“Solo espero que la gente no se canse de mí”, empezó diciendo la actriz hace unos días en una entrevista de la promoción de El drama, una de las últimas películas que ha protagonizado junto a Robert Pattinson (Crepúsculo) y que se estrenará en España el próximo 29 de mayo. Zendaya tiene razones para estar preocupada. Solo en 2026, podremos verla en cinco nuevos proyectos.

La intérprete de Hollywood que debutó en la serie Shake It Up de Disney Channel confesó al medio que necesitará tomarse un descanso. “Agradezco mucho a cualquiera que apoye mis películas o mi carrera de cualquier manera. Se lo agradezco profundamente. Solo espero que no se cansen de mí este año porque, les digo una cosa, después de esto, voy a desaparecer por un tiempo. Voy a tener que esconderme un rato”. 

Además del largometraje junto a Pattinson, el primero que podremos ver de ella este año, Zendaya aparecerá en tres películas y una serie de televisión más a lo largo de 2026. 

Los cinco proyectos

En El drama, película dirigida por Kristoffer Borgli, seguimos a una pareja totalmente enamorada que está a punto de casarse pero que, después de que ciertos secretos salgan a la luz, ve cómo toda su felicidad empieza a tambalearse. A partir de ese momento, la espera de los protagonistas hacia el día de su boda se convierte en una auténtica pesadilla. 

Pero antes de poder ver este largometraje en España, llegará una serie. La tercera temporada de Euphoria se estrenará en España el 13 de abril de 2026, tras un descanso de cuatro años desde la segunda temporada. La producción de HBO regresa con Zendaya y el elenco original, entre ellos Jacob Elordi y Sydney Sweeney. La premisa de esta entrega es la siguiente: un grupo de amigos de la infancia lidian con la virtud de la fe, la posibilidad de redención y el problema del mal.

Luego tendremos que esperar hasta verano. La Odisea, la próxima película escrita, dirigida y producida por Christopher Nolan, también contará con Zendaya. El largometraje contará la historia de Odiseo, el legendario rey griego de Ítaca, y su largo viaje de regreso a casa tras la guerra de Troya. En esta adaptación del poema de Homero, la actriz interpretará a la diosa Atenea.

Ese mismo mes será el momento de que Spider-Man: Brand New Day llegue a cines. La película, cuyo estreno está previsto para el 31 de julio, se ambienta tras Spider-Man: Sin camino a casa. Peter Parker (Tom Holland) intenta centrarse en la universidad y abandonar a Spider-Man hasta que una nueva amenaza pone en peligro a sus amigos, cuando decide que debe romper su promesa y volver a convertirse en superhéroe.

Por último, a finales de 2026, podremos ver Dune 3, la tercera entrega de la trilogía dirigida por Denis Villeneuve y basada en la novela homónima de Frank Herbert. En la película, que llegará a los cines el 18 de diciembre (coincidiendo con el estreno de Vengadores: Doomsday), Zendaya volverá a interpretar al personaje de Chani. Timothée Chalamet (Paul Atreides), Rebecca Ferguson (Jessica), Florence Pugh (Irulan) y Javier Bardem (Stilgar) volverán a formar parte del reparto, al que se unen Robert Pattinson como el villano Scytale y Anya Taylor-Joy como Alia Atreides. 

Hoy día la ciencia ficción parece mayormente de derechas. Es una faena, pero es así. Incluso podríamos plantear algo similar sobre la edad dorada del género en su vertiente literaria, cuando entre los 50 y los 60 las eufóricas exhortaciones de Arthur C. Clarke a enriquecer el conocimiento científico e impulsar el progreso humano emanaban de un contexto muy concreto: la Guerra Fría. El deseo de que el capitalismo se impusiera como hegemonía a todo aquello que promulgara la Unión Soviética. Las cosas han cambiado desde entonces, claro. Una vez EEUU adelantó a la URSS en la carrera espacial, una vez el capitalismo salió victorioso, cabía preguntarse qué hacer a continuación.

¿La respuesta? El reinado de los technobros de Silicon Valley. Magnates tecnológicos que una vez leyeron con fruición literatura scifi y de fantasía, y luego se inspiraron directamente en ella para sus hallazgos. Nuevos proyectos megalómanos con una particularidad: la sociedad ya no era su beneficiario, tampoco nuestro planeta. ¿Por qué iba a serlo, si el desarrollo de esta tecnología era el mismo que aceleraba el deterioro terrestre? Michel Nieva lo explica en su ensayo sobre la Ciencia ficción capitalista. Esta vendría a ser “la fantástica narración de una ‘humanidad sin mundo’”.

“Una civilización de turistas que viven mil años y viajan por el cosmos sacándose selfies mientras la Tierra se prende fuego, y que permite al establishment corporativo aferrarse a la capacidad hegemónica de pensar futuros cuando ha sepultado a las sociedades en la incapacidad de proyectar los suyos propios”. En esto ha quedado la evasión de Clarke como narrador, a esto ha llevado su interés por que la experiencia humana trascendiera las fronteras de lo conocido. El planeta no importa, la sociedad no importa, y los antiguos frikis prefieren arrimarse a políticos y millonarios ultraliberales para que les dejen trabajar a su antojo, esquivando las presiones del Estado.

La ciencia ficción capitalista es de derechas porque es escapista. Quiere desgajarse de cualquier compromiso con las urgencias de la actualidad desde la excusa de hacer volar la imaginación, y cuesta no ver algo de esto en el planteamiento de Proyecto Salvación. Aquí la Tierra está amenazada de muerte, pero no por el cambio climático sino porque el Sol ha sido infectado por unos organismos alienígenas. Así que, para salvarla, los héroes de turno no tienen que hacer nada sobre la superficie —donde mágicamente todos los gobiernos se ponen de acuerdo para organizar la misión—, pues les basta con largarse a las estrellas y hacer ahí las gestiones pertinentes. Proyecto Salvación dice ambientarse en nuestro mundo, pero en realidad se ambienta en los sueños de Elon Musk.

De la NASA al aislamiento espacial

Resulta curioso por cuanto el máximo artífice de Proyecto Salvación, el novelista Andy Weir, parecía estar haciendo publicidad de una agencia estatal en su otra obra más conocida. Muchas escenas de Marte (El marciano) parecían animar a enrolarnos en la NASA, presumiendo de la profesionalidad de sus miembros y sobre todo de la capacidad de uno de ellos, Mark Watney, para sobrevivir a un entorno hostil. Marte saltó al cine en 2015 de una forma muy similar a cómo ahora salta Proyecto Salvación: con el guionista Drew Goddard (responsable de un título de culto como La cabaña en el bosque) y amparándose en el carisma avasallador de un actor masculino.

Antes de Ryan Gosling había sido Matt Damon. En el papel de ese Mark Watney que debía ejercer de Robinson Crusoe en Marte, Damon retuvo toda la afabilidad que invocaba la creación literaria de Weir. Que, en resumidas cuentas, venía a ser una celebración del nerd aún más contundente que una obra cercana como Ready Player One (cuyo autor Ernest Cline, de hecho, ha colaborado en el pasado con el mismo Weir). Este nerd era un amante de la cultura pop, obvio, pero sobre todo era capaz de emplear la ciencia de formas inesperadas y espectaculares para salir del atolladero.

Todo gracias a esa documentación intensiva que había realizado Weir para que cada elemento de El marciano fuera verosímil, y que vuelve a hacerse notar en Proyecto Salvación. La película correspondiente sigue invirtiendo un tiempo considerable en poner a su protagonista a hacer deducciones en tiempo real, recurriendo a todos sus conocimientos para ir resolviendo problemas y aclarar asuntos de interés decisivo. Porque esa es la gran diferencia de Proyecto Salvación con respecto a Marte: este hombre solo en medio del espacio ahora tiene la misión de salvar la Tierra, enviado por esfuerzos transnacionales para averiguar cómo detener la enfermedad del Sol.

Hay más cosas en juego, vaya, y quizá por ello Proyecto Salvación resulte una película mucho más satisfactoria de lo que fue Marte. La historia que Ridley Scott llevó a la gran pantalla adolecía de lo que podríamos llamar “porno cientifista”, en el sentido de depositar sus mayores atractivos en la exhibición de conocimiento (no solo de Watney, sino de los compañeros de la NASA que querían rescatarle), antes que en el caudal dramático. Watney estaba perdido, a punto de morir, y, sin embargo, apenas percibíamos dolor o desasosiego por su parte. Frente a esta suspensión del dramatismo, Proyecto Salvación gira en torno a eso, a salvar el mundo. No puede ser más dramática.

De forma que vuelve a hacer hincapié en el trabajo en equipo —los preparativos en la Tierra antes del despegue hacia un punto en el firmamento que tendría la clave para curar al Sol—, aunque este es rápidamente descartado de una forma muy afín a la ciencia ficción capitalista… si bien bastante sugerente. El personaje de Gosling, Ryland Grace, resulta ser un cobarde. Al contrario que al personaje de Damon, le definen las dudas y la renuencia ante su misión, y la clave para superarlas radicará en cruzarse con Rocky en medio del espacio: un científico alienígena en una misión análoga, con quien unirá fuerzas. La clave de la salvación está, nuevamente, fuera de la Tierra.

Los chistes de cultura pop

Ahora bien, la relación que forjan estos científicos de distinto planeta es irresistible. Está escrita con mucho cariño, y Rocky (con su diseño y expresividad) atina a ser la mejor muestra de lo que han aportado los responsables de adaptar audiovisualmente a Weir. En la silla de dirección tenemos a Phil Lord y Chris Miller, volviendo a dirigir por primera vez desde hace más de diez años.

El perfil de este dúo es muy interesante. Por un lado, por cómo ha ejercido de vanguardia para lógicas recientes y más bien tóxicas de Hollywood —antes de la mencionada Ready Player One ellos inauguraron las películas-escaparate IP (propiedad intelectual) en La LEGO Película, para más tarde ser acusados de explotar a los animadores en pos del rompedor aspecto visual de las películas multivérsicas de Spider-Man—, y por otro, en el lado positivo, por su talento visual y su sentido del humor. Parece forzoso remitirnos a su experiencia en la animación para racionalizar la fluidez con la que todo se mueve en Proyecto Salvación. Con una magnífica narración proclive a pasajes mudos, de pura contemplación o puro movimiento, cuyas intuiciones también moldean todo lo relativo a Rocky.

Es algo que se percibe asimismo en el aura artesanal de la fotografía o el diseño de producción. Proyecto Salvación es una película que luce muy bien, y es algo que no sería tan destacable de no haberse convertido en una rara avis del blockbuster durante los más de 10 años que han pasado desde El marciano. Lord y Miller han mimado la factura a la vez que conectaban su vis cómica con la de Goddard y la del propio Gosling. Esto último, en un ángulo no tan afortunado.

Mientras que Gosling sigue agigantando su estrellato absoluto —si ya estaba arrebatador en Barbie y El especialista, esperad a verlo desbordando química junto a un extraterrestre con forma de Pokémon—, la indudable afinidad de Lord y Miller por el tono de escritura que comparten Goddard y Weir entraña algún problema que otro. Porque ya lo veíamos en El marciano. La necesidad de acompañar la narración con cúmulos de chistes y copiosas referencias a la cultura pop.

Goddard, Weir y la dupla Lord/Miller son todos hijos de esa otra cara —complementaria a la ciencia ficción capitalista— que trajo la exaltación de la identidad nerd a fines del siglo pasado. Consiste en la referencialidad —que Proyecto Salvación también practica con un machacón uso de canciones pop—, junto a la presencia de una sorna constante. No hay solemnidad que pueda extenderse en el tiempo sin un guiño de ojos o la distancia propia de quien sabe que habita una ficción. Goddard, que a fin de cuentas militó con el infame Joss Whedon en Buffy, cazavampiros estableciendo las líneas maestras, es a estas alturas un experto en ese escepticismo que ha marcado el Universo de Marvel y otras muchas muestras de cultura pop, envasadas con chascarrillos.

