‘Néboa’, la nueva producción de RTVE en colaboración con Voz Audiovisual, es la apuesta seriéfila con sabor gallego en el prime time de La 1. Un thriller de raza, intriga y con ciertas dosis de misticismo protagonizado por las actrices Emma Suárez e Isabel Naveira.

La serie está creada por Xosé Morais, Víctor Sierra y Alberto Guntín y dirigida por Gonzalo López-Gallego, Jorge Saavedra y Manu Gómez. La cadena pública vuelve apostar por el thriller como punta de lanza como ya lo haría con la gran ‘La Caza. Monteperdido’ y con la excelsa ‘Malaka’. Además, apuesta de nuevo por el localismo -esta vez gallego- a la hora de emplazar la historia. Una opción cuanto menos positiva a la hora de buscar sabores únicos y característicos.

El punto de partida de ‘Néboa’ es la primera noche de carnaval o entroido en la isla de Néboa cuando aparece el cadáver de una adolescente en O Burato do Inferno, un lugar rodeado de leyendas: en esa misma cueva ya habían aparecido cuerpos asesinados de la misma forma, en 1919 y en 1989. En ambas ocasiones, estos crímenes iniciaron una serie de cinco asesinatos durante los ocho días de carnaval. Asesinatos que nunca se llegaron a resolver.

La creencia popular es que el asesino es el 'Urco', un hombre con cabeza de lobo que sale del mar rodeado de cadenas para llevarse a los vivos y que, al mismo tiempo, es una de las figuras representativas del entroido de Néboa.

El localismo y la habilidad de explotar todo el jugo a la cultura, historia, mitología e imaginería local es una opción que se está volviendo cada vez más común en la producción seriéfila española. Además, en un género tan trillado como el thriller se agradece ese sabor propio y característico que añaden ciertas zonas de España. En este aspecto, hay ejemplos actuales como ‘Fariña’, ‘Hierro’, ‘Malaka’ o ‘Presunto Culpable’, entre otras.

La apuesta de ‘Néboa’ es muy clara: una región o comarca pequeña ciertamente aislada; una imaginería y cultura local potente, mágica y tenebrosa; una mujer protagonista con ciertos problemas en la mochila; lugareños bajo sospechas; y, por último, un supuesto asesino en serie que sembrará el caos. Sí, un thriller de manual, pero con las posibilidades de imbuirse en la oscuridad de las leyendas e historias gallegas. Algo que, para mí, ya es suficiente para engancharme en este serial policíaco.

El comienzo de ‘Néboa’ es cuanto menos atractivo. Una puesta seductora gracias a una buena atmósfera y ambientación. Una historia que, a priori, apostará por mezclar todos los elementos del thriller con la magia, mitología y superchería gallega. Además, cuenta con una propuesta muy interesante en cuanto a dirección. Sospechosos y falsos culpables abundaran en un relato donde la protagonista, Mónica (Emma Suárez), una investigadora díscola de la Guardia Civil, tendrá que apresar a un supuesto serial killer centenario.

La protagonista, que llega junto a su hija (Alba Galocha) a la zona, verá muy pronto que las leyendas se pueden tornar en realidad. A la trama principal hay que sumar la historia que traen la investigadora y su hija y el miedo y superchería local al denominado 'Urco'. Un cóctel que, de entrada, me resulta muy apetecible.

‘Néboa’ se emite la noche de los miércoles en La 1 de RTVE. Una serie con aroma gallego y con una idiosincrasia muy especial y particular.

Hablando se entiende la gente debió pensar Álvaro Carmona cuando decidió crear la serie protagonista de esta semana para Flooxer, la marca joven de Atresmedia. La primera temporada se estrenó a finales de 2018 y, tras el éxito cosechado, llega una segunda que vuelve a incidir en el diálogo, espacios reducidos y capítulos breves para demostrar que el tamaño no importa.

El sevillano Álvaro Carmona es el creador, director y escritor de ‘Gente Hablando’. Un pequeño diamante con el que consiguió ganar a nivel internacional: Mejor Serie de Formato Corto en el Festival Internacional Séries Mania de Lille, Mejor Serie de Formato Corto en los Produ Awards 2019 en Cancún y con el Premio a Mejor Director y Mejor Actor en el Marseille Web Fest. Incluso, se llegó a colar como nominada a Mejor Guion en los Premios Iris 2019.

Las mismas señas de identidad son las que hacen de nuevo destacar a ‘Gente Hablando’ y, esta vez, se vuelve a rodear de un reparto de altura: Berto Romero, Gorka Otxoa, Antonio Durán 'Morris', Miki Esparbé, María de Nati, Mariola Fuentes, Manolo Solo, Raúl Fernández de Pablo, Itsaso Arana, Pilar Bergés, Lluis Villanueva, Dolores Martín, Llimoo y el propio Álvaro Carmona.

‘Gente Hablando’, para quien no conozca todavía esta serie de Flooxer, son pequeñas historias cotidianas y auto conclusivas que en pocas pinceladas se descubren como reflexiones abiertas y alejadas de maniqueísmos sobre temas universales y actuales. El espectador es parte esencial de la narrativa al tener que involucrarse, tomar postura y sacar sus propias conclusiones de lo que está viendo.

Si hay algo que me motiva en una serie como ‘Gente Hablando’ es como su creador es capaz de sintetizar y significar temas tan relevantes y complejos en apenas 12 o 13 minutos. Quizá a muchos les parecerá algo relativamente sencillo, pero no lo es. Además, que cada historia termine entroncando una reflexión cuanto menos interesante y con cierto grado de interés y complejidad es muy difícil.

Carmona lo consigue a través de la más rigurosa cotidianidad y la empatía con unos personajes que transmiten humanidad. No todas las historias te calan de la misma manera, pero todas dejan cierto poso. Las temáticas son muy variadas en esta segunda temporada: los límites de la infidelidad, el dinero como status social o no, cumplir o no la última voluntad de la madre, la apariencia física como forma de definir a las personas, el síndrome de Peter Pan y el contraste del inicio y final de una relación.

La serie que basa su fuerza en el parlamento y en la capacidad de transmitir de sus actores da un pasito más en cuanto a dirección. No solo se nota más madurez a nivel textual, sino también en cómo Álvaro Carmona arriesga o experimenta más en lo formal; de ahí, que ‘Gente Hablando’ sea una de las series más exitosas de la plataforma. Siempre surge la necesidad de que se creen este tipo de ficciones diferentes con alma vocacional y autoral.

La primera y segunda temporada de ‘Gente Hablando’ ya se puede disfrutar en ATRESPlayer Premium. Mientras, los nuevos capítulos de la segunda se estrenan en abierto a partir del 9 de febrero. No dudes en echar un vistazo a estas historias pequeñas y certeras donde el diálogo y la mayor intimidad cotidiana te llevarán a reflexionar sobre temas actuales.

‘Perdida’, la nueva serie de Atresmedia Televisión en colaboración con Big Bang Media (The Mediapro Studios), se estrenó en el prime time de Antena 3 el 14 de enero. Un thriller de venganza, creado por Natxo López, protagonizado por Daniel Grao, Adriana Paz, Ana María Orozco, Carolina Lapausa, Fernando Solorzano, Melani Olivares y Verónica Velásques.

La serie está dirigida por Iñaki Peñafiel, David Ulloa y Rafa Montesinos, y ha contado en el desarrollo de guiones con el propio Natxo López, Almudena Ocaña, Aurora Graciá, Carlos de Pando y Mikel Barón. La primera temporada de ‘Perdida’ tiene 11 capítulos de 50 minutos de duración cada uno.

Actualidad. Bogotá, Colombia. Una habitación de un hotel. Un hombre, Antonio (Daniel Grao), traga bolas de cocaína. Parece estar nervioso, pero él sigue tragando. Al terminar, se dirige al aeropuerto, callado, reservado. Allí es detenido.

10 años antes. Valencia. Antonio se dispone a comer en un chiringuito de playa junto a su mujer Inma y su familia. Su pequeña hija, Soledad, de cinco años, juega en la arena, cerca de la orilla del mar. La madre avisa a la niña, pero la pequeña no responde… Todos acuden a buscarla, no hay ni rastro.

¡Qué gran apuesta es ‘Perdida’! De verdad, tiene unos primeros episodios muy, muy prometedores y que tienen lo imprescindible y necesario para enganchar al espectador. Una historia marcada en dos tiempos y dos países: pasado y presente, España y Colombia. Un relato dramático, de esperanza y venganza de un padre que no da por perdida a su hija diez años después de su desaparición.

Sin duda, la serie demuestra su ambición y lo hace no solo con un comienzo muy bien escrito o desarrollado, sino también con una fotografía con cierto empaque cinematográfico. Sin embargo, en ‘Perdida’, la ambientación y la atmósfera claramente trabajadas son otro de los puntos a favor de este primer vistazo. La pretensión llega también a la hora de utilizar esas localizaciones exteriores e interiores naturales que imbuyen al espectador aún más en lo que se está contando.

Sí, ‘Perdida’ usa elementos muy reconocibles de este tipo de relatos, pero sí que tiene unos giros o caminos que resultan interesantes y que invitan a seguir con ella. La serie, en estos primeros pasos, maneja muy bien el ritmo y tensión -espoleada por esos capítulos de 50 minutos-; además, combina a la perfección la intriga y el misterio de una trama que se irá desmadejando poco a poco. Además, a través de diversos flashbacks se conocerá todos los entresijos y posteriores consecuencias de la desaparición de la niña.

Hay ciertos aspectos que me gustan de este comienzo de ‘Perdida’ y es, sobre todo, como apoyan la fuerza de muchas de esas escenas en la potencia actoral. Donde el diálogo no prima y sí la capacidad de los actores de rellenar y significar esos huecos del silencio. De ahí, ese trabajazo de Daniel Grao, Ana María Orozco o Adriana Paz. Otro y creo que más importante, es que la serie sabe dar el golpe en la mesa en el momento justo para atrapar definitivamente al espectador.

Los personajes tiene cierta bagaje y potencia jugando con esa ambigüedad desde el principio. Nadie es lo que parece y eso es un punto importante para dotar de interés a 'Perdida' desde el inicio.

En ese momento clave, ‘Perdida’ cambia y en ello las posibilidades que se abren: venganza, mafia, dureza, crudeza, pasión, esperanza, amor o corrupción, entre otras. Un cóctel explosivo y emocional que funciona muy bien en estos primeros episodios.

‘Perdida’ tiene un inicio muy prometedor con una historia que engancha y un reparto en estado de gracia. Solo habrá que comprobar cómo se va desarrollando todo en los siguientes episodios, pero tiene todos los ingredientes para disfrutar.

Quizá a muchos no les suene de nada ‘El Gran Héroe Americano’, una de las series míticas de los ochenta estadounidenses, pero tiene algunas similitudes con el superhéroe español que protagoniza la primera crítica del 2020 del blog. Se trata de Titán, un superhombre cósmico, que aterrizó el último día de 2019 en la televisión gracias a ‘El Vecino’ de Netflix.

Miguel Esteban y Raúl Navarro, ambos creadores de ‘El Fin de la Comedia’, se basan en el cómic homónimo de Santiago García y Pepo Pérez para crear ‘El Vecino’. Una comedia costumbrista española con una primera temporada con 10 episodios de 30 minutos cada uno. Nacho Vigalondo (‘Colossal’, 'Los Cronocrímenes') se inmiscuye en la dirección de los dos primeros episodios. Mientras, Quim Gutiérrez ('Ventajas de viajar en tren') y Clara Lago ('Ocho apellidos vascos'). Catalina Sopelana ('Quién te cantará') y Adrián Pino ('Allí abajo') protagonizan la serie.

