Consuelo García del Cid tenía 16 años cuando sus padres la enviaron al Patronato de Protección a la Mujer, la institución que Franco puso en marcha en 1941 para redimir a todas las “descarriadas”, las chicas que no encajaban en el molde impuesto por su moral. Su rutina consistió en fregar, trabajar en talleres, rezar, no poder hablar con sus compañeras, leer y recibir cartas siempre bajo la supervisión de las monjas, fregar, rezar, callar. También se autolesionó la cara, golpeándose hasta desfigurarse para intentar que, cuando su madre la visitara al día siguiente, comprendiera que tenía que sacarla de allí. Pero no pasó.

Cuando finalmente consiguió marchar, en 1976, prometió a sus compañeras que “el país entero se enteraría” de lo que les habían hecho. Lo plasmó en varios libros, como Ruega por nosotras, pilar fundamental de la película a la que el director Daniel Monzón ha dado el mismo nombre, y que acaba de llegar a las salas.

Consuelo García del Cid pidió ver el largometraje antes de su estreno, sola –se han hecho otros pases conjuntos con supervivientes del Patronato en diferentes ciudades de España–, y reconoce que salió “absolutamente noqueada”. El personaje de Ana, la protagonista que encarna Zoe Bonafonte, está inspirado en ella, y fue precisamente una escena en la que se magulla el rostro la que más le hizo revolverse en la butaca: “Me devolvió a ese momento y me permitió ser consciente, a mis 68 años, de cómo pude hacerme esa barbaridad. Pude haber muerto”.

El filme refleja los trabajos forzados a los que sometieron a las adolescentes entre 1941, desde que Franco pusiera en marcha el entramado de centros, hasta 1985, cuando finalmente se cerraron. Diez años después de la muerte del dictador. María Forns, que acababa de cumplir 16 años cuando la encerraron, también enviada por sus padres, recuerda tejer peluches gigantes de Panteras Rosas. A Itziar, sin embargo, se le quedó grabado la cantidad de colchones de lana que tuvo que descoser, varear y volver a bordar.

Mujeres “completas” e “incompletas”

Algunas adolescentes fueron internadas a petición de sus padres, pero otras muchas por motivos desde participar en manifestaciones contra Franco, que les gustaran los Beatles, fumaran o desobedecieran en casa. Ninguna había cometido ningún delito. Nada más ingresar en estos centros, se les sometía a una exploración ginecológica, como la que experimenta Ana en la película, para comprobar si estaban “completas” o “incompletas”, en función de si llegaban o no vírgenes. Muchas de ellas estaban embarazadas, como Itziar, a quien su madre echó de casa precisamente por este motivo.

“Al ser monjas, entendías que era un lugar en el que te iban a cuidar, pero la realidad es que entrabas en una cárcel. Que estaba allí por ser una puta es lo más bonito que me dijeron”, reconoce. Desde que ingresó en el centro Maternidad de Peña Grande, intentaron convencerla de que debía dar a su bebé en adopción. No le vio ningún médico durante el embarazo, y tuvo que dar a luz allí, sobre una camilla de acero inoxidable, sin epidural. “Vinieron de nuevo con los papeles en el parto, mientras empujaba, para que firmara”, recuerda. No lo hizo.

Itziar consiguió escapar porque tenía trabajo en un comercio antes de entrar en el Patronato. En una de las salidas para cumplir con su jornada laboral, envolvió con una toquilla a su hija, la tapó con su chaqueta y fue a pedir ayuda a su madre. Allí le esperaba también su padrastro, que desde pequeña abusó de ella. “Preferí recibir palizas, pero que mi hija estuviese cuidada”, comenta ahora. Más de cincuenta años después, sigue viviendo con su hija y juntas fueron a ver Ruega por nosotras.

“Me gustó. Salí llorando como una magdalena porque me veo reflejada”, comenta sobre cómo se sintió durante el visionado. Afirma estar “agradecida” porque Daniel Monzón haya rodado este filme, aunque considera que “no lo han puesto tan duro como era”.

