La bola negra, la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi en la que afrontan la memoria histórica y homenajean a Federico García Lorca, ha sido la elegida por la Academia de Cine para representar a España en los próximos Oscar. La cinta ha vencido a las otras dos finalistas, El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen; y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, y será candidata a la nominación.

El filme es uno de los títulos favoritos para la próxima temporada de premios tras su victoria a la mejor dirección en el Festival de Cannes y se ha convertido en la apuesta de Netflix para los Oscar. Ha gozado de una enorme acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de EEUU antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para luchar por la estatuilla.

“Estamos muy emocionados. La película, en Toronto y en EEUU, gusta muchísimo, así que vamos a dejarnos la piel para llegar lo más lejos posible. Gracias por la confianza”, ha reaccionado Javier Calvo a la noticia. Ambrossi, por su parte, ha confesado que están “llorando y temblando”: “Es emocionante y significa mucho. Es una película que hemos hecho entre mucha gente y ahora pienso en mi familia, en el casting, en cada día de rodaje”.

“Es una película que va a hablar a cada una de las personas que se sienten la butaca de una manera diferente. Tiene la poesía suficiente para apelar a cualquiera, así que pedimos a la gente que se olviden de lo que han escuchado y que se sienten a disfrutarla”, ha comentado Ambrossi. El cineasta ha indicado que “es una película que tiene tanta mezcla de géneros y pasan tantas cosas diferentes que cualquier persona, de cualquier generación, se va a encontrar una película que le va a hablar”.

“Es impresionante cómo fuera de España hacen suya la historia”, ha enfatizado el director. “La película está totalmente en español, subtitulada, y gente que no sabe ni una palabra de español la vuelve a ver y conecta con ella. Y no es una película fácil: tiene muchas cosas exigentes con el espectador”, ha explicado, añadiendo que “es precioso que exista esa conexión cuando se habla de la importancia de la cultura, del tema de los abuelos y de la idea del pasado”.

El largometraje acaba de estrenarse en el Festival de Toronto, donde también ha obtenido impresiones positivas entre quienes asistieron a la proyección. “Se sintió algo muy mágico, algo muy parecido a lo que vivimos en Cannes”, ha alegado Calvo con respecto a dicho estreno. Además, se mantiene optimista en lo que queda de carrera y afirma que desde Netflix tienen “mucha ilusión y confían de verdad”. De hecho, miran más allá de la nominación a la mejor película extranjera. “Quiero trabajar para que sea una realidad, no me había permitido soñar con ello hasta hoy”, ha reconocido Ambrossi.

La bola negra, favorita en la temporada de premios

Javier Calvo ha asegurado que hablan constantemente con su equipo sobre las posibilidades de La bola negra. “Sabemos que vamos a vivir con una maleta durante varios meses. Somos conscientes de ello y lo vamos a hacer felices. Y esto ya no es solo por tener el mayor número de nominaciones posible, sino para que el mensaje de la película llegue al mayor número de gente posible”, ha declarado. “Ese es el objetivo. Es algo con lo que nunca habíamos soñado jamás en la vida y no puedo ni imaginar en más nominaciones”, ha agregado.

La película, que llegará a los cines de España este 25 de septiembre, narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres.

Hace unos días, cuando se anunció que la película optaría a representar a España en los Oscar, Javier Ambrossi afirmó que se “dejarían la piel” si eso sucedía. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, comentó. Por su parte, Javier Calvo apuntó que la cinta estaba trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en EEUU emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia”.

El Festival de Annecy celebrado en junio de 2024 fue peculiar. Durante este certamen francés especializado en cine de animación los Looney Tunes reclamaron un destacado protagonismo, pero no fue necesaria la mediación de Warner (el gran estudio de Hollywood que ha gestionado desde siempre las aventuras de estos personajes) para ello. Por un lado se proyectó Looney Tunes: El día que la Tierra explotó, un largometraje de animación 2D que venía a ser la primera vez que el pato Lucas y el cerdito Porky protagonizaban una historia original destinada a cines. Y por otro, el actor de doblaje Eric Bauza dio un discurso histórico ante los asistentes al festival.

Bauza ha acostumbrado a doblar a los personajes principales de los Looney Tunes, y su intervención consistió en ir encadenando la voz del Pato Lucas con la de Bugs Bunny para ponerlos a discutir. Hasta que de pronto se puso serio y gritó “Odio ponerme político pero, ¡estrenad Coyote vs. Acme!”. El público respondió con grandes aplausos. En ese momento El día que la Tierra explotó ya tenía asegurada la distribución en EEUU gracias a Ketchup Entertainment, pero no era el caso de la mencionada Coyote vs. Acme. El día que la Tierra explotó se estrenaría en un número limitado de salas, y a España llegaría en marzo de 2025 gracias a otra pequeña distribuidora, Yoda Films.

El llamamiento de Bauza exigía que Coyote vs. Acme tuviera un destino similar, y por suerte es lo que terminó sucediendo: la citada Ketchup —distribuidora independiente que también ha sacado del limbo a Ferrari de Michael Mann o la última película de Hellboy— la adquirió meses después, comprándosela a Warner por unos 50 millones de dólares para estrenarla en el verano de 2026. Hoy Coyote vs. Acme llega a cines españoles gracias a BetaFiction, pero una duda persiste y es qué hay de político en ello. ¿Es que una película donde el Coyote y el Correcaminos alternan con seres humanos para parodiar del cine de juicios podría molestar a alguien? 

Warner contra los Looney Tunes

Pues, en una palabra, sí. Desde su estreno Coyote vs. Acme ha ganado más de 80 millones de dólares, y hay quienes han recordado que Warner quería ahorrarse una suma mucho menor con su indignante decisión de no estrenarla hace cuatro años. Tal había sido el motivo para suspender el lanzamiento de Coyote vs. Acme una vez el director Dave Green ya había completado la práctica totalidad del rodaje: en pos de ahorrarse unos 30 millones en impuestos, la compañía liderada por David Zaslav había resuelto que no estrenar Coyote vs. Acme era más rentable que hacerlo.

Ketchup ya está viendo beneficios. Así que toca celebrarlo, así como reparar en lo complejo de la situación. Porque Coyote vs. Acme no fue la única película de la que Warner quiso prescindir cuando ya estaba acabada. En agosto de 2022, una vez se había asentado Zaslav como CEO de Warner Bros. Discovery —así renombrada tras la fusión de Discovery con WarnerMedia—, la nueva directiva se topó con una deuda millonaria, que pensó en cubrir suspendiendo estrenos. Fue el destino de Batgirl y un film de Scooby Doo, Holiday Haunt. También el de Coyote vs. Acme y El día que la Tierra explotó, claro, por no hablar de un musical animado de los Looney Tunes titulado Bye, Bye, Bunny cuyo desarrollo había empezado pocas semanas antes de la cancelación correspondiente.

Este movimiento era significativo porque la mayoría de los títulos enumerados tenían prevista una incorporación directa en HBO Max —salvo Coyote vs. Acme, cuya llegada a cines estaba programada para julio de 2023 hasta que Barbie la reemplazó en el calendario—, de modo que todo obedecía a un drástico cambio en las prioridades de la compañía. Zaslav estaría rectificando (muy a lo bruto) el rumbo de los meses previos de Warner, cuando la emergencia del coronavirus había favorecido un controvertido repliegue hacia la promesa del streaming. La nueva Warner Bros. Discovery no se fiaba de este negocio, y por eso frenó toda esta inversión en HBO Max paralelamente al interés resurgido hacia los Looney Tunes que denotaban varios de estos proyectos.

A finales de los 2010 se había trazado un plan para resucitar a estos personajes, tan representativos de la marca desde los años 30 del siglo pasado. Este pasaba inicialmente por una nueva serie de cortos para HBO Max —que desarrollaría Peter Browngardt junto a El día que la Tierra explotó— y por una secuela de Space Jam, que llegaría finalmente en verano de 2021. Space Jam: Nuevas leyendas era, por lo demás, un absoluto espanto que demostraba cuál era el verdadero objetivo tras esta recuperación de los Looney Tunes: ponerlos a protagonizar un escaparate de propiedades intelectuales, en la línea de éxitos previos de Warner como La LEGO Película y Ready Player One.

Es importante dejar esto claro para no alabar la anterior fase de la major en detrimento de la actual —a punto de concluir, quizá, con su absorción a manos de Paramount—: da igual el CEO del que hablemos. Para Warner los Looney Tunes no son más que una IP desechable, y por eso no hubo contemplaciones para suspender todos esos proyectos. Como tampoco las hubo luego, en 2025, para quitar del catálogo de HBO Max los viejos cortos de los Looney Tunes. Con Coyote vs. Acme ocurrió, sin embargo, que el descontento general fue tan fuerte como para desencadenar iniciativas en redes sociales —#ReleaseCoyotevsAcme— y que Warner aceptara poner en venta el film para quien quisiera estrenarla por su cuenta y riesgo. Así es como llegó a manos de Ketchup.

Pero pasa algo más. Algo que habría privilegiado el estatus de Coyote vs. Acme como símbolo, y que refrenda la película como tal al margen de sus circunstancias, digamos, extracinematográficas.

La victoria del Coyote

Coyote vs. Acme, como proyecto, es muy anterior a todas estas deprimentes intrigas empresariales. Tiene su origen en 1990, poco después del estreno de esa ¿Quién engañó a Roger Rabbit? que, con su combinación de animación y acción real, pasaría por ser el referente central del film que nos ocupa. Entonces Ian Frazier escribió en el New Yorker una pieza humorística que especulaba con la posibilidad de que el Coyote demandara a la empresa Acme tras años de sufrir daños por los productos defectuosos a los que recurría en su empeño incansable de dar caza al Correcaminos.

El texto se amparaba en la memoria de múltiples cortos del Coyote y el Correcaminos, creados por Chuck Jones a finales de los años 40. No tardó en surgir en la industria el interés por adaptarlo de algún modo, y llegado 2003 nos encontrábamos con que los ejecutivos de Acme habían pasado a ser los villanos de Looney Tunes: De nuevo en acción. Steve Martin era su maligno presidente, haciéndose eco de una idea (la de Acme como imperio del mal) que no dejaba de tener recorrido cultural al margen de la ocurrencia de Frazier. El nombre A.C.M.E. (acrónimo de American Company that Makes Everything) había sido utilizado mucho antes de los cortos de Looney Tunes como nombre genérico de ficticias empresas sin escrúpulos en plena resaca de la Gran Depresión. 

Para el imaginario estadounidense de los años 30, Acme era una metonimia de la avaricia corporativa, y así se mantuvo tanto en los cortos de Chuck Jones como en la posterior De nuevo en acción. Tiempo después del reivindicable film de Joe Dante, el artículo del New Yorker generó los primeros tratamientos a cargo nada menos que de James Gunn: el futuro presidente de DC Studios divisó el potencial de Coyote vs. Acme si fortalecían el talante anti-empresa. Y se propuso hacer la película, que no despegó del todo hasta acreditar como guionista a una tal Samy Burch. 

Esto pasó antes de que Burch fuera nominada al Oscar por escribir una de las grandes películas estadounidenses de los últimos años (Secretos de un escándalo, dirigida por Todd Haynes en 2023), aunque ni su nombre ni el apadrinamiento de Gunn convencieron a Warner de apostar hasta el final por la película. Porque, ya todos nos íbamos dando cuenta, Warner era Acme. Warner era esa empresa despreciable que con sus inventos defectuosos —hablemos del streaming o de cohetes que explotan sin llegar a despegar— estaba maltratando a los Looney Tunes.

Es imposible desligar el argumento de Coyote vs. Acme de este contexto. La demanda que Coyote le pone a Acme tras años de negligencias reverbera en la vida real con el conflicto contra Zaslav y compañía, integrando una misma e indignante imagen de abuso corporativo que, de forma simultánea, reverbera en toda la industria y en el estado general del Hollywood de la IP. La causa del Coyote es eminentemente política porque habla de un hartazgo y una situación intolerable.

¿Lo mejor de todo? Que la película es magnífica. Es decir, no sería determinante que lo fuera para haber merecido su estreno, pero el que Coyote vs. Acme sea tan fabulosa —al igual que en menor medida ya lo era El día que la Tierra explotó— carga de justicia poética todo el caso. El ritmo frenético de los Looney Tunes, con todos sus trompazos y anarquía visual, hace del film una absoluta delicia, compensando la cuestionable decisión de que los dibujos combinen 2D y 3D.

Y la intriga judicial es ingeniosa, y el Coyote encantador, y todo acaba transpirando una insólita emotividad. Por cómo sus gestas reflejan directa e indirectamente los estragos del capitalismo, y por cómo su propósito vital se acicala de sentidos épicos y existenciales para el presente que nos ha tocado vivir. Coyote vs. Acme recurre en cierto momento a la figura de Sísifo, el personaje mitológico castigado por los dioses a empujar todos los días una gran roca cuesta arriba, para que antes de llegar a la cima esta ruede invariablemente hacia abajo y fuerce a empezar de nuevo.

Sísifo, claro, sería el Coyote con su eterno objetivo de cazar al Correcaminos. Y, en su tentativa constante, en su pasión por vivir en esta tentativa hallando significado y trascendencia, constituiría un símbolo de lo más inspirador. En su ensayo sobre el mito Albert Camus escribía: “El esfuerzo mismo para llegar a la cima basta para llenar el corazón del hombre. Hay que imaginar a Sísifo feliz”. Coyote vs. Acme nos mueve a imaginar al Coyote feliz. Dando a entender que, partiendo de ahí y pese a lo duro que será siempre todo (la vida, la causa anticapitalista), esto podría motivar muchas otras sonrisas ante los poderes que nos oprimen y pugnan por despojarnos de humanidad.

Patricio Guzman, maestro del cine documental y uno de los directores que mejor y más profundamente retrataron Chile, ha muerto este martes a los 85 años en París, según confirmaron a la agencia EFE fuentes de CinemaChile. La Universidad de Chile ha lamentado el fallecimiento del director de cine, que en 2023 recibió el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales del país americano, y que, ha dicho en un comunicado, “será recordado como uno de los cineastas más destacados de la historia de Chile”.

Aunque tras un par de cortos Guzmán debutó en la dirección en 1972 con el documental El primer año, fue gracias a su enorme, por tamaño y ambición, La batalla de Chile, cuando el cineasta se puso en el foco del cine mundial. Un trabajo que se estrenaría en forma de trilogía y que rodó en 1973 y en el que retrató los acontecimientos que llevaron de la victoria de Allende al golpe de Estado de Pinochet.

El propio director fue detenido durante quince días en el Estadio Nacional de Chile, y necesitó la ayuda de un tío para poder mantener a salvo la copia de su obra maestra, que quedaría como testimonio del golpe de estado de Pinochet contra Allende y de los prolegómenos sociales y políticos. Tras ser liberado, recurrió a su amigo, el cineasta Chris Marker (autor de La Jetée o Sans Soleil entre sus obras maestras). El propio Marker le había facilitado los rollos de película para rodar su documental. Ambos buscaron la forma de montar el filme, que llegó desde el Instituto Cubano de Cinematografía (ICAIC). Fue allí donde durante años Guzmán trabajó para dar la forma final a La batalla de Chile.

En un giro irónico del destino, en el mismo estadio donde él estuvo apresado fue donde se votó la Asamblea Constituyente que culminó con la victoria de Boric y que retrataría en la que fue su última película, Mi país imaginario, que estrenaría en 2022 Con motivo del estreno de aquel filme, Guzmán habló con elDiario.es sobre su esperanza por el cambio en su país. Una revolución que nunca pensó que viviría. “Pensábamos que la dictadura de Pinochet iba a durar mucho más aún. Digamos que el territorio chileno sigue siendo un campo de batalla entre derecha e izquierda que ha durado eternamente, por ahora”, decía entonces.