Siendo una película estupenda, en algunos puntos hasta excelente —sobre todo cuando se limita a visualizar a personajes trabajando juntos—, Proyecto Salvación está atrapada en esta estética descreída, y por mucho que a veces quiera dejarse invadir por el sentimentalismo nunca llega a sacudírsela del todo. Es el cinismo nerd y, aunque suponga el reflejo menos peligroso de un imaginario que hoy abandera gente como Peter Thiel llamando a su tecnología como los Palantir de El señor de los anillos, resulta igualmente deprimente.

Torrente presidente se ha convertido en el cuarto mejor estreno español de la historia. Según Comscore España, la empresa que mide los datos de las salas de cine, la película ha acumulado 7 millones de euros en su primer fin de semana. La comedia, que se estrenó el pasado viernes sin que la prensa pudiera verla antes y sin que su director, Santiago Segura, concediera ninguna entrevista; ha superado a títulos como Avatar (2009) y El orfanato (2007).

Solamente se ha quedado por detrás de Lo imposible (2012), y la tercera y cuarta entrega de propia saga: Torrente, el protector (2005) y Torrente Lethal Crisis (2011). El resto del top 10 lo completan Torrente 5: Operación Eurovegas (2014), La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003), Alatriste (2006) y Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas (2017).

Los datos no son del todo comparables si tenemos en cuenta que la más taquillera de la historia, Lo imposible, se estrenó hace más de diez años, época en la que la asistencia a las salas era mucho mayor que ahora. De ahí a que las cifras alcanzadas por la nueva película de Santiago Segura sean aún más meritorias. Su llegada a las salas coincidió con otros títulos como Águilas de el Cairo (Tarik Saleh), El testamento de Ann Lee (Mona Fastvold), El arquitecto (Stéphane Demoustier) y Las locas del obelisco (Pablo Moreno).

La sexta entrega de la saga sitúa a un José Luis Torrente envejecido en la España de 2026, marcada por la polarización extrema. Un giro del destino lleva a que el policía acabe metido de lleno en la primera línea de la política nacional, explotando el populismo y lo políticamente incorrecto para intentar llegar a lo más alto. Segura ha contado esta vez con cameos de figuras como El Gran Wyoming, Gabino Diego, Ana Rosa Quintana, Pablo Motos, Jordi Évole, Mariano Rajoy, Kevin Spacey y Alec Baldwin.

No ha habido pase de prensa como tal de Scream 7. Y no pasa nada. Este dato no debería importarle a nadie salvo a la propia prensa, cuya única oportunidad de ver la película antes del estreno fue acudir a una proyección la noche del jueves anterior, destinada principalmente a influencers y autodenominados “creadores de contenido”. Con un margen tan escaso de tiempo, no habrá posibilidades de que Scream 7 llegue a salas comerciales con algún discurso o conversación alrededor que no sean los que haya emitido expresamente Paramount, su distribuidora.

Lo habitual en estos casos es suponer que el filme sometido a este trato no va a estar demasiado bien. Y en efecto, no lo está. Pero con Scream 7 suceden cosas más interesantes que la enésima muestra de desprecio a la prensa, pues a Paramount le interesa coartar la conversación por otras razones al margen de lo categóricamente mala que sea su película. Scream 7 ha tardado lo suyo en desarrollarse. Mucho más que el año y pico transcurrido entre Scream V y Scream VI (2022-2023), pese a que Scream VI hizo una taquilla estupenda y le gustó a los fans. Quizá por ello Paramount haya tenido la deferencia de juntarles con la prensa española en un preestreno con horas de diferencia al lanzamiento mundial. Para que aplaudan, se rían, y hagan su contenido y esas cosas.

El estudio prefiere las reacciones impulsivas en redes sociales en lugar de que tengamos fríamente presente qué ha pasado entre Scream VI y Scream 7. Lo que pasó es que Paramount y la productora Spyglass despidieron a la protagonista de esa nueva generación de personajes inaugurada en la Scream de 2022, Melissa Barrera. Y no disimularon el motivo: fue porque Barrera había denunciado en redes sociales el genocidio de Israel contra la población palestina. Barrera se fue a la calle y en seguida se le unió Jenna Ortega, su hermana en la ficción. Scream 7, cuya producción había sido confirmada al poco del éxito de Scream VI, quedó descabezada, con un guion a la deriva.

Corría noviembre de 2023 e iban a pasar más cosas. Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, responsables del relanzamiento de la saga luego de los más de 10 años transcurridos entre Scream 4 y Scream V, habían preferido dejar la dirección en manos de Christopher Landon, responsable de las películas de Feliz día de tu muerte. Landon, sin embargo, se topó con todo un polvorín mediático desatado por el despido de Barrera y la espantada de Ortega, y pocas semanas después prefirió largarse también. A estas alturas lo suyo habría sido dejar Scream como estaba, pero todos tenían presente que, saliera como saliera la película, los beneficios estaban asegurados. 

Así que Scream 7 ha vuelto a las raíces, buscando ensamblar un evento alrededor de la idea de que sea el “final definitivo” (aunque nadie podría asegurar eso a ciencia cierta). Pasan justo 30 años de la inauguración de la franquicia en 1996, el timing acompaña. Y como es Kevin Williamson quien dirige y escribe este armatoste, tras haber ideado originalmente la saga y pulir el guion de varias de sus entregas, es mucho más fácil sentenciar todo el fenómeno Scream como algo que ha sido triste y pocho desde el principio. Solo que antes igual lo disimulaba mejor.

Nada bajo la máscara

No hubo pase de prensa como tal de Scream 7, pero tampoco lo va a haber de Torrente presidente, y no lo va a haber porque a ciertas instancias de la industria les gusta de vez en cuando prescindir de intermediarios inservibles. Están en su derecho. El ejercicio crítico se antoja superfluo para lo que es una transacción como cualquier otra; Santiago Segura y Paramount saben que los juicios de los periodistas no les harán vender entradas, ni mucho menos se las van a quitar. 

Que es a fin de cuentas lo que importa. Que el público objetivo pase por caja y se lleve exactamente lo que quiere, lejos de ruido irrelevante. La crítica no tiene nada que ver con el consumo de películas y, como es eso lo que quieren productores y ejecutivos, consumo, pues para qué van a seguir tirando de inercias cuya motivación ya casi nadie recuerda. Cuya motivación, de hecho, ha perdido la partida contra lo que apunta a ser un nuevo sentido común. Todo el mundo utiliza el verbo “consumir” para las películas y series que ve. Las películas que consumo, las series que consumo. Nuestros hábitos de consumo. Paramount y Santiago Segura se limitan a corresponder a eso.

Pero de nuevo, que esto haya pasado con Scream tiene un interés especial. Lo primero que le dice el asesino Ghostface a sus futuras víctimas por teléfono es “¿Te gustan las películas de miedo?”. En los 90 habría sonado mal “¿Sueles consumir películas de miedo?”, pero, ya que en esta década fue cuando la cultura de masas sublimó todas sus contradicciones a través de la ironía, no habría que ser tan ingenuos de pensar en Scream como una saga que ha ido empeorando, o que ha traicionado unos planteamientos audaces. Scream 7 tiene más o menos los mismos ingredientes y la misma filosofía que esa otra Scream a la que le saca 30 años. Ha vuelto Neve Campbell como Sidney Prescott, además, junto a otros rostros antiguos de la saga. Elementos reconocibles a tutiplén.

Y de eso va un poco todo. La diferencia entre consumir y experimentar (a falta de otro verbo igual de cursi) es que el consumo carece de fricciones. Siempre es familiar. Es un verbo autosatisfecho que nada más enunciarse completa su función; nada queda después de él —por eso no fomenta diálogo, ni mucho menos alienta que se lean críticas u opiniones diversas después—, salvo en todo caso las ganancias de terceros. Los responsables de Scream han ganado mucho dinero gracias a películas muy calculadas que limitan su experiencia a cauces estrechísimos. Los de esa pregunta: “¿Te gustan las películas de miedo?”. El señalamiento del espectador como fan, que identifica todas las referencias y está plenamente satisfecho con su condición de fan.

La autoconsciencia de Scream —o su metanarrativa, o como lo queramos llamar— ha servido como  fin en sí mismo durante siete películas. Sí, también ha venido muy bien para disimular el escaso interés de sus artífices por cultivar el género —¿por qué ser una película de terror si puedes limitarte a decir que lo eres?— o ya solo por construir una ficción mínimamente potable. Pero nunca ha sido muy significativo. Lo que mola de Scream es que está protagonizada por espectadores como tú y que es una franquicia de ideas convalecientes que sabe que lo es y se ríe de sí misma por ello. Ah, y que desde este prisma también puede jugar con las expectativas del público.

Ya se sabe, porque la identidad de Ghostface cambia a cada entrega. No implica esto la opción del sobresalto, pues nada hay en esta persecución de lo inesperado que desafíe los cómodos márgenes del consumo. Hay una previsibilidad en su imprevisibilidad, gracias a que no existen personajes ni conflictos consistentes (o personajes y conflictos cuya lógica interna impida la afloración de los giros). Todo es familiar y la fórmula ha resistido imbatible durante múltiples entregas. Aunque sí, Scream 7 es mucho peor que la norma en la saga. Concedámosle eso. Concedámosle esa sorpresa.

Un final como otro cualquiera

Sin embargo, las razones por las que es mucho peor que los filmes previos no son demasiado interesantes. Pasa simplemente que la producción ha sido un infierno y se nota de cabo a rabo. Se ha reescrito el guion como se ha podido —introduciendo a la hija de Sidney como objetivo de una nueva encarnación de Ghostface—, se le ha subido el sueldo a Neve Campbell para que vuelva tras su ausencia en Scream VI, y se ha puesto a Williamson a dirigir con la idea de que mágicamente esto solucione algo. Y no lo hace. Scream 7 está realizada con una incompetencia obscena y unas nociones de suspense y gore totalmente desnortadas. 

Es un artefacto aún más lamentable que La asistenta de Paul Feig porque, en este caso, las condiciones de producción han sido tan cochambrosas como para aplastar cualquier posible sentido lúdico. Nadie quiere estar aquí, y nadie finge del todo bien que le importa quién es Ghostface ahora o si es cierto que Matthew Lillard ha vuelto de entre los muertos tras la primera película. A Lillard, por cierto, le vimos hace poco en Five Nights at Freddy’s 2 junto a la misma McKenna Grace que aquí tiene un papel bastante risible, y tiene su gracia porque Five Nights at Freddy’s 2 parecía El padrino comparado con este vertedero. Donde todo es aburridísimo y penoso, careciendo aún así del suficiente estrépito como para poder huir de los márgenes del imaginario consumista.

No hubo pase de prensa como tal de Scream 7, pero en un preestreno dedicado principalmente a influencers y autodenominados creadores de contenido se escucharon grandes risas y aplausos. Así que, por muy mala que pueda ser Scream 7, todo apunta a que no lo es en la medida suficiente como para obstaculizar la transacción. Carece de fricciones, no es mala de una forma agresiva o que pueda violentar a alguien. Es otro producto de tantos que apunta a ser digerible y acogedor, una nueva fiesta para todas aquellas personas a las que les gustan las películas de miedo. Y en fin, los aguafiestas no le caen bien a nadie. Quizá por ello no quede lejano el momento en que se prescinda totalmente de los intermediarios, y así la transacción fluya diáfana del todo. No sería ninguna tragedia. Total, bastante tiempo llevamos fingiendo que estas películas son películas, mientras productores y consumidores saben perfectamente que esta palabra les viene grande. 

En 1929, la escritora británica Agatha Christie publicó El misterio de las siete esferas. Aunque esta no es una de sus novelas más influyentes ni representativas, sí fue clave en su desarrollo como autora. Hablamos de una de los primeros libros que escribió, donde dejó patente su interés por desarrollar unos personajes “tipo”. Desde la protagonista ingeniosa, a la alta sociedad aristocrática, pasando por el grupo coral de sospechosos, Christie desarrolló en esta historia algunos arquetipos que utilizó en obras que vinieron después.

Este año, casi 100 después de que la novela llegara a librerías, Netflix lanzará una miniserie basada en el misterio que Christie planteó entonces. Se trata de Agatha Christie: las siete esferas, una miniserie de apenas tres capítulos que se estrena el próximo jueves 15 de enero. La ficción aterriza en la plataforma tras el reciente éxito de la tercera entrega de la saga Puñales por la espalda, protagonizada por Josh O'Connor y Daniel Craig, la cual ha logrado revitalizar el género de misterio y detectivesco.