En la misma línea se sitúa Loli Benito, otra superviviente que muestra más reticencias. “Era impensable que le levantaras la voz a una monja –como sí hace el personaje de Zoe Bonafonte en la película–, porque si lo hacías te comías un aislamiento como una catedral”.

Ella entró en 1982, embarazada tras ser violada por su propio padre. También dio a luz dentro del centro, poco antes de que su madre muriera. Su padre consiguió que al año siguiente le concedieran permiso para sacarla cuatro días, una Semana Santa. Volvió a violarla. Volvió a dejarla embarazada. Volvió a dar a luz dentro del centro. “Me quitaron los dos niños”, explica sobre los hijos a los que tardó 27 años en encontrar. Pese a su descontento con el guion, Loli Benito celebra que la película vaya a servir para dar visibilidad: “Si decimos que se ha quedado corta, la gente va a querer saber más”.

La subasta de adolescentes

“Es un peliculón, está muy bien hecha, con mucho respeto y consideración, sin buscar la carnaza”, opina Paca Blanco, presidenta de la Asociación para la Memoria y la Reparación de las Supervivientes del Patronato de la Mujer 'Las Olvidadas', que fundaron el pasado mes de septiembre para preservar su memoria, testimonios, facilitar el acceso a la verdad y promover medidas de justicia, reparación y garantías de no repetición. Ella vio la película en Madrid junto a otras treinta compañeras, entre las que estaba también Carmen Álvarez. “Salimos todas llorando, se nos removió todo”, coinciden.

Paca Blanco es consciente de las fugas de adolescentes que aparecen también en la película, ya que ella se escapó hasta cuatro veces en los sesenta. “Fregábamos las instalaciones, estábamos todo el día rezando. No podíamos hablar. No querían reformarnos ni nuestro bien, era un experimento nazi, para hacer de nosotras mujeres dóciles, sumisas, devotas, esposas y madres del régimen”, comenta.

“La mayoría de las que estábamos allí no teníamos salida. O te metías a monja, como pasa en la película, o te casabas, que también se ve. Unas tragaron y se metieron a novicias, otras nos buscamos un marido sobre todo porque algunas estábamos embarazadas y corríamos el riesgo de que trapichearan con nuestros hijos. Y en esa época, al buscarte un marido deprisa y corriendo, te casas con un maltratador”, lamenta al recordar su propia historia.

Silencio, llantos y aislamiento

En el expediente de Carmen Morán figura que el motivo de su ingreso en el Patronato fue ser “rebelde”. Tenía 13 años cuando entró en 1974 y 16 cuando salió en 1976. Durante aquel periodo asegura que vio “de todo, niñas que se tiraban por la ventana, una chica anoréxica a la que enviaron a un psiquiátrico, embarazadas que desaparecían”. En su centro dormía “encerradas” junto a veinte compañeras y una monja.

“No podías recibir cartas que no hubieran pasado por ellas. Si interpretaban algo que para ellas no era normal, te sometían a interrogatorios que te volvían loca. Llegué a decirle a todos mis amigos que no me escribieran. Solo tenía conexión con mi madre, que me llamaba un cuarto de hora los viernes, intervenida. Allí eras una mierda”, asegura.

En Ruega por nosotras, el motor que lleva a las jóvenes protagonistas a sobrevivir al calvario que padecían en reformatorios es la amistad que se forja entre ellas, pero las supervivientes consultadas para este reportaje señalan que aquello era muy complicado porque estaban todo el rato controladas.

“No podíamos tener relación emocional con ninguna compañera porque decían que eras sospechosa de tortillera, y eso significaba que te podían enviar a otros centros por enfermas mentales. Ahí te sometían a electroshocks y todo tipo de barbaridades”, expone. María Forns señala que hasta que no entró en el Patronato “no había oído nunca lo que era el lesbianismo” y que fue ahí donde descubrió que “las chicas a veces se gustan y que esto era muy perseguido”. Todo ello sembró el ambiente de terror que se respira en la película de Daniel Monzón. “Nos machacaron vivas”, lamenta Carmen Álvarez, “cuando te ibas a dormir lo único que escuchabas eran llantos sordos”.

