma al abismo de la barbarie a veces la mejor respuesta es, precisamente, la esperanza en lo mejor de la humanidad: resistir agarrándonos a nuestros principios, poniéndonos límites, y vivir conforme a ellos hasta las últimas consecuencias. Porque, aunque la moralidad puede hacernos parecer débiles, a largo plazo es la única garantía de que la luz pueda poco a poco vencer a las tinieblas.

“¿Quién quiere que yo quiera lo que creo que quiero?”, se preguntaba Jorge Drexler en el tema ¡Oh, algoritmo! de su anterior disco Tinta y tiempo, planteando una acertada reflexión sobre cómo las nuevas tecnologías y el universo del streaming han transformado el consumo y, como consecuencia, la propia creación artística. Esto es algo que afecta a todas las disciplinas, desde la información como la que ahora mismo está usted leyendo a la música o la ficción, tanto cinematográfica como de televisión, con las series sometidas a una 'dictadura del éxito' que algunos títulos, tal y como veremos a continuación, han logrado derrocar.

Hasta hace unos años, que una serie triunfara o no dependía de factores también impredecibles pero más previsibles que ahora: su horario y día de programación en la parrilla, la promoción previa que se hiciera del producto, el reclamo de sus protagonistas o de su temática... Hoy en día, el ecosistema audiovisual ha cambiado por completo, con esas plataformas de streaming -cuya explosión en España comenzó en 2015 con el desembarco de Netflix en nuestro país- convirtiendo al algoritmo en un invisible programador capaz de decidir por nosotros qué vemos en la pequeña pantalla, cuándo lo vemos y cómo lo vemos.

Así pues, se produce una espiral etérea y realmente trágica que acaba condicionando toda la cadena audiovisual, desde que se escriben los guiones hasta que nuestros ojos reciben la señal del televisor. Por un lado, el consumo no es líneal ni homogéneo entre el público, sino que depende de cada usuario, para el cual la 'máquina' aprende de su comportamiento y le ofrece aquellos contenidos que supuestamente encajan mejor con sus preferencias. Por otro, las grandes majors terminan centrando sus esfuerzos económicos en el lanzamiento de ficciones que se adapten a los parámetros que mejor les funcionan entre su clientela.

Mientras tanto, los cineastas ven cómo ese algoritmo termina condicionando su propia creatividad a la hora de poner en pie las ideas que tenían para sus series. Y es que, voluntariamente o no, ese 'poder oculto' ha acabado imponiendo todo tipo de factores, como una duración ideal para los capítulos, unos perfiles de personajes predefinidos para lograr enganchar a una mayor parte del público, o unos ritmos narrativos determinados que retengan de forma más óptima la atención del espectador.

Incluso, en algunos casos -en más de los que nos damos cuenta-, ha afectado a la composición escénica de los planos, dejando toda la acción en el centro -como ejemplificamos en la siguiente imagen con secuencias de la temporada final de Stranger Things- para que el contenido se pueda adaptar posteriormente al formato vertical de los teléfonos móviles y favorecer así su viralización en redes sociales.

Un algoritmo que no es infalible con las series

Así pues, en la última década se ha producido una paradójica limitación de la libertad creativa. Pese a la expansión de las series, con un 'boom' dentro y fuera de nuestras fronteras que ha multiplicado exponencialmente las posibilidades del mercado, la diversidad narrativa se ha ido mermando en favor de fórmulas poco ambiciosas y repetitivas, con historias que se conciben pensando cada vez más en esa lógica matemática que maneja desde las sombras la visibilidad de los títulos en las plataformas.

Con todo, no son pocas las voces que alertan desde dentro de la industria de un empobrecimiento cultural en la ficción -en cine o televisión- que deja atrás a propuestas más valientes que difícilmente lograrían hacerse un hueco entre los productos a los que mayor proyección y espacio se les da dentro de las plataformas. Pese a todo, esta poblemática de la cultura de masas, que no es nueva -aunque sí lo es la forma en la que se nos plantea- y sobre la que ya en 1964 discurría Umberto Eco en su emblemática obra Apocalípticos e integrados [o también recientemente el colega Pedro Vallín en su libro ¡Me cago en Gordard!], encuentra ciertas rendijas que dejan pasar una luz que invita al optimismo.

Dentro de todo este caótico paradigma, todavía siguen produciéndose ciertas revelaciones que demuestran que ese algoritmo no es infalible. En los últimos años, contra todo pronóstico, algunas series sí que han logrado triunfar a pesar de no responder a los cánones dominantes dentro de las plataformas. Hablamos de producciones que rompieron los moldes imperantes y que lograron su éxito gracias al boca a oído o a comunidades de seguidores naturales de la ficción que amplificaron el altavoz publicitario que les habían previamente designado. Es decir, gracias al poder de la humanidad, de lo terrenal, frente al del 'big data' y el 'engagement'.

5 series que derrocaron al algoritmo

Sin querer desmerecer ni restar valor a los títulos comerciales, nos referimos en este reportaje a excepciones que demuestran que hay ciertos agentes en el consumo que aún la tecnología no puede controlar. Factores como la emoción o la sorpresa, que son impredecibles y que hacen que el éxito o no de una serie se base en algo más que sus métricas y resultados numéricos.

A continuación, proponemos cinco series que calaron con fuerza en el público a pesar del algoritmo:

· Adolescencia (Netflix)

Así es la serie: Adolescencia narra la historia de una familia cuyo mundo se ve trastornado cuando su hijo Jamie (Owen Cooper), de 13 años, es arrestado por el asesinato de una adolescente de su misma escuela. Stephen Graham interpreta al padre y adulto responsable de Jamie, Eddie Miller. Ashley Walters encarna al inspector Luke Bascombe, y Erin Doherty hace de Briony Ariston, la psicóloga clínica asignada al caso de Jamie.

Por qué triunfó: Adolescencia fue el gran fenómeno de ficción de 2025, arrasando de principio a fin toda la temporada de premios y dominando galardones de gran reconocimiento como los Emmy o los Globo de Oro, entre muchos otros. La miniserie británica no sólo consiguió el favor de la crítica y de la industria, sino que rompió récords de consumo a nivel mundial dentro de Netflix gracias al 'boca a boca' y a pesar de no seguir las mencionadas fórmulas que garantizarían su éxito.

Precisamente, las claves del fenómeno -las cuales desarrollamos en este otro artículo- fueron las particularidades que la hacían salirse de los estándares del algoritmo: entre otros factores, un reparto sin reclamos comerciales pero de sumo talento y una narración de sus cuatro episodios en plano secuencia que propiciaron un alarde de maestría técnica e interpretativa. Su temática acabó incluso saltando a la política, llevando a los jóvenes y la educación al centro del debate.

· The Pitt (HBO Max)

Así es la serie: The Pitt es un examen realista de los retos a los que se enfrenta el personal sanitario en los Estados Unidos de hoy, visto a través de la lente de los héroes de primera línea que trabajan en un hospital moderno de Pittsburgh, Pensilvania. Cada episodio sigue una hora del turno de 15 horas del Dr. Robby (Wyle) como jefe de urgencias del Pittsburgh Trauma Medical Hospital.

Por qué triunfó: The Pitt es otra de las series más aclamadas de los últimos años, reconocida también en los nombrados Emmy y Globos de Oro. Su caso es casi revolucionario, porque ha triunfado en plataformas nadando en la dirección totalmente contraria a la del cauce que recorre la ficción en el universo del streaming.

Este drama médico ha logrado una gran popularidad en HBO Max gracias, en parte, a que ha recuperado las estrategias clásicas de emisión de las series en abierto: episodios que rondan la hora de duración, temporadas largas de 15 capítulos y estreno semanal de sus entregas. También el lanzamiento de una temporada cada año, trayendo de vuelta unos plazos de producción que, en los últimos años, se han dilatado hasta la extenuación, tal y como explicamos en este otro reportaje. The Pitt sorprende también con una narrativa inusual, que potencia el realismo de las emergencias médicas, con cada capítulo reflejando en tiempo real cada hora del turno de urgencias del hospital.

· Mi reno de peluche (Netflix)

Así es la serie: Basada en la exitosa y galardonada obra en solitario del festival Fringe de Edimburgo, Mi reno de peluche narra la retorcida relación del comediante en apuros Donny Dunn (Richard Gadd) con su acosadora y explora cómo le afecta esta situación mientras se ve obligado a enfrentarse a un trauma enterrado en lo más profundo de su ser. Este drama cautivador, divertido y oscuro también cuenta con las actuaciones de Jessica Gunning como Martha, Nava Mau como Teri y Tom Goodman-Hill como Darrien.

Por qué triunfó: Mi reno de peluche se convirtió en 2024 en una de las series revelación del año, tanto en premios como en los charts de consumo de Netflix. Y lo hizo contra todo pronóstico, ya que traía a las pantallas una historia controvertida, incómoda y, por momentos, muy cruda a través de unos personajes a priori poco carismáticos y, también por momentos, realmente antipáticos.

Con un reparto prácticamente anónimo, la ficción triunfó por la conversación que generó en la primavera de aquel año su sorprendente y potente premisa y el bucle de desdichas en el que se ve envuelto su protagonista. La miniserie británica puso sobre la mesa el debate de la validación social, reivindicando la empatía en una sencilla y brillante escena final que cerraba a la perfección el círculo de sus tramas.

· Ángela (Atresplayer)

Así es la serie: Narra la vida de Ángela (Verónica Sánchez), una mujer aparentemente feliz junto a su marido, Gonzalo (Daniel Grao), con quien tiene dos hijas. Pero bajo esa idílica fachada, Ángela oculta un infierno de maltrato. Siempre en tensión, el frágil equilibrio de Ángela termina de romperse cuando conoce a Eduardo (Jaime Zatarain), un antiguo compañero de instituto por el que se siente inmediatamente atraída. Sin embargo, gracias a la intervención de su mejor amiga Esther (Lucía Jiménez), Ángela descubrirá que Edu no es quién dice ser.

Por qué triunfó: El de Ángela es un caso bastante particular, ya que se coló en el número 1 de Netflix en España, y otra gran cantidad de países, sin ser un título original de la plataforma roja. El gigante americano se hizo con la ficción tras su estreno primero en Atresplayer y después en abierto a través de Antena 3, donde tampoco consiguió unas audiencias realmente notables.

Aupada una vez más por el efecto bola de nieve de ese 'boca a oído', Ángela logró batir al algoritmo de Netflix pese a contar con varias 'trabas' iniciales: por un lado, que se presentaba como un thriller más dentro de la sobresaturada oferta del género y, por otro, que llegaba como una ficción basada en la británica Ángela Black, que tuvo un buen rendimiento pero sin alardes en la televisión de Reino Unido. Pese a todo, fue elevada por la fuerza de su personaje principal y su potente premisa, poniendo la violencia machista en la conversación social

· Los años nuevos (Movistar Plus+)

Así es la serie: Ana (Iria del Río) cumple 30 años el día de Año Nuevo con la vida aún por resolver: vive en un piso compartido, no le gusta su trabajo, cambia a menudo de amigos... Óscar (Francesco Carril) cumple 30 años el día de Nochevieja con la vida casi resuelta: médico vocacional, amigos fieles, y una relación que va y viene. La noche en la que los dos cumplen los 30 se conocen, se enamoran, y comienzan una relación cuyas idas y venidas se alargarán diez años.

Por qué triunfó: Los años nuevos fue uno de los grandes fenómenos del tramo final de 2024, cuando consiguió una gran viralidad en Internet que hizo intuir un gran consumo en Movistar Plus+ que realmente desconocemos, ya que la plataforma de Telefónica no ofrece datos. Sin embargo, mucho se habló de esta serie a la que solo pudo eclipsar en la temporada de premios -y en el ranking anual de verTele- una ficción 'hermana' dentro de Movistar: la brillante Querer de Alauda Ruiz de Azúa.

Con un reparto sin cartel verdaderamente comercial, el reclamo fue su creador Rodrigo Sorogoyen, demostrando que la autoría en la ficción también tiene hueco y aceptación frente a las fórmulas más maintream. El cineasta deconstruyó la comedia romántica en una ficción de voluntad indie que triunfó por su rompedora cotidianidad y realismo, por la identificación generacional del público con su pareja protagonista y por su riesgo narrativo, jugando con el tiempo -como hicieron otras series que recogimos en este especial- al reflejar un año de los diez que conforman la historia en cada uno de los diez capítulos que la componen.

Hablar en pleno 2026 de la crisis que atraviesa el consumo de televisión lineal no es ninguna novedad. Llevamos ya varios años alertando desde verTele de que cada vez son menos los espectadores que deciden sentarse día a día a una hora determinada frente al televisor, dispuestos a ver en abierto su programa o serie de cabecera. No descubrimos la pólvora si hablamos de que los hábitos de la población han cambiado a pasos agigantados durante el último lustro, condicionados por el asentamiento de las plataformas de streaming -potenciando aún más la fragmentación- y por la poca facilidad que las cadenas dan a la hora de programar sus ofertas.

Esto es algo que, sin duda, afecta a todos los tramos del día pero que se hace más evidente -y debería preocupar en los despachos de los principales grupos audiovisuales- en la llamada franja del prime time, el supuesto horario de máxima audiencia en televisión. Y aunque muchos lo sitúan a nivel teórico tras la última hora de la tarde, aproximadamente entre las 20:00 o 20:30 y las 00:00 de la medianoche, la realidad en la práctica es que para los principales canales generalistas el prime time debería venir determinado por ese momento en el que ubican su gran apuesta nocturna. Hablamos, por tanto, de títulos -ya sean de entretenimiento o de ficción- para los cuales las compañías han hecho grandes inversiones de producción.

El poderío de El Hormiguero, el todavía 'rey midas' de la pequeña pantalla, ya había provocado hace unos años que el access prime time (el de los formatos 'teloneros' de la noche) se prolongase en la parrilla. Sin embargo, la irrupción en septiembre de 2024 de David Broncano en La 1 con La Revuelta, y el consecuente duelo catódico que ha librado desde entonces contra el espacio de Pablo Motos, terminó por desvirtuarlo todo. Bastó menos de un mes para darnos cuenta de que esa apasionante batalla del access lo cambiaría todo: el prime time, tal y como lo conocíamos, había muerto.

La competencia diaria entre El Hormiguero y La Revuelta por liderar la franja -ya hoy decantada claramente en favor del primero- provocó que Antena 3 y RTVE comenzasen a jugar estratégicamente con la duración de sus programas, desencadenando que, en la presente temporada, las ofertas supuestamente destinadas al prime time hayan llegado a arrancar casi a las 23:30 de la noche. Sin ir más lejos, el pasado jueves 12 de marzo, Antena 3 inició su nuevo capítulo de Perdiendo el juicio a las 23:20 horas y La 1 dio comienzo a Al margen de todo -el ya cancelado programa de Dani Rovira- a las 23:25. Se trata de un movimiento estructural por el cual el access ha acabado engullendo al prime time y, como consecuencia, haciendo desaparecer definitivamente el late night.

Todo esto ha tenido como resultado un desplome en el consumo diario de los grandes concursos, realities y series de televisión, productos que antaño eran seguidos por millones y millones de personas y que, hoy en día, reflejan cifras alarmantes que nos hacen pensar que estamos ante un punto crítico de no retorno. Lo analizamos.

Liderar el 'prime time', cada vez más barato

Como decíamos, las noches televisivas son cada vez seguidas por menos espectadores. Tomando de nuevo como referencia el pasado jueves 12 de marzo, Supervivientes anotó en el tramo principal de su segunda gala en Telecinco -emitido entre las 23:12 y las 01:58 horas de la madrugada- una media de 1.112.000 espectadores y un gran 19.4% de share. Haciendo un rápido cálculo, llegamos a la conclusión de que, durante ese periodo exacto de la noche, hubo una media de 5.732.000 personas viendo la televisión. Hablamos de una cuantía que sigue encumbrando a la televisión como el medio de comunicación más masivo pero que denota el descalabro de consumo que la pequeña pantalla ha venido sufriendo de forma paulatina durante la última década.

Si nos remontamos a tres o cuatro años atrás, esos 5.7 millones de espectadores era lo que sumaban los dos o tres principales competidores del prime time; si nos retrotraemos a algo más de una década, es la cifra de televidentes a la que se acercaban algunos 'colosos' como La Voz (en su primera edición en 2012 promedió 5.2 millones de espectadores en Telecinco) o Velvet (en su primera temporada en 2014 logró una media de 4.2 millones en Antena 3). Hoy por hoy, esos 5 millones de espectadores de media en el horario nocturno son una quimera solo al alcance de los grandes eventos y competiciones deportivas y siempre en jornadas clave o de gran expectación.

De hecho, si repasamos el ranking de emisiones más vistas del pasado mes de febrero [cuyas audiencias detallamos en este otro análisis], vemos que la clasificación está liderada por la ida de semifinales de Copa del Rey entre el Atlético de Madrid y el F.C. Barcelona, que logró un promedio de 3.699.000 espectadores (26.7% de share), una cifra que no llega siquiera a la mencionada cota. Por lo demás, la lista está copada por emisiones de Antena 3 Noticias (en sus dos ediciones), otro partido de la Copa del Rey entre el Albacete y el Barcelona, y varias entregas de Pasapalabra en su horario habitual en las tardes de Antena 3.

Con todo, y como otro síntoma más del cambio de consumo que analizamos en este artículo, entre las 25 emisiones más vistas del mes de febrero tan sólo hay dos correspondientes a la franja del actual prime time. Y las dos corresponden a emisiones que realmente fueron evento. Por un lado, la gala de los 40 Premios Goya que alcanzaron el pasado 28 de febrero una media de 2.396.000 espectadores en La 1 y, por otro, la entrega del bote de Pasapalabra a Rosa el 5 de febrero que fue seguida por un promedio de 3.696.000 televidentes en Antena 3. Es decir, dos emisiones que lograron convocar a una gran masa de público por su condición de excepcionalidad. De resto, ninguna otra oferta habitual de prime time se posicionó entre lo más visto del mes.

Esa caída en el consumo televisivo ha 'abaratado' además el liderazgo del prime time, siendo necesarios datos cada vez más bajos para hacerse con el domininio de la noche. Si hace apenas unos años, tal y como contamos en este análisis, solían liderar la franja programas o series que rozaban los dos millones de espectadores, en la actualidad el históricamente llamado horario de 'máxima audiencia' puede ser conquistado con alrededor de 900.000 espectadores. Tanto es así que superar la barrera psicológica del millón de televidentes en prime time, como vemos a continuación, se ha convertido prácticamente en todo un hito.

Las audiencias de todo el prime time de esta temporada

Para poner negro sobre blanco en todo esto que estamos desgranando, procedemos a detallar, una por una, las audiencias que han promediado todos y cada uno de los productos que las principales cinco cadenas generalistas han programado esta temporada en su tardío prime time de lunes a jueves. Es decir, desde el pasado 1 de septiembre hasta hoy en los cuatro primeros días de la semana en los que el access prime time retrasa sus comienzos.

La 1:

Antena 3:

Cuatro:

Telecinco:

laSexta:

Enseguida, de un vistazo, observamos que de los 47 programas y series que han visto la luz en abierto de lunes a jueves en el presente curso televisivo, tan solo 3 superan la media del millón de espectadores: ENA. La reina Victoria Eugenia, Supervivientes All Stars 2 y La isla de las tentaciones 9. Un dato alarmante que hace tan solo unos años parecía impensable. Tan impensable como creer que a las grandes cadenas les sigue compensando programar sus grandes apuestas en un horario tardío en el que logran convocar cada vez a menos gente.

