Han pasado diez años desde que Kase.O lanzara su último disco, El Círculo. Un álbum en el que el artista zaragozano compuso una mirada “hacia dentro”: “Buscaba sanar ciertos traumas y sincerarme con mis fans para que vieran que mi vida no es tan de superhéroe como había ido pintando en los discos”. El rapero acaba de publicar Camisa de Fuerza, donde el ejercicio ha sido en sentido contrario, “una mirada hacia fuera”, para ofrecer su “visión” respecto a los temas que aborda en sus nuevas canciones, como el juicio colectivo, la construcción de los relatos y la importancia del pensamiento crítico en una época marcada por la polarización y la sobreexposición informativa.

“Podría haberse llamado saco de boxeo, pero Camisa de Fuerza era más bonito. También era un pasaporte para poder decir más locuras”, ha argumentado este lunes Javier Ibarra (Kase.O) durante la rueda de prensa de presentación de su álbum.

Camisa de Fuerza aterriza en un contexto en el que continúa el debate respecto a si el rap es 'propiedad' de una ideología a otra, después de que, siendo un género tradicionalmente asociado a la izquierda, hayan surgido figuras abiertamente de derechas sumándose a él. Opción con la que Kase.O está completamente en desacuerdo. “Si eres facha, te jodes y no puedes escuchar rap. Todo no se puede en la vida. El rap es un movimiento obviamente antirracista porque nuestros ídolos están racializados. Si eres racista, no puedes escuchar rap, no pasa nada”, ha asegurado tajante.

El artista zaragozano ha valorado que “se puede criticar a la izquierda y no ser fascista”, tachando de tener “poca personalidad” a aquellos que para “defender ideas políticas”, necesiten unir las suyas a las de distintos partidos políticos: “Puedes decir lo que quieras sin defender unas siglas”. “Si eres fascista, deja de serlo, y vente al rap. No hay excusa, el rap está prohibido”, ha comentado. A la gente de derechas que quiere hacer rap, ha lanzado un último mensaje: “Tenéis un motón de música para hacerlo. En el rap no sois bienvenidos. Yo respeto a todo el mundo, no hace falta pegarse de hostias. Pero, lo mires como lo mires, es raro”.

Kase.O presentará el disco en una gira por España que dará comienzo en A Coruña el 16 de enero de 2027. Entre las diez fechas confirmadas están Bilbao (22 de enero), Barcelona (29 de enero), Valencia (6 de febrero), Sevilla (13 de febrero), Madrid (27 de febrero) y Granada (24 de abril). El rapero ha avanzado que su intención es ofrecer un show con el que poder “lucirse” y llevarlo a “otro nivel”. “Tengo algunas ideas muy guapas que voy a luchar por conseguirlas. No va a ser un concierto convencional, voy a intentar que sea algo muy teatral”, ha compartido.

Las ligas de la industria musical

Dentro de una industria musical cuyos ritmos exigen cada vez más 'prisa' y celeridad a los artistas para que lancen nuevos trabajos. Kase.O explica que, en su caso, han pasado diez años desde El Círculo porque “después de un disco tan importante, se van alargando las cosas, los conciertos”: “Cuando estás de gira puedes ir apuntando frases, pero todo no se puede. Sacar un álbum es un proceso íntimo en el que necesitas para toda la infraestructura para poder meterme en profundidad”. “También estaba esperando a tener cosas que decir, que pasaran cosas en el mundo, y que me pasaran cosas a mí”, ha reconocido.

He hecho yo más por Gaza que todos los que hayan dicho nada de mí por actuar en festivales participados por KKR. Estoy segurísimo que en Gaza tengo yo más cariño que ellos

Kase.O — Rapero

Kase.O fue uno de los artistas que el año pasado tenía apalabrados varios festivales propiedad del fondo con intereses en Israel KKR, cuando salió la noticia de El Salto que sacó a la luz la vinculación de este fondo de capital de riesgo con más de treinta macroeventos españoles. Su postura fue mantener sus actuaciones, alegando que “no es tan sencillo legalmente rescindir un contrato sin causa justificada” cuando eres cabeza de cartel y “el sueldo de mucha gente depende de que desempeñes este trabajo”. Lo que sí decidió fue donar “una parte sustancial” del dinero adquirido por participar en estos festivales, “una vez pagados todos los sueldos y gastos”.

Preguntado un año después por esta polémica, su respuesta ha sido igualmente tajante: “He hecho yo más por Gaza que todos los que hayan dicho nada de mí en esa polémica. Es lo único que puedo decir. Estoy segurísimo que en Gaza tengo yo más cariño que ellos”.

Ampliando el foco del género del rap, Kase.O ha celebrado que sus compañeras mujeres estén recibiendo reconocimiento. “Las chicas están reinando en las listas y en todo. Ha costado un montón, no sé por qué”, ha planteado, mencionando a figuras como Snow Tha Product, Nathy Peluso, Úrsula y Sofía Gabanna. Eso sí, para él, “la Mala siempre será la mejor, la reina y la madre de todas”.

Cada 31 de diciembre, y para los más rezagados 1 de enero, suele ir acompañado de la tradicional —y no siempre sana ni realista— 'lista de propósitos para el año que viene'. Esos retos, metas, ilusiones, a veces incluso excusas que nos ponemos para empezar cada año nuevo dejando atrás lo que nos hizo daño o se nos enquistó; y poder recibir el siguiente con los brazos abiertos, liberados, reseteados. Porque en realidad nunca empezamos de cero, solamente nos reconvertimos, e incluso reencontramos, para seguir siguiendo adelante, con la mejor de las energías posibles, la que nos quede, la que nos llegue, la que nos caracterice, la que nos cueste. Y junto a ella, resetear como lo hizo Ona Mafalda en su segundo disco, al que concedió su título al Reset que ella misma necesitó para continuar con su carrera.

Desde entonces ha lanzado otros dos temas más, Nada y Otra, y está de gira por España. Ona Mafalda nació en 1994, pertenece a la generación milenial, que defiende que aunque no hayan vivido “lo que una persona de sesenta, sí que han pasado muchas fases, muchos cambios”. “Vivimos en la ola que va cambiando. Siento que siempre estamos renovándonos porque entramos en situaciones que no sabemos bien cómo son”, reconoce haciendo referencia a ejemplos como Instagram o TikTok.

Antes de su último trabajo discográfico, la cantante pasó por un mal momento personal que le obligó a parar. “Tuve que decirme a mí misma que tenía que frenar para sanar y cuidar, porque si no, esto te come. Tuve la suerte de poder hacerlo y acabar dándole mucho amor al proyecto, cuando ya estaba bien”, agradece. Se enfrentó igualmente a los ritmos que imperan en la industria discográfica, que empuja a que los artistas tengan que estar continuamente lanzando nuevas composiciones, hits, con presencia continua en las redes sociales: “Existe ese miedo a que se olviden de ti porque pares un tiempo. A que vayan a bajar tus números, porque son cosas que pasan”.

Existe ese miedo a que se olviden de ti porque pares un tiempo, a que vayan a bajar tus números

Ona Mafalda — Cantante

En sus letras habla de la necesidad de romper con el perfeccionismo que muta en una autoexigencia muy tóxica. “Hay prejuicios que me encasillaron en un lugar desde el que no me veía capaz de hacer cosas por miedo a que saliera mal”, comenta sobre el proceso que vivió hasta entender que, y así lo reflejó musicalmente, por muy fan que sea de las canciones tristes, “no quería entrar en ese dolor que luego iba a tener que recordar y cantar toda la vida”.

“Quería temas que me sacaran de ahí, que me hicieran sentir mejor, empoderada y satisfecha con lo que estaba haciendo”, expresa sobre la misma emoción que quería transmitir a su público, ese “tomar las riendas”. Su necesidad de resetear nació el mismo día que cumplió uno los grandes sueños de su vida: ser telonera de Coldplay en la visita a España de la banda en 2023: “Fue uno de los primeros conciertos a los que fui de pequeña. Si me hubiera dicho entonces que 17 años después estaría tocando para ellos, no me lo hubiera creído”.

“Pasó tiempo hasta que volví a componer desde ese momento, pero ese volver a la raíz de lo que significan para mí Coldplay, regresar a las cosas que me inspiraron y explican por qué sigo haciendo lo que hago, me hizo darme cuenta de cómo quería que fuera lo siguiente”, reconoce haciendo alusión a otros referentes como Florence and the Machine, The Strokes, Blondie y Patti Smith. “Esto es un negocio superdifícil, es una montaña rusa, y este es el tipo de cosas que te pasan en la vida y te siguen empujando y haciendo creer en lo que haces. Por eso estoy tan agradecida del apoyo que recibo de mi equipo”, celebra.

Una industria menos edadista

El reseteo de Ona Mafalda ha pasado también por el look con el que ahora se sube a los escenarios. “He recuperado la t-shirt y los jeans. No me complico mucho, porque así es como empecé cuando tocaba de pub en pub en Londres. No tenía ni estilismo, ni make up ni nada. Era yo, mi guitarra, y a tocar”, recuerda mezclando palabras en castellano e inglés, herencia del tiempo que estuvo viviendo en Reino Unido.

Desde entonces han cambiado aspectos en la industria como que “ahora ya no solo tienes que ser artista, tienes que ser una business woman [mujer de negocios]. Ser como una araña, tener muchas patas”. La cantante reconoce que no lo lleva mal porque es “muy workaholic”. Sobre el ambiente entre los compañeros de profesión, explica que “no todos” son mejores amigos: “Sería mucho decir, pero hay un apoyo muy grande y bonito en esta industria”.

Ona Mafalda considera igualmente que el mundo de la música se ha vuelto menos edadista, al detectar “un cambio generacional muy grande”. “Cuando antes mirabas programas como Factor X, si tenías 27 años ya eras vieja y se te había pasado el arroz para hacer música. Esto ya no es así para nada”, aplaude, al tiempo que señala que esta “presión y miedo” ha afectado siempre más a las artistas mujeres que a los hombres. “Quiero que mi música inspire a otras mujeres a que se sientan cómodas con sus cuerpos, tengan la edad que tengan, sean como sean, y sigan adelante pese a lo que veamos, leamos y lo que nos digan que es lo que se lleva o cómo hay que ser. Cada una somos como somos”, recuerda.

En este tiempo, otro de sus más valiosos aprendizajes ha sido a “tener más paciencia y que no te dé un bajón si no haces un sold out”. “Al principio me daba más cosa pensar que no estaba tocando en el WiZink [ahora Movistar Arena], pero bueno, ya vendrá, o no. Y si no, seguiré tocando en las salas y teatros en los que lo estoy haciendo. Yo con seguir tocando el resto de mi vida y poder vivir de esto, estoy feliz”.

Las mujeres también nos hartamos

Harta fue otra de las canciones que le nacieron componer en este nuevo contexto, en cuyo estribillo lo único que hace es repetir esta palabra una y otra vez. “Es un grito a no tener que aguantar las cosas. Nadie nos puede limitar en sentir lo que queramos sentir. No tenemos que ser señoritas sentaditas perfectas, al contrario”, sostiene.

Para seguir ampliando mensaje eligió también versionar a Mari Trini y su Ya No Soy Esa, porque para ella representa todo lo que quería transmitir en sus canciones, ese “dejar las cosas atrás, dejar a la persona que otra gente cree que eres y hacerlas a tu manera”. A la cantante le impresiona que el tema fuera compuesto en 1971: “Había que tener narices para hacerlo. Estuvimos dándole muchas vueltas y la verdad, me decidí a hacer la versión porque es un sueño haber podido escribir esta canción”.

“Se puede obtener más de los clásicos si uno los venera menos. Asombro, sorpresa, placer, perplejidad e incluso repulsión, sí. Veneración y gratitud, no”, defiende la historiadora Mary Beard en su nuevo libro, Clásicos sin filtro. El impacto del mundo antiguo (Crítica), en el que reflexiona sobre por qué los clásicos siguen tan presentes hoy en día.

La clasicista británica es una de las mayores expertas y divulgadoras sobre la Antigüedad del mundo. Catedrática de Lenguas Clásicas en la Universidad de Cambridge y profesora de literatura antigua en la Royal Academy of Arts; es autora de títulos de referencia y bestsellers como Pompeya, SPQR. La historia de la antigua Roma y Mujeres y poder.

Beard ahonda en su nuevo ensayo en cuestiones como el papel de las humanidades, que defiende que no consiste en “hacernos sentir bien, sino pensar más”; y la apropiación por parte de diferentes ideologías de las antiguas Roma y Grecia. “La extrema derecha no ha tenido el monopolio”, sostiene.

¿Por qué siguen importando tanto los clásicos?

Por muchos motivos. En gran parte porque los romanos siguen estando presentes a nuestro alrededor. Son parte de una historia que, si vives en España por ejemplo, es hasta difícil no ver.

También tiene que ver con la curiosidad por saber de dónde venimos y quién estaba aquí antes que nosotros. Y hay motivos más intelectuales, como que durante siglos nos han proporcionado un lenguaje para poder hablar sobre política, sobre lo que significa ser un ser humano. Puedes ignorarlo por completo si quieres, pero si te fijas, algunos problemas que tenemos ahora ya estaban definidos en la Roma y Grecia antiguas.

¿Es fácil mirar al pasado sin idealizarlo, romantizarlo ni caer en la nostalgia de pensar que “cualquier tiempo pasado fue mejor”?

Es que eso es absurdo. Yo diría justo lo contrario, que todo tiempo pasado es peor en ciertos aspectos. A mí no me gustaría ser una mujer en cualquier tiempo. Tampoco importa mucho si la gente lo idealiza, porque no le va a llevar muy lejos. Lo que sí nos muestra son diferentes maneras de argumentar, da luz para ver las cosas, desafíos, nos hace preguntas, y nos hace más complejos.

Habla de la importancia de lo cotidiano, lo que pasa en las cocinas, en las calles, pero la historia en mayúsculas que nos han contado está más bien copada por grandes gestas, ¿es fácil ir más allá?

Cuando como alumna estudiaba la vida de las mujeres o de la gente común, de a pie, nos decían que no había ningún tipo de evidencia para hacerlo. Había muchos datos de Julio César, pero no de los esclavos comunes, y hasta cierto punto eso es verdad.

Lo que ahora llamamos grandes obras de la literatura griega y romana no fueron escritas por mujeres o esclavos ordinarios, pero si algo he descubierto a lo largo de mi carrera es que cuando la gente dice que no hay evidencia sobre alguien, lo que a menudo se está diciendo es que no se ha buscado lo suficiente. De la gente de a pie hay información, por ejemplo, en lo que se escribía en sus tumbas. Se ha escrito de esta manera sobre el mundo antiguo porque los autores han sido hombres dirigentes blancos, y en ciertos modos es así, pero en otros no. Yo hice todo un grado universitario en Cambridge en el que las mujeres no aparecían, y eso ha cambiado.

Lo que ahora llamamos grandes obras de la literatura griega y romana no fueron escritas por mujeres o esclavos ordinarios, pero si algo he descubierto a lo largo de mi carrera es que se dice que no hay evidencias sobre algo, lo que se está diciendo es que no se ha buscado lo suficiente

Mary Beard — Historiadora

En el libro recuerda que cuando usted era pequeña los museos no pensaban mucho en los niños, ¿ha cambiado esta situación? ¿Qué más deberían cambiar?

Los museos siempre tienen que cambiar porque nos pertenecen. La sociedad, nuestras aspiraciones, opiniones y gustos cambian, y los museos nunca aciertan. Nunca va a haber un momento en el que digamos “ese museo es absolutamente perfecto”, pero ahora hacen muchas cosas que antes no, como hablar con los niños u organizar noches para que se queden a dormir dentro.

También hay diferentes problemas, como cuestiones sobre la propiedad intelectual que parecen no resolverse nunca. Pero hay que ser cauteloso con el hecho de que creo que se adaptan mucho más a las necesidades y las preguntas que nos queremos hacer, y tampoco es que antes fueran terribles. Vamos desarrollando los museos en función de lo que queremos debatir y no todos consiguen actualizarse, pero la gran mayoría que yo conozco están haciendo un trabajo increíble, y con muy poco presupuesto.

Sostiene que el pasado no le pertenece ni a la derecha ni a la izquierda, pero sí que el mundo clásico parece estar más asociado a la extrema derecha, ¿por qué han conseguido apropiárselo?