Contra el imperio del silencio

Unos llantos que se escuchan en el filme y resuenan en el recuerdo de las supervivientes. Itziar reconoce que aún hoy, a sus 75 años, cada vez que se mete en la cama le da miedo cerrar los ojos: “Me viene constantemente aquello que viví. Lo revivo una y otra vez”. Ver Ruega por nosotras también lo ha hecho, y precisamente por ello reivindica que la película “tendría que ser obligatoria en los colegios, institutos y universidades, para que la gente sepa qué pasaba”.

Carmen Álvarez subraya que esta fue una realidad a la que estuvieron sometidas miles de mujeres, entre las que muchas no se lo han contado aún ni a parejas, hijos ni familiares por vergüenza, de ahí a que estén recomendando que la gente vaya a verla: “La película refleja que no tuvimos la culpa, que éramos víctimas de un sistema y una represión que nunca debió existir. No queremos seguir silenciadas”.

La editorial Almadía ha decidido mantener el I Premio Internacional de Novela Breve Almadía-Ventosa Arrufat, concedido a Donde el agua trabaja del peruano David Silva Rojas, que había sido acusado de haber sido escrito con inteligencia artificial. La alarma la hizo saltar un artículo publicado en El País, que realizó la acusación tras haber analizado el texto con Pangram.

El sello editorial abrió una investigación que les ha servido para reafirmarse en su decisión. “Preferimos seguir confiando en el criterio humano”, declaran en el comunicado en el que han hecho público su veredicto.

En el texto explican que la revisión la han llevado a cabo a partir de los materiales aportados por el autor sobre el proceso de escritura de la novela. “Almadía fundamentó su juicio en criterios humanos, a partir del conjunto de la información examinada, su relación con la obra y las distintas conversaciones sostenidas con tecnólogos, abogados y peritos lingüísticos”.

La editorial hace mención y respalda igualmente la labor del jurado del premio, compuesto por Cristina Rivera Garza, Selva Almada y Mónica Ojeda, alegando que su fallo fue “una decisión literaria, tomada a partir de la lectura de las obras que concursaron”.

Desde el sello indican que son conscientes de que el uso de la inteligencia artificial “ha abierto un debate en el mundo editorial”, a la vez que advierten de que este debe tomarse con especial cautela. De ahí a que defiendan que “los resultados de una herramienta de detección no bastan por sí solos para dar por demostrado cómo se escribió una obra”. “Cuando está en juego la reputación de alguien, es necesario escuchar a las personas involucradas, dar tiempo para sus respuestas y examinar el conjunto de la información disponible”, sostienen.

“El 11N, la cultura también para”, es el título del manifiesto que más de 800 agentes de la cultura, entre librerías, editoriales, espacios y trabajadores han firmado para apoyar la huelga general por la vivienda promovida para el próximo 11 de noviembre. Alana S. Portero, Rodrigo Sorogoyen, Andrea Abreu, Sabina Urraca, David Uclés, Nerea Pérez de las Heras e Inés Hernand son algunas de las figuras que se han unido al texto.

En él reivindican una vivienda digna y estable; medidas efectivas para prevenir y sancionar en la discriminación racista en el acceso a la vivienda y a espacios comerciales o de producción artística; la regulación de los alquileres comerciales, el fin de la especulación inmobiliaria, y la protección efectiva de los espacios culturales independientes frente a la expulsión por espacios comerciales; condiciones dignas para quienes trabajan por cuenta propia, condiciones dignas para los trabajadores de la cultura; y garantizar la continuidad de las reformas legislativas del sector cultural.

También el respeto al derecho a huelga y a los derechos sindicales en las instituciones culturales, algo que ha sido denunciado en Madrid, donde los sindicatos denunciaron la vulneración del derecho a huelga por parte de varios teatros, al haber trasladado las funciones del miércoles 11 al lunes 9, o directamente cancelado las del día 11.