A esos tres mencionados títulos se les sumarían otros formatos como El Desafío, Atrapa un millón (Antena 3) o Lo de Évole (laSexta), que también superan la media del millón en esta temporada. Sin embargo, su inicio en la programación es más temprano al no llevar formato de access como 'telonero' y, por tanto, no sería justo compararlos bajo los mismos parámetros. Eso sí, da cuenta de que adelantar su horario en la parrilla hace que su proyección se produzca ante un mayor número de personas.

'El Hormiguero' y 'La Revuelta' se juegan el verdadero prime time

En el último año y medio, desde que arrancó ese duelo entre El Hormiguero y La Revuelta, la curva del consumo diario en televisión se ha ido deformando. Si tiempo atrás el pico de consumo máximo del día se posicionaba en torno a las 23:20 de la noche, en la actualidad ese tope se ha adelantado una hora, coincidiendo con el horario de emisión de los programas de Pablo Motos y David Broncano. Como vemos en la siguiente gráfica de la consultora Dos30, el pasado miércoles 11 de marzo el pico de consumo del día fue a las 22:19, minuto en el que se congregaron frente a la televisión más de 13.8 millones de espectadores.

A esa hora, La 1 de RTVE y Antena 3 se encontraban emitiendo sus programas diarios estelares, que durante esta temporada mantienen, como decíamos, una competencia claramente inclinada hacia El Hormiguero de Pablo Motos. A continuación, vemos cómo la audiencia media registrada por ambos programas en la presente temporada los posiciona como los únicos en la noche en sobrepasar holgadamente la barrera del millón de espectadores:

En definitiva, la competencia diaria entre El Hormiguero y La Revuelta, que tanto revitalizó el sector a comienzos de la temporada 2024 - 2025, ha acabado desplazando el prime time a un tardío horario que ha afectado del todo a sus audiencias. Cabe preguntarse entonces cuánto de rentable es para las cadenas de televisión seguir manteniendo una programación nocturna en la que no sacan brillo a formatos y series para los que han invertido grandes cantidades de dinero.

Para hacernos una idea, poniendo como ejemplo algunos productos de RTVE (la única emisora obligada a revelar sus presupuestos, los grupos privados no ofrecen datos), talent shows de la talla de MasterChef Celebrity tienen un coste total de 17.4 millones de euros, mientras que otros formatos como DecoMasters o Top Chef se sitúan en los 7.3 y 5.9 millones de euros, respectivamente. Unos importes económicos muy serios en torno a los que, a buen seguro, también se mueven los programas estrella de los canales privados.

Al margen de que todos ellos puedan tener una segunda vida en diferido, tal y como analizamos en este otro reportaje, lo que queda claro es que la configuración de la parrilla actual de la televisión generalista está desaprovechando, y sin aparente ánimo de reconducción, el mejor escaparate posible para sus productos más preciados. Tal vez, el sector de la televisión en abierto debe empezar replantearse en bloque la organización de sus horarios antes de que, nunca mejor dicho, sea demasiado tarde.

Después de haberse emitido en La 2 durante más de un año, Al cielo con ella se traslada a La 1 para convertirse en una de las grandes ofertas de entretenimiento de RTVE. Con este cambio de cadena, tanto el programa como su presentadora, Henar Álvarez, ganan importancia dentro de la televisión pública y se disponen a recorrer un camino muy similar al que hicieron Late Xou y Marc Giró hace no demasiado tiempo. Las trayectorias de estos dos formatos y de sus protagonistas son extremadamente parecidas, aunque el catalán acaba de dar un volantazo totalmente inesperado para iniciar una nueva etapa en laSexta.

Cuando se estrenó a finales de 2024, Al cielo con ella no era ni siquiera un programa de televisión como tal. Este pequeño experimento cocinado con pocos recursos bajo el paraguas de Producciones del Barrio –la compañía que lidera Jordi Évole– pasó sus primeros meses en la plataforma RTVE Play, donde adoptó la clásica fórmula del late show con entrevistas en plató, música en directo, un público totalmente entregado y alguna que otra sección de humor. Sería más de lo mismo –pero con menos recursos– si no fuera por el llamativo estilo de su presentadora y por el compromiso de esta con los valores del feminismo.

Precisamente por ello, el 8 de marzo de 2025, coincidiendo con el Día de la Mujer, la cúpula de RTVE premió al humilde formato de Henar Álvarez haciéndole hueco en la parrilla de La 2. En su primera temporada, el programa, que se emitió cada semana en la noche del sábado, tuvo una media de 289.000 espectadores y rondó el 2.8% de cuota de pantalla, datos similares a los que suelen manejar las apuestas de La 2. La segunda temporada, que está en emisión desde el pasado mes de octubre, ronda el 3% de cuota y los 380.000 seguidores.

Aun habiendo experimentado un pequeño incremento de audiencia, sus cifras son todavía muy bajas, acordes a la cadena en la que se emite, por lo que su traslado a La 1 entraña algunos riesgos importantes. En Torrespaña son plenamente conscientes de este peligro, pero creen que Al cielo con ella tiene potencial suficiente como para repetir el exitoso caso de Late Xou.

El espacio de Marc Giró también fue escalando poco a poco. Llegó a La 1 a principios de 2025 tras haberse granjeado su fama durante dos años en TVE Catalunya, la plataforma RTVE Play y La 2. Sus datos de audiencia no eran especialmente llamativos en esa época (estaban próximos al 4% de share), pero las entrevistas y los monólogos del showman hacían cada vez más ruido, así que RTVE decidió trasladarlo al prime time de La 1. Era una auténtica prueba de fuego que el programa superó con creces: al irrumpir en la primera cadena, su audiencia se triplicó.

Late Xou es el perfecto ejemplo de lo mucho que puede crecer un formato de televisión cuando se apuesta por él, aunque el recorrido, a veces, está lleno de curvas. “En RTVE he sido muy feliz, pero también muy infeliz (...) No ha sido fácil llegar hasta aquí”, explicó Giró el pasado mes de enero después de que se anunciara su fichaje por Atresmedia. Convertido ya en uno de los grandes activos de la cadena pública, el catalán salta a la competencia para iniciar una nueva etapa en laSexta, donde próximamente estrenará Cara al show.

El gran salto de Henar Álvarez al estrellato de RTVE

La 'fuga' de Marc Giró y la baja de Andreu Buenafuente han provocado un gran vacío en las noches de La 1, al menos en lo que se refiere al humor. Solo La Revuelta de David Broncano aguanta al pie del cañón.

Ante esta situación inesperada que ha puesto a prueba la capacidad de improvisación de Torrespaña, la cadena pública ha reaccionado con dos nuevas apuestas de comedia para el prime time de La 1: Al margen de todo y Al cielo con ella. El primero, capitaneado por Dani Rovira, solo ha aguantado tres semanas en pantalla debido a sus pobres datos de audiencia. Lo que ocurra con el segundo es todavía una incógnita.

Henar Álvarez tiene entre sus manos una oportunidad de oro, una oportunidad que se ha forjado a fuego lento. Hace un año, Jordi Évole aconsejaba a la presentadora que tuviera paciencia, que no se dejara llevar por el deseo de tener un mejor escaparate que el que le ofrecía RTVE Play. “Yo no tendría prisa, poquito a poco. Creo que es bueno que los programas rueden, que tengan su evolución”, comentó en una entrevista concedida a verTele a principios de 2025. Dos meses después de que el productor hiciera estas declaraciones, Al cielo con ella saltó a La 2. Un año más tarde, el programa está a punto de aterrizar en La 1.

Este es, posiblemente, el proyecto más ambicioso de Henar Álvarez, que por fin se cuela entre las grandes estrellas de RTVE después de haber reivindicado en muchas ocasiones que las mujeres, y más en concreto las mujeres cómicas, deberían estar más representadas en los medios de comunicación.

A sus 41 años, la madrileña acumula una extensa trayectoria como guionista y humorista de diferentes espacios de televisión, entre ellos el propio Late Xou, del que fue colaboradora entre 2023 y 2024. Ahora, tras haber ejercido todo tipo de papeles secundarios en la pequeña pantalla, Henar Álvarez se reivindica como la absolta protagonista de su propio programa, y lo hace, además, dentro de un género (el del late show) que siempre ha estado monopolizado por los hombres tanto en España como en otros países.

Hace unos días, cuando recogía uno de los premios concedidos por el Gobierno en la jornada del 8-M, Henar Álvarez dedicó el galardón a todas las cómicas que se han “partido la cara con todos los directivos de los sitios en los que han trabajado”. Aprovechó entonces para hablar de su propia experiencia, para contar que ella misma sufrió los desprecios de un directivo de la Cadena SER que le dijo que, además de no tener “ninguna gracia”, daba “cosita” ver cómo intentaba hacer reír a los oyentes de esta emisora. “Este señor ahora está en su casa y yo tengo un programa en la televisión pública”, soltó orgullosa. Y no un programa cualquiera: un programa en la noche de La 1.

Al cielo con ella se despedirá de los espectadores de La 2 este domingo 15 de marzo a las 22:30 horas. El coreógrafo Nacho Duato y la actriz Lidia San José serán los últimos invitados de esta etapa de maduración que ha durado poco más de un año. El programa debutará próximamente en La 1 con Shakira como estrella protagonista.

Una serie de televisión es interesante en la medida que lo son su premisa, su equipo creativo, su elenco actoral o la ejecución de su plantamiento. Sin embargo, lo que hace interesante a Day One, la nueva miniserie española de Amazon Prime Video, es el momento en el que llega y la multitud de casualidades y “casualidades” que la rodean.

“Casualidad”, entre comillas, es que haya llegado a la plataforma este viernes 13 de marzo, solo unos días después del Mobile World Congress de Barcelona. Lo es porque feria tecnológica figura entre las productoras de la serie —Zebra Producciones, NewCo Audiovisual, Documentales en Canarias S.L. y 3Cat también están detrás del proyecto—, así que la cercanía entre su celebración y el lanzamiento de este thriller tecnológico protagonizado por Álex González no parece que sea cosa del destino, sino un movimiento puramente comercial. Igual que el hecho de que su acción se ambiente en la semana del MWC y en varias de sus localizaciones.

También es casualidad —no necesariamente entre comillas— que Prime Video y el actor madrileño se hayan prestado a formar parte de una producción así cuando ya hicieron algo parecido en 3 Caminos (2021), aquella serie financiada por la Xunta de Galicia que promocionaba indisimuladamente el Camino de Santiago en año Xacobeo. Day One no llega a tal extremo con el Mobile World Congress, aunque tiene su gracia que Día Uno, el invento que le da nombre, sean unas lentillas inteligentes que convierten nuestros ojos en nuestro propio teléfono móvil, justo como el prototipo que una de las empresas participantes en el MWC presentó hace diez días en la Ciudad Condal.

Una amenaza contra la humanidad como punto de partida

Day One no es el “branded content” que sí era 3 Caminos porque su objetivo no es mostrar las bondades del MWC, sino poner en duda los avances tecnológicos de nuestra era, la de las redes sociales, la inteligencia artificial y el control de nuestros datos por parte de las grandes corporaciones. De hecho, su protagonista, Ulises Albet (González), es un programador informático que lleva diez años retirado y viviendo del campo por culpa de un hecho traumático relacionado con el uso que hacemos los seres humanos de la tecnología. Por desgracia para él, de golpe y porrazo se ve obligado a volver a Barcelona cuando su antiguo mejor amigo, Samuel Barrera (Asier Etxeandia), le alerta de que algo muy malo va a pasar coincidiendo con el Mobile World Congress.

A partir de aquí, una sucesión de acontecimientos amenazan la vida de Ulises y Rebeca (Alba Planas), la joven programadora que se cruza en su camino —sí, por casualidad— y con la que intentará destapar y frenar el peligro del que le habló Samuel. Una amenaza para toda la humanidad que tiene como principal artífice a Damian Diskin (Jordi Mollá), creador de Día Uno y reflejo, dentro de la serie, de esa figura mesiánica y megalómana que asociamos con los gurús de la tecnología, situándose en su caso más cerca del halo de misterio que rodeaba a Steve Jobs que del histrionismo que abandera Elon Musk.

Ulises y Diskin representan las dos caras de la misma 'moneda tecnológica'. El primero es un hombre obsesionado con no dejar rastro en Internet, mientras que el segundo defiende el uso sin límites de la tecnología. Ambas posturas dan pie a un debate muy pertinente en 2026; tanto como hablar del acoso en la red de redes, algo la serie hace a través de Rebeca y que los espectadores verán —o han visto ya, en el caso de los más adelantados— coincidiendo con el reciente anuncio por parte del presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, de la creación de una herramienta para combatir el odio en las redes sociales.

Esta fortuita casualidad demuestra la importancia que ha alcanzado un asunto como este en nuestra sociedad. Por desgracia, Day One lo presenta —como las posturas de Ulises y Diskin y la relación de los humanos con la tecnología— sin mostrar demasiado interés en ellas. De hecho, el guion de Cristina Pons, Luis Arranz, Luis Moreno y Juan Salvador López reduce estas cuestiones a unas pocas escenas, las cuales comparten espacio con otras en las que vemos a los personajes usar Alexa, el asistente virtual de Amazon. La misma Amazon que ha dado luz verde a la serie y que realiza, de esta manera tan poco sutil, una especie product placement 'meta' similar los que vemos en las producciones de AppleTV cuando sus personajes usan un iPhone o un iPad.

'Day One', una serie sin pulir

Detalles como este, la falta de profundidad señalada y la contrariedad que supone ver a Ulises obsesionado con su huella digital y, al mismo tiempo, protagonizando una emotiva escena gracias a la IA, evidencian que Day One no tiene claro el discurso que quiere defender en torno a la tecnología que nos rodea. Y en parte es lógico que así sea, porque quién tiene algo claro en estos momentos, con los imprevisibles algoritmos y el desconocimiento que aún hay en torno a la IA. Aun así, una serie de televisión no es la vida real, y de ella se espera que tenga las ideas claras, con independencia de que éstas sean acertadas o no. Y Day One no las tiene.

Como mucho, lo único que parece tener claro esta ficción es que, en vez de jugar con los temas que pone encima de la mesa, prefiere ser un thriller al uso en el que la amenaza tecnológica podría ser intercambiada por otro tipo de amenaza sin que esto alterara mucho el resultado final. Es una pena, porque por fechas podría haber mantenido un improvisado e interesante diálogo con series coetáneas como son la segunda temporada de The Pitt (HBO), que habla del uso de la IA en la sanidad, y la primera de The Beauty (Disney Plus+), que ahonda en la obsesión por la belleza aprovechando este tiempo que nos ha tocado vivir, con los filtros de belleza y la persecución por los likes de Instagram a la orden del día.

Day One prefiere ser una serie más cómoda y corriente, lo cual deja claro desde el principio con total honestidad. Esto no tendría por qué ser del todo malo de no ser por la deficiente ejecución de la serie, a la que le sobran casualidades —una policía destapa algo muy importante porque se encuentra una tablet por accidente, otro se enfrenta a un problema médico aparentemente irreversible que solo Diskin puede solucionar, un periodista vuelve a Barcelona para investigar un asesinato sin saber que su novia la autora del mismo...— y le faltan un montaje y una dirección —esto último a cargo de Marta Pahissa y Víctor Cuadrado— que resulten menos bruscos e incómodos en sus peores momentos.

En resumidas cuentas, Day One parece el boceto de una prometedora ficción al que le faltan un par de vueltas para llegar a ser algo más. Por tanto, a Prime Video le sale otra vez a deber en nuestro país, donde lleva años mostrándose con un agente más o menos activo de la industria nacional, pero sin llegar a ofrecer resultados satisfactorios más allá de excepciones como Su Majestad, Días mejores o Los Farad. De hecho, su valor añadido está en el terreno de las películas —la trilogía de éxito mundial Culpables— o en los contenidos de no ficción —las dos últimas ediciones de OT, la retransmisión de partidos de la NBA— antes que en la producción de series originales. Ojalá los próximos estrenos de Vida perra, Cochinas y La casa de los espíritus reviertan esta tendencia.

“La verdad depende de quién te cuenta el cuento”, dice el personaje de Clara Galle en uno de los capítulos de Esa noche, la nueva serie española que Netflix estrena este viernes 13 de marzo. Una frase que sería un buen claim para esta ficción, que podría definirse como un thriller entretenido que va de más a menos y que funciona mejor cuando no se toma muy en serio a sí mismo.

Esta producción de 6 episodios nos sitúa en República Dominicana, un paraíso que se vuelve un infierno para tres hermanas de Pamplona durante unas vacaciones familiares después de que una de ellas, Elena (Galle), atropelle a un hombre con su coche. Desesperada y asustada llama a Paula (Claudia Salas) y Cris (Paula Usero), quienes deben ayudarla a decidir qué hacer en esa situación, ante el riesgo de que la hermana pequeña vaya a la cárcel y deje a una bebé recién nacida sin su madre.

Con este rocambolesco punto de partida arranca una serie que miente al espectador contando la historia desde seis puntos de vista diferentes, uno por capítulo. Una estructura interesante que da lugar a tantos giros como versiones de un mismo cuento puede haber, y que en cierto modo ayuda a alimentar la curiosidad de quien se asoma a esta ficción atraído por su premisa.

Este es quizás el mayor acierto de un estreno que verTele ha podido ver al completo, y que se aleja radicalmente de otros thrillers españoles que Netflix ha producido en los últimos tiempos. Frente a títulos recientes como El cuco de cristal, Dos tumbas o Ciudad de sombras, Esa noche apuesta por no seguir el 'abc' del género y muestra la historia desde el punto de vista del 'villano' -o en este caso 'villanas'-, con una huida hacia adelante que aporta algo de dramatismo.

Lo hace, además, con cierto tono cómico que impulsa a no tomarse demasiado en serio la serie. En ese sentido, funciona como un producto entretenido que encaja en el modelo 'fast food' de Netflix, esas ficciones que buscas un fin de semana en el que no te apetece pensar demasiado. Sin embargo, Esa noche encalla en su tramo final, cuando precisamente pierde esa ligereza y se da una mayor trascendencia después de un inicio que sugiere lo contrario.

Es más un buen entretenimiento que una buena serie

El que se asome a Esa noche después de haber visto el tráiler, lo hará siendo consciente de que no va a encontrarse un thriller que le cambie la vida. No es eso lo que prometen los avances ni probablemente lo que pretendía su creador, el productor Jason George (Narcos, Into The Night), en su primera aventura en la ficción española. Salvando las muchas distancias, lo que sí plantea es un entretenimiento cercano al fenómeno de La Asistenta, que solo puedes disfrutar si estás dispuesto a entrar en sus códigos y tomártelo como lo que es.

Quizás por compartir con esta origen literario, su adaptación audiovisual es más un buen entretenimiento que una buena serie. Como decíamos, su estructura narrativa es el mayor acierto de la producción, que permite conocer en profundidad a cada personaje y su versión en cada uno de sus capítulos: desde las hermanas que interpretan Clara Galle, Claudia Salas y Paula Usero, hasta las historias de Pedro Casablanc (su padre), Nüll García (pareja de una de ellas) y Alícia Falcó, cuyo papel dejaremos sin desvelar.

En ese sentido, el primer bloque de tres episodios es el que mejor funciona al apostar por el tono que debería haber impregnado el conjunto de seis. La segunda parte, sin embargo, se vuelve inverosímil, especialmente en un capítulo final que resulta difícil de defender. Salvando las interpretaciones de sus actrices, que reman a favor en todo momento, cuesta entender las decisiones creativas.