Si te fijas en los últimos 200 o 500 años, no hay duda de que una parte de la extrema derecha ha intentado apropiarse del mundo clásico para sí mismos. Se vio con quienes asaltaron al Capitolio el 6 de enero de 2021, el propio Mussolini se pensaba como el nuevo Augusto, el Imperio Británico se veía a menudo a sí mismo como heredero directo del Imperio Romano... Y todo eso es cierto, pero nunca ha habido un monopolio por parte de la derecha. También hay historia de la apropiación del pasado por parte de la izquierda.

Intentar hacerse con el derecho del mundo clásico le quita el componente del debate. ¿Para qué existen los clásicos? Precisamente para que no estemos de acuerdo en las cosas. Mi ideología es opuesta a la extrema derecha, pero no me corresponde a mí decirles que no tienen permiso para hablar de los clásicos.

Mi ideología es opuesta a la extrema derecha pero no me corresponde a mí decirles que no tienen permiso para hablar de los clásicos

Mary Beard — Historiadora

¿Cómo valora el estado actual de los estudios de humanidades? ¿Le preocupa que vaya a haber gente que no siga sus pasos?

Sí. Estamos en un momento bastante malo para las humanidades, y hay una falta de reconocimiento a nivel gubernamental de que las humanidades no son simplemente una cosa bonita. Lo que enseñan es esencial. Tiene que ver con cómo aprendemos a ser un ser humano en este mundo y entender las visiones de otras personas cuando no son las mismas que las tuyas.

¿Dónde está hoy en día el debate político? Si te metes en redes sociales, la gente parece tener muy poco interés en pensar de otra manera o tener otra ideología. A esto se aprende leyendo, estudiando otras culturas. Las humanidades son brillantes y prácticamente las únicas que lo enseñan, esto no se aprende desde la física nuclear.

Y aun así sigue pareciendo que es más importante.

Sí, y por eso tenemos que resistir. En Reino Unido la gente defiende las humanidades por motivos de bienestar, alegando que son agradables, que leer una novela es bueno para el alma. A veces sí, pero para mí leer a Kafka o escuchar a Wagner me ha resultado tremendamente incómodo. Las humanidades no están para hacernos bien, están para hacernos pensar más.

Las humanidades no están para hacernos bien, están para hacernos pensar más.

Mary Beard — Historiadora

Tanto en Grecia como en Roma ya había representaciones del cuerpo femenino, destaca a la estatua de Afrodita de Praxíteles, ¿se ha explorado poco cuánto arrastramos de esta época en cuanto a cómo tenemos que ser representadas las mujeres?

Empieza a ser explorado ahora. De cara al libro pensé que habría una manera de abordar el estándar de la figura del cuerpo femenino desnudo, que en cierto modo cuando la gente piensa en él dentro de los museos, lo trata como algo muy interesante. Se dice “oh, otra Venus”, “otra Afrodita”, “otro desnudo femenino más”, cuando en realidad una de las cosas más fascinantes es que en el siglo IV a. C. esa representación del cuerpo femenino así era chocante y desafiante.

¿Cómo podemos imaginarnos el sentir ese shock hoy en día? Me gustaría conseguir que la gente dejara de pensar que los clásicos son muy admirables pero un poco aburridos.

¿Que haya más estudios sobre la representación del cuerpo femenino tiene que ver con que haya más mujeres historiadoras?

Sí. Cuando la gente habla de atraer más gente hacia los clásicos tiene que ver con la justicia. Era injusto excluir a las mujeres de estos estudios, y es muy bueno para la materia en sí, que se vuelven mucho más interesantes cuando incorporan diferentes perspectivas y puntos de vista, de mujeres, de distintas razas.

Usted ha pasado muchos años siendo la única mujer en su entorno, empezando por el académico cuando estudió, y que incluso le costó tiempo entender que era una voz autorizada por haber estado siempre rodeada de compañeros hombres.

Es muy complicado porque es verdad que muchas veces era la única mujer en los departamentos en los que trabajaba. Era raro y me aislaba, a pesar de que mis compañeros siempre me apoyaron mucho. No podría decir que fue terrible, pero sí extraño. Trabajar con 27 hombres implicaba saber que harían comentarios con los que no ibas a estar de acuerdo y resultarían irritantes.

Es un alivio y me alegra mucho poder decir que desde mi época hay cada vez más mujeres trabajando en los clásicos. También pienso que es un problema que las mujeres que tienen éxito se olviden a veces de a las que se les dificultó el acceso a este mundo. Tendemos a tener la historia de la gente que sí lo consiguió, hay que ser conscientes de que por cada mujer como yo, hubo diez a las que se les negó el acceso.

Después de toda una vida dedicada a la defensa del lenguaje —tanto su labor divulgativa lingüística en libros como El estilo del periodista y Defensa apasionada del idioma español, sus puestos en El País, Prisa Internacional y EFE, así como la creación de la Fundación del Español Urgente— Álex Grijelmo ha recibido su elección para ocupar la silla 'o' de la RAE como un “espaldarazo” y demostración de que “todo el esfuerzo ha tenido sentido”.

El escritor y periodista reconoce que el lenguaje ha sido su obsesión desde niño, y que siendo adolescente, ya “corregía” a sus amigos cuando “decían algo mal”: “Siempre me lo recriminaron y todavía me lo recuerdan, aunque ahora con más benevolencia que antes”. Pese a que tiene dos años para leer su discurso de ingreso en la institución, avanza que ya lo está preparando y que en él reivindicará el significado de los libros de estilo. Él fue precisamente el artífice del de El País.

¿Qué papel considera que debe cumplir la RAE hoy en día?

Desde fuera como periodista podía opinar, pero ahora me resulta un poco incómodo. Siempre he creído que la RAE es una institución muy respetada. Lo que dice el Diccionario va a misa. La mayoría de las veces se utiliza en litigios y todo tipo de controversias para dirimir el valor auténtico de una palabra. La RAE tiene trabajos descomunales que no se suelen mencionar, como el Diccionario panhispánico del español jurídico.

La Academia se ha volcado últimamente en la relación con la IA, para que lo que producen los sistemas de IA sea buen español. Y en efecto, tú le pides una respuesta y está bien. También ha tenido un papel determinante en la búsqueda de un lenguaje claro.

¿Cree que la IA puede ayudarnos a escribir mejor?

Yo soy muy crítico con la IA, muy escéptico y me da mucho miedo porque no sé en qué manos está. Y como todo lo que es gratis, me levanta sospechas. No sé quién va a manejar el algoritmo ni quién puede manipularlo en un momento dado, como ya hemos visto que ha sucedido con las redes sociales, entre las que algunas están en manos de auténticos fascistas. ¿Quién va a manejar la IA? Si también la manejan unos fascistas, ¿qué respuestas nos va a dar a nuestras preguntas?

Independientemente del contenido de las respuestas, es verdad que lo que dicen los sistemas de IA está escrito en un correcto español. A esos efectos, es útil. A efectos de contenido, yo soy muy temeroso ante esto que nos viene porque no creo que se esté dando un control democrático de la IA como no se ha dado un control democrático de las redes sociales.

Ni las redes sociales ni la IA han tenido un control democrático

Álex Grijelmo — Escritor y periodista

Una de las críticas habituales recibidas por la RAE es ser demasiado conservadora. ¿Cree que debería estar más cerca de la calle?

La RAE está cada vez más cerca de la calle. Hay muchas palabras que entran en el Diccionario que vienen de ahí. Una de las últimas incorporaciones que me llamó la atención fue la expresión finde. No estará en la literatura ni en los periódicos porque ninguno titulamos ‘El consejo de ministros se reunirá este finde’, pero es una palabra que decimos todos en nuestra vida cotidiana y ahí está. Lo que pasa es que los mitos que hay sobre la Academia se desmontan muy difícilmente. Por ejemplo, las definiciones machistas que hubo en el Diccionario y que se han ido cambiando sucesivamente. Todavía queda ese eco de que el Diccionario las tiene, pero no, y no se ha publicado ningún libro para decirlo, ni siquiera muchos artículos, o un reportaje. Me llama la atención y quizá eso es algo en lo que yo pueda aportar, en desmontar los mitos que existen sobre la Academia.

He visto algún comentario cuando se ha visto mi incorporación de “otro hombre en la Academia”. Pues sí, eso no lo puedo cambiar. Casi siempre se hace la medida en cuántas mujeres hay en la Academia en relación con los hombres, pero el análisis correcto en mi opinión es cuántas mujeres han entrado en la Academia en los últimos diez años en relación con los hombres.

Porque claro, el número total de académicos no se puede manejar como el Consejo de Ministros, donde hay un presidente que quita a uno y pone a otro. En la Academia no se puede suprimir a nadie. Si está, es para siempre. Entonces, el equilibro paulatino de mujeres es obviamente lento, pero se ve clarísimamente una voluntad de corregir eso. La Academia es hija de otro tiempo, pero hay que valorar el esfuerzo por cambiar esa situación.

Los mitos que hay sobre la Academia se desmontan muy difícilmente

Álex Grijelmo — Periodista y escritor

Llega meses después de que Arturo Pérez Reverte fuera muy duro con la RAE en una columna de opinión, manifestando los errores que consideraba que estaban cometiendo, como doblegarse ante “el simple uso mediático, político o de redes sociales”. ¿Qué opinión tiene sobre lo que dijo y la forma en que lo hizo?

Me falta mucha información, porque no es lo mismo estar dentro que verlo desde fuera, pero me quedo con que habiendo habido un ataque firme de Arturo, después se produjo una conversación que me pareció admirable entre él y el receptor de los ataques, Santiago Muñoz Machado [presidente de la RAE]. Me pareció un ejemplo de civilidad, por poder hablar de los problemas y entenderse con la palabra después de una discrepancia profunda. Me quedo con el final de la historia.

¿Piensa que esta conversación debería haber sido previa a la publicación del artículo?

Yo desde luego lo habría hecho de otra manera, pero cada uno es como es. Y también en una corporación como esa, con perfiles tan diferentes, debe existir una cierta tolerancia a que los demás son distintos. A Arturo le conocemos todos, yo desde hace cuarenta años, y es así. Tiene otros valores y quizás esto también lo sea, la sinceridad en la expresión. Yo lo habría hecho de otra manera, pero yo no soy Arturo, y Arturo no es Grijelmo, y así tenemos que entendernos, con personalidades distintas.

Yo no habría hecho de otra manera lo que Pérez Reverte, pero yo no soy él y aun así tenemos que entendernos

Álex Grijelmo — Periodista y escritor

No fue dentro de la institución, pero sí ha habido rencillas con el Instituto Cervantes, en concreto entre su director, Luis García Montero, y el de la RAE, Santiago Antonio Muñoz.

La situación fue un ataque del director del Instituto Cervantes a Santiago, que no respondió en ningún momento. Yo me identifico con los comunicados que hicieron los académicos en aquel momento, en ausencia de Santiago Muñoz Machado, que se salió de la reunión, precisamente para no llevar el asunto al terreno personal. No entendí el ataque de Luis y me identifico con lo que ha hecho la Academia, estando fuera en ese momento.

¿Cómo ve al lenguaje en sí? Parece que le echamos la culpa a las redes, pero también afectan la inmediatez, ¿siente que el lenguaje se está empobreciendo o lo estamos banalizando?

Las redes son un escaparate. Ahora hay mucha gente escribiendo. Hace treinta años una persona normal y corriente jamás escribiría en un teclado. Y ahora todo el mundo lo hace. Tampoco conocíamos cómo escribían y pensaban las personas que teníamos alrededor, y ahora sí. Entonces claro, afloran hechos que antes desconocíamos, en muchos casos un lenguaje y unos argumentos pobres.

No me suele parecer bien que hablemos de las redes como si ahí dentro estuvieran personas, porque hay millones de robots. Cuando alguien está escribiendo, no sabemos si es una persona o un robot, que están adiestrados para la bronca y producir discrepancias, ruido, y alimentar la participación de todos.

¿Y a nivel periodístico, siente que la lengua ha empeorado en los medios?

Soy pesimista y lo lamento mucho porque entra uno en la categoría de personas que dicen cualquier tiempo pasado fue mejor. Y tampoco me gusta ser así porque no responde a mi mentalidad, pero realmente lo que veo es que los periódicos están peor escritos. He estado en medios de comunicación toda mi vida y veo ahora errores que hace treinta años nadie cometía. Es mi impresión y puede estar desenfocada.

Han pasado más de dos años desde que Colombia reclamara formalmente a España la Colección Quimbaya, conocida como el Tesoro de los Quimbayas, que alberga el Museo de América de Madrid. Juan David Correa, anterior ministro de Cultura colombiano, llegó a criticar el “silencio” por parte de su homólogo español, Ernest Urtasun, por ignorar la petición durante meses.

Dos años después, aunque ha habido “avances importantes entre ambos países”, desde Colombia indican que estas negociaciones están en “stand by” y se han centrado en una labor pedagógica que llevarán a cabo de forma conjunta con el Museo de América. Lo harán a través de una exposición virtual y talleres para tanto la población española como colombiana, que den a conocer “de qué se trata esta Colección, más allá de los objetos como tal”.

Así lo lo comunicó este miércoles Saia Vergara Jaime, Viceministra de los Patrimonios, las Memorias y la Gobernanza Cultural de Colombia, en un encuentro con los medios celebrado en la Embajada de Colombia en Madrid. La responsable indicó que la insistencia en la devolución de la Colección ha decrecido. “El Gobierno ha hecho lo que ha podido”, señaló respecto al punto en el que se encuentran ahora mismo las negociaciones.

De forma posterior, el ejecutivo colombiano ha matizado que los dos comités de seguimiento de la petición de la devolución siguen en marcha.

Qué es la Colección Quimbaya

La Colección Quimbaya, conocida como Tesoro de los Quimbayas es una joya compuesta por 121 piezas doradas que el entonces presidente colombiano Carlos Holguín regaló a finales del siglo XIX a la reina María Cristina; en agradecimiento por haber intercedido en un conflicto fronterizo entre su país y Venezuela. El obsequio no estuvo exento de polémica, dado que el Holguín lo entregó a España sin contar con la autorización del Congreso de Colombia.

“La colección se compone de bienes arqueológicos (cerámicos, orfebres, líticos y orgánicos) asociados al periodo Quimbaya Clásico que fueron expoliados por huaqueros locales y entregados por el gobierno colombiano al Reino de España en 1893, desconociendo su valor cultural para nuestra Nación”, explicaron desde Colombia en el escrito con el que reclamaron su devolución en 2024. Su petición estaba igualmente avalada por una sentencia emitida por la Corte Constitucional de Colombia en 2017, que calificó como ilegal la citada donación: “La transferencia de la Colección Quimbaya violó claras normas de la Constitución Política de 1886 entonces vigente”.

La viceministra colombiana hizo referencia a la complejidad del origen de la Colección Quimbaya y su llegada a España, por los “problemas jurídicos” que supone. Más allá de plantear otro debate como que, en caso de que se llevara a cabo la devolución a su país, “¿a quién se le devuelve? Los Quimbaya ya no existen, entonces, ¿de quién es?”. Entre otro de los proyectos que se habían planteado en torno al Tesoro estaba una exposición itinerante que podrían haber llevado a Colombia de forma temporal, pero que se quedó “congelado”.

Puesta en valor de las memorias comunitarias

Saia Vergara Jaime comenzó este miércoles su intervención reflexionando en torno al tratamiento de las memorias comunitarias en conjunto, lamentando que sean “escenario de disputa” y que “la institucionalidad siempre tiende a monopolizar su relato”.

De ahí a que desde Patrimonios, las Memorias y la Gobernanza Cultural de Colombia hayan apostado por ubicar en el centro de la acción y las políticas públicas en las “voces de las comunidades históricamente excluidas, pueblos indígenas, pero también los afrodescendientes y el campesinado”. También comentó que desde la llegada de Gustavo Petro al Gobierno en 2022, se “dobló el presupuesto para Cultura”. “Si no se invierte, todo esfuerzo se queda en demagogia”, advirtió.

La responsable ha incidido en la importancia de la lengua como una de sus principales vías de trabajo. “Cada vez que se pierde una lengua se pierde la memoria, una forma de nombrar el mundo, forma de relacionarse con los otros y las otras”, argumentó.