Stage Entertainment, productora de El rey león y El alma al aire rectificó para permitir a los trabajadores de sus musicales ejercer su derecho a huelga, pero en otros espacios como el Auditorio Nacional, las producciones de ATG Entertainment (Los Miserables, Querido Evan Hansen y Wicked) y el Teatro Real, no han llevado a cabo ningún cambio. CGT ha convocado una concentración el próximo lunes precisamente en el Real, para protestar contra esta vulneración de derechos que el comité de empresa ha denunciado ante Inspección de Trabajo.

Entre los firmantes figuran igual, el filósofo Paul B. Preciado, la cineasta Laura Hojman, el actor y escritor Carlos Bardem, los dramaturgos Pablo Messiez y Lola Blasco, el músico Nacho Vegas, la cantante Rocío Saiz, las escritoras Marta Sanz, Elvira Navarro, Gabriela Wiener, Mónica Ojeda, Edurne Portela, Elena Medel, Beatriz Serrano, Lucía Lijtmaer, Aixa de la Cruz, Sara Barquinero y Elizabeth Duval, la poeta y editora Luna Miguel, el escritor José Ovejero, el filósofo Ernesto Castro, los periodistas Javier Gallego e Irantzu Varela y la viñetista Flavita Banana.

También editoriales como Altamarea, Barlin Libros, consonni, Dos Bigotes, ediciones comisura, Barret, Hoja de Lata y Sexto Piso; librerías, asociaciones y más de 700 trabajadores entre escritores, figurinistas, productores, bibliotecarios, dramaturgos, editores, docentes, gestores culturales, diseñadores gráficos, fotógrafos, traductores, investigadores, caracterizadores, directores, etc.

“Los trabajos de la cultura necesitan tiempo, pero también espacio: el de casas, talleres, librerías, escenarios o locales de ensayo”, explican en el manifiesto. En él recogen que según una encuesta de la Asociación de Librerías de Madrid, más de 8 de cada 10 librerías son inquilinas, y solo el 14,3% afirma tener garantías de continuidad en su local actual. “Si en las grandes ciudades las librerías cierran, en las pequeñas directamente no llegan a abrir. Esta misma dinámica se replica en otros espacios propios de la cultura”, inciden.

“Toda la sociedad se entristece cuando cierra una librería, un local de ensayos, un teatro, un taller de lectura, una galería o un cine. Cada vez más barrios se convierten en decorados, la gentrificación expulsa a vecinas y liquida los pocos espacios de encuentro que nos quedan. Todo lo que nos aísla impide que emerjan comunidades culturales y mutila la riqueza artística”, añaden, “si algo contribuye al conservadurismo cultural, es la inflación de alquileres e hipotecas. Sin casa, sin locales y con el espacio público convertido en un escaparate, no quedan lugares donde viva la cultura”.

El sindicato CGT ha convocado una concentración el próximo lunes 9 de noviembre a las 18:30h frente al Teatro Real, para protestar contra la vulneración del derecho a huelga de sus trabajadores, después de que la institución trasladara la función prevista para el miércoles 11, día en el que está convocado el paro de la vivienda, al lunes 9. El comité de empresa ha presentado una denuncia ante Inspección de Trabajo.

“Convocamos a todo el gremio escénico a mostrar nuestro frontal rechazo a esta grave agresión al conjunto del colectivo de nuestro teatro”, reclama el sindicato en su comunicado. La representación afectada es el estreno de Las bodas de Fígaro, previsto inicialmente para el martes 10 de noviembre. “Demostremos que el mundo de la cultura no acepta abusos en sus escenarios”, concluyen su texto.

Este periódico se ha intentado poner en contacto con el Teatro Real, desde donde no han querido hacer ninguna declaración.