Tras su exilio, Patricio Guzmán siguió trabajando en el documental, y nunca apartó la mirada de su país, Chile, ni de América Latina en obras como En nombre de dios, La cruz del sur o Pueblo en vilo. La Memoria Histórica volvió a centrar sus películas en títulos como La memoria obstinada (1997), donde abordó la amnesia política de su país, o El caso Pinochet (2001), sobre el juicio contra el exdictador en Londres.

Su trabajo magistral en el documental le han hecho merecedor de los premios más prestigiosos de todo el mundo, como el Oso de Plata de la Berlinale en 2015 por El botón de nácar, el Premio Goya a la mejor película iberoamericana por Mi país imaginario en 2022 y el Ojo de Oro del Festival de Cannes que reconoce al mejor documental de la edición por La cordillera de los sueños en 2019.

Patricio Guzmán captaba con su cámara la realidad de una forma en donde lo poético y lo político se daban de la mano. Sus películas analizaban la Memoria Histórica, pero daban pistas para poder adivinar por donde podía ir el futuro. Tras el estreno de Mi país imaginario, el propio Guzmán se mostraba pesimista. En su filme mostraba a muchos jóvenes que decían que no tenían ideología, algo que él calificó como “peligro latente de esta revuelta”.

Para él, el cine documental tenía una característica que lo hacía fundamental y es que siempre hablaba “de la memoria”. Lo definía como una “especie de caja de resonancia del pasado más reciente para proyectarlo hacia el futuro”. Sus películas nos ofrecían la imagen del pasado para que entendiéramos el presente.

“Nos coloca frente a nuestros problemas grandes que tenemos como país, como personas, como grupo. El documental es una opinión muy personal de cada uno de nosotros y queda guardado para siempre en la memoria chilena. La gente se olvida de las películas de ficción, pero los documentales quedan ahí, machacando siempre”, opinaba Guzmán.

A hacer cine aprendió, o se curtió, en la Escuela Oficial de Cinematografía de Madrid, en los años 60 y durante el franquismo. Allí conoció e hizo un grupo de amistad con cineastas españoles como Manuel Gutiérrez Aragón o Cecilia Bartolomé. Bartolomé, de hecho apareció en su mediometraje que sirvió como práctica de la escuela El paraíso ortopédico. Su hermano, José Juan Bartolomé, trabajaría posteriormente de ayudante de dirección en el rodaje de La batalla de Chile, y juntos rodarían su equivalente en la España que enterraba a Franco y daba la bienvenida a la Transición en Después de... obra fundamental del cine español que, proablemente no existiría sin el trabajo previo de Patricio Guzmán.

Más de 200 cineastas israelíes han firmado una carta para apoyar a Yuval Abraham y Rachel Szor, directores de Naza, el documental sobre el genocidio en Gaza que ganó el Premio Especial del Jurado en la pasada Mostra de Venecia. El escrito llega días después de que el ministro de Cultura israelí, Miki Zohar, pidiera revocar su ciudadanía, acusándoles de haber cometido “traición al país”.

La película cuenta con el testimonio de 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí que narran en pantalla los crímenes que comenten desde sus puestos de trabajo de forma sistémica.

“En los últimos días, hemos sido testigos de una campaña sin precedentes de incitación y provocación contra los creadores de la película, y la distancia entre esta y la incitación a la violencia y la amenaza física contra sus vidas se está reduciendo”, comienzan diciendo los directores en la carta, recogida por el medio israelí Hareetz.

“El papel central del arte y el periodismo es ser un espejo ante la sociedad en la que existen, crear discurso y debate sin prejuicios, incluso cuando la realidad es difícil”, añaden en el texto que han firmado nombres como Ari Folman, Shlomi Elkabetz, Ran Tal y Michal Aviad: “Hacemos un llamamiento a todos aquellos que todavía luchan por la libertad de expresión y de creación para que se sumen a la expresión de apoyo y solidaridad con Rachel Szor y Yuval Abraham”.

Además de criticar “la incitación directa” encontrada en redes sociales contra los directores, aseguran considerar “apropiado” juzgar “duramente” a los creadores, académicos y periodistas que “decidieron atacar la película sin verla”. “La participación de colegas y escritores respetados en esta tendencia es una señal clara del deterioro del discurso en Israel y da respaldo a las amenazas del ministro Zohar”, lamentan.

“Debería preocuparnos a todos”

Los cineastas aclaran entienden que la crítica de películas y obras de arte en general es “una herramienta legítima de expresión en una sociedad que busca ser sana y funcional”. No obstante, alertan: “El discurso incendiario y violento contra los creadores de la película, que se atrevieron a expresar su opinión, debería preocuparnos a todos y cada uno de nosotros, independientemente de nuestros puntos de vista”.

Al recoger el premio, Yuval Abraham, que ganó el Oscar por el documental No other land, reconoció que no era fácil “estar ahí de pie”: “Desde que comenzó este festival, en poco más de estos diez días, Israel ha matado a seis niños palestinos en Gaza: una niña de tres años en una escuela bombardeada, un niño de siete años junto a su padre en el coche y dos hermanas que dormían en casa. Los oficiales de inteligencia israelíes con los que hablamos nos explicaron que esta matanza masiva es sistémica; no es un accidente, sino algo deliberado”.

Desde el estrado, los definió como “actos de asesinato y políticas basadas en la deshumanización total de los palestinos”. De ahí a que tanto él como la directora quieran que los israelíes vean su documental. “Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Queremos que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza”, concluyó.

A Ester Expósito la fama la sorprendió cuando apenas había empezado a lograr papeles importantes. Nadie esperaba que Élite, la serie adolescente que reventó todos los índices de visualizaciones en Netflix se convirtiera en semejante fenómeno. Con 18 años recién cumplidos se enfrentó a una fama masiva e internacional. Desde entonces se escrutó cada uno de sus movimientos y de sus declaraciones.

Por eso, para ella lo más fácil hubiera sido pasar desapercibida. No hablar. Ser la chica buena que asiente y sonríe. Pero ella no es así. Lo deja claro en cada entrevista, y lo vuelve a dejar claro cuando no tiene miedo en señalar los comentarios machistas que recibe en redes o cuando acude a leer un manifiesto en contra del genocidio en Gaza. Normalmente, esos fenómenos se centran en contentar a todos, y politizarse nunca es lo más sencillo.

Cada paso que da en su carrera está más segura de esa posición, y no le importa estrenar una adaptación de un fenómeno literario como Enfrentados: Marfil (basado en las novelas adolescentes de Mercedes Ron y ya en Prime Video) y aprovechar para llamar la atención sobre el machismo, las redes sociales y la cosificación. Si las jóvenes tienen que tener referentes, mejor que sean como Ester Expósito.

¿Qué había en el guion que le hiciera decir que sí? Porque imagino que le llegarán bastantes guiones.

Me lo propusieron Álex de la Iglesia y Carolina Bang, con los que ya había trabajado en Venus, y al principio me daba un poco de cosa porque iba a ser un proyecto comercial dirigido a un público más bien juvenil. Después de Élite nos da miedo encasillarnos un poco en fenómenos juveniles, pero leí el guion y me gustó mucho la historia. Me parecía un romance bonito, clásico, con el que podíamos hacer algo guay. Me recordaba estas historias de las películas románticas de los 90 y nunca había hecho una película romántica. Entonces dije: esto puede ser divertido. Y el personaje me encantó.

Marfil es una tía a la que secuestran al principio de la película y pasa de ser una niña bien que vive en su burbujita a chocarse con la realidad y en vez de quedarse en ese lugar de víctima decide que quiere aprender a pelear y a defenderse. A valerse por sí misma. Y eso me gustó mucho. También que en la conquista, en la parte romántica, ella es muy proactiva. Siendo una historia de amor más o menos clásica sí que tiene una visión moderna. Lanza una mirada moderna sobre esos roles y estereotipos. Como el rol de conquista, que es el hombre el que va y entonces te haces la dura. Pues no, como que rompe un poco con eso. También me gustó la idea de aprender boxeo y defensa personal, y repartir.

Está basado en un fenómeno de literatura adolescente, y pienso en otros fenómenos de generaciones pasadas como Crepúsculo y sí que las relaciones eran más tóxicas, o más canónicas como has mencionado. ¿Era importante que no fuera esa traslación a pantalla de un amor tóxico en esta película?

Sí. Me habría costado mucho meterme en algo que fuese más anticuado en ese sentido. Me gusta la parte clásica que tiene la película de Un romance de Nueva York o El guardaespaldas. Pero era importante para mí la mirada, en qué tono contábamos esto. Lo otro ya se ha hecho mucho. No hace falta una historia más del malote en moto y la niña buena. Que está bien, pero ya lo hemos visto mil veces aquí. 

Hace poco estaba aquí Susana Abaitua que hablaba de la comedia romántica y de cómo ella se planteaba esa dualidad de saber que el amor romántico está obsoleto pero, por otro lado, tener esa parte Disney de que le gustaría creer en ello, ¿le pasa este choque?

Yo sí que lo creo. Sí, me pasa que soy muy escéptica con el mundo en el que vivimos ahora y que lógicamente nos hemos cansado de los estereotipos y el cliché del amor romántico tóxico. Es lógico que estamos hartos de eso, pero hay una parte… es que yo tengo a mis padres juntos todavía, con una relación increíble de toda la vida. Entonces, claro, el listón está muy alto, me parece muy bonito lo que tienen y como que me obligo y pienso que tengo que seguir el mismo camino, tener hijos y casarme. Hay una parte que te gusta creer en el amor, pero la cosa es ver cómo vivir el amor en el mundo de hoy y cómo desaprender todo lo que tenemos interiorizado, también negativo, del mundo de antes.

Hablando de relaciones tóxicas, ¿cómo de importante es un buen ambiente en el set? Esto es algo que ahora se habla más, el que en los rodajes se generen buenas dinámicas, ¿lo considera importante?

Sí, por supuesto. Es muy importante sentirte respetado, escuchado y que haya un ambiente bueno. Yo veo las ganas que tiene el equipo, cuando estamos todos con ganas y creyendo en lo que estamos haciendo.

¿Se nota cuando no ocurre en un rodaje?

Hay rodajes que notas que se la suda lo que están haciendo, pero hay veces que no, y en este yo creo que había ganas y nos divertía porque era muy divertido de hacer.

Su personaje no puede salir de casa porque está en peligro, tiene hasta un guardaespaldas, ¿ha sentido esa presión de no poder salir por la fama, la popularidad y esa presión?

Bueno, sentirme como observada, evidentemente, sí. Y enfadada con el mundo y con ganas de pelearme con todo también, como le pasa un poco a ella al principio. Pero bueno, es la vida y, al final, cuanto menos personal te tomes todo y más le quites importancia… aunque haya momentos en los que haya que poner límites y decir ‘hasta aquí’. Pero en general, por tu salud, hay que aceptar y asumir que no puedes controlar lo que pasa alrededor de ti, fuera de ti y sí puedes controlar cómo te lo tomas.

Me imagino que cuando una de niña quiere ser actriz no piensa en todas esas consecuencias que tiene ese nivel de exposición tan apabullante.

No, para nada. Pero bueno, se sabe que es una parte de ello. Y también, si no quieres esto te tendrías que haber dedicado a otra cosa. Es lo que me digo.

También si no saliera, si hiciera eso, de alguna forma es como que ellos ganan.

Yo me niego. Yo intento hacer mi vida lo más normal posible en eso.

Bardem siempre dice que cuando llegó el móvil cambió todo.

Sí, cualquier persona ahora es un paparazzi. 

¿Ha cambiado algo?

Bueno, está el juicio constante, la mirada constante, de a ver qué haces y qué opinas. Parece que hay que opinar de todo ahora.

Si no opina, mal. Si opina, también está mal.

Sí. La gente ahora con las redes puede decir lo que quiera desde la impunidad absoluta, desde la protección que te da estar detrás de una pantalla o incluso de un perfil falso. Se opina de absolutamente todo lo que hacemos. Y yo hago lo que puedo, yo quiero hacer mi trabajo, yo soy actriz, y luego resulta que estoy en esta situación y pienso que si puedo utilizar mi lugar para cosas importantes lo hago, pero ya está. 

Es una actriz con millones de seguidores, lo más fácil sería estar callada.

Sí, desde luego sería mucho más fácil… Bueno, es que para mí no. Para mí sería muy difícil estar callada por eso. No estoy callada, porque no puedo evitarlo. Para mí sería difícil estar callada y no hacer nada de las barbaridades que veo que pasan, que se dicen. Y por eso lo hago. Para tener una vida tranquila y contentar a todo el mundo, desde luego estaría más cerca si me quedase callada.

En eso también es como su personaje, lo de contentar a todo el mundo no le va.

No va conmigo nunca.

Como dijo la última vez que estuvo aquí, que tampoco es que diga cosas muy escandalosas.

Hablo de lo que a mí me resulta importante, pero no tengo que ser el ejemplo absoluto de todo. Intento utilizar mi posición en la medida que puedo para señalar cosas que me parecen importantes y de las que hay que seguir hablando. Y voy a seguir hablando.

¿Alguna vez le han recomendado no hacerlo?

Bueno, hay gente que dice, para qué, ahórrate que te critiquen, pero tampoco mucho. La gente que me conoce sabe que en lo privado también soy así. Siempre estoy hablando de política, va conmigo, está un poco en mi ADN.

La gente que me conoce sabe que en lo privado también soy así. Siempre estoy hablando de política, va conmigo, está un poco en mi ADN

Ester Expósito — Actriz

Marfil tiene ya un fenómeno fan gracias a los libros. El fandom puede ser a veces demasiado demandante, ¿cómo se enfrenta a ello?

A ver, porque es la primera vez que hago una adaptación de un libro que ha tenido muchísimo éxito y que tiene toda una comunidad de fans. Ojalá les guste y no solo cumplamos las expectativas, sino que las superemos. Pero creo que estamos tranquilos porque a nosotros nos gusta el resultado y somos muy exigentes. Hugo Diego García [su compañero de reparto] y yo somos muy exigentes y la vara de medir la ponemos alta. Si nos ha gustado, pues pensamos que también les va a gustar y que hemos respetado siempre la esencia, dado nuestro toque, que es un toque guay que puede sorprender un poco a lo que se podían esperar las fans.

Quizás por desgracia está tan acostumbrado a los ataques en redes que ya lo que diga el fandom…

Por supuesto, pero siempre quieres agradar, que les guste.

¿Se acostumbra una a que en redes le puedan decir lo que sea con esa impunidad?

Yo creo que te acostumbras. Pero, ¿hasta qué punto es bueno acostumbrarse y normalizarlo? Por eso digo que, en general, por tu salud y por tu paz, lo mejor es ni entrar, porque estarías todo el día saliendo a desmentir o a decir. Pero hay momentos en los que sí que creo que está bien, poner un límite y decir basta. No todo vale. Y no porque vayas a conseguir mucho con eso, porque la gente al final va a seguir haciendo lo que quiera, sino para que queden retratados. Siempre te están señalando y hay momentos que dices, pues ahora te voy a señalar yo a ti y voy a ponerle un nombre a lo que estás haciendo: difamación, odio contra las mujeres, misoginia pura. Como todo este tema de hablar, de opinar del físico… hay que ponerle un nombre y que también se sientan señalados, aunque sigan sobreprotegidos detrás de su pantalla, porque a nosotras no nos protege nadie ahí fuera en las redes. Pero bueno, por lo menos señalar y ponerle un nombre a lo que están haciendo.