“Pensar no es de locos, pecar no es de tontos / Amar es de gente normal / Amo la libertad, amo a la gente normal”, entonó Pedro Pastor en 2014, en una de sus primeras canciones, Viva la libertad. Quedaba tiempo para que Isabel Díaz Ayuso convirtiera la libertad en su mantra y, quince años después, el cantautor continúa igualmente reivindicándola, en una defensa del término que considera obligatoria: “Entregar el significado de una palabra como libertad a quienes la tiran a la basura es error nuestro”.

Pastor está de gira por el décimo aniversario de su carrera, por el que también lanzó el disco 10 Locos Años Descalzos, versionando sus propios temas con colaboraciones como Silvio Rodríguez, Rozalén y el Kanka.

Usted es un artista que siempre se ha significado, ¿siente que es lo habitual o lo extraño dentro de la industria?

Creo que no hay un solo camino. Cada uno tiene que tomar las decisiones personales, artísticas y políticas que le hagan estar en paz consigo mismo. Yo para ello tengo que posicionarme ante causas sociales y políticas que considero justas o injustas, y tengo que usar mi altavoz. Todos los seres humanos tenemos una responsabilidad civil, pero a los artistas se nos amplifica muchísimo porque tenemos un auténtico megáfono. Cientos de miles de seguidores, cientos de miles de oyentes, ya no solo en nuestras canciones, sino en nuestros discursos, en nuestras redes sociales. Eso es muchísimo más que cualquier ciudadano de a pie. Entonces, lo mínimo es tener en cuenta esa responsabilidad. Y luego usarla en lo que a ti te haga sentir bien, porque hay artistas de diferentes corrientes ideológicas, cada vez más.

También hay quienes piensan que si se significan van a perder su público, que es respetable, aunque no cierto. Tenemos artistas absolutamente mainstream en nuestro país que lo han hecho y no han perdido su público, como Pablo Alborán o Manuel Carrasco, que ha cantado en sus conciertos una canción por Palestina y llenó igualmente cuatro días la Cartuja. Y luego por supuesto, Rosalía y Bad Bunny no se van a posicionar en la vida porque no pueden, porque viven en una división del lobby que hay un montón de inversores que no les van a permitir posicionarse jamás. Ya no es porque pierdan público, es porque hay una inversión de por medio. Eso es mucho más complejo.

Rosalía y Bad Bunny no se van a posicionar en la vida porque hay un montón de inversores que no se lo van a permitir

Pedro Pastor — Cantautor

A Bad Bunny se le aplaudió su reivindicación de lo latino y Puerto Rico con su actuación en la Superbowl, pero también hubo quien planteó si deberíamos exigirle pronunciarse por otras causas, como haber incluido una bandera de Palestina en su show.

Pero es que nosotros no somos nadie para exigirle a ningún artista nada. Las redes sociales han generado que todos nos creamos con la potestad para exigirle a cualquier persona, artista, establecimiento, las cosas que debería o no hacer. Y no somos nadie para exigirle nada a Bad Bunny. Podemos defender o no su posicionamiento, asumir que jamás se ha pronunciado sobre el genocidio en Palestina y valorar que lo que hizo en la Superbowl es bueno para el debate político.

El año pasado hubo críticas a los artistas que no cancelaron sus actuaciones en festivales que contaban con el fondo de inversión con intereses en Israel KKR.

Siempre se pone el foco en el gremio equivocado. Creo que dentro de nuestras acciones, una es no tocar en los festivales en España que ha comprado este fondo que sabemos que está especulando con territorio ocupado. Es una opción, como deberíamos habernos plantado ante Spotify, y yo personalmente no lo he hecho porque no me lo puedo permitir. Si lo hiciera dejaría de tener los ingresos que me da y de tener el mayor altavoz que existe en la música por el que luego consigo vender entradas. Habrá artistas que tienen un contrato con un festival y que no se pueden permitir bajarse. Hay otro debate en quien una vez sabido todo esto, este año han aceptado estar, pero a lo mejor no se pueden permitir no cobrar ese caché. Es delicado y cada uno tiene que hacer lo que le dé la gana.

¿Esto es algo sobre lo que hablan entre compañeros?

Entre los músicos falta totalmente ese espacio de debate, incluso entre los músicos más politizados o los artistas más alternativos o underground, o los cantautores que históricamente siempre han tenido esos espacios de encuentro. Cada uno tenemos nuestros amigos dentro de la música y sí que quedamos y debatimos, pero no tenemos un espacio real en el que lleguemos y digamos que algo está pasando y es inadmisible. No tenemos un sindicato férreo. Los músicos somos cada vez más individualistas y creo que la nueva era nos está llevando a esto. A solo querer defender y compartir nuestras gestas y logros, como que ya se nos hace hasta difícil encontrar espacios en nuestras stories para ponerle el disco al amigo, y eso es terrible.

Seguimos colaborando, sacando canciones juntos, seguimos yendo a cantar los unos a los otros, pero cada vez tenemos menos espacio para lo que no participamos nosotros mismos. Es una deriva.

Algo que también afecta a su público.

Sí. Tiene que ver con nuestros smartphones, las plataformas de streaming. Ahora salimos del trabajo y lo que queremos es ver Netflix, antes íbamos al bar, al parque, al cine o al teatro, pero desde hace diez años está todo en el móvil y nos está aislando.

En Los olvidados reivindicó a los silenciados durante la dictadura franquista. ¿Hasta qué punto estamos marcados por cómo se nos contó la Guerra Civil?

Somos hijas del pasado. Nuestras personalidades se construyen a través de lo que aprendemos en nuestras casas y colegios. Y no te hablo solo de las referencias a los asesinatos, las torturas o las desapariciones; sino también a nivel cotidiano, cómo se construye la personalidad de una persona que ni siquiera puede besarse en la vía pública, que tiene terror a nombrar cualquier injusticia por miedo a la represalia total, al encarcelamiento, al asesinato. O cómo se construyen las personalidades a través del silencio en nuestro país. Nosotros hemos sido educados por personas que han tenido que aceptar ese modelo como el único posible.

Parece que vamos abocados a que lo siguiente que gobierne en España sea la derecha, ¿puede empeorar más la situación?

Es una deriva moral. Países que ha hecho muy bien las cosas a nivel memorialístico como Alemania o Argentina, están bastante peor que nosotros si hablamos del avance del fascismo. Aquí, creo que por el miedo que teníamos de una experiencia tan larga y cercana, nos estábamos librando, pero esto no hay quien lo pare. Han encontrado un método de propaganda infalible y las izquierdas del mundo no han sabido entrar en la batalla cultural de las redes sociales. Han encontrado una mina y la han sabido explotar.

Entregar el significado de una palabra como libertad a quienes la tiran a la basura es error nuestro

Pedro Pastor — Cantautor

¿Ha cambiado en algo su relación con la palabra libertad desde que compuso Viva la libertad?

Es un error que le entreguemos el significado de ciertas palabras, sobre todo tan poderosas como libertad, que le ha costado la vida a mucha gente a lo largo de la historia; a quienes la vapulean, manosean y tiran a la basura. Ciertos sectores políticos han usado esa baza, Ayuso, Milei, pero nuestro deber también es defender el significado de palabras que pertenecen históricamente a los vencidos. Para mí la libertad sigue significando lo mismo 15 años después.

La canción habla de la gente normal, que para mí es la que tiene presente los afectos, que cuida a quienes tiene alrededor, y para quien tiene la empatía y la solidaridad como valores cotidianos y comunes. Así que viva la gente que se permite hacer las cosas que quiere hacer y no se rige por ciertos estándares. De repente hay nuevos paradigmas humanos y nos comportamos de manera distinta, somos más individualistas y fríos. Los afectos han pasado a un segundo plano y puesto primero otros que no me interesan, la pelea, el éxito, el dinero. Por supuesto que todos queremos tener éxito y dinero, pero me interesa más tener un círculo de gente fuerte y poderoso en el que apoyarme, al que poder cuidar y ser cuidado cuando no me funcionen mi éxito y mi dinero.

El dueño de un burdel parisino encargó a Toulouse-Lautrec 16 cuadros en 1892 para decorar el salón principal de su prostíbulo. En uno de ellos, En la cama: el beso, dos personas desnudas se abrazan y besan tapadas por una sábana hasta sus brazos. Una de ellas tiene el pelo largo, la otra, corto, motivo por el que la historiadora y divulgadora Clara González (@Claramore) identifica que se ha “dado por hecho” que eran una pareja heterosexual. Pero no.

“Eran dos prostitutas que se daban entre ellas el amor que no encontraban en sus clientes”, explica a elDiario.es sobre uno de los lienzos que ha incluido en Nos recordarán (Temas de hoy), el libro en el que recorre la historia del arte para demostrar que no ha sido tan heterosexual como nos han contado, empezando por el colegio, siguiendo por hasta la carrera de Historia del Arte (donde apenas le mencionaron a artistas mujeres, y mucho menos LGTBIQ+) y los museos.

Clara González propone con su ensayo un didáctico paseo por los márgenes de la historia del arte, con mención a no solo figuras y obras silenciadas, invisibilizadas o desconocidas hasta la fecha; sino también a grandes renombres que no habían sido contemplados desde esta perspectiva. Entre aquellas el citado lienzo de Toulouse-Lautrec, pero también de Rubens, Hilma af Klint, Natalie Barney o La Anunciación de Fra Angelico, expuesta en el Prado, que sirve a la autora para describir que los ángeles que aparecen son andróginos.

La divulgadora ha concebido Nos recordarán como “un ejercicio de reparación histórica” por la forma en la que se le han negado al colectivo los espacios, incluida la historiografía. “Dentro de la historia de arte canónica se han quedado muchas cosas fuera, no solo las artistas femeninas, también están las personas racializadas o las personas LGTBIQ+, que o se han ignorado o se ha evitado pronunciarlo, incluso cuando es obvio. La historiografía ve a dos mujeres con cara de tener un orgasmo y las llama amigas”, explica.

Una tendencia que sigue ocurriendo en el presente y que advierte tanto en su ensayo como en sus redes sociales, donde comparte pequeñas píldoras sobre historia del arte. En una de ellas hizo referencia a cómo, para hablar sobre la relación entre la cantante Rosalía y la modelo Loli Bahía, que acapararon titulares hace unos meses, se les tildaba de amiga “especial” o “íntima”. “Lo de los medios evitando llamar novias a Rosalía y Loli Bahía se parece mucho a historiadores llamando amigas íntimas a señoras que dormían todas las noches juntas y se pintaban entre ellas”, publicó en su perfil de Instagram.

Entre ellas, Louis Catherine Breslau, una artista alemana de finales del siglo XIX que estuvo cuatro décadas compartiendo vida con Madeleine Zillhardt, su compañera de Academia, y a la que retrató en gran parte de sus obras. También cita a la francesa Louise Abbéma, perteneciente a la misma época, que también inmortalizó a la que fue su gran amor, Sara Bernhardt. Entre sus obras, están las esculturas hechas en bronce con las manos de ambas entrelazadas, que cada una conservó durante toda su vida.

Para quienes consideran que quizás estos ejemplos no sean tan explícitos como para aclarar su sexualidad, la divulgadora trae a colación el lienzo El sueño de Courbet, también conocido como Las amigas, en el que directamente aparecen en la cama desnudas y abrazadas. A Courbert pertenece también otro de los lienzos que menciona en el ensayo, El origen del mundo (1866), que muestra en primer plano la vulva desnuda de una mujer con las piernas abiertas, que yace en lo que parece una cama, con los pechos igualmente descubiertos, parcialmente cubiertos por una sábana.

El artista francés genera sensaciones encontradas en Clara González, porque aunque sí que pintó el deseo entre mujeres, lo hizo “muy sexualizado. Ha sido habitual en la historia ver a señores pidiendo cuadros de desnudos explícitos como forma para divertirse con ellos mismos. Es muy llamativo ver el contraste entre cómo se pintan las mujeres y cómo son pintadas las mujeres. Por supuesto ellas son mucho más sutiles”.

El doble sometimiento a la mujer

En lo relativo a la exhibición del deseo entre hombres, y el deseo entre mujeres, Clara González plantea que la representación ha sido “muy distinta”: “Los hombres son los que han estado más explícitamente perseguidos, desde la Inquisición. Los que más abiertamente han recibido y siguen recibiendo palizas por ser homosexuales”. Y, en consecuencia, existen aún menos referentes.

Clara González comenta que este tratamiento está condicionado por un “componente misógino”: “Asocian su sexualidad a una falta de masculinidad y, por lo tanto, lo femenino, que siempre ha sido lo malo. Las mujeres han sufrido esa persecución, pero diferente, porque muchas veces ni siquiera se podía pensar que una mujer pudiese desear a otra. Hay épocas que desde fuera pueden haber parecido más laxas con las mujeres porque han podido encontrar espacios, como los matrimonios bostonianos, por ejemplo, que eran entre mujeres vinculadas obviamente de forma romántica, pero sobre los que la sociedad hacía oídos sordos porque decían que esas uniones eran asexuales”. Y, por lo tanto, a los hombres “no les molestaba porque no estaban perdiendo la virginidad, que era lo único que les importaba que mantuvieran como mujeres”.

En definitiva, la historiadora apunta que “la realidad es que la mujer ha estado doblemente sometida, por ser mujer y por su sexualidad. No es que los hombres hayan tenido más discriminación, pero sí ha podido ser más visible por ser más violenta”.

Desaprender la mirada heteronormativa

Clara González es consciente de la complejidad de “desaprender” la mirada que se nos ha inculcado tradicionalmente desde la historia del arte: “Sueles ver los cuadros como sota, caballo y rey, además de apreciar las obras que te han dicho que tienes que apreciar”. La historiadora y divulgadora incide en que esto tiene como consecuencia que al entrar en los museos, se desactive inconscientemente la capacidad de plantearse qué nos gusta o qué nos está transmitiendo una determinada obra.

La escritora aboga por “desacralizar” el arte –como ya hizo en su anterior libro, Un Van Gogh en el salón–, y por eso opta por usar un lenguaje cercano, accesible y divulgativo. “Es importante que la gente sienta el arte como suyo, y no que tengas que tener cierto conocimiento, poder adquisitivo o situación socioeconómica para disfrutarlo. Y no. La cultura nos refleja como sociedad, deberíamos poder sentirnos vinculados con ella y lo que hay dentro de los museos. Si no lo sentimos, es que algo se está haciendo mal”, sostiene.

La historiadora es crítica con el papel desempeñado por estas instituciones. Aunque aplaude que dentro de sus funciones principales, la de “conservar las obras de arte la hacen muy bien”, opina que “durante mucho tiempo han olvidado la de hacer que el público se sienta identificado con lo que hay dentro, que converse y piense”. “Durante muchísimo tiempo el discurso ha sido siempre el mismo, construido básicamente por hombres, blancos y europeos, y lo que había dentro de los museos era un reflejo de lo que les interesaba solo a ellos”, puntualiza.

En lo que respecta a la difusión y representación del colectivo, Clara González defiende que es importante “ofrecer una visión distinta porque lo normal es que nos hayan vinculado a una serie de cosas que, en cuanto te sales de ellas, parece que estás cometiendo un crimen”. “Y ya no es solo lo que la sociedad piense de ti, sino lo que tú piensas de ti misma. En muchos casos, para las personas del colectivo, no hay peor enemigo que nosotras mismas, porque nos han inculcado unos principios de cosas que tenemos que hacer, que cuando nos damos cuenta de que no encajamos ahí, vienen unos problemas de aceptación enormes”, reconoce hablando en primera persona de su propia experiencia y proceso.

La divulgadora critica que “sigue habiendo muchos vacíos y que la historiografía se ha aprovechado de esos silencios”. “Que las personas LGTB no pudieran exteriorizar de forma explícita su deseo ha hecho que haya historiadores que directamente digan 'si no has dejado una carta diciendo que quieres acostarte con esta persona es que eres heterosexual y punto'. Cuando en la realidad no tiene por qué, hay cosas mucho más sutiles que puedes plantearte”. En este sentido, aplaude que de un tiempo a esta parte “se ha focalizado más en la falta de mujeres porque el feminismo ha hecho mucho ruido respecto a que nos tienen que representar, y aunque se ha avanzado, aún quedan kilómetros. Pero en el tema LGTB estamos muy atrás, y en el racial, ni te cuento”.