Carlos de Pando, Sara Antuña, Nahikari Ipiña y Eneko Gutiérrez son los responsables de la producción ejecutiva de esta serie original producida por Zeta Audiovisual ('ÉLITE', 'El hombre de las mil caras’, 'Tres metros sobre el cielo', 'Superlópez') para Netflix.

La historia de ‘El Vecino’ se contextualiza en un barrio obrero de la capital de España, aunque bien podría ser de cualquier ciudad. En él, se encuentra Javier (Quim Gutiérrez), a quien las cosas no le van muy bien en el trabajo ni en su relación con Lola (Clara Lago). Sin embargo, un fin de semana en Cuenca le cambiará la vida para siempre. Un superhéroe intergaláctico (Jorge Sanz) le caerá literalmente encima y le pasará sus superpoderes antes de morir. Lejos de facilitarle la vida, se la hará un poquito más complicada que antes. Menos mal que ahí tiene a José Ramón (Adrián Pino), su vecino, que va a enseñarle a usar sus poderes para el bien y a ocultar su identidad secreta.

Si hay algo por lo que aboga ‘El Vecino’ es por una mezcla acertada entre el costumbrismo más español y el género de los superhéroes -algo tan absolutamente de moda-. Quizá no sea el Capitán América, Hulk o Iron man, pero Titán cuánto menos defenderá los quehaceres diarios más convencionales y castizos de su barrio y alrededores. Hay que salvar un perrito -ahí está- o hay que salvar a la gente de un aplastamiento de una letra del mítico cartel de Tío Pepe -ahí está-. Aunque, el reto más difícil para Javier será el de aprender a ser superhéroe.

La clave de ‘El Vecino’, como apuntaba mi compañera en el primer vistazo de la serie, es que sus creadores saben perfectamente a lo que juegan: se alejan de la pretensión para crear algo sencillo, ameno y agradable. Una ficción muy entretenida, aunque no perfecta, que no es una serie de superhéroes al uso -si alguien va buscando eso, se equivoca-. Con una primera temporada que se podría considerar como una especie de preludio de lo que estar por venir.

Detrás del origen de Titán y todo el humor que lleva asociado a su alrededor. El discurso de la serie ahonda en temas y situaciones tan absolutamente modernas como la precariedad laboral, la proliferación de las casas de apuestas, fracaso empresarial, la tiranía de las redes sociales o la escasez de futuro en el horizonte de los jóvenes, entre otras. Todos los protagonistas de ‘El Vecino’ de alguna manera o de otra están marcados por alguna de estas cosas. De ello, sus creadores saben sacar situaciones cómicas muy divertidas e hilarantes.

Hay que destacar a Quim Gutiérrez en un papel que le viene como anillo al dedo. Está divertidísimo y se le nota muy a gusto en el papel de Javier/Titán. Además, Adrián Pino, como José Ramón y compinche del superhéroe, es una de las gratas y grandes sorpresas de ‘El Vecino’. Clara Lago, como Lola, consigue destacar más en solitario. Mientras, Catalina Sopelana, como Julia amiga de Lola, destaca al mismo nivel que Adrián. Se podría decir que los secundarios son la auténtica revelación de la serie.

‘El Vecino’ es una comedia muy agradable y divertida que encierra una gran crítica. Sus diez episodios ya se encuentran en Netflix así que ya no tenéis excusa. Eso sí, si tenéis algún problema no llaméis todavía a Titán que está en periodo de prácticas.

Qué mejor para despedir el 2019 que con el ranking más esperado: el de las mejores series de televisión. Este año de nuevo críticos y entendidos en la materia me han ayudado a la difícil labor de elegir entre la gran cantidad y variedad de ficciones televisivas a las más relevantes.

Entre esos críticos y entendidos del universo seriéfilo se encuentra: La periodista Natalia Marcos (‘Quinta Temporada’, El País), el analista especializado en series de todos los rincones del mundo Lorenzo Mejino (‘Series para Gourmet’, El Diario Vasco), el periodista Mikel Labastida (‘El Síndrome de Darrin’, Las Provincias), la periodista y adicta a las series Laia Portaceli (‘La Script’, Movistar), la periodista experta en series y cine Marina Such (Fuera de Series), la periodista y presentadora todoterreno Isabel Vázquez, el periodista Pere Solà (‘La Vanguardia’), el periodista y experto en televisión Alberto Rey (‘Asesino en serie’, El Mundo), la periodista Lucía Cabanelas (ABC), el periodista Álvaro Onieva (Fuera de Series), al periodista Álvaro P. Ruiz de Elvira (‘Quinta Temporada’, El País), la docente y gran entendida televisiva Conchi Cascajosa, a la periodista Mariola Cubells (‘La Ventana’, La Ser), el periodista Eneko Ruiz (El País), la periodista Patricia Puentes (CNET en español), y, por último, un servidor Mario Cerdeño (‘Los Lunes Seriéfilos’, eldiario.es).

Todos ellos han compartido conmigo sus respectivos rankings de las diez mejores series de 2019 con un determinado sistema de puntuación para elaborar la lista definitiva:

10ª. ‘Paquita Salas’ (3T) (29 puntos. Netflix)

La tercera temporada de la serie creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi se cuela en el último puesto del ránking. La historia de la representante de actores Paquita sigue encandilando a los críticos y este año se convierte en la única ficción española que se cuela entre las internacionales. ‘Paquita Sala’ gana en madurez en muchos ámbitos y, de ahí, su merecido décimo puesto.

Aquí la crítica: Paquita ni quiere abandonar ni abandona en la 3ª temporada de 'Paquita Salas'

9ª. ‘Mindhunter’ (2T) (34 puntos. Netflix)

Una de las producciones originales de Netflix más destacadas se abre paso entre las mejores series del año. Holden, Bill, Wendy y los asesinos seriales se ganan el cariño de los críticos en su segunda temporada. Un nuevo salto de calidad la aúpa al noveno puesto.

Aquí la crítica: 'MINDHUNTER' (2ª Temporada): Es mejor, mucho mejor

8ª. ‘Unbelievable’ (36 puntos. Netflix)

La miniserie protagonizada por Toni Collette, Merritt Wever y Kaitlyn Dever ha sido una de las revelaciones de la temporada. Basada en hechos reales que ocurrieron en la vida de Marie Adler, una joven adolescente del estado de Colorado (EEUU) que fue acusada de realizar una denuncia falsa por un cargo de violación. Una serie interesantísima que, sin duda, no dejará indiferente a nadie.

Aquí la crítica: 'Creedme'. El relato de un calvario que busca la reflexión

7ª. ‘Years & Years’ (40 puntos. HBO España)

Esta miniserie creada y escrita por el gran Russell T. Davies (‘A Very English Scandal’) es una de las distopías más aterradoras de los últimos años. A pesar de su final, más o menos discutible, presenta una historia rupturista, salvaje y de gran calado que se atreve a poner y retorcer una y otra vez el dedo en una herida supurante.

Aquí la crítica: ‘Years and Years’: una distopía tan cercana como aterradora

6ª. ‘Euphoria’ (45 puntos. HBO España)

Todo en ‘Euphoria’ ha sido una grata sorpresa: desde su nivel técnico y textual hasta pasando por personajes como Jules, Rue o Kat. La historia tiene unos protagonistas muy bien cimentados y que crecen en cada capítulo y que, de alguna manera, son absorbidos por las circunstancias de sus problemas. A nivel formal, la ficción construye una atmósfera distintiva, propia, onírica, real y a la vez surrealista.

Recomendación junto a otras series juveniles: Siete series de adolescentes para enamorarte de la moda juvenil

5ª. ‘The Crown’ (3T) (63 puntos. Netflix)

La tercera temporada de ‘The Crown’, protagonizada esta vez por Olivia Colman, Helena Bonham Carter y Josh O'Connor, no deja de pisar el acelerador para seguir siendo una de las mejores series de producción original de Netflix. La historia de la monarquía británica encandila otro año más a los críticos.

Aquí la crítica: 'The Crown' (3ª Temporada): Se avecina la #TheCrowmania

4ª. ‘Watchmen’ (79 puntos. HBO España)

La nueva adaptación de la novela gráfica de Alan Moore era una de las series más esperadas de 2019 y, desde luego, no ha decepcionado en absoluto. Damon Lindelof (‘The Leftovers’) consigue dar un toque distinto y especial a la historia de ‘Watchmen’. El resultado ha superado las expectativas y, además, dentro de la temporada se encuentran alguno de los mejores capítulos del año.

Aquí la crítica: 'Watchmen': “¡Extra, extra! Damon Lindelof lo ha vuelto a hacer”

3ª. ‘Succession’ (2T) (98 puntos. HBO España)

‘Succession’ se abre como uno de los mejores dramas de HBO. Incluso, se podría decir que es la mejor heredera de ‘Juego de Tronos’ que tiene en su catálogo actual. En esta segunda temporada la serie eleva más su nivel y, por eso, se encuentra entre las tres mejores de 2019. Esta familia disfuncional de ricos sigue siendo magnífica, adictiva y compleja. Una maravilla que deberías estar viendo.

Aquí la crítica: ‘Succession’: entra y disfruta de la “típica” familia rica y disfuncional

2ª. ‘Chernobyl’ (101 puntos. HBO España/ Sky España)

La catástrofe nuclear de la central de Chernóbil ha sido una de las grandes protagonistas de 2019. ‘Chernobyl’, la co-producción entre HBO y Sky, es una historia cruda y desasosegante protagonizada por los llamados héroes anónimos ante un gobierno que prefería tapar el desastre. 

Aquí la crítica: 'Chernobyl': la inoperancia política ante el mayor desastre nuclear de la historia

1ª. ‘Fleabag’ (2T) (105 puntos. Prime Video Amazon)

Phoebe Waller- Bridge, la actriz, guionista y creadora, cierra por todo lo alto, con su segunda y última temporada, ‘Fleabag’. Si la británica ya demostró de lo que era capaz en la primera; en la segunda, da un paso más allá para ofrecer al espectador un final perfecto e inolvidable. Los críticos han decidido aupar a la serie creada por Phoebe como la mejor de 2019. Si no has visto ‘Fleabag’, deberías. 

*Bonus track (Ranking desde la posición 11ª a la 20ª): 11ª- 'Juego de Tronos’ (8T), 12ª- 'Así nos ven', 13ª- 'Killing Eve' (2T), 14ª- 'Malaka’, 15ª- ‘The Politician’, 16ª- 'Russian Doll', 17ª- 'The Morning Show', 18ª- 'Sex Education', 19ª- 'The Virtues' y 20ª- 'The Deuce' (3T)

Esta semana toca hablar de comida, amor y viceversa. No, no es 14 de febrero, el día destinado a las muestras de amor menos sutiles. Aquí ha llegado en pleno diciembre con el frío y las navidades a la vuelta de la esquina. Sin embargo, esta vez el flechazo -o el intento de él-, llega a través de Tinder, Lovoo o Meetic. Vamos, ya me entendéis. Así comienza ‘Foodie Love’, una serie creada por Isabel Coixet, para amantes de la gastronomía y las citas a ciegas.