Ha mencionado el físico, también decía Susana Abaitua lo preocupada que está con la extrema delgadez que llega desde Hollywood y se ve en redes sociales.

Ahora con las redes, la sociedad, el patriarcado… todo nos lleva a eso. Pero con las redes se amplifica todo. Imagínate. Y la gente que tiene 13 o 14 años y está con un móvil viendo constantemente fotos, comentarios, comparándose, viendo publicidades de skincare… es agotador. Yo es que si pudiera eliminaría todo, quitaría todo, volvería atrás en el tiempo y viviría en otra época. Te lo digo de verdad. Y nos desconecta tanto, ya no solo la cuestión estética, sino el simple hecho del móvil de chequear todo. Nos desconecta de la vida. No vivimos en el mundo real, casi ninguno. Y por eso me parece muy importante lo de prohibir las redes a menores de 16 años.

Una de las cosas que mencionaba la anterior vez que estuvo aquí era cómo por desvincularse de Élite había cuidado mucho que no se la sexualizara en las películas. En esta película hay una escena de sexo, ¿hubo coordinador de intimidad? ¿Se siente con la posición de poder suficiente para decir lo que no le gusta?

Sí, la hubo. Y creo que siempre tienes que poder tenerla, aunque no seas alguien conocido o tengas una carrera larga o nada. Aunque estés empezando. Son momentos muy delicados en los que se han cruzado muchos límites. Sobre todo, como siempre, las mayores perjudicadas han sido las mujeres. Aunque estés empezando, son momentos en los que siempre tendrías que poder decir algo, poder decir hasta aquí o estos son mis límites, no es algo que deberías ganar solo por tener un nombre. Por suerte se pone ya en cualquier proyecto esa figura del coordinador de intimidad para facilitar ese trabajo que puede ser muy arduo para un actor que está empezando: comunicar y exigir y poner unos límites. 

Entrevista completa

El Festival de Venecia quedó conmocionado con la proyección de Naza, el documental sobre el genocidio en Gaza dirigido por Yuval Abraham y Rachel Szor. Aunque la crítica la colocó como la gran favorita al León de Oro, el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal decidió que el filme se alzara con un Premio especial del jurado que sabe a poco. Naza cuenta con el testimonio de 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí que narran en pantalla (con su rostro a oscuras y la voz distorsionada) los crímenes que cometen desde sus puestos de trabajo de forma sistémica. Lo hacen con una frialdad terrorífica.

Yuval Abraham, que ganó el Oscar por el documental No other land, realizó el discurso más político de todos los que se escucharon en el Lido de Venecia. Tras agradecer al jurado por el premio reconoció, con Szor a su lado, que no era fácil “estar ahí de pie”. “Pienso en todas esas personas, como los políticos israelíes o los periodistas en casa, que ahora atacan esta película, rechazándola sin siquiera haberla visto. Se hace tanto esfuerzo por no mirar la realidad”, comenzó diciendo. 

Y llegaron los datos. Incontestables: “Desde que comenzó este festival, en poco más de estos diez días, Israel ha matado a seis niños palestinos en Gaza: una niña de tres años en una escuela bombardeada, un niño de siete años junto a su padre en el coche y dos hermanas que dormían en casa. Los oficiales de inteligencia israelíes con los que hablamos nos explicaron que esta matanza masiva es sistémica; no es un accidente, sino algo deliberado”.

Los definió, desde el estrado, como “actos de asesinato y políticas basadas en la deshumanización total de los palestinos”. “Y quiero ser muy claro: esta verdad ha sido documentada y se conoce desde el primer día gracias a los periodistas palestinos; más de 200 de ellos han sido asesinados por Israel en Gaza. Sus voces fueron silenciadas y negadas. Creemos que negar un crimen es lo que permite que este persista”, aseveró contundente.

Por ello quieren que “los israelíes vean esta película”. “Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Queremos que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza”, zanjó.

Por último, no quiso olvidarse de sus productores, Jim Wilson, el periódico The Guardian y el cineasta Jonathan Glazer, así como a su pareja, la codirectora del filme.

Cuando el director artístico del Festival de Venecia, Alberto Barbera, anunció las películas que competían en esta edición, sonaron muchas alarmas. Entre los 20 títulos anunciados solo uno estaba dirigido por una mujer. Finalmente, y tras la entrada a última hora de Naza, codirigida por Yuval Abraham y Rachel Szor, fueron dos. Aun así, una cifra terrorífica que mostraba la enorme brecha de género y el problema de desigualdad en la industria del cine. Parece que el jurado haya querido tirar de las orejas a Barbera y a la Mostra eligiendo con su León de Oro a Woman Unknown, de May el-Toukhy, la única película dirigida en solitario por una mujer de todas las que conformaban la Sección Oficial. Es la octava mujer en lograrlo.

El jurado, presidido por Maggie Gyllenhaal, sorprendió con su elección. La crítica daba por hecho que el mayor reconocimiento de la Mostra iría para Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza o, en su defecto, a Possible Love, la película más redonda de la competición, un drama sobre la lucha de clases y el cine como vampiro del coreano Lee Chang-Dong. Al final el consenso se decantó por el drama histórico de El-Toukhy, que también estaba entre las favoritas.

Woman Unknown es un retrato incómodo, poderoso y a contracorriente de las mujeres que mantuvieron relaciones sentimentales y sexuales con los nazis en sus países invadidos. Igual que hiciera en Reina de Corazones, su anterior filme, la directora elige una protagonista que se equivoca, que pone en jaque las creencias del espectador y con el que hace repensar la mirada histórica sobre estas mujeres, que fueron vejadas en la vía pública y marcadas de por vida por actos que, en muchas ocasiones, eran de pura supervivencia. 

El-Toukhy no juzga a su personaje. No da coartadas morales al espectador. La protagonista es una de esas mujeres, una que intenta esconder lo que hizo para sobrevivir en la posguerra, cuando Dinamarca ha sido liberada. Con este León de Oro la directora se consagra en el panorama del cine de autor europeo y el jurado intenta reparar ese “problema sistémico”, como lo definió Maggie Gyllenhaal en la rueda de prensa del primer día. Un problema que, aseguró también como cineasta, hace que las mujeres tengan “mucho más difícil conseguir financiación para sus películas”. De hecho, la cineasta danesa le agradeció a Gyllenhaal esas palabras. Gracias por alzar la voz y visibilizar la falta de igualdad de oportunidades para las cineastas en nuestra industria. Es una posición muy solitaria desde la que hablar, y muchos te aplaudimos por hacerlo“, dijo con el León de Oro en la mano

Su reivindicación del filme danés fue contundente, ya que también premiaron con la Copa Volpi a la Mejor interpretación femenina a su protagonista, Mathilde Arcel, que ofrece una composición sobresaliente. Para que una película logre no solo el León de Oro, sino un premio de interpretación, debe haber un consenso unánime del jurado. Por ello no es normal que ocurra e indica que, sin duda, Woman Unknown ha sido la película favorita. 

Gaza en segundo plano

Irónicamente, Venecia ha vuelto a vivir lo ocurrido el año pasado, cuando La voz de Hind llegó al final como la gran favorita y acabó viendo cómo Jim Jarmusch lograba el premio por Father Mother Sister Brother. Esta vez se trataba de Naza, el demoledor documental sobre el genocidio en Gaza en el que 24 miembros del ejército y la inteligencia israelí reconocen los crímenes cometidos, que dejó desolada a la crítica. Todo indicaba que este año Venecia miraría de frente a Palestina, pero el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal pensó diferente que la crítica y acabó entregándole un premio menor, una condescendiente mención especial del jurado que sabe a poco por el trabajo austero sobre la banalidad del mal creado por Yuval Abraham y Rachel Szor, dos de los cineastas que ganaron el Oscar por No other land.

Toda la sala Grande del Lido se puso en pie al escuchar su nombre, dejando claro que Naza es la película que ha marcado este certamen. Abraham recordó que el genocidio sigue en marcha, que los crímenes siguen ocurriendo y dedicó su premio a los periodistas palestinos que han contado desde dentro lo que estaba pasando realmente.

“Sus voces fueron silenciadas y negadas. Negar un crimen es lo que permite que este persista. Por eso es realmente importante para nosotros que los israelíes vean esta película. Es nuestro país el que está cometiendo estos crímenes. Que la vean los europeos, especialmente aquí en Italia, porque su gobierno y el gobierno alemán están bloqueando la presión sobre Israel que podría poner fin a esto; y que la vean los estadounidenses, porque ese país está financiando gran parte de la matanza.

La otra gran favorita, Possible Love, que llegaba junto a Naza como las dos grandes películas del certamen, se quedó con el Gran Premio del Jurado (el León de Plata). Una finísima radiografía de la lucha de clases y la vampirización del cine que supone el primer trabajo de su director, Lee Chang-Dong, en ocho años. El otro León de Plata, el que reconoce la mejor dirección fue para Ilya Khrzhanovsky, por la descomunal, por tamaño y ambición, Dau. El cineasta ruso revienta las convenciones del biopic para contar, en un trabajo realizado durante años, el trabajo del científico Lev Landáu para terminar ofreciendo un retrato del totalitarismo que resuena en nuestros días.

El cineasta francés Stephan Brizé se hizo con el galardón al Mejor guion (escrito junto a Coralie Amédéo y Olivier Gorce) por Un Bon petit soldad, una divertida mirada a una directora de recursos humanos que tiene que lidiar con una conducta de acoso laboral en un departamento. Brizé, experto en cine político y social, apunta esta vez a la mala leche y la ironía para retratar esos ambientes de una compañía que quiere ser moderna pero sigue perpetuando las mismas conductas de acoso laboral. “La historia nos enseña que la carrera por el beneficio genera sufrimiento y que, cuando la economía produce sufrimiento, el fascismo siempre surge como un buitre, presentándose como la ilusión de una reparación. Las mismas causas siempre producen los mismos efectos; lo que ocurrió ayer se repite hoy, pero hoy ya no se puede decir que no se sabía”, lanzó Brizé desde el escenario en un discurso que entronca con su filme.

En el palmarés (en el que estaban todas las películas que lo merecían) se confirmó, también, que el Festival de Venecia no necesita de Hollywood para lograr una edición más que notable en cuanto a calidad. Los mejores títulos llegaron del cine de autor, y solo uno, Wilde Horse Nine, contaba entre las favoritas al palmarés. La sátira de Martín McDonagh sobre dos de los agentes de la CIA que preparan el golpe de Estado contra Allende en Chile conquistó a todos, pero estaba claro que si había algún premio que merecía era el de mejor actor para un John Malkovich descomunal. Así fue, y Malkovich se llevó una Copa Volpi que solidifica sus opciones de cara a los próximos Oscar, donde suena como uno de los favoritos. El actor, que no pudo volver a Venecia a recogerlo, mandó un vídeo agradeciendo al festival la acogida a la película.

Fue la única mención para el cine de EEUU, que ha decidido reforzar festivales más amables como Telluride o Toronto en detrimento de Venecia, que aunque vio cómo la cantidad de estrellas disminuía en cantidad, la calidad de sus filmes aumentaba apostando por autores en vez de por rostros famosos.

Parece complicado que en una carrera como la de Penélope Cruz, en la que ha habido eventos como aquel Cannes de 2006 en el que ganó junto a sus compañeras el premio a la Mejor interpretación por Volver; o el Oscar por Vicky Cristina Barcelona en 2009, cada año haga ensombrecer al anterior. La filmografía de Penélope Cruz está plagada de buenas elecciones —que no siempre eran las más obvias—, apuestas por cineastas que han sacado lo mejor de ella y una ética del trabajo que han hecho que en 2026, y con 52 años, esté viviendo uno de los mejores años —de momento— de su carrera.

En enero ya se empezó a barruntar lo bien que estaba en La invitación, el remake de Sentimental, de Cesc Gay, que había rodado a las órdenes de Olivia Wilde, pero fue en su estreno en EEUU cuando la gente descubrió la energía contagiosa de su personaje y empezó a hablar de posibilidades de una nueva nominación al Oscar. 

A eso se suma el terremoto de La bola negra. Si la película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se convirtió en un fenómeno según se vio en el Festival de Cannes, el secreto del papel de Penélope Cruz se reveló como una de las muchas maravillas que había en su interior. Su cupletera que anima a las tropas franquistas en la Guerra Civil es un caramelo que ella exprime hasta su última gota. Dos escenas de baile y cante (una sobre un tanque) y una escena dramática le valen para que todos se acuerden de su Nené Romero. Tras el pase de prensa todos coincidían: La bola negra, y Penélope, apuntaban al Oscar.

Hasta este año, una actriz no podía ser nominada dos veces al Oscar en la misma categoría, pero el cambio de normas para esta edición hace posible soñar con que Penélope Cruz se convierta en la primera actriz de la historia en ser doblemente nominada por La invitación y La bola negra. Aún hay más. Cruz todavía tenía una última bala en la recámara, el estreno de Búnker en Venecia, donde el filme, que protagoniza junto a Javier Bardem, se ha recibido con una calurosa acogida que pone la guinda perfecta y emocionante a un año mágico. 

Pocas horas después de la ovación, Penélope Cruz atendió a la prensa española y contó lo “bonito y especial” de aquel momento porque es consciente de que “no pasa siempre”. Ella lo ha vivido este año dos veces, en Cannes y aquí. “Pero eso no quiere decir que puedas acostumbrarte a eso”, añade rápidamente. 

Confiesa que sigue “alucinada” con lo que está pasando este año. “Desde que me convertí en madre bajé mucho el ritmo, porque antes era una locura y trabajaba sin parar. Fue una suerte poder permitirme parar. Desde entonces, he hecho una película al año o a lo mejor dos, si no eran muy largas. Y es verdad que ahora las que he hecho, que tampoco han sido rodajes muy largos para mí, se han juntado y han salido las tres a la vez. Y yo, de verdad, soy la primera sorprendida por todo lo que está pasando. No te engaño. Es que, si estrenas tres en un año, si una sale muy bien y conecta de esa manera con el público, ya es una especie de milagro. Pero que esté pasando con las tres es raro. Es normal y sano que me sorprenda”, dice.

No quiere ni oír hablar de los Oscar. O al menos de momento. Un amigo le mandó hace poco un artículo de Variety donde se hablaba de sus opciones este año. “No te puedo decir lo que le contesté, ¡me puse tan nerviosa que le escribí una cosa que tuve que borrarla!”, comenta entre risas. “Hace ilusión algo así, porque quiere decir que las cosas van bien en tu trabajo, y al final eso se traduce en que te sigan ofreciendo personajes interesantes, en poder seguir viviendo de tu trabajo, haciendo lo que te gusta y con material de calidad que te permita enfrentarte cada vez a algo nuevo, a algo que te dé miedo. Esa es la sensación que crea adicción dentro de nuestra profesión. No es tanto un alimento para el ego, que es verdad que cualquiera en esos momentos puede sentir un subidón y es sano y es humano, pero mi motor, lo que me da felicidad, es saber que cuando tienes un año así añades más papeletas para que puedan seguir surgiendo personajes y guiones interesantes”, aclara.

Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más

Penélope Cruz — Actriz

Papeles diferentes, dirigida por mujeres, por cineastas jóvenes. De aquí y de allá. Una elección de proyectos “que es una combinación de suerte y de haber sido capaz de decir que no a cosas que eran muy tentadoras, pero que no eran las adecuadas para ese momento”. No siempre fue así: “Hubo temporadas, sobre todo en los primeros años, donde yo podía haber ido por otro camino, diciendo que sí a proyectos que a lo mejor me hubiesen encasillado mucho más. Yo no entendía que siendo tan joven, pocos años después de empezar, tuviera que ser yo la que dijera que no a algo, pero aun así me forzaba a hacerlo y luego siempre me alegraba”.