En la nota de prensa que el Teatro Real envió a los medios la semana pasada informando sobre el traslado de la ópera, alegaron que la reprogramación se había acordado por “razones de seguridad” y para “prevenir posibles incidencias en la movilidad del transporte público o eventuales cortes de circulación que podrían dificultar la entrada y salida del público, los artistas, los trabajadores y el resto de profesionales” vinculados a la institución. También defendían que con este cambio querían “garantizar y compatibilizar el derecho a la huelga de la plantilla con el compromiso con el público”.

La productora de 'El rey león' rectificó

La reivindicación del Teatro Real no es un caso aislado. CGT y CNT denunciaron la semana pasada que varios espectáculos de Madrid estaban vulnerando el derecho a huelga a sus trabajadores, tras haber cancelado o desplazado a fechas diferentes las funciones programadas para el 11 de noviembre.

Tanto en El Rey León que se representa en el teatro Lope de Vega como El alma al aire que acoge el Coliseum, las obras previstas para el miércoles 11 se trasladaron al día 9. Su productora, Stage Ententainment, rectificó este miércoles, tras la demanda judicial que CGT interpuso a la empresa.

Finalmente, no habrá función ni el 9 ni el 11 de noviembre. Según pudo saber este periódico, el 11 de noviembre sí que figura como laborable para los trabajadores, respetando así su derecho a huelga. Este medio intentó contactar con la productora, pero sigue sin obtener respuesta.

Los trabajadores de los musicales El rey león y El alma al aire, producidos por Stage Entertainment, podrán finalmente ejercer su derecho a huelga el próximo miércoles 11 de noviembre. La empresa, que había trasladado la función del día para el que está convocado el paro al lunes 9, ha rectificado tras la demanda judicial que el sindicato CGT interpuso a la empresa.

elDiario.es se hizo eco de esta reclamación la semana pasada, tras las denuncias de CGT y CNT por vulnerar el derecho a huelga en otras obras como Six en el teatro Gran Vía, gestionada por el grupo Smedia, o las producidas ATG Entertainment, Los Miserables en el Nuevo Apolo, Querido Evan Hansen en el Rialto, Wicked en el Nuevo Teatro Alcalá y La función que sale mal en el Amaya. Por el momento, no ha habido cambios en el resto de recintos.

Tanto El rey león en el Teatro Lope de Vega como El alma al aire en el Coliseum –y así queda patente en el calendario actualizado de su página web–, no habrá función ni el 9 de ni el 11 de noviembre. Según ha sabido este periódico, el 11 de noviembre sí que figura como laborable para los trabajadores, respetando a sí su derecho a huelga. Este medio ha intentado contactar con la productora, pero todavía no ha obtenido respuesta.

En ambos casos, el primer cambio de fecha de la obra fue anunciado mediante un aviso en su página web, que posteriormente borraron, informando: “Debido a la huelga general, la función del 11 de noviembre ha sido cancelada. Sentimos mucho las molestias”. En el texto, al que tuvo acceso elDiario.es, indicaban igualmente que quien tuviera entradas para ese día, podría cambiarlas sin coste adicional por otra función disponible.

Actualmente no existe ningún aviso público sobre la modificación en la programación, simplemente no figura la posibilidad de comprar entradas ni el día 9 ni el 11.

Isabel Allende arranca cada 8 de enero su particular 'curso escolar'. A partir de ahí, dedica ocho horas diarias a escribir la que será su siguiente novela, aunando las ideas y personajes que se le han ido ocurriendo durante el año. También los conflictos sociales y políticos que van marcando cada nuevo presente. El “coqueteo” con el autoritarismo, el populismo y la ultraderecha afirma que son los que prendieron la mecha de La hora antes del alba, continuación de La casa de los espíritus por la que ha ganado el Premio Planeta 2026.

Al contrario de lo que sucede habitualmente en la cobertura de estos galardones, esta edición ni la vencedora ni el finalista –Sergio Hernández por La añoranza–, van a conceder ninguna entrevista individual. Solamente un pequeño encuentro con varios medios, y la presentación de ambos libros.