En este 'lío' de comida, sexo y amor se mete Coixet, en su primera serie de televisión, convirtiéndose en otra/o directora/o cinematográfica/o que se mete en el selecto mundo de las ficciones televisivas. Una serie es una serie y una película es una película. Aunque, de qué me voy a quejar yo, cuando la prestigiosa Cahier Du Cinema ha elegido ‘Twin Peaks: The Return’ como mejor película de la última década. Series 1 - Películas 0. ¡Chuparos esa! Sí, tenía que colarlo. Bueno, retomando ‘Foodie Love’, esta serie de ocho capítulos producida por HBO, está protagonizada por Laia Costa (‘Cites’) y Guillermo Pfening.

El amor en ‘Foodie Love’ se busca a través del algoritmo de una aplicación para amantes de la gastronomía. En ella se conecta a los protagonistas de la historia, una chica y un chico que comienzan a conocerse con las dudas propias de quien conserva cicatrices de relaciones anteriores. A lo largo de varias citas tendrán que descubrir si coincidencias como su devoción por el yuzu japonés o su alergia común al postureo foodie son suficientes para construir los cimientos de una historia de amor duradera.

En una opción tan plausible como trillada en televisión y cine, Isabel Coixet, intenta dar su visión particular sobre las nuevas maneras de conectar y, como, elección incluye el mundo foodie como nexo de unión para hablar de amor, desamor, sexo, miedo sentimental o compromiso, entre otros temas. Sin embargo, lejos de sentirse real, toma ese rumbo esnobista o elitista pijo-millennials que bien puede echar para atrás que se asoma a más de un capítulo. Sí, ‘Foodie Love’, es mi serie favorita de ciencia ficción sobre amor.

El trabajo de dirección de Isabel de Coixet es muy bueno y, sin duda, se nota ese toque cinematográfico. Además, hay que reconocer que Laia Costa y Guillermo Pfening están geniales y transmiten esa química que tienen juntos en escena. En esa mezcla, quizá, esté lo mejor de ‘Foodie Love’, en la ambición de Coixet de provocar una experiencia sensorial a todos los niveles -sentimientos + comida- y la magia entre Laia y Guillermo. Para ello, la historia se emplaza durante sus ocho capítulos en distintos tipos de restaurante y lugares. En una manera de guiar de manera simbólica la historia de amor entre los protagonistas.

Los dos protagonistas se van conociendo poco a poco y bocado a bocado; de ahí, como cualquier comedia romántica, se van descubriendo las inseguridades y heridas sin cicatrizar de relaciones sentimentales anteriores. Sin embargo, a ‘Foodie Love’, le sobra ostentosidad y elitismo. Sobre todo, de una historia -con rasgos autobiográficos-, en la que su primera parte es la más destacable, pero en la segunda, en muchos momentos, la cosa deja mucho que desear.

El principal problema que tiene ‘Foodie Love’ es que hay elementos suficientes -desde mi más estricto punto de vista-, que hacen que te alejes capítulo a capítulo de ella como serie y como historia. Porque el propio microcosmos donde todo se desarrolla es el mismo que te hace aborrecerla o rechazarla -hay poco lugar para el término medio, sinceramente-. Además, a partir de cierto momento, se convierte todo en una especie de marcianada más cercana a la ciencia ficción que a una comedia romántica interesante y creíble con la que puedes llegar a empatizar.

‘Foodie Love’ a ratos funciona, a ratos es un plomazo -muy intenso, eso sí- y a ratos tan esnobista y pretenciosa como poco creíble. Sí, ‘Foodie Love’, puede provocar indigestión que te haga abandonarla a las primeras de cambio. No, lo importante no es la comida -en la que tanto se recrea la directora-, la clave es desarrollar una historia transversal tan sumamente interesante que te permita paladear el relato -con gusto-, al ritmo que Coixet propone en la serie.

Desde luego, si Coixet ha intentado ser la voz de una generación, pues eso, se ha quedado en un intento infructuoso -y aburrido-. ‘Foodie Love’ no es la mejor serie española que te habían prometido, lo siento, por mucho que nos guste ver a Laia y Guillermo en pantalla porque sus personajes son tan hostiables como erráticamente construidos.

‘Foodie Love’ ha sido como una receta de alta cocina fantásticamente presentada, pero donde le falla todo lo demás. No, la serie de Isabel Coixet, no es la mejor serie española del año.

‘La Peste’ vuelve a “contagiar” este blog como ya lo hizo a principio de 2018, pero esta vez con sus nuevos capítulos. La primera serie original de Movistar+ llegó para marcar el camino a seguir de la producción propia de la casa. Desde entonces, ya son muchas las series creadas de diversa calidad: ‘Hierro’, ‘El día de mañana’, ‘La zona’, ‘En el corredor de la muerte’, ‘El Embarcadero’ o ‘Mira lo que has hecho’, entre otras.

En esta segunda temporada de ‘La Peste’, Rafael Cobos (‘El hombre de las mil caras’), se convierte en el showrunner principal de la serie. Mientras Alberto Rodríguez (‘La isla mínima’) dirige los dos primeros episodios es David Ulloa (‘Pulsaciones’) quien lo hace con los cuatro restantes. De esta manera, Cobos toma en solitario el mango creativo de los seis nuevos episodios. Los actores Pablo Molinero, Patricia López Arnáiz, Sergio Castellanos y Cecilia Gómez regresan acompañados por las incorporaciones de Jesús Carroza, Estefanía de los Santos, Claudia Salas o Luis Callejo.

La trama de estos nuevos episodios arranca cinco años después de la última gran epidemia de peste, de la que Sevilla ha conseguido reponerse. Sigue manteniendo el monopolio del comercio con las Indias y su prosperidad va en aumento. Sin embargo, el gobierno tiene ciertos problemas para alimentar a la gran mayoría de sus habitantes y para asegurarles unos servicios asistenciales mínimos. Eso hace que el descontento social crezca y que cristalice el nacimiento de La Garduña, el crimen organizado, que ha tomado el control de la ciudad.

Lejos de Sevilla, en Tierra del Fuego, Nuevo Mundo, Mateo (Pablo Molinero) recibe una carta de Teresa (Patricia López Arnaiz). Valerio (Sergio Castellanos) está amenazado de muerte por La Garduña y le pide que vuelva para ayudarle. Mientras, la ciudad recibe a un nuevo Asistente, Pontecorvo (Federico Aguado). Su misión es poner orden en la ciudad y doblegar al hampa.

La segunda temporada de ‘La Peste’ arranca muy ligada al estilo de la primera, a pesar de establecerse temporalmente cinco años más adelante del final de la misma. La historia empieza a desligarse en el último tramo del primer capítulo: ya no es un thriller policíaco al uso porque una nueva enfermedad ha contagiado a una ciudad donde sus gobernantes se están viendo superados por la situación. La mafia ha llegado a Sevilla para quedarse y tomar el control.

El relato de ‘La Peste’ no pierde esa proyección atemporal que expuso en su primera temporada. Sin embargo, ahora los líderes de la ciudad sobrepasados e incapaces de dar soluciones no son los protagonistas, y sí un pueblo muerto de hambre que ve con buenos ojos la aparición de una miasma llamada Garduña. La emergencia de este poder paralelo a la ley trae consigo otros problemas más graves, pero que para muchos son un peaje más para poder llevarse algo a la boca: contrabando, prostitución ilegal, violencia, muerte y corrupción. La red del hampa se extiende de manera inexorable hasta llegar a ciertos rangos de poder de la ciudad.

El gran enemigo de esta nueva temporada ya no son las élites espoleadas por un caso criminal. Ahora, los protagonistas tendrán que luchar mano a mano para acabar con algo tan difícil como imposible de erradicar: La Garduña y su terrible influencia. Eso sí, a ‘La Peste’ no le temblará la mano a la hora quemar tramas a velocidad vertiginosa, sin dejar de establecer una pequeña radiografía de la sociedad de la época. El relato se vuelve más adrenalínico según avanza hacia el final de la temporada; aunque, echo en falta un poco más reposo en el desarrollo sobre todo el tema del hampa, sus personajes e influencias.

La lucha de las mujeres en un mundo terriblemente hostil para ellas está comandada por los personajes interpretados por Patricia López Arnaiz, Sergio Castellanos y Cecilia Gómez. Su batalla contra el hampa, dueño de toda la prostitución que recorre Sevilla, será la de sacar a esas prostitutas de la calle. Esta parte de ‘La Peste’ me resulta interesante porque da cierto aroma reivindicativo y femenino a la serie.

La segunda temporada de ‘La Peste’ se puede ver completa a partir del 15 de noviembre en Movistar+. Si te gustó la primera, no dudes en continuar la historia.

Esta semana toca viajar a tierras malacitanas para escribir sobre un thriller policial de mucha raza y crudeza. Se estrenó en La 1 de RTVE y con solo ocho episodios se ha erigido en una de las mejores series españolas de este 2019: se trata de ‘Malaka’.

La serie está creada por Daniel Corpas y Samuel Pinazo y dirigida por Marc Vigil ('El Ministerio del Tiempo'). Un proyecto que RTVE seleccionó en el foro de coproducción Conecta FICTION en su edición de 2018. Javier Olivares (‘El Ministerio del Tiempo’) -coproductor ejecutivo de la serie- y Jordi Calafí -coordinador de guiones-, tutelaron el desarrollo de ‘Malaka’.

Maggie Civantos, Salva Reina y Vicente Romero protagonizan ‘Malaka’ junto a Laura Baena, Cuca Escribano, Susana Córdoba, Manuel Morón, Antonio Gil, Alejandro Casaseca, Víctor Castilla, Emilio Palacios, Ignacio Mateos, Héctor Medina, Pilar Gómez, Helena Kaittani, y Noemí Ruiz.

El punto de partida de ‘Malaka’ es la desaparición de la hija de un importante empresario de Málaga, que se convierte en el detonante de este 'thriller' policíaco. Dos agentes, perseguidos por su pasado, son los encargados de la investigación: Darío (Salva Reina), un policía corrupto que conoce la calle a fondo; y Blanca (Maggie Civantos), una agente de élite que vuelve a su ciudad después de pasar unos años en Madrid. Ambos se ven obligados a trabajar juntos cuando desaparece la joven Noelia.

En la investigación también se implica Quino (Vicente Romero), un detective privado, ex policía. Los tres intentarán resolver un caso que acaba mezclándose con sus conflictos familiares y personales.

Lejos de compararla con ‘The Wire’ y la influencia que haya podido causar en ‘Malaka’, como lo ha hecho en otras tantas series, es cierto que la ficción española plasma en su primera temporada esa alegoría de ciudad como base del conflicto, como crónica socioeconómica e indicativo de país. Un pequeño ejercicio de realismo crítico, a pesar de ser un thriller policial, sobre una España aún anclada en la crisis económica y un sistema tan corrupto como hijo de puta.

Suena a tópico, lo sé, pero la ciudad de Málaga y sus paisajes urbanos son un personaje más. Se convierten en el lienzo perfecto de un realismo sucio y sin cortapisas de una historia dura, cruda y truculenta. La metrópoli andaluza actúa como elemento modificador de todo lo que ocurre a los protagonistas en sus calles, plazas, rincones, bares o playas. Toda su idiosincrasia se plasma en cada una de sus secuencias, escenas y planos. Una Málaga inolvidable, sucia y bella a la vez.

La clave de ‘Malaka’, en mi más modesta opinión, es su evolución como historia y, con ella, la de sus protagonistas. El ir más allá del detonante inicial y de conseguir mutar el leitmotiv de un relato criminalístico puro y duro -el caso de la joven asesinada-, a una pequeña radiografía de la sociedad malacitana y, de ahí, una pequeña representación en clave urbana de la España más humilde en contraste con la más acomodada.