Pero “las carreras no se construyen solo en los síes, sino en las veces que tu corazón te dice que no”. “No depende solo de mí, sino de la confianza que depositan en mí los que me dan ese material, y en eso han tenido mucho que ver Pedro [Almodóvar], Fernando [Trueba], Castellitto y directores que han puesto en mis manos personajes que no se parecían para nada ni a mí ni a ningún otro personaje que hubiera interpretado antes”, subraya acordándose de varios de los cineastas que cambiaron su carrera.

En Búnker, su personaje y el de Bardem se enfrentan a la tentación de aceptar un proyecto que choca contra sus principios éticos. Una decisión que ellos, como actores, también han tenido que tomar. De hecho, “el 30% de las veces” que Penélope Cruz ha dicho que no, es por motivos parecidos. El resto, simplemente porque intuía que no eran para ella. “Si te está yendo bien en esta carrera es mejor decir que no a un proyecto y esperar a que aparezca el siguiente. Y yo soy muy consciente de que eso es un gran privilegio, porque estoy rodeada de compañeros y compañeras que lo pasan mal y que pasan mucho tiempo sin trabajar”, asevera.

Tras su apuesta por los Javis quiere seguir explorando nuevas voces: “Ahora mismo hay un montón de mujeres directoras a las que admiro muchísimo y con algunas tengo planes de trabajar de aquí a dos o tres años. Hay tanta gente con tanto talento y mucha gente joven”. Ese fue uno de los motivos para crear su productora, Moonlyon, que se encuentra “dentro del paraguas de Mediapro” y con quien lleva tres años desarrollando filmes que “verán la luz dentro de poco”. Proyectos para que un año como este no sea una ilusión, sino una realidad que se repita.

Es sumamente complicado entender por qué una película funciona, así que a veces es socorrido tirar de apuntes sociológicos. Estudiar tendencias, atender a éxitos pasados y futuros, prefigurar en resumen un zeitgeist (un “espíritu del tiempo”) y concluir que el que una obra funcione o no ha de deberse siempre a él. Pero a veces no basta. No basta cuando la película que nos ocupa ni tiene buenas críticas ni triunfa en taquilla. Prácticamente magia fue, en octubre de 1998, un simple y llano fracaso. En el marco de una temporada que incluye fenómenos como Armageddon, Salvar al soldado Ryan o Mulan no hay lugar para Prácticamente magia. Simplemente, no funcionó.

Ocurre, por otra parte, que Prácticamente magia se estrenó el mismo mes que Warner, el estudio involucrado, estrenaba en televisión una serie de esquema similar, Embrujadas. Nos topábamos de nuevo con jóvenes y atractivas actrices, encarnando al igual que Nicole Kidman y Sandra Bullock a hermanas brujas. Así que, ups, algo de zeitgeist debía haber después de todo. En años inmediatamente anteriores, además, habían desfilado por las pantallas obras como El retorno de las brujas, Jóvenes y brujas o Sabrina, cosas de brujas. La cultura popular de los 90, no cabe otra conclusión, estaba interesada en las brujas. Y eso por no hablar de todo lo que supuso la publicación de Harry Potter y la piedra filosofal en 1997. Brujas y magos corrían a definir la época.

Quizá por eso salió adelante Prácticamente magia, a fin de cuentas. Hollywood se interesó por una novela de Alice Hoffman que parecía hacerse eco de esta pasión brujeril, y el que la película saliera mejor o peor —el consenso crítico fue que el guion no tenía ni pies ni cabeza y que el director Griffin Dunne no había sabido darle un tono coherente— era lo de menos. Una fracción de público sin voz ni voto en el discurso cultural —bien porque fuera muy pequeño para contabilizar entradas de cine, bien porque simplemente estuviera copado por niñas— iba a hacer suya Prácticamente magia. La película retendría un potente aliento generacional y, con el tiempo, irían llegando las reivindicaciones. Así funciona el ciclo. A Prácticamente magia le tocó entre 2017 y 2018.

El motivo es tan sencillo como que el público entusiasta que en los 90 apenas era adolescente había alcanzado firmas públicas —con espectadoras además muy afines a las creaciones de Hoffman, que en 2006 había dado pie a otro título de culto, Aquamarine— y, además, podía releer Prácticamente magia según los rigores de la actualidad. Buena parte del filme la centraba la violencia machista y la alianza de las hermanas Owens para librarse de un novio maltratador (luego un fantasma igualmente peligroso). Así que, ¿no venía a cuento reivindicarla dentro del marco del MeToo, en paralelo a tantas películas desechadas originalmente en base a su público feminizado? Es el trato que acabó experimentando Prácticamente magia y que ha fundamentado una secuela tardía… tal y como ha ocurrido con todas las ficciones de brujas que le precedieron en los 90.

El nuevo retorno de las brujas

Los cómics de Sabrina la bruja adolescente volvieron a la pequeña pantalla con Las escalofriantes aventuras de Sabrina a tiempo para el Halloween de 2018. Poco después, entre 2020 y 2022, aparecieron tanto un reboot de Jóvenes y brujas como El retorno de las brujas 2. Y ahora se estrena Prácticamente magia 2, curiosamente en vísperas de que los libros de Harry Potter que habían nacido cerca del filme original vuelvan a ser adaptados de cabo a rabo, con una superproducción de HBO que se estrena estas Navidades. El revival es real. Magos y brujas noventeros vuelven encaramados al culto que han ido cosechando con el paso de los años, emborronando el recuerdo de que la taquilla fue originalmente mejorable, y sobredimensionando el clima afectivo.

Esto de la sobredimensión es clave. Hollywood, ansioso por revitalizar éxitos pretéritos con los que disimular su sequía creativa, a veces confunde el culto con la propiedad intelectual lucrativa, para partiendo de ahí fracasar a lo grande. Lo ocurrido con TRON brilla con luz propia porque Disney ha acometido hasta dos “secuelas nostálgicas” según el recuerdo parcialmente ficticio de que la original le interesa a un público masivo, y tanto TRON: Legacy como la más reciente TRON: Ares se hundieron. Pero ni siquiera tenemos que acudir a franquicias ajenas. Quedándonos con las brujas —y dejando Harry Potter al margen, pues en detrimento de nuestra dignidad como seres humanos es muy posible que la nueva serie arrase—, este continuo malentendido también es evidente.

La nueva entrega de Jóvenes y brujas fue un fracaso total. Y, por mucho que las redes sociales pidieran una secuela de El retorno de las brujas, la película correspondiente no ha tenido el menor impacto. Es posible que muchos ni se hayan enterado de que El retorno de las brujas 2 se estrenó en Disney+ —ahí sigue, tristona, en su catálogo—, y continúen insistiendo en un hipotético retorno de las hermanas Sanderson. Porque así de caprichosos son los flujos del culto generacional, así de ambiguas o arbitrarias son las recompensas que puede ofrecerle al Hollywood más desesperado.

Se trata de una coyuntura ciertamente inestable, y ha de serlo todavía más si lidiamos con una secuela de Prácticamente magia. Porque en fin, si nadie estaba muy seguro de lo que estaba haciendo en la película original —de ahí esa anarquía que la crítica le afeó en su momento—, mucho menos va a estarlo en Prácticamente magia 2. Una secuela levantada sobre cimientos porosos, eminentemente líquidos, que hay que asegurar con todo lo que se tenga a mano. Por ejemplo recurriendo de nuevo a Hoffman, habiendo publicado una secuela en 2020 (The Book of Magic) que serviría de fuente testimonial para la nueva película.

Más importante que esto, claro, es asegurarse la reaparición de las actrices. Nicole Kidman y Sandra Bullock vuelven junto a sus tías (Stockard Channing y Dianne Wiest), al tiempo que junto a Bullock vemos otra maniobra de control de daños: quien dirige en lugar de Dunne es la danesa Susanne Bier, cineasta que se apartó hace tiempo del ecosistema de autor europeo para ser una mercenaria del mainstream y darle a Netflix su primer gran hito de audiencia en cuanto a largometrajes. A ciegas (2018) justo estaba protagonizada por Bullock, y traza con Prácticamente magia 2 una continuidad estética muy concreta. La del producto de streaming. Correcto, olvidable y de usar y tirar.

La maldición de las Owens

A priori es lo único que puede llamar la atención de una propuesta tan lastimosa como Prácticamente magia 2: al contrario que pasaba en la primera película, aquí hay un control escrupuloso del tono y la forma en que la trama se comunica con nosotros. No hay nada parecido a giros bruscos o frívolos, estilo cuando las Owens decidían que había llegado la “hora de los margaritas” a pocos minutos de asesinar a un hombre. En su lugar la secuela se preocupa de que no haya disonancias, continuando la historia de forma lógica, coherente y, sí, eminentemente aburrida.

Los problemas de esta familia de brujas pasan por una maldición centenaria según la cual todo hombre que una Owens ame, terminará muriendo. Es con lo que lidiaban de forma aparatosa Sally (Bullock) y Gilly (Kidman) en el filme de 1998, y con lo que lidia ahora la hija de Sally (Joey King, llegada de Mi primer beso). Kylie también tiene una hermana, encarnada por la Maisie Williams de Juego de tronos, pero el guion no sabe qué hacer con esta (forzándola a acometer una interpretación de lo más desubicada) y prefiere centrarse en el drama de la primera, que ha de presenciar cómo su novio (Xolo Maridueña, llegado de la Blue Beetle de DC para intensificar con su recuerdo el aire trasnochado de la función) está a punto de sucumbir a la maldición familiar.

Prácticamente magia 2 se ocupa de los intentos de las Owens para deshacer dicha maldición, lo que les llevará a un viaje a Inglaterra y a conocer a un seductor mago (Lee Pace, Fundación) con el que la reprimida Sally bien podría rehacer su vida. La aventura de las hermanas no tiene más piezas que mover, y solo precisa que Kidman intente retratar a Gilly con el mismo atolondramiento y jovialidad que en el 98 —permitiendo esta intérprete de 59 años que afloren los instantes más bochornosos de la película—, mientras el empeño de aclimatar el tono pasa por hacerlo todo soso y rígido, y los toques de comedia solo transmitan estupor y vergüenza ajena.

Ni que decir tiene, la película está espantosamente escrita y realizada, y lo peor de todo es que se percibe algo de autoconciencia de ello. Solo las actrices protagonistas parecen de vez en cuando genuinamente contentas de haberse reencontrado, mientras que todos los departamentos que la rodean lidian al unísono con una empresa que saben condenada al fracaso.

Prácticamente magia 2 intenta construir sobre lo que no fue sino un accidente feliz —algo tan esotérico como el encanto, algo tan irrepetible como el zeitgeist— y los únicos ladrillos de los que dispone para ello son el aplanamiento estético. O los guiños nostálgicos, que por supuesto se amontonan sin mesura en tanto a decisiones musicales —el Coconut de Nilsson— y secuencias tan delirantes como todo lo que supone el final, que ansía traer de vuelta la juerga eufórica de los 90 para en su lugar reconfigurarse como un after demacrado. Una cosa tan moribunda y deprimente que, de forma similar a lo conseguido este año por El diablo viste de Prada 2, llega a pugnar por que las discretas obras originales dejen de resultar simpáticas siquiera.

En 1963, la filósofa Hannah Arendt creó el concepto de 'banalidad del mal'. Lo hizo tras acudir al juicio al nazi Adolf Eichmann por crímenes contra la Humanidad. Arendt intentaba entender cómo tantas personas habían participado en el Holocausto. ¿Por qué nadie dijo que no? Había miles de personas trabajando en esa maquinaria que masacraba a los judíos sin decir nada. Guardianes de los campos de concentración, limpiadores, funcionarios… ¿Nadie se negó? Lo que pretendía explicar es que las barbaridades no eran solo cometidas por monstruos, sino que se asentaban en la connivencia de muchas personas de a pie que simplemente, y como explicaron en los juicios, obedecían órdenes.

Es imposible no pensar en la banalidad del mal cuando uno ve Naza, el estremecedor documental de Yuval Abraham y Rachel Szor, cineastas israelíes y parte del cuarteto ganador del Oscar por otro trabajo imprescindible, No Other Land. El filme se ha presentado a competición por el León de Oro en el Festival de Venecia, donde ha dejado muda la sala con una propuesta que desde la austeridad y el periodismo aporta hasta 24 testimonios de soldados y miembros de la inteligencia israelí que narran con frialdad y completa normalidad sus trabajos. Algunos diseñaron inteligencia, otros espiaron, otros dieron el ok a atentados y otros dispararon. Todos sabían lo que hacían. Todos eran parte de un genocidio planificado que incluso llegan a reconocer. “Sí, absolutamente, lo es”, dice una de las personas entrevistadas.

Sus rostros están en penumbra y sus voces, alteradas para que no se les reconozca, pero sus testimonios ponen los pelos de punta. Ellos mismos reconocen que trabajan como si fuera “una factoría” donde lo que pretenden es “borrar Gaza en una escala masiva”. Algunos responsabilizan a toda Palestina del atentado del 7 de octubre, el punto de inflexión en algo que, sin embargo, lleva décadas. Aciertan los directores en ofrecer contexto y remontarse a los años 70, cuando fueron los israelíes los que pusieron las primeras antenas telefónicas en Gaza. Los palestinos no podían construirlas ellos solos, estaba prohibido. ¿El resultado? Un sistema de espionaje y vigilancia mejorado, ahora con modernos software e inteligencia artificial.

Es así como mapean cada barrio y como señalan sus objetivos. Una inteligencia artificial localizó a más de 70.000 objetivos. Una de las personas que trabajó en ella reconoce que hay un riesgo de más del 15% de que ese software se equivoque al localizar posibles terroristas. Son muchas posibles víctimas erróneas. No les importa. De hecho, reconocen que buscan un “asesinato masivo” y que el ataque se produce cuando estos están en sus casas. Da igual que haya un bebé, un niño o toda la familia de celebración. Es cuando se encuentra en su domicilio cuando actúan. De hecho, hay una máxima, “cuantos más mejor”.

El título, Naza, hace referencia al número de civiles que se asesinan en cada ataque. Lo que se suele llamar ‘daños colaterales’. Una operación es un 12 Naza, si mueren 12 personas que no eran el objetivo en ella. Los testimonios hablan de las operaciones en las que han trabajado y muestran hasta qué punto han deshumanizado a los palestinos. Para ellos son solo un número. Yuval Abraham, quien realiza las entrevistas, pregunta a varios cuál es el Naza más alto que han vivido. Uno de ellos dice un número terrorífico: 500.

Lo que sorprende, y lo que hace que uno piense en esa banalidad del mal, es que solo un par de ellos se arrepienten. “Si los nazis eran el mal, ¿entonces qué soy yo?”, dice uno de ellos, el que articula los remordimientos de forma más clara. El resto dice que ellos son solo parte del engranaje. Que ellos no aprietan el gatillo, solo cumplen su trabajo. Un trabajo que, dicen explícitamente, consiste en “echarlos a todos”, en “asfixiarlos”. “Si no tienen condiciones para vivir, se irán todos al sur”, explican. Por eso queman sus casas.

Uno de los testimonios más duros es el que dibuja el esquema de cómo los francotiradores juegan a asesinar a aquellos que se atrevan a ir a por comida o a volver a sus casas a por restos de sus pertenencias. Más de diez en una hora pueden matar. “Gaza está llena de cuerpos. Hay fosas comunes y los perros se comen los cadáveres”, dicen ante la mirada de Abraham. Lo hacen como si “fuera un videojuego”, ellos solo avanzan en la siguiente pantalla. 