También rechaza, por “perverso”, el discurso de quienes 'agradecen' a los periodos de censura haber puesto a prueba y desarrollado la creatividad de artistas que hicieron lo imposible para saltársela, y sobrevivir. “Ojalá no hubiéramos tenido que haber sido más creativos y nos pudiéramos haber expresado desde el principio de forma natural”, valora al tiempo que insiste en recordar que hay personas que siguen recibiendo palizas e incluso siendo asesinadas por su condición sexual.

Al analizar la historia del arte, cabe preguntarse si este ha servido más para hacerse eco del odio vertido sobre el colectivo, o como refugio. Clara González considera que “para ambas cosas”. “El arte siempre tiene un componente político. Se demostró en épocas como la del sida, en la que se usó para cambiar cosas y reivindicar que hacían falta estos cambios, como la gestión de la epidemia, que fue terrible. Hay artistas que lo han usado para hacerse eco del sufrimiento que recibían por el hecho de ser del colectivo, pero también como refugio, como ese lugar donde reflejarte sin el dedo acusador de la realidad. No quiero romantizarlo, pero es bonito que en la creatividad una forma de expresarse, y que ahora podamos verlo más o menos libremente”, concluye.

El artista británico David Hockney ha fallecido a los 88 años de edad, según ha comunicado su representante y ha publicado la cadena BBC. Hockney era uno de los creadores más influyentes del arte contemporáneo y cultivó varias disciplinas, desde la pintura, la fotografía, el diseño gráfico e incluso la escenografía; y convirtió con sus obras a las piscinas en objeto de culto.

El artista trabajó prácticamente hasta el final de su vida y fue un pilar fundamental del movimiento Pop Art durante los sesenta. De sus creaciones destaca su llamativo uso del color, en el que influyó su sinestesia. “Yo pinto lo que quiero, cuando quiero y como quiero”, fue uno de sus mantras.

Nacido en Bradford en 1937, Hockney asistió a la Bradford School of Arts antes de acceder al Royal College of Art, donde estudió entre 1959 y 1962. Su fama le llegó siendo aún estudiante, ya que su obra se incluyó en la exposición Jóvenes contemporáneos, que marcó el inicio del Arte Pop Británico. Aun así, el artista nunca llegó a identificarse completamente con este estilo.

El hecho de que la RCA le negara en 1962 la posibilidad de graduarse por no entregar dos trabajos finales, presentó el lienzo Pintura al natural a cambio de una protesta. El pintor se había negado a entregar un ensayo alegando que no tenía nada que decir por escrito, y que sus propias obras hablaban por él. La institución británica acabó reconociendo su talento y proyección, y cambió sus normas para permitir su graduación.

David Hockney fue abiertamente homosexual en una época en la que serlo era aún ilegal en Reino Unido. El artista lo reflejó desde sus primeras obras, en las que quiso reflejar relaciones sentimentales y sexuales entre personajes masculinos, como Nosotros, dos chicos juntos y bien pegados, de 1961; o Escena doméstica, Los Ángeles, de 1963, en el que aparece un hombre duchándose mientras otro le acaricia la espalda.

Fue a comienzos de la década de los sesenta cuando viajó a Los Ángeles, donde decidió establecer su residencia. Allí se inspiró para llevar a cabo una serie de cuadros de albercas usando pintura acrílica de gran colorido.

Su obra estuvo influida por la fotografía, tanto en sus creaciones pictóricas como los collages. Estos 'joiniers', collages hechos de fotografías, los comenzó a producir a principios de los ochenta, primero usando impresiones de Polaroid y posteriormente estampados de 35mm procesados comercialmente. Con ellos creaba imágenes compuestas utilizando fotografías hechas con película instantánea o reveladas de un solo sujeto, ordenadas de forma irregular. En uno de sus primeros montajes plasmó a su madre. Al estar las imágenes tomadas desde distintas perspectivas, el trabajo resultante fue similar al cubismo.

Hockney se mudó a Londres en 1968 y entre 1973 y 1975 vivió en París, antes de viajar de nuevo a Los Ángeles. Sus memorables creaciones le convirtieron en uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo, y algunas de ellas llegaron a batir récords en subastas. Durante su carrera diseñó escenografías para el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera House de Nueva York.

El retrato fue uno de los géneros fundamentales desde su carrera. Desde 1968 pintó a amigos, parientes y amantes a partir de fotografías. En ellos quedó implícita su presencia, ya que la forma en la que convergen las líneas de perspectiva sugieren su punto de vista. Sus padres, algunos escritores, diseñadores de moda como Ossie Clark y Celia Birtwell, el marchante de arte Nicholas Wilder y el bailarín Wayne Sleep, repitieron como protagonistas de estas pinturas.

A partir de 2004 se trasladó a Bridlington, dentro del condado de Yorkshire, en Inglaterra. Allí representó los paisajes de la zona a través de acuarelas y óleos, además de películas y su iPad, convirtiéndose en pionero en utilizar las herramientas digitales para el arte. Creó con faxes, fotocopias y polaroids; y se pasó el confinamiento en 2020 dibujando paisajes de primavera en su tableta. Posteriormente continuó esta senda con paisajes en movimiento que registraba con varias cámaras y presentó en tramas enormes de cerca de veinte pantallas.

“¡Pueblos del mundo, bienvenidos a México!”, ha pronunciado la cantante Lila Downs en el arranque de la ceremonia inaugural del Mundial de Fútbol 2026 celebrada este jueves en el estadio de Ciudad de México, antiguo Azteca. La artista ha sido la encargada de abrir la escueta actuación artística que ha marcado el inicio de los 39 días de competición en los que el balón robará protagonismo a casi todo: la actualidad política, económica y social pasarán a un segundo plano hasta el próximo 19 de julio, cuando se conocerá la selección ganadora.

Por mucha Shakira –que ni se ha quitado las gafas de sol– que haya aparecido en el show, secundada por Burna Boy, J Balvin, Maná, Danny Ocean, Los Ángeles Azules y Belinda, el espectáculo ha dejado mucho que desear, y no solo por su corta duración.

Al número le ha faltado relato para justificara la combinación de artistas. Algunos de los temas interpretados –con evidente y triste playback– hablan sobre el propio Mundial en sus letras, como el Partidazo de Danny Ocean o el Por ella de Belinda y Los Ángeles Azules–, pero se han colado otros completamente ajenos como Oye Mi Amor y Ritmo de J Balvin, cuya presencia en la ceremonia puede entenderse desde el punto de vista de incluir grandes nombres e incluir diversidad, pero por poco más.

De hecho, puestos a pedir, podría haberse aprovechado las dimensiones del campo para haber sido originales al menos en la puesta en escena, pero tampoco. Únicamente se ha utilizado el centro del coliseo, en el que apenas se ha colocado una plataforma de color dorado, en la que en el inicio del show ha emergido una reproducción del trofeo del Mundial. Ni cambios de escenario, ni tarimas flotantes ni ningún otro elemento que hubiera aportado algo de ritmo o sorpresa.

Está claro que un Mundial de fútbol no es un evento artístico por excelencia, pero la Super Bowl tampoco, y ha conseguido que sus shows acaparen los focos en todo el planeta. No ayuda tener en la retina el espectáculo mayúsculo y comprometido que Bad Bunny dio el pasado mes de febrero –al que precedieron otros números memorables como los concedidos por Lady Gaga, Bruno Mars y la propia Shakira junto a Jennifer López– pero, puestos a abrir un Mundial con una audiencia potencial de 6.000 millones de personas y que va a sumar hasta tres ceremonias inaugurales, cabía esperar algo más.

El escenario ayudaría a eso, el Azteca, que ha cambiado de nombre, se convierte en el primer estadio en la historia de los mundiales en ser sede de la inauguración por tercera vez. El coliseo que vio la 'Mano de Dios' de Maradona y el 'Gol del Siglo' en aquel memorable Argentina- Inglaterra, el campo que impresionó Andrés Calamaro, merecía algo más.

Más allá de las palabras de la artista mexicana Lila Downs, que ha asegurado que su país recibía al público “con la sonrisa” de sus corazones y ha reivindicado que el fútbol “une a todos”, tampoco ha habido espacio para mensajes políticos en un mundo en combustión, también en la frontera mexicana.

El gesto más destacable fue una renuncia. La de la presidenta, Claudia Sheinbaum, que decidió no acudir a la gala y regalar su entrada a una joven indígena.

Fuera del estadio sí hubo gritos políticos. Ajenos a la fiesta y a los focos, las madres de los desaparecidos se han manifestado para recordar que todavía existen 134.000 personas sin ser localizadas. “México campeón en desaparición”, clamaron a las puertas del estadio.

De Salma Hayek al himno oficial

La música volvió al centro del campo en los minutos previos al arranque del partido inaugural. La actriz Salma Hayek ha ejercido de embajadora de México para dar paso al desfile de las banderas de las 48 selecciones participantes.

A continuación, de nuevo el centro del campo lo han copado Andrea Bocelli y EJAE para interpretar el himno oficial del Mundial en una nueva estampa y actuación insulsa. Tras su intervención, Salma Hayek ha regresado para entregar a Gianni Infantino, presidente de la FIFA, la Copa del Mundo. Todo ello horas después de que el polémico mandamás del fútbol hubiera pedido “relajarse” a quienes critican que Estados Unidos haya impedido la entrada a un árbitro somalí que iba a pitar en el torneo.

El Gobierno de Somalia ha considerado “lamentable” este veto, que ha evitado que Omar Abdulkadir Artan se haya convertido en la primera persona de su país en arbitrar un partido en la historia del Mundial.

Al menos el final de la ceremonia permitió escuchar por primera vez voces en directo, de la mano de Tyla y Alejandro Fernández, que han interpretado los himnos nacionales de sus respectivos países, Sudáfrica y México, protagonistas del partido inaugural. Y ya cuando empezó a rodar el balón, tras marcar el anfitrión el primer gol del campeonato, las gradas empezaron a entonar el México Lindo.

El periodista y escritor Álex Grijelmo ha sido elegido por el Pleno de la Real Academia Española (RAE) este jueves, para ocupar la silla 'o', vacante desde el fallecimiento del arquitecto salmantino Antonio Fernández de Alba en 2024.

Su candidatura fue presentada por el periodista y exdirector de El País Juan Luis Cebrián, el lingüista y catedrático de Lengua española José Antonio Pascual y el doctor en Filología Hispánica Salvador Gutiérrez Ordóñez.

Grijelmo (Burgos, 1956) es doctor en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid y cursó el Programa de Alta Dirección de Empresas en el Instituto de Estudios Sociales y Económicos Business School. Trabajó como becario en La Voz de Castilla, antes de ser contratado en 1977 en la agencia de noticias Europa Press.

En 1983 ingresó en El País, donde ocupó distintos cargos durante 16 años y fue el responsable de su Libro de estilo. También ha sido director editorial de periódicos locales y regionales del grupo PRISA, y director general de Contenidos de Prisa Internacional, la división que gestionaba varios medios en América Latina, como Radio Caracol. Entre 2004 y 2012 fue presidente ejecutivo de la Agencia EFE, en 2005 creó la Fundación del Español Urgente y en 2007 fue elegido presidente del Consejo Mundial de Agencias, para un mandato de tres años.

Grijelmo ha impartido igualmente clases como profesor de Redacción en la Escuela de Periodismo de la Universidad Autónoma de Madrid; y es autor de libros como El estilo del periodista, Defensa apasionada del idioma español, La seducción de las palabras, El genio del idioma, La gramática descomplicada, La información del silencio, Palabras de doble filo y La perversión del anonimato.

El académico recibió el Premio Nacional de Periodismo Miguel Delibes en 1998 y la Antena de Oro por su colaboración en el programa radiofónico No es un día cualquiera en 2006. También el Premio Castilla y León de Ciencias Sociales y Humanidades en 2018.

“Somos el único país que en su día nacional no celebra una conquista de derechos, sino de un territorio”. El doctor en arqueología y divulgador Mikel Herrán (PutoMikel) es crítico con la forma en la que habitualmente miramos al pasado, tanto por quienes, como a Vox, “solo le interesa para vender el relato de futuro que ellos quieren vender”, como los que siempre lo tachan de haber sido peor y abogan porque haya que tenerle miedo.

En concreto para combatir los mitos y estereotipos que existen sobre la Edad Media publica Sobrevivir en el Medievo: Crónica de un viajero por Spania (Planeta), donde demuestra que la imagen oscura, sucia, violenta e ignorante que tantas veces se ha mostrado en películas y libros sobre esta etapa, poco o nada tiene que ver con cómo vivieron de verdad durante ella.

Sobrevivir en el Medievo llama la atención porque los libros de historia no suelen recoger tanto lo que sucedía en las calles, el interior de las casas o los mercados.

Las fuentes que tenemos, sobre todo de determinados periodos, vienen del poder, de las instituciones, que se dan importancia a sí mismas. Hablan de los entresijos de la Corte, de las batallas, de su linaje, de sus proezas. Eso ha coloreado mucho qué entendemos como Historia, pese a que entender la vida cotidiana nos dice muchísimo más de cómo vivía la mayoría de la gente.

Sin negar que había violencia, entendemos el pasado como violento porque nos fijamos en el relato de la gente para quienes la guerra era gran parte de su prestigio, y no va a hablar tanto de cómo solucionaban los vecinos las rencillas del día a día o cómo comerciar cuando vives en una zona de frontera donde hay bandidos. Esto no ha llegado tanto a los libros del colegio, porque la historia nació como asignatura obligatoria para formar un espíritu de nación y, por tanto, está muy fijada en los reyes y sus grandes logros, las batallas, las paces, y punto.

Busca romper con la historia hegemónica.

Sí, porque ahí solo hay un tipo de persona: hombres, blancos, heterosexuales y con poder. Las mujeres, las personas con discapacidad, la infancia y la vejez se han quedado fuera del relato. Y ya no solo es hablar de la historia de la sexualidad o cómo se construye una raza, que es importante, sino que hemos dejado fuera a la inmensa mayoría de la población, incluso a la que tradicionalmente se ha interesado por la historia, como los señores de clase obrera que tampoco se han visto representados porque no se habla de la lucha de clases. Es necesario que toda la gente se vea representada porque si estamos diciendo que la historia es importante porque nos habla de nosotros, qué mínimo que todos tengamos historia, ¿no?

Una de las cosas que ha trascendido de la Edad Media es que existía una única religión o que las personas eran muy rectas, pero según cuenta en su libro, no fue así.

Para nada. Pensamos que en la Edad Media todo el mundo era superdevoto, pero había campesinos quemando iglesias con nobles dentro. Y también judíos y musulmanes cantando misas en Madrid, a musulmanes celebrando la Navidad o el Año Nuevo en Córdoba, y a cristianos comprando en carnicerías musulmanas de barrio. También pensamos en que los barrios estaban totalmente separados, como la Morería y la Judería, cuando Isabel la Católica tuvo que ordenar a los judíos que volvieran a la Judería porque esa barrera se estaba empezando a disgregar en muchas ciudades.

El problema está en pensar en compartimentos estancos y en que las relaciones entre culturas como bloques tienen que ser totalmente pacíficas o violentas. Y no es ni lo uno ni lo otro, porque las culturas no son bloques homogéneos.

La historia nació como asignatura obligatoria para formar un espíritu de nación, pero es mucho más que eso

Mikel Herrán (PutoMikel) — Doctor en arqueología y divulgador

Se suele decir que hay que aprender la historia para que no se repita, que lleva implícito dar por hecho que todo fue malo.

Pasa siempre, es como si la historia fuera el coco. Es verdad que nos da muchas lecciones sobre cómo funciona el poder, pero también es muy importante para imaginar otros futuros. Hay quien la utiliza para decir que siempre ha habido guerra, violencia, desigualdad y que el capitalismo es algo natural del hombre; y no. Ha habido otras formas de vivir, comunales, de resistir, de redistribuir y solucionar conflictos que no tienen que ver con la guerra y que no hemos glorificado tanto.

Como divulgador, ¿qué opina sobre que desde la Política haya episodios del pasado como la Reconquista, que están recurrentemente siendo traídos al presente?