Un relato realista que, con el paso de los episodios, consigue transpirar una sucia dureza y crudeza. Donde cada uno de los personajes intenta adaptarse lo mejor posible a donde el destino les ha hecho caer sin remedio. Para ello, ‘Malaka’ busca huir del maniqueísmo todo lo posible. E intenta dibujar protagonistas que tengan vericuetos morales y éticos, para lograr que no haya buenos y malos, en el más sentido estricto de su definición. Así, todos tienen ese halo de supervivencia para enfrentarse en un entorno hostil y difícil.

Por ello, ‘Malaka’, con esos referentes tan claros, juega a lo inevitable, a la sensación de que su historia o lo que ocurre durante el desarrollo del caso se volverá a repetir una y otra vez, como si de una rueca se tratara: corrupción, precariedad, crimen, capitalismo voraz, drogas, pobreza y supervivencia. En ese microcosmos, tan bien desarrollado, los protagonistas luchan contra viento y marea, se redimen o condenan de manera inapelable y se caen y levantan. No hay vencedores y vencidos en su totalidad: solo supervivientes que se adaptan a lo que han perdido y obtenido durante ese camino.

En ese lienzo tan magnífico en el que se convierte Málaga y toda su idiosincrasia se ha movido a la perfección el trío protagonista compuesto por Maggie Civantos, Salva Reina y Vicente Romero. Todo ello gracias a unos personajes que crecen -y lo hacen muy, muy bien-, con el desarrollo de ‘Malaka’, y, por eso, la serie evoluciona hacia una propuesta de personajes, sin descuidar la parte procedimental. Sin embargo, es cierto, que ellos y su historia particular gana mucha más importancia y sustancia según avanza el relato, cosa que me parece capital para enmarcar a la serie en algo más que un simple thriller policial.

Sin menospreciar el gran trabajo que hace Maggie Civantos en ‘Malaka’, me gustaría reseñar a Salva Reina y Vicente Romero. Ellos, son para mí, la auténtica revelación seriéfila de este 2019. Han sido una gran y grata sorpresa. Salva, al que yo tenía encasillado en comedia, hace un papelazo dramático metiéndose en la piel de Darío. Bueno, de Vicente decir que se merece algún premio o nominación en los Premios Feroz este año.

‘Malaka’ es un gran ejercicio de estilismo técnico, musical y textual. Un gran producto de los que se merece una cadena pública como RTVE, como otros más recientes como ‘El Ministerio del Tiempo’ o ‘La Caza. Monteperdido’. Una recomendación total, para una serie que ya se puede ver entera en ‘A la Carta’.

La nostalgia ha tomado las series de televisión -y el cine-, en muchos formatos distintos. No solo para atraer a aquellos que soñaron con sus mundos o universos cuando eran adolescentes, sino también para traerlos de vuelta para el disfrute de las nuevas generaciones. Esta vez le ha tocado a ‘Cristal Oscuro’, una de las películas más míticas del cine de los ochenta, pero esta vez en forma de precuela y ficción televisiva.

La noticia sobre la vuelta del universo creado por Jim Henson (‘Dentro del Laberinto’), Frank Oz (‘The Muppets’) y Brian Froud saltó a mediados de 2017. Desde entonces, una cosa quedó clara, ‘Cristal Oscuro’ no iba a perder ni un ápice de esa esencia que la hizo tan especial en los ochenta. Se mantendría “el arte de los títeres de The Jim Henson Company” mezclado con “un conjunto de imágenes digitales y efectos visuales de última generación”, explicó Cindy Holland, vicepresidenta de contenidos originales de Netflix. Dicho y hecho.

‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ se desarrolla diez años antes de lo acaecido en la película original, por lo que no habrá problemas en acercarse a ella sin haber visto la cinta; aunque, no perdáis la oportunidad de visionarla porque no os arrepentiréis -se encuentra en Netflix-. Esta aventura épica se desarrolla en el mundo fantástico de Thar y se inicia con el descubrimiento de un terrible y oscuro secreto que se esconde detrás de los Skeksis, los señores del mundo, por parte de tres Gelfling.

El problema es que el mundo de Thar se encuentra en grave peligro porque los Skeksis han corrompido el corazón de Thar, representado en el mismísimo Cristal de la Verdad, y, por ello, se está extendiendo una enfermedad que está corrompiendo a los millones de criaturas y plantas que están ligadas en alma y vida al planeta.

Lo que podría haber sido un desastre se desveló como una auténtica obra de arte a la magia más pura y sincera del cine de los ochenta. ‘La era de la Resistencia’ es el mayor y mejor homenaje que se le puede hacer a ‘Cristal Oscuro’, no me cabe ni gota duda. Netflix aceptó todas las exigencias de la The Jim Henson Company y acertó de pleno. Se ha dado el tratamiento y el mimo necesario para volver a traer toda la esencia de Thar a la pequeña pantalla. No se podía hacer de otra forma, era la única manera.

La fascinación y la calidad se demuestra a través de la dirección de Louis Leterrier (‘Ahora me ves’). ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ es una oda al prodigio visual donde se mezcla a la perfección lo antiguo y lo moderno. Esto permite entrar de lleno al espectador en una historia mágica, épica y heroica de aventuras con el aroma más clásico. Un relato que consigue que tu imaginación eche a volar.

Una historia con esa esencia a ‘El Señor de los Anillos’, de J.R. Tolkien, en un mundo lleno de criaturas excepcionales, clanes, intrigas, luchas de poder, amor, villanos, amistad, terror, muerte, héroes, honor, épica, valentía y mucha mitología. Un relato con su puntito de complejidad elevada a una extraordinaria aventura mágica y poderosa que expande a las mil maravillas el universo de ‘Cristal Oscuro’. Una experiencia inolvidable para aquellos que se dejan embriagar por el mundo de Thar.

La serie logra destilar personalidad y entidad propia a través de una aventura épica plagada por unos protagonistas singulares (Skeksis, Místicos, Gelflings, Podlings…) fantásticamente enmarcados, construidos y perfilados dentro de la historia. El uso de marionetas no hace más que engrandecer unos personajes que levantan ternura y esa magia nostalgia de saber que ‘existen’ de verdad, que se puede ‘tocar’.

El reparto internacional que pone voz a los distintos personajes en la versión original es bestial y de verdadero infarto con nombres como Lena Headey, Caitriona Balfe, Harris Dickinson, Anya Taylor-Joy, Mark Hamill, Andy Samberg, Helena Bonham Carter o Taron Egerton, entre otros. Aquí puedes saber ¿Quién es quién? dentro de ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’.

‘La era resistencia’ demuestra en diez capítulos la mejor manera de traer la nostalgia y mantener como mínimo el nivel de su original. Una maravilla visual, una historia épica con trasfondo y una lucha heroica contra lo indeseable, contra el mal. Una hermosa creatividad 360º de la que te dejarás atrapar y embriagar. La serie se puede ver en Netflix.

El éxito de ‘Fariña’, la adaptación del libro homónimo de Nacho Carretero, es innegable. La historia de Sito Miñanco entró como un verdadero torrente en la televisión en abierto -en Atresmedia- y ahora es otra obra del autor gallego la que llega a la pequeña pantalla a través de Movistar en colaboración con Bambú. Se trata de la serie basada en ‘En el corredor de la muerte’, una novela que ahonda en la historia de Pablo Ibar y la desfachatez del sistema judicial estadounidense.

La serie ‘En el corredor de la muerte’ supone un acercamiento basado en la historia real de Pablo Ibar, el español-estadounidense declarado culpable de un triple asesinato que tuvo lugar en Florida en 1994, a través de cuatro capítulos. También habrá quinto episodio, en forma de podcast, que todavía no tiene fecha de estreno.

Tras la repetición del juicio y de ser condenado a cadena perpetua en mayo de 2019, nunca ha dejado de planear sobre el proceso la sombra de la injusticia y de la irregularidad.

Ramón Campos, Gema R. Neira y Diego Sotelo son los creadores de ‘En el corredor de la muerte’ que supone la segunda colaboración con Nacho Carretero, tras ‘Fariña’. La serie está protagonizada por Miguel Ángel Silvestre, Ramón Agirre, Marisé Álvarez y Laura de la Uz. El director Carlos Marqués-Marcet (‘10.000 Km’, ‘Los días que vendrán’) dirige los cuatro episodios. Mientras David Moreno, Andres Koppel, Carlos López y Fran Navarro también forman parte del equipo de guionistas.

La fórmula Nacho Carretero más Bambú Producciones vuelve a funcionar muy, muy bien. En una historia que se mueve entre el drama más personal -Pablo Ibar y familiares-, y la denuncia al sistema judicial estadounidense -tan injusto y chapucero, a veces-. El relato se estructura a través de diversos puntos de vista: las diferentes etapas desde los días previos de la detención de Pablo Ibar hasta la repetición del juicio.

Los protagonistas del relato, basado en hechos reales, desarrollan a lo largo de los cuatro episodios de ‘En el corredor de la muerte’ los puntos claves de toda la historia. Un recorrido en pequeñas y precisas pinceladas para comprender las vicisitudes e intrahistoria del recorrido dramático de Pablo Ibar; eso sí, se elige focalizar el relato en lo más personal e íntimo del proceso y sus consecuencias, sin dejar de mirar las chapuzas judiciales.

La serie de Movistar+ y Bambú no es la primera y ni será la última que señale la podredumbre, corrupción y defectos del sistema judicial estadounidense. Solo hay que echar un vistazo a uno de los últimos pelotazos de Netflix, ‘Así nos ven’ (‘When They See Us’), basada en la historia real de los ‘Cincos de Central Park’, para descubrir los prejuicios y el racismo.

Se puede echar un vistazo a ‘The Night of’ (EEUU), a pesar de ser una adaptación de la serie británica, la serie documental ‘Making a murderer’ o las diversas temporadas de ‘American Crime’ (T1, T2, T3). Es decir, hay decenas de ejemplos, aunque siempre estará la todopoderosa ‘The Wire’, para sacar los colores al sistema.

‘En el corredor de la muerte’, a pesar de no ser “muy” incisiva en el aspecto anteriormente mencionado, sí que alcanza a mostrar los diferentes errores -y no tan errores-, que dejan en serias dudas el proceso y mecanismos judiciales sobre el caso de Pablo Ibar. La serie no duda en señalar y acusar la mala praxis -o al menos exponer una duda muy razonable-, durante toda la causa.

La historia de Pablo Ibar es la aventura de miles de personas que van a Estados Unidos en busca de una oportunidad y, por errores y mala suerte, se ve truncada. De ahí que ‘En el corredor de la muerte’ se haya apostado por un relato más íntimo y personal: cómo afecta el conflicto -el proceso judicial de Pablo-, al propio protagonista y a los diversos familiares y la lucha de un hombre contra un sistema imperfecto y corrupto. De ahí que los mayores clímax de la serie se exploten en las interacciones personales.

Miguel Ángel Silvestre se mete en la piel de Pablo Ibar en una de sus mejores interpretaciones -o la mejor-, hasta la fecha. Es capaz de adentrarse en un papel tan complicado y duro de una manera sumamente contenida y sutil. El actor logra que lo importante se exprese a través de su mirada, silencios y gestos. Espléndido.

Sin embargo, no me puedo olvidar de la gran actuación de Marisé Álvarez, la puertorriqueña que interpreta a su novia Tanya, el gran apoyo de Pablo. Miguel y Marisé dan ‘En el Corredor de la Muerte’ las mejores escenas: esas interminables conversaciones a través del cristal y de las cámaras.