Soy judío israelí, tengo familia que es superviviente del Holocausto, y vivimos en un mundo donde el antisemitismo se usa para justificar acciones que son injustificables, como asesinar civiles en Gaza

Yuval Abraham — Cineasta

Todo se dice desde las azoteas de Tel Aviv, mientras a menos de 60 kilómetros se sigue matando a gente. Sin embargo, en los edificios de la ciudad israelí la gente sigue con sus vidas. Hacen gimnasia, ven la televisión, salen a correr y disfrutan de una cerveza en la calle. Esa cotidianeidad, unido al tono austero del documental, y ese plano en la penumbra de las entrevistas hace que todo duela más. También esa última parte en donde se dice que no solo se persigue a la gente en Gaza, sino que los servicios de inteligencia chantajean y amenazan a aquellos que quieren acudir a la corte internacional para denunciar los crímenes. La persecución no acaba allí, y sigue actualmente. 

Un genocidio desde dentro

Naza está producido por la sección de documentales de The Guardian junto a Jim Wilson, productor de La voz de Hind. Cuenta, además, con la coproducción de Jonathan Glazer, que acudió a Venecia en apoyo del equipo, atendió a la prensa y recordó que muchas de las cosas que se cuentan en el documental ya se habían publicado en reportajes, pero que “hay cosas que aunque ya se sepan, es diferente oírlo en boca de los que ejecutaban esos sistemas”. “Una película muestra cosas que se pierden con el periodismo. Hemos podido mostrar la sociedad en la que esto pasa, ese Tel Aviv donde se encuentran también las oficinas de la inteligencia”, dijo Rachel Szor.

Yuval Abraham cree que con Naza muestran que “los crímenes de Israel son sistémicos”, y lo hacen con testimonios de las personas que comenten ese “asesinato masivo basado en la vigilancia”. “No sé si el cine es la mejor forma de contar la verdad, pero la verdad ya estaba ahí, ya era evidente gracias a la labor de los periodistas, pero como directores israelís hemos sentido la responsabilidad de usar nuestra posición para traer esos testimonios que cuentan desde dentro cómo funciona ese sistema de asesinato masivo”, explicó.

Abaraham citó a Primo Levi, que habló entonces de “deshumanización”, la misma que los israelíes han ejercido sobre los palestinos. “Soy judío-israelí, tengo familia que es superviviente del Holocausto, y vivimos en un mundo donde el antisemitismo se usa para justificar acciones que son injustificables, como asesinar civiles en Gaza”, opinó. Por eso cree que escuchar esos testimonios hará “más difícil negar esos crímenes”.

Esta misma semana, una escuela ha sido bombardeada y una niña asesinada junto a su padre. Por eso creen que Naza es importante, porque no se trata solo de “declaraciones”, sino de “pasar a la acción” con medidas concretas de los países para “presionar a Israel para que paren”. Mientras, les acusarán de ser “antisemitas”. Jim Wilson dejó claro que no lo es, y que sabe que sus colegas (tanto él como ellos son judíos) no lo son, pero que “eso es una estrategia para reprimir que se cuente la verdad”. Una verdad que, como el año pasado con La voz de Hind, ha llegado a Venecia para sacudir un certamen a punto de concluir. 

El asesinato de Renee Good el 7 de enero fue un punto de inflexión. No era la primera vez que el ICE, el Servicio de Inmigración y Control de Aduanas de EEUU, mataba a alguien (antes había habido, que se sepan, cuatro más), pero la impunidad, la injusticia y la sangre fría con la que ocurrió todo y con la que se intentó no prestar atención a lo ocurrido provocó una sacudida de indignación a nivel mundial. Esa sacudida es la que provoca They’re Here, el corto de no ficción que han dirigido la maestra del documental Laura Poitras —que ganó aquí el León de Oro por La belleza y el dolor— y la periodista Rachel Lauren Mueller.

En solo 25 minutos, ambas directoras consiguen trasladar el terror que viven los migrantes de las calles de Minneapolis, a donde se desplaza su cámara para ser testigo de cómo se detiene ilegalmente a la gente. El corto, que hace referencia a la frase que dicen cuando avistan a los agentes del ICE (“Están aquí”), muestra los arrestos, la brutalidad policial y los aviones en los que se expulsa a esas personas del país. Un trabajo periodístico de urgencia que no necesita más minutos ni florituras para trasladar la magnitud del problema.

Sin embargo, la apuesta de las directoras es no solo centrarse en ese terror, sino en cómo las comunidades migrantes se han organizado para evitar ser arrestadas. A través de mensajes de móvil, de grupos de apoyo, y de aplicaciones para localizar a coches que saben que son del ICE o sospechan de ellos, estas personas han creado unidades para sobrevivir al horror. En medio de la locura, su unión es un pequeño halo de esperanza. Poitras consigue testimonios de gente que vive con el miedo en el cuerpo, que vuelve a casa en el maletero del coche, y al que esos grupos están salvando la vida todos los días.

El formato del cortometraje no fue por ausencia de material, sino por “la urgencia del material”. “No hubo una razón estratégica de por medio, sino un motivo puramente artístico: sentimos la urgencia de realizar este proyecto. Queríamos lanzarlo mientras fuera actual. He alternado siempre entre cortometrajes y largometrajes, y en parte se trata simplemente de querer responder al momento que vives y a la actualidad”, explicó Poitras a un reducido grupo de periodistas internacionales entre los que se encontraba elDiario.es en el Festival de Venecia.

Esa urgencia también la sintió Rachel Lauren Mueller, que tenía muy claro que su papel como periodista era salir a la calle y grabar todo para “crear un archivo rápidamente”. El apoyo de Laura Poitras y “sus conocimientos sobre lo que implica trabajar en una película que desafía el poder del Estado” hicieron que se sintiera respaldada y segura. Al ver cómo se organizaban esos grupos de vecinos contra el ICE hasta ha sentido esperanza: “El presupuesto del ICE supera los 70.000 millones de dólares, y un grupo de voluntarios en bicicleta logró ahuyentarlos de la ciudad. ¿Es eso pesimismo? ¿O es resistencia? No estoy muy segura. En realidad, es una acción que condujo a un cambio significativo. Es verdad que el ICE sigue adelante, pero el peligro del pesimismo es que nos lleva a cruzarnos de brazos y quedarnos en el sofá”.

Esa movilización masiva de gente armada solo con sus teléfonos móviles plantó cara a esa fuerza paramilitar de manera muy eficaz. ¿Quieres llamarlo esperanza? Yo lo llamo resistencia

Laura Poitras — Cineasta

Poitras añade que ella cree “en la resistencia y en el cine”, y que por eso le gusta unirlas en trabajos que siempre desafían al poder, como Citizenfour, donde habló de Edward Snowden y sus relaciones sobre vigilancia mundial. “Esa movilización masiva de gente armada solo con sus teléfonos móviles, los mismos que todos tenéis ahí sobre esta mesa, realmente plantó cara a esa fuerza paramilitar de manera muy eficaz. ¿Quieres llamarlo esperanza? Yo lo llamo resistencia”, apuntó.

En esos 25 minutos, ambas meten en el cuerpo del espectador esa sensación de pavor, y eso es lo que querían. Por eso subrayan que “no es un reportaje de noticias, sino un documental”, y juegan con la puesta en escena y hasta con códigos del género de terror, con esos hombres encapuchados a los que no se les ve la cara. “Es importante que la gente lo sienta en el cuerpo en lugar de intelectualizarlo; porque lo otro es algo que ya hemos visto bastante. Podemos intelectualizarlo hasta el día en que muramos, pero la cuestión es: ¿en qué momento logras realmente movilizar a la gente?”, se preguntan las directoras.

A pesar de esa esperanza, inciden en que “el ICE sigue activo, su presupuesto actual es de 70.000 millones de dólares y en junio y julio se registró la tasa de detenciones más alta en la historia de la institución con 90.000 personas detenidas en dos meses”. “Están muy activos y siguen operando a pleno rendimiento. Creo que parte del papel de esta película es mantener el tema presente en la conciencia pública, algo que el ciclo de noticias no logra hacer del todo, y desnormalizar la violencia que vemos y que dicho ciclo informativo continúe”, explica Poitras, que quiere que el filme sea “un antídoto contra la pasividad”.

En un Festival de Venecia en cuya sección oficial se han visto dos películas sobre el sensacionalismo y la deriva del periodismo, They’re Here muestra lo contrario, lo “esencial” del bueno. “Me siento muy orgullosa de trabajar en el ámbito documental combinando elementos que, sin ser periodismo de noticias convencional, están profundamente arraigados en el periodismo: se trata de proteger las fuentes, de evitar la hipérbole o la exageración. Así que, aunque utilizamos recursos de género cinematográfico, la realidad que mostramos es muy auténtica”, dice Lauren Mueller.

Las personas que aparecen en la película les dijeron cuando la vieron que habían sido las primeras en captar lo que se siente al pasar por ese miedo diario. Ellas esperan que esto sea “movilizador” para la sociedad. “El periodismo es esencial porque se trata de decir la verdad y de basarse en algo real, no de decirle a la gente qué pensar. Siento un gran respeto por la audiencia; no queremos dar explicaciones ni decirles qué opinión deben tener. Les estamos mostrando lo que sucede. Le damos un enfoque cinematográfico y emotivo, y esperamos que eso les haga sentir algo. Pero no se trata de propaganda”, añade Poitras, que sabe que su trabajo puede tener consecuencias. Lo ve como “parte del trabajo”, porque ese trabajo “consiste en cuestionar al poder”.

Elon Musk ha reaccionado al documental sobre él dirigido por Alex Gibney que se proyectó ayer en el Festival de Venecia. Pese a que la crítica ha acogido de forma positiva esta película sobre la persona más rica del planeta, en la que se muestra cómo el millonario usa su poder en pos de sus intereses económicos e ideológicos, Musk se ha mostrado descontento al respecto a través de su plataforma X. “La mierda de perro merece más respeto que Gibney”, es alguno de los mensajes que ha escrito horas después del estreno del documental.

El empresario ha acudido a tuits que desacreditan el filme de Gibney para insultarlo. Aunque el cineasta ha pasado años trabajando en la cinta con el propósito de “reinterpretar la historia de Elon Musk”, que normalmente “se había contado solo de una manera”, Elon Musk lo ha comparado con “mierda de perro” en respuesta a un tuit que señalaba que Gibeney no había entrevistado al millonario y que había construido “una obra moral de 4 horas usando el 'fin justifica los medios' como trama”.

Asimismo, Elon Musk también ha querido restar mérito al documental escudándose en las personas que han participado en el mismo. “Gibney simplemente elaboró una lista negra de personas que o bien tienen cuentas pendientes conmigo o ni siquiera me conocen (pero aun así tienen cuentas pendientes)”, ha apuntado el empresario. “No tiene ninguna integridad. Es una persona horrible”, ha añadido. Además, ha respondido con un “exactamente” al siguiente tuit: “[El filme] no puede ser ”definitivo“ si las personas que estuvieron presentes no participaron. Esta película ficticia es un ataque personal de un director de Hollywood egocéntrico”.

Por otro lado, Elon Musk ha cargado contra su expareja Ashley St. Clair, periodista de derechas que cuenta cómo él quiso que firmara un acuerdo de confidencialidad para no decir que él era el padre de su hijo y no hablara de él. Le ofreció 40 millones de dólares (35 millones de euros). Esta se negó, y además cuenta que Musk ha ido dejando hijos (legítimos e ilegítimos) por todo el mundo para crear una “legión” con los genes adecuados.

La propia St. Clair acudió a la rueda de prensa, dejando algunas de las declaraciones más escalofriantes: “Elon Musk me envió un mensaje de texto diciendo que necesitamos tener una legión de niños antes de la guerra civil”. En respuesta a un tuit que dice que “The Guardian informó sin aliento, sin pruebas, que Elon Musk le dijo a su exnovia que necesitaba 'una legión de hijos antes de la guerra civil'” sobre un artículo del periódico británico en relación al documental, el millonario escribe que “la cordura no es su fuerte” y que “ella es malvada”.

Esta no es la primera vez que Musk acude a su red social para alentar el linchamiento hacia un cineasta. A pesar de su buena recepción por parte de taquilla y prensa, el empresario ha sido uno de los más críticos con La Odisea de Christopher Nolan. Elon Musk comenzó su ataque a Nolan nada más saberse el casting y, desde entonces, le ha llamado “gusano” o “racista anti-blancos”. “Chris Nolan profanó a Homero y se arrastró de rodillas solo para cumplir con las reglas woke exigidas para ganar un Oscar”, fue alguno de los mensajes que le dedicó al director.

La hija de Musk carga contra su padre

Vivian Wilson, la hija mayor de Elon Musk, es la protagonista de una campaña contra la inteligencia artificial de la firma de moda Desigual. El anuncio, dirigido por Yukihiro 'Sho' Shoda, Pau López y Gerardo del Hierro, muestra a la modelo trans y activista enfrentándose a la IA. En uno de los vídeos, de hecho, Wilson pasea a un robot con correa como si fuera un perro mientras le enseña a decir “Desigual”. El robot, sin embargo, no deja de averiarse, por lo que la modelo llega a la conclusión de que “hay cosas que no están hechas para arreglarse”.

Elon Musk ha llegado a decir que su hija está “muerta” y que Vivian fue “infectada por el virus mental woke”, por lo que el anuncio de Vivian Wilson adquiere un significado todavía más profundo en su crítica a la tecnología que promueve el famoso empresario. Nacida en 2004, Vivian inició su transición de género a los 16 años con el consentimiento de sus padres, Musk y Justine Wilson. Más tarde, Musk llegaría a afirmar que le habían “engañado para que firmara unos documentos”, aunque Justine Wilson siempre ha aclarado que su exmarido estaba al tanto.

Además, según The hollywood reporter, el equipo legal de Musk podría demandar al filme de Alex Gibney. El medio especializado en cine ha desvelado que, poco antes de su estreno el pasado martes, el abogado Alex Spiro dirigió una carta a uno de los productores acusando a Gibney de no verificar los hechos de la película, aunque Gibney dijo en la rueda de prensa que sí que habían intentado entrevistarle para el filme.

“Este proyecto no comenzó como una investigación. Comenzó con una conclusión”. Dado que se han negado a proyectar la película, se han negado a verificar los hechos con nosotros y han rechazado a los testigos que acudieron a ustedes, tenemos todas las razones para suponer que contiene más afirmaciones sobre el Sr. Musk que saben que son falsas, o cuya falsedad han decidido deliberadamente no investigar“, dice la carta remitida al productor, que señala directamente la escena en la que se insinúa, en boca de su ex pareja Ashley St. Clair, que Musk sabía de la victoria de Trump en las pasadas elecciones antes de que se conociera el resultado oficial.

Elon Musk fue el protagonista ausente de la jornada del Festival de Venecia. De él se hablaba en los corrillos del Lido, y se hablaba con una sensación de miedo tras ver las cuatro horas de documental que Alex Gibney ha estado preparando durante años y que muestra el auge y el peligro del empresario tecnológico. Gibney realiza un concienzudo trabajo en el que consigue que hablen antiguos trabajadores, amigos y dos de sus exparejas. Musk funciona como una película de terror. El problema es que esto es real.