El debate sobre el concepto de Reconquista es muy interesante porque nace y se solidifica en el siglo XIX y ha tenido muchos vaivenes. La República lo intentó usar durante y después de la Guerra Civil, como para recuperar España; pero surgió como concepto que ponía lo católico como la esencia de lo español. Esto casaba mucho más con el proyecto franquista. Franco hizo un uso brutal tanto del concepto de Reconquista como de Cruzada.

Para quienes lo están usando ahora, la Reconquista significa emigración, expulsar, la expulsión de los moriscos como una celebración, abandonar la separación entre Iglesia y Estado porque son lo más importante para la unidad de España. Y, sobre todo, es hablar de una unidad política que no existía en la Edad Media, en la que la estructura de poder recuerda más a algo federal que al modelo de país por el que aboga Vox, que es un uso muy torticero de la historia. A esta gente la historia le interesa solo para vender el relato de futuro que ellos quieren vender. Lo vemos con la Reconquista y Vox, pero también con la conquista de América, el PP y Ayuso.

¿Cómo leyó que Ayuso reivindicara a Hernán Cortés?

Es preocupante porque ha habido un cisma diplomático entre México y otros países de Latinoamérica y España, por la falta de reconocimiento. Tenemos que reconocer nuestro pasado colonial como lo que es. Ni una cosa por la que nos tengamos que fustigar ni vanagloriar, pero sí ver que somos el único estado que en su día nacional no celebra una conquista de derechos o una constitución, sino de un territorio. Esto es algo por lo que tenemos que responder y cambiar.

Ayuso habla de que hay muchas 'malinches' en el metro, reduciendo a las mujeres migrantes a un estereotipo, que en el caso de las 'malinches' ha sido muy doloroso en México porque se le ha denominado la chingada, la violada, la traidora. Es como si Ayuso va a Francia y dice es una 'Carmen'. La reduces a un estereotipo casi literario más que a unas personas con unas necesidades, que viven aquí intentando labrarse un futuro y se encuentran con obstáculos continuos por ser personas migrantes. Eso es de lo que deberíamos hablar, de las condiciones a las que se enfrentan y no de un relato romantizado del que se puede hacer un musical para vender entradas.

Vox y PP apelan continuamente a la nostalgia en sus discursos. Como historiador, ¿cómo ve que se aluda tanto al pasado para defender que antes se vivía mejor?

Yo quiero complicar el relato que hay sobre la Edad Media y decir que no se vivía tan mal, pero no quiero que eso lleve a decir que se vivía mejor, porque hay mucha nostalgia de esta época también. Me pasa mucho al ir a librerías, sobre todo generalistas, que deberían cambiar el cartel de la sección de Historia y poner de autoayuda, porque tienen títulos que interpelan directamente al futuro lector, como 'No te arrepientas' o 'Nada por lo que pedir perdón'.

No están enseñando historia, te están diciendo que tú, persona de a pie de Madrid de 2026, no te tienes que sentir mal por lo que hizo un extremeño hace 500 años. Denunciar los abusos de la conquista no es señalar a un vecino de Carabanchel que tiene que sentirse mal, es hablar de cómo se crea un régimen de explotación cuyas consecuencias seguimos presenciando en muchos casos, a nivel de racismo, de desigualdad económica, que afecta no solo a una persona maya de México, pero también al obrero de Vallecas.

En su libro desmonta mitos sobre la Edad Media, pero ¿hay alguna época, incluso el presente cuando llegue el día de mañana a los libros de historia, de la que no se generen tópicos?

Las épocas que mejor prensa tienen son Roma y el Antiguo Egipto, que reducimos a grandes monumentos, y parece que la gente que los construyó y vivía junto a ellos no importa. Hablamos de que en la antigua Atenas nació la Democracia, pero no de que era solo para unos pocos y que la inmensa mayoría de la población no tenía poder de voto porque no eran propietarios, ni hombres, ni ciudadanos libres o porque eran extranjeros. Esto habla de cómo hemos elegido ver ciertas cosas.

Denunciar los abusos de la conquista es hablar de cómo se crea un régimen de explotación que afecta tanto a una persona maya de México como al obrero de Vallecas

Mikel Herrán (PutoMikel) — Doctor en arqueología y divulgador

¿Cómo convive en su labor de divulgación con las dinámicas, para bien y para mal, que se dan en las redes sociales?

Las redes sociales no nacieron para divulgar, fue con la excusa de poder ver qué hacía tu primo, pero realmente fue para vender productos. Por eso el perfil de influencer lifestyle es lo más natural, y en este sentido, ofrecer contenido de forma medida, rigurosa, intentando rehuir del clickbait, es algo que no casa bien. También está que hablas en un mercado de la economía de la atención, en el que tienes que estar todo el rato agitando las llaves para mantenerla. No es fácil.

En mi caso además que hablo desde una perspectiva muy clara y posicionada de la historia de gente que no se ha sentido tan representada, me ha llovido mucho hate. Si a la gente le molesta que hable de arqueología queer y que rebata mitos como la Reconquista, es porque sigue habiendo mucho trabajo que hacer. Y lo sigues haciendo, es también como una dosis de energía.

Entrevista completa

Vídeo: Adrián Torrano

“Ya no solo es por la reinserción, ver algo de la calle nos viene muy bien”. José Manuel es uno de los 250 reclusos del Centro Penitenciario Madrid IV (Navalcarnero) que ha asistido este miércoles a la proyección de Sorda en el auditorio de la prisión. “En la cárcel tenemos siempre la misma rutina. Esta mañana me habría levantado, habría ido al gimnasio, habría estado trabajando, hacer cosas diferentes me encanta”, suma su compañero Fernando, que a las 9 de la mañana estaba también listo para ver la ópera prima de Eva Libertad, y posterior coloquio con su protagonista, Álvaro Cervantes.

La proyección del filme ha formado parte de la presentación del Programa de intervención audiovisual en entornos penitenciarios, desarrollado por la Academia de Cine junto a Instituciones Penitenciarias, que consta de una doble vía: la exhibición, tanto de cinefórums en distintas prisiones y la asistencia de reclusos a actividades organizadas en la sede de la propia Academia, así como la formación, a través de talleres creativos como captación profesional.

El primero de los cursos se impartirá a finales de junio en el Centro Penitenciario Picassent en Valencia, para formar como Auxiliar de Maquillaje y Peluquería durante tres semanas.

Los reclusos agradecen también la parte formativa, por permitirles imaginar u distinto y oficio una vez cumplan sus penas. “Nos da la perspectiva de hacer otra cosa en la calle”, comenta José Manuel. Porque además hay mucho cinéfilo entre los compañeros.

En su caso, siendo de los que tiene días de permiso en los que sale del recinto, reconoce que intenta aprovechar siempre que sale para ir al cine. Una oportunidad con la que no cuentan muchos de sus compañeros, y por ello ha disfrutado en especial de la proyección, al haber podido compartir con todos ellos la experiencia. Precisamente él es también uno de los que trabaja en la revista trimestral que llevan a cabo dentro del centro penitenciario. “Nos despeja la mente”, aplaude sobre esta iniciativa. “Nos encanta el cine”, coincide Alejandro.

Aplausos entre intervenciones

De los 650 reclusos que hay en Madrid IV, 250 de ellos se han sumado a la proyección, en la que muchos se han tenido incluso que sentar en el suelo para poder ver Sorda porque no quedaban asientos libres. Al acabar, los internos han aplaudido con ímpetu, y se les han concedido unos minutos de descanso para que tomaran el aire en el patio, momento que ha coincidido con la llegada de Álvaro Cervantes al centro. Al ver al intérprete, que se alzó con el Goya a Mejor actor revelación por su papel en el filme, varios de los presos se han acercado para darle la enhorabuena y las gracias por el largometraje.

“Es un gusto ver siempre una sala llena”, ha reconocido después el actor, ya de vuelta en el auditorio. La elección de Sorda para la actividad ha sido llevada a cabo de forma conjunta entre el departamento de Desarrollo e Investigación de la Academia de Cine y el Centro penitenciario, y su recibimiento ha sido conmovedor.

La película cuenta la historia de una pareja conformada por una mujer sorda y un hombre oyente, que deciden tener un hijo. El filme se convirtió en la primera película española protagonizada por una actriz sorda, Miriam Garlo, y representa las vicisitudes a las que se enfrentan en su día a día las personas con esta discapacidad, desde sus posibilidades laborales a cómo enterarse de si están llamando al timbre de la puerta de tu casa.

El intérprete ha compartido el aprendizaje que igualmente supuso para él participar en el largometraje, para el que aprendió lengua de signos. “Me di cuenta de que los oyentes hablamos mucho, lo cual implica escuchar poco”, ha reconocido sobre una de las primeras reflexiones que le surgieron al leer el primer tratamiento de guion, un año antes de rodar el largometraje.

Los reclusos han escuchado atentos, y se han lanzado a preguntarle más detalles sobre el tema, desde cómo se gestionó durante las grabaciones el hecho de que la protagonista fuera sorda o si por haber encarnado a la pareja de una mujer sorda, Cervantes sentía que había captado algo de la inteligencia emocional y mejorado su capacidad para “entender más allá de las palabras”. “El mundo no está hecho para las personas sordas”, ha señalado el actor como una de las conclusiones más evidentes que extrajo de su trabajo en el filme.

El cine contra el aislamiento, también en 'Sorda'

La directora del centro penitenciario, Noelia Jiménez Martínez, ha intervenido en el acto para recalcar la capacidad del cine para “trascender” y convertirse en una herramienta de “reflexión, diálogo y crecimiento personal”, algo especialmente útil dentro de la prisión. Miguel Ángel Vicente Cuenca, actual Director General de Ejecución Penal y Reinserción Social dentro de la Secretaría General de Instituciones Penitenciarias, ha incidido en la importancia de un programa como este para “romper la rutina” de la prisión y tanto la cultura como el acceso a la misma son un derecho.

El responsable ha aprovechado la propia temática de Sorda para establecer un paralelismo entre el aislamiento que sufre la protagonista –y que tan bien refleja la película– por el hecho de ser sorda y el que experimentan los reclusos, así como “el aislamiento que suponen los prejuicios” que recaen sobre ellos. “En prisión muchas veces nos enmudecemos”, ha señalado, además de alabar el poder del cine para recordar a los internos que su tiempo “sigue teniendo un valor” y que su “capacidad de conmoción sigue intacta”.

“Las películas se completan siempre con el público y cada público es distinto. Y en este caso, el cine es transformador y tiene todo el sentido que estas proyecciones se den en centros penitenciarios para generar referentes”, ha afirmado Cervantes, tras finalizar la actividad. El actor ha mostrado su pleno apoyo al programa de la Academia de Cine, como vía para que “la sociedad no se olvide de las personas que están privadas de su libertad cumpliendo sus penas”, al tiempo que “para las que están en el centro tengan un contacto con la sociedad a través de los temas y las historias que les llegan a través del cine, que están reflejando la evolución social”.

El Tribunal de Cuentas ha detectado que el Museo Reina Sofía presenta carencias en sus sistemas de seguridad frente a los incendios, además de problemas con su inventario. Así lo ha señalado en un informe publicado este martes en el BOE, por el que la Comisión Mixta insta al Ministerio de Cultura a exigir al centro el cese de su director, Manuel Segade, si no se cumplen las premisas de actualización de su registro y la modernización de la valoración de los Bienes de Patrimonio Histórico antes del 31 de diciembre. Desde el Museo Reina Sofía afirman a elDiario.es que ya están trabajando en las soluciones pertinentes.

El Tribunal de Cuentas recoge que las obras de arte existentes en la institución, así como las que son propiedad de la misma, pero no están debidamente localizadas, “no pueden seguir en peligro”. De ahí a que la Comisión Mixta exija a la cartera liderada por Ernest Urtasun que pida al centro que presente informes con carácter mensual hasta que se tenga el “control absoluto del inventario de obras”, incluidas tanto las que están dentro del mismo, las que estén en depósito fuera de la pinacoteca y las depositadas en ella, de terceros.

Desde el Reina Sofía indican a este periódico que en el Museo “está realizando un proceso de revisión del inventario”, del que detallan que exige no solo la “comprobación física de las obras, sino también una revisión documental”, puesto que las principales anomalías detectadas se corresponden a momentos anteriores a la creación del actual museo, en 1988. En lo que respecta a la actualización de los fondos bibliográficos, explican que también están trabajando en ello, de manera conjunta entre los departamentos de Biblioteca, Gestión Económica y Arquitectura, Desarrollo Sostenible y Servicios Generales.

Carencias en la protección frente a incendios

En lo que respecta a la seguridad y la protección frente a los posibles incendios, el Tribunal de Cuentas recoge que el mantenimiento y conservación de las instalaciones de seguridad del Reina Sofía está contratado con una empresa externa, que en 2022 elaboró dos informes sobre ambos asuntos.

En ellos se ponía de manifiesto que los equipos utilizados “no resultaban adecuados para su fin, tanto por su antigüedad, como por la obsolescencia técnica e insuficiencia en los medios instalados para cubrir la seguridad de todos los espacios” de la pinacoteca. Y que, por lo tanto, “no eran idóneos” para alcanzar el nivel de seguridad preciso y acorde con los sistemas y tecnología disponible del momento. De tal forma que en ambos se recomendaba la “sustitución o actualización” de estos sistemas.

El Tribunal de Cuentas expone que las “comprobaciones físicas” que han llevado a cabo sobre los aspectos reseñados en ambos documentos “han permitido constatar las deficiencias señaladas y su importancia”. También añade en su informe publicado este martes, que el Museo lleva desde 2023 abordando esta problemática, con diferentes “expedientes de contratación para renovar sus sistemas de seguridad y contra incendios”.

En concreto, desde el Reina Sofía comunican a este periódico que ya han “tramitado y adjudicado” una auditoría de seguridad, a través de un contrato menor, para “conocer las necesidades presupuestarias y técnicas en materia de Protección Contra Incendios, y que dispondrán de los resultados a finales de junio. ”De esta licitación se obtendrá la evaluación actual de las deficiencias en materia de seguridad y autoprotección, así como la reconfiguración de un Plan Director en estas materias“, comparten.

Localizar obras en “situaciones anómalas”

El Tribunal de Cuentas señala también “necesario” que el Reina Sofía complete la valoración de los Bienes de Patrimonio Histórico y aplique las normas de reconocimiento y valoración previstas en el Plan General de Contabilidad Pública, para que sirva de soporte de los registros contables de dichos bienes, informando en la memoria de las cuentas anuales sobre todos los aspectos relevantes vinculados con obras de arte.

El organismo ha comprobado que, en cuanto a la ubicación de las obras, 66 figuraban como “no localizadas”, en 27 obras valoradas en 278.206 euros la ubicación “no quedaba identificada” y 146 con una valoración de 4.889.880 euros no precisaban “su ubicación física en almacenes”. Por ello, recomiendan “finalizar los trabajos de localización y regularización administrativa” de las piezas que se encontraban en “situaciones anómalas”.

En el Reina Sofía aseguran que se “está trabajando en la revisión de la documentación existente” que permita identificar “cuál ha sido el último movimiento realizado con respecto a las mismas”. Desde la pinacoteca explican que en esta situación hay obras que estaban en edificios que se destruyeron durante la Guerra Civil; en otros casos se trata de depósitos de alta representatividad en edificios oficiales y ministerios constituidos desde principios del siglo XX, y otras son obras que documentalmente se asignan al Museo Español de Arte Contemporáneo, como donación al Estado, pero que nunca ingresaron físicamente al Museo, aunque “consta documentación”.

“Es un proceso trabajoso y de gran minuciosidad, que requiere consultas en diferentes archivos e instituciones públicas y privadas”, argumentan desde la institución, y avanzan que en los casos en los que no puedan resolverse de otra manera, se pondrá en conocimiento de la Brigada de Patrimonio que colabora con Subdirección General de Registros y Documentación del Patrimonio Histórico del Ministerio de Cultura o se interpondrá directamente una denuncia de carácter policial.