Es significativo que Carlos Marqués-Marcet esté en la dirección de todos los capítulos de ‘En el corredor de la muerte’ y lo digo porque me parece un acierto total su elección. El catalán es experto en extraer todo el poder de los actores en espacios reducidos. Solo hay que comprobarlo en ‘10.000 km’ o ‘Los días que vendrán’. Por eso, todas las escenas tanto de Miguel Ángel Silvestre en la soledad de su celda o esos encuentros entre Silvestre y Marisé Álvarez tienen tanta potencia y precisión.

‘En el corredor de la muerte’ estará completa y disponible a partir del día 13 de septiembre en Movistar+. Disfrutaréis de un gran Miguel Ángel Silvestre y de una historia interesante e intensa.

Este verano ha llegado de la mano de Prime Video de Amazon una serie de superhéroes que ha supuesto una pequeña ruptura o soplo de aire fresco a esta gran industria de historias infinitas sobre individuos con poderes extraordinarios. Así que, si todavía no has tenido suficiente con los universos cinematográficos de Marvel y DC, esta semana os presento ‘The Boys’, una auténtica locura irreverente que no dejará indiferente absolutamente a nadie.

El proyecto desarrollado por Eric Kripke (‘Supernatural’) adapta el violento, divertido y excéntrico cómic homónimo de Garth Ennis y Darick Robertson para Amazon Prime Video. Un nuevo universo superheróico que juega con las reglas del género y donde la ambigüedad entre el bien y el mal será totalmente perversa. Un enfoque diferente que busca confrontar con lo preestablecido por la todopoderosa Marvel o DC. No, no se está ante la típica serie de superhéroes porque ‘The Boys’ da un pasito más para destacar entre tanto Capitán América, Thor, Superman, Spider-Man o Iron Man.

Los superhéroes, tan populares como celebrities, tan influyentes como políticos y tan venerados como dioses, abusan de sus superpoderes en lugar de utilizarlos para hacer el bien. Una batalla entre la gente corriente y los superhéroes tiene lugar cuando 'The Boys', un grupo de personas sin superpoderes, se embarcan en una heroica odisea para desvelar la verdad sobre “Los Siete” y Vought, la todopoderosa corporación multinacional que maneja a los superhéroes y oculta todos sus sucios secretos.

Yo no digo pereza, digo ruptura de lo preestablecido. La serie ‘The Boys’, tras muchos en forma de proyecto “imposible” para televisión o cine, ha desembarcado para ofrecer una cara distinta del hiper conocido e hiper contado mundo de los superhéroes. Una sátira ácida y llena de humor negro sobre el universo de los angelicales, divinos y santificados hombres y mujeres extraordinarios. No, no es oro todo lo que reluce entre Patriota, A-Tren, Profundo, Translúcido o Negro Oscuro, entre otros.

Este enfoque alternativo, novedoso y arriesgado es lo que hace de ‘The Boys’ una rara avis dentro del género. Una sátira que viene a desmitificar al superhéroe para bajarlos al nivel de las pulsiones más terrenales y humanas. ¿No son acaso humanos con poderes? No se rigen básicamente por los mismos principios que las personas corrientes: fobias, pasiones, errores, ambiciones, anhelos, amor, sexo, avaricia, debilidades o inquietudes, entre otros. La serie expone esto sin cortapisa y sin tapujos.

La serie carga de sexo, violencia y perversión una historia que ataca directamente contra el abuso de poder. Un universo alternativo donde la sociedad se agarra a estos superhéroes como figuras, mitos e ídolos. Sin embargo, detrás de una fachada mediática construida milimétricamente por la Corporación Vought se esconde unos superhéroes llenos de pulsiones, corruptos, caprichosos, mentirosos, ególatras o envidiosos. Detrás de la sonrisa perfecta de Patriota, una sátira ácida del archiconocido Capitán América, se esconden un hombre mezquino y con ansias de poder.

Estos hombres y mujeres extraordinarios -de moral ambigua-, se convierten en meros productos pervertidos por la maquinaria capitalista. Una metáfora crítica, eficaz y directa contra el poder que aglutina las grandes corporaciones. Puro postureo y apariencias que esconde algo más perverso, oscuro y truculento detrás. Lo que da como resultado una nueva mirada hacia los superhéroes.

En la serie también se narra algo muy interesante: una lucha entre los superhéroes y personas corrientes desde un punto de vista antisistema contra la corrupción y el abuso de poder. The Boys pelean para descubrir la oscura y tenebrosa verdad que se esconde detrás de esta estructura donde Vought y “Los Siete” tienen el absoluto monopolio y poder. Lo que resulta ser una apuesta extremadamente atractiva.

‘The Boys’ es una auténtica locura irreverente y violenta que viene a decir que los superhéroes de moral y ética férrea solo existen en el universo cinematográfico Marvel. Esta atípica historia sobre hombres y mujeres extraordinarios -o no-, donde todos tienen mucho que esconder resulta tremendamente adictiva y divertida. Una absoluta recomendación para aquellos que quieran explorar desde otra perspectiva este mundo de seres humanos con poder.

El verano es una fantástica época para disfrutar de cualquier serie de televisión debajo del chorro del aire acondicionado o con tu tablet debajo de una sombrilla mientras te tomas una caipiriña. Si eres amante de las historias cortas ya que te abruman y agobian las ficciones con muchos episodios. Aquí te preparo una selección de cinco miniseries para que las veas durante tus vacaciones.

1. ’The Victim’

‘The Victim’, la serie de la factoría británica escrita y creada por Rob Williams ('Killing Eve’) y dirigida por Niall MacCormick (‘The Durrells’), se puede ver a través de Filmin. Una miniserie intensa y compleja de tan solo cuatro capítulos te atrapará.

Anna Dean, quince años después del asesinato de su hijo, es acusada de revelar a través de internet la identidad del asesino, y de conspirar para asesinarlo. En el otro lado de la moneda, se encuentra Craig Myers, un hombre de familia que recibe la paliza tras ser identificado en las redes como un asesino de niños. La historia se centrará en el juicio del caso, junto a sus repercusiones para la familia de Myers y la búsqueda de la verdad de Anna.

Este drama judicial se desarrollará durante cuatro capítulos: los tres primeros, más centrados en el juicio y la investigación; y, el último, la conclusión del mismo y las encrucijadas morales de la víctima (Craig), del acusador (Anna) y viceversa. Todo depende desde qué óptica focalice la narración. Ya que las motivaciones y demás son muy diferentes.

La serie tiene una tónica in crescendo, un guión muy bien cimentado -menos por el excesivo uso del flashback-, una ambientación de lujo y un buen reparto.

2. ’Así nos ven’

‘Así nos ven’ (‘When They See Us’), la miniserie de cuatro capítulos de Netflix, es una de las historias que, junto a ‘Chernobyl’, han pegado más fuerte en este 2019, y de ahí, las múltiples nominaciones en los Emmys 2019. Está creada, coescrita y dirigida por Ava DuVernay para Netflix.

La serie basada en una historia real de uno de los casos de racismo y corrupción más flagrante de los Estados Unidos. Durante el desarrollo se explora como cinco adolescentes negros de Harlem se ven atrapados en una pesadilla cuando se les acusa injustamente de un ataque y violación brutal en Central Park.

La narración de ‘Así nos ven’ consigue amplificar con aún más fuerza la historia y todo lo que subyace de ella. Una crítica bestial y sin cortapisa a un sistema policial y de justicia de Estados Unidos podrido de racismo. En un momento, donde este tipo de relatos son muy necesario, ‘When They See Us’, viene en tan solo cuatro capítulos a instalarse en lo más profundo de tu conciencia.

3. ’Press’

‘Press’, es el drama periodístico creado por Mike Bartlett (‘Doctor Foster’) para la BBC, que se puede ver a través de Filmin. Una historia de seis episodios que sumergirá al espectador en los dimes y diretes de dos redacciones con dos modelos de periodismo antagónicos.

En el mundo de la prensa escrita, marcada por un presente a merced de la era digital y del ciclo informativo de 24 horas y un futuro incierto. La serie enfrenta a dos diarios ficticios, el progresista 'The Herald' y el tabloide sensacionalista 'The Post'. Ambos abordan las mismas informaciones, pero desde miradas muy distintas, en su disputa por el favor de los lectores.

La serie “nace” como una manera de analizar dos formas de entender el periodismo: desde la ética y código deontológico de la profesión, el tratamiento de la información y el futuro del sector. Sin embargo, en mi opinión, la miniserie peca de ser maniquea, simple y de tener una visión un tanto desfasada; aun así, es una historia cuanto menos interesante para cualquier persona del mundillo periodístico.

4. 'The Virtues'

‘The Virtues’ es una miniserie británica de cuatro episodios escrita por Shane Meadows (‘This is England’) y Jack Thorne (‘This is England’). Los dos autores se vuelven a juntar para narrar una historia compleja, dura y desgarradora que transpira realidad. Sin duda, una pequeña gran joya del universo televisivo.

Joseph (Stephen Graham), vive obsesionado con un trauma del pasado que durante décadas ha intentado olvidar bañándose en alcohol y drogas. Cansado de una vida a la deriva, decide regresar a su hogar para enfrentarse a sus recuerdos de infancia, ligados a los servicios sociales que se hicieron cargo de su tutela. Destrozado mental y físicamente, se reúne con Anna, su hermana que no ve desde que era niño, para empezar a trabajar en la empresa del marido de esta -Michael-. Allí, conocerá a la hermana de Michael, con la que establecerá un vínculo y experiencia liberadora.

Esta miniserie británica que se puede ver a través de Filmin es un drama descarnado con muchas aristas. Reseñar el grandísimo papel de Stephen Graham y Niamh Algar. Una obra de carácter intimista que golpeará al espectador muy duramente cuando menos se lo espere.

5. ’Fleabag’

‘Fleabag’ no es una miniserie -al uso-, pero como si lo fuera. La serie, creada por la gran Phoebe Waller-Bridge, ha finalizado con dos temporadas, de 12 capítulos en total, cuya duración por episodio ronda la media hora. Así, dada su corta duración y su gran calidad es merecedora de estar en esta lista de recomendaciones de miniseries.

La historia sigue la vida de un joven londinense de 30 años directa y descarada que pasa por una crisis vital tras perder a su mejor amiga. Ella tiene una actitud muy peculiar con la vida: es inconformista, deslenguada y rebelde. Además, sin reparos desafía al espectador que quiera plantearse realiza un juicio moral sobre sus acciones y comportamientos.

La ruptura de la denominada cuarta pared y la evolución de la propia la serie ha logrado poner en el mapa -con todos los honores-, a Phoebe Waller-Bridge como creadora, y de ahí, a capitanear ‘Killing Eve’. La segunda temporada de ‘Fleabag’ ha sido el broche de oro final para una historia protagonizada por la propia Phoebe que encandila a todo aquel que empieza a ver la serie. Se puede ver a través de Prime Video de Amazon.

Los universos que crea el escritor inglés Neil Gaiman en novelas como ‘American Gods’ o ‘Good Omens’ -en este caso, en colaboración con Terry Pratchett- siempre son ricos, fascinantes y variopintos. Sus adaptaciones televisivas no eran nada fáciles, sobre todo la del libro ‘Buenos Presagios’, palabra de los lectores y seguidores más intrépidos. Sin embargo, el matrimonio entre Amazon Prime Video y BBC ha superado con creces las expectativas de propios y ajenos.