De aquel carismático señor que decía que había que apostar por el coche eléctrico y llegar a Marte se ha pasado a un multimillonario que parece sacado de una película de James Bond, con una agenda de extrema derecha en la que la manipulación mediática, el espionaje y la recolección de datos y la implantación de gobiernos de extrema derecha en todo el mundo para instalar una visión de sus conservadores ideales, pero también líderes que legislen en pos de sus intereses. Una mezcla de ego y dinero que le convierten, como se define en un momento del filme, en una “bomba nuclear” a punto de estallar. El miedo a sus consecuencias explotó en Venecia.

Ese miedo se notó también en las preguntas que le hicieron a Alex Gibney durante la rueda de prensa, donde acudió con algunas de las personas que han accedido a participar en el filme, como Ashley St. Clair, expareja de Elon Musk y periodista de derechas que cuenta cómo él quiso que firmara un acuerdo de confidencialidad para no decir que él era el padre de su hijo y no hablara de él. Le ofreció 40 millones de dólares (35 millones de euros). Se negó, y sus palabras son algunas de las más reveladoras. La parte dedicada a cómo Musk ha ido dejando hijos (legítimos e ilegítimos) por todo el mundo para crear una “legión” con los genes adecuados es terrorífica.

La propia St. Clair acudió a la rueda de prensa, habló claro y dejó algunas de las declaraciones más escalofriantes (como ya hace en el documental). “Elon Musk me envió un mensaje de texto diciendo que necesitamos tener una legión de niños antes de la guerra civil. Así que creo que, sea lo que sea lo que está haciendo con esta plataforma, y sus actos, no se puede ignorar, porque está avivando llamas que no existen en el mundo real y está creando algo que está teniendo consecuencias reales con todas estas acciones. Y creo que está provocando una división deliberada que puede ser catastrófica si no se regula o se controla, o si no hacemos nuestra parte para frenarla”.

El documental une todos los puntos y deja claro que, detrás de lo que podrían parecer boutades de un tipo con mucho dinero, hay un plan. No es una casualidad que comprara Twitter. Desde allí puedo crear una red social que alimentaba a gobiernos de extrema derecha, los mismos que le meten en el Gobierno. Su presencia en la Administración Trump es uno de los puntos álgidos del filme, ya que muestra cómo sus políticas, ejecutadas por veinteañeros de Silicon Valley sin ningún tipo de moral, están costando miles de vidas en todo el mundo por los recortes en agencias como la USAid. Igual que los accidentes del autopiloto de sus Teslas provocaron varias decenas de fallecidos que nunca salen en los medios.

Musk está impulsando una agenda global de derecha, tanto por razones ideológicas como por razones muy prácticas y económicas

Alex Gibney — Cineasta

En un filme que tiene a la IA como una de las grandes cuestiones y amenazas del mundo actual, resulta paradójico que hayan decidido usar, como recurso narrativo, un avatar de Musk creado con, precisamente, IA. Alex Gibney dijo que fue una decisión “intencionadamente irónica”, aunque su opinión sobre la IA es “más compleja”. “Es una tecnología poderosa. Los problemas con la IA tienen más que ver con los seres humanos que manipulan la tecnología, y la manipulan de maneras que parecen beneficiarlos, usándola de forma bastante imprudente, con la intención de volvernos irrelevantes al resto. Así que creo que ese es el verdadero peligro de la IA: caer en manos de unos pocos poderosos, imprudentes y sin rendir cuentas”, opinó.

Con este trabajo, el experto en documentales ha querido “reinterpretar la historia de Elon Musk”, que normalmente “se había contado solo de una manera, para percibirla de una forma muy diferente”. Una de las preguntas en esta reformulación de la historia es cómo se le ha permitido tener tanto poder. Para Gibney es una responsabilidad de todos y cree que, en ese sentido, su documental “pretende ser una advertencia para encontrar la fuerza necesaria para salir del dilema en el que nos encontramos”. Porque el cineasta lo tiene claro: “Musk es muy peligroso, extremadamente”.

Por ello se ha encontrado tanto miedo a hablar sobre él, “un miedo casi existencial, tanto entre sus críticos como entre sus colegas y amigos”. “Hablé con muchísimas personas, pero salvo algunas de las personas valientes que me acompañan aquí, casi todos se negaron a hablar”, alega. De hecho, ellos mismos han tenido que medir cada paso con un equipo legal para ver a qué podían enfrentarse una vez el filme se lance al público, sobre todo por el uso del avatar de Musk y las declaraciones usadas, todas sacadas de entrevistas y declaraciones públicas: “Consultamos con nuestros abogados y nos dieron el visto bueno para seguir adelante”.

Con la victoria de la extrema derecha en Alemania, la parte dedicada al apoyo del magnate a los partidos ultras de todo el mundo se hizo aún más relevante. AfD agradeció a Musk su apoyo, y este, a su vez, felicitó al partido. “Espero haber mostrado en el documental que está involucrado con partidos políticos de derecha en todo el mundo: en Alemania, en el Reino Unido, en Brasil, en Turquía, y creo que hay varias razones para ello”, dijo Gibney, que opina que esta “parece ser su ideología en este momento”, pero que cree que también se debe a que “muchos de estos gobiernos de derecha tienden a ser más maleables, y es más fácil comprar los resultados que uno quiere para administraciones totalmente corruptas, sin ningún tipo de control ni contrapesos internos”.

En definitiva, asevera que Musk “está impulsando una agenda global de derecha, tanto por razones ideológicas como por razones muy prácticas y económicas”, en lo que Alex Gibney describió como un “capitalismo de amiguetes con aspiraciones políticas”. “Con Trump, de repente, y con muchos otros líderes de derecha alrededor del mundo, ve la posibilidad de comprar influencia sin precedentes, porque son mucho más receptivos a esta idea del capitalismo de amiguetes. Musk es siempre pragmático y se mueve donde está el dinero”, zanjó.

Musk rebusca en sus orígenes, habla con el padre del millonario y llega hasta el presente, con esa incursión en el Gobierno a través del Departamento de Eficiencia Gubernamental (DOGE), y con la presencia en el Ministerio de Guerra de Pete Hegseth, que usa la inteligencia artificial creada por Elon Musk en sus operaciones internacionales. Gracias a ambos movimientos, ahora mismo tienen acceso a los datos de todos los ciudadanos de EEUU. “Mover esos datos habría sido tan simple como mover un archivo a una carpeta. ¿Y podría esa carpeta estar en SpaceX? ¿Podría estar usándolo para una IA para influir en las elecciones? Sí, creo que es una buena conjetura, y eso sería como Cambridge Analytica con esteroides. Lo puse en la película no porque sepa que va a suceder, sino porque creo que podría suceder, y fue una especie de advertencia”, dijo Gibney, volviendo a poner el foco en el terror de que esa bomba nuclear para la democracia pueda estallar dentro de poco.

Desde que se conocieran en Jamón Jamón, el encuentro que cambiaría sus vidas profesionales y personales, Javier Bardem y Penélope Cruz han ido coincidiendo en pantalla hasta en siete ocasiones. Sin embargo, había ganas de más. La química entre ellos, pareja en la vida real, es tan evidente que ver la suma de sus dos talentos es una experiencia que siempre merece la pena. Por eso Búnker se había convertido en una de las películas más esperadas del Festival de Venecia, porque ver por octava vez a los intérpretes españoles es una delicia que ningún cinéfilo debe perderse.

Y sobre sus hombros se sustenta y se alza Búnker, el nuevo filme de Florian Zeller (dramaturgo que debutó en la dirección con la estupenda El padre), que adapta de forma libre El hombre de al lado, la película de los directores argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn. Convierte la mala leche de aquellos en un tenso tour de force entre los intérpretes españoles, que dan vida a un matrimonio en una crisis que no se atreven a explicitar. Lo hacen cuando él, un arquitecto de éxito, recibe un tentador encargo: construir un búnker para un magnate tecnológico. Un trabajo por el que cobrará una millonada a cambio de vender sus principios. Un pacto con el diablo que se convertirá en la gota que colma el vaso del hastío de la rutina del matrimonio.

Ambos, Penélope Cruz y Javier Bardem, recibieron una tremenda ovación de la sala de prensa de Venecia. Nada más empezar, Zeller dejó claro porque les había elegido. Primero “porque están entre los mejores actores del momento”, y luego porque para esta pareja en la ficción era interesante que fueran pareja en la vida real para “captar algo especial, darle capas y desdibujar los límites entre realidad y ficción”. Les definió como “sin miedo y ambiciosos”, y se rindió, como todos a su talento.

La prensa les agradeció que, en un festival donde las preguntas políticas asustan a los cineastas y actores, ellos no tengan miedo a hablar. Y esta vez fue Penélope Cruz la que dio la respuesta más contundente diciendo que si haces una película como Búnker, que habla del miedo al otro, de los principios morales del artista, del poder de los oligarcas y del machismo, no tiene sentido sentarse en ese púlpito y esquivar la bala: “Sería contradictorio estar aquí, con una película como esta, y decir que no quiero hablar de política. De lo que habla esta película nos involucra a nosotros y a las nuevas generaciones”.

Bardem, por su parte, añadió que “seas fontanero, taxista o actor tienes derecho a decir lo que consideras importante”. “Yo tengo más medios para hacerlo porque tengo este micrófono delante y la responsabilidad es diferente, pero tengo una responsabilidad con el mundo en que vivimos, y no doy nada por asegurado”, dijo a la misma pregunta.

El punto de partida llegó de una noticia real que leyó el director, el de un multimillonario que había hecho una fortuna en conectar a la gente virtualmente que estaba trabajando en un búnker secreto. La información salió a la luz, y esa ironía entre lo que hacía en la vida privada y en su vida profesional le pareció un sitio desde el que tirar del hilo hasta llegar a un guion en el que quiere hablar de algo más anclado a la vida real: “Al final todos vivimos en un búnker de un grado u otro debido al estilo de vida que abrazamos cada vez más y que es el que promocionan esos multimillonarios que nos crean una ilusión de que no necesitamos a los demás”.

Es obvio que a quienes toman las decisiones los podemos contar con los dedos de una mano, y ese grado de manipulación es muy triste y va tan rápido que no da tiempo a reaccionar.

Penélope Cruz — Actriz

A Cruz le da “pena y rabia” sentir que cada día “nos utilizan más como marionetas”. “Creo que es obvio que a quienes toman las decisiones los podemos contar con los dedos de una mano, y ese grado de manipulación es muy triste y va tan rápido que no da tiempo a reaccionar. Lo veo bastante oscuro y preocupante, pero lo que me salva es ver que la gente joven se da más cuenta de lo que pensamos de estas trampas. Hay que darles ese valor, porque la gente joven habla más de política que antes. Yo lo percibo así”, subrayó.

Por eso le enfada ver que esos empresarios hablen de “que la gente va a tener mucho tiempo libre después de cargarse un montón de puestos de trabajo”. “¿Cómo tienen la desfachatez de decir eso?, ¿tiempo libre para hacer qué? Para mí el tiempo libre sin propósito, y más si hablas de gente joven, es una depresión profunda. ¿Qué mundo quieren dejar? Al menos si no es por ellos que lo hagan por sus hijos y nietos. Búnker habla de esto, del riesgo de perder la conexión humana, y la esperanza está en la gente joven. Espero que reaccionen”, reflexionó.

Para su compañero, “la moralidad de aquellos que trabajan para crear diferencias para que no conectemos física y mentalmente con la gente, es una falta de moralidad”. Por eso él trabaja en su moralidad, y subrayó la opinión de Florian Zeller de que el filme —que cuenta con la española Mod como una de las productoras— habla de la “necesidad de conectar con los otros”.

Una de las cosas que les hizo decir que sí a este proyecto es que, por fin, sus personajes podían hablar como lo harían en la vida real, en español en la intimidad y en inglés con la gente de fuera. Esto, que ahora puede parecer una obviedad, “hace 15 años era un reto encontrar producciones así”. “Nos hemos peleado mucho en el pasado para convencer a productores y directores de que el público estaba listo, pero había miedo. Ahora los chicos crecen viendo versión original, películas e varios idiomas… hemos hecho de colombianos hablando en inglés, nos preparábamos meses un acento y luego tenías solo una escena en español. Es un alivio que sea así, porque es más real”, apuntó Penélope Cruz.

Hubo hasta tiempo para bromear sobre la presencia de ambos en la terna de películas preseleccionadas para representar a España en los Oscar. Bardem está con El ser querido, y Penélope Cruz con La bola negra. “En una sale ella y en la otra ya, así que no hablamos de esto mucho en casa”, dijo riendo el actor para añadir que es “una maravilla que haya tanta calidad en el cine español”, aunque cree que siempre ha habido, solo que ahora “viajan mucho, gustan mucho y las seleccionan en festivales importantes, y eso hay que celebrarlo independientemente de cuál sea finalmente la película elegida”.

El cine siempre ha sentido una fascinación por la clase obrera. Ya en sus primeros compases, los hermanos Lumière lo primero que retrataron fue a los trabajadores de su fábrica en 1895. Ahí ya se evidenciaba una fricción que se alargaría hasta nuestros días, ¿cómo alguien que viene de una élite, de una clase alta burguesa y rica, puede retratar a aquellos con los que apenas se junta? En el caso de los Lumiére solo fue una cámara fija grabando cómo salían de su trabajo, pero según el lenguaje cinematográfico avanzaba y las narrativas se complejizaban, ese conflicto de clase entre los que miraban y los que eran observados se hacía más evidente.

En 2026 el cine lo sigue haciendo, en un gran porcentaje, gente pudiente. Aunque la tecnología ha democratizado el acceso a quien tiene una cámara de cine (que ahora todos pueden poseer en su teléfono móvil), son pocos los que consiguen las becas necesarias para entrar en las escuelas de cine. Todo esto viene a cuento para hablar de la gran película de este Festival de Venecia (y aunque quedan varias jornadas es difícil que se encuentre una obra tan compleja e inteligente), Possible Love, del cineasta coreano Lee Chang-dong.

El director de títulos como Burning o Poetry —donde ya la clase social y los roces entre ellas estaban— era uno de los nombres más esperados de la Sección Oficial con su primera película en ocho años. La espera ha merecido la pena, Possible love es magistral. Una mirada incisiva, inteligente, llena de capas y detalles a cómo el cine vampiriza a la clase obrera para su propio beneficio: ya sean premios o limpiar la culpa.

Lo cuenta a través de las relaciones entre dos parejas. Una, de clase obrera, vive marcada por un despido masivo en una fábrica que ha hecho que el marido, sindicalista y apaleado en las manifestaciones para intentar detenerlas, caiga en el alcohol y la depresión. La otra, rica, está formada por un empresario que va de moderno y distinto, y una mujer que quiere rodar un documental sobre aquel despido masivo.

Esta directora quiere contar lo que les ocurrió, pero lo hace desde la condescendencia, desde las buenas intenciones de las que está plagada el infierno, y sin plantearse la gran pregunta: la moralidad de lo que cuenta y de cómo lo cuenta. Las relaciones entre los cuatro personajes irán rozando. Del roce se desprenderán primero pequeñas astillas en forma de dardos (¿cuánto cuesta la ropa de la directora mientras rueda a obreros en paro?) que terminarán formando un incendio cuando las dos parejas decidan pasar un fin de semana juntos en la lujosa casa de la playa de los ricos.

No hay discursos ampulosos, no hay frases de carpeta y taza de desayuno. Hay mucha verdad, mucha intención y una inteligencia y sensibilidad desbordante para saber mirar a estos cuatro personajes. No son personajes planos, sino a veces ambiguos y hasta contradictorios, y por tanto, reales. Algo que se ve en temas como el deseo (incluso sexual) que tiene la mujer obrera por el empresario o el complejo de clase y culpa por querer y hasta paladear lo que tienen los otros y ellos no han logrado a pesar de partirse el lomo.