“No solo el momento actual es peligroso, siempre hemos tenido que luchar por el poder de las palabras”. Cornelia Funke lleva haciéndolo décadas a través de sus libros, con sagas convertidas en fenómenos como Mundo de Tinta, Reckless y El jinete de dragón. A la primera acaba de regresar con su cuarta entrega, Venganza de Tinta (Ediciones Siruela), en la que se ha reencontrado con personajes como Dedo Polvoriento y el Príncipe Negro, con una novela en la que la capacidad transformadora de la lengua vuelve a ser la gran protagonista. La escritora alemana ha visitado Madrid para presentar el volumen, que es también una reivindicación del público que la ha convertido en una autora superventas, los jóvenes.

Corazón de tinta, el primer título de la serie, se publicó en 2003, época en la que ya pensaba que el mundo era “un lugar peligroso”. “No solamente lo es el momento actual. Siempre hemos tenido que luchar por el poder de la palabra”, recuerda al tiempo que considera que lo que sí ha cambiado, es que ahora lo ve con “más claridad”.

“Cuando escribí los otros libros había mucha oscuridad en otras partes del mundo, lo que pasa es que ahora está más cerca de nosotros. Quizás por eso lo vemos mejor”, plantea. La autora lamenta que hasta ahora haya imperado la “visión blanca del mundo” y celebra: “Me alegra que nos hayamos quitado las gafas que nos impedían ver el mundo tal y como era y ser capaces de ver lo que hemos hecho. El colonialismo viene de Europa. Gracias a haber vivido en Estados Unidos he podido entender que muchas de las malísimas ideas que hay allí, en realidad vienen de aquí”, reconoce.

“Entiendo mejor los monstruos de Europa porque nací en Europa, y son terribles”, añade. Funke, que nació en Alemania, vivió durante años en California y lleva desde 2018 en la Toscana, donde desarrolla el programa Artist un Residence, una iniciativa en la que une a escritores, ilustradores, músicos y ambientalistas para que puedan llevar a cabo sus proyectos.

“Me mudé a Italia cuando tenían un Gobierno socialista y ahora tenemos a Meloni. No creo que sea tan mala como Trump, pero me impresiona mucho la política de España”, compara, “cómo están abiertos a la inmigración o la situación del feminismo. España es el país más progresista de Europa, es esperanzador cómo no están volviendo a las viejas costumbres”. “No estamos en un momento en el que tengamos que tener miedo a nuestras palabras. Tenemos que defender nuestros valores. Soy alemana y sé muy buen cómo se pueden perder. No hace falta que se repita la historia”, advierte. Y en este contexto, Funke es una ferviente defensora del papel que juega la literatura para empujar y dar esperanza a la sociedad.

La literatura como “consuelo” y “refugio”

La autora comparte que desde su propia experiencia, recibe mensajes a través de redes sociales, entre los que apareció un joven de quince años al que acababan de diagnosticar cáncer y le agradecía que encontraba “consuelo” en sus novelas. “Mis lectores me han enseñado que en mis palabras han encontrado refugio. Ahora que tengo la edad que tengo, 67 años, me he dado cuenta de lo difícil que puede ser el mundo y lo complicado que es ser humano”, reflexiona antes de reivindicar que “contar historias es una de las tareas más importantes del mundo”.

La escritora revisitó las tres primeras entregas de Mundo de Tinta mientras planteaba la cuarta, tras crear su propio sello de audiolibros con el que ha iniciado el lanzamiento en castellano de sus sagas; y escucharlo le hizo darse cuenta de que había olvidado muchas cosas: “Había entrado en caminos muy oscuros dentro del universo de Tinta, y pensé que quizás podía aportar algo de luz con esta nueva historia”.

Crítica hacia J.K. Rowling

Al citar a autoras superventas de literatura fantástica juvenil, Cornelia Funke comparte ranking con J.K. Rowling que, más allá del éxito de Harry Potter, lleva años siendo foco de atención desde que expresara públicamente que, para ella, las mujeres trans no son mujeres. Postura que la escritora alemana rechaza por completo. “Me molesta mucho que me comparen con J.K. Rowling, especialmente por sus opiniones sobre las personas transgénero. Estoy en shock porque no entiendo cómo puede rechazar a tantos lectores, es una traición hacia ellos”, asegura.

Me molesta que me comparen con JK Rowling por su transfobia

Cornelia Funke — Escritora

La autora comparte que su hija también fue una de las miles de seguidoras de los libros de Harry Potter, y precisamente por ello no comprende que “rechace así a sus lectores, ver que es capaz de decir algunas cosas”. “No quiero que me comparen con J.K. Rowling”, zanja.

Sed insaciable por la literatura

Quienes considera que no han cambiado desde que comenzara su carrera literaria es su público. “Es sorprendente porque yo ya tengo una edad, y pensaba que lo natural sería haber pasado de moda, pero está siendo lo opuesto. A mis 67 estoy en la cúspide de mi carrera”, celebra la autora, que pese a que conoce “los datos” respecto a los hábitos de lectura, preocupantes entre los jóvenes, opina que estos no coinciden con lo que posteriormente encuentra en sus lectores: “Lo que yo siento no es lo que reflejan las estadísticas. No muestran su sed de libros”.

“En mi experiencia siento que hay la misma pasión, la misma devoción por los libros. Hay muchos blogueros jóvenes, en Instagram, tiktokers, creadores de contenido que hablan de libros. Y escritores. Seguramente se escribe más de lo que se habla”, indica para defender que “la palabra está en un momento muy potente hoy en día”.

La escritora explica a su vez que las novelas tienen que tener cabida a todos los temas posibles, y que independientemente de la edad para la que estén planteadas, no debe haber un ejercicio de autocensura en cuanto a qué abordar “porque no lo vaya a entender algo, sino por lo que les pueda aburrir”. En su caso, independientemente de si las obras son escritas o ilustradas, si el objetivo es que llegue a niños de tres años, aborda asuntos que vayan a ser de su interés, que “quizás no pasan por matrimonios difíciles o el amor romántico”.

“Si escribo El jinete del dragón tengo en mi cabeza a los niños diez años, por lo que me centro más en la aventura y no tanto en de quién se enamoran los personajes. Y si escribo Reckless, que es para adultos, sí que todo gira en torno al amor”, sostiene.

Lo que no tiene en cuenta el sentarse a escribir es en “el mensaje o la metáfora” que puedan ir implícitos en sus textos: “Si los hay, es una decisión que toma la propia historia. Por supuesto que pienso en mi tiempo y el estado actual del mundo. Si soy buena narradora, la historia va a ser un espejo. Puedo aportar lo que experimento cada día pero la historia tiene que tener vida propia, sino sería una herramienta y no quiero que sea así”.

Sin temor a la IA

Cornelia Funke ha convivido igualmente con la irrupción de la inteligencia artificial y su consecuente influencia en la industria editorial, aunque no la teme. La alemana valora que la “primera ventaja” que tienen los escritores es “la propia experiencia humana”.

No me parece que la IA esté siendo peor que nosotros, puede que acabe hasta acabe teniendo más moral

Cornelia Funke — Escritora

“Estamos hechos de carne y hueso. Tenemos un tipo de dolor y de alegría distintos. Y sí, hemos creado la IA, no podemos culpar al mundo por ello. Es verdad que el mundo ha creado bestias salvajes y enfermedades que nos pueden matar. Muchos escritores nos advirtieron en el pasado de lo que pasaría, nuestra especie nos ha enseñado que siempre que podemos hacer algo, acabamos haciéndolo. ¿Podemos construir una bomba? Lo acabamos haciendo”, critica.

La autora lamenta que las personas “nos creamos por encima de las demás especies”: “Va a suponer nuestra caída si no nos metemos en la cabeza que no somos mejores que el resto, simplemente somos diferentes. Por ahora no me parece que la IA esté siendo peor que nosotros, puede que hasta acabe teniendo más moral que nosotros”. Funke insiste en que “no hay que temerla porque el miedo no lleva a ningún sitio”.

“Cada función que usted escucha en el Teatro Real exige años de formación, preparación constante y un altísimo nivel artístico y profesional. Sin embargo, quienes formamos el Coro Titular llevamos más de 16 años sufriendo una pérdida continuada de poder adquisitivo”. Con este mensaje han recibido los integrantes del Coro del Teatro Real al público en los estrenos de las últimas semanas, como parte de su protesta por la parálisis salarial que sufren desde hace más de quince años.

También denuncian que perciben alrededor de 20.000 euros anuales menos que sus homólogos de otros grandes teatros como el Liceu de Barcelona. “Estamos cobrando practicamente lo mismo que en 2010”, aseguran a este periódico.

El conflicto del coro con el Teatro Real viene de lejos. En 2019 la institución operística fue multada con 50.000 euros por la Dirección de Trabajo de la Comunidad de Madrid por cesión ilegal. Los cantantes del Coro están contratados por la Asociación Intermezzo pero son el coro titular y estable de las producciones del Teatro Real. De las 19 obras previstas para la presente temporada, participan en un total de diez.

Ya en 2023 comenzaron con una convocatoria de paros parciales y huelgas para denunciar una situación laboral “muy precaria”, “cláusulas abusivas” en los contratos y la falta de un convenio propio. Tres años después, los integrantes del Coro vuelven a hacer público el “profundo malestar” que atraviesa la plantilla tras más de 16 años de pérdida progresiva de poder adquisitivo.

El Comité de Empresa de la Asociación Intermezzo Programaciones Musicales señala que aunque el contrato entre la compañía y el Teatro Real contempla mecanismos de revisión económica vinculado al índice de precios de consumo (IPC), dichas actualizaciones “no se han traducido de forma efectiva” en los salarios del coro, “consolidando una congelación salarial de facto durante casi dos décadas”.

Este Coro es el responsable de actuar en todas aquellas funciones que lo precisan por las características de los espectáulos que se programan en el Real. Los cantantes tienen contratos indefinidos que incluyen una cláusula de exclusividad. “No podríamos cantar ni en una boda, nos debemos en exclusiva al Real”, aclaran sobre un modelo de subcontratación poco frecuente en los grandes escenarios a nivel mundial, “en un teatro de referencia de estas magnitudes, solo está el Real. Londres, Nueva York o el propio Liceu tienen su propio coro”. No obstante, sostiene que estar subcontratados “no debería ser” un problema, “salvo si deriva en estas condiciones laborales”.

Otra de las acciones impulsadas por el Comité ha sido la confección de camisetas con el mensaje “subida salarial ya”. “Excelentes críticas, sueldos low cost” y “16 años perdiendo poder adquisitivo” son otras de las frases con las que están protestando por sus condiciones laborales.

Este periódico se ha puesto en contacto con la Asociación Intermezzo, la empresa externa a la que pertenece el Coro, desde donde afirman que están “actualmente en un proceso de negociación del convenio colectivo” y añaden que “solo” responderán a cuestiones relativas a su “actividad artística”. Desde el Teatro Real confirman estar en las citadas “negociaciones”, y que su voluntad es que tengan como resultado “la mejora de las condiciones de los cantantes en lo que se refiere a su actividad” en la institución.

La fuga de talentos a otros coros

El Comité de Empresa de la Asociación Intermezzo incide en que esta situación de precariedad está generando un “importante desequilibrio” respecto a otros teatros líricos de referencia de España, ya que como indican, los miembros del coro “perciben aproximadamente 20.000 euros anuales menos” que sus homólogos en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona o Les Arts de Valencia, pese a que el Real cuenta con mayor presupuesto público-privado. El organismo advierte de que esta diferencia resulta “incompatible” con el nivel de excelencia artística y exigencia profesional que requiere una institución cultural de referencia internacional.

“Mucha gente se ha tenido que ir por las condiciones laborales y económicas. Si sale una plaza en otro coro donde se cobra más, muchos se están yendo”, lamentan desde el Coro: “Queremos frenar la fuga de talentos a otros sitios”. También por la pérdida de atractivo que supone para la propia formación ir perdiendo valiosos integrantes.

“La situación de los artistas del coro y nuestra paciencia ha llegado a un límite”, comunican a elDiario.es. “Llevan dos años toreándonos con esto, ha llegado un punto en el que de tantas largas nos hemos cansado”, aseguran y avanzan que, en caso de no llegar a un acuerdo, “no descartan la huelga”. “Se votó en el colectivo y hubo un 94% de votos a favor de iniciar movilizaciones mayores”, señalan. Los trabajadores “subrayan que no reclaman privilegios, sino dignidad profesional y unas condiciones compatibles con el nivel artístico y la estabilidad que exige un proyecto como el Teatro Real”.

Dispuestos a seguir luchando por la mejora de sus condiciones, el Comité ha acudido igualmente al Ministerio de Cultura, al que solicitaron una reunión el pasado 25 de mayo, pero todavía no han obtenido respuesta. Este periódico se ha puesto en contacto con el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), desde donde prefieren no hacer ninguna valoración.

La endometriosis es una enfermedad inflamatoria crónica que afecta a 190 millones de mujeres y personas con útero en todo el mundo, provocando dolor intenso, hemorragias, esterilidad, distensión abdominal y náuseas. Lleva pudiendo ser nombrada desde 1860, pero aún hoy sigue siendo un tabú social, está escasamente investigada de tal forma que las constantes “soluciones” que han recibido sus pacientes han sido: “Tus síntomas son normales” y “se te pasará cuando te quedes embarazada”. Y no, no se pasa.

Laia Abril, Premio Nacional de Fotografía 2023, lo ha experimentado en sus propias carnes y ha decidido visibilizar esta enfermedad en la exposición Endometriosis. El dolor silenciado 1860-2026, que acogerá el Museo del Romanticismo hasta el próximo 13 de septiembre, como parte del programa de PhotoEspaña. En ella ha reunido los cuerpos fragmentados de siete personas con endometriosis, mostrando la disociación necesaria para sobrevivir, evocando la violencia obstétrica y abandono institucional.

Carolina Miguel, directora del Museo del Romanticismo, ha señalado en la presentación de la muestra celebrada este martes las conexiones entre las cuestiones invisibilizadas en el arte del siglo XIX con las que continúan hoy en día, “por el hecho de ser mujeres”; además de reivindicar la “necesidad” de que las instituciones museísticas de servir como “espacios de reflexión para colaborar a hacer un mundo más igualitario”.

María Santoyo, directora de PhotoEspaña, ha incidido en que la endometriosis es ese “dolor silenciado, pese a que lleve siendo nombrado desde el siglo XIX”. La responsable ha hecho referencia a cómo pese a que es un padecimiento colectivo, los dolores asociados a los ciclos menstruales, “tan sumamente incapacitantes”, son muchas veces obviados. La exposición hace todo lo contrario, les coloca en el centro del foco.

En lo que respecta al plano artístico, María Santoyo ha indicado que “hay todo un arte desarrollado en torno a las heridas de guerra. Sin embargo, con este tipo de dolores, que tienen mucho que ver con nuestra sociedad y la capacidad de que se perpetúe, también con nuestra propia autocensura; contribuimos a que no esté encima de la mesa y, por lo tanto, no se investigue lo suficiente y siga siendo incapacitante cuando, seguramente si hubiese recibido la atención merecida, no estaría haciendo sufrir a tantas mujeres”. “La fotografía y el arte sirven para esto”, ha reivindicado.

En la misma línea se ha situado Ángeles Albert, directora general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, que ha apuntado que “parece que” las mujeres se están “acostumbrando” a que exista un techo de cristal, “a no reclamar, pese a tener igualmente voz propia, con acento propio”. “Cuando hablamos de cosas tan obvias para nosotras nos sorprende que, si son tan naturales, ¿por qué no hemos hablado tanto de ello? ¿Por qué no lo hemos contado?”, ha planteado para evidenciar la pertinencia y necesidad de una exhibición como Endometriosis. El dolor silenciado 1860-2026.

Trípticos bañados en lágrimas

Esta exposición es heredera del proyecto On Mass Hysteria de Laia Abril, en el que la fotógrafa lleva una década reflexionando sobre la violencia institucional que sufren las mujeres y el ejercicio de representación de las mismas, por la forma en la que se deforman los temas en función de cómo son narrados y fotografiados. Ella fue una de las mujeres a las que la comunidad médica le dijo que “tenía que aguantar” el dolor y que estuviera tranquila, que desaparecería el día que se quedara embarazada. En su proceso descubrió una “sororidad sostenida” entre las personas que sufren endometriosis, y entre las que se dan consejos para sobrellevar el dolor.