Neil Gaiman decidió coger las riendas de la adaptación tras la muerte en 2015 de Terry Jones. Se erigió showrunner del proyecto y se puso a escribir como un loco los guiones de los seis episodios que componen ‘Good Omens’. En la dirección confió en Douglas Mackinnon, un director británico bastante experimentado, que ha participado en series como ‘Line of Duty’, ‘Knightfall’, ‘Outlander’ o ‘Sherlock’, entre otras. Mientras, en esta historia de ángeles y demonios, contó como protagonistas con David Tennant (‘Broadchurch’) y Michael Sheen (‘Master of Sex’, ‘The Good Fight’).

La historia se centra a un dúo peculiar, formado por un ángel quisquilloso (Michael Sheen) y un demonio de mala vida (David Tennant) que se han encariñado demasiado con la vida en la Tierra y se ven obligados a formar una extraña alianza para detener al Armagedón. Pero han perdido al Anticristo, un niño de 11 años que no sabe que está destinado a traer el fin de los días, obligándolos a embarcarse en una aventura para encontrarlo y salvar el mundo antes de que sea demasiado tarde.

Ciertamente, ‘Good Omens’, era una de las miniseries que despertaba cierta curiosidad a la esfera seriéfila en 2019. El tándem protagonista -Tennant y Sheen-, la propia ‘American Gods’, sus primeros avances y otros nombres que formaban parte del elenco como Jon Hamm, Mireille Enos, Jack Whitehall o Adria Arjona, entre otros hacían del proyecto algo sumamente apetecible a priori.

La serie consigue ser un grandísimo entretenimiento impregnado de la irreverente y crítica flema británica. Una fábula sobre buenos que no son tan buenos y de malos que no son tan malos, y, de ahí, emana el principal leitmotiv o conflicto de ‘Good Omens’. Un relato lleno de ángeles, demonios, jinetes del apocalipsis, brujas, cazadores de brujas, videntes, profecías, magia, humanos y un anticristo. Un cóctel muy explosivo que dará como resultado una serie divertidísima no exenta de crítica social y política con un cañonazo satírico hacia el estamento de la Iglesia.

La voz de Frances McDormand, interpretando a la mismísima Todopoderosa/Dios, es la particular Caronte de ‘Good Omens’, es decir, la narradora omnisciente que guiará al espectador por esta peculiar y atípica historia de Crowley (Tennant) y Aziraphale (Sheen). Ella se convierte en el hilo conductor y pegamento tanto de la trama principal como secundarias, algo ciertamente acertado.

Si hay algo que funciona a las mil maravillas en ‘Good Omens’ es la química que hay entre David Tennant y Michael Sheen, el verdadero combustible de la historia. Sin embargo, no solo a nivel actoral, sino también, por todo lo que despiertan sus dos personajes cuando están juntos en pantalla. Dos protagonistas antagónicos debido a su origen -infierno y cielo-, y con personalidad muy distintas. En esa aventura conjunta resulta hilarante y desternillante como juegan mutuamente y chocan por sus respectivos límites -el mal y el bien-; de ahí, resulta el principal atractivo de la serie y, por eso, el relato principal funciona como un verdadero tiro.

Las personajes e historias secundarias comienzan a encajar mucho mejor en la recta final de ‘Good Omens’. La bruja Anathema Device (Adria Arjona), el descendiente de un caza brujas Newton Pulsifer (Jack Whitehall), el anticristo y su grupo de amigos o las aventuras de los cuatro jinetes del apocalipsis, entre otros. Sin embargo, el resultado de toda esa mezcla consigue construir un universo colorido, extravagante, mágico, particular, variopinto y extremadamente divertidísimo.

‘Good Omens’ resulta fascinante en su atmósfera y adictiva en cuando a un ritmo frenético que consigue atrapar al espectador. Una fábula de ángeles, demonio y viceversa muy peculiar con un reparto de infarto que no defrauda en absoluto. Si estás interesado en ella, se puede ver a través de HBO España.

Si te interesa saber más sobre 'Good Omens' puedes escuchar el podcast que se dedica desde la web a la serie de Neil Gaiman, en iVoox:

El nordic noir es el género por excelencia de los escandinavos que se empezó a popularizar con series como ‘Forbrydelsen’, ‘Bron/Broen’ o ‘Trapped’, entre otras. A partir de ahí, muchas otras regiones europeas y de otras partes del mundo han emulado a los nórdicos, pero llevándolo al contexto, idiosincrasia y características propias del país. Esta semana me adentro en la isla de El Hierro que da nombre a la propia serie para escribir sobre esta historia que recoge 'miguitas' de otras ficciones para construir un thriller policial muy recomendable.

‘Hierro’ es una coproducción internacional de Movistar+, Portocabo, Atlantique Productions y ARTE Francia creada y escrita por el gallego Pepe Coira (‘Mareas Vivas’); mientras, en la dirección, se encuentra Jorge Coira (‘Mareas Vivas’), ganador del Goya al Mejor Montaje por ‘El Desconocido’, en 2016. Un magnífico tándem gallego que lidera una primera temporada de ocho episodios protagonizada por Candela Peña (‘Pieles’) y Darío Grandinetti (‘La Casa del Mar’).

La historia se emplaza en El Hierro, una isla pequeña y remota del archipiélago canario, donde hay un fuerte arraigo en las tradiciones y donde todos se conocen. En este ecosistema tan característico y familiar desembarca la jueza Candela (Candela Peña), una mujer de convicciones, carácter fuerte y políticamente incorrecto cuando se requiere y, de ahí, uno de los motivos para su llegada a la isla.

Su llegada a El Hierro, como outsider, no será nada fácil para ella ya que, prácticamente, sin haber deshecho las maletas se enfrentará al más que posible asesinato de Fran, un joven herreño, cuyo cadáver aparece el mismo día que se iba a casar con la hija del polémico Díaz (Darío Grandinetti). Este, por sus antecedentes con la justicia, se convierte en el principal sospechoso del crimen.

Ambos protagonistas, desde un punto antagonista, se embarcan en una carrera llena de claroscuros para descubrir quién es el asesino es el verdadero asesino de Fran.

La isla de El Hierro actúa como telón de fondo perfecto para dar al relato un contraste cromático muy acertado y especial. Un paraje único que reviste de singularidad y mística a una historia que se torna más oscura y truculenta según avanza los capítulos. Así, lo primero que llama la atención es la construcción de su atmósfera y como ella, de alguna manera, influye a toda la amalgama de personajes que pueblan la pequeña isla. Así, el relato no solo juega con contrastes cromáticos sino, también, con otros de diversa índole (texturas, culturales o personales, entre otros).

En ‘Hierro’ se palpa la influencia que han ejercido sobre el creador y director series de televisión como ‘Broadchurch’ o ‘Trapped’. La primera por esa cotidianidad y el olor de lo hogareño de una pequeña comunidad donde todos, absolutamente todos, se conocen y guardan secretos y motivaciones ocultas. La segunda por emplazar el desarrollo del relato en un lugar recóndito y de “difícil” acceso que logra ejercer cierta presión y agobio en el espectador y en los protagonistas. Estos últimos se sienten atrapados en un lugar que les resulta adverso. Sin embargo, ‘Hierro’ consigue alejarse poco a poco de sus influencias para imprimir sus propias señas de identidad.

La historia tiene ese corte clásico de buen thriller donde se pivota por los posibles culpables o no y, a la vez, se va desarrollando y poniendo a prueba a los dos protagonistas. La serie quizá peca un poco de perezosa en primeras instancias y cierta falta de ritmo en momentos puntuales, pero en general ‘Hierro’ consigue conjugar un relato muy atractivo, adictivo y cuidado. Lo que más me gusta es como la creación de Coira se va volviendo más truculenta y turbia en su recta final con un gran punto de tensión.

Candela y Díaz, son personajes que se encuentran en lados diametralmente distintos, pero que se ven condenados a confiar el uno en el otro para intentar cazar al asesino; aunque, en el fondo, tienen características muy similares y, de hecho, los dos intentan pertenecer a un ecosistema en el que parecen no encajar. Darío Grandinetti y Candela Peña son el motor y combustible de ‘Hierro’, sin hacer de menos a la totalidad del reparto lleno de actores de origen canario.

Mi reivindicación es que necesito -y necesitamos-, más papeles protagonistas para la gran Candela Peña en televisión o en cualquier otro lugar que se precie. Candela está brillantísima en ‘Hierro’ y, solo por eso, ya merece ver esta producción de Movistar +. Su personaje es el mejor cincelado de la serie, sin lugar a dudas. Un verdadero caramelito que Peña lo hace más grande y suyo. Vuelvo a insistir: ¡Necesitamos más a Candela Peña!

A los dos protagonistas los acompañan Mónica López, Yaiza Guimaré, Kimberley Tell, Tania Santana, Luifer Rodríguez, Mari Carmen Sánchez, Antonia San Juan o Juan Carlos Vellido.

La serie se estrena el 7 de junio completa en Movistar+. Un drama policiaco cuidado al detalle con una dirección exquisita, una atmósfera absorbente, un guion interesante, una buena banda sonora creada por Mordem de Elba Fernández y dos protagonistas de bandera. ¡Bienvenidos a ‘Hierro’ el adictivo, tenso y turbulento Canarian noir!

Sí, hay que reconocer que los thrillers de niñas desaparecidas es un género bastante trillado en televisión a estas alturas de la historia. Sin embargo, eso no quita que un relato de estas características bien narrado, un reparto competente y bien dirigido no se pueda disfrutar igual manera. Seguramente, ‘La Caza. Monteperdido’ os suene a otras ficciones televisivas como ‘Broadchurch’, ‘El Bosque’, ‘The Missing’, ‘The Killing’ y otras tantas más; aunque, lo cortés no quita lo valiente.

‘La Caza. Monteperdido’ les unen a las series anteriormente citadas un lugar perdido donde Jesucristo perdió las alpargatas, un pueblo o comunidad pequeña marcada por la tragedia, una naturaleza exuberante y misteriosa, una investigadora outsider y dos niñas desaparecidas. Un thriller que cumple con todos los requisitos del género, pero que en ciertas partes del relato se toma algún que otro riesgo y giro narrativo que es de agradecer. Lo que resulta una apuesta segura, pero muy disfrutable.

La producción de RTVE en colaboración con DLO Producciones ha mantenido el tipo con una audiencia fiel a la historia durante los ocho capítulos que componen la temporada. La serie que, adapta el best seller internacional del Agustín Martínez, cuenta con un equipo de guion con el propio Agustín Martínez, Antonio Mercero, Miguel Sáez Carral, Jorge Díaz y Luis Moya; mientras, en la dirección, se encuentran Salvador García Ruiz y Álvaro Ron. El trío protagonista está compuesto por Megan Montaner (‘Sin Identidad’), Alain Hernández (‘Solo’) y Francis Lorenzo (‘Águila Roja’).

Hace cinco años, dos niñas de once años, Ana y Lucía, desaparecieron en Monteperdido, un pueblo del Pirineo. Tras una extensa búsqueda, el caso nunca se resolvió y los vecinos quedaron marcados por la tragedia. Ahora, una de las niñas, Ana (Carla Díaz), ha regresado. Dos agentes de la UCO especializados en desapariciones, Santiago Baín (Francis Lorenzo), teniente al final de su carrera, y Sara Campos (Megan Montaner), joven sargento, trabajarán junto al cabo de la Guardia Civil local en una investigación que pronto se revelará como un laberinto.