La trama de Las siete esferas se ubica en Inglaterra en 1925, en una lujosa casa de campo donde un grupo de jóvenes se reúne para celebrar una fiesta. Allí, deciden gastarle una broma a Gerry Wade, un dormilón al que deciden asustar con ocho relojes despertadores a las 6:30h de la mañana. Pero la broma termina en asesinato y se convierte en el detonante de un misterio que va más allá del crimen.

Será entonces cuando entre en acción Lady Eileen “Bundle” Brent, una joven detective que decide tomar las riendas de la investigación con un objetivo claro: resolver el misterio de lo que ocurrió aquella noche en la mansión Chimneys. En el proceso, Bundle deberá desentrañar una escalofriante conspiración y destapará los secretos más oscuros que rodean a varios miembros de la alta sociedad inglesa. 

La serie está protagonizada por Mia McKenna-Bruce (Persuasión) como la detective, Helena Bonham Carter como Lady Caterham, Martin Freeman como el inspector, Ed Bluemel (My Lady Jane) como Jimmy Thesiger, Nabhaan Rizwan (Kaos) como Ronnie Devereux y Corey Mylchreest como Gerry Wade, la víctima del crimen. Este último dio vida al personaje del monarca Jorge en La reina Carlota: una historia de Los Bridgerton, por lo que vuelve a protagonizar un drama de época.

Otros libros de Christie en la pantalla

Christie sigue siendo una de las autoras más adaptadas al cine y la televisión del mundo. Sus novelas han inspirado multitud de series y películas a lo largo la historia, con grandes producciones recientes como Asesinato en el Orient Express (2017), con Kenneth Branagh como director e intérprete del famoso detective Hércules Poirot, o Muerte en el Nilo (2022), una secuela de la anterior.

En los últimos años, el género “whodunit” [abreviatura de “Who [has] done it?”, que literalmente significa “¿Quién lo hizo?”], centrado en resolver un crimen a través de la deducción lógica, ha experimentado cierto crecimiento en pantalla. Películas como Puñales por la espalda, con sus consiguientes secuelas (Glass Onion y Wake Up Dead Man), han sido claves en este sentido. Estas han destacado por emular, en cierta forma, el estilo de las novelas que Christie escribió hace años y que la consagraron como una de las autoras de crimen y misterio más importantes del mundo.

Un año más, el mundo del entretenimiento se prepara para el lanzamiento de nuevas películas. Este 2026, sin embargo, continúa con una tendencia que empezó hace un tiempo y que, solo con ver el calendario de estrenos, queda patente: Hollywood está apostando más que nunca por las segundas partes. Segundas, terceras, cuartas e incluso quintas, sextas y séptimas partes. Muchos de los estrenos que llegarán a la gran pantalla este año serán secuelas que seguirán exprimiendo historias que ya conocemos.

Es el caso de Spider-Man: Brand New Day, la cuarta entrega de la saga Spider-Man con Tom Holland como protagonista, cuyo estreno está previsto para el 31 de julio. También de Dune 3, la tercera entrega de la película de ciencia ficción dirigida por Denis Villeneuve y protagonizada por Timothée Chalamet, y de Los Vengadores: Doomsday, la nueva entrega del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Ambas llegarán a cines el 18 de diciembre.

Sin embargo, no son las únicas secuelas de este 2026. Todo empezará el próximo 16 de enero con el estreno de 28 años después: El templo de los huesos, la cuarta película de la saga de terror postapocalíptico. Seguirá a finales de febrero con el estreno de Scream 7, en marzo con la llegada de Peaky Blinders: El hombre inmortal, película que expandirá la serie de Netflix, y en abril con la nueva de Nintendo, Super Mario Galaxy: la película. 

A finales de abril también llegará El diablo viste de Prada 2, que contará con el regreso de Meryl Streep y Anne Hathaway. En mayo, será el turno de Mortal Kombat 2 y la vuelta del universo de Star Wars con el estreno de The Mandalorian & Grogu. En junio, llegará al cine la sexta entrega de Scary Movie, así como la quinta parte de Toy Story. 

¿Y después del verano?

En verano, los más pequeños podrán disfrutar de Minions 3, prevista para el 1 de julio, y Patrulla Canina: La Dino Película, anunciada para el 24 de julio. En el calendario también está el lanzamiento de la película de acción real de Vaiana, un remake de la película de Disney de hace apenas una década. Además, a finales de agosto, habrá hueco para el terror con el estreno de la nueva película de Insidious, Insidious: The Bleeding World. 

Algunas de las secuelas previstas para este 2026 todavía no tienen una fecha clara de estreno. Es el caso de Jumanji 5, Enola Holmes 3 (protagonizada por Millie Bobby Brown, que acaba de despedirse de Stranger Things tras una década interpretando al personaje de Eleven), Fall 2, Heartstopper: Forever, Las aventuras de Cliff Booth (secuela de Érase una vez en Hollywood, de Quentin Tarantino, Air Bud Returns, Noche de bodas 2 y Supermaderos 3. 

Ni siquiera sagas que se anunciaron como acabadas en su día, como la mítica Toy Story de Disney, han podido resistirse a lo que muchos ya denominan la “secuelitis” de Hollywood. La industria lleva años apostando por este tipo de películas, que no solo incluye las secuelas propiamente dichas (segundas partes), sino también los remakes (nuevas versiones de éxitos anteriores) y los spin-off (ampliaciones de universos ya conocidos).

La llegada de Internet cambió para siempre la forma en que nos relacionamos con los demás. Las aplicaciones de mensajería nos han permitido mantenernos conectados las 24 horas del día, pero han alterado la capacidad de resistencia de los vínculos. Debería parecer paradójico que, en un momento en el que tenemos infinidad de vías para contactarnos, la soledad no deseada esté golpeando con fuerza a jóvenes y mayores. Es por ello que la cineasta japonesa Hikari —que sorprendió a todos con la serie Beef— se ha propuesto abordar la importancia de las relaciones humanas en Rental Family, un nuevo drama familiar que llega a la cartelera este viernes 9 de enero.

Con Brendan Fraser a la cabeza del reparto, la película reflexiona sobre cómo las conexiones emocionales penden de un hilo conforme más nos dejamos sumergir en un mundo lleno de algoritmos. Lo hace, además, jugando con la idea de las falsas realidades, que la directora inmortaliza a través de una agencia japonesa de familias de alquiler. Quienes trabajan en esta agencia interpretan papeles de suplente para desconocidos, abriendo la posibilidad de que alguien pueda alquilar una madre, un hijo, una hermana o incluso amigos para el funeral de un ser querido. La línea entre la realidad y la actuación, sin embargo, se va difuminando poco a poco, llegando a recordar a la superficialidad que reina en las redes sociales.

“Por mucho que haya avanzado la tecnología y por mucho que la gente esté conectada a las redes sociales, el nivel de depresión está aumentando más que nunca en los últimos diez años”, dice Hikari a este periódico. “Así es cómo te conectas con la gente, enviando mensajes de texto. A veces ni siquiera coges el teléfono para hablar con ellos. ¿Con qué frecuencia has hablado con la gente en comparación con hace diez años?”, inquiere la cineasta, que, aunque destaca que esta realidad “da un poco de miedo”, señala que es por la que se propuso “escribir una historia que conectara realmente con las personas, no a través del teléfono, sino a través de la conexión humana”.

Interpretando a un actor estadounidense que se encuentra perdido en la vida hasta que por casualidad le ofrecen trabajar para esta agencia de familias de alquiler, Brendan Fraser afirma que “no hay nada que pueda sustituir la autenticidad de tener una relación con alguien”. Pese a que la artificialidad de algo en una pantalla o en un dispositivo haga creer que “te está haciendo bien”, el intérprete comenta que “no es necesariamente así porque no es tangible”. “Intenta dejarlo a un lado y conectar con alguien. No envíes mensajes de texto. Coge el teléfono y habla. Pruébalo. Llama a tu madre si tienes oportunidad”, agrega.

Brendan Fraser viene de ganar el Oscar al mejor actor por su papel en La ballena (2022), que reconoce que le ha hecho tener una “sensación de logro”. “Me ha hecho sentir que tengo la responsabilidad de mantener, con suerte, un nivel de trabajo que me haga sentir que lo merecía”, dice Fraser, que declara que eligió Rental Family como uno de sus siguientes proyectos porque narra algo “fuera de lo común”: “No sabía muy bien qué era una familia de alquiler, pero aprendí que en Japón se puede contratar a miembros de una familia para que sustituyan a las personas que echas de menos en tu vida”.

“Las personas que necesitan este tipo de cuidados son las que menos lo reciben en la cultura y sociedad japonesa, pero la atención a la salud mental está estigmatizada. A menudo, los problemas no se abordan, salvo con esta solución alternativa, que consiste en contratar sustitutos para que ocupen el lugar de las personas”, explica Fraser, que cuenta que “hacer una película como esta da credibilidad a la necesidad que tenemos de establecer conexiones auténticas entre nosotros, dado que nos encontramos viviendo en un mundo cada vez más cínico y tristemente dividido”.

Deslizar el dedo hacia la izquierda y hacia la derecha en los móviles nunca va a sustituir la autenticidad de sentarse con alguien con quien necesitas conectar

Brendan Fraser — Actor

La cinta está ambientada en el Tokio actual, de ahí que haya sido tan importante representar bien las costumbres y el sentir de la gente de Japón. Hikari explica que a los japoneses les enseñaron durante la infancia una palabra cuyo significado reside en que “no debes mostrar tus verdaderos sentimientos y que debes vivir tras una fachada”. “Eso se nos quedó grabado al crecer, porque para mantener la armonía en la sociedad reprimes tus emociones”, indica la directora, apuntando que es por ello que existen empresas de familias de alquiler cuyo propósito es “llenar el vacío a través de la conexión humana”.

La película ahonda en las cuestiones éticas y morales que se plantean a partir de este acuerdo comercial, enfatizando el valor que hay detrás de cada nuevo vínculo, por muy forzado que sea. Brendan Fraser alega que “deslizar el dedo hacia la izquierda y hacia la derecha en los móviles nunca va a sustituir la autenticidad de sentarse con alguien con quien necesitas conectar, aunque esa persona realmente no sea tu madre, tu padre o tu abuela”. Hikari, por su parte, cuenta que “no se debe mentir a los demás ni a uno mismo, pero si creas una situación que te hace sentir realizado y feliz, aunque la otra persona no sea tu mejor amigo, tu novia o tu padre y te proporciona lo que necesitas, la mentira se convierte en verdad”.

“No creo que esa persona se esté mintiendo a sí misma”, añade la cineasta en alusión a quienes requieren de una familia de alquiler. “Lo que está haciendo es crear una realidad que le funciona para ser feliz. ¿Y quiénes somos nosotros para juzgar? Mientras seas feliz, estoy totalmente a favor. Por eso quería escribir una historia sobre esto”, declara Hikari. Asimismo, Brendan Fraser desea que “las películas puedan ser lo que Roger Ebert describió como máquinas de empatía”: “No todo es color de rosa, pero no hay razón para no pedir ayuda. Ahora que son las fiestas y que es un momento especialmente vulnerable para nosotros como sociedad, pide ayuda si la necesitas. Te sorprenderá que puedes recibirla”.

La directora insiste en que “cuanto más te guardas para ti mismo, menos conectas con otras personas y todo se te queda en la cabeza”: “Y meterte en tu cabeza es lo peor que te puede pasar, porque no ves nada más. Así que, antes de llegar a ese punto, e incluso si ya estás ahí, intenta conectar con los demás y expresar tus sentimientos en voz alta, es una manera de salir de tu cabeza”. De hecho, Brendan Fraser agrega que deberíamos hablar más sobre cómo nos sentimos, algo que el filme “hace sin titubeos y sin complejos”.