Lee Chang- Dong construye, como en sus anteriores obras, su clímax final a fuego lento, poco a poco, dando espacio para que todo se construya de forma natural, sin artificios ni aspavientos. Y logra lo más complicado, que uno tenga la impresión que nada sobre en sus casi tres horas de metraje, que van trufándose de imágenes de esas manifestaciones sindicales, de las entrevistas a los obreros y de conversaciones donde parece que nada pase mientras lo que ocurre es la vida. Todo hasta llegar a ese tercio final donde la lucha de clases se hace más encarnizada y donde esa vampirización llega a sus máximas consecuencias, como evidencia una escena en la playa donde un paneo horizontal revela que para la directora, lo más importante es la obra y lograr la gran entrevista final para su proyecto.

Es inteligente hasta el título, ese Amor posible que parece referirse al de las parejas, pero que va mucho más allá y a una pregunta mucho más compleja, ¿puede un director burgués amar realmente a los personajes que retrata cuando los va a dejar tirados tras la claqueta final?, ¿pueden amar a esos que normalmente tienen como criados?

Una de las ironías de Possible love es que con todo su discurso sobre cómo el capitalismo revienta a la clase obrera, haciendo que hasta el amor sea imposible para ellos, el filme haya sido producido por Netflix. A pocas semanas de comenzar a rodar, los productores de Possible love abandonaron el proyecto, y fue la plataforma, cuyos contenidos en el país son una de sus grandes apuestas, las que salvaron una película que si no, se hubiera quedado en el cajón sin hacerse. Ahora apunta al León de Oro y es la elegida por Corea del Sur para representarlos en los Oscar.

Mujeres desconocidas

Una de las polémicas de este Festival de Venecia es la falta de mujeres en la Sección Oficial en competición por el León de Oro. Solo dos, y una de ellas codirigiendo junto a un hombre. La única mujer dirigiendo en solitario es May el-Toukhy, que ya revolcó a los espectadores con su anterior filme, Reina de corazones, y que en su nueva película, Woman Unknown, hace lo mismo con una interesantísima e incómoda mirada a las mujeres que fueron señaladas tras la Segunda Guerra Mundial por acostarse con nazis.

El-Toukhy muestra a una de ellas que, tras haber tenido una relación de la que apenas se dan detalles, está prometida con un danés que celebra la victoria de los aliados. La directora no la juzga ni la señala, sino que intenta entender cómo muchas mujeres sobrevivieron en la guerra usando su cuerpo como campo de batalla. Las mujeres como trofeo nacional de vencedores y vencidos. Lo hace con un estilo austero, de pocas explicaciones y muchas preguntas incómodas. Todo comandado por una interpretación llena de silencios de Mathilde Arcel.

La cineasta muestra la hipocresía de muchos países que miraron a otro lado sabiendo que muchos se habían lucrado vendiendo productos a los nazis, pero rapó y vejó a las mujeres que habían tenido sexo con ellos. La cineasta intenta entenderla analizando aspectos como la clase social, el deseo y la supervivencia. Con una protagonista imperfecta, compleja y ambigua, May el-Toukhy ha hecho un filme que se queda pegado y rascando decenas de preguntas cuando uno sale de la sala. No debería irse sin premio.

Durante años ha circulado el rumor de que el comediante y actor canadiense Nathan Fielder (Nathan for You, The Rehearsal) había estado entrevistando a la fundadora de Theranos, Elizabeth Holmes, incluso visitándola en prisión, para un documental ultrasecreto. Ese documental ultrasecreto existe, se titula You Can See Everything, pertenece a la productora A24 y este domingo se ha proyectado por sorpresa en el Festival de Cine de Telluride antes de un estreno internacional este mismo otoño.

Theranos fue una empresa estadounidense de tecnología sanitaria que prometía revolucionar los análisis de sangre con una sola gota, pero que colapsó tras revelarse que su tecnología era un fraude masivo. Como consecuencia, Elizabeth Holmes ingresó en prisión, pues había engañado a los inversores de la empresa, utilizando en secreto aparatos de laboratorio tradicionales para hacer la mayoría de las pruebas de los pacientes.

Ahora, bajo la dirección de Fielder y también de Lance Oppenheim, quien es conocido por Una clase de cielo (2020) y que acaba de pasar por el Festival de Venecia con su filme Primetime, los espectadores tendrán la oportunidad de sumergirse dentro de la protagonista de este caso. “34 días antes de ser enviada a prisión, la infame fundadora de Silicon Valley, Elizabeth Holmes, invita a un escéptico equipo de filmación a documentar cada uno de sus movimientos”, reza la sinopsis de la película.

“Lo que comienza como un retrato íntimo de una enigmática delincuente se convierte en un viaje alucinante de tres años hacia el abismo”, anticipa la productora A24, que ya ha aprovechado para lanzar el primer tráiler. Holmes dice lo siguiente en este avance: “No soy esa persona. Se lo puedo prometer. No tengo nada sobre lo que engañarles, por supuesto que no les engaño. Me relaciono con ustedes como un ser humano. ¿Por qué les engañaría? No tengo ninguna razón para hacerlo. Siempre soy sincera”.

Esta no es la primera vez que Hollywood intenta recrear la historia de Elizabeth Holmes. En un momento dado, Jennifer Lawrence iba a interpretarla en una película dirigida por Adam McKay, pero ese proyecto se canceló cuando se estrenó la miniserie de Hulu de Liz Meriwether, The Dropout (2022), protagonizada por Amanda Seyfried. Asimismo, Alex Gibney realizó en 2019 el documental The Inventor: Out for Blood in Silicon Valley, donde sigue la increíble capacidad para el engaño de Holmes.

Holmes ingresó en prisión en mayo de 2023 y cumple una condena de más de 11 años. Aunque fue absuelta del cargo de estafar a pacientes, fue declarada culpable de estafar a inversores en su juicio federal junto con el exdirector de operaciones de Theranos y exnovio de Holmes, Ramesh “Sunny” Balwani. A inicios de año se reveló que la empresaria había pedido una liberación anticipada de la cárcel, según una solicitud presentada en 2025 ante el Departamento de Justicia.

Desde hace años, Venecia ha sacado pecho de ser el lugar donde daba comienzo la carrera por el Oscar. El certamen había logrado, con el apoyo de los estudios de Hollywood y Netflix —cuyos filmes no pueden competir en Cannes al no asegurar el estreno en salas de cine—, ser el escaparate para que los gurús de la temporada de premios calibraran las opciones de los filmes más esperados. De aquí salieron escopetadas hacia los galardones títulos como Roma, Pobres criaturas o, el año pasado, Frankenstein.

Sin embargo, esa política de flashes y glamour (normalmente esos filmes vienen acompañados de estrellas en su reparto que dan relumbrón a la alfombra roja) se ha demostrado, en varias ocasiones, inestable. La anterior vez fue en la post pandemia, cuando Hollywood no abrió el grifo lo más mínimo para permitir que sus películas vinieran (solo Nomadland, que terminó ganado el León de Oro y después el Oscar).

Pero en estos años todo ha cambiado mucho, y ahora una mala crítica en tiempos de redes sociales puede hundir un filme. O eso creen allí. Tras la debacle de Joker 2, vapuleada en Venecia, miden mucho más lo que presentan en Venecia. Este año, la gran parte de filmes que se espera que estén en los Oscar o no han llegado a tiempo o se han saltado Venecia en beneficio de citas más amables como Telluride o Toronto.

Por eso había mucho interés en ver qué ocurría con una de las pocas propuestas llegadas de un estudio de Hollywood y con una estrella como protagonista absoluto. Primetime venía con A24 como productor y Robert Pattinson dando vida a Chris Hansen, el periodista que saltó a la fama por To catch a predator, un formato en donde con cámara oculta exponía, delante de millones de telespectadores, a pederastas a los que hacían creer que acudían a ver a menores. Allí, en la casa donde les citaban, aparecía Hansen, por encima de la ley, como juez absoluto sin juicio mediante. Sacando, a cara descubierta, a los depredadores sexuales en horario de máxima audiencia.

El formato fue un éxito de espectadores, y también provocó una polémica constante debido a cómo desdibujaba cualquier límite moral. ¿Hasta qué punto un programa tiene la potestad de descubrir a esa gente?, ¿no debería ser la justicia quién lo hiciera? Para contar la historia del programa y de Hansen —y en la resaca de un documental que en España se puede ver en Prime Video sobre el mismo tema y que ha dado a conocer el show en todo el mundo— se ha colocado Lance Oppenheim, bregado en los documentales y que aquí debuta en el largo de ficción con un filme que desaprovecha todo su potencial y que, lo peor de todo, lo trata con una banalidad impropia del asunto.

A Oppenheim y al guion de Ajon Singh solo parece interesarles la historia de Hansen como crítica a los deseos de fama absoluta. Un cuento moral con el clásico 'cuidado con lo que deseas' como moraleja. No les importa en exceso, o al menos deciden no desarrollarlo, el tema que abordaba su programa. No mete los dedos en los límites morales del periodismo, en los peligros de tomarse la justicia por la mano y en cómo eso entronca con un contexto muy concreto, el post 11S donde un país decidió hacerlo.

A cambio prefiere jugar al humor negro en su retrato ácido de la ambición desmedida. Y eso queda claro cuando no solo el personaje de Hansen se obsesiona con ella, sino también los otros dos que le acompañan, su productora (Merrit Weaver) y el actor que ansía por encima de todo su carnet del sindicato de actores de Hollywood y que interpreta al señuelo como falso menor, un sorprendente Skiler Gisondo que es, de lejos, lo mejor de la función. Mejor incluso que un Robert Pattinson que demuestra que es inteligente alejándose de cualquier etiqueta que pueda caer sobre él como actor, y que está espléndido como Hansen. Pero ni su carisma ni su composición pueden salvar una película que se cree mucho más compleja de lo que es, y mucho más profunda que lo que su acercamiento realmente desvela.

Primetime reviste su banalidad con una puesta en escena resultona de estética dosmilera, llena de neones y planos retorcidos para acrecentar esa sensación de incomodidad. Hay ideas y coqueteos con el género para trasladar ese estado mental del protagonista, pero son un envoltorio para un filme que, además, tendrá que enfrentarse con la amenaza del Chris Hansen real, que ha dicho que ha comprado anuncios para proyectar antes de los pases de Primetime.

Según The Hollywood Reporter, Hansen afirma en dicho anuncio: “Ahora hay más plataformas que nunca donde se comete este perturbador delito. Únanse a nuestras investigaciones encubiertas todos los días en mi plataforma de streaming, TruBlu”. En Venecia no se vio ninguno.

Un Moretti tierno, pero menor

La otra gran apuesta vino de la mano de uno de los mejores cineastas italianos de las últimas décadas, Nanni Moretti. El autor de obras maestras como Caro diario o La habitación del hijo no pisaba Venecia desde 1989, cuando presentó Vaselina roja. Desde entonces, todos sus trabajos habían pasado por Cannes. Los tiempos de producción hicieron que su nuevo filme, Sucederá esta noche (que es una coproducción con España de la mano de BTeam e Irusoin y se rodó parte en San Sebastián), no llegara al certamen francés, por lo que el hijo pródigo ha regresado a casa.

Lo ha hecho con un filme menor dentro de una carrera apabullante, pero que contiene varias de sus señas de identidad, el humor, esa ligereza que esconde reflexiones sobre la vida y sus intrincaciones con la política (aunque aquí mucho menos presente) y los números musicales que invaden la trama para convertir todo en un estado casi mental más que en un retrato realista.

Sucederá esta noche es una adaptación de relatos de Eshkol Nevo, como ya hiciera en Tres pisos, y curiosamente ambas se colocan en eso que se podría llamar ‘obras menores’ de su filmografía. Quizás aquí se nota más porque viene de una película tan hermosa, luminosa, brillante y original como El sol del futuro. A pesar de ello Sucederá esta noche hace sonreír y calienta al espectador con su mirada a las relaciones amorosas, por las que apuesta sin fisuras en tiempos de relaciones líquidas y cinismo.

Gracias al magnetismo de Louise Garrell y Jasmine Trinca (que regresa al cine de Moretti tras La habitación del hijo) uno ve con gusto una trama sobre una pareja a la que el destino parece que quiere juntar a pesar de todo. A veces ciertas decisiones narrativas son un poco de señor de otra época —ese personaje del padre ligón—, pero también hay algo melancólico que responde al propio estado vital de Moretti, que tras sufrir un infarto en 2025 parece que acepta un estado crepuscular en su vida que se traslada a sus fotogramas.

Cuando el pasado febrero Susan Sarandon atendió a la prensa española con motivo de su Goya internacional dijo en voz alta lo que muchos ya temían. En EEUU se había vetado a las actrices y actores que habían denunciado públicamente el genocidio en Gaza. Ella era uno de los casos. Su agente había roto con ella y a los directores se les presionaba para que no la contrataran. Desde entonces, los filmes en los que iba a participar en Hollywood se habían caído y no tenía ninguna oferta en su país. Por suerte, acababa de rodar un filme en Italia.

Aquella película que fue el salvavidas de la mítica actriz de Thelma y Louise o The Rocky horror Picture show se llamaba The echo Chamber, y se ha presentado en el Festival de Venecia, donde Sarandon ha recibido una calurosa acogida en la rueda de prensa del filme que ha dirigido Andrea Pallaoro basándose en un guion de Bernardo Bertolucci. Una historia de adicciones, desamor, fantasma y recuerdos donde Sarandon interpreta a una versión femenina de Leonard Cohen. Una cantante que actúa de confesora del protagonista, un hipnótico Luca Marinelli.

La actriz fue preguntada por si en estos meses ha habido un cambio y si en Hollywood le han abierto las puertas. La respuesta fue agridulce, porque aunque confiesa que la gente ha abierto los ojos, no lo han hecho los productores de su país. “La narrativa ha cambiado en términos de la relevancia histórica de Palestina. Los lazos que los sionistas tienen con EEUU han sido una revelación para la gente. Nadie entiende todo el dinero que EEUU le da a Israel, y ahora hasta hemos votado para que se unan el ejército de EEUU y el de Israel. La gente se ha dado cuenta de eso, y eso ha cambiado”, reconocía.

Sin embargo, en términos de “poder estructural” no nota el cambio. “Me han quitado de varias películas recientemente porque hay agencias que les dicen que no me contraten. Eso es el poder estructural. Pero con la gente, y sobre todo a nivel internacional, me siento bienvenida. Lo que ha pasado conmigo pasa con otra gente, por eso agradezco a Andrea Pallaoro por no hacer caso a las advertencias. Hay un cambio en como se entiende la situación, en el público general, pero todavía hay posiciones en mi industria lideradas por sionistas que no relajan sus sentimientos contra mí. Pero tengo a mi gente, a mi equipo y estoy bien”, dijo ante el aplauso de la sala.

La actriz habló también de la influencia que había tenido Bertolucci en su vida y en su visión del cine como arte poético y político, especialmente gracias a El conformista. “Nunca había visto nada así, no sabía que el cine podía hacer eso. Cómo miraba, cómo contaba… era completamente diferente a las películas americanas. Entonces no sabía lo que pasaba políticamente”, dijo Sarandon que luego recordó que gracias a Louis Malle, con quien trabajo en La pequeña y Atlantic City le conoció y se hicieron amigos.

Hace poco volvió a vercon su hijo, que es director de cine, y se percató de que “sigue siendo moderna: la fotografía, los planos, la escena del tren, la hermosa forma en que está rodada…”. A El conformista le recuerda esta The echo chamber, que se desarrolla completamente en una casa que se convirtió en su “pequeño mundo” en el que, en contraste con Hollywood, “no hay tráileres” para las estrellas y estaban todos juntos.