La importante del escenario en este tipo de formato se antoja muy importante a la hora de construir una atmósfera adecuada. En este caso, ‘La Caza. Monteperdido’, utiliza en su gran mayoría escenarios naturales de la comarca de La Ribagorza como por ejemplo la localidad y bosque de Benasque, entre otras. La belleza y magia de la zona dan un halo místico en muchos tramos del relato.

La recóndita localidad ficticia de Monteperdido es el epicentro donde pivota la historia y personajes que, con la aparición de Ana, volverán abrirse las viejas heridas en una pequeña población donde todos, a su manera, fueron tocados por la tragedia. La llegada de Sara Campos, como elemento externo, sacudirá la tranquilidad y comenzará el baile de posibles culpables, aunque sin llegar a abusar de ello -siendo un punto a favor-.

La dificultad y contras que tiene la duración de 70 minutos por episodio se salva bastante bien durante toda la temporada; de hecho, se podría decir que hay algún capítulo que da la sensación de hacerse corto. Quizá porque entre otras cosas la temporada solo tiene ocho episodios y una historia cerrada. El planteamiento narrativo de ‘La Caza. Monteperdido’ es de manual, pero conjuga muy bien todos sus elementos, clímax y giros de guion para mantener el interés del espectador hasta prácticamente el minuto final de la temporada. Todo ello gracias a un buen trabajo de guion que, aunque puede tener sus defectos, en general, solventa con gran eficacia todo.

Seguramente, el relato hubiera tenido un mejor empaque y ritmo -aunque, no creo que sea un gran problema-, si la duración de los capítulos hubiera sido algo mejor -RTVE se acogerá a partir de ahora a los 50 minutos, como Atresmedia-. La serie comienza algo perezosa, pero según va entrando en materia consigue ganar mucha fuerza y tensión. Logran sacar todo el jugo posible al misterio o leitmotiv principal de ‘La Caza. Monteperdido’.

La realidad es que, más allá de conducir muy bien el misterio del culpable de la desaparición de las niñas, también consiguen que las tramas secundarias no sean de mero relleno y ponga un puntito de interés en la trama principal. Toda la amalgama de personajes e historias logran pintar un pueblo pintoresco y a la vez de truculento con una tónica que puede recordar Twin Peaks -salvando muchísimo las distancias-. Incluso, como comenté más arriba con alguna toma de decisiones arriesgada.

No me puedo terminar la recomendación de ‘La Caza. Monteperdido’ sin reseñar el gran trabajo del reparto; sin embargo, poniendo especial hincapié en las actrices Megan Montaner, Carla Díaz y las dos que hacen de niñas (Daniela Rubio e Irene Jiménez). Prestar verdaderamente atención a Megan, en el papel de Sara Campos, porque lo hace simplemente genial; además, porque su personaje está muy, muy bien escrito.

‘La Caza. Monteperdido’ ha sido una grata sorpresa y que, sin duda, recomiendo a aquellos que les guste este tipo de historias. Un buen thriller con un guion muy potable, una banda sonora reseñable, una atmósfera muy lograda y un reparto muy compensado con una gran Megan y Carla que da como resultado un producto notable para la televisión pública. Está completa en “A la carta” de RTVE.

La lucha contra el terrorismo internacional ha sido -y es-, una de las máximas preocupaciones de los países. La vigilancia constante de sospechosos y actividades relacionadas con grupos de alto riesgo la organizan cuerpos de seguridad especializados del estado para prevenir atentados. Entre una de esas tácticas para combatir el terrorismo -dentro de nuestras fronteras- se encuentra la de utilizar informantes o confidentes. En este terreno se mueve ‘Informer’, una de esas joyas británicas que se puede ver en España a través de Filmin.

Esta miniserie británica se ha consolidado como una de las apuestas más interesantes que tuvo la mala suerte de convivir con ‘Bodyguard’, uno de los mayores pelotazos del 2018 en la televisión british. Esto la condenó a una menor visibilidad dentro del maremagnum de series al que está sometido el espectador. Sin embargo, ‘Informer’, es una de esas historias interesantísimas y con personalidad construida con matices y una paleta de grises que esquiva el canon preestablecido.

Rory Haines y Sohrab Noshirvani son los dos encargados de guionizar este thriller sobre el mundo del contraterrorismo que crece con el paso de los capítulos. Detrás de la cámara se encuentra Jonny Campbell que dirigido en episodios de ‘Westworld’, ‘Shameless (UK)’, ‘In the Flesh’ o ‘Doctor Who’. El trío protagonista lo compone el desconocido Nabhaan Rizwan, Paddy Considine (‘Peaky Blinders’, ‘Macbeth’) y la joven Bel Powley (‘Mary Shelley’).

La historia se centra en Raza (Nabhaan Rizwan), un joven inmigrante plenamente asentado en la sociedad británica, que desarrolla una vida absolutamente normal en Londres con su familia y amigos; sin embargo, todo cambia por completo en una noche de fiesta. Raza, en esa fiesta, comparte una dosis de éxtasis con una amiga que le provocará un grave efecto adverso. Este al llevarla al hospital para que sea atendida quedará detenido por la policía, acusado de posesión de drogas.

Detenido en el calabozo de las dependencias policiales llama la atención a Gabe (Paddy Considine), uno de los responsables del grupo contraterrorista de la policía británica, como confidente para una importante misión contra un posible atentado del terrorista Ahmed El Adoua, en territorio londinense. Holly Morten (Bel Powley), una novata en el cuerpo, es la tercera pata en este equipo que luchará para evitar este ataque.

Para comenzar, ‘Informer’, huye de la narrativa más habitual para atrapar desde el principio al espectador. En una especie de puzle intrincado la serie comienza, en cada capítulo, con secuencias de un brutal atentado terrorista -ya perpetrado-, sus consecuencias y posterior juicio; a partir de ahí, la ficción empieza a reconstruir desde diferentes ángulos las diversas partes de esa historia hasta llegar a ese fatídico momento y, aunque, parezca algo complejo al principio todas las piezas están ahí.

El relato se instala en una escala de grises muy acorde a donde está emplazada su historia: la zona multicultural del East End de Londres. La serie consigue transpirar realismo y a la vez que huye de los tópicos y clichés del subgénero compone un thriller adictivo y tenso que dejará al espectador pegado al sofá. Las diferentes aristas de la que se compone la historia harán de ‘Informer’ algo sumamente delicioso, disfrutable e interesante.

El conflicto en la serie surge en varias direcciones: la primera, de esa necesidad de los países por obtener una información que de otra forma no obtendría y que, sirve para encontrar un tipo de terrorismo infiltrado -y difícil de detectar- en el seno de la sociedad; la segunda, las potentes y diversas historias personales de los tres protagonistas (Raza, Gabe y Holly); y, la tercera, la de incluir con gran efectividad una amalgama de motivaciones de diversa índole que dan a la historia empaque y complejidad.

‘Informer’ es un thriller in crescendo con acertados y sorpresivos giros de guion con en una exquisita recta final. Sin duda, una gran historia sobre contraterrorismo, sin tópicos, bien trazada y unos personajes protagonistas muy, muy interesantes y dinámicos. Esta serie de tan solo seis episodios se encuentra en el catálogo de Filmin.

El polifacético Ricky Gervais es, para mí, uno de los grandes cómicos de los últimos tiempos. Un tipo sin pelos en la lengua con una carrera dilatada delante y detrás de las cámaras. Desde la mítica ‘The Office’ UK pasando por varias películas y sacando productos televisivos tan interesante y peculiares como ‘Life's Too Short’, ‘Extras’ o ‘Derek’. Su sello no deja ser inconfundible en todo lo que participa activamente como creador, director o guionista; al igual que sus inigualables stand up.

Su última serie estrenada en Netflix ‘After Life’ es la protagonista del blog esta semana. Una comedia dramática (dramedia) que el mismo Ricky Gervais se encarga de crear, dirigir, escribir y protagonizar. Una primera temporada -renovada para otra más- que con el paso de los capítulos resulta terriblemente evocadora y sensible sobre un protagonista que, quizá, puede despertar algo de antipatía al principio.

La historia de ‘After Life’ sigue la vida de Tony (Ricky Gervais) un periodista que, tras la muerte de su mujer, por culpa de un cáncer, perderá todo el interés de vivir. Incapaz de suicidarse toma la decisión de convertirse en una persona detestable y, hasta un punto, odiable. Todo lo llevará al límite, mientras que sus conocidos y amigos intentarán salvar a la buena persona que era antaño.

Lo que uno se espera, la primera vez que se enfrenta a ‘After life’, es encontrar ese humor tan afilado, negro y polémico de Ricky Gervais. Sin embargo, la realidad, es que esta historia resulta ser un torrente melancólico, sincero y real sobre la necesidad de encontrar un sentido a la existencia tras sufrir un hecho tan dramático e impactante como la muerte del amor de tu vida. Un viaje doloroso y a flor de piel con ese halo vital que va desprendiendo en ese camino.

El personaje de Tony se encuentra en ese sendero pedregoso y difícil que supone procesar ese duelo. La clave del relato escrito por Ricky Gervais es que transpira tranquilidad, sinceridad y realidad. Esa manera en la que el espectador poco a poco se siente partícipe de la historia y termina empatizando con el personaje. Sin embargo, yo diría que el camino del protagonista es mucho más que una simple redención, sino que termina siendo un puñetero y gran canto a la vida.

Un canto esperanzador y a la vida que no está exento de dolor. En esas secuencias en las que Tony observa los vídeos de su mujer Lisa (Kerry Godliman), antes de morir, en las que recuerda a su marido lo que debe y no debe hacer: que viva y luche por vivir. Muestra un hombre que era muy distinto y feliz a lo que es ahora -normal-. Esa exposición tan privada e íntima sirve no solo para observar esa gran pesadumbre y oquedad en su corazón sino, también, para escarbar en los sentimientos del espectador y empatizar con Tony.

‘After Life’ es un camino doloroso y emocionante con un mensaje final que alude a ese canto a la vida que se puede perder a veces de vista, debido a ciertas circunstancias. La serie creada por Ricky Gervais me ha resultado una auténtica delicia. Seis episodios que se encuentran en Netflix.

El bipartidismo se acabó por suerte o por desgracia en España hace unos años y, digo, por desgracia, porque parece que los partidos políticos en nuestro país, a veces, dan la sensación de no saber gobernar junto con otros. Por eso, y aprovechando el periodo convulso de elecciones en el que se encuentra España hoy traigo la recomendación de una de las mejores series políticas europeas: ‘Borgen’. El showrunner principal es el danés Adam Price (‘Algo en que creer’) y, al guión se encuentra él junto a Jeppe Gjervig Gram y Tobias Lindholm.

Birgitte Nyborg gana fuerza en las elecciones tras el escándalo por el uso de unas tarjetas públicas que salpica al actual PM de Dinamarca. En ese momento se abre una dura batalla para poder formar un nuevo gobierno para el pueblo danés. Con fuertes ideales, honrada y transparente intentará gobernar de una manera realista y sincera. En medio de la política y la prensa encontramos a Kasper Juul que actúa de agente de prensa en la oficina de la PM. Guía y gurú de Birgitte en la elaboración de las complejas estrategia de comunicación que con el paso de los capítulos se convierte en imprescindible. Mecanismo de defensa entre el castillo político y la prensa es medida para prevenir los posibles “daños” públicos.