“La película hace pensar en lo que significa sustituirnos unos a otros, y en que, aunque sea fingido, tiene valor”, destaca el intérprete. Es por este mensaje que también Hikari recomienda y anima a la gente a que “dé el primer paso y establezca esa conexión humana”. “Puedes encontrar gente en Internet, lo cual es bueno, pero también puedes buscar una comunidad con la que practicar deporte, con la que jugar a las cartas... ahora hay muchas opciones. No tiene por qué ser solo una persona, puedes encontrar una gran comunidad con la que conectar”, reflexiona, concluyendo que “se puede lograr la conexión humana a través de esa comunidad”.

La presencia de Tardes de soledad al frente de la lista de Cahiers du Cinéma de lo mejor del año ha sido un buen corolario para lo que ha dado de sí internacionalmente el cine español. Al margen del desempeño que le quede por tener a Sirât en la carrera de premios, pocas dudas caben de que 2025 ha sido un año excelente para nuestra cinematografía y su proyección extramuros. Y este honor “tardío” para el documental de Albert Serra es significativo, pues de cara a 2026 se espera su nueva película de ficción. Out of this World será su primera producción en inglés, con F. Murray Abraham y Riley Keough (luego de que se tanteara a Kristen Stewart) de protagonistas.

Como Pacifiction, Out of this World abordará la geopolítica —en este caso la guerra de Ucrania— y es posible que, como Pacifiction, tenga su premiere en el Festival de Cannes. Antes de eso llegaría en marzo lo nuevo de otro de nuestros autores más universalmente aclamados, Pedro Almodóvar, que con el León de Oro de Venecia bajo el brazo (por La habitación de al lado) regresa a su idioma materno en Amarga Navidad rodeándose de Bárbara Lennie, Aitana Sánchez-Gijón o Vicky Luengo. Esta última, cada vez más solicitada, se dejaría ver meses después en El ser querido de Rodrigo Sorogoyen, donde Javier Bardem interpretaría a un padre director de cine que le ofrece un papel a su hija actriz, en una tesitura curiosamente similar a la que plantea la reciente Valor sentimental.

Los Javis estrenarán el año que viene su primera película como directores tras La llamada —y la primera desde su ruptura sentimental—, basándose La bola negra en una obra inconclusa de Lorca. Quieren estudiar “lo que significa ser maricón a lo largo del tiempo” con un reparto muy llamativo —de Penélope Cruz a Guitarricadelafuente— y ajustándose a una ambientación histórica que guiará algunas de las producciones españolas más ambiciosas de la temporada. Como Sacamantecas —lo nuevo de David Pérez Sañudo, aquí inspirándose en el primer asesino en serie de nuestro país— o Minotauro, con la que Julio Medem se adentra en la génesis del Guernica de Picasso.

Tras el éxito de su serie Yo, adicto, Javier Giner debutará en el largo con Esta soledad, mientras Cesc Gay se propone adaptar su propia obra de teatro en 53 domingos, apoyado por Netflix. También es un fenómeno teatral lo que impulsa Burundanga, el regreso de José Corbacho a la dirección y una prueba del volumen al que seguirá rindiendo la comedia en nuestro país. El taquillazo de Perfectos desconocidos en 2017 es uno de los hitos del género, y por fin tendrá secuela casi diez años después. Perfectos conocidos será sin embargo dirigida por Javier Fesser y no Álex de la Iglesia: él está ocupado con La cuidadora, donde por fin se reúne con Carmen Maura tras La comunidad.

Hay buenas previsiones para Cada día nace un listo —Arantxa Echevarría volviendo al molde de Políticamente incorrectos tras coronarse con La infiltrada—. También las hay para La familia Benetón+2, la inevitable secuela de la comedia de Leo Harlem, que será, sin embargo, eclipsada por Torrente presidente, donde su compañero Santiago Segura amenaza con satirizar a la clase política una vez ha concluido su ciclo Padre no hay más que uno y se propone resucitar a su personaje más recordado. Está por ver cómo funciona antes el experimento meta de Aída y vuelta a principios de año, mientras la cuarta entrega de Tadeo Jones lo tiene todo para arrasar.

Animación, videojuegos y secuelas aterradoras

Los dibujos animados atraen cantidades masivas de público. Lo acaba de demostrar Zootrópolis 2, aunque está por ver si la siguiente película de Disney Animation prevista para noviembre de 2026 tiene la misma suerte: Hexed, que narra una relación madre-hijo en un mundo de fantasía medieval, no es secuela de nada, y eso últimamente está deparando grandes fracasos para la Casa del Ratón. Así que su estudio subsidiario, Pixar, cruza los dedos con Hoppers —una suerte de Avatar donde una joven ecologista se hace pasar por castor—, aunque, si esta no funciona, al menos tiene previsto estrenar unos meses después, para verano, Toy Story 5.

La nueva aventura de los juguetes —ahora enfrentados a una tablet maligna— será otro bombazo de Disney. Existe la posibilidad, sin embargo, de que Super Mario Galaxy supere su recaudación: el 3 de abril volverá el fontanero de Nintendo. Illumination sigue a cargo de la licencia —preparando también Los Minions 3 para el verano—, mientras que Super Mario Galaxy no será la única adaptación animada de unos videojuegos icónicos: de cara a las siguientes Navidades llegaría una tercera entrega de Angry Birds. Sony Animation está detrás de ella, en un año donde se las promete muy felices gracias a Como cabras —baloncesto con animales antropomórficos— o al Oscar a Mejor película animada que es probable que le dé Las guerreras k-pop.

Volviendo a Disney no habría que perder de vista a Vaiana: remake de acción real de una película de dibujos con apenas una década de vida, que conserva a un Dwayne Johnson de carne y hueso como Maui. Los remakes y reboots siguen a la orden del día en Hollywood. Sin alejarnos de los videojuegos tendremos nuevas películas de Mortal Kombat y Street Fighter —con Noah Centineo de protagonista tras haberse quedado sin interpretar a He-Man; este tendrá el rostro de Nicholas Galitzine en la Masters del Universo que Mattel quiere para la temporada veraniega—, mientras que la nostalgia allanará el camino de las secuelas de El diablo viste de Prada, Prácticamente magia y… Los padres de ella, cuya cuarta entrega ha fichado a Ariana Grande tras el triunfo de Wicked.

El mencionado Johnson estrenará asimismo una nueva Jumanji en las Navidades de 2025 queriendo homenajear a Robin Williams, y consolidando la dinámica de recurrir a éxitos previos para asegurar una taquilla imprevisible. Es algo que también suscribe el cine de terror, aunque es cierto que la idea de partida de 28 años después ya era que su historia continuara en dos entregas: El templo de los huesos inaugurará en enero la cosecha terrorífica, muy conectada igualmente a los videojuegos. Christophe Gans estrena Return to Silent Hill, mientras que un Zach Cregger recién catapultado por el éxito de Weapons tiene vía libre para hacer con la marca Resident Evil lo que se le antoje.

Quizá el gran evento de terror del año —con permiso de Terrifier 4, que se supone concluiría la sangrienta historia de Art el Payaso en Halloween— sea Scream 7, con el reparto antiguo de vuelta para enfrentarse a Ghostface, y así disimular que ha perdido a las actrices principales (Jenna Ortega y Melissa Barrera) y a los directores de las dos últimas entregas (Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin volverán a sus orígenes con Noche de bodas 2). Aunque seguramente nada le haga tanto daño como tener cerquísima el estreno de Scary Movie 6, con los hermanos Wayans de vuelta para parodiar todo lo que haya propuesto el género en los últimos años.

Entre el blockbuster y el cine de autor

Clayface es otro filme de terror previsto para septiembre, dirigida por James Watkins tras haber convencido a la cinefilia con No hables con extraños. Su gran particularidad es que pertenece al Universo DC de James Gunn, decidido a inyectarle variedad al adocenado cine de superhéroes. Lo hará, eso sí, después de que Supergirl continúe la senda del Superman previo, con Milly Alcock en el papel de su prima kryptoniana. Frente a este lento reinicio de la Distinguida Competencia, Marvel Studios prepara para el año que viene el gran clímax de su Saga del Multiverso, que volverá a constar, como cuando Vengadores: Infinity War/Endgame, de dos partes.

Luego de que Tom Holland vuelva a balancearse en Spider-Man: Brand New Day —película que, pese a añadir a Mark Ruffalo como Hulk, quiere devolver al trepamuros a una cotidianidad urbana fuera de los excesos multivérsicos de No Way Home—, la incansable máquina de Kevin Feige estrenará en diciembre Vengadores: Doomsday. Tras las últimas decepciones de crítica y público, Marvel orquestará un nuevo evento Vengador —con vistas a continuar en 2027 con Vengadores: Secret Wars— sin tampoco jugársela en exceso. Por eso volverán Anthony y Joe Russo como directores, junto a los X-Men de los 2000 e incluso Robert Downey Jr. (ahora como villano).

Este conservadurismo de Disney explica también que la primera película de Star Wars que produce en seis años —tras la debacle de El ascenso de Skywalker— vaya a ser The Mandalorian & Grogu, culminando aquella serie que tan bien le sirviera para vender suscripciones a su plataforma de streaming. La taquilla mundial parece garantizada con esta aglomeración de jugadas seguras —no hay que perder de vista lo mucho que puede arrasar Michael, tanto como para que sus artífices ya estén pensando en dividir este biopic de Michael Jackson en dos partes—, y quizá haya que buscar en otro sitio para hallar películas que aúnen el espectáculo con cierta ambición o personalidad.

Nos habría gustado que Greta Gerwig escogiera un proyecto más apetecible tras Barbie, pero habrá que confiar en esa adaptación de Las crónicas de Narnia que desarrolla con Netflix. Proyecto Salvación, con Ryan Gosling, adapta otra novela del estimulante autor de El marciano, y le sigue de cerca una nueva precuela de Los juegos del hambre. Amanecer en la cosecha —con Ralph Fiennes, Elle Fanning o Jesse Plemons al frente— quiere seguir enriqueciendo el legado de Suzanne Collins.

Lo mismo que Denis Villeneuve quiere hacer con su amado Frank Herbert, en una Dune: Parte 3 que Warner quiere tener lista para Navidad (veremos si lo logra). Y entre todos estos autores comerciales se erige, por supuesto, Christopher Nolan, fijando a Homero como objetivo y a la historia de la que nacen todas las historias: seguramente sea La Odisea la superproducción más esperada del año, encabezada por Matt Damon como un Ulises ansioso por volver a casa.

Alrededor de Nolan se perfilan otras propuestas tan sugerentes como el nuevo y enigmático film de Steven Spielberg —que aún no tiene título, pero sabemos que retomará su obsesión por los extraterrestres—, Remain de M. Night Shyamalan o Artificial de Luca Guadagnino. El incansable italiano quiere ahora arremeter contra Silicon Valley alrededor de los inicios de ChatGPT, dentro de un proyecto que halla ecos con The Social Reckoning. Por supuesto que La red social debía tener una secuela que siguiera cubriendo el turbio historial de Mark Zuckerberg, con Aaron Sorkin ahora dirigiendo además de escribiendo, pues David Fincher está ocupado.

¿En qué estará ocupado Fincher? En la secuela de Érase una vez en Hollywood, que protagoniza Brad Pitt y produce Netflix con guion de Quentin Tarantino (quien sigue dándole vueltas a cuál debería ser la película merecedora de clausurar su carrera). The Adventures of Cliff Booth volverá a echar un vistazo a las bambalinas de Hollywood, si bien hay otra propuesta de este corte que va a atraer todas las miradas en 2026: la nueva película en inglés de Alejandro G. Iñárritu, que ha fichado a Tom Cruise para un misterioso papel. Uno que, asumimos todos por el precedente Birdman, estará basado en él mismo.

El regreso de Cruise al cine de autor encabezará la carrera al Oscar, rodeado de talentos más jóvenes que acaparen la conversación. Es lo que pronto hará Emerald Fennell con Cumbres borrascosas coincidiendo con San Valentín, precediendo lo nuevo de David Lowery (Mother Mary) o David Robert Mitchell (Flowervale Station). Todo para concluir en Navidades con otra versión del Hombre Lobo a cargo de Robert Eggers (similar a la jugada de Nosferatu en 2024) y una más del Cuento de Navidad de Charles Dickens. Dirigiendo en este caso Ti West, asiduo al cine de terror, con nada menos que Johnny Depp como Scrooge. Una forma de acabar el año como otra cualquiera.