“En los 45 años que han pasado desde que escribí La casa de los espíritus, la idea de ampliar la historia de Alba estuvo mucho tiempo en el aire”, reconoce Isabel Allende, “pero nunca se concretó”. Hasta ahora, que ha convertido a aquel personaje que “apenas esbozó” en la protagonista de su nuevo volumen.

Alba comienza la novela tras haber sido torturada y violada, y haber perdido a su abuelo. En este hostil contexto, debe enfrentarse a cómo partir de cero a pesar de las durísimas circunstancias. “Más que por el perdón, opta por no cargar con el rencor y la rabia, porque este es un saco de piedras que te llevas a la espalda, te arruina a la vida y que a los demás no les importa nada. Tu torturador no se va a ver afectado por el hecho de que tú tengas la vida destrozada”, valora la escritora, “decidir cuál es la narrativa es un trabajo tremendo interior, decidir si soy la víctima torturada y mutilada, o una mujer que sale adelante pase lo que pase”.

En su revisión del feminismo que ya estuvo presente en la precuela que escribió hace 45 años, Allende celebra los avances producidos desde entonces, aunque recuerda que todavía que “mucho” por hacer. Y reivindica: “Que no hayamos podido reemplazar el patriarcado no significa que hayamos fracasado, sino que la lucha era mucho más larga y difícil de lo que yo creía cuando era joven”.

Que no hayamos podido reemplazar el patriarcado no significa que hayamos fracasado

Isabel Allende — Escritora y periodista

En su nuevo libro, la autora chilena incluye una referencia a Franco. La novela está situada dos años después de su muerte, y uno de los personajes plantea: “¿Quién sabe cuánto más perdurará su presencia?”. Allende considera que lo que sucede con él es equiparable a Pinochet y Hitler, que “se quedan en el aire flotando, entre una mayoría de gente que tiene una idea completamente desvirtuada de lo que pasó, y además ignorancia”. La escritora lamenta que en Chile “nunca se hizo un verdadero ejercicio de llegar a la verdad o reparar todo lo que pasó”.

La autora habla igualmente de Estados Unidos, donde reside, dado que considera que “las heridas de y las divisiones de la Guerra de Secesión todavía existen”. “Las heridas del pasado dejan cicatrices muy fuertes, a veces se necesita tiempo para resolverlas y hay que vivir con ellas, con la polarización”, reflexiona. A Allende, que comparte parentesco con Salvador Allende, primo de su padre; la llamaron “roja” en una de sus visitas a España para investigar sobre la Guerra civil. “Me insultó porque según esa persona todos éramos comunistas por estar hablando mal de Franco. Todavía hay una idealización de Franco, Pinochet y Hitler, por eso existen los neonazis y gana la ultraderecha”.

El exilio, el “gran olvidado” de la Guerra Civil

Tanto la novela ganadora de los Premios Planeta como la finalista, La añoranza, tienen en común narrar una historia sobre la represión, el amor, la memoria y las consecuencias de sus heridas. En el caso del libro de Sergio Hernández, de la posguerra española.

Su libro arranca en la Barcelona de 1959, con una joven que huye de la Guardia Civil por participar en una manifestación contra el régimen franquista. Un desconocido le ofrece refugio. Se trata de un traductor francés que además de en su salvador de la detención, se transforma en su amante, mentor y una herida que el tiempo no conseguirá cerrar. Antonio Machado es el tercer protagonista de la obra, y en realidad germen de su galardonado texto: “Al estudiar su exilio supe que quería hablar de él”.

“El exilio es muchas veces el gran olvidado en la historia de la Guerra Civil”, apunta Sergio Hernández, “sobre todo porque en la figura del exilio recae la gente sin voz, la gente de los campos de concentración y muchas tragedias que quedaron en cunetas que ya nunca podremos rescatar”. “Ojalá sirva para contribuir a la libertad y que reflexionemos acerca del país en el que vivimos y lo que era hace tantos años”, espera el escritor de su libro.