En el lado de la prensa tenemos a la brillante periodista Katrine que trabaja en la cadena pública TV1. Rebelde y con fuertes convicciones cree en un periodismo veraz y de investigación dejando de lado el sensacionalismo. Pero al igual que Nyborg en política, verá que no es tan fácil hacer este tipo de periodismo donde los rating son más importante que la misma información.

‘Borgen’ se basa en unos guiones de excelsa calidad, con un tono didáctico y complejo, donde pone en la palestra diferentes problemas sociales, económicos y religiosos. Birgitte y su gabinete se enfrentarán a diversos temas como: relaciones y conflictos internacionales, espionaje, transparencia política, mordaza y control de la prensa o política europea, entre otros. Sin duda, la clave estará en ese magnífico tono didáctico y cercano que la convierte en unas de las mejores serie de política de la televisión.

Como ya ocurrió con la serie ‘The West Wing’, el espectador, será testigo de las cañerías intentar del estado (pasillos, despachos, parlamento, etc). Nyborg, Kasper y Katrine son los maestros de ceremonias para conocer las diferentes caras del castillo de Christiansborg, donde se citan las decisiones más importante para los daneses.

Uno de los pilares más importantes de ‘Borgen’ es la prensa que, al igual que la parte política, resulta brillante y didáctica. Un estamento clave para una democracia sana que realiza la tarea de perro guardián y que, en muchos casos, es juez y verdugo del poder político. La serie repasa ciertos periodísticos de rabiosa actualidad: libertad de expresión, vida privada vs vida pública, línea editorial, independencia, sensacionalismo, rating vs calidad informativa, veracidad, fin justifica los medios, nuevos medios de información, etc.

‘Borgen’ entra de lleno en la esfera privada de la presidenta para desmontar la imagen fría, inalcanzable y lejana que muestran otros dramas políticos. Sin lo más importante de la historia, en cierta manera, sirve para empatizar con Birgitte. El espectador será testigo de la dificultad que supone la conciliación y mantener el equilibro entre la esfera privada y la pública.

El trio protagonita está compuesto por: la actriz Sidse Babette Knudsen (‘Westworld’) que da vida a la presidenta Birgitte Nyborg, un personaje excepcional que consigue hacerlo suyo; Birgitte Hjort Sørensen (‘Greyzone’) da vida a la gran periodista Katrine; y, por último, Pilou Asbaek (‘Juego de Tronos’) interpreta al díscolo y asesor de presenta de la PM, Kasper Juul.

‘Borgen’ construye tres temporadas muy potentes, a pesar de un pequeño bajón en cierto tramo de la última. La serie se convierte en un retrato de rabiosa actualidad en nuestro país y, más que nunca, debería ser de obligado visionado para entender que la política no es un juego de niños. Poco se le puede reprochar a un texto que refleja con gran eficacia temas importantes, construye personajes complejos e interesantes y resulta ser inspiradora.

La serie creada por Adam Price no es “solo” una historia de política sino que, también, sirve para recordar lo importante y bonita que es la democracia. Que no nos la quiten. Así que aprovechando esta fecha crucial recomiendo -de nuevo- este grandísimo drama político.

Llegan las esperadas vacaciones de Semana Santa y se abre un pequeño e ideal periodo para iniciar una nueva serie de televisión. No todavía ser procesiones, santos y misa. Así que os voy a dejar una selección de cinco ficciones para que os acordéis de mí durante estas fechas.

Dado la gran cantidad de series y de servicios de streaming (Movistar+, Netflix, Amazon, Filmin, Sky…) he decidido hacer una pequeña selección de cinco ficciones televisivas para no abrumaros demasiado.

‘Derry Girls’ (Netflix)

‘Derry Girls’ es una divertidísima comedia británica que sigue las aventuras y desventuras de un grupo de quinceañeras en pleno conflicto político en Irlanda del Norte en la década de los 90.

La serie resulta irresistiblemente hilarante gracias a sus cinco protagonistas (Erin, Orla, Clare, Michelle y James). Las situaciones -algunas bordean el surrealismo- y unos diálogos muy potentes y acertados hacen irresistible ‘Derry Girls’. Una historia juvenil, pero con el toque especial británico. La segunda temporada ya está a la vuelta de la esquina.

‘The Churchmen’ (Filmin)

La serie francesa ‘Ainsi soient-ils’ (‘The Churchmen’) fue protagonista del blog a mediados de 2017, pero me sigue pareciendo una de las historias más interesantes y especiales de los últimos años. Sus tres temporadas, muy arriesgadas, levantaron ampollas en el seno de la iglesia católica.

‘The Churchmen’ hace un recorrido intimista sobre el papel de la Iglesia en la época actual a través de cinco jóvenes franceses que empiezan su etapa como seminarista. Su historia se puede tildar de exquisita e interesante para creyentes o no. Que no te eche para atrás el tema porque te sorprenderá.

‘Vota Juan’ (TNT)

‘Vota Juan’, la serie de producción original española de TNT creada por Diego San José ('Ocho apellidos vascos') y Juan Cavestany ('Vergüenza'), se abre como una fantástica opción para aquellos que estén hartos y hastiados de tanto drama político -y lo que nos falta-, en España. Está protagonizada por Javier Cámara ('Narcos', 'The Young Pope', 'El Milagro') y María Pujalte ('Los misterios de Laura').

Una parodia política que va de menos a más y que tiene como figura central a Juan (Javier Cámara), el ministro de Agricultura, un político que sueña con convertirse en presidente del Gobierno, y a todo su equipo.

La serie, para mí, comienza un pelín floja va despegando con el paso de los episodios. Deja ese tono más ligero a un lado para dar un pasito más ácido e incisivo al final y, en eso, gana muchos puntos ‘Vota Juan’.

‘Informer’ (Filmin)

‘Informer’, de la factoría BCC ha sido una de las series británicas tapadas debido al éxito de ‘Bodyguard’, pero, cuidado, posiblemente tenga un nivel más alto que la ficción creada por Jed Mercurio. Un thriller complejo y adictivo.

La historia se centra en Raza que empieza a ser coaccionado por Gabe, agente de una unidad antiterrorista, para que trabaje para él como confidente. Gabe, con un turbio pasado que amenaza con salir a la luz, está acompañado por su nueva compañera, Holly, cuya ambición y curiosidad ponen en riesgo sus planes.

‘4 Blocks’ (Prime Video)

La serie ‘4 Blocks’ es un drama denso y violento de producción alemana que se emplaza en el Berlín más peligroso y turbio. Un relato oscuro sobre las mafias musulmanas que controlan ciertos barrios de la capital.

Toni maneja el negocio de lidiar con las bandas árabes y termina queriendo dejar atrás su vieja vida para estar más tiempo con su familia, pero como era de esperar, nunca es tan simple. En la historia habrá lugar para todo: lucha entre mafias, policías infiltrados y corruptos en un cóctel totalmente explosivo y violento.

La realidad es que la madrugada del 14 al 15 de abril comienza el principio del fin de ‘Juego de Tronos’. Por eso, me aferro al artículo escrito en Vulture con el título “Is Game of Thrones the Last Show We’ll Watch Together? It marks the end of the era of television as an epic, communal journey”, para decir que la televisión cambiará para siempre después de la emisión del final de la adaptación televisiva de George R.R. Martin.

Quizá, la tesis del artículo de Vulture, puede sonar algo exagerada para muchos y acertada para otros, pero es cierto que algo va a cambiar para siempre de manera global cuando finalice a mediados de mayo la octava y última temporada. No solo por el terrible agujero -uno muy grande- que va a dejar ‘Game of Thrones’, sino también, por todo lo que ha rodeado a la serie desde que se emitiera su primer episodio en abril de 2011.

Sí, yo estoy de acuerdo, con el final de ‘Juego de Tronos’ se llegará al final de una era donde la televisión era un “viaje épico y comunitario” como marca Matt Zoller Seitz en su post. Ni siquiera el fenómeno ‘Lost’ llegó a ser tan importante -y lo fue- como lo es ‘Game of Thrones’ a nivel mundial. La clave es que estos fenómenos -como otros: ‘Los Soprano’, ‘Fringe’, 'Mad Men', ‘Battlestar Galactica’, ‘The Leftovers’ o ‘Dexter’, entre otros-, de alguna manera, se convertían en catarsis colectivas -algunos de estos amplificados y espoleados, en los últimos años, por las redes sociales-.

Soy un romántico o quizás me estoy haciendo viejo, pero, en cierta manera me siguen gustando las series de televisión que emiten de manera semanal ya que, en fondo y forma, fueron concebidas así. La “vieja” televisión y la era del viaje colectivo -tal como estaba concebido hasta ahora- quizá llegue a su fin junto con ‘Juego de Tronos’. Un cambio de paradigma debido a la irrupción en la cotidianidad de los hogares de servicios como Netflix o Prime Video.

Las series siguen -y seguirán- siendo un fenómeno de gran repercusión a escala global, pero con una experiencia menos comunitaria. Por eso, el agujero que dejará ‘Juego de Tronos’ está mucho más allá de la historia creada por George R.R. Martin y lleva a la televisión por David Benioff y D. B. Weiss. La visión no es catastrofista porque, es cierto, que vienen proyectos con mucho renombre como ‘Watchmen’, ‘The Witcher’ o la serie de ‘El Señor de los Anillos’. Aspirante a llenar ese hueco, pero creo que será difícil que sea algo remotamente igual que con ‘Game of Thrones’.

El nuevo paradigma -la era del maratón y del fast food-, hasta un punto, ha hecho qué ver serie de televisión se convierta en un sentimiento más individual, instantáneo y frío: el primero, porque cada vez se da menos esa sensación de estar viviendo esa experiencia religiosa junto a millones de personas -a la vez-; el segundo, porque el debate -de la gran mayoría de las series- se ha vuelto instantáneo, efímero y breve sin apenas tiempo para el disfrute y comentarios con amigos, compañeros, tuiteros y familiares; y, por último, se ha perdido la calidez y emoción que ofrecía el paraguas de la euforia y de la catarsis colectiva debido a lo anteriormente mencionado.

El mundo está cambiando y la forma de consumir series ya ha cambiado -o se encuentra en proceso de cambio-. Quizá ‘Juego de Tronos’ sea la última en su especie -espero que no-, pero será muy difícil que otra ficción provoque a nivel mundial y colectivo lo que ha hecho esta serie. Porque cuando vemos un capítulo de ‘Game of Thrones’ sentimos internamente que lo estamos viviendo, sufriendo, llorando y riendo junto a millones de personas en ese mismo instante y que, con el paso de las temporadas y episodios, se convierte en un viaje alucinante -“juntos” de la mano- hacia el final.

Por eso, todavía me resisto a no disfrutar de las series que se emiten semana a semana y, sobre todo, disfruto de esa experiencia con las series españolas tanto a nivel de comentar el capítulo en directo en redes sociales como la conversación del día después. No digo que ver series en Netflix o Amazon sea malo, pero quiero pensar que se pierde una pequeña -o grande-, parte de esa experiencia que tenían antaño las series.

La nostalgia, tan de moda últimamente, se apodera esta semana del artículo en una realidad seriéfila que se sentirá muy y mucho a partir del final de ‘Juego de Tronos’. El final de una era, el final de la catarsis colectiva. Solo el tiempo dirá si tengo razón. ¿Estáis preparados para despediros de Tyrion, Daenerys, Jon, Jaime, Cersei, Bran, Arya, Sansa y Cía? Yo, no.

¡Hielo o fuego! ¡Qué comience la guerra!