Rowan Atkinson está de estreno con un nuevo proyecto televisivo. El pasado 12 de diciembre, llegó a Netflix su nueva miniserie, El hombre contra el bebé, donde interpreta a Trevor Bingley, conserje de un colegio que hace de cuidador en un ático de lujo de Londres. Al personaje lo conocimos en 2022, con El hombre contra la abeja, aunque en esta ocasión la trama se centra en cómo el hombre debe hacerse cargo de un bebé al que se olvidan de recoger del Belén escolar. 

Como parte de la promoción de esta comedia de cuatro episodios, ya disponibles en la plataforma de streaming, Atkinson ha participado en diferentes encuentros y presentaciones. Durante la proyección en Londres de la miniserie, el actor británico reveló algo que pocos esperaban: si Mr. Bean fuera una persona real, no lo soportaría. Hablamos del personaje por el que todo el mundo lo conoce y que ha interpretado durante décadas en su trayectoria. 

“Mr. Bean es un niño egoísta, egocéntrico y anárquico”, sentenció Atkinson durante la conversación que se generó tras la proyección. “No me gusta como persona, desde luego nunca querría cenar con él. Pero al mismo tiempo me gusta como personaje, porque quizá se parece un poco a cómo era yo a los diez años: ese tipo de egoísmo infantil y de resolver las cosas de una manera un tanto excéntrica. Pero aun así, no lo querría en mi casa”, añadió.

Atkinson compartió su opinión sobre este personaje, una especie de Charles Chaplin moderno que obtuvo un gran éxito en los años 90, después de que le preguntaran por su nuevo papel para Netflix. El actor confesó que le gusta mucho interpretar a Bingley: “Simplemente me gusta interpretar a un buen tipo por una vez, algo que no he hecho muy a menudo”, explicó.

“Es realmente un hombre bastante agradable. Y eso me gusta. Trevor Bingley, en su forma básica, cuando no está siendo psicópata, es posiblemente una de las personas más amables que he interpretado. Porque creo que la mayoría de las personas a las que he dado vida han sido profundamente desagradables”, añadió Atkinson frente a la audiencia.

Casi 20 años haciendo de Mr. Bean

La serie original de Mr. Bean se estrenó en 1990 y se alargó durante cinco años, hasta 1995. Esta tuvo un gran éxito internacional, lo que llevó a Rowan Atkinson a seguir interpretando a este peculiar personaje mucho tiempo después. Se llegó a hacer una película en 1997, titulada Bean, dirigida por Mel Smith, y en 2007 se estrenó una segunda, titulada Las vacaciones de Mr. Bean.

Pero Mr. Bean no solo ha aparecido en sus propios productos. El personaje hizo un cameo en Love Actually (2003), un clásico navideño, y participó en un sktech cómico en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012. Según Deadline, este personaje es una de las mayores exportaciones de comedia del Reino Unido desde que la serie original se lanzó en 1990. La marca se ha vendido a más de 190 países, mientras que su canal de YouTube tiene 35 millones de suscriptores y más de 12 mil millones de visitas.

Años después de su estreno, la primera de Avatar (2009) sigue siendo la película más taquillera de la historia del cine. El largometraje dirigido por James Cameron consiguió recaudar 2923 millones de dólares y superó a Titanic (1997), que hasta ese momento tenía el récord de recaudación. El éxito fue tal que el universo de Pandora siguió expandiéndose: en 2022, se estrenó El sentido del agua y, el próximo 19 de diciembre, será el turno de Fuego y ceniza. 

En principio, la tercera no será la última película que Cameron desarrollará sobre los na’vi. Disney tiene previsto que habrá dos películas más (Avatar 4 y Avatar 5), que se estrenarán en 2029 y 2031 si todo sale como está planeado. Pero ¿y si no? ¿Qué pasaría si Fuego y ceniza es un fracaso y no consigue atraer al público esperado? ¿Estaría la empresa de Mickey Mouse interesada en seguir desarrollando esta historia?

Su creador ha declarado estar listo para abandonar la franquicia si es necesario. “Llevo 20 años en el mundo de Avatar. En realidad, 30 porque lo escribí en el 95, pero no trabajé en él continuamente durante esos primeros 10 años. Así que sí. Si aquí termina, genial”, compartió durante su participación en el podcast The Town, presentado por el periodista Matthew Belloni.

El riesgo de las secuelas

En el podcast, Cameron admitió que estaba nervioso por el desempeño en taquilla de Avatar: Fuego y ceniza y que era consciente de que hoy en día, en plena era del streaming, es difícil confiar en que los estrenos en cine vayan a funcionar. En el caso de su película, el enorme presupuesto que ha conllevado su producción también es un punto a tener en cuenta.

“Es una tonelada de dinero, lo que significa que tenemos que ganar dos toneladas para obtener ganancias”, explicó después de que se le preguntara por cuánto había costado hacer el largometraje. “No me cabe duda de que esta película generará dinero. La pregunta es: ¿ganará lo suficiente como para justificar repetirla?”, reflexionó.

Cameron también compartió su opinión sobre el riesgo de lanzar segundas, terceras e incluso cuartas partes de una historia. “La gente suele descartar las secuelas a menos que se trate de la tercera película de El Señor de los Anillos y quiera ver qué les pasa a todos, que en mi opinión es la culminación de un arco argumental, pero puede que el público no lo vea así”. 

Si tiene que abandonar Avatar en formato cinematográfico, el director ya ha pensado una alternativa: “Quedarán historias abiertas. Escribiré un libro”. Lo que tiene claro es que si sigue habiendo películas, estas se desarrollarán bajo su mirada. “Hay niveles en los que puedo sumergirme. Podría producirla. No creo que alguna vez haya una versión de otra película de Avatar que no produzca de cerca”, concluyó. 

La noticia sobre la suspensión de la serie The Hunt (Traqués, en francés) ha sorprendido al sector audiovisual internacional. La plataforma de streaming Apple TV retiró de manera repentina la esperada producción francesa de su programación, en la que su estreno aparecía previsto para el próximo miércoles día 3 de diciembre. Según publicó Apple Insider el martes, detrás de esta decisión habrían estado unas denuncias por plagio.

El medio explicó que el creador y director de la serie de suspense, Cédric Anger, ha sido acusado de copiar la historia de la novela Shoot, escrita por el escritor fallecido Douglas Fairbairn y publicada en 1973. Las acusaciones se hicieron públicas por primera vez a través del comentarista francés Clément Garin, que publicó esta información en su cuenta de Substack.

El mismo día que la exclusiva salió a la luz, la productora francesa Gaumont confirmó en un comunicado que la serie había sido archivada y que iban a investigar las acusaciones de plagio. “Actualmente estamos llevando a cabo una revisión exhaustiva para abordar cualquier duda relacionada con nuestra producción. Nos tomamos muy en serio los asuntos de propiedad intelectual”, señaló la productora.

La serie de Anger cuenta la historia de Franck y un grupo de amigos que suelen ir juntos de cacería los fines de semana. En una de esas salidas, se cruzan con otro grupo de cazadores que, sin motivo aparente, los atacan. Uno de los amigos acaba matando a uno de los cazadores, pero deciden no denunciar lo ocurrido y seguir con sus vidas. Sin embargo, poco a poco Franck y los demás comienzan a sentirse vigilados. 

La sinopsis de la novela de Fairbairn es prácticamente idéntica a la serie que iba a llegar a la plataforma de Apple en apenas unos días. De momento, ni Cédric Anger ni los productores ejecutivos de The Hunt han hecho ninguna declaración sobre lo ocurrido. Tampoco Apple TV ha comentado nada públicamente sobre la retirada de la producción francesa de su catálogo.

Otra acusación de plagio reciente

El caso de The Hunt no es único, pues a lo largo de la historia del cine y la televisión, multitud de producciones han sido acusadas de ser una copia. La última fue Anora, la producción de Sean Baker que se llevó el premio a Mejor película del año en los Oscar de 2025. En este caso, fue Emily D. Warfield, terapeuta y escritora, quien acusó al director de haberle robado la idea.

Según explicó entonces en redes sociales, su equipo le enseñó al cineasta un episodio piloto que estaban preparando para que Baker les diera su opinión, pero este acabó quedándose con la estética para su película. “Robó los personajes, el escenario, los temas y el tono”, denunció Warfield en su perfil de Bluesky.

Algunos no se acordarán de ella, pero en 2016 Zootrópolis fue todo un fenómeno cinematográfico. La película de Walt Disney dirigida por Byron Howard y Rich Moore recaudó alrededor de 1.024 millones de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los largometrajes más taquilleros de aquel año junto a Capitán América: Civil War, Star Wars: Rogue One y Buscando a Dory. Este viernes 28 de noviembre, la segunda parte de aquella historia protagonizada por unos animales adorables llega a los cines de España.

En Zootrópolis 2, volvemos a encontrarnos con los inspectores de policía Judy Hopps y Nick Wilde, quienes siguen la pista a un misterioso reptil que llega a Zootrópolis y pone patas arriba la metrópolis de los mamíferos. Para resolver el caso, Judy y Nick deben acudir de incógnito a nuevas zonas de la ciudad, en las que su relación se pondrá más a prueba que nunca. 

“Es una película increíblemente ambiciosa. Para empezar, tenemos un montón de nuevos y espectaculares escenarios. Además, es una película muy cinematográfica, con mucha acción, así que incluso la forma en que la cámara se mueve está a un nivel nunca antes visto en la animación”, señaló Jared Bush en una entrevista para RTVE. Aunque han pasado casi diez años desde que se estrenó la primera parte, se espera que la nueva de Zootrópolis vuelva a ser todo un éxito en taquilla.

¿Una enorme recaudación a nivel mundial?

Según varios pronósticos, se espera que el largometraje de Disney recaude unos 500 millones de dólares a nivel mundial en este primer fin de semana de estreno. Para alcanzar esta recaudación, el mercado de Estados Unidos y el europeo jugarán un papel fundamental, pero lo que muchos no saben es que todas las miras están puestas en cómo funcionará la película en China.

Esta se estrenó en el país asiático hace un par de días, y las cifras de asistencia han marcado un récord. Con una recaudación estimada de 240,2 millones de RMB (34 millones de dólares), Zootrópolis 2 ha conseguido la mayor recaudación en taquilla en un solo día para una película de animación estadounidense en la historia del país. Además, se ha convertido en el mayor día de lanzamiento para una película de Disney en China desde mayo de 2021, según ha recogido Deadline.

En China, esta película es todo un fenómeno aclamado por el público. De hecho, Shanghai Disneyland es el único parque temático de la franquicia que tiene toda una zona entera dedicada a Zootrópolis, con atracciones exclusivas y escenarios que llevan a la realidad la metrópolis en la que viven los animales de la producción audiovisual. 

La segunda parte de Zootrópolis se suma a los últimos estrenos de la franquicia de entretenimiento creada por Walt Disney, como Elio (2025), los live-action de Lilo y Stitch (2025) y Blancanieves (2025), Mufasa: el rey león (2024) o Moana 2 (2024). Los siguientes lanzamientos llegarán el año que viene, con el estreno de Toy Story 5 y la adaptación con personas reales de Vaiana.

Es una verdad universalmente aceptada que los segundos actos de los musicales de Broadway dejan mucho que desear. Hay excepciones, pero lo normal es que la parte del espectáculo correspondiente al Acto II, después del descanso, sea mucho menos memorable y la decepción cunda en el patio de butacas. No hay una razón clara. La tradición del teatro musical neoyorquino es tan amplia como la variedad de circunstancias que pueden guiar la manufactura de un espectáculo concreto, así que conviene tirar de algún caso especialmente transparente y, a partir de ahí, elucubrar.

Por ejemplo, Hamilton. Una de las últimas y más colosales sensaciones de Broadway se concibió hace cerca de diez años a partir de una idea —la biografía de uno de los Padres Fundadores de EEUU— y una canción: Lin-Manuel Miranda ya había llegado incluso a interpretar el tema Alexander Hamilton en la Casa Blanca antes de diseñar un esquema completo con el repertorio correspondiente. La semilla había sido una canción, y no cualquier tipo de canción: una enérgica presentación de personaje. Podríamos sugerir, entonces, que la gramática de Broadway rinde mejor en lo que se refiere a abrir tramas y “prometer” cosas. Es cuando una euforia muy palpable, la propia de contemplar el horizonte, alimenta las expectativas del público y precipita su entusiasmo.