En lo positivo, conviene destacar el hecho de que la serie esté liderada por cuatro mujeres, aunque en el cartel solo aparezcan tres, y que todo gire a su alrededor. No es algo arbitrario, pues lo que vertebra la historia son sus lazos de hermandad y esa idea de proteger a una hermana por encima de cualquier dilema moral. También es interesante cómo profundiza en los traumas de la infancia y cómo estos configuran la personalidad que tienes después como persona adulta, subtrama que sostiene y da sentido a la segunda parte de la ficción.

El curioso caso de 'Esa noche'

El caso de Esa noche es curioso, pero a la vez refleja a la perfección la era en la que nos encontramos a nivel de producción audiovisual desde la irrupción de las plataformas. La nueva serie española de Netflix está basada en la novela That Night de la autora británica Gillian McAllister. Es decir, no está basada en un bestseller nacional como las adaptaciones que ha hecho el streamer de Javier Castillo (La chica de nieve, El cuco de cristal) o Elísabet Benavent (Valeria, Un cuento perfecto, Toda la verdad de mis mentiras), sino en un libro que no ha sido top ventas aquí.

Como ocurrió hace años con El inocente, que entonces adaptaba al estadounidense Harlan Coben, Netflix ha buscado en el panorama internacional una historia que convertir en local, pero a su vez exportable para colarse en los 'top' del mayor número de países posibles. Evidentemente, en este caso se han cambiado aspectos importantes de la trama para adaptarla, desde el género de los protagonistas hasta las localizaciones donde se desarrolla la acción.

La ficción está creada por el productor Jason George, en cuyo currículum destacan títulos como Narcos, Scandal, Alice in Borderland o Into the Night. Él mismo firma los guiones junto a Lara Sendim (Los renglones torcidos de Dios, El inocente), mientras que la dirección está a cargo de los españoles Jorge Dorado (Mindscape, El embarcadero) y Liliana Torres (Mamífera, Kimeres).

El resultado es una serie multicultural que tiene muchos ingredientes para destacar en el algoritmo de Netflix y hacerse fuerte en el 'top', que es lo que parece que rige actualmente la burbuja de la ficción con un nivel de producción inabarcable. La disfrutarán aquellos que busquen una historia entretenida.

Supervivientes 2026 arrancó el pasado jueves 5 de marzo su andadura en Telecinco con una primera gala presentada por Jorge Javier Vázquez y María Lamela, que vivió su esperado debut como sustituta de Laura Madrueño en la isla. El estreno trajo consigo los emblemáticos saltos del helicóptero, la gran yincana inaugural de la edición y la confirmación de Almudena, Darío y Borja -estos dos en el Conexión Honduras del domingo- como concursantes sorpresa que se unieron a última hora al reality show producido por Cuarzo.

El trío procedente de La isla de las tentaciones completó, a falta de saber si se producen aún más incorporaciones, un grupo de 21 robinsones que ha llamado la atención de los seguidores más acérrimos del formato. Y es que, al contrario de lo que ha ocurrido históricamente en el programa de Mediaset, sorprendió la falta de un gran reclamo en el casting en las semanas previas a su regreso a Telecinco. Es decir, la inclusión de uno o varios personajes que despertasen el interés general de la audiencia para que se acercaran con altas expectativas al inicio de la expedición.

En 2025 ya se rozó esta situación, lo que obligó a cadena y productora a tirar de imaginación y estrategia televisiva, echando mano de una de sus colaboradoras estrella: Terelu Campos. Supervivientes jugó al despiste con la tertuliana, cebando su viaje a Honduras sin etiquetarla como concursante pero sin especificar tampoco un papel que finalmente se limitó al de 'invitada'. La estancia de Terelu en los Cayos Cochinos duró apenas dos semanas, el tiempo preciso para que el triángulo amoroso formado por Montoya, Anita y Manuel se incorporase de forma definitiva a la aventura tras la conclusión de La isla de las tentaciones 8.

Sin embargo, al margen de esa fórmula repetida con Almudena, Darío y Borja, este año los fans de Supervivientes han vivido con desconcierto el goteo de confirmaciones de su casting, en el que realmente no hay un gran nombre con poder de convocatoria inicial como el que tuvieron en el pasado, por ejemplo, celebrities del clan Pantoja, de la familia de Rocío Jurado o colaboradores del entonces exitoso universo de Sálvame. Con los veteranos Ivonne Reyes y José Manuel Soto como excepciones, la plantilla de robinsones de Supervivientes 2026 está copada por perfiles poco conocidos por el gran público y, sobre todo, con corta o escasa trayectoria previa en la televisión.

Sin duda, estamos ante un cambio de rumbo en la configuración del grupo de protagonistas del reality más extremo de la pequeña pantalla, cuyas causas y consecuencias merece la pena observar. Lo analizamos.

El casting joven y atlético de 'Supervivientes 2026', a examen

El casting de Supervivientes 2026 está configurado por Álex de la Croix, Gabriela Guillén, Alberto Ávila, Ingrid Betancor, Aratz Lakuntza, Marisa Jara, Alba Paul, Paola Olmedo, Toni Elías, Teresa Seco, Claudia Chacón, Maica Benedicto, Gerard Arias, Álex Guita, José Manuel Soto, Ivonne Reyes, Jaime Astrain, Alvar Seguí de la Quadra-Salcedo, Almudena Porras, Darío Linero y Borja Silva. Un plantel de concursantes en los que llama la atención, como decíamos, la gran presencia de perfiles con poca carrera en el medio y, particularmente, en los reality shows de Mediaset.

Además de los destacados previamente Ivonne Reyes y José Manuel Soto, encontramos algunos 'canteranos' del género, como Maica Benedicto (GH 19) o Almudena, Darío, Borja, Claudia y Gerard, de La isla de las tentaciones 8 y 9; protagonistas recientes de la prensa del corazón, como Paola Olmedo (exnuera de Carmen Borrego) o Gabriela Guillén (ex de Bertín Osborne); o participantes con puntual experiencia en formatos de aventura, como Alba Paul (mujer de Dulceida) y la actriz Álex de la Croix, que concursaron en 2024 en la séptima edición de Pekín Express en HBO Max.

De resto, la cuadrilla se ve completada con varias influencers y, sorprendentemente también, con una amplia representación de deportistas: un entrenador personal (Álex Guita, el ex de Adara), un expiloto de Moto GP (Toni Elías), un exfutbolista (Jaime Astrain) y dos atletas (Alberto Ávila y Aratz Lakuntxa). Un total de cinco concursantes de gran potencial físico, aspecto a tener en cuenta tanto en las pruebas como en la exigencia que supone la propia aventura y que dota al global del casting un cariz muy competitivo.

Por último, el tercer factor que resalta en Supervivientes 2026 es la juventud general de sus protagonistas. Con Aratz y Darío como benjamines de la edición (25 años) y José Manuel Soto (64 años) como el más experimentado, el reality show cuenta este año con una media de edad entre sus concursantes de 35,2 años. Nos encontramos ante la edición con la media de edad más baja de las últimas seis ediciones de Supervivientes en Telecinco. Hay que remontarse al año 2020, a la edición que conquistó Jorge Pérez, para hallar un casting más joven: los participantes de aquella entrega promediaban 32,8 años. Supervivientes se rejuvenece así, con la mayoría de sus participantes (8) en la treintena mientras que solo 5 superan los 40 años.

Todos estos factores en la selección del casting, cuyos motivos y consecuencias desarrollamos a continuación, afectarán a los contenidos del reality show de Telecinco, que podrá explorar y potenciar aspectos del formato diferentes a los de años anteriores.

3 factores que explican el casting de 'Supervivientes 2026'

Habrá que esperar para ver qué rendimiento da este grupo de robinsones al resultado global de Supervivientes 2026, confiando siempre en que el equipo de casting de este tipo de formatos -de largo recorrido en televisión- cuenta con experiencia de sobra para configurar un plantel de protagonistas entregados a la causa y a la altura de lo que demanda un concurso de este calibre.

Ante la falta de ese reclamo del que hablábamos al comienzo del artículo, Cuarzo Producciones ha decidido reforzar de primeras con gente joven y atleta la parte física de supervivencia. Todo ello, frente al apartado de espectáculo y reality show que se irá desarrollando, como ocurre cada año, con el avance de la edición. Telecinco se enfrenta así a un forzoso giro respecto a lo que se veía hace unos años en Supervivientes y que se debe a varias razones.

La larga trayectoria de Supervivientes en la pequeña pantalla, tras 25 años y 23 ediciones con famosos (cuatro en Antena 3 y diecinueve en Telecinco), sumada a de las versiones VIP de Gran Hermano y otra multitud de realities de Mediaset con celebrities como participantes, ha provocado que cada vez sea más difícil encontrar perfiles populares que no hayan estado ya en algún formato de este género en la cadena.

Por otro lado, el cambio de modelo de Telecinco iniciado en 2023 con la cancelación de Sálvame hizo que Mediaset perdiera un importante filón en lo que a la creación de nuevos personajes se refiere. El cortijo de Jorge Javier y compañía en las tardes del canal no solo sirvió para que algunos de sus rostros más importantes se animara a concursar en Supervivientes -formato, por cierto, que dio su razón de ser en 2009-, sino también para que extendiera todo un universo en el que a menudo surgían figuras con potencial para nutrir los realities de la cadena.

Todo un ejercicio de retroalimentación que ya se ha perdido y que Mediaset no ha conseguido recuperar con ninguno de los formatos de actualidad y corazón que ha impulsado en los últimos tres años. Ante esto, la productora ha tenido que estrujarse más el cerebro y mirar hacia ámbitos profesionales que hasta el día de hoy se dejaban al margen.

“No es fácil convencer a famosos para que participen en Superivientes”, explicaba a verTele Juanra Gonzalo, director general de Cuarzo, durante nuestra visita a los Cayos Cochinos para asistir a la grabación de su último All Stars. El máximo responsable del formato reconocía entonces las dificultades para encontrar celebrities debido a la saturación de programas con famosos -concursos, talents y realities- en televisión.

“Hay veces que nos hemos encontrado que hay hasta siete programas haciendo castings de famosos y desde alguna televisión están reventando los precios”, destacaba el productor, que aseguraba que en su compañía no están “dispuestos a pagar lo que sea para que venga cualquiera porque no tenemos ese presupuesto”. El directivo admitía que, por esta razón, se tienen que acomodar a las posibilidades de su bolsillo: “Este formato ya de por sí tiene un presupuesto muy elevado por todo lo que supone hacer doce horas a la semana en directo desde aquí. Si pagamos y damos cheque en blanco a la gente por que venga aquí, sería inviable”.

Desde Cuarzo resaltaban así la gran competencia del mercado televisivo para 'fichar' a unos famosos que, comparando propuestas entre formatos, tienden a decantarse por aquellos que no le exijan tanto como lo hace Supervivientes: “Muchos verán que hay una oferta de otro tipo de programas que te permiten estar en casa, viviendo bien, y tener que venir aquí a pasarlo fatal... pues claro”, comentaba por su parte Ángel Ludeña, director de las galas del reality desde Honduras. Ante esta situación, el equipo ha tenido que tirar de imaginación en los últimos años y mirar a otros sectores profesionales no tan explotados en la pequeña pantalla.

Desde que Cuarzo Producciones cogió el testigo de Bulldog TV a cargo de Supervivientes, el reality ha reforzado sus juegos en la isla. En Supervivientes 2025, tal y como nos explicó Estanislao Pérez, actual guionista de juegos del programa, se llegaron a crear un total de 106 pruebas diferentes destinadas a las tres galas en directo que Telecinco emite cada semana.

La productora ha dado así un impulso al ámbito más competitivo del reality, algo que, según sus responsables, el público valora positivamente: “Nosotros damos mucha importancia a los juegos, a esos juegos en directo donde ves que no sé de dónde sacan la fuerza para hacerlos. Yo creo que eso se nota que gusta en casa, porque vemos en la curva [de audiencia] que la gente se queda pegada viendo esos juegos. A veces nos agobiamos por si se alargan mucho pero luego ves que la curva no afecta y que a la gente le gusta ver eso”, admitía entonces Juanra Gonzalo a este medio.

Por este motivo, no es de extrañar que Supervivientes apueste cada vez más por incluir en su plantel de concursantes a un buen grupo de participantes de gran resistencia física, capaces de enfrentarse a los duros juegos que propone el programa. En ese apartado, el estado de forma y la edad son claves para dotar a las pruebas de una abierta competitividad que enganche a los espectadores.

Así es la búsqueda del casting perfecto de 'Supervivientes'

Pero... ¿cómo se llega a ese casting 'perfecto' o soñado por la productora? Gonzalo y Ludeña, junto a Ángeles Villamarín, directora de Producción de la compañía, nos contaban durante nuestra mencionada visita a Honduras que son ellos mismos los tres encargados de elegir cada año al plantel de celebrities que quieren que se embarquen en esta aventura. Según sus testimonios, todo comienza con “una lista de deseos”: “Se hace una lista en la que hay muchos nombres, de perfiles diferentes, y vamos llamando a la gente”, empezaban desarrollando, tal y como recogimos en este otro artículo.

“Luego se va componiendo la foto en la que, por supuesto, hay una parte presupuestada”, afirmaba la máxima responsable del departamento de producción y, por ende, gestora de las partidas económicas con las que cuenta el programa. Villamarín aseguraba que en la selección final siempre pesa tanto el perfil de los participantes como el presupuesto: “Se hace teniendo en cuenta todo”. Y Juanra Gonzalo precisaba que toda esta labor “se hace conjuntamente con Mediaset”: “Todo está consensuado, todo está hablado y la decisión final es conjunta. Aquí no se hace nada de una forma unilateral, ni por parte de Mediaset ni por la de nosotros”, aclaraba.

En cuanto a esos perfiles que analizábamos, Ludeña señalaba que se hace “una mezcla”: “Buscamos perfiles que sean diferentes y que aporten cosas distintas. ¿Grandes nombres? A todo el mundo nos gusta tener un gran nombre que nos cubra esa parte de expectación por ver saltar del helicóptero, por ejemplo, a Terelu, a Carmen Borrego, o a alguien así, pero luego hay nombres que sorprenden y, de repente, llega una persona medio anónima que se convierte en una superestrella”, expresaba, recordando los casos de algunos participantes 'anónimos' de La isla de las tentaciones que luego han acaparado el foco en Supervivientes, como ocurrió con Montoya. “Y hay otros de los que esperas mucho y de repente no funcionan”, apostillaba

El director de Supervivientes en la isla exponía entonces un breve esquema de los targets a los que se suelen dirigir a la hora de contactar a un famoso o a otro: “Tienes una mezcla siempre entre grandes nombres; personajes de realities y gente que siempre funciona; gente del mundo nostalgia que hace tiempo que no sale en televisión y vuelven a aparecer de nuevo... Es un poco mezcla. Y luego también por perfiles de edad, pues hay que tener a gente mayor y a gente más joven, que atraiga al público más joven. Es una cuestión de equilibrar el casting y tener variedad”, enumeraba Ludeña, a quien su jefe respaldaba en esa idea de apostar por “gente que sabemos que funciona en un reality”.

“Es importante que haya gente que sepa que esto es un programa de televisión porque nosotros, como habéis visto, tenemos contacto cero con los concursantes. Es decir, no podemos estar diciéndoles 'haz esto, haz lo otro', es una de las bases del programa”, declaraba el director de Cuarzo.

El 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, se convierte un año más una jornada para reivindicar los derechos de las mujeres en todos los ámbitos. También es el marco ideal para volver a poner el foco en la televisión y en esa cuenta pendiente histórica que arrastran las principales cadenas, donde la franja más vista sigue sin alcanzar la tantas veces demandada equidad.

Recientemente, en su visita a La Revuelta por los Premios Goya, Rigoberta Bandini dio a David Broncano y su equipo un 'tirón de orejas' por la falta de mujeres en su programa. “Esto es un campo de nabos”, dijo la artista, reflejando el sentir generalizado de un público que temporada tras temporada pone de relieve esta desigualdad que existe en los programas estrella de la televisión.

El tradicionalmente llamado access prime time, que actualmente es el prime time televisivo, está copado de programas presentados por hombres. Ocurre en la mencionada La Revuelta de La 1 de RTVE, pero también en El Hormiguero de Antena 3 con Pablo Motos, en First Dates de Telecinco con Carlos Sobera, en Horizonte de Cuatro con Iker Jiménez, en Cifras y Letras con Aitor Albizua en La 2 y en El Intermedio de laSexta con El Gran Wyoming, en su caso junto a la copresentadora Sandra Sabatés. Un “campo de nabos”, como diría Rigoberta Bandini, o un despliegue de 'señores haciendo cosas' que, por mucho que se siga señalando, parece que nunca cambia.

Desde que pioneras como Blanca Álvarez -primera mujer en presentar un Telediario-, Pilar Miró -primera mujer en dirigir RTVE-, Laura Valenzuela, Mercedes Milá, Concha García Campoy, Olga Viza, Ana Blanco, Mayra Gómez Kemp o María Teresa Campos empezaran a romper techos de cristal en sus respectivos géneros televisivos, han sido muchas las mujeres que han ido consiguiendo hitos en la pequeña pantalla. También en terrenos ejecutivos y empresariales, aunque no aparezcan en primera plana. Sin embargo, la industria sigue arrastrando 'debes'. Empezando por el periodismo televisivo, un sector dominado por hombres.

Después de varios años elaborando una fotografía de la situación en las distintas cadenas en materia de igualdad, en verTele apostamos esta vez por poner en valor los techos que se han roto en los últimos tiempos en televisión gracias al trabajo de las profesionales del medio, y aprovechamos para volver a insistir en las cuentas pendientes que hereda una industria a la que le cuesta desprenderse de las dinámicas machistas.

Techos de cristal que han roto las mujeres en TV

· Mujeres al frente del Telediario principal y el informativo más visto

Que el Telediario principal de la televisión pública, el de las 21:00 horas en La 1 de RTVE, esté presentado por una mujer no equilibra la balanza de un contexto en el que los hombres son mayoría. Sin embargo, sí es un techo que han roto periodistas como Ana Blanco, Marta Jaumandreu, Ana Roldán, Marta Carazo y Pepa Bueno, actualmente en la televisión de todos.

También el hecho de que el informativo más visto de la televisión sea el de Sandra Golpe en Antena 3 es un gran paso en este terreno. Y es que en las ediciones de mediodía sí hay mayoría femenina, con ejemplos como la propia Golpe, Alejandra Herranz, Isabel Jiménez, Helena Resano y Alba Lago entre semana, y María Casado y Mónica Carrillo los fines de semana.

· Las presentadoras dominan la mañana en TV

Más allá de las noticias, existen franjas de la programación en las que se han tumbado las barreras históricas. Especialmente en la matinal, donde las presentadoras son mayoría desde hace varias temporadas: en La 1 Silvia Intxaurrondo y Adela González, en Antena 3 Susanna Griso y en Telecinco Ana Terradillos, Ana Rosa Quintana y Patricia Pardo.

No tanto a día de hoy en la tarde, donde ejemplos como Sonsoles Ónega en solitario, y presentadoras como Marta Flich, Cristina Pardo y Laila Jiménez en compañía de presentadores hombres, son excepción en los espacios diarios de lunes a viernes. En fin de semana, Nuria Roca destaca como presentadora en solitario en formato de actualidad con La Roca, mientras que Emma García hace lo propio con un magacín como Fiesta.

· Mujeres narradoras de partidos de fútbol de hombres

En las retransmisiones deportivas en televisión, algo históricamente reservado para los hombres, existen pioneras como Paloma del Río en RTVE y Mónica Marchante en Movistar Plus+. Sin embargo, en los últimos tiempos se ha roto un techo de cristal en un deporte tan machista como el fútbol, con mujeres como narradoras principales de los partidos tanto femeninos como masculinos. En este terreno, Alicia Arévalo, Andrea Segura o Alba Oliveros han marcado el camino.

· El hito reciente de Rosa Rodríguez en los concursos televisivos

En el género de los concursos, otro territorio dominado por hombres tanto en labores de presentación -todos los concursos que actualmente se emiten en TV están conducidos por hombres- como en los rankings históricos de ganadores, ha habido recientemente un hito a destacar: la victoria de Rosa Rodríguez en Pasapalabra, convirtiéndose en la ganadora del bote más alto de la historia del programa de Antena 3 (2.716.000 euros el pasado mes de febrero). En el top-10 solo hay otra mujer, Paz Herrera, en la décima posición.

Las asignaturas pendientes en una TV todavía desigual

· Se buscan mujeres en la franja más vista de la TV

Como señalábamos al inicio de este artículo, la franja más vista de la televisión actual es un reflejo de todo lo que falta por avanzar en la sociedad en materia de igualdad. En los programas más vistos de las cadenas, los que se emiten a la hora que más público está viendo la televisión, solo vemos un plantel de presentadores hombres que, en el mejor de los casos, cuentan con algunas mujeres a su lado como Sandra Sabatés en El Intermedio, Elena Herraiz en Cifras y Letras, Carmen Porter en Horizonte o tertulianas como Nuria Roca o Cristina Pardo en El Hormiguero. Queda todavía mucho por equilibrar.

· Sin equidad en los programas estrella de Telecinco y Antena 3

Del mismo modo, tampoco encontramos equidad en la mayoría de programas estrella de la televisión. Sacamos de la ecuación a La 1 de RTVE, que como hemos repasado en años anteriores es la excepción al poner muchos de sus programas de prime time -actualmente casi late night- en manos de mujeres como Chenoa (The Floor y Dog House), Paula Vázquez (Hasta el fin del mundo y Top Chef), Patricia Montero (DecoMasters) o Raquel Sánchez Silva (Maestros de la costura Celebrity).

Sin embargo, si nos fijamos en Telecinco y Antena 3, Sandra Barneda (La isla de las tentaciones y galas de Supervivientes: Conexión Honduras), Beatriz Archidona (De Viernes) y Eva González (La Voz) son todavía minoría en sus respectivas cadenas. A esta última se ha sumado recientemente Patricia Conde, fichaje de Atresmedia para relevar a Juanra Bonet en Juego de pelotas.

· Los concursos y la figura de la 'azafata' en pleno 2026

Como comentábamos en líneas superiores, los concursos de televisión son un género esencialmente masculino. Todos los formatos diarios que vemos actualmente en la pequeña pantalla están conducidos por hombres: Saber y ganar (Jordi Hurtado y Rodrigo Vázquez) y Cifras y letras (Aitor Albizua) en RTVE; El precio justo (Carlos Sobera) y Allá tú (Juanra Bonet) en Telecinco; y La ruleta de la suerte (Jorge Fernández) y Pasapalabra (Roberto Leal) en Antena 3.

Sin embargo, si hay una herencia de la televisión machista que se mantiene en la actualidad en este género es la figura de la 'azafata', que es la única representación femenina en estos programas más allá de las concursantes puntuales, de la voz en off de Saber y ganar, que es la de Elisenda Roca y la participación de Pilar Vázquez, y de la participación de Elena Herraiz en Cifras y letras como experta. Pilar Vázquez

El streaming se presentó ante nuestros ojos hace más de una década como un campo de batalla que vivía una fase de expansión desenfrenada a nivel global. De hecho, Netflix desembarcó en nuestro país con la intención de engrandecer el título de gigante que ostentaba en otros mercados. Poco a poco, la llegada de otras 'majors' titánicas acentuó la fragmentación de nuestro panorama audiovisual, elevando los estándares para la renovación de determinados títulos. Es el momento de poner el foco en aquellas series recientes que han superado el corte de la compañía de Los Gatos tras la emisión de su primera temporada.

Según datos del sector analizados por verTele, la supervivencia de una ficción en el catálogo de Netflix no depende exclusivamente de su impacto global. La plataforma apuesta por otros factores determinantes como los resultados en el país de origen: es razonable considerar que el futuro de una producción española esté íntimamente relacionado con el respaldo de su público objetivo más allá de su repercusión en otras latitudes. De igual modo, el servicio de streaming pone especial énfasis en las audiencias cosechadas durante sus primeros 28 días, tal y como queda patente en las métricas para la elaboración de sus rankings.

Los elementos clave descritos, además de otros de carácter interno, responden a la siguiente cuestión: “¿Por qué se cancelan series con una única temporada si su arco argumental puede dar mucho más de sí?”. Procedemos a recoger aquellas producciones que, en los últimos años, no estuvieron a la altura de las expectativas pese al elevado interés inicial. Es el caso de El refugio atómico, Olympo, Manual para señoritas o Mano de hierro: ninguna de ellas logró la ansiada renovación independientemente de sus audiencias mundiales durante el año 2025. Otros títulos como Machos Alfa, Respira o Animal sí pasaron el corte y se mantienen en emisión.

'El refugio atómico', un drama de multimillonarios a las puertas de la Tercera Guerra Mundial

Estrenada en septiembre de 2025, El refugio atómico mezcla suspense y drama mientras cuenta la historia de un grupo de multimillonarios encerrados en un búnker de lujo. Ante la amenaza de una guerra a nivel global, distintos perfiles adinerados libran su particular batalla por resolver si el apocalipsis exterior es una realidad o se trata de un engaño. Minerva (Miren Ibarguren), Guillermo (Joaquín Furriel), Frida (Natalia Verbeke), Rafael (Carlos Santos) y Victoria (Montse Guallar), entre otros, se enfrentan a paranoias, secretos familiares y luchas de poder.

La unión entre Álex Pina y Esther Martínez Lobato, los padres de La Casa de Papel, no se tradujo esta vez en un éxito tan contundente como Vancouver Media esperaba. De hecho, este producto distópico —a veces difícil de digerir— se conformó con la emisión de los ocho capítulos desarrollados para lo que pretendía ser su presentación ante la audiencia. Uno de los aspectos a tener en cuenta es que los giros de guion solo causaban efecto si el público empatizaba con los personajes, y las críticas no fueron positivas. Los resultados que se exponen a continuación no bastaron para que se aprobara su renovación, a pesar de que sí se había planteado una temporada 2:

'Olympo', la ambiciosa serie juvenil que aspiraba a ser la nueva 'Élite'

Estrenada en junio de 2025, la serie Olympo centra el grueso de su historia en un centro de alto rendimiento ubicado en los Pirineos. Las tramas siguen los pasos de varios jóvenes atletas de élite, un grupo en el que destacan Amaila (Clara Galle), Nuria (María Romanillos), Cristian (Nuno Gallego) y Roque (Agustín Della Corte). El curso habitual de las jornadas de entrenamiento explota cuando una de las nadadoras sufre un colapso, revelando entonces un programa secreto de dopaje para alcanzar el éxito deportivo.

La temática y el público objetivo al que se dirigía, amén del sello Zeta Studios, desató las comparaciones con Élite desde un primer momento mientras exponía los límites y la ética del deporte. Este ambicioso proyecto no arrojó los resultados esperados y su historia no continuó más allá de los ocho capítulos que componen su primera temporada. El rendimiento que se detalla a continuación, aunque en términos generales es alto, no fue suficiente como para que su continuación recibiese luz verde:

'Manual para señoritas', una ficción de época sobre el feminismo con mirada actual

Estrenada en marzo de 2025, Manual para señoritas se presenta como una comedia romántica que está ambientada en el Madrid de 1880. La trama sigue a Elena Bianda (Nadia de Santiago), una experta que debe encontrar marido a tres hermanas ricas: Cristina (Isa Montalbán), Sara (Zoe Bonafonte) y Carlota (Iratxe Emparán). Con el feminismo vintage como principal baza, esta ficción de época con mirada actual muestra a su protagonista navegando entre amoríos, secretos y unas normas de lo más rígidas. Su reputación se pone en jaque cuando Santiago (Álvaro Mel) entra en acción.

La ficción de Bambú Producciones, creada por Gema R. Neira y María José Rustarazo, aspiraba a convertirse en Los Bridgerton a la española mientras apostaba por el gamberrismo. Con su tono pícaro y la utilización de un recurso narrativo de lo más original con su protagonista, la receta propuesta conquistó al público mundial y dejó grandes cifras a nivel global. Sin embargo, pese a los datos que se presentan a continuación, Netflix no le encontró rentabilidad a seguir con una segunda temporada que estaba planteada, después de una primera que tuvo un final abierto:

'Mano de hierro', otro thriller que aborda la acción policial para acabar con el emporio de la droga

Estrenada en marzo de 2024, Mano de hierro está ambientada en el puerto de Barcelona. Joaquín Machado (Eduard Fernández) es el encargado de la principal terminal, lugar donde controla el tráfico de cocaína con autoridad estricta. Todo se complica con la desaparición de un cargamento importante, acompañada de un accidente, hasta el punto de provocar una guerra de venganzas y traiciones que ponen en jaque su particular imperio.

La plataforma, junto a The Mediapro Studio, intentó adentrarse en el mundo del narcotráfico con el brillante desempeño de un protagonista que cargó con el peso específico de las tramas. Conviene recordar que, poco después, Netflix añadió un título de corte similar en el catálogo patrio: Clanes, con los intérpretes Clara Lago y Tamar Novas, que sí logró superar las expectativas. El desempeño que se presenta seguidamente no fue suficiente como para garantizar la continuidad de Mano de hierro, que cerró sus puertas con final abierto:

Otras series internacionales que tampoco superaron el corte: de 'Kaos' a 'Reclutas'

Dejando a un lado el producto nacional, el criterio de Netflix también se ha aplicado a otras producciones de alto presupuesto nacidas en otros territorios. El caso de la británica Kaos es, quizás, uno de los más significativos al contar con la participación del respetado Jeff Goldblum. Una suerte similar corrió la serie Los hermanos Sun, que aun contando con el sello de Michelle Yeoh y una gran factura técnica, fue cancelada tras su primera tanda de episodios.

La estrategia también se implementó con otras apuestas que parecían destinadas al largo plazo. The Abandons, el esperado western de Kurt Sutter, o la ambiciosa Sin medida, se sumaron a la lista de ficciones que no lograron pasar el corte. Incluso ficciones con un marcado carácter local, como la australiana Territorial o la polémica Reclutas —criticada por el Gobierno de Trump— demostraron que estar en el Top 10 de distintos países no es un salvoconducto.

Las series españolas que sí recibieron el visto bueno: de 'Machos Alfa' a 'Animal'

Una vez señaladas las ficciones anteriores, se hace necesario mencionar algunas producciones que sí ostentaron el éxito suficiente como para recibir el visto bueno de la plataforma. En un mercado tan volátil, estos títulos que se reseñan a continuación han conectado con el público sin dar pie al debate sobre su renovación por nuevas entregas. El ejemplo más destacable es Machos Alfa: la serie, que ya tiene confirmada la quinta parte, logró 21,1 millones de visualizaciones entre sus tres temporadas durante 2025.

La producción Animal gozó de gran salud tras el estreno de su primera temporada, con 14,8 millones de reproducciones entre octubre y diciembre. Netflix ya ha confirmado la continuidad de esta producción, que cuenta con Luis Zahera como protagonista. También destacamos el buen rendimiento durante el año pasado de Respira (14,7 millones con sus dos temporadas), Muertos S.L. (8,2 millones en sus tres tandas) y Clanes (3,2 millones con su único bloque estrenado).

El equilibrio entre la rentabilidad y la proyección de marca

En definitiva, el actual ecosistema del streaming continúa refinando sus estrategias para encontrar ese equilibrio perfecto entre la rentabilidad y la proyección de su marca. Como se desprende de los casos de El refugio atómico, Olympo, Manual para señoritas y Mano de hierro, ni el prestigio de su elenco ni la presencia en los rankings internacionales garantizan hoy una continuidad que en otras épocas parecía evidente. Netflix ha consolidado un modelo de negocio en el que la eficiencia —medida en esos primeros 28 días críticos— y el respaldo de su mercado local prevalecen sobre la continuidad de sus historias a largo plazo. Mientras títulos como Machos Alfa o Animal sí logran dar con la tecla, otras no logran superar el corte tras su primera temporada.

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El sector audiovisual continúa evolucionando para adaptarse a un contexto donde existen multitud de ventanas para disfrutar del entretenimiento y la información. Con esta premisa de partida, las audiencias en diferido se han convertido en una parte clave de la fotografía para entender el éxito real de cada oferta. Después de conocer el resultado lineal de las cadenas durante el pasado mes de febrero, en verTele queremos poner el foco en el consumo posterior a la emisión en directo. Y atención porque, en un ejercicio donde Atresmedia lidera, existen destacadas sumas de espectadores para las emisiones con mejor rendimiento.

En este escenario, el diferido se erige como el complemento lógico del lineal: es natural que los contenidos de las cadenas que no lideran en directo saquen músculo en el consumo posterior. Al fin y al cabo, si el público ya ha visto la opción mayoritaria en tiempo real, el diferido es el lugar donde ver aquellos contenidos que no pudimos seguir en directo. Este tipo de medición, ofrecida por Fifty5Blue —antes Kantar Media— y destacada en el informe de la consultora Dos30, registra el consumo de contenidos televisivos hasta siete días después de su emisión original.

Ranking de audiencias en diferido: Atresmedia se impone en febrero

Comenzamos el análisis presentando los resultados generales para, posteriormente, abordar las cuestiones más específicas. Febrero cierra con un ranking donde Atresmedia repite como líder en el consumo diferido con un 21.4% de cuota, manteniéndose por delante tanto de RTVE (20.1%) como de Mediaset (15.1%). Resulta llamativo que el grupo con mayor respaldo en el ámbito lineal también se convierte en la primera opción para los espectadores que sintonizan con sus espacios posteriormente a la emisión. Sin embargo, se produce un sorpasso en la segunda posición.

Al margen de las cifras absolutas, conviene citar la estrategia de Atresmedia. El grupo con sede en San Sebastián de los Reyes (Madrid) se diferencia de su competencia adelantándose a la propia medición del diferido: preestrena una gran parte de los contenidos en Atresplayer siete días antes de su emisión lineal. Según ha podido saber verTele, este movimiento convierte a Sueños de libertad en uno de sus activos más potentes. Este punto no es baladí: la ficción consigue liderar con sus capítulos en abierto pese a estar ya disponible para los suscriptores una semana antes de su pase.

Si ponemos la lupa en el balance individual de cada cadena, La 1 se lleva el gato al agua con un 14.4% de cuota en esta medición. Por su parte, Antena 3 (12.2%) ostenta una segunda posición que complementa su triunfo en las audiencias lineales del mes. Telecinco (6.5%) se cuelga la medalla de bronce en febrero, sintiendo la falta de un producto tan potente como La isla de las tentaciones. Es más, el reality show de Cuarzo Producciones funciona como un titán cuando está en emisión: ocupó las seis primeras posiciones del ranking en diferido durante el mes de enero.

El cine de Movistar Plus+ y el fenómeno 'La Promesa': el top 10 de emisiones más vistas

En esta ocasión, el liderazgo en el ranking de emisiones en diferido es para una oferta cinematográfica. La película La Cena, cuyo pase se ofreció el viernes 13 de febrero en los canales Estrenos por M+ y Movistar Plus+, se gana el oro con la friolera de 754.000 espectadores. Como curiosidad, esta emisión ni siquiera logró estar presente entre los 20 espacios más seguidos del día en las mediciones lineales. La segunda posición queda ocupada por la cinta Los Tigres, ofrecida el viernes 20 de febrero en Movistar Plus+, con 383.000 seguidores de media. A continuación, procedemos a destacar los diez contenidos con mayor respaldo durante el mes de febrero:

De nuevo, La Promesa firma un rendimiento envidiable en el cómputo global del ejercicio. La serie diaria que se emite en La 1 de RTVE ostenta siete plazas en la clasificación, con su capítulo emitido el lunes 16 de febrero sumando 329.000 televidentes. Pero más allá de la ficción, el deporte también goza de representación gracias a la UEFA Champions League. El enfrentamiento entre el Benfica y el Real Madrid, emitido en la cadena especializada de Movistar Plus+, alcanza 317.000 espectadores tras la emisión en directo.

¿Cuál es la audiencia total sumando el lineal y el diferido?

Como venimos explicando, el presente análisis tiene por objetivo ofrecer una radiografía más completa del resultado total de las cinco ofertas más seguidas en diferido durante el mes de febrero. Es el momento de sumar la audiencia de las emisiones lineales con el consumo bajo demanda:

Como apunte, la entrevista a Iñaki Urdangarin en Lo de Évole es el contenido más visto de Atresmedia en febrero con 272.000 seguidores: en total, teniendo en cuenta los registros lineales, firma 1.727.000 de media. En el caso de Mediaset, su espacio más seguido en este tipo de medición es la entrega de First Dates emitida el lunes 2 de febrero, con un promedio completo de 1.321.000 espectadores.

Las series, producto clave en el diferido: así queda su media general con el consumo en directo

Teniendo en cuenta el gran rendimiento de la ficción en el universo del diferido, también tomaremos como ejemplo cuatro series españolas: tres diarias y una que se emite en prime time con una particularidad a destacar. El resultado de estas producciones sumando el consumo no lineal ofrece un escenario donde la fidelidad también se mide por quien rescata el capítulo. Detallamos a continuación los registros globales en promedio durante el mes de febrero:

El caso de Sueños de libertad es, quizás, uno de los más sintomáticos de esta nueva era. Aunque La Promesa lidera el volumen de espectadores que recupera sus capítulos a la carta, la serie de Antena 3 se corona como la opción más vista en términos globales. Su gran solidez en abierto, rozando el millón y medio de espectadores, se complementa con su destacada repercusión en diferido. Precisamente aquí es donde entra en juego la estrategia de Atresplayer mencionada anteriormente.

Mención aparte merece Perdiendo el juicio. La serie protagonizada por Elena Rivera se estrenó hace aproximadamente un año, disponible a través de la modalidad de pago de Atresplayer. Al cierre del ejercicio, mantiene un destacado rendimiento tanto en lineal como en el que nos ocupa. Conviene mencionar que los registros de las ficciones en diferido todavía no se han cerrado: la naturaleza de esta medición se extiende a los siete días posteriores a su emisión, por lo que la cifra aumentará levemente al completarse el ciclo.

Informativos en diferido: triunfo para Antena 3 Noticias más allá del lineal

No todo es entretenimiento: el público también consume información a través de esta modalidad. La principal cadena de Atresmedia también se corona en este sentido, ocupando las cuatro primeras posiciones. Destaca el dato de Antena 3 Noticias 1 fin de semana, con un promedio de 83.000 espectadores durante febrero (2.239.000 con el lineal). La segunda posición es para la edición presentada por Sandra Golpe, que suma 79.000 (2.309.000 en total).

RTVE también merece mención en este apartado, con el Telediario 1 de Alejandra Herranz en quinta posición aumentando 55.000 seguidores (1.582.000 en cómputo). El siguiente espacio informativo de la corporación con mejores cifras en este ámbito se corresponde con la primera edición emitida en fines de semana, sumando 42.000 (1.410.000 uniendo ambas mediciones).

Una medición clave para obtener una fotografía más justa

En definitiva, las audiencias de febrero confirman que la televisión se mantiene como la pantalla reina de nuestra industria audiovisual. El diferido se ha convertido en un terreno donde las cadenas continúan librando su tradicional batalla por la relevancia, dando una vida extra a sus contenidos más allá de la emisión lineal. En este ámbito, Atresmedia consolida su dominio: se mantiene por delante de RTVE —que despunta con La Promesa—, mientras que Mediaset nota la ausencia de sus Tentaciones. Es importante no perder de vista este modelo híbrido que, en conclusión, permite aumentar la audiencia total para arrojar una fotografía más justa con la realidad.

GH Dúo 4 llega este martes a su gran final en Telecinco. El reality de Zeppelin TV, que elegirá entre Carlos Lozano, Anita Williams y Gloria González al ganador que cogerá el testigo de Marieta Díaz, llega a su desenlace tras dos meses de convivencia en los que el formato con famosos ha acabado sirviendo como un eficiente parche para Mediaset tras la debacle en audiencias que a finales de 2025 vivió el cancelado GH 20.

La cuarta entrega de la versión de Gran Hermano con 'parejas de famosos' aterrizó en Telecinco el pasado 8 de enero, tras las fiestas de Navidad y apenas tres semanas después de que GH 20 viviera su acelerado adiós, proclamando vencedora a Rocío en la final menos vista de su historia. Una despedida, tan solo 42 días después del estreno de la edición, que parecía dejar herida de gravedad a la marca justo en la conmemoración de su 25 aniversario.

Gran Hermano 20, una temporada que aspiraba a ser icónica por la efeméride simbólica de su redonda cifra y por la promesa de la construcción de una nueva casa lejos de Guadalix que lo “cambiaría todo”, pinchó en audiencias por una serie de errores, desde su mal planteamiento inicial hasta sus manidas mecánicas, que desgranamos al detalle en este otro artículo.

Así pues, el nuevo enclave ubicado en Tres Cantos se quedaba muy rápido sin huéspedes y Telecinco tuvo que improvisar un 'plan b' para salvar sus muebles, los de la casa -con una gran inversión que no podía caer en saco roto- y los de una parrilla a la que aún le quedaban algunos meses para que pudiera programar una nueva entrega de su hasta ahora 'todopoderoso' Supervivientes.

Y aunque se rumoreó que Mediaset podía impulsar una nueva edición de El Reencuentro, programa en el que el grupo audiovisual de Fuencarral ponía a convivir a históricos participantes de sus realities, talents y concursos más emblemáticos, la compañía sorprendió manteniendo su apuesta por Gran Hermano, esta vez con otra edición del Dúo que siempre se ha emitido en los primeros compases del año.

Con todo, GH Dúo arrancó tras la fiesta de Reyes con el estreno menos visto de la historia del formato -inferior incluso que el de GH 20-, lo que desató en Zeppelin TV y Telecinco el peor de los presagios. Sin embargo, ayudado de un casting de veteranos que elevaron el tono para enganchar al público, el programa revirtió ligeramente su situación en audiencias, mejorando los datos de su antecesora edición con anónimos y dando tiempo (y algo de oxígeno) a la cadena hasta la llegada de Supervivientes 2026, que iniciará este jueves 5 de marzo su nueva aventura en los Cayos Cochinos.

Las audiencias de 'GH Dúo 4' tras el fiasco de 'GH 20'

Como avanzábamos, GH Dúo ha acabado funcionando como un aceptable puente hasta Supervivientes, de la mano de un Casados a primera vista erigido como una de las primeras revelaciones del año en Telecinco. Hasta el estreno del reality de aventura de Cuarzo Producciones, del que se tiene una mayor expectativa siempre respecto a su rendimiento y su capacidad de generar contenido para otros espacios de la cadena, esta versión VIP ocupó el huecoen la programación que se preveía para la infausta entrega con anónimos, a la que mejoró ligeramente en audiencias para hacer buena, aunque sin alardes, la reacción de Mediaset en el cambio de cromos. Lo analizamos.

GH Dúo ha seguido teniendo como principal baza las tradicionales galas de los jueves, que lograron dominar el prime time durante su primer mes en antena. Eso sí, siempre una vez acababa cada noche el enfrentamiento entre El Hormiguero y La Revuelta. Y es que el formato de convivencia ha seguido usando el cuestionado truco de trocear sus emisiones para evitar entrar en la pelea del access, maquillando así al alza los datos conseguidos en horario de máxima audiencia.

Teniendo en cuenta este factor, las cuatro primeras galas de la temporada, emitidas entre el 8 y el 29 de enero, lograron liderar con mayor o menor solvencia sobre sus rivales en el tardío prime time. La cosa cambió radicalmente el 5 de febrero, día en el que Antena 3 entregó a Rosa el mayor bote de la historia de Pasapalabra. Aquel programa arrasó en audiencias, arrebatando el liderazgo a un GH Dúo que tampoco pudo doblegar después a Perdiendo el juicio.

El reality presentado por Jorge Javier Vázquez no logró imponerse a la serie de Atresmedia en sus tres posteriores enfrentamientos, eso sí, en duelos ajustados que se han resuelto atendiendo a los datos de la franja de estricta coincidencia entre ambos productos. A GH Dúo ni siquiera le valió igualar su récord de cuota en su octava y última gala emitida en jueves para dominar la noche frente la ficción protagonizada por Elena Rivera. Sea como sea, tal y como desgranamos a continuación, las galas de los jueves terminan en su tramo principal con una media del 13.4% de share y 826.750 espectadores, un 2.1% de cuota y 176.000 televidentes más que los obtenidos de media por Gran Hermano 20.

También crece en 1 punto y 165.500 espectadores la media conseguida por las galas de GH Dúo en su franja 'Express' ofrecida en access. Ese primer tramo promedia un todavía flojo 6% de share y 735.000 espectadores, registro que aunque también se muestra algo más competitivo que en la edición con anónimos, sigue estando a años luz de El Hormiguero de Antena 3 y La Revuelta de RTVE.

Las audiencias de las galas de 'GH Dúo 4' (tramo principal)

Las audiencias de 'GH Dúo 4' en el access de los jueves:

Como decíamos, el truco de fragmentar en dos tramos las galas de GH Dúo, cuyos contenidos, presentador, colaboradores, plató, etc., son siempre los mismos en ambas partes, ha vuelto a servir a Telecinco para inflar sus datos de audiencia. La media de las galas de los jueves si se tuviera en cuenta el dato global del programa -incluyendo sus dos fragmentos- desciende a un 10.1% de share y 852.000 espectadores. Hablamos pues de un registro menor que el obtenido con el 'troceo' pero que, en todo caso, también mejora en 1.7 puntos y 174.000 televidentes la audiencia media sin fragmentar firmada meses atrás por GH 20.

Las audiencias de las galas de 'GH Dúo 4' sin fragmentar:

Peor suerte ha corrido una vez más el debate dominical de GH Dúo. Apodado esta vez como Cuentas pendientes, el programa de los domingos en el que Ion Aramendi comenta con familiares y tertulianos la actualidad del reality no consiguió liderar ninguna de las ocho noches que ocupó en el ocaso de la semana. Tampoco en la de este último domingo 1 de marzo en la que el formato celebró su semifinal, una gala clave que tampoco levantó el interés de los espectadores.

El programa, al que Telecinco no aplica en este caso el truco del troceo ante la ausencia de rivales en el access, se conforma con una media del 10.1% y 844.571 espectadores. Hablamos de un dato insuficiente para llevarse el dominio del prime time dominical, aunque, una vez más, logra mejorar los registros de la anterior versión con anónimos, de forma notoria en el dato de televidentes: creció un 1.1% y sumó 250.000 espectadores.

Las audiencias de los debates de 'GH Dúo 4':

Extraño caso es el de la noche de los martes, donde GH Dúo no ha contado este año con emisiones regulares en prime time como sí ocurría tradicionalmente con los anteriores GH y su Límite 48 horas o con Supervivientes y suTierra de Nadie. Mediaset sólo ofreció entrega en martes en tres ocasiones, revistiéndolo de 'especiales' que no tuvieron continuidad pese a rendir de forma bastante positiva teniendo en cuenta el contexto de crisis en el que se encuentra su principal cadena.

Pese a liderar en su primera emisión y elevarse en la segunda (el 20 y el 27 de enero), Telecinco levantó por sorpresa GH Dúo del prime time del martes para hacer hueco a la segunda temporada de Universo Calleja, que cosechó en sus tres primeras entregas una media del 8.9% de share y 645.667 espectadores. Este dato, que empeoraba al 12.1% de cuota y 723.333 promediado finalmente por los tres especiales de GH Dúo, hizo que Mediaset hiciera un alto en el viaje de Jesús Calleja y sus famosos [quedan pendientes sus otras 3 entregas] y el canal volviera a recuperar el reality para la noche del martes en la que celebrará este noche su gran final.

Las audiencias de los especiales de 'GH Dúo 4':

'GH Dúo 4' elevó el tono para ¿salvar los muebles de la marca?

Hecho el análisis, toca preguntarse: ¿qué ha tenido GH Dúo para que Telecinco lograra tan rápido ese golpe de timón con el formato tras el fiasco vivido con GH 20? La respuesta, siempre sin verdad absoluta en estos misterios catódicos, podría encontrarse principalmente en un primer elemento: su casting.

Al margen de que los famosos siempre suscitan más interés que los anónimos, Mediaset hizo una apuesta segura con su plantel de concursantes al llamar a filas a un nutrido grupo de veteranos de la televisión como Carlos Lozano, Belén Rodríguez, Antonio Canales o Carmen Borrego -incluso con la narrativa de la decepción por su abandono-, dispuestos a ponerse de forma descarnada al servicio del espectáculo.

Telecinco unió estos seniors -que se echaron la edición a las espaldas- a 'jóvenes promesas' del reality como Anita Williams o Manuel González, a los que sumó a otros participantes de la recién concluida novena edición de La isla de las tentaciones (Juanpi, Sandra y Andrea). De esta manera, la cadena intentaba un efecto arrastre entre formatos, dando continuidad a las narrativas de algunos de sus protagonistas. Este explosivo cóctel encontró su guinda en uno de esos prodigios que no se pueden pronosticar y que ocurren -mitad por azar, mitad por intuición del equipo de casting de Zeppelin TV- una vez cada muchos años. Un fenómeno televisivo con nombre y apellidos: Cristina Piaget.

La extop model española entró en la casa de Tres Cantos con más etiqueta de anónima que de famosa y se convirtió en la gran revelación de la edición. La madrileña se destapó desde el primer día como un personaje imprevisible que atrajo la atención de muchos espectadores, haciendo un buen tándem con un Carlos Lozano siempre astuto para identificar el potencial de su compañera y manejar el reality a su antojo hasta, quien sabe, llevarse en 2026 el maletín que acarició hace diez años en GH VIP 4.

Ante esta mezcla de 'animales televisivos', Telecinco y Zeppelin optaron por ampliar en GH Dúo los límites que ellos mismos habían venido aplicando en los últimos años, mostrando una mayor manga ancha ante las broncas entre los concursantes, lo cual dejó imágenes de alta tensión que hacía muchos años que no se veían en Gran Hermano.

Así lo ha reconocido hasta el propio programa, que hace unas semanas, tras una “vergonzosa” pelea multitudinaria, sancionó a los participantes con una supuesta expulsión fulminante que acabó siendo dejada en manos de la audiencia. También Jorge Javier Vázquez y, especialmente, Ion Aramendi, han manifestado en varias ocasiones su hastío -como ocurrió este pasado domingo- ante la insostenible agitación y agresividad verbal entre los participantes.

En definitiva, es indudable que GH Dúo ha elevado el tono del programa, coicidiendo además con la reciente irrupción de La casa de los gemelos, que a finales de 2025 acaparó la atención de los fans más acérrimos del género a golpe de escándalo viral tras escándalo viral en su convivencia. Aprovechándose de la falta de regulación en Internet, que sí tiene la televisión y que analizamos en este otro artículo, este nuevo show consiguió eclipsar a GH 20 en su tramo final, desatando inevitables comparaciones con este por el 'buenismo' en el que quedó atrapado en sus últimas etapas el histórico formato de Zeppelin TV.

Ahora, GH Dúo se ha desacomplejado y desencorsetado para ofrecer al público un producto de mayores revoluciones que, como hemos desarrollado en este análisis, ha servido para 'salvar los muebles' en estos dos primeros meses del año. Eso sí, habrá que esperar para ver si podemos despejar del todo, o no, las dudas sobre el encaje que Gran Hermano puede tener en el marco de la televisión actual.

Telecinco parece haber encontrado, por fin, una tregua en su travesía con Casados a primera vista. El reality show está viviendo su particular renacer en Mediaset ocho años después de su puesta de largo ante los espectadores españoles, demostrando que las segundas oportunidades sí pueden resultar exitosas. Con el paso de las semanas, el formato va camino de convertirse en la gran revelación del canal a juzgar por su destacado rendimiento. Aprovechando que cruzamos el ecuador de la edición, en verTele analizamos las claves para entender por qué apostar por un género que la cadena maneja como nadie ha terminado siendo su movimiento más inteligente.

Los datos no dejan lugar a dudas: el programa se presenta cada lunes como una opción de cabecera para el público. Desde su estreno en simulcast, donde firmó un 15.2% de cuota y superó el millón de espectadores, el espacio se ha estabilizado con un sólido rendimiento que, a fecha de publicación de este análisis, no ha perdido el listón del 13%. Lo más relevante no lo encontramos en sus cifras absolutas, sino en su capacidad para superar los registros de Telecinco: en las seis entregas emitidas, el reality ha rendido sistemáticamente por encima del 40% sobre la media diaria del canal.

Conviene recordar que este título, ahora a cargo de Bulldog TV, es un viejo conocido. Casados a primera vista ya probó suerte en Antena 3 entre 2015 y 2018, enfrentándose a una tendencia descendente durante sus cuatro tandas emitidas. Entonces, ¿por qué está viviendo ahora su momento más dulce en Telecinco? La respuesta se encuentra en una combinación de factores que procedemos a explicar a continuación: desde la estrategia de programación y la gran ejecución técnica hasta el acertado casting, sin olvidarnos de una mecánica que resucita la curiosidad por asomarse a experimento sociológico con participantes anónimos.

La alternativa perfecta: cómo el contexto impulsó su estreno

El éxito de Casados no se entiende sin poner la lupa en el contexto. Telecinco decidió que las relaciones de pareja se convirtiesen en el contenido de cabecera para su primera noche de la semana, con el reality show abriendo sus puertas en la misma noche que previamente había sido terreno de La isla de las tentaciones. El programa llegó en el momento justo para cubrir el hueco vacante que habían dejado Sandra Barneda y compañía. Se presentó como una alternativa fresca frente al ruido de su predecesor, diferenciándose de una competencia que apostaba por series, cine y famosos.

Su 'reinicio', ocho años después, se produjo en una situación de lo más complicada. El resto de canales levantaron su programación para emitir especiales sobre la tragedia ferroviaria en Adamuz (Córdoba). Por contra, Mediaset se arriesgó al mantener la oferta previamente anunciada para su cadena principal. La estrategia resultó acertada, puesto que el espacio se convirtió en la alternativa principal a las coberturas informativas de la competencia, logrando impactar en un mayor número de espectadores potenciales que se quedaran a descubrir la evolución de los matrimonios.

El factor 'First Dates': la importancia del arrastre y la ubicación en parrilla

La estrategia de Mediaset de mover el restaurante de Carlos Sobera al access de Telecinco ha resultado ser el matrimonio de conveniencia perfecto. First Dates actúa como telonero ideal para Casados a primera vista: las citas rápidas funcionan como antesala clave para servir después el plato principal. La sinergia entre formatos ha creado un bloque temático en la noche del lunes que favorece la retroalimentación: ambos comparten un público objetivo muy similar, lo que facilita el efecto arrastre y evita una fuga significativa de espectadores hacia otras ventanas de entretenimiento.

Personajes anónimos y frescura: el casting es su principal motor

Efectivamente, el casting de Casados a primera vista se comporta como su principal motor. Doce solteros y solteras con perfiles de lo más diversos emprendieron un intenso viaje emocional tras contraer matrimonio en el altar sin haberse visto nunca. Los participantes anónimos aportan elevadas dosis de frescura: cada uno con sus particulares fantasmas, manías, ideales y líneas rojas. Pero vamos más allá: el reality acierta en los temas que aborda, tratando problemas universales a los que cualquier pareja puede enfrentarse en su día a día.

El paso de los capítulos ha puesto sobre la mesa cuestiones como el miedo a un engaño, la falta de reciprocidad, los traumas heredados de relaciones anteriores o la inquietud ante un futuro incierto. No hay duda de que cualquier espectador puede conectar con todas estas emociones, que, por otra parte, no suelen explorarse en otros formatos de corte similar. No podemos pasar por alto que, al igual que la sociedad, el elenco de participantes es diverso y no parece venir “resabiado” desde casa. En definitiva, un cóctel que tiene la autenticidad y el realismo por ingredientes principales.

Mecánica sin fisuras: un pack cerrado sin caos por improvisar

A diferencia de otros formatos que dependen de galas en directo o de decisiones de última hora para reflotar el interés, Casados es un producto cerrado. Su mecánica es eminentemente sólida: una boda como introducción, los giros sorpresa en la convivencia que hacen las veces de nudo y una decisión final que se presenta como el esperado desenlace. Esa estructura plagada de microconflictos es precisamente una de sus mayores bazas. Por un lado, la cadena cuenta con un producto trabajado y más que editado donde se garantiza que no haya volantazos de escaso sentido.

La esencia de una sorpresa es sorprender de verdad, algo que en los grandes formatos de convivencia en directo se ha ido desvirtuando con el paso de las ediciones. En este caso, los giros a la desesperada por salvar la cuota de pantalla no tienen cabida. Al ser un producto empaquetado, Casados se puede permitir el lujo de seleccionar los momentos de mayor calado emocional eliminando el ruido y sin que haya margen para imponer mecánicas de nulo aporte a las tramas generales. De momento, el formato va por buen camino en este sentido.

Telecinco, el lugar para un reality que atrae a su audiencia natural

Al final, Casados a primera vista ha encontrado su ecosistema natural: es un producto muy afín al tradicional 'público Telecinco', con grandes cualidades para atrapar su audiencia histórica y destacar en el target femenino. Aunque el formato pasó por Antena 3 en el pasado, es en la principal cadena de Mediaset donde el lenguaje del reality se habla con mayor fluidez. Los espectadores del canal han abrazado las tramas protagonizadas por estos peculiares matrimonios con ganas. Es, en esencia, la vuelta de un entretenimiento vinculado a las relaciones de pareja, visualmente atractivo y con esa dosis idónea de 'salseo' para alimentar la conversación en el universo de las redes sociales.

Las audiencias de 'Casados a primera vista', al detalle

Una vez descritas las claves, es el momento de conocer el detalle de las audiencias. Desde su estreno el lunes 19 de enero, Casados a primera vista mantiene una tendencia de lo más estable. El primer capítulo, emitido en simulcast con Divinity, firmó un 15.2% y 1.065.000 espectadores de media. Si únicamente ponemos la lupa en los registros anotados en Telecinco, su última entrega hasta la fecha ostenta la mayor cuota anotada hasta el ecuador de la primera edición:

El reality show se ha mantenido sustancialmente por encima del 40% sobre la media diaria del canal, con picos del +54% en su cuarto episodio. En definitiva, tanto su rendimiento como la fidelidad del público justifican que Mediaset haya renovado el formato por una nueva edición. Esta franquicia con presencia internacional en más de 25 países tiene su continuidad garantizada en España, al menos con una tanda adicional de entregas donde se presentará a una nueva batería de participantes anónimos.

¿Continuará el idilio de Telecinco con el público?

En conclusión, Casados a primera vista ha demostrado ser ese 'match' de Telecinco con su audiencia natural. En un contexto televisivo donde cada vez es más complicado sorprender al espectador, este programa ha llegado para reivindicar que los participantes anónimos continúan siendo un gran reclamo cuando el producto se cuida de principio a fin. Con una buena estrategia de programación, un casting con multitud de perfiles, un producto cerrado y una mecánica sin fisuras, el reality va camino de convertirse en la particular revelación de la cadena. Queda por ver si este idilio con el público se mantiene durante los capítulos finales.

laSexta ha arrancado 2026 siendo protagonista absoluta del mercado de fichajes televisivos. En el apartado de bajas ha perdido a María Lamela, que ha puesto rumbo a Supervivientes de Telecinco, pero en las 'altas' se ha reforzado con las que espera que sean las estrellas del año en su prime time: Marc Giró y Aimar Bretos. El primero sacudió enero con su inesperada salida de RTVE camino a Atresmedia, mientras que el segundo ha sido la sorpresa de febrero al dar un salto televisivo que pocos esperaban, pero que encaja teniendo en cuenta su destino.

Que laSexta fiche a dos perfiles como Giró y Bretos tiene sentido por sus trayectorias y porque están en sintonía con el plantel de comunicadores que forman la cartera del canal. Que lo haga en estos compases iniciales de un año como 2026 alcanza una significación mayor, pues evidencian una voluntad del grupo de volver a situar a la cadena verde en una posición de relevancia en el marco de su 20 aniversario.

Nadie va a descubrir a estas alturas lo que significa fichar a Marc Giró, que en los últimos años ha protagonizado un ascenso meteórico en RTVE hasta convertirse en uno de los presentadores más importantes de la cadena pública con su ya extinto Late Xou. Con él, laSexta gana relevancia e irreverencia, como demostró el catalán en su primera aparición pública tras conocerse su cambio de cadena, la pasada semana en los Premios Iris. Ahí se llevó hasta cuatro galardones que dedicó con sorna a su “guionista” Pedro Sánchez y dejó claro cuál va a ser su tono en su nuevo Cara al show.

Con Aimar Bretos, la cadena de Atresmedia refuerza un tipo de periodismo en el que ya ha hecho marca con formatos como Salvados y Lo de Évole. Y aunque no se han dado detalles de cómo va a ser su nuevo programa, que llegue de la mano de la productora de Ana Pastor parece garantía de que se va a respetar el sello que le ha llevado a convertirse en una referencia de la actualidad en la radio.

Con estas claves, analizamos los tres motivos que explican dos de los grandes fichajes de lo que llevamos de año en televisión:

El 20 aniversario de laSexta, el mejor contexto

laSexta inició sus emisiones oficiales un 27 de marzo de 2006, de la mano de su 'presidente honorífico' Emilio Aragón. Fecha que consta como la de su nacimiento como canal, y de la que se cumplen 20 años en este inicio de 2026.

En estas dos décadas, el canal ha experimentado un crecimiento y consolidación hasta convertirse en una cadena que se caracteriza por su vocación de ser referencia en actualidad e información. En los años más débiles de La 1 sirvió de alternativa de servicio público, mientras que en los actuales no ha perdido esa apuesta por el análisis social y mirada crítica de la mano de reputados rostros de la comunicación.

El Gran Wyoming, Ana Pastor, Sandra Sabatés, Antonio García Ferreras, Jordi Évole, Iñaki López, Cristina Pardo, Dani Mateo, Glòria Serra, José Yélamo, Helena Resano, Gonzo, Rodrigo Blázquez, Mamen Mendizábal y Joaquín Castellón conforman esa columna vertebral de laSexta, que se complementa con perfiles de entretenimiento como Alfonso Arús, Alberto Chicote, Nuria Roca y Josep Pedrerol.

De este modo, con los fichajes de Marc Giró y Aimar Bretos, Atresmedia busca completar la plantilla del canal con la frescura que pueden aportar dos caras conocidas y respetadas por el público. Dos perfiles además que parecen cortados por el 'patrón' de laSexta, con esa vocación de comunicación cada uno en su propio estilo. Y es que no había rostros nuevos en primera plana desde Arús (2018) y Nuria Roca (2021), por lo que resultaba capital introducir reclamos en la actualidad.

Objetivo: recuperar su posición perdida en audiencias

Este refuerzo de la plantilla de laSexta en el marco de su 20 aniversario, además de aportar frescura y relevancia, también está enfocada en un objetivo claro: recuperar la posición perdida en audiencias en su particular duelo contra Cuatro, la segunda cadena de Mediaset.

Atresmedia encadena 33 meses como grupo de comunicación líder de la televisión en España y su cadena principal, Antena 3, mira a sus rivales por el retrovisor desde hace un año y medio. Sin embargo, en el cambio de año hubo también un cambio de inercia en la posición que ocupaba laSexta en los últimos tiempos, pues hasta el pasado diciembre acumulaba 53 meses seguidos ganando a Cuatro en las audiencias mensuales.

Esa longeva racha se rompió en diciembre de 2025 y se mantuvo en enero de 2026, año que la cadena verde arrancó por detrás de la roja en su competición particular, a apenas una décima de distancia. Diferencia que se está estrechando en febrero, donde a pocos días de acabar el mes están en un empate técnico con un 6.1% de cuota.

Con la misión de girar las tornas en su favor en este año que apenas acaba de arrancar, laSexta da un golpe sobre la mesa con dos formatos de los que por ahora se desconocen detalles, pero que solo por sus presentadores se aseguran empezar con cierta expectación para el público de la cadena.

Refuerzo del prime time con dos reclamos

El último motivo, no menos importante, es la necesidad de laSexta de reforzar su franja de prime time. Y no sólo por las audiencias, sino por esa relevancia que en los últimos tiempos ha perdido en ese horario clave de la programación, y que resulta capital para toda cadena de televisión.

En el access prime time, y desde hace 20 temporadas, El Intermedio de El Gran Wyoming sigue siendo el faro de un canal que también cuenta con un daytime de rendimiento notable gracias a programas como Aruser@s, Al Rojo Vivo y Más Vale Tarde. Sin embargo, su gran 'debe' es la franja nocturna, que salvo los domingos con Lo de Évole y las apariciones puntuales de El Objetivo por temas de actualidad no destaca entre las ofertas de la competencia.

Con esa misión llegan Marc Giró y Aimar Bretos, que solo por su cartel ya prometen un punto de partida interesante en lo que a trascendencia se refiere. Sus formatos no pasarán desapercibidos, al menos de inicio por esa curiosidad que a priori despiertan los dos rostros en su desembarco en laSexta. De la calidad de sus programas y de la aceptación de los espectadores dependerá lo demás, aunque en una televisión actual que está falta de nuevas propuestas, se agradece que al menos se agite el tablero.

“Necesito buenos hombres, ser Duncan. El reino…”. Baelor Targaryen.

El caballero de los Siete Reinos nos dejó en shock con su espectacular juicio a siete, pero también con su doloroso giro final. George R. R. Martin ha calificado en alguna ocasión la muerte del príncipe de Rocadragón como uno de los acontecimientos que marcarían la historia de Poniente. Tantas cosas habrían sido diferentes si Baelor hubiera sobrevivido al combate en Vado Ceniza... “Habría sido un rey muy fuerte y competente. Pero muere por defender el honor de un caballero errante”, en palabras del propio autor.

Baelor Targaryen no solo era el heredero al trono y mano del rey, sino que se había ganado un hueco muy especial entre los seguidores como uno de los personajes más honorables y admirables, como Ned Stark: los dos sufren un fúnebre destino por actuar de manera honorable. Sin embargo, y a pesar la creencia popular, las ficciones de Martin no son cínicas y nihilistas, se centran en cómo los personajes son capaces de reponerse a los golpes de la fortuna o el destino y a dar algún tipo de sentido a esas pérdidas tan dolorosas. Porque si Martin muestra en muchas ocasiones que quienes hacen lo que deben pagan un precio enorme, tambíén nos enseña que a la larga pueden haber contribuido a un bien mayor.

Y así nos encontramos al principio de este episodio 6, con unos personajes destrozados física y mentalmente después del brutal juicio a siete. El capítulo se hace preguntas tristes y profundas, pero desde el primer segundo nos deja claro que quiere alejarse de la solemnidad y volver al tono más lúdico y cómico de las primeras entregas. Ese contraste sorprende y puede hacerse algo extraño por momentos, pero ya se asume como una de las señas de identidad de esta serie. Y se agradece por su originalidad y frescura.

A partir de aquí, hay spoilers del capítulo 6 de El caballero de los Siete Reinos

El episodio 6 de El caballero de los Siete Reinos se titula La mañana, y hace referencia a una frase que ser Arlan le solía decir a Dunk: “A saber qué nos deparará la mañana”. El capítulo comienza con uno de los personajes más carismáticos de toda la serie, ser Lyonel Baratheon, al que no habíamos visto después de todo el combate. A su lado tiene a un maestre bastante mayor. Los dos se agachan y miran a algo o alguien. Los vemos en un plano contrapicado, desde la perspectiva de alguien que estuviera en el suelo.

De fondo suena un tema de jazz (Alone Together de Rudy Van Gelder), en una decisión musical a la vez extraña y original: en todo el universo de Juego de tronos siempre habían empleado melodías que encajaran con el imaginario de la Edad Media. La música de los primeros episodios ya dejaba claro que estábamos ante algo diferente, incorporando elementos que asociábamos más al western (destacando por encima de todos ellos los silbidos). Pero creo que la elección de ahora constituye un paso más, porque es la primera vez que se emplea un tema del siglo XX, existente ya en nuestro mundo, como banda sonora.

La música de jazz sirve para tres cosas, creo. Rompe de forma muy tajante con el tono anterior y las expectativas. Puede que los personajes lloren a Baelor, pero la vida sigue. Nos recuerdan que, pese a lo intenso que se ha puesto todo últimamente, la serie pretende ser otra cosa: las aventuras aparentemente más ligeras de dos personajes encantadores. La música de jazz, además, creo que representa bastante bien al personaje de Lyonel Baratheon, que es al primero que vemos al empezar el capítulo. De alguna forma, hace que asociemos la melodía a su figura.

Además, la música se utiliza también para generar humor en esos primeros instantes, en los que Lyonel tiende un cuero lleno de agua o de vino (probablemente sea más lo segundo) hacia a la persona que estaba sentada junto a un árbol, y que después vemos que es Dunk, con la cara y el cuerpo bastante reventados. Entra el título de la serie sobre fondo negro, El caballero de los Siete Reinos, y allí la música desaparece. Un chiste para rebajar la tensión antes de retomar las consecuencias de la batalla.

Lyonel Baratheon le comenta a Dunk que el combate ha sido una maravilla, y que no lleva nada bien tener que volver ahora a llevar una vida mucho más aburrida en sus tierras. El anciano maestre comentaque las heridas de Dunk no tienen buena pinta, y que probablemente este no va a sobrevivir. Lyonel Baratheon responde con un estallido de rabia, y echa al viejo con malos modales. Lyonel cree que se avecina una guerra, y que Dunk y él pueden unir sus fuerzas para hacer algo grande. Le pide que se vaya con él a Bastión de Tormentas: una oferta de trabajo en toda regla. Y a continuación, le dice una frase que me parece maravillosa y que es invención de la serie (como casi todo lo de Lyonel, que en el libro apenas habla): “Acéptala (la oferta) y te querré como a un hermano. O recházala y te odiaré como a un hermano”.

Lyonel y Dunk tienen también, desde el cariño, un enganchón bastante fuerte. Dunk está muy triste por la muerte de Baelor, y a Lyonel no se le ocurre más que decirle que a la larga se dará cuenta de que le ha hecho un favor al reino, y que el único dragón bueno es el dragón muerto, en referencia a los Targaryen. Duncan se enfada y le exige respeto para Baelor, que acaba dar su vida por ayudarlo. Y ahí Lyonel estalla de nuevo: señala que Baelor se enfrentaba a guardias reales habían jurado no herirlo. Que no se jugaba nada, al contrario que los dos Humfreys (Beesbury y Harding), que también murieron, o el chico de la manzana (en referencia a Raymun Fossoway, que acababa de ser nombrado caballero). Y hace una acusación muy dura pero que, en la mentalidad de Poniente, quizá sí tiene sentido: que los dioses quisieron castigar la hipocresía de Baelor. Ser Robyn Rhysling también se preguntaba antes de la pelea de si era honorable utilizar la presencia del príncipe heredero para anular a los guardias reales, a lo que Baelor respondía: “Los dioses nos lo dirán”. Según esa lógica, los dioses hablaron.

Dunk se pregunta entonces por qué los dioses han castigado a alguien tan bueno y honorable como Baelor, pero han premiado a un caballero errante. Pero Lyonel, recreándose en lo hecho polvo que está Duncan en ese momento, le señala que los dioses no le han dado una recompensa, sino que en todo caso se han burlado de él. Una frase que conecta con unas líneas que pronuncia Maekar Targaryen en el libro y que aquí le dan a Lyonel, parafraseándolas: “Es posible que los dioses tengan querencia por las bromas crueles. O que no haya dioses. Quizá lo ocurrido carezca de sentido”.

Después se nos muestra en pantalla es el funeral de Baelor Targaryen. En un entorno quizá más íntimo de lo que esperábamos, pues solamente los acompañan unos pocos miembros de la alta nobleza, vemos a los Targaryen, entre los que destacan Maekar y Egg. Junto a ellos, y en una pira, arde el cadáver del que hasta hace poco era el heredero al trono. Cuando Dunk llega a presentar sus respetos, más tarde, solo se encuentra junto al cuerpo a las hermanas silenciosas, que se harán cargo de los restos, y al príncipe Valarr, hijo de Baelor, primo de Egg. Valarr acaba de convertirse en heredero directo al trono, pero a un alto precio. Valarr es el caballero apuesto y joven, y no muy fornido, al que Aerion estuvo a punto de retar en el tercer episodio. Su armadura y su yelmo son, según el libro, los que utilizó Baelor en el juicio por combate, pues él no pensaba participar en las justas. Pero su hijo sí y, quizá por eso, el yelmo no cumplió su función: a Baelor le quedaba algo pequeño o no se le ajustaba correctamente.

Valarr parece sorprendido por la visita de Duncan. Muestra tristeza, sí, pero parece ensimismado en sus pensamientos más que otra cosa. Dunk le habla de lo buen hombre que fue su padre. Valarr le dice que Baelor aún era joven, y que llegado el momento habría sido un rey excelente. Dunk parece estar de acuerdo. En ese momento, de forma muy humana (aunque mezquina también), Valarr se pregunta qué sentido tiene que los dioses se hayan llevado a Baelor y hayan salvado a alguien como Duncan, básicamente recordándole que es un don nadie. Al caballero le duele, pero no responde nada, porque tristemente él también está de acuerdo.

Por suerte Dunk tiene algo de alivio al encontrarse con Raymun Fossoway, uno de sus mejores amigos. Se funden en un largo abrazo. Duncan le dice que todo el mundo le culpa por la muerte de Baelor, y Raymun responde que él no lo hace. Raymun le cuenta que su primo le ha echado del pabellón familiar, pues no podía soportar que le hubiera ganado en el primer juicio a siete que se celebraba en cien años. Él ha decidido adoptar otro escudo de armas: conserva la manzana de los Fossoway, sí, pero será de color verde, y no roja, como la de Steffon.

Del pabellón de Raymun sale Red, la joven prostituta pelirroja que conoció Dunk en el primer capítulo. La serie nos ha mostrado en varias ocasiones a Red apoyando al bando de Duncan y de Baelor. Raymun la presenta con otro nombre. Duncan parece comprender qué ha sucedido: Red ha visto la opción de ascender socialmente y lograr un lugar más seguro haciéndole creer a Raymun que ella también es noble. Dunk se siente identificado con ella porque él tampoco es quién dice ser: él nunca ha sido ordenado caballero. Sabe que hay mentiras o engaños que pueden servir para lograr un bien mayor y que lo que importa es ser buena persona, y cree que Red lo es. Por tanto, hace como que no la conoce, y se alegra del amor entre ella y su amigo Raymun, al que ve muy ilusionado.

Los hombres de Maekar Targaryen aparecen para llamar a Duncan, pues el príncipe quiere verlo. Raymun sale de nuevo en defensa de su amigo, al que pide que dejen en paz de una vez, pero Dunk le dice que no se preocupe, y acude a la llamada. Maekar lo recibe en la misma sala en la que Baelor se reunió con él en el capítulo 4. Pero lo que allí parecía acogedor y cálido (con un gran fuego y unas velas encendidas) en este capítulo se ve frío y sombrío: un ambiente que refleja tanto la situación que viven los personajes en su interior como la diferencia de carácter entre Baelor y Maekar.

Maekar está destrozado. Le cuenta a Duncan que ha decidido enviar a Aerion a las Ciudades Libres. Piensa que le puede venir bien a su hijo para corregir su carácter. Pero puede que Maekar lo quiera lejos también porque lo culpa de la muerte de Baelor. Maekar quería proteger a sus hijos, y ha acabado perdiendo a su hermano. Con todos los años que ha vivido a su sombra, con toda la envidia que ha sentido a lo largo de su vida hacia ese heredero perfecto, puede que hasta Maekar se pregunte si no había una pequeña parte de él que en realidad deseaba matar a Baelor. Pero, así como Baelor nunca culparía a su hermano, Maekar sabe que él también quería profundamente a su hermano mayor, aunque quizá nunca llegue a entender por qué decidió ir contra su familia por ayudar a un caballero errante.

Quienes dicen que Maekar pudo haber matado a Baelor por convertirse él en heredero al trono parecen olvidar que sigue estando bastante abajo en la línea sucesoria. Baelor tiene hijos y, además, Maekar tiene otros hermanos que heredarían el reino antes que él, al menos en ese momento. Pero sentirá una gran culpa el resto de sus días. De hecho, en uno de los últimos pasajes en los que aparece el maestre Aemon en los libros de Canción de hielo y fuego (concretamente en Festín de cuervos), de George R. R. Martin, el anciano nos dice esto (recordemos que Aemon es hermano de Egg y, por tanto, hijo de Maekar): “Y mi padre… Nunca pensó que el trono sería para él, pero así fue. Decía que era su castigo por el golpe que mató a su hermano. Rezo por que encontrara en la muerte la paz que nunca tuvo en vida”.

Maekar le recuerda a Dunk que el rey es anciano y que, cuando muera, y el reino tenga problemas (guerras, malas cosechas), los idiotas les culparán a ellos dos de todos los males por haber matado a Baelor. Duncan comparte con Maekar que ha pensado mucho sobre lo que ha sucedido. Si hubiera renunciado a un juicio por combate, habría perdido probablemente una mano y un pie, y ahí habría quedado todo. Y reconoce haberse preguntado mucho si no habría podido renunciar a sus miembros a cambio de la vida de Baelor. Y reconoce que a la única posible solución que ha llegado es a esta: “¿Y si llega el día en que necesito ese pie? ¿El día en que le haga falta al reino más aún que la vida de un príncipe?”. Maekar desprecia la respuesta, pues considera que el reino está lleno de caballeros errantes. Sin embargo, y a pesar de la circunstancia, es innegable que se respira cierta simpatía entre estos dos hombres, quizá las circunstancias.

Maekar le dice a Dunk que su hijo Egg no quiere servir como escudero a otro caballero que no sea ser Duncan, y le hace una oferta: que le sirva y se vaya con ellos a Refugio Estival, donde terminarán de formarlo en el manejo de las armas. Duncan valora la oferta, pero recuerda que el hombre al que juró servir era Baelor, y ahora está muerto. Le dice a Maekar que él ya no quiere saber nada de príncipes. Cuando sale de la estancia, Duncan se encuentra con Egg. El caballero errante sabe que el niño ha estado espiando su conversación. Le explica que no puede aceptarlo como escudero. Egg responde entonces, triste y dolido, que quizá Duncan no sea el caballero que él pensaba que en realidad era.

Más adelante Daeron, el hermano mayor de Egg, intervendrá para ayudar al niño. Daeron tiene muchos defectos, pero parece alguien sensible e inteligente. Le hace ver a Duncan que Egg puede ser un hombre si recibe la educación adecuada. Básicamente le da a entender el caballero errante que Aerion, por terrible que pueda parecer ahora, en su día también fue un chiquillo con cierta ternura. ¿Nuestro carácter viene dado por nuestra naturaleza o por nuestro contexto? La duda le sirve a Duncan para replantearse las cosas.

En la fortaleza de los Ashford, Egg se mira la cabeza. Le está empezando a salir ya el cabello blanco de los Targaryen. El niño siente un gran rechazo, y coge un cuchillo. Se mete en el cuarto en el que Aerion se recupera, como puede, de sus heridas. Y se plantea matar a su hermano. Pero Maekar también está, silencioso, en el cuarto. Mira a Egg con dureza, pero parece comprenderlo. Y sí, su mirada también transmite una súplica: no solo que no mate a Aerion, sino que no se convierta en un monstruo. Justo en ese momento emocionalmente tan intenso, y a la vez tan íntimo, entre Maekar y Egg, llaman al padre: Dunk le pide audiencia.

Duncan se ha pensado mejor la oferta del príncipe, y dice estar dispuesto a aceptar a Egg de escudero, pero con sus condiciones. El chico le seguirá por Poniente y vivirá como un caballero errante, durmiendo en zanjas y comiendo tasajo si es necesario. Maekar parece furioso y se opone a que un hijo suyo, todo un príncipe, viva así. Es entonces cuando Dunk le golpea donde más le duele: en el amor por sus hijos. Duncan le dice que está seguro que tanto Daeron como Aerion han vivido con todos los lujos y comodidades. Y no hace falta decir mucho más, porque hasta un caballero errante se da cuenta de que Maekar sabe que podrían haber llegado a ser mejores hombres. Y quizá el camino que le abre Dunk es una opción para lograr por fin un mejor futuro para Egg.

No sabemos qué respuesta le da Maekar a Duncan, porque lo siguiente que vemos es a Dunk, que saca el penique que llevaba la empuñadura de la espada de ser Arlan, para después dejarlo clavado en un árbol: cumple así con la costumbre que tantas veces le contó su maestro que seguían en su lugar de origen (de ahí el Árbol de la Moneda). Duncan cierra así, al menos un poco, el duelo por la pérdida por ser Arlan con el que empezamos la serie, justo antes de dirigirse a nuevos parajes.

Pronto vemos a otro viejo conocido: el caballo Pasoquedo, al que Duncan se vio obligado a vender al principio de la historia. Lo ha recuperado para él Raymun Fossoway. Duncan se alegra muchísimo de reencontrarse con ese caballo al que tanto quería. Pero el animal era de ser Arlan, así que decide darle un destino que cree mejor: se lo regala al propio Fossoway. Sabe que va a estar bien cuidado con él: a pesar de su fiereza en el combate, es un tipo tierno. Y, además, como buen Fossoway, va a tener siempre a mano manzanas para el animal. De hecho, su plan de futuro es continuar en el negocio de la sidra. Dunk le cuenta que ha decidido no marcharse con Lyonel Baratheon a Bastión de Tormentas: quiere seguir su propio camino.

Y sí, poco después aparece Egg, y el caballero errante se emociona al ver llegar al niño. Egg dice que su padre le ha ordenado ponerse a su servicio. Egg viajará de incógnito, de nuevo con su cabeza afeitada. Dunk le recuerda las tareas que va a tener que cumplir. Cuando hablan de hacia dónde dirigirse, Egg le propone ir hacia Dorne, ya que es un lugar en el que el príncipe nunca ha estado, y en el que ha oído que hay buenos espectáculos de marionetas (recordemos que es el lugar al que se dirigió la titiritera Tanselle después del incidente con Aerion).

Dunk y Egg discuten sobre el número real de reinos que hay en Poniente, y de nuevo queda claro que el niño sabe más del mundo que el caballero. Y, en un plano muy poético, se nos muestra cómo Dunk y Egg cabalgan sobre Trueno y Castaño, acompañados por Arlan, montado en Pasoquedo. Al llegar a la altura del árbol donde está enterrado, ser Arlan y Pasoquedo se desvían, mientras que los protagonistas continúan su camino, rumbo hacia nuevas aventuras por vivir y nuevas mañanas por descubrir.

A continuación, empieza a sonar una canción mítica de country (que, de nuevo, extraña escuchar en este universo) como Sixteen Tons de Tennessee Ernie Ford. El tema transmite enseguida la idea de viaje y de vida errante que la historia parece anticipar para los protagonistas. Y sobre ese sentimiento de extrañeza que nos produce escuchar un tema musical con letra tan reconocible sirve para preparar la broma final: los Targaryen se marchan de Vado Ceniza. Allí se ve a Daeron, a Aerion… y al príncipe Maekar, que monta a caballo, con aire preocupado. El hombre parece buscar a Egg, por el que pregunta a un guardia, que le dice que no le han visto por ninguna parte. Maekar está que echa humo.

Aquí, al contrario que en el libro, se nos da a entender que Maekar no le ha dado permiso, y que Egg ha decidido de nuevo su camino por su cuenta. Un buen gag, sí, sobre todo para cerrar, que le da todavía más personalidad al niño, pero que espero que más adelante la serie se nos dé a entender que Duncan sigue con Egg ya con permiso explícito de su padre: en primer lugar, porque que Maekar lo autorice creo que es importante, porque significa que ha decidido hacer las cosas con este hijo de manera diferente. Es decir, que no solo entiende por qué es conveniente, sino que es lo suficientemente valiente como para arriesgarse a hacerlo. Y, segundo, porque no es muy sostenible que sigan sus aventuras sin permiso, porque Maekar puede movilizar a los hombres que considere hasta encontrar a su niño.

Una adaptación fiel y una excelente primera temporada

Ahora que ya hemos llegado al final, podemos valorar esta temporada 1 en su conjunto. El caballero de los Siete Reinos es una serie excelente y fiel al material original. Es normal que George R. R. Martín esté contento, pues las novelas cortas de Dunk y Egg contienen algunas de sus historias favoritas: en alguna ocasión ha dicho que la primera de ellas, El caballero errante, que es la que abarca la primera temporada, es uno de los 'hijos' a los que más quiere. La adaptación sigue casi punto por punto todo lo que se narra en el libro, pero es verdad que también se aleja un poco del tono original del cuento en ocasiones, y potencia mucho más el sentido del humor.

A veces esto puede originar algunos pequeños problemas, como en mi opinión sucede con el personaje de ser Arlan, que en la serie se nos muestra mucho más desquiciado que en los libros. Dunk nos repite una y otra vez que Arlan le enseñó a ser un buen hombre, pero quizá se habría agradecido que viéramos más la nobleza de ser Arlan en algunas de sus acciones, como sucede precisamente en la escena en la que salva al niño en el capítulo 5, que nos recuerda precisamente la idea de que un caballero que recuerda sus votos puede ser también un viejo borracho si está dispuesto a hacer lo correcto. Quizá ese contraste entre cómo Duncan nos dice que era su mentor y cómo lo vemos nosotros en pantalla habría funcionado todavía mejor si tuviéramos alguna pincelada más de contexto: los lectores del libro sabemos que ha perdido a su sobrino, que era su antiguo escudero, en la guerra. Quizá su alcoholismo es una forma con la que intenta lidiar con su trauma.

A pesar de ello, uno de los principales méritos de la serie es el desarrollo de personajes y del mundo en el que viven: Lyonel Baratheon (Tormentalegre); lord Ashford, su maestro de armas y su hija; o incluso ser Robyn Rhysling. Apenas están esbozados en el libro, y aquí les dan una presencia mayor y una personalidad más marcada. A través de nuevas escenas y diálogos profundizan en su forma de ser y nos los hacen sentir más reales. A otros personajes que sí aparecen más en el libro, como el encantador Raymun Fossoway, le dan también matices como ese discurso político antitargaryen que parece que comparte con el propio Lyonel Baratheon (aunque Raymun luego no puede evitar sentir simpatía y admiración por Baelor). También son interesantes las referencias que añaden a la rebelión de los Fuegoscuro, que en la primera novela corta todavía no se menciona, pero que en la segunda y en la tercera adquiere mucha importancia.

La serie ha sido muy valiente también en atreverse a hacer algo diferente a fuego lento, sin necesidad de apresurarse, y sin tener ningún gran giro hasta su tercer capítulo (el ecuador de la misma, ni más ni menos). Uno de sus principales aciertos es su estructura, pues el formato elegido de 6 capítulos de aproximadamente media hora le permite tener finales de episodios relevantes: la aceptación de Egg como escudero y el paso de la estrella fugaz; la frustración de Dunk por el olvido de ser Arlan por parte de los nobles; la revelación del secreto de Egg; la intervención salvadora de Baelor; la muerte del príncipe heredero; y, finalmente, el reencuentro entre Egg y ser Duncan. El punto de vista de la historia es fundamentalmente el de sus protagonistas, pero cada capítulo se centra algo más en un personaje, que se permite explorar: el primero lo hace con Dunk; el segundo, con ser Arlan; el tercero, con Egg; el cuarto, con Baelor; el quinto, con ser Duncan de nuevo (mostrando su origen); y el sexto, con Maekar.

Pero el éxito que ha tenido El caballero de los Siete Reinos creo que se debe, en gran medida, a lo mucho que el público ha conectado con sus protagonistas. En un momento político tan convulso, cada vez más violento y lleno de incertidumbre, es todo un alivio ver a personajes que hacen frente a los reveses de la vida (algunos de ellos muy duros) desde la honradez, la inocencia y la esperanza, apoyándose en la gente que les aprecia. Un poco como pasaba con el Superman de James Gunn, ser Duncan reivindica la bondad y la sencillez del héroe clásico, sin dejar de dotarle de complejidad. Verlo disfrutar junto a personajes entrañables o carismáticos lejos de guerras de todo tipo es un soplo de aire fresco que se agradece. Igual que es reconfortante ver a Dunk defender al débil o a un gobernante como Baelor tomar partido por el inocente. Seguro que Duncan y Egg evolucionan en un futuro, pero ojalá no pierdan esa esencia.

Será curioso ver en la siguiente temporada qué añaden y qué cambian, pues la segunda novela, La espada leal, es más calmada y tranquila, aunque su historia es también muy profunda. Habrá que esperar para ver si nos muestran los acontecimientos que suceden entre el primer libro y el segundo, pues ahí sí que pasan bastantes cosas, o si se nos dan más detalles de la rebelión de los Fuegoscuro. A largo plazo, además, podemos preguntarnos por las implicaciones de un ligerísimo cambio que hacen en la profecía que le cuenta Daeron a Duncan en el capítulo 4, en el que lo ve victorioso sobre un enorme dragón muerto. En El caballero errante siempre se interpretaba como una anticipación de la muerte de Baelor, pero como en la serie le añaden un nuevo elemento, el fuego, e incluyen una nueva y siniestra profecía en el episodio anterior, se especula sobre la posibilidad de que ese sueño hable también del destino de los protagonistas en un futuro.

Incluso si un destino trágico sobrevolara en el horizonte, nos faltaría todavía mucho para llegar hasta allí y, como en la vida, lo que importa es el viaje. Esperemos que la serie siga siendo tan valiente y sencilla, porque desde luego Ira Parker y su equipo aquí han hecho un gran trabajo, y se nota el cuidado y el cariño que han puesto en cada detalle. Nosotros seguiremos con hambre de vivir nuevas aventuras junto a estos tiernos protagonistas y, mientras esperamos, siempre que queramos visitar a Dunk y a Egg lo podremos hacer en los libros, en un nuevo visionado de esta temporada o en nuestra imaginación.

Hay un ritual que en Catalunya sobrevive a los gobiernos, crisis y cambios de ciclo: encender la televisión para ver Polònia. Lo que nació en 2006 como una apuesta arriesgada de sátira política en el prime time de TV3 ha terminado por convertirse en un espejo hilarantemente fiel de toda una sociedad gracias a sus parodias. El formato celebra su vigésimo aniversario este jueves, 19 de febrero, con una gran puesta de largo en la que se conmemora una tarea nada fácil: su permanencia en televisión es un hito mediático que incluso puede entenderse como un ejercicio de resistencia frente a los desmanes de la actualidad.

En verTele queremos traspasar la barrera del set de rodaje para entender cómo se cocina un éxito que se extiende por décadas. Toni Soler, creador y director del formato, toma asiento con nosotros para desgranar los secretos que se esconden tras este vigésimo cumpleaños. El hecho de soplar estas velas implica que el público sabe reconocer el talento y el trabajo bien hecho. De hecho, continúa logrando lo imposible: mantener una solidez envidiable en audiencias, liderando su franja con la misma frescura con la que se presentó por primera vez ante los espectadores.

Al final, no solo se trata de humor. Este formato es capaz de explicar cómo funciona la política a través de sus ácidos gags. Sencillamente, se comporta como un manual de resistencia para no perder la cordura en tiempos de crispación absoluta. Arrancamos este viaje entre bambalinas para entender por qué necesitamos esa dosis semanal de irreverencia para sobrevivir a la actualidad. En el camino descubrimos, de la mano de su 'alma máter', los caladeros en los que pesca para hacer humor, la anatomía de un sketch, sus tiempos más complicados durante el Procés o la pandemia y hasta la oferta de RTVE para dar el salto al plano nacional.

Los principales caladeros en los que pesca 'Polònia' para hacer humor

¿Cuáles son los caladeros en los que Polònia pesca para hacer humor? Toni Soler lo tiene claro: el programa continúa viviendo un momento dulce porque se alimenta de las dos grandes obsesiones que definen el ADN catalán: “Una es qué somos los catalanes; la otra, cómo debemos relacionarnos con el resto de España”, explica con la seguridad de quien lleva veinte años analizando las costuras de todo un país. Son conflictos que no caducan, materiales que proporcionan un combustible casi infinito a los guionistas del formato: “Es lo que nos da la vida, lo que nos ayuda. Y de esto es de lo que se ríe el programa”.

Pero si estas son las cuestiones de fondo, la música es un gran filón de difusión en la superficie. Aunque el creador del espacio confiesa que este tipo de gags no son sus favoritos, le resulta imposible negar su enorme alcance: “La música es un vehículo de transmisión del humor muy popular. Tienen mucha aceptación y además se viralizan muy rápido”. En esencia, son ingredientes que permiten poner en marcha un programa “con un buen nivel de calidad y de pluralidad” que ha conectado muy bien con amplios sectores del público. “Nos ha dado la vida y de comer a todo el equipo y muchas satisfacciones. Estamos muy contentos y agradecidos”, añade.

Anatomía de un gag: de la idea al 'corten'

El reloj marca las 22:00 horas y en la televisión comienza a sonar la sintonía de Polònia. Todo lo que vemos en pantalla es fruto del talento y la coordinación de un equipo que funciona como “una maquinaria muy bien engrasada”, tal y como Soler destaca. Entonces, la pregunta es clara: ¿Cuál es el proceso de trabajo desde que surge una idea hasta que se escucha ese 'corten' en el set de rodaje? Los tiempos son fundamentales para conocer su anatomía:

Ya conocemos el plan de trabajo, pero hay una cuestión que despierta la curiosidad de los espectadores: “¿Cómo decide el equipo lo que es 'polonizable' en cada una de sus emisiones?”. La respuesta es sencilla: “En general es el sentido común”. Los miembros del equipo se ponen en la piel del espectador para decidir si puede despertar o no la carcajada a ojos del público. “Hacemos un equilibrio entre lo serio que es el tema y lo divertida que es la broma; es decir, ofender gratuitamente no nos gusta. La desgracia ajena tampoco. Si el sketch es buenísimo, entonces dudas más”, insiste Soler al respecto.

¿Qué piensan los políticos de las parodias?

La misión de Polònia es estar siempre en el alambre: “A veces patinamos y a veces no. Nosotros tenemos que poner a prueba estos límites del humor. Cada semana es nuestra obligación. Pero, desde luego, siendo receptivos”. En este sentido, los trabajadores nunca pierden la perspectiva del lugar donde se emite el programa: una cadena pública. Por este motivo, se escucha habitualmente la opinión no solo del cliente, sino también de las figuras protagonistas de cada gag: “Invitamos a las personas a las que parodiamos a que nos digan si se han sentido maltratadas de alguna manera”.

Todos los miembros del equipo están siempre receptivos a escuchar opiniones de aquellos sujetos parodiados: “Es su derecho y faltaría más. Pero, por supuesto, los guionistas del programa son más objetivos que los políticos que alguna vez se puedan quejar o puedan decir que estamos barriendo para un lado o para el otro. O sea que tenemos que hacer un caso relativo a las críticas que recibimos”. Y atención a la prueba de que el humor tiene un poder especial: ningún dirigente les ha llamado la atención: “No les corresponde”.

Soler desvela entonces que siempre trata de mantener una buena relación con la clase política sin hacer caso a las siglas: “Enseguida les doy mi número de teléfono para que me puedan llamar si cualquier cosa les molesta o les hace sentirse maltratados. Yo no me voy a ofender, pero todos son muy respetuosos”. ¿Sorprendente? Quizás esta sintonía debería ser más habitual en otros ámbitos para rebajar la tensión que últimamente se percibe al otro lado de las pantallas. Es otro de los ingredientes con los que Polònia ha alcanzado un éxito que alcanza ahora los veinte años.

Manual de resistencia para sobreponerse a la actualidad

En la redacción de Polònia, la actualidad se comporta a veces como un guionista que obliga a trabajar por duplicado en ocasiones especiales. “A veces hemos grabado dos versiones de un mismo gag. Cuando había una dimisión en ciernes de algún político o el Barça tenía un partido el mismo jueves o cosas de estas hemos grabado dos versiones”, nos confiesa Soler, revelando parte de esa arquitectura que sostiene el programa. En efecto, el equipo siempre tiene presente un “por si acaso” para estar a la altura de los espectadores.

Aunque no recuerda un caso extremo que obligara a enterrar un sketch ya editado, reconoce que sí pudo ocurrir en el pasado: “Alguna vez algún gag se ha quitado porque la realidad ha cambiado. Y siempre tenemos alguna cosa en la recámara para que el programa llegue a sus treinta minutos”. Sin embargo, la creatividad es capaz de sobreponerse a cualquier situación: “Ahora mismo la realidad en Catalunya es bastante más sosa que hace años, así que tendría sentido que la gente ya no… Pero no, la cosa sigue muy bien”.

Los años más complicados: sobrevivir al Procés, la pandemia y otros abismos

Hubo noches en las que Catalunya se iba a dormir con un nudo en el estómago que solo se deshacía, brevemente, frente a la televisión. Polònia no era solo humor, se comportó como esa especie de salvoconducto semanal para evadir la mente y reírnos de nosotros mismos como sociedad. “Lo más complicado fue superar los momentos en los que a la gente se le congeló la sonrisa”, recuerda Soler. Durante los momentos más críticos del Procés, el esqueleto de cada programa se convirtió en un “campo de minas”: “Nos encontramos con que la mitad de los personajes del programa estaban en la cárcel o fuera de España”.

La realidad se convirtió en algo “muy difícil de manejar” para todos los implicados, situación similar a lo que ocurrió años después con la pandemia del coronavirus. “Había mucha gente que no tenía ganas de reírse”, explica. De las dificultades del confinamiento nacieron hitos como el sketch de Isabel Díaz Ayuso y Pedro Sánchez al ritmo de Shakira, un “bombazo” que demostró que el programa seguía siendo ese bálsamo necesario. Para el padre de la criatura, se logró no fallar a la cita: “Trabajó cada uno desde su casa, haciendo un programa artesanal, acompañando a la gente en los momentos más duros. Y lo sacamos adelante”.

El paso del tiempo frente al espejo: ¿Ha envejecido peor la clase política o la tolerancia del espectador?

Si miramos por el retrovisor, el paisaje ha cambiado drásticamente. Poco tiene que ver la España de 2006 con la de nuestros días tanto en el fondo como en la superficie. Sorprendentemente, Soler rompe una lanza a favor de la clase política cuando planteamos si ha evolucionado peor que la tolerancia del espectador: “Tienen la piel muy dura; toleran mejor la parodia que los deportistas o la gente de la cultura”. El verdadero cambio, advierte, está en cómo las redes sociales han influido en el comportamiento de algunos sectores de la sociedad: “Hay un exceso de puritanismo falso y oportunista”.

A su juicio, hay grupos de personas que buscan “notoriedad a través de la victimización”. El director reflexiona sobre un retroceso en términos de tolerancia, siempre teniendo claro que el humor funciona como una especie de antídoto ácido contra las adversidades. Pero Polònia también ha hecho su propio examen de conciencia. El programa aprende cada día y, con el paso del tiempo, se desprende de algunas prácticas que ahora “chirrían” como los cambios de género en los actores o el uso de maquillaje para interpretar a personajes de otras etnias. Es una evolución natural para adaptarse al mundo de nuestros días.

El salto de 'Polònia': cuando RTVE quiso llevarse al equipo

Hubo un periodo, tras el estallido inicial del éxito, en el que RTVE intentó llevarse el formato a Madrid y ofrecerle un alcance estatal. En 2006 Carmen Caffarel Serra ejercía como presidenta del ente público, y cedió el testigo a Luis Fernández Fernández ese mismo año. Soler y el equipo de Polònia declinaron aceptar la oferta. “La volatilidad de las parrillas televisivas españolas me daba un poco de miedo. Yo pensaba: 'Igual nos vamos allí y al cabo de seis meses estamos todos en la calle'”. Prefirió apostar por un largo recorrido en TV3, donde ha visto pasar a presidentes autonómicos de distinto color político —socialistas, convergentes y republicanos— mientras ellos, los humoristas, permanecen.

Actualmente, ¿se plantea la posibilidad de que el programa vuele hacia otra cadena? “Nosotros catalaneamos más de lo que creemos. Gente como Carlos Latre, Jordi Évole, que fue guionista conmigo, o Buenafuente han tenido mucho éxito. Pero, concretamente, no sé si se podía trasladar. No sé si un programa de 30 minutos tiene encaje en las actuales parrillas”, declara. Lo cierto es que este formato ha logrado mantener a la audiencia pegada a TV3 con una estrategia muy distinta a lo habitual en las generalistas que emiten en todo el país. Tarea nada fácil conseguida.

Feliz aniversario, 'Polònia'. A por otros veinte años más

Polònia emite su gala de aniversario este jueves, 19 de febrero, como prueba fehaciente del estatus del programa. “Es ya institución, viene todo Dios”, bromea Soler. A esta puesta de largo asisten rostros tan dispares como tres consejeros del Gobierno, el ministro Jordi Hereu, Gabriel Rufián, Míriam Nogueras, Jordi Trull, Artur Mas o José Montilla. Si agitamos todos estos ingredientes en la coctelera, todo indica que hay programa para, como mínimo, otros veinte años más: “Nos hemos pasado la vida diciendo: 'Chicos, un día de la manera más absurda, la audiencia empezará a caer'. Es lo que ocurre. Siempre ocurre. Pero bueno, van pasando los años y de momento no”.

Dos décadas después de su estreno, Polònia celebra su aniversario más especial tras haberse convertido en ese oasis de humor dentro de un panorama altamente polarizado. El programa que convirtió la sátira en servicio público se enfrentó a sus momentos más complicados durante el Procés o la pandemia del coronavirus, poniendo sobre la mesa que el talento es fundamental para resistir a la actualidad. Sus parodias a cualquier miembro de la clase política ya forman parte de la historia de nuestra televisión. Felicidades, equipo. A por otros veinte años más —como mínimo— ofreciendo al espectador esa sátira tan necesaria para mantener la cordura.

El Benidorm Fest 2026 ya es historia. RTVE celebró el pasado sábado la gran final del certamen, con una victoria del coreado T Amaré de Tony Grox y Lucycalys que fue el colofón de una quinta edición del festival que pretende (y debe) ser punto de inflexión en su trayectoria. Tras desligarse de Eurovisión por la retirada de España ante la continuidad de Israel, el evento musical ha tenido ante sí la oportunidad de asentar los cimientos de una nueva era en la que, de verdad, se convierta en esa referencia dentro de la industria a la que tanto aspira.

RTVE no va mal encaminada, pero para lograr su ansiado objetivo aún tiene bastante trabajo por delante. Y es que, a la vista de las audiencias cosechadas durante las tres galas de la semana, las dos semifinales y la gran final, a la emisora de todos le tocará remar mucho para lograr en la ya confirmada edición del Benidorm Fest 2027 -este domingo RTVE anunció su renovación por un año más en la ciudad levantina- recuperar el interés que se ha perdido sin el atractivo y la atención que supone ser preselección del representante de España en Eurovisión.

El Benidorm Fest debe trascender al certamen europeo al margen de lo que ocurra en el futuro, ya sea seguir fuera del festival continental o volver a participar, eso sí, si se producen cambios en la situación con Israel que posibiliten su regreso. A pesar de mantenerse firme en su decisión, RTVE no ha perdido la oportunidad este fin de semana de lanzar varios guiños a Eurovisión.

Primero durante ese Eres tú de Mocedades que entonaron varios exparticipantes del Benidorm Fest y con el que el espíritu eurovisivo hizo un breve acto de presencia durante la final. Después, en la rueda de prensa con los ganadores en la que María Eizaguirre, directora de Comunicación y Participación de RTVE, aseguró que la pública “lleva en su ADN estar en Eurovisión” y que, a pesar de todo lo que ha ocurrido en los dos últimos años, “quiere el festival”.

RTVE parece no tener la intención desprenderse de Eurovisión ni querer romper del todo el nexo entre el Benidorm Fest y el que hasta hace un año era su 'hermano mayor'. Sin embargo, dejando a un lado lo que acabe ocurriendo, el foco de la pública tiene que ponerse ahora en consolidar su marca en un festival con entidad propia pero que a la vez tenga reclamo para ese público general que esta vez no se ha asomado al formato. Para ello, deben mantenerse las mejoras implementadas poco a poco a lo largo de los últimos cuatro años y, sobre todo, revisarse con honesta autocrítica los puntos en los que el Benidorm Fest sigue flaqueando. Lo analizamos.

El salto de calidad del Benidorm Fest más oscuro

Nadie duda, al margen de los resultados de audiencia, de que RTVE ha redoblado sus esfuerzos en este Benidorm Fest 2026. Además de incrementar su presupuesto en un 45.2% respecto a lo invertido el año pasado -con gran inversión en publicidad y promoción de las canciones-, la cadena pública ha conseguido dar al certamen un gran salto de calidad, en el ámbito artístico pero especialmente en el apartado técnico. verTele, que ha vivido desde dentro las cinco ediciones que lleva hasta la fecha el Benidorm Fest, ha sido testigo de la gran evolución que el evento televisivo ha venido experimentando, con esta edición de 2026 haciendo uso de una tecnología nunca antes vista dentro del Palau d'Esports L'Illa en el que se celebra el concurso.

Gracias a ello, y al espectacular esfuerzo humano del equipo desplegado tras las cámaras que lidera el director César Vallejo, el festival ha visto ampliados sus márgenes creativos. Esto ha sido más que palpable tanto en los momentos de las galas en los que los presentadores Jesús Vázquez, Javier Ambrossi, Inés Hernand y Lalachus iban dando paso a las diferentes candidaturas, como en gran parte de las actuaciones de los 18 participantes que este año han luchado por el triunfo en Benidorm, así como en la de sus artistas invitados.

Números como los de Kenneth, y el cerrado pack de Los ojos no mienten; el de Rosalinda Galán, con un impecable plano secuencia mostrando su juego de luces y sombras; o el de Chanel y el espectacular arranque de su performance con la cantante colgada del techo del recinto, son la mejor prueba de todo ello. Las actuaciones fueron el plato fuerte de un evento que flaqueó en ciertos momentos en los que las galas perdieron ritmo, con algunos sketches entre los conductores de la gala largos o repetidos, o en esos dilatados vídeos de presentación que aunque daban tiempo a los cambios de escenografías, pudieron resultar poco dinámicos.

Nadie exagera cuando dice que el Benidorm Fest no tiene nada que envidiar a otros certamenes o eventos musicales televisivos del extranjero. Y aunque aún no está en el escalón de citas como el propio Eurovisión o galas de premios internacionales como las de los MTV, lo cierto es que el Benidorm Fest consigue año a año (con mucho menos presupuesto) acortar esas distancias, ejecutando un trabajo de realización y escenografía que no lo tiene ningún otro evento musical y televisivo en España.

Al frente todo, con la batuta de la orquesta, ha estado este año el jovencísimo Sergio Jaén (24 años), el escenógrafo español que saltó a la fama por firmar la impactante propuesta de Irlanda en Eurovisión 2024 y que tocó la gloria al diseñar la de la vencedora en Eurovisión 2025 con JJ y su Wasted love. Tras su éxito en el festival y su implicación en preselecciones eurovisivas como las de Chipre o Finlandia, RTVE decidió traer a España a este talento patrio fichándolo como director artístico del Benidorm Fest 2026, acompañado de su coreógrafo de confianza Borja Rueda. Un decisión más que acertada, ya que era necesario que ese salto de calidad que el certamen iba a dar en su primer año 'independiente' estuviese orientado por alguien con probada experiencia.

Por poner un 'pero' a su designio, tal vez hubiese sido más efectivo que el papel de Sergio Jaén no fuese el de diseñar 17 de las 18 puestas en escenas de los participantes de este año (todas menos la de Mayo), sino el de homogeneizar o guiar las propuestas de los equipos escenográficos que eligiera cada candidato. El hecho de que -tal vez por ahorrar costes- casi todos optaran por el escenógrafo 'de oficio' que RTVE les ofreció, provocó situaciones poco favorables, empezando por un exceso de carga de trabajo depositado sobre Jaén que pudo desnivelar los estándares de calidad de las distintas actuaciones.

En consecuencia, el Benidorm Fest 2026 ha dejado por un año de hacer 'cantera' en el sector audiovisual nacional después de cuatro ediciones contando con nombres como Javier Pageo, David Pizarro o Juan Sebastián e Israel Reyes, entre tantos otros. Y también se ha perdido diversidad creativa entre las propuestas diseñadas para las diferentes actuaciones del certamen.

Sin poner en ningún momento en duda su desempeño, Sergio Jaén imprimió su sello personal -algo sombrío y melancólico- a casi todas las candidaturas. Lo hizo bajando la iluminación de la mayoría de puestas en escena, haciendo uso de ese blanco y negro con el que triunfó en Eurovisión 2025 hasta en tres actuaciones, e incluso empleando tonos oscuros para los visuales de las pantallas. Esto último también en canciones que desprendían otra energía más luminosa, como la bachata de Dani J, la salsa de Luna Ki o la flamenca ganadora de T Amaré. Es decir, las propuestas fueron adaptadas a la firma de Sergió Jaén y no fue él el que se adaptó a las emociones evocadas por cada tema musical.

Todos estos aspectos dieron al Benidorm Fest 2026 una estética y un look general mucho más triste que de costumbre, alineado con las televisiones del norte de Europa. Algo que en exceso pudo resultar menos televisivo y que contrasta con toda la imagen gráfica que el festival ha venido utilizando desde su primera edición en RTVE. Uno de los momentos más evidentes de este 'apagón' llegó tras la proclamación de Tony Grox y Lucycalys como ganadores, un momento de fulgor y celebración oscurecido por las luces, los visuales e incluso el vestuario de sus protagonistas. Esa imagen, comparada con la de la coronación de Melody, es el mejor resumen.

El Benidorm Fest gana identidad, pero pierde 'punch' sin Eurovisión

Pese a esta última circunstancia, que no deja de ser una decisión artística y subjetiva, podemos decir que el Benidorm Fest ha ganado identidad en su quinta edición, engalanando y reforzando sus cimientos. En ese sentido, al certamen de RTVE le ha venido bien desligarse de Eurovisión y tener como único objetivo ofrecer tres galas a la altura de lo que debe ser un festival de referencia en su propio país, pues el resultado es para estar orgullosos de su evolución. Sin embargo, es indudable que ha perdido el interés del público generalista, que no se ha asomado como otros años para ver y votar quién nos debía representar ante Europa.

Cuando se anunció que RTVE se retiraba de Eurovisión pero mantenía el Benidorm Fest, desde verTele ya analizamos que la cadena pública tenía ante sí la oportunidad de reiniciar y consolidar su marca de manera independiente. Sin embargo, por su propia concepción inicial como preselección eurovisiva, hay muchos que no han entendido el sentido de seguir celebrándolo y eligiendo un ganador si no va a ir al certamen continental.

Así se ha reflejado en los datos de audiencia, que han registrado una media de 11.4% y 930.000 espectadores en sus tres galas en La 1 de RTVE: 11.1% y 850.000 en su primera semifinal, 11.1% y 857.000 en la segunda, y 12.1% y 1.085.000 seguidores en la final. En lo que respecta a la gala definitiva, la que mayor expectación ha generado en las cinco ediciones, ha sufrido una pérdida de 853.000 espectadores respecto a la de 2025 (17.1% y 1.938.000 seguidores), un 56% menos de público. Es decir, ha perdido a la mitad de su audiencia en su primer año sin el reclamo de Eurovisión. A ello no ha ayudado la cuestionada programación de las semifinales más allá de las 23:00 horas entre semana, al no estar dispuestos a sacrificar esos días ejes de su parrilla como La Revuelta para intentar potenciar su propio festival.

Desde RTVE han valorado la edición como positiva para sus intereses, afirmando en boca de su directora de Comunicación María Eizaguirre que el Benidorm Fest “es un fenómeno social que va más allá de la pantalla” y que ha cumplido sus objetivos, al haber logrado atraer el interés de socios como Spotify y Univisión. También han justificado que su programación en un fin de semana con las fiestas de Carnaval y San Valentín no ha favorecido por la bajada del consumo televisivo, si bien el dato de cuota (un 12.1%) es independiente a todo ello, pues refleja el porcentaje de público que estaba viendo el festival del 100% de la audiencia en ese momento.

Aun compartiendo y apoyando la idea de que el Benidorm Fest sí tiene sentido y se ha reforzado a sí mismo sin Eurovisión, es innegable que en esta edición de 2026 ha echado de menos un reclamo que hiciese que el público general, ese que no consume este tipo de formatos musicales pero que sí se interesa por ellos cuando hay algo en juego, se asomase a la cita. Algo que se ha visto también reflejado en las cifras del televoto, cuya participación respecto al año pasado ha bajado un 82% (únicamente en la final, ha pasado de 250.000 a 46.000 votos totales), a pesar de seguir teniendo opción gratuita a través de RTVE Play.

Los nombres de su cartel (con el conocido Funambulista fuera de la final), las canciones (pese a tener buenos datos de escuchas) o los presentadores (con Jesús Vázquez y Javier Ambrossi en el foco) no han sido reclamos suficientes para atraer a las masas, a pesar de que la promoción en los canales de RTVE ha sido intensa durante las semanas previas. Se ha echado en falta tener algo en juego, más allá del premio económico y de los galardones patrocinados, para que este evento tan grande (por inversión y por envergadura) fuese un gran evento para todos los públicos.

Haciendo hincapié en los participantes, la puerta de entrada del gran público al Benidorm Fest como demostró la potente y exitosísima primera edición, el equilibrio entre cantantes consolidados y perfiles emergentes sigue siendo la principal cuenta pendiente. El logro de la edición ha sido tener a un grupo internacional de éxito como los argentinos Miranda! y a un nombre reconocido del panorama nacional como Funambulista. Sin embargo, que el propio jurado de profesionales elegido por RTVE dejase fuera a este último no fue la decisión más inteligente si el festival quiere que artistas con trayectoria apuesten por la inversión de tiempo y dinero que supone estar en este evento.

En lo positivo, y en la línea de esa identidad propia que ha empezado a construir el Benidorm Fest este 2026, conviene poner el foco en cómo se ha alterado el voto sin Eurovisión como objetivo. Sin ser adivinos es imposible saber quién habría ganado esta quinta edición con otro contexto, pero el resultado sí contrasta con lo ocurrido años anteriores. La victoria ha sido para el hit T Amaré de Tony Grox y Lucycalys, la canción que más nos gusta sin pensar en que Europa no la disfrutaría (a diferencia de lo que pasó en 2023 con EaEa de Blanca Paloma y Nochentera de Vicco, por poner solo un ejemplo). Por contra, propuestas a priori más 'eurovisivas' como las de Kenneth o Atyat, repletas de efectos que triunfan en el certamen internacional, no han tenido el resultado que tuvieron en 2025 Uh Nana de Daniela Blasco o VIP de J Kbello, quedando último de la final y descalificada en la segunda semi, respectivamente.

Con estas referencias, y teniendo en cuenta el alto nivel de las actuaciones de la final en cuanto a realización y escenografía, puede decirse que tanto el público como el jurado han votado por sus canciones favoritas sin dejarse llevar por esos 'packs completos' que siempre hemos aspirado a llevar a Eurovisión. Un punto de partida clave para siguientes ediciones, si el objetivo sigue siendo convertir el Benidorm Fest en un evento de encuentro para la industria musical nacional. El recorrido que pueda tener a posteriori T Amaré, sin duda la canción más radiable y comercial de las 18 que participaban en esta edición, va a ser también de suma relevancia para seguir consolidando la marca.

En definitiva, en lo técnico esta es la senda que debe seguir RTVE con el Benidorm Fest 2027, que ya aparece en el horizonte de la cadena pública. Por delante, la emisora tiene tiempo suficiente para planificar una sexta edición en la que Eurovisión debería entrar en la ecuación -si volvemos al festival- sólo de manera opcional como ocurre en el prestigioso Sanremo, que desde siempre es el gran referente de nuestro certamen. Tal vez así logre al fin atraer a un nutrido plantel de artistas o grupos consolidados del panorama, o incluso de perfiles más diversos que los seleccionados en las últimas ediciones. En la configuración de un buen cartel debe enfocarse el trabajo para el año que viene, donde será capital reconectar con la audiencia.