“Hay una sabiduría ancestral en que las mujeres, frente a las violencias y abandonos institucionales, encuentran formas de resistencia”, ha explicado la artista, que ha fotografiado para la exhibición a seis mujeres y un hombre transexual que sufren este dolor crónico tan debilitante. Sus imágenes han sido tomadas desde planos cenitales, con los que evoca los momentos de disociación durante los periodos de sufrimiento. “Cuando tienes un dolor que nadie escucha ni soluciona, a veces tiene un punto hasta cómico. En la noche, retorciéndote de dolor, tu alma sale un poco de tu cuerpo y te ves retorciéndote, en la cama, en la ducha. Un delirio que cuando lo comunicas, ves que le pasa a mucha gente”, ha reconocido.

En sus obras le dio igualmente importancia a enseñar la resistencia: “Cuando tienes dolor, el cuerpo se estira, se retuerce, te pones boca abajo, te echas agua caliente, pero también quería mostrar posiciones de alivio, que las piezas no fueran solo densas, sino que albergaran esperanza, que la resistencia estuviese presente”. Las fotografías las ha recubierto con un barniz elaborado con sus propias lágrimas. “Era una forma de fusionarme con ellas y compartir ese dolor”, comenta. La exposición la acompaña con piezas sonoras “tenues y sutiles”. “El dolor es casi un sonido constante, una tortura que no se va, y el sonido ayuda a conectar con esas largas noches de dolor y largos días de incomprensión. La falta de investigación médica, la violencia obstétrica e institucional”, ha concluido.

Josefina Molina, directora pionera del cine español, ha fallecido este sábado a los 89 años en Madrid. La noticia ha sido confirmada por la Academia de Cine. Junto a Pilar Miró y Cecilia Bartolomé, fue una de las pocas mujeres de su generación que pudo dedicarse al séptimo arte, siempre desde una mirada feminista y comprometida con los derechos de las mujeres. 'Función de Noche' (1981) y 'Esquilache' (1988) fueron dos de las películas que componen su valioso legado.

La directora de cine y teatro, guionista, realizadora de televisión y novelista nació en Córdoba en 1936, poco tiempo después de que estallase la Guerra Civil. Su padre era tendero y comerciaba con calzado y productos de droguería, mientras que su madre se dedicaba a las labores del hogar. Gracias al buen rendimiento del negocio familiar, pudo acudir a buenos colegios y disfrutar una infancia sin privaciones, pese a estar en periodo de posguerra.

El cine formó parte de su vida desde pequeña, ya que sus padres solían llevarla todos los domingos por la tarde. Pero fue 'El río' de Jean Renoir, cuando ya tenía quince años, la película que le dejó fascinada y germinó su vocación de querer contar historias. No tardó en empezar a forjarse su camino, siendo asidua en videoclubs y coloquios sobre cine, fundó el colectivo dramático Teatro Ensayo Medea. En 1962 empezó a colaborar en el programa radiofónico 'Vida de espectáculos', emitido por Radio Vida, a través de una sección titulada 'La mujer y el cine'.

La primera directora de la Escuela Oficial de Cine

Josefina Molina tuvo pronto claro que quería estudiar cine, pese a que sus padres le rogaron que optara por una carrera 'normal'. Pese a que consiguió convencerles, tuvo que esperar hasta cumplir 21 años para entrar en la Escuela Oficial de Cine, antes denominado Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas.

Terminó presentándose a sus exámenes de ingreso tras cumplir 26 y, de los 103 aspirantes, solo ocho logaron entrar. Todos hombres, salvo ella. Sus primeros trabajos dentro del cine marcaron el tipo de obras que realizaría después, con cortometrajes en los que las protagonistas, siempre mujeres, escapaban de los estereotipos femeninos de las películas de la época.

El cineasta Carlos Saura fue uno de sus profesores, cuyo suspenso provocó que tuviera que repetir curso. Solo dos alumnos pasaron a segundo, y ella estuvo a punto de dejarlo. Finalmente, continuó, y en 1969 se convirtió en la primera mujer en obtener el título de directora/realizadora en la institución. Al año siguiente siguió sus pasos Cecilia Bartolomé, y después, Pilar Miró, en la especialidad de guion.

En aquella época trabajó como ayudante de realización de varios espacios dramáticos para Televisión Española, como 'Estudio 1' y 'Hora 11'. En 1968 le encargaron una adaptación de 'La metamorfosis de Kafka', y a partir de ahí se afianzó como una de las principales realizadoras de La 2. Adaptó y dirigió otros montajes como 'Motín de Brujas' de José María Benet, 'No puede ser el guardar una mujer' de Agustín Moreto y 'La Lozana Andaluza' de Rafael Alberti.

Entre las series de televisión más destacadas está 'Teresa de Jesús' (1984), en la que narró la vida de Santa Teresa, encarnada por Concha Velasco, en también uno de los papeles más destacados de su carrera. En la pequeña pantalla filmó igualmente 'El camino' (1978) y 'Entre naranjos', adaptando la novela de Vicente Blasco Ibáñez. Josefina Molina es también la responsable de la exitosa adaptación de 'Cinco horas con Mario' inmortalizada por Lola Herrera.

'Vera, un cuento cruel', su ópera prima

El salto al cine de Josefina Molina llegó en 1973, con la adaptación de 'Vera, un cuento cruel', protagonizada por Fernando Fernán-Gómez, Julieta Serrano y Alfredo Mayo. El guion lo coescribió junto a Lola Salvador Maldonado. Fue la única película de terror del tardofranquismo escrita y dirigida por mujeres. El filme aportó la visión femenina de un subgénero tradicionalmente masculino, el 'fantaterror' español.

En la cinta, una joven enterrada en la cripta de su mansión empieza a aparecerse a su marido, que tiene la progresiva locura que le hace pensar que aún está viva. Su oscuro mayordomo es, sin embargo, su única compañía. El largometraje fue a su vez el debut cinematográfico de los hermanos Miguel Bosé y Lucía Dominguín.

Su siguiente trabajo en la gran pantalla llegó seis años después, con su participación en 'Cuentos eróticos', donde dirigió uno de los relatos que conforman la película, 'La tilita'. El golpe definitivo encima de la mesa lo dio con 'Esquilache' (1988), por la que obtuvo 12 nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor película y Mejor dirección. El drama situaba la acción en la era napoleónica, trazando un lúcido paralelismo con la España de finales de los años ochenta, liderada por Felipe González.

Tres años más tarde, Josefina Molina dirigió su última película, 'La Lola se va a los puertos', adaptación de los hermanos Machado con Paco Rabal y Rocío Jurado.

'Función de noche', su obra maestra

Josefina Molina es la responsable de una de las grandes joyas del cine español, 'Función de noche'. Dirigida en 1981, y a caballo entre la ficción y el documental, desgrana hasta las últimas consecuencias el final de un matrimonio. En ella, Lola Herrera y Joaquín Dicenta se interpretan a sí mismos en una durísima conversación que mantienen en el camerino donde la actriz se prepara para la siguiente función de 'Cinco Horas con Mario'.

El largometraje fue toda una revolución, por cómo mostró a una mujer hablando son tapujos sobre el yugo del patriarcado al que estuvo sometida desde niña y sus condenatorias consecuencias. La dificultad para deshacerse de él y el dolor de darse cuenta de todas las veces que no se puso por delante, que aceptó un trato que no merecía y se sometió por el mero hecho de 'ser mujer'.

El testimonio de Lola Herrera es poderoso porque, a pesar de la profunda tristeza y sacudida a los cimientos –por mucho que no fueran los mejores– implica poder elegirse, en singular, y pensar en qué quiere hacer a partir de entonces con una reveladora información que atañe a su insatisfacción sexual, la normalización de las infidelidades de su pareja y el desentendimiento de este por sus hijos tras su divorcio.

Un legado para todas

Josefina Molina fue una de las fundadoras de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), de la que era presidenta de honor, junto a Inés París, Chus Gutiérrez, Itziar Bollain, Helena Taberna e Isabel Coixet, entre otras muchas profesionales.

En 2012 logró otro hito ganando el Goya de Honor, convirtiéndose en la primera mujer directora de cine en llevárselo. “Sé que estoy aquí representando a otras mujeres de generaciones anteriores que se han dedicado a este oficio del cine, cuando no era nada fácil”, pronunció al recoger el galardón en la voz de Patricia Ferrera. La cineasta compartió su reconocimiento tanto con ellas como con CIMA, por haber sabido “sustituir el aislamiento por la solidaridad” y “cuya labor por la visibilidad de las mujeres cineastas de este país es constante”. En 2019 recibió el Premio Nacional de Cinematografía.

Los conciertos de Bad Bunny han contado con protagonistas infiltrados desde que el pasado mes de septiembre celebrara su residencia No me quiero ir de aquí en Puerto Rico. Penélope Cruz, Javier Bardem, Lebron James, Kylian Mbappé y Austin Butler fueron algunos de los famosos que Benito Antonio Martínez Ocasio invitó a su 'Casita', un escenario secundario que se ha convertido en uno de los símbolos de su gira –y generador de virales–. Pedro Pascal, Karol G y Jessica Alba fueron sus moradores durante su sonado espectáculo en la Super Bowl.

La lista continuó ampliándose desde que arrancó su gira mundial Debí Tirar Más Fotos, que aterriza este sábado en Madrid tras pasar por Barcelona, en el primero de los diez conciertos que ofrecerá en el estadio Metropolitano. Úrsula Corberó, Priscila Delgado, Marc Giró, Lewandowski y Lamine Yamal fueron algunas de las celebrities que aparecieron en la ciudad condal.

Ahora bien, ¿tiene sentido que un espacio que representa la identidad puertorriqueña, siendo el tipo de hogares de la clase trabajadora, se haya convertido en el club exclusivo de los shows de Bad Bunny, el VIP de celebrities, futbolistas e influencers? Construcción por la que, además, el músico fue denunciado por el dueño de la construcción en concreto en la que se inspiró, por la que le ha reclamado más de un millón de dólares.

La 'Casita' ha dado mucho que hablar también por quienes han subido sus vídeos a redes sociales presumiendo sobre cómo se 'colaron' en ella durante algunos de los shows. La inmensa mayoría de ellas mujeres, jóvenes, con cuerpos normativos. Una 'selección' de perfiles que se repite durante todos los recitales, sobre la que a su vez se ha abierto el debate respecto a si supone o no una cosificación de los cuerpos femeninos, convertidos en una parte más de la puesta en escena de la gira del puertorriqueño.

De la casa del pueblo al VIP, el reciclaje cultural de Benito

El eje del show del artista es la reivindicación de la cultura de su tierra, Puerto Rico. Por eso hay quien ha planteado la duda sobre si Bad Bunny está cayendo en una contradicción por copar su 'Casita' de celebridades. El historiador Rafael L. Carrera, profesor de la Universidad Interamericana de Puerto Rico, considera que no, y que se trata de “un tipo de reciclaje para atraer a un público de otros lugares”. El experto comparte con este periódico que este modelo de casas son muy propias de los años sesenta y setenta, como parte del proyecto de cambio cultural y económico que se dio en estas dos décadas, relacionado con Estados Unidos.

El Gobierno concedía un tipo de terreno específico “clase trabajadora, pero no pudiente, en el que construían sus propias casas, como parte del plan con el que buscaban urbanizar el país, mejorar que hubiera agua potable y suministro de electricidad”. Solían tener entre dos y tres habitaciones, salón, cocina y baño, además del característico balcón que el cantante ha incluido como parte de su espectáculo. Este nuevo contexto llevó a que mucha gente empezara a cambiar estilos de vida, como las celebraciones, que se hacían sobre todo en Navidad. “El balcón se convirtió en el elemento donde la gente se reunía”, señala, que es el modelo que Bad Bunny trata de recrear.

La casa fue inicialmente concebida para el cortometraje Debí tirar más fotos, de cuya dirección de producción se encargó Mayna Magruder Ortiz. La profesional explicó a al medio puertorriqueño El Nuevo Día que fue diseñada para albergar a un cuerpo de bailarines alrededor de treinta personas que debían caber tanto en el interior como sobre su tejado, que es usado como escenario. En su interior, más allá de haber convertido la cocina original en una barra, cuenta con elementos decorativos de artistas locales como Alexis Díaz y que con ellos pretendía contar la historia de estas casas.

Su diseño fue en un principio pensado solamente para la película, pero posteriormente se decidió incorporarla al escenario de la gira. En concreto, como espacio en el que se desarrolla el segundo acto del concierto. En él interpreta sus canciones de perreo más clásicas, como Tití me preguntó, Me porto bonito, Yo perreo sola, Safaera y Monaco, entre otras.

“Muchas de estas casas siguen, aunque los balcones ya no son lo de antes”, apunta el historiador sobre cómo estos espacios se están volviendo “más individualistas” y cómo el cantante está recuperándolo a través de su puesta en escena. Balcones en los que al llegar, “disfrutas de la hospitalidad de la persona que te está recibiendo”, incluida la comida y la bebida. El músico comenzó incluyendo su identitaria 'Casita' en las residencias de Puerto Rico, pero con la Super Bowl y la gira, lleva meses trasladándolo también al resto del mundo, invitando a personas reconocidas de cada ciudad.

“Quiere atraer la atención del país a donde va. Si pusiera a alguien de a pie, no tendría proyección, que es lo que quiere”, argumenta el historiador. Los influencers, artistas, deportistas que ubica en su 'Casita' son “condensadores de la representación de otros países. Un tipo de reciclaje cultural donde tomas unas tradiciones y les vas dando un sentido distinto dentro de la sociedad actual”. De ahí a que valore que incluir únicamente a desconocidos chocaría con la “conversión de la espectacularización de los conciertos. Se convierten en ganchos mediáticos”: “No es tanto que desvirtúe, sino que recicla el concepto de a quién se invita a la casa”.

Rafael L. Carrera recuerda que en la 'Casita' aparecen igualmente los bailarines del músico, que sí representarían a la “gente de a pie. Sigue habiendo gente corriente que no vas a reconocer”. Y recuerda para quienes critiquen el estatus de los invitados de Bad Bunny, en el Puerto Rico de los sesenta y setenta “podías invitar a tus vecinos, pero también al alcalde o incluso al sacerdote”.

En definitiva, argumenta que la 'Casita' es “un lugar de encuentro donde pueden confluir muchas personas a las que se recibe de manera hospitalaria. En tiempos pasados podría ser gente más de barrio, del pueblo pequeño, pero con el tiempo, en un concierto globalizado y amplificado, quienes están subiendo y pueden llamar la atención, son los condensadores sociales, deportivos y culturales de los países que visita”.

Bad Bunny está tomando elementos de la tradición puertorriqueña los administra desde el presente, reciclándonos para traerlos a una sociedad actual

Rafael L. Carrera — Historiador

El historiador vuelve a acudir al concepto de “reciclaje cultural” para explicar que lo que Bad Bunny está haciendo es “recuperar memoria histórica. Cuando consideras elementos en estados invisibilizados o marginados, intentas recuperarlos, darles un sentido distinto. Está tomando elementos de la tradición puertorriqueña los administra desde el presente, reciclándonos para traerlos a una sociedad actual”.

Una demanda por un millón de dólares

Independientemente del debate en torno a la pertinencia o no de la relectura de la 'Casita', Bad Bunny recibió una denuncia por ella el pasado mes de septiembre. Román Carrasco Delgado es el hombre de 84 años que le demandó porque su casa, situada en Humacao, al sureste de Puerto Rico, fue la que sirvió de inspiración para la 'Casita'. Según recoge Los Angeles Times, en la demanda alegaba que “gran cantidad de personas” visitan su hogar diariamente para hacerse fotos y vídeos, privándole de su privacidad.

“La Casita ha sido objeto de decenas y/o cientos de publicaciones en redes sociales y de venta de productos con la imagen de su propiedad, de las cuales éste no recibe ningún beneficio en general”, afirma el escrito, en el que añade que, por el contrario, “es objeto de comentarios e insinuaciones malintencionadas que no ocurrían” antes de la publicación del cortometraje Debí Tirar Más Fotos. La denuncia acusaba también a Bad Bunny y tres empresas (Rimas Entertainment LLC, Move Concerts PR INC y A1 Production, LLC) de enriquecimiento ilícito.