Quizá por eso buena parte de los grandes temas del cancionero de Broadway están en el Acto I. También suele ocurrir que los medleys —esos popurrís tan satisfactorios integrados por canciones previas— figuren al final del Acto I, para acabar en lo más alto antes del descanso. Con lo cual el Acto II debe limitarse a cerrar tramas —algo mucho más ingrato que abrirlas— mientras sacrifica la alegría por lo desconocido y lo posible. Las canciones pierden aplomo en consecuencia. Se hacen más melancólicas, acaso más íntimas, y, en resumidas cuentas, no dan tanto la sensación de que el musical de turno termine, como que en realidad se está apagando. Consumiendo lentamente.

El Acto I de Wicked —el otro gran “megamusical” antes de Hamilton— no concluye con un medley, aunque sí con su canción más famosa. Defying Gravity es una composición épica, de feroz e intenso dramatismo, con el que originalmente en 2003 presumían de chorro de voz Idina Menzel y Kristin Chenoweth, interpretando a Elphaba y Glinda. Defying Gravity es un tema imponente, un absoluto clásico pop —no es ningún secreto que Disney se inspiró en él para el Let it Go que Elsa entonaba en Frozen— capaz de agotar súbitamente la energía de Wicked, y de ponerlo bastante difícil para que el consecutivo Acto II pueda estar a la altura. Así que no lo está. Simplemente no lo está.

Esto, entre los seguidores de Broadway, es algo así como vox pópuli. Ahora que Wicked acaba de desembarcar en Madrid, en el Nuevo Teatro Alcalá, lo sabe un poco más de gente. Pero, por muy extendida que esté esta valoración, nada ha evitado que Hollywood tome la peor decisión posible para llevar Wicked al cine: dividir la historia en dos películas. Una por cada Acto. Terminando la primera Wicked con Defying Gravity, y siguiéndole un año después Wicked: Parte II a partir de ahí.

Dos películas, ¿para qué?

Puede que los ejecutivos de Universal se autoconvencieran de esta decisión al comprobar lo bien que le había salido la jugada a Denis Villeneuve con Dune —dividida igualmente en dos partes, ambas con gran éxito de crítica y público—; por eso se han esgrimido razones similares. Hay dos películas de Wicked porque se supone que así hay más tiempo para desarrollar a los personajes y los complejos temas de la novela en que se basaron Stephen Schwartz y Winnie Holzman para su espectáculo. Que no era El mago de Oz de L. Frank Baum, sino una historia posterior que escribió —aprovechando que los personajes ya eran de dominio público— Gregory Maguire.

Como sabemos, en Wicked: Memorias de una bruja mala Maguire planteó una versión alternativa a El mago de Oz a través del personaje de Elphaba, la Bruja Mala del Oeste. Con ello se preguntó por el supuesto origen de la maldad y por la forma en que la propaganda llega a afectar a nuestra percepción de la realidad; así resultaba que lo de “Bruja Mala” era una estratagema del Mago de Oz para mantener un régimen fascista, donde tanto Glinda (la Bruja Buena) como Dorothy llegaban a ejercer de “tontas útiles”. Con lo que, sí, evidentemente el planteamiento de Wicked es potente y —ya que las fake news y los políticos déspotas están más a la orden del día en Occidente de lo que lo estaban en 2003— merece que se le quiera enriquecer y ampliar. La época lo merece, diríamos.

Ahora bien, ¿es lo que han hecho las películas dirigidas por Jon M. Chu? Por lo menos la primera Wicked gustó: llegó a los Oscar y el año pasado se convirtió en la adaptación de un musical más taquillera de la historia. Aunque entonces ya percibíamos que este “alargamiento” no estaba sirviendo de mucho; pasábamos más tiempo en la Academia Shiz con Elphaba y Glinda un poco porque sí, para poder disfrutar de una rutina escolar similar al Hogwarts de Harry Potter. Los apuntes políticos se quedaban como estaban, ni más ni menos. Y ni siquiera había nuevas canciones.

Cundía la fidelidad al material de partida, y la historia conducía puntualmente (solo que con un ritmo más lánguido) al clímax de Defying Gravity. Con lo que era inevitable temer qué pasaría a continuación. El fandom lo temía. Mientras Universal y su socia Lionsgate observan con mucha atención el desempeño de Wicked: Parte II —si triunfa, seguramente confirmen acto seguido que su biopic de Michael Jackson programado para 2026 también se divida en dos partes—, los seguidores del musical son conscientes de que hay que arreglar muchas cosas para que el Acto II de Wicked sea satisfactorio como película. Porque, si el Acto II es mejorable dentro del contexto de un musical completo, adaptado como película independiente parece condenado al desastre.

Y es que los problemas del Acto II de Wicked superan los habituales de esta fórmula teatral. En efecto carece de grandes números —la balada For Good, por mucho que se haya titulado así la Parte II en EEUU, dista mucho de ser equiparable a la contundencia de Defying Gravity— y se resigna a cerrar tramas, pero hay más. La estrategia de adaptación de la novela de Maguire pasaba en este Acto II por conectar sus personajes con la historia narrada en El mago de Oz —el viaje de Dorothy acompañada de un Espantapájaros, un Hombre de Hojalata y un León Cobarde que puede que hayamos conocido ya—, así que se debían encadenar múltiples giros y revelaciones aparatosas.

Surgían los agujeros de guion, las soluciones narrativas de andar por casa, y se sacrificaba el logrado ritmo emocional del Acto I en aras de un cacao tremebundo, con lo que inevitablemente también se difuminaba el calado político de la lucha del Mago contra Elphaba. Como esto es lo que hay, y es lo que ha habido durante más de 20 años, cualquiera habría pensado que Hollywood se esforzaría en enderezarlo si quería dedicar toda una película a adaptar este despropósito. No es lo que ha ocurrido.

Una catástrofe anunciada

Wicked: Parte II es una adaptación más fiel que la primera Wicked en el sentido de que apenas hay relleno. La partitura ahora sí que ha incorporado canciones —una para Glinda, Girl in a Bubble, y otra para Elphaba con el título No Place Like Home, en obvio homenaje a una de las frases más famosas de la adaptación de El mago de Oz de 1939—, sin que esto denote algún esfuerzo por afrontar los problemas que arrastraba esta parte de Wicked desde el teatro. Son otras dos baladas, en realidad, y su ejecución vuelve a depender en exclusiva del talento de las actrices para conmover. Pues la dirección de Chu, o ni está ni se la espera, o es abismalmente mediocre.

Ya era algo que llamaba la atención de la primera Wicked: lo fea que era. Lo triste que era toparse con una película de acabado tan mustio en comparación con su gran referente cinematográfico. Aquel Mago de Oz que protagonizó Judy Garland, recordemos, se concibió como un monumento al Technicolor y a la superación del paradigma blanco/negro dentro del Hollywood clásico. Así que contrastaba poderosa y tristemente con una fotografía alérgica al color capaz de desmerecer el diseño de Oz, tanto como un montaje a machetazos que emborronaba la coreografía de los números musicales. Son problemas palmarios que se mantienen, incluso empeoran, en Wicked: Parte II.

Ambas películas se rodaron a la vez, al fin y al cabo. Los problemas de una son los de otra, aunque los motivos por los que Wicked: Parte II es un filme infinitamente peor saltan a la vista: no hay por donde coger el material original. Nadie ha querido intentar arreglar el desastroso guion declamado originalmente en Broadway, así que esta Parte II se resigna con plena docilidad (¿y pereza?) a replicar cada uno de los giros absurdos que busquen alterar nuestra percepción de la historia de El mago de Oz. Como si ese fuera el auténtico centro gravitatorio de Wicked o lo que le interesa al público, y no simplemente que nos encanta la relación de Elphaba y Glinda.

Esta bochornosa sucesión de conexiones con El mago de Oz acoge una gramática similar a la de las precuelas de Hollywood obsesionadas con la referencia y el guiño cómplice, con la particularidad de que ya estaban todas en el musical de 2003 (antes de que Hollywood se pudriera). Y, en la medida en que hay muchos giros mientras no se ha querido alargar apenas nada, a la trama de Wicked le es imposible respirar. Sacrifica sus dinámicas entre personajes, se condena a saltar de un lado a otro a conveniencia del esquema argumental. Los intérpretes están perdidísimos como otra consecuencia.

Lo de Jonathan Bailey da verdadera pena. Ariana Grande, la gran revelación de Wicked, apenas tiene nada con lo que trabajar. Su dúo con Erivo sigue siendo lo más destacable —es difícil no emocionarse un poco con el último plano del filme—, y aun así no basta para aseverar que este proyecto cinematográfico haya merecido la pena. La versión cinematográfica de Wicked solo ha cuajado en la medida en que antes lo hacía el material de partida. El cine apenas ha aportado nada, se ha limitado a ser un pálido reflejo de lo que encandiló en el teatro, y de hecho ha exacerbado los problemas primarios con la absurda decisión de hacer dos películas. Ojalá sirva de escarmiento, y ojalá haya alguien involucrado que entienda cómo funciona Broadway la próxima vez.

Todo el mundo habla de Cynthia Erivo y Ariana Grande a raíz de la promoción de Wicked: For Good, la segunda parte de las películas dirigidas por John M. Chu basadas en el mítico musical de Broadway. Pero en los últimos días, lejos de hacer comentarios sobre el largometraje, las redes sociales se han llenado de vídeos en los que los usuarios están analizando al detalle una sola cosa: la supuesta extraña relación entre las dos actrices.

En concreto, lo que varios usuarios han criticado es que Erivo y Grande podrían haber desarrollado un vínculo excesivamente sobreprotector y obsesivo. Las dos intérpretes empezaron a grabar Wicked a finales de 2022 y, tras el estreno de la primera de las películas, han aparecido juntas en multitud de eventos públicos y entrevistas. Sin embargo, el debate se ha encendido en los últimos días. 

La actitud de Erivo, analizada con lupa

Todo comenzó con el incidente que sufrió la cantante de God is a woman durante la promoción que tuvo lugar en Singapur el pasado 13 de noviembre. Allí, quien interpreta a Glinda, la Bruja Buena, fue asaltada por un espontáneo en la alfombra roja. Este saltó entre la gente y fue directo a Grande, que se quedó completamente paralizada por el incidente. En ese momento, fue Erivo la que apartó al chico y trató de proteger a su compañera de rodaje.

Entonces comenzaron los cuestionamientos en redes. En X, muchos se preguntaban por qué la actriz que interpreta a Elphaba sintió la necesidad de adoptar un rol tan protector cuando el evento ya contaba con un amplio dispositivo de seguridad. No es el único vídeo que se ha comentado en los últimos días. En otro de los virales, vemos a Cynthia recolocando el collar de Ariana durante una entrevista, cuando parece que este ya estaba bien puesto. 

“Es excesivo, enfermizo, obsesivo, me da angustia y hasta miedo”, llegó a decir una usuaria en la red plataforma de Elon Musk. Las redes se han llenado de de este y otros vídeos que recopilan momentos “incómodos” entre ambas. En ellos, es Erivo la que suele sacar su lado más maternalista para proteger a Grande. 

Un vínculo especial

Después del incidente ocurrido en Singapur, Cynthia dio una declaraciones, recogidas por Entertainment Weekly, en las que explicó que quedó desconcertada e impresionada por lo que estaba ocurriendo. La actriz también señaló que no es el primer momento complicado que vive el equipo de Wicked, que desde la promoción de la primera película se ha mostrado muy unido. 

“Hemos pasado por situaciones muy difíciles. Incluso esta última semana hemos tenido que enfrentar cosas realmente fuertes y esta película nos ha permitido crecer como personas, amigas, como artistas, como actrices”, afirmó la intérprete de Elphaba, mientras Ariana Grande se emocionaba al escucharla. La actriz también compartió que el vínculo creado en el rodaje es de lo más especial que se lleva de este proyecto audiovisual. “No se consigue una familia así todos los días en un set. Hemos tenido mucha suerte de contar con este grupo de personas”.