Cree que han rodado un filme “con esa sensibilidad tan europea que crea atmósferas y cuenta la historia más con imágenes que con palabras”. “Andrea se toma todo el tiempo para contar esta historia y no explicar todo al público. No pone cartelas de ‘dos meses después’ o ‘un año después’, desdibuja la línea de pasado y el presente; del sueño y el recuerdo. Un director americano no podía haber dirigido esto”, zanjó.

Aquí vuelve a cantar, como en The rocky horror picture show, pero aclaró que ella no canta, aunque eso vino bien a un personaje que está luchando contra sus demonios interiores, algo que ocurre a todos, y ahí bromeó con que ella había pasado por todo lo que su personaje: “Menos meterme heroína”. Pero sí hay algo que cree que une a todos en la película y en la vida real, y es que “buscan una conexión y eso es lo que cada ser humano está buscando ahora, conectar, ser visto, ser oído”.

Empieza con la pérdida paulatina de abdominales y continúa por el repentino interés por el fútbol, el pésimo gusto para vestir y las ganas irrefrenables de emparejarse para tener hijos. Son los síntomas de la heterosis, una extraña enfermedad que convierte a los hombres gays en heterosexuales... y que forma la premisa de Jim Queen, una película de animación para adultos que se proyectó en el Festival de Cannes fuera de concurso y que llega ahora a los cines de España. La cinta narra la historia de Jim Parfait, un musculoso influencer gay que, tras contagiarse y perder su popularidad, se alía con Lucien, un chico tímido que no se atreve a salir del armario, para buscar una cura.

El filme propone una sátira que se ríe de los clichés internos del colectivo y denuncia la homofobia que todavía pervive en la sociedad. Lo hace recurriendo a parodias de canciones de Disney en cuartos repletos de dildos y arneses, gags sobre la obsesión con los orgasmos prostáticos, la temida gaystapo, el postureo de gimnasio y los eternos debates entre activos y pasivos. Sin embargo, abordar una epidemia en tono de comedia dentro de la comunidad LGBT conllevaba el riesgo de rozar la frivolidad, sobre todo por la consideración que merece la memoria histórica de crisis tan dolorosas como la del VIH.

Los guionistas pasaron meses calibrando cada broma para asegurarse de que la película fuera respetuosa sin perder frescura. “Es muy difícil”, admite Simon Balteaux a elDiario.es sobre el proceso de escritura. “Hemos dedicado mucho tiempo a probar los chistes porque la idea principal era que no queríamos ser crueles, queríamos ser considerados y divertidos a la vez. De quien primero me burlé fue de mí mismo, así que intentamos buscar ese tipo de humor que compartes con tus amigos íntimos en una cena. Queríamos pasarlo bien juntos y bromear todos a la vez, sin herir a nadie”, subraya el creador, enfatizando que por ello trataron de tener “mucho cuidado”.

No obstante, la película apunta directamente a la hipocresía política y el avance de los discursos reaccionarios. Aunque el proyecto nació hace ocho años como una comedia desenfadada en un clima de optimismo social, la realidad terminó contagiando el tono de la historia. “Cuando empezamos a escribir estábamos viviendo una época dorada en Francia y parecía que las cosas avanzaban con el matrimonio igualitario”, cuenta Balteaux. “Ahora notamos que el viento está cambiando y que estamos retrocediendo. Vemos leyes terribles en países como Senegal, donde meten a los gays en la cárcel, o cómo se mueven las cosas en Hungría, Rusia o Estados Unidos. La película se volvió política porque el mundo real está cambiando y da miedo”, comenta.

Balteaux denuncia, además, cómo ciertos gobernantes utilizan a las minorías como chivo expiatorio para desviar la atención de sus propias deficiencias de gestión. “No tengo ni idea de por qué este discurso de odio sigue teniendo eco, pero creo que es una técnica política”, critica el guionista frente al avance de la polarización, agregando que “a veces resulta más fácil luchar por normas absurdas, como debatir sobre no compartir el mismo baño, en lugar de centrarse en la economía o en los problemas reales de la gente”. “Se financia algo absurdo para no tener que trabajar en los proyectos verdaderamente importantes; sigo sin entender por qué la sexualidad, el género y los cuerpos tienen que seguir siendo un problema para tantos políticos”, resalta.

La búsqueda de una catarsis colectiva a través de la risa hunde sus raíces en la juventud de los propios cineastas. Balteaux y el director Marco Nguyen concibieron la idea a partir de sus vivencias compartidas durante la infancia. “La pregunta principal era: ¿qué pasaría si ya no pudiéramos ser gays?”, explica el guionista. “Marco y yo nacimos en los 80 y quedamos completamente traumatizados por dos cosas. La primera fue, por supuesto, la pandemia del VIH. Y la segunda es que nacimos y crecimos en pequeños pueblos, por lo que, durante toda nuestra vida, nos han hecho sentir como si fuéramos una especie de monstruos por ser gays”, relata.

Ese sentimiento de aislamiento queda plasmado en el personaje de Lucien, quien todavía no es capaz de contar a nadie su orientación sexual. Aunque las leyes hayan avanzado en Europa a lo largo de las últimas décadas, Balteaux tiene claro que salir del armario continúa tratándose de un proceso lleno de barreras emocionales para muchas personas. “Sigue siendo difícil hoy en día, por desgracia”, lamenta. “Me llevó unos 20 años aceptar cómo era y tuve que mudarme a París para lograrlo. Durante la crisis de la COVID-19 me fui a vivir a un pueblecito durante un tiempo y me di cuenta de que, si no vives en una gran ciudad, sigue siendo igual de difícil”, detalla a este periódico.

En el extremo contrario se encuentra Jim, quien en el largometraje tiene una fijación con levantar pesas, lucir bíceps y mantener una imagen impecable frente al espejo. Balteaux vuelca en el personaje sus propias contradicciones cotidianas en torno al culto al físico. “La crítica que puedo hacerme a mí mismo es que estoy completamente obsesionado con mi cuerpo; voy al gimnasio todos los días y sé que no es saludable”, confiesa. “Hoy en día, especialmente en la cultura gay, existe una obsesión por la perfección, los músculos y el masculinismo. Esta película era una forma de decirle a la comunidad: 'Vale, ¿podemos relajarnos un poco, ser más amables y dejar de ser tan duros con nosotros mismos y con los demás?'”, reflexiona.

“Nos hemos convertido en un producto”, apunta Simon Balteaux cuando piensa en cómo plataformas como Instagram condicionan la autoestima. En la película, en cuanto Jim pierde sus abdominales a causa de la heterosis, sus seguidores se esfuman. No obstante, el guionista destaca que la tiranía de la imagen en internet no se diferencia mucho de las dinámicas que se sufren a diario en las aplicaciones de citas. “Ya no estoy en Grindr porque es demasiado duro; tengo la sensación de ser un yogur y de tener que darme consejos y decir: 'Vale, soy supersaludable, de sabor a fresa y lleno de proteínas”, dice. “Es un gran problema porque, en el fondo, te estás vendiendo a ti mismo como una mercancía”, añade.

Al contraer la heterosis, Jim comienza a interesarse de forma compulsiva por el fútbol y adopta los modales más toscos de la masculinidad tradicional, un recurso que el filme aprovecha para ridiculizar los estereotipos y las presiones por encajar en un molde viril. “Fue muy interesante reírse de ello porque a mí mismo me costó mucho construir mi masculinidad”, indica el guionista. Este reconoce que hace un par de años estaba obsesionado con parecer masculino: “Esta película me ayudó mucho a que por fin me diera igual todo: a veces puedo ser muy masculino y otras veces descarado y eso está bien. Hay muchos tipos diferentes de masculinidad y todos molan, solo sé tú mismo”.

Esa necesidad de catalogar a las personas también se traslada a las discotecas del filme, donde desfilan desde bears —hombres corpuletos con abundante vello corporal y facial— y twinks —hombres delgados con aspecto juvenil y sin demasiado vello corporal— hasta devotos del cuero. Aunque las etiquetas han servido tradicionalmente para crear espacios seguros, los creadores señalan las barreras que a veces provocan. “Hay una escena de fiesta donde aparece una drag queen para recordar con ironía: 'No, no, aunque esto es la comunidad LGBT, aquí solo importa la G de gays'”, explica Balteaux, que argumenta que uno de los objetivos de Jim Queen era inquirir “si podíamos ser un poco más comprensivos los unos con los otros”.

Ante el actual clima de regresión, Simon Balteaux advierte de que ninguna conquista social está garantizada y reivindica la urgencia de arropar a las identidades menos visibles del colectivo queer. “Todavía tenemos que tener mucho cuidado con el hecho de mantener nuestros derechos y la libertad de ser quienes somos”, subraya el guionista. “El mercado y el cine han convertido a los hombres gays en un producto más visible, pero mi idea es usar ese foco para dar luz a las otras letras. En Jim Queen nos centramos en un grupo específico por razones de presupuesto, pero me encantaría hacer una segunda parte o una serie para hablar más de las mujeres lesbianas y de las personas trans”, concluye.

El 28 de agosto de 2009, los asistentes al concierto de Oasis en París fueron avisados por megafonía de que, tras una discusión entre Noel y Liam Gallagher, el evento se cancelaba. Era la enésima bronca entre los hermanos, la gente estaba acostumbrada a sus idas y venidas, pero aquella vez, parecía la definitiva. Desde entonces, nunca se habían juntado de nuevo. No había ningún síntoma de acercamiento entre ellos, pero en 2023 los rumores empezaron a sonar.

Días antes de la final de la Champions League que enfrentaba al Manchester City —el equipo de los Gallagher— contra el Inter de Milán, Liam dejó un tuit en el que decía lo siguiente: “Si el Manchester City gana la Champions League, voy a llamar a mi hermano y reunir a la maldita banda”. El City ganó la Champions, y nadie sabe si fue ese triple lanzado al aire el que hizo que levantara el teléfono o no, pero un año después, y 15 años tras aquella cancelación, Oasis anunció que se juntaba de nuevo para una gira histórica.

Las bambalinas de aquel tour, que ahora se rumorea con que seguirá el año que viene con más citas en Reino Unido y, supuestamente, en Madrid y Barcelona, también se rodaron para un documental que se ha presentado en el festival de Venecia, donde además los Gallagher, aunque no han atendido a la prensa, sí han posado en el photocall y la alfombra roja. Oasis: Don’t look back in anger es el título del filme, que además llega a las salas el próximo 11 de septiembre para contentar a los fans.

La propuesta del creador y productor Steven Knight —responsable de series como Peaky Blinders y guionista del próximo James Bond— responde al título del filme, que no es más que el de una de las canciones más míticas del grupo. Don’t look back in anger, o 'No mires atrás con ira', es el mensaje que traslada el filme. Los hermanos han superado sus diferencias, y al final ese mensaje se eleva como metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado.

Si Liam y Noel han podido reconciliarse todos podemos, parece decir un filme que sigue a los hermanos desde los ensayos del tour, cuando Noel todavía duda de que eso vaya a llegar a buen puerto. 15 años sin hablarse son muchos, y Noel sigue siendo Noel, un terremoto volcánico tan carismático como impredecible. Para esos ensayos se usaron 12 cámaras que se escondieron para ver cómo se desarrollaban esos momentos. Los primeros compases son tensos. No se tocan. No se miran.

Todo cambia cuando llega la gira, cuando ven a la gente rendida a sus canciones y a sus himnos. Ahí empieza esa reconciliación. Es Noel quien lleva la voz cantante del documental, quien muestra su sorpresa cuando en el primer concierto, tras no haberse casi dirigido la palabra, su hermano le agarró de la mano y la levantó delante de todos como si fuera el ganador de un combate de boxeo. Confiesa que durante cuarenta minutos no dio pie con bola, pero que, sin embargo, Liam se comió el escenario. Le vio salir con sus maracas, colocarse su mítica pandereta como si fuera el halo de un santo y cantar como si el tiempo no hubiera pasado. Es cierto. Escuchar la voz de Liam es una máquina del tiempo a los mejores momentos de Oasis.

Ahí radica uno de los elementos más bellos del filme, el reconocimiento de ambos al talento del otro. Sí, las canciones las escribía Noel Gallaguer. Sin él no habría Wonderwall ni Don’t look back in anger, y hasta Liam lo reconoce en el documental. Pero sin la personalidad a contracorriente, revolucionaria y provocadora de Liam no se hubieran convertido en aquella banda que golpeó el panorama musical en los 90, a la que compararon por éxito con los Beatles, y que además pusieron el foco en la clase obrera de la que habían salido.

No se olvidan de esa clase obrera, la mencionan varias veces en el filme. A los que no se pueden permitir pagar una entrada en Mánchester y les escuchan desde una colina les dedican una canción, y dejan claro que no saben lo que son, pero sí lo que no son. “No somos de derechas”, dice Noel Gallagher en la entrevista conjunta con la que el documental entra en su último y conmovedor tercio, en el que cuentan que sus hijos apenas se conocían y que ahora salen de fiesta juntos y son amigos porque ellos también se han reencontrado. “Esta gira ha cambiado la narrativa sobre nosotros”. Una narrativa que se centraba en el caos, y que ahora vuelve a la gloria.

Esa reconciliación se va forjando concierto a concierto, donde los directores Dylan Southern y Will Lovelace colocaron 18 cámaras entre bambalinas y público para captar cada gesto, cada detalle. Para dominarlas, cuatro directores de fotografía diferentes que captaran la luz de lugares como Cardiff, Mánchester, Londres, Buenos Aires o São Paulo.

Una polémica superada

Aunque los Gallagher no estuvieron en la rueda de prensa, Steven Knight y los directores explicaron las decisiones creativas y narrativas en torno al filme, como por ejemplo el porqué no se centra en lo que ocurrió en aquella noche del 28 de agosto de 2009. “No miramos a lo que pasó. Algunos lo saben, otros no… pero esta película es sobre lo que pasa ahora. Y la intención es, en esta época de redes sociales y anonimato, hablar de personas que se reconcilian y se perdonan. Es una película sobre el ahora y el futuro”, dijo Knight que además dejó claro que lo que salió al grabarles “es mejor que cualquier ficción posible”. “Además, nadie puede interpretar a Liam Gallagher… excepto Liam Gallagher”, añadió jocoso Dylan Southern.

Para Dylan Southern y Will Lovelace era fundamental desaparecer durante los ensayos. Por eso escondieron esas 12 cámaras. Ahí vieron los primeros compases y dinámicas de ambos hermanos tras tantos años separados. Y apenas hubo relación. Sin embargo, “al ver cómo reaccionaba la gente a sus canciones en el tour, eso les afectó a ellos”. Al final, captaron “cómo se reconcilian en el escenario delante de todo el mundo”.

Una reconciliación que se materializa en esa entrevista conjunta donde hablan de nostalgia, de cómo han cambiado el relato sobre Oasis, sobre los años 90, las fiestas de entonces y las de ahora, sus ansiedades y miedos, y de que ahora se mandan vídeos por WhatsApp y hablan más de la vida y del mundo que cuando estaban en la cresta de la fama. Todo eso entre las 179 veces que entre ambos dicen la palabra ‘cunt’ [coño, en inglés, aunque vulgarmente se utiliza como “imbécil” o “cabrón”], una cifra dada por los directores entre risas y tras la que dan su opinión sobre si hay reunión de los Gallagher para rato o se enfadarán de nuevo: “No parece que vaya a ocurrir, se llevan muy bien”.