La demanda señala igualmente que Carrasco autorizó el uso de la casa para el vídeo, “aunque no tenía conocimiento detallado de la forma y manera que se utilizaría la Casita”; y que el hombre no recibió ninguna propuesta formal o informal, ni detalles sobre la grabación.

Quién estará en la 'Casita' en Madrid, ¿el Papa?

Como en cada concierto, el público ya está haciendo sus quinielas sobre quiénes podrían ser los invitados de la 'Casita' en Madrid. En el podio de apuestas más alocadas está el mismísimo Papa León XIV, cuya visita a Madrid coincidirá con varios recitales del cantante. La semilla de la duda la sembró el cardenal arzobispo y vicepresidente de la Conferencia Episcopal Española (CEE) José Cobo, que aseguró no descartar algún tipo de encuentro entre el Pontífice y el cantante.

“Madrid da para mucho. Y puede ser, puede haber puentes. Yo creo que en cuanto Bad Bunny se entere de que está, si quiere hablar con el Papa, el Papa seguro que le recibe, como recibe a todos”, afirmó apuntando a un posible encuentro, insistiendo aun así en que “las sorpresas son sorpresas” y que este tipo de uniones con artistas “se llevan muy en sigilo”. En ningún momento hizo referencia ni a los conciertos ni a la Casita, pero ahí queda la conjetura.

El bailarín y coreógrafo Alberto Velasco detectó hace tiempo una necesidad que partía de numerosas experiencias con las que, como persona gorda, ha tenido que lidiar a lo largo de su vida: ver un escenario lleno de cuerpos gordos. El performer ha elaborado su propia respuesta a estas heridas culturales y sociales, que van desde ser considerado “un animal mitológico” en las compañías de danza normativas, o solamente poder participar en obras si era en solitario. Además de por supuesto, ni por asomo aspirar a formar parte de una compañía como la Nacional.

El resultado es su espectáculo Sacresize, que llega este miércoles a los Teatros del Canal de Madrid, donde recodifica los signos del ballet clásico y contemporáneo glorificando la sensibilidad y belleza de la gorditud. Lo hace al ritmo de La Consagración de la Primavera de Stravinski, en una rabiosa celebración.

¿Qué es un cuerpo gordo?

Cuando lanzamos la convocatoria dijimos que era para personas que se identificaran como gordas y que hubieran tenido algíun tipo de relación con la danza, ya fuera amateur o profesional. Hubo quienes mandaron vídeos que desde mi lectura no entendía que fueran gordas, pero ellas se percibían como tal.

Un cuerpo es gordo siempre en comparación a algo. Es un constructo, que está barnizado por el sistema, el capitalismo y todos los que les conviene mantener esta narrativa de que los cuerpos gordos son enfermos, y poner un cuerpo gordo siempre en continua evolución de ser otro que nunca alcanzará. Ese deseo de ser otro constante hace que nunca estés a gusto en tu cuerpo y que hagas lo que sea, desde Ozempic, operaciones.

Que me parece bien también, porque estar ahí fuera es dificilísimo. Vive sin caber en los autobuses, en los tornos del metro, que la gente no se siente a tu lado en el avión, las tiendas de ropa, la publicidad. Es una violencia constante.

Se acaba interiorizando que hay espacios que no puedes ocupar, y cosas que no puedes hacer. Si se mantiene así es porque está ganando con ello pero, ¿no es muy cruel?

Absolutamente, pero a la vez qué inteligente, porque el cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo. Cambiarlo no es del día a la noche, ni de la noche a la mañana. Y el proceso de aceptación es muy difícil. Como el sistema es tan cabrón, porque no es un conjunto de constructos, es dificilísimo desaprenderlo. Y luego está lo que la sociedad permite que haga un cuerpo gordo. Cuando un cuerpo gordo se desarrolla en algo que la sociedad no está acostumbrada a ver, hay una extrañeza y rechazo absoluto.

En las compañías normativas el bailarín gordi es un animal mitológico

Alberto Velasco — Coreógrafo y bailarín

Añadido a la percepción de que estar gordo está ligado a no estar sano.

Y es que no lo está. A los humanos se nos dice que todos tenemos que ser de una determinada manera. En las redes sociales es muy perverso cómo el algoritmo favorece, además de al fascismo, a una hegemonía corporal que direcciona el deseo, la sensualidad, todo. Me asusta también por cómo se sobreentiende que estar delgado signifique per se algo mejor, como si garantizase estar sano.

Va a llenar un escenario de cuerpos gordos, algo que tampoco es habitual en pantalla, ni mucho menos.

Es demoledor. El Observatorio de la Diversidad de Medios Audiovisuales refleja cada año la falta de inclusión de personajes gordos. Siempre son secundarios, hay muy pocos protagonistas, y menos en los que su existencia no tenga que ver con su cuerpo, asociado a lo negativo siempre. Las personas gordas somos personas felices, completas, sanas, deportistas.

El algoritmo favorece una hegemonía corporal que direcciona el deseo

Alberto Velasco — Bailarín y coreógrafo

Esta exclusión afecta igualmente a lo sexual y sentimental. Como si las personas gordas ni se enamoraran, mantuvieran relaciones sexuales ni se masturbaran.

Sí. En la gorditud hay una experiencia compartida de ser el amante, para cumplir las fantasías, pero no ser pareja. Sucede muchísimo. O estar con personas que tienen obsesión por los cuerpos gordos, un fetiche y ya está, lo único que le interesa de ti es tu cuerpo, la masa. Luego hay frases como “yo te quiero a pesar de tu cuerpo”, que ojo a lo que se esconde ahí. Como que él entiende que ese cuerpo no es deseable, pero te quiere tanto que hasta lo desea.

Si el constructo social estuviera más relajado, la seducción también iría hacia otro lado. Y no solo entendida como ganas de follarse a alguien, lleva a otros sitios, como a un espectáculo. El arte es muy seductor, una conversación puede serlo. Se ensancharía mucho más el mundo. Las redes sociales han hecho mucho daño en el consumo de cuerpos y hay mucho ratio de cuerpos desnudos.

En la obra aborda lo que califica como 'terrorismo corporal', ¿qué es?

Empecé a caer en la cuenta de que podía catalogarlo como tal al leer a muchos activistas y filósofos gordis, que suelen ser siempre latinoamericanes, no binaries y queer, que hablan de terrorismo corporal porque es un estado de sitio. Todo el sistema está permeado interseccionalmente de violencias para que las personas vivamos aterradas, frustradas y avergonzadas de nuestros cuerpos desde todos los estratos sociales. En el colegio, la familia, la sociedad, el amor e incluso la intimidad de nuestra pareja.

Por eso es un estado de sitio, no hay descanso. Es violencia constante aunque estés solo. Está en nuestro ADN. No se puede escapar. Yo entiendo que esto es una convivencia hasta el final de mis días. Hemos asumido estas violencias, que también cuentan con el cuerpo es íntimo y vulnerable. Hay días en los que estás menos fuerte que otros, en los que te bajas de la burra y dices “hoy me tapo”, incluso “hoy no salgo de casa”, “hoy no me enamoro”. Nos cerramos a vivir experiencias.

El rechazo es continuo y lo digo sin victimismo, son cosas que suceden. Y las violencias no son solo contra los gordos. Las personas delgadas también escapan de los cuerpos gordos. Tengo amigas actrices que no pueden engordar, que si tienen un hijo los productores les dejan en barbecho dos años hasta que vuelvan a sus cuerpos originales. Y hemos asumido que esto es normal. Igual que la gente que solo cogen para puestos que no estén de cara al público. Hay mucha violencia laboral.

Empezando por los programas de televisión, ahí está Supervivientes, que muchos califican como la mejor forma de hacer dieta porque todos los concursantes adelgazan.

Incluso los gordos hemos dicho alguna vez “ojalá pillara una gastroenteritis”. Está a la orden del día queremos enfermar para perder unos kilos. Hay muy poca visibilidad gorda en los espacios públicos, de la televisión al Congreso de los Diputados. Por eso me parece importante ocupar el espacio. Somos cuerpos grandes y nos invisibilizamos nosotros mismos. No. Ocupemos nuestro espacio. Debería haber 18 Lalachus.

Hay muy poca visibilidad gorda en los espacios públicos, de la televisión al Congreso de los Diputados

Alberto Velasco — Bailarín y coreógrafo

¿Cómo trabajó su propia aceptación? ¿Estaría bien que se nos hablara de esto desde el colegio?

Es importante tratarse bien y ser amable con el cuerpo. Entender que si hoy es un día de mierda se pasará y habrá uno que será maravilloso. Ya está. Sin machacarse. Nos ha tocado vivir en una sociedad muy machacona con nosotros mismos. Con el cuerpo, con tu oficio.

Por el contrario, existe a su vez mucho paternalismo e infantilización sobre las personas gordas.

Hemos vivido con eso. ¿Cómo es el tratamiento de la gordura en Friends? Hay que tener un pelín más de cuidado con el discurso. También vienen a decirnos esto de que ahora no se puede reír uno de nada. No, hay que tener otra mirada, entrenarse hacia otro sitio. Se puede hacer humor de muchas maneras, sin reírte de los gordos, de los maricas y de las trans. Relájense, señores, que se van a seguir riendo. No os vamos a quitar la alegría de vivir.

Hay mucho interiorizado de lo que no nos hemos dado cuenta.

Porque está instalado ahí. Tengo la sensación de que hemos vivido en una burbuja, del 'body neutral', del 'body positive', ¿eso dónde está? Estamos en 'heroin chic' otra vez y es peligrosísimo. Luego nos sorprende que haya anorexias, bulimias de todo tipo, ¿pero cómo te va a sorprender? Si es que nos empujamos a eso, a tener trastornos alimenticios. ¿No te parece que es suficiente como para relajar la marcha al respecto y ser un poquito más amable?

Claro, porque mientras piensas en la dieta que vas a hacer ejercicio, no piensas en la precariedad o la crisis de la vivienda.

Absolutamente, es la domesticación. Nos necesitan así de alienados. Y es una fórmula magistral porque el cuerpo es nuestra manera de estar en el mundo. Nos tienen agarrados por los huevos. Pidiendo perdón por existir. Siempre queremos ocupar muy poco espacio en los espacios públicos. Tendemos a comer siempre de cara a la pared. Tenemos cosas aprendidas como sentarnos en los asientos individuales del autobús. Nos quedamos de pie en el metro porque nadie se sienta a nuestro lado o si lo hace resopla. Te llaman gordo desde un coche. No nos sentamos en terrazas porque las sillas no aguantan con nosotros.

Por eso en la danza es tan difícil ver a cuerpos gordos, porque estás expuesto todo el rato. El escenario es ese lugar que no puedes habitar no porque no puedas bailar, sino porque, ¿quiénes han estado ahí antes? Por eso es importante que estemos en los Teatros del Canal. Quiero llegar con esto a los mejores teatros institucionales del mundo para reventarlo desde dentro con amor. Con algo sublime y popular a la vez.

Muchos críticos miran mi trabajo y dicen que es performático, porque soy gordo y para ellos es que la técnica no está tan depurada ni sublime, porque la danza es clasista. Quiero descimentar el clasismo de la danza y rebajarlo a lo popular. Me haría muy feliz que el estandarte de mi país tuviera una diversidad corporal mayor. Hay mucha gente muy preparada, con un cuerpo que hace puntas perfectamente, lo que pasa es que tiene un cuerpo gordo. Hay unos estándares que me encantaría que algún día se fueran a tomar por saco.

El dramaturgo Ramón Paso fue detenido el pasado sábado por presuntamente agredir sexualmente a una menor de 15 años. El director teatral, que tiene una causa abierta por agresión, acoso sexual y coacciones a 14 mujeres desde 2024; fue arrestado por la Policía Municipal de Madrid cerca de la plaza de Cibeles, después de que unos viandantes avisaran de que estaba realizando tocamientos a una adolescente. Según ha avanzado El Mundo y confirmado elDiario.es, Paso se identificó como su profesor de teatro y amigo de la familia.

La Policía Municipal de Madrid informa de que la detención tuvo lugar el sábado 23 de mayo, a las 19:30 de la tarde, después de que dos testigos alertaran a una patrulla de haber visto a un adulto tocando y besando a una menor en un banco de la zona peatonal del Paseo del Prado. Estos tocamientos se habrían realizado en los muslos y nalgas, y los besos en los hombros y en el cuello.

Ramón Paso fue arrestado poco tiempo después, mientras paseaba con la menor cerca del Banco de España. El dramaturgo declaró que habían quedado para “dar una vuelta” después de que la adolescente hubiera tenido un problema con sus compañeros de instituto en una fiesta de cumpleaños. Según la Policía, el director de teatro reconoció que la menor se había sentado sobre sus piernas, alegando que lo había hecho para que no se manchara la ropa. La joven reconoció los tocamientos, indicando que el dramaturgo “la estaba consolando”.

Los padres de la chica, que se enteraron de lo sucedido por la llamada de los agentes, confirmaron que él era el profesor de teatro de su hija, así como amigo de la familia, pero que no sabía que ambos estaban pasando la tarde juntos. Tras tomar declaración a los testigos y la joven, los agentes procedieron a la detención de Ramón Paso por un presunto delito de agresión sexual. La menor fue trasladada a un centro médico y el dramaturgo a las dependencias de la Unidad de Atención a la Familia y Mujer (UFAM) de la Policía Nacional.

Este periódico se ha puesto en contacto con el abogado de Ramón Paso en la causa de las 14 denuncias de 2024, que ha declinado hacer declaraciones.

14 mujeres denunciaron a Ramón Paso

La detención de Ramón Paso ha tenido lugar mientras continúa abierta la causa contra él tras haber sido denunciado por agresión, acoso sexual y coacciones a 14 mujeres en 2024. Fuentes jurídicas confirman a elDiario.es que la causa continúa abierta, que ya han declarado todas las víctimas y que está pendiente que lo haga el dramaturgo, cuya declaración tendrá lugar “próximamente”. También que los hechos ahora denunciados se asemejan a los descritos en esta causa.

Los delitos denunciados habrían tenido lugar en castings en los que participaba el director de teatro y las víctimas, 14 jóvenes de entre 18 y 25 años, entre 2018 y 2013. Desde el mundo de la cultura, estas denuncias fueron recibidas con repulsa.

La Fiscalía sostuvo entonces que el director de teatro usaba violencia e intimidación para convertir a mujeres jóvenes en “objetos de su placer sexual”. La querella del Ministerio Público recogió las prácticas violentas que presuntamente llevaba a cabo el dramaturgo con al menos 14 mujeres de su compañía de teatro, especialmente aquellas jóvenes, en situación precaria y pertenecientes a familias desestructuradas. “Les exigía que fueran sin ropa interior y llevaran las bragas en la mano para entregárselas”, recogieron.

Ramón Paso no ha dejado de ejercer de profesor de teatro desde entonces, ya que continúa con su actividad a través de la compañía Pasoazorín Teatro, que dirige junto a la actriz Ana Azorín. Ella fue una de las cinco compañeras del grupo de teatro que defendieron públicamente al dramaturgo cuando salieron a la luz estas denuncias.

Paso tuvo un taller de guionistas, calificado como “secta”

Antes de la etapa en la que supuestamente sucedieron estos delitos, Paso intentó labrarse un nombre en el mundo del guion televisivo mediante un laboratorio colectivo dirigido por él mismo y denominado 'El Alambique de Ideas'. La idea era vender posteriormente estos proyectos a la televisión. El taller se convirtió en una comunidad muy cohesionada que las personas consultadas por este periódico coincidieron en calificar como “secta” por sus normas, su culto al líder y las prácticas poco habituales de las que muchos fueron testigos dentro.

Todas relataron el mismo procedimiento de captación: un cartel en la universidad, una entrevista con dos mujeres donde no estaba Ramón Paso, pero donde ya se comenzaba a vender su figura totémica. Los integrantes no obtenían remuneración por el desarrollo de los guiones, y todos recuerdan que “la mayor parte” de los miembros del grupo eran mujeres. “Ejercía un poder brutal, le tenían como si fuera un gurú”, reconoció una integrante del grupo. Las alumnas compartieron que, desde el primer día, todo giraba en torno a la figura del dramaturgo, que imponía normas estrictas, humillaba a quienes no las seguían, realizaba juegos extraños psicológicos y hasta les decía si podían saludar o no a exmiembros del taller.