En 1847, Emily Brontë publicó la que después se convertiría en uno de los clásicos de la literatura inglesa. Cumbres Borrascosas llegó a librerías publicada bajo el pseudónimo masculino de Ellis Bell para sortear así las dificultades que tenían las mujeres del siglo XIX a la hora de escribir literatura. Casi 200 años después, seguimos hablando de una de las novelas más reconocidas de las hermanas Brontë junto a Jane Eyre y Agnes Grey. 

Ahora la historia de amor, odio y venganza entre Heathcliff y Catherine Earnshaw vuelve a estar en boca de todos por la nueva adaptación cinematográfica que ha hecho Emerald Fennell. La directora de películas como Saltburn y Promising Young Woman vuelve a ponerse al frente en un largometraje que se presenta como “una audaz y original reinterpretación de una de las historias de amor más grandes de todos los tiempos”.

La nueva de Cumbres Borrascosas llegará a cines en San Valentín de 2026 y estará protagonizada por Margot Robbie y Jacob Elordi. La que dio vida a Barbie y el monstruo de la nueva de Guillermo del Toro serán los protagonistas de esta adaptación en la que Fennel buscará acercar a las nuevas generaciones la historia de Brontë, una de las más sombrías de la literatura gótica.

La película no se ha librado de las críticas incluso antes de su estreno. Las principales han ido dirigidas a la elección del elenco. Ni Elordi ni Robbie tienen acento del norte de Inglaterra, concretamente en Yorkshire, donde está ambientada la novela de la mediana de las Brontë. De hecho, ambos actores son de Australia. En el caso del personaje masculino, también se ha criticado que este no tenga el aspecto que la autora describió en el libro: “un gitano de piel oscura”. 

Con el primer adelanto de la película, las redes sociales también se llenaron de comentarios. Algunos se indignaron por la enorme carga sexual que parece que va a tener el largometraje producido por Robbie a través de su compañía LuckyChap Entertainment. Otros criticaron la elección de una canción de Charlie XCX para ambientar una historia de época. 

Otras adaptaciones de la obra

No es la primera adaptación cinematográfica que se hace de esta novela del siglo XIX. La primera adaptación conocida fue un drama mudo dirigido en 1920 por A. V. Bramble. En 1954 se estrenó Abismos de pasión, una película mexicana en la que el director Luis Buñuel adaptó la historia de Emily Brontë. 

En 1992, Peter Kosminsky dirigió Cumbres Borrascosas, una de las versiones más fieles al libro original, protagonizada por Ralph Fiennes y Juliette Binoche. Y en 2011, llegó el turno de la versión de Andrea Arnold, una de las pocas adaptaciones que respeta la dimensión racial del texto brontiano. En total, hay más de una decena de películas que adaptan la novela que Emily Brontë escribió hace casi dos siglos.

Un hombre duerme tirado en la acera de una calle londinense. Es de día, la vía está transitada. La gente camina con prisa, maletines en mano, seguramente a sus puestos de trabajo. También hay un predicador que grita intentando convertir a los caminantes a su religión. El ímpetu de su tono y palabras despierta a la persona sin hogar, que acaba increpándole, sin éxito. Se rinde, se levanta y opta por arrancar él también su propio día. Él es el protagonista de Urchin, el debut en la dirección del actor Harris Dickinson, protagonista de El triángulo de la tristeza y Babygirl, y el próximo John Lennon en el biopic de Los Beatles, y cuya ópera prima llega este viernes a las salas.

Su filme ubica los márgenes en el centro del relato a través de la historia de un joven que, cuando un señor trajeado se ofrece a comprarle comida, decide, impulsado por un instinto visceral y que a él mismo le costará comprender; agredirle. Le roba el reloj, pero lo hace desatando una violencia en forma de puñetazos que agravará su condena y, sobre todo, la desconexión tanto consigo mismo como con el sistema. “Es importante querer a tus personajes, incluso cuando tienen comportamientos cuestionables”, explica el cineasta, que proyectó su largometraje en el pasado Festival de San Sebastián tras su paso por el de Cannes.

En este caso, un Mike que pasará por la cárcel y posteriormente tratará de reinsertarse, viviendo en hoteles, buscando trabajo, intentando hacer amigos y redescubriendo su propia sexualidad. “Era importante que Mike fuera alguien con quien pudiéramos conectar y sentirnos identificados, aunque no sea necesariamente cercano a nosotros”, reivindica Harris Dickinson, que encontró en el intérprete Frank Dillane (Fear The Walking Dead) a su mejor aliado, pues consigue imprimir en él las dosis de humanidad, contradicción, oscuridad y luminosidad precisas para que, como el cineasta pretendía, genere rechazo y ternura a partes iguales. De ahí a que en Cannes fuera reconocido con el premio Un Certain Regard a Mejor actor, además del premio FIPRESCI.

Las personas sin hogar también se excitan

Dickinson quiso contar esta historia a raíz de su experiencia trabajando en una comunidad local en el este de Londres para personas sin hogar, en 2020. “Me indignaba que el gobierno local, a pesar de los esfuerzos, no estuviera brindando la ayuda adecuada. Había algunas grietas”, reflexiona sobre cómo nació la pulsión de hablar de alguien que “lucha consigo mismo”. “Quería contar las consecuencias de que alguien cometa un crimen como el que se ve en la película”, comenta y, a partir de ahí, seguir su viaje por las distintas instituciones y amigos, “como si fuera una odisea”. Porque en efecto lo es, desde sus problemas para adaptarse a trabajar como ayudante de cocina de un restaurante, hacer amigas, dejar el alcohol y conseguir tener una erección para poder masturbarse.

“Me interesaba saber qué significa redescubrir la sexualidad, porque la realidad es que muchas personas en ese contexto, ya sea por su alta dependencia a las drogas o estar pasando por una situación muy difícil, no necesariamente están en contacto con su sexualidad”, reflexiona Dickinson. Por ello optó mostrar a Mike “al salir de prisión, reintegrarse al mundo, enfrentarse de nuevo a la vanidad, a los espejos, al sexo opuesto y ver qué significa eso, su propio cuerpo y las sensaciones que conlleva”. “Es como redescubrirle poco a poco, sintiéndose incómodo, pero también excitado”, valora.

Medir para no tergiversar

Urchin es una película dura, que bebe del cine social de cineastas que Dickinson reconoce como referentes, como Ken Loach, Mike Lee y Sarah Gavron. La obra es dolorosa, cruda y tensa, pero también delicada y luminosa. No hay romantización ni idealización, ni tampoco se excede al recrearse en la miseria corriendo el riesgo de caer en el sentimentalismo ni en un posible y enfermizo paternalismo.

Me indignaba que el gobierno local no brindara la ayuda adecuada a las personas sin hogar

Harris Dickinson — Actor y director

“El mundo que retratamos está tan lleno de matices que, si terminara la historia solo con esperanza, podría acabar siendo una tergiversación, pero si acabara en tragedia, también”, opina. Siendo consciente de lo “cuidadoso” que debía ser en el desarrollo del largometraje, se centró en que las personas que viven la realidad de Mike “necesitan pasar por la misma lucha una y otra vez, volver a prisión, salir, rehabilitarse, conseguir trabajo, una y otra vez”.

Los hay que sí encuentran “esperanza de encontrar ayuda, una red de apoyo, transformarse y salir adelante”, pero Dickinson es consciente de que “no siempre es así”: “Por eso quise centrarme en la dificultad que supone la realidad que conlleva estar en esta situación, pero sin centrarme en la institución. Para mí nunca se trató de mostrar las deficiencias de la libertad condicional o la reforma penitenciaria”.

El director y actor asegura que no quería “atacarlas” porque las apoya. “Admiro mucho a la gente que trabaja en esos campos”, indica, mencionando a su padre, que es trabajador social. “No quiero que parezca que culpo a nadie de lo que le pasa a Mike, porque también creo que se trata de cómo él reacciona a sí mismo. Y creo que eso, en definitiva, tiene que ver con quienes somos como personas. Somos tan complejos, sensibles y delicados a veces que aunque llevemos millones de años en este planeta, seguimos teniendo esas debilidades en las que recaemos”, ahonda Dickinson al indicar por qué optó porque no hubiera ningún tipo de juicio en el guion.

Lo que sí está presente es la religión, desde la primera a la última escena. La inicial, con el predicador en la calle despertando a la persona sin hogar, la basó en una experiencia que el director presenció en sus propias carnes. “Él tenía un altavoz muy potente y no paraba de hablar, era casi como si pasara de ser una retórica religiosa inocente a algo que parecía una rabia ciega, y es confuso porque la religión se supone que es algo amable, pero sabemos que no lo es”, zanja. Por ello mostró a la persona intentando dormir contraponiéndole con alguien que, a su lado, intenta lo contrario: “informar y convertir”.

El cineasta reconoce que le interesan la “fe y el espiritualismo”, pero que al mismo tiempo no sabe qué significado tienen para él, igual que el hecho de pertenecer o no a una religión. “Quizás muchos de nosotros compartimos esa sensación de confusión hacia la fe en general y sentimos que formamos parte de algo más grande, pero sin saber qué es y sin querer etiquetarlo”, añade.

Hacer una película política sin ser “profeta”

Dickinson comenta que su pulsión por la dirección, aunque iniciara antes su carrera como actor, viene de lejos, cuando de adolescente comenzó a grabar vídeos haciendo skate. Pese a ser ya un nombre reconocido en la industria, en especial gracias a su papel protagonista en El triángulo de la tristeza, no lo tuvo fácil a la hora de encontrar financiación para su ópera prima. El intérprete no desistió en conseguirla, dispuesto a sacar adelante esta historia que nació de su necesidad de “involucrarse y movilizarse”. “Creo que mucha gente siente lo mismo, esa frustración ante cosas respecto a las que queremos un cambio, pero no sabemos por dónde empezar”, apunta.

El cineasta tomó como referencia la labor de la organización benéfica londinense llamada Under One Sky, que recorre la ciudad con voluntarios para ayudar a las personas en situaciones vulnerables. Trabajar con ellos le hizo ser consciente de que esa labor era en sí una necesidad.

“Estamos en un punto muy incierto en cuanto a la confianza de las personas, porque la hemos perdido en la jerarquía y los políticos”, lamenta al tiempo que señala que, precisamente por ello, considera que la “oportunidad de cambio” está en lo “comunitario, los esfuerzos locales, la comprensión y la empatía a escala global”. “La película no pretende imponer un mensaje, pero sin duda es política y espero que inspire la conversación. Pero sí, no pretendo tener las respuestas. No intento ser una especie de profeta que dé con la solución”, concluye.

El pasado octubre se estrenó en Prime Video la película ‘Edén’, un largometraje que se ha colocado entre las más vistas de la plataforma y que lo tenía todo para ser una de las cintas del año, pero que ha sido protagonista de toda una odisea hasta que ha podido llegar hasta los espectadores.

Y es que tiene un reparto de lujo como protagonistas, con algunas de las actrices del momento como son Ana de Armas, Sydney Sweeney y Vanessa Kirby y con actores consolidados como son Jude Law y Daniel Brühl, además de basarse en una historia real muy atractiva a la vez que extraña y desconocida, y ambientado en un paisaje isleño.

El caso 'Edén': de no encontrar estreno en cines a triunfar en plataformas

¿Qué pasó entonces con ‘Edén’? Pues hay que remontarse a septiembre de 2024 cuando tuvo lugar el Festival de Cine de Toronto y en el que está película fue presentada, como uno de los estrenos más interesantes y la última de un director con dilatada experiencia como es el caso de Ron Howard, detrás de éxitos clásicos como ‘Una mente maravillosa’ o ‘Willow’.

En Toronto su paso no fue del todo exitoso, al tener una acogida no muy positiva entre la audiencia y la crítica y donde recibió calificativos como “rocambolesca”, “extraña” o “salvaje” y siendo un proyecto diferente a lo habitual de Ron Howard. Esto no ayudó a que encontrara distribuidor en Estados Unidos para salas de cines, donde no se ha llegado a estrenar.