A la hora del mirar al pasado, el autor comparte la frase de Machado “la verdad también se inventa”, ya que sostiene que “aunque no hayamos vivido ciertas cosas, tenemos la capacidad de recurrir a ellas a través de la ficción”. Isabel Allende coincide con la postura de su compañero, porque sostiene que “a veces la ficción llega a la verdad más profunda”. La chilena comenta que muchas veces los medios tienen la posibilidad de “informar instantáneamente, pero no pueden entrar en profundidad en cada hecho porque no hay tiempo, eso se puede hacer desde la ficción”.

En su caso, siendo la novela histórica el género que más ha cultivado, explica que para sus investigaciones, no le interesa “lo que dicen los textos de historia, porque lo escribieron los hombres blancos que ganaron la batalla. Me interesan las voces calladas, silenciadas”.

Nuevas historias y miradas sobre la Guerra Civil

En lo que respecta en la mirada hacia el futuro, ambos ganadores aportaran una mirada optimista. Sergio Hernández coincide con La bola negra, la película de los Javis que acaba de convertirse en la más vista del año en España, en la temática, por ahondar igualmente en las heridas de la Guerra Civil.

“Existe este cliché de 'otra novela más' sobre la Guerra Civil. Pero es curioso, porque siempre aparecen enfoques diferentes para abordar temas nuevos, con miradas distintas, como es su caso y la mirada que yo he tratado de hacer en mi libro desde mi generación”, defiende.

Además de la publicación de sus respectivas novelas, el premio Planeta está dotado de un millón de euros, y 200.000 para el finalista. Dentro de su trayectoria, para Isabel Allende uno de los más significativos de su trayectoria fue el Premio Nacional de Literatura en Chile: “Se discutió hasta la saciedad y costó mucho que me lo dieran porque mis colegas masculinos me detestan porque vendo más que ellos”.

Cristina Fernández Cubas ha ganado el Premio Cervantes 2026. Así lo ha anunciado este lunes el ministro de Cultura Ernest Urtasun, en la sede de la institución. El jurado ha destacado la obra de la autora catalana por la “originalidad, excelencia y coherencia” con la que ha “renovado el cuento contemporáneo y transformado la literatura fantástica en español”.

Considerado como el 'Nobel' de la literatura en castellano, el galardón está dotado con 125.000 euros. La escritora sucede en el reconocimiento a Gonzalo Celorio, homenajeado el año pasado; y se une a la lista en la que también figuran nombres como Álvaro Pombo, Luis Mateo Díez, Rafael Cadenas, Cristina Peri Rossi, Francisco Brines, Ida Vitale y Eduardo Mendoza.

“Su sólida trayectoria ha contribuido decisivamente a revalorizar el relato breve, reivindicándolo como una forma de expresión autónoma capaz de alcanzar la máxima intensidad estética y hondura existencial”, ha añadido el comité, que subraya también su “precisión narrativa impecable”, así como el “dominio absoluto del punto de vista y la administración de los silencios”.

Para el jurado, estas son las herramientas con las que Cristina Fernández Cubas convierte sus historias en “experiencias perdurables que interpelan directamente al lector y desestabilizan sus certezas al descubrir lo inquietante en lo cotidiano y cuestionar los límites de la realidad, la identidad y el conocimiento”. Consideran que lejos de ofrecer “explicaciones tranquilizadoras”, sus textos “preservan la ambigüedad y hacen de la imaginación una herramienta de exploración de la experiencia humana”.

Del mismo modo, sostienen que la “independencia, la irreverencia y el inconformismo de su escritura, siempre compleja y exigente, se manifiestan en personajes que desafían las convenciones y los valores establecidos”. Con ellos “abre caminos a nuevas generaciones de narradores y manteniendo un diálogo constante con las obras latinoamericanas de la literatura de la extrañeza”.

Con su reconocimiento, Cristina Fernández Cubas se acaba de alzar como la séptima mujer en recibir el Premio Cervantes desde su creación en 1976. María Zambrano en 1988, Dulce María Loynaz en 1992, Ana María Matute en 2010, Elena Poniatowska en 2013, Ida Vitale en 2018 y Cristina Peri Rossi en 2021 fueron sus antecesoras.

Maestra del terror

Fernández Cubas nació en Arenys de Mar (Barcelona) en 1945. Estudió Derecho y Periodismo, profesión que ejerció en diversos medios como la revista Fotogramas, hasta que decidió dedicarse por completo a la literatura. La niñera que tenía de pequeña fue determinante en su posterior trayectoria como escritora, ya que fue quien le inculcó su amor por el género.

La autora ha destacado en su carrera dentro del género del relato breve. Entre sus obras figuran Mi hermana Elba (1980), Los altillos de Brumal (1983), El ángulo del horror (1990), Con Agatha en Estambul (1994) y Parientes pobres del diablo (2006), con la que obtuvo el Premio Setenil al Mejor Libro de Relatos Publicado en España. Con La habitación de Nona (2025) consiguió el Premio Nacional de Narrativa, el Premio de la Crítica, el Premio Dulce Chacón y Premio Mandarache. Lo que no se ve, publicada en 2025, es su último libro hasta el momento.

La autora catalana ha sido homenajeada con otros premios como el Premio Nacional de las Letras, el Premio Ciutat de Barcelona de Literatura en Lengua Castellana, el Premio Salambó de Narrativa en castellano y el Premio Cálamo Libro del año. En 2015 le fue concedido el Premio de la Crítica narrativa por su obra La habitación de Nona (2015) y, posteriormente, en 2016 le otorgarían por el mismo libro el Premio Nacional de Narrativa.

Con lo que respecta a su faceta novelística encontramos títulos como El año de Gracia (1985), El columpio (1995) y La puerta entreabierta (2013). En el terreno de las memorias literarias ha publicado el libro de memorias narradas Cosas que ya no existen (2001) y en el ensayístico destaca su obra Emilia Pardo Bazán (2001). La editorial Tusquets publica su obra.

El uso de la IA en la literatura está cada vez más en el punto de mira, con la duda ya sembrada en todas las partes implicadas: autores, editores, traductores, distribuidores y lectores. La semana pasada saltaron las alarmas en España, después de que El País publicara que Donde el agua trabaja, la novela de David Silva Rojas ganadora del premio Almadía Ventosa-Arrufat, había sido escrita al 99% con IA, según el detector Pangram.

El sello editorial informó de que iba a llevar a cabo una “revisión detallada” del libro, además de suspender todas las actividades relacionadas con su presentación en España. El autor negó en sus redes haber usado herramientas de IA para crear, redactar y revisar su texto; y señaló que su “prioridad” iba a ser colaborar con la editorial para demostrarlo.

Existía un referente. A finales de septiembre, el jurado del premio Goncourt, el más prestigioso de las letras en francés, excluyó la obra C'était ça ou mourir (Era eso o morir) de Thélyson Orélien, alegando que había sido “muy probablemente” generada con IA.

En mitad de todo el debate, precisamente en Francia, ha nacido un galardón literario, el Premio Pascal, para obras coescritas con IA, en el que los candidatos deberán presentar un manuscrito y un dosier técnico explicando cómo la han usado. Se desconoce todavía quién compondrá el jurado, pero sí que será humano.

El Premio Pascal nace a la contra de la norma que imperaba hasta ahora, en bases como las del Premio Planeta en España, donde piden una “manifestación expresa” de que la creación de la obra presentada “no es resultado de la utilización de sistemas, herramientas o técnicas derivadas o vinculadas con la IA”. Lo mismo repiten otras editoriales como Libros del Asteroide para su Premio de No Ficción o el Grupo SM con su Premio de Literatura Infantil Gran Angular.

Ahora bien, ¿de qué manera pueden las editoriales protegerse del posible engaño por parte de los autores?

Una misión “imposible” a día de hoy

“A día de hoy, no hay ningún detector que tenga una fiabilidad del 100% