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UNDER THE RADAR: The Mike Edmonds Story

Under the radar

Y todo esto es ya de por sí difícil, sin tener que preocuparse por ningún problema irreversible que condicione nuestro desarrollo. Si la persona nace con algún tipo de tara o problema físico que condicione su normal devenir como ser humano, ya ni les cuento lo complicado que este proceso puede llegar a ser. Puede sonar tópico, pero en la civilización que nos ha tocado vivir, aquellos que no responden a los esquemas de uso normal suelen vivir una vida a ratos miserable y a ratos tormentosa, más si se tiene en cuenta la falta de empatía que el común de los mortales suele hacer gala.

Sin embargo, hay personas dotadas con una fuerza de voluntad que les impide doblegarse ante la adversidad y, con el paso del tiempo, consiguen que una discapacidad manifiesta se torne en una ventaja que les permite salir airosos de cualquier circunstancia, por extrema y complicada que ésta pudiera llegar a ser. Al verlos, es difícil sentir lástima por ellos ni nada por el estilo. Lo que uno siente es una tremenda admiración y la sensación de que los seres humanos nos pasamos nuestra corta existencia en este mundo quejándonos sin razón alguna, cuando lo que deberíamos hacer es tratar de disfrutar y jugar con las cartas que nos han tocado en suerte, sin miedo a lo que tenga el contrario.

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ANARKIAA, EI RAKKAUTTA

Además, cuando los muros se caen y luego no se piensa en un plan de contingencia, las víctimas colaterales son tantas que, ni siquiera el mejor de los contables, es capaz de calcular la cantidad exacta. Al final, cada cual sobrevive como puede, o como le dejan, a imagen de Raja (Elina Vaska), una joven letona de 17 que vive en medio de ninguna parte, compartiendo casa y penurias con su hermano pequeño Robis (Andzejs Lilientals) y su abuela, una anciana mal encarada y enferma que, tras la marcha de la madre de ambos hermanos, asumió un rol para el que ya no estaba preparada.

Su vida está igual de limitada y condicionada que las cobayas que se pasan el tiempo corriendo dentro de una rueda, la cual se encuentra dentro de una jaula bien cerrada. Ninguna de las dos tiene escapatoria ninguna, aunque Raja, a diferencia de la cobaya, puede volcar todas sus frustraciones en quienes se cruzan en su camino, circunstancia que le granjea no pocos problemas en su instituto, pero que la joven logra sortear como la superviviente que es.  Ella es, como otros tantos miles, una niña nacida tras la caída del muro, en un país que sigue estando condicionado por la larga y penosa ocupación de la URRS y, salvo unos pocos privilegiados, el resto de sus habitantes aún deben cargar con esa pesada losa. ¿Quién sabe si ese fue el pensamiento que llevó a los padres de la joven a dejarla abandonada, a ella y a su hermano, en medio de un escenario que se antoja desolador, a pesar de las décadas que han transcurrido tras la caída del muro de Berlín?

Ni siquiera sus amigos se quedan en aquella aldea perdida, sino que prefieren buscarse la vida lejos de allí, aunque en la situación no es mucho mejor en ninguna otra parte del país. Sea como fuere, el cálculo probabilístico jugará a favor de Raja y, de la noche a la mañana, verá cómo se le presenta la oportunidad de salir de aquel lugar e, incluso, ir hasta Londres, ciudad en la que reside su madre con su nueva pareja. El problema es que, cuando se cumplen tus sueños, debes estar preparado para ello. Las decisiones y las experiencias a las que deberá hacer frente Raja son difíciles de asimilar, incluso para una persona veinte años mayor que ella.

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RAKKAUTTA & ANARKIAA DE GÉNERO

Ambientada en plena guerra irano-iraquí, la cual asoló buena parte de ambos territorios durante la década de los años ochenta del pasado siglo -mientras occidente y buena parte del mundo árabe apoyaban a uno u otro contendiente, según sus respectivas ideologías e intereses partidistas- lo que en principio era la historia de una familia condicionada por la contienda y por la revolución cultural que encadenó a la población iraní, especialmente a las mujeres, se transforma en una desasosegante pesadilla que perseguirá a una madre y a una niña hasta la antesala de la locura.

Las tinieblas a las que hace referencia el título de la cinta no tienen tanto que ver con los sucesivos apagones y cortes de luz que debieron soportar los habitantes de la ciudad de Teherán, castigada por los ataques del ejército de Saddam Hussein, aquel que luego invocó a la “madre de todas las batallas” para derrotar al infiel.

No, las tinieblas tienen mucho más que ver con el velo de incomprensión y oscurantismo que las mujeres iraníes debieron hacer frente cuando el nuevo régimen, tan titánico y arbitrario como lo fuera el comandado por el sátrapa Mohammad Reza Shah Pahlavi, las apartó de cualquier actividad que no fuera velar por el cuidado de su familia o formar parte de las estrictas e implacables veladoras de las enseñanzas del profeta, “pase lo que pase y caiga quien caiga”, para que nos entendamos.

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Captain Eo

Captain Eo

Sin embargo, George Lucas decidió que ya había tenido suficientes aventuras en el espacio exterior y, salvo en el caso del cortometraje Captain Eo (Francis Ford Coppola, 1986) su relación con la ya mencionada Space opera ha estado limitada a las películas que tienen que ver con la saga creada por él mismo.

Captain Eo responde más a una solución contractual dada a la compañía Walt Disney, quien décadas después compraría Lucasfilm -y una forma de trabajar con el director Francis Ford Coppola- que el regreso del creador californiano al género que le dio fama y una enorme fortuna personal. No hay que perder de vista un hecho: en 1984 el que luego fuera CEO de la compañía Disney, Michael Eisner, firmó un acuerdo con George Lucas para que éste organizara una suerte de atracción dentro de los parques temáticos de la empresa. Fruto de aquel acuerdo se creó el Star Tour y supuso el comienzo de una relación profesional que desembocaría en la ya mencionada adquisición de la compañía de Lucas por parte de Walt Disney. 

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RAKKAUTTA & ANARKIAA 2016. VOLVEMOS A DONDE LO DEJAMOS EN EL 2014.

Eso es lo que pasa cuando los espectadores prefieren acudir hasta una sala de cine y disfrutar de un espectáculo pensado para verse en pantalla grande y NO ver las películas por otros medios.  Todo esto resulta paradójico, dado que en Finlandia se tiene acceso a una tecnología que incitaría a la ilegalidad -un ancho de banda que permite descargarse las películas sin pasar por la correspondiente taquilla y con un coste muy inferior al que ofrecen las compañías españolas especializadas en estos menesteres. Debatir estos temas en un país como el nuestro termina por ser una cuestión baladí, porque no sólo la ignorancia, la falta de respeto y la caradura de las personas se sale de las tablas, sino por la misma incompetencia de quienes se dedican a estos menesteres, ya sea a nivel comercial y/o a nivel oficial.

Volviendo al tema que nos ocupa, empezaré este recorrido por las películas españolas que pude ver durante la semana larga en la que se celebró el evento. Siguiendo un orden cronológico, la primera en discordia fue la galardona y aclamada película del director Cesc Gay, Truman, magníficamente interpretada por Ricardo Darín y Javier Cámara, por mucho que los detractores del primero se empeñen en proclamar, a los cuatro vientos, que el actor argentino sólo se interpreta a sí mismo y no realiza ningún otro trabajo cuando se pone delante de una cámara.

Truman

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WILLY WONKA Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE DE GENE WILDER

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Y es que la carrera del actor, escritor, director y comediante Jerome Silberman, conocido por su nombre artístico Gene Wilder, estará siempre ligada al nombre del director, guionista y actor Mel Brooks, a la del también actor y comediante Richard Pryor y, por antonomasia, a la película The Woman in Red, protagonizada por la modelo Kelly Le Brock, la cual fue escrita y dirigida por el propio Wilder.