La escena del parto es una de las que más llamó la atención, pero varias calaron para bien y para mal sobre la película, que desde ese estreno no tuvo un camino fácil hasta estrenarse en plataformas y pasar desapercibida en gran parte a pesar de su reparto destacado.

Otro de los problemas que se encontró como obstáculo de su estreno en Estados Unidos fue su presupuesto, que, al oscilar entre los 30 y 50 millones de dólares, y al final sería vendida a Prime Video para varios mercados internacionales, entre los que se ha encontrado España, cuya fecha no apareció hasta este verano tras meses de incertidumbre.

Su discreto estreno en cines tuvo lugar en Alemania

Uno de los pocos éxitos que tuvo ‘Edén’ se produjo en Alemania, uno de los países donde pudo ser estrenada en cines, al contar con el actor alemán Daniel Brühl y el austríaco Felix Kammerer, otro de los nombres del momento tras proyectos como ‘Sin novedad en el frente’ o ‘La luz que no puedes ver’.

El estreno en Alemania tuvo lugar en abril y que además tiene cierta relación con la historia real en la que se inspira, pues fue una familia alemana la que lo dejó todo para irse a Floreana, una isla deshabitada de las Galápagos en la década de los 30, siguiendo los pasos del doctor Friedrich Ritter, y donde se toparan con otros colonos que desencadenarán conflictos que derivan en una lucha por la supervivencia.

¿Qué sucede cuando la persona más infeliz del mundo tiene la misión de salvar a la humanidad de la felicidad? Esa es la premisa que esconde ‘Pluribus’, la nueva serie de Apple TV y de los creadores de ‘Breaking Bad’ y ‘Better Call Saul’, y que es la ficción de la que todo el mundo habla.

Dos episodios estrenados este viernes 7 de noviembre han valido para que la serie esté en boca de todos y haya debutado con una puntuación perfecta de 100% en el portal de críticas Rotten Tomatoes, así como elogios en críticas profesionales y de espectadores en redes sociales.

De qué trata ‘Pluribus’, la nueva serie del creador de Breaking Bad

Rhea Seehorn, conocida como protagonista de ‘Better Call Saul’, da vida a una mujer llamada Carol que tiene que “salvar a la humanidad de la felicidad” a pesar de ser “la persona más desgraciada sobre la faz de la Tierra”. Esta es la trama con la que comienza la serie ‘Pluribus’, creada por Vince Gilligan, conocido por ‘Breaking Bad’, considerada una de las mejores series de la historia.

En su día se anunció que Vince Gilligan se separaba de ‘Breaking Bad’ y ‘Better Call Saul’ para crear un proyecto y este es precisamente la serie que se ha estrenado este noviembre, ‘Pluribus’, que ha llegado tras una fuerte expectación al haberse dado pocos detalles y de la que Apple TV ganó los derechos en 2022 tras una batalla de ofertas, con dos temporadas ya confirmadas que dan estabilidad a la ficción.

Una serie que desde este 7 de noviembre hasta el 26 de diciembre estrenará paulatinamente sus nueve episodios a través de la mencionada plataforma, y de la que se sabe poco más allá de lo que se ha visto en los dos primeros capítulos, el misterioso tráiler y los pocos detalles compartidos.

Sin embargo, lo que se puede apreciar es que en ‘Pluribus’ están componentes propios de la ficción de Vince Gilligan como son el humor negro, personajes al borde de la locura y la ironía detrás de la moralidad, con una fotografía que recuerda a otro fenómeno de la plataforma como fue ‘Severance’ (Separación).

Un Gilligan, además, que confirmó que creó al personaje de Carol especialmente para la actriz Rhea Seehorn, alejándose además del arquetipo de ‘antihéroe’ y que se centra en “buenos tipos, dejando la romantización de villanos sexys”, en palabras del propio creador.

Qué significa y de dónde viene ‘Pluribus’

La serie no solo ha llamado la atención por su trama y todo lo que la rodea, sino también por su título, ‘Pluribus’, que viene del lema “E pluribus unum”, un lema ligado a la fundación de los Estados Unidos y que viene a significar “De muchos, uno”.

Un lema no oficial del país que aparece en el dólar estadounidense, y que se lee también en pasaporte, y que en este caso hace referencia en la serie a la unión en una “mente colectiva” o a “una pandemia de felicidad perfecta que se expande”, siendo una amenaza para la colectividad.

La Fiesta del Cine comienza su nueva edición tras las buenas noticias de la pasada edición, pero en un momento donde la taquilla no termina de remontar. Octubre ha sido un mes duro donde las salas no han tenido ningún taquillazo potente que empuje como en otros cursos. Quedan dos meses para remontar y con la vista en grandes producciones que aúpen las cifras finales. 

Por eso la Fiesta del Cine intentará, del 3 al 6 de noviembre, arrastrar a la gente a las salas con precios populares. Todas las películas en más de 338 cines se podrán ver a 3,50 euros por entrada. Una compra que se podrá hacer desde la web de cada cine o de forma presencial. En una oferta tan amplia, aquí una selección de cinco películas que hay que ver en estos días de precio especial.

'Los domingos'

La película de la que todo el mundo habla… y discute. Alauda Ruiz de Azúa se consagra con su tercera película tras demostrar su habilidad para hablar de temas peliagudos con la serie Querer. La decisión de una niña de 17 años de querer ser monja de clausura hace dinamitar los lazos familiares en un filme que plantea hasta dónde se puede ser coherente con los valores y si la familia es una cárcel más que un sitio de confort. Una película que acepta múltiples lecturas, y que se ha convertido en uno de los fenómenos del cine español de este año tras ganar la Concha de Oro y mostrar un excelente boca a boca entre el público.

'The mastermind'

Esta Fiesta del Cine es un buen momento para reivindicar a una de las mejores directoras del cine español reciente. Y lo es porque se acaba de estrenar su nueva película, The mastermind, que ha ganado la Espiga de Oro en Seminci. Un anti thriller de robos, sin glamour, y mostrando un personaje gris que se rebela contra la autoridad de forma sencilla en un 1970 que se manifiesta contra la guerra de Vietnam.

Para los que quieran seguir con la obra de esta directora, que desafía las normas del cine y los algoritmos con un cine pausado, donde cada detalle cuenta y que la emparenta con la obra de Chantal Akerman, tienen en Filmin varios de sus mejores títulos como First Cow o Wendy y Lucy. 

'La cena'

¿Una comedia antifranquista con un Alberto San Juan pletórico? Sí. La cena es una comedia estupenda, que funciona a la perfección, con ritmo, buenas interpretaciones (la dupla San Juan - Mario Casas es un acierto y su plantel de secundarios es excelente) y un tema que la vincula con el presente. 

Una cena en honor a Franco será la última posibilidad para unos presos republicanos de escapar de la cárcel y la muerte. Comienza un plan lleno de gags que se ve siempre con una sonrisa y a veces con una carcajada. Otra de las películas cuyo boca a boca la están convirtiendo en un pequeño fenómeno en las salas de cine.

'Los tigres'

Cualquier película de Alberto Rodríguez merece un visionado, y la Fiesta del Cine es buen momento para ver su último thriller social, Los tigres. Un filme donde se aproxima a una profesión desconocida, los buzos que arreglan tuberías submarinas o barcos Una profesión precaria que el cineasta retrata en unas escenas acuáticas sorprendentes y con un robo de droga como macguffin de esta película que en el fondo esconde una historia de dos hermanos. Los interpretan Antonio de la Torre, amigo y habitual del cine de Rodríguez, y Bárbara Lennie.

'Caza de brujas'

Otra película que invita al debate y a discusiones a la salida del cine es Caza de Brujas, el nuevo filme de Luca Guadagnino con Julia Roberts dando un recital como una profesora de filosofía en la Universidad de Yale a la que una alumna le cuenta que ha sufrido una agresión sexual por parte de un amigo y también profesor. Sus principios se pondrán en duda en una película que juega al thriller noventero con ecos de Woody Allen y varias preguntas interesantes en época post Me Too. 

A punto de cumplirse un año de la DANA que azotó la Comunitat Valenciana y dejó 229 víctimas mortales, elDiario.es ha estrenado en primicia su documental ¿Dónde estaba Mazón?, coproducido junto a Barret Cooperativa, Calibrando Producciones y Cosabona Films. Se trata de una investigación que examina las sombras en la gestión de la Generalitat y el papel del president Carlos Mazón en las horas críticas del 29 de octubre de 2024. Tras las pesquisas del documental, queda patente que “los 229 muertos son responsabilidad directa de la Generalitat”, ha afirmado Sergi Pitarch, periodista y director de la edición valenciana, durante el coloquio posterior a la proyección en los Cines Verdi de Madrid. El trabajo, que recoge testimonios inéditos, imágenes de archivo y los silencios y mentiras de la Generalitat, ya está disponible para las socias y socios de elDiario.es.

El documental reconstruye las horas de desconcierto en la gestión del temporal y aborda las versiones contradictorias sobre el paradero de Mazón aquel 29 de octubre. En la conversación después de la proyección, en la que también han participado el director de elDiario.es, Ignacio Escolar, y la adjunta a la dirección Raquel Ejerique, Pitarch ha explicado que el president “gestionó la peor dana que hemos vivido en el siglo XXI desde un bar, con una amiga”, añadiendo que la relación de Mazón con Maribel Vilaplana —la periodista con la que comió en el Ventorro— era de amistad, más que de trabajo: “Que fuera una reunión de trabajo es un mito. Era una comida entre amigos, y en la peor tragedia que ha vivido Valencia en años, él se va a una comida de amigos”. Sobre el paradero del president posterior a la comida, ha añadido que “hay dos opciones y las dos son malas: o Mazón termina la comida y se queda una hora de copas, o Mazón se va a su casa”.

El debate, en el que los socios y socias de elDiario.es han participado con sus preguntas, también ha abordado el curso judicial del caso. Ignacio Escolar ha recordado el episodio más reciente, en el que “la jueza ha llamado a Maribel Vilaplana para declarar como testigo” y que “ha sido muy cuidadosa para no investigar a un aforado”, como es Mazón. Según el director elDiario.es, “habrá que ver si esto es una maniobra para elevarlo al Tribunal Superior de Justicia”, el órgano competente en caso de que se extendiese la investigación al presidente de la Generalitat valenciana.

Las llamadas entre Pradas y Mazón podrían “señalarle como responsable”

Raquel Ejerique ha argumentado que “el auto es muy claro al poner el horizonte en el president”, y añade: “La Audiencia le abre la puerta a la jueza a imputarlo si encuentra indicios suficientes”. La periodista ha explicado que la clave ahora son las comunicaciones: “La única manera de vincular a Mazón o no con las decisiones de aquel día son las llamadas. Cuando hay que tomar una decisión importante, Salomé [Pradas] llama a Mazón. Ella necesitaba una validación, y eso podría acabar señalándole como responsable”.

El coloquio también ha abordado el papel de Pradas, entonces Consellera de Justicia e Interior de la Generalitat Valenciana, de quien Ejerique intuye que “todavía le quedan ases en la manga”. Según ha explicado, Mazón “podría haber pedido la emergencia catastrófica y haber asumido el mando, pero a la hora en que mueren las víctimas, la responsabilidad recae sobre la Conselleria”, aunque las llamadas que hizo Pradas a Mazón el día 29 sugieren que él podría haber tenido la última palabra.

Asimismo, Escolar ha recordado un aspecto técnico del trabajo que se ha visto reflejado durante la proyección, en la que se han mostrado textos que explicaban que À Punt, la televisión autonómica valenciana —que tuvo acceso privilegiado a la reunión clave del Cecopi por ser ente público— ha denegado el uso de las imágenes de sus programas del día de la dana que cedió en un primer momento a elDiario.es. “El documental no se estrenará en À Punt”, ha ironizado.

Otro de los puntos tratados ha sido el destino de los 12 millones de euros en donaciones recaudadas tras la DANA. “Mi teoría es que los tiene en el cajón”, ha ironizado Ejerique, quien también ha denunciado que “los contratos de emergencia han castigado a las empresas críticas y premiado a las afines: 600 millones en contratos, incluidas empresas vinculadas a la Gürtel. Y casi un año después siguen contratando a dedo”.