Si me ciño a la relación con el siempre imprevisible, pero igualmente genial, Mel Brooks, aún recuerdo la primera vez que vi Young Frankenstein (1974) película en la que Wilder, magníficamente secundado por Martin Felman, actor tristemente desaparecido a principios de la década de los ochenta, daba la réplica a un doctor Frankenstein que en nada se parecía a los que hasta ese momento había llevado el personaje a la gran pantalla.

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David Bowie, siempre Bowie.

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Bowie, nacido David Robert Jones, fue muchas cosas, pero, sobre todo, fue un genio -en el más amplio sentido de la palabra- y siempre se mantuvo en la vanguardia de cualquier revolución que asomara a la vuelta de la esquina, por muy radical, hermética o surrealista que ésta pudiera parecer.

Sin embargo, mi descubrimiento de uno de los interpretes que más ha convulsionado el ya de por si convulso, torticero y artificial mundo de la música llegó no de la mano de sus canciones -por lo menos, no de manera consciente-, sino por sus actuaciones cinematográficas.

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ROGUE ONE; YA EMPEZAMOS.

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En realidad, toda esta verborrea corporativa venía a decir que la película dirigida por Gareth Edwards no permitiría al gigante de la mercadotecnia el poder vender un sinfín de majaderías sinsentido, majaderías éstas, las cuales sustentan el organigrama de la propia compañía.

No debería ser un secreto -aunque hay muchos esnobs que todavía no se dan por enterados- el que Disney es el ejemplo que se utiliza en las facultades de marketing y publicidad para explicar el concepto de sobre-explotación, y casi diríamos que agotamiento del personal por aplastamiento publicitario. Atendiendo a este último supuesto, y conociendo la trayectoria del director, responsable de dos películas muy dignas de tener en cuenta dentro del cine de género - Monsters y Godzilla- está claro que Rogue One no es una película para las nuevas generaciones, sino para los que ya no cumplen los cuarenta, quienes, paradójicamente, no necesitan de sus progenitores para adquirir el sinfín de chupinadas, tan del gusto de la factoría Disney.

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ENTREVISTA CON JOSAFAT CONCEPCION

La primera pregunta es muy obvia, pero por algún sitio hay que empezar. ¿Cómo acaba un cineasta palmero trabajando en Troma Entertainment?

Yo acababa de terminar de graduarme en un master de escritura y guiones de cine y televisión y estaba esperando a que llegaran mis papeles de permiso de trabajo temporal que, gracias al sistema educativo americano puedes recibir una vez te gradúas, y mucho antes de irme a estudiar a Nueva York mi sueño estaba en Troma. Sabía que existían estas opciones de becario -Observer Volunteer, en inglés- por lo que me presenté, opté para la plaza. Aún mi compañera de piso me recuerda que yo no tenía básicamente esperanzas. Pensaba soy extranjero, no hablo inglés, qué voy a hacer con todos estos niños que acaban de acabar su carrera universitaria y algunos el instituto y el inglés es su lengua… En fin, la plaza fue para mí. Aún no tengo muy claro por qué… Supongo que porque estoy tan loco como ellos… (risas)

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ENTREVISTA A RAMÓN TÉRMENS

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Lo primera pregunta -una vez revisada su carrera como director, la cual ha estado marcado por tocar temas totalmente opuestos en cada uno de sus proyectos- es ¿cuál fue la razón que le llevó a escribir y dirigir El mal que hacen los hombres?

Todo empezó con el espacio. Había una nave gigantesca en la cual tenía la posibilidad de filmar, y se lo comenté a mi guionista habitual, Daniel Faraldo. Él tenía una historia de sicarios que se redimían ambientada en Los Ángeles y yo, una historia de un secuestro de una niña. Juntamos las dos historias con el espacio que teníamos y ahí nació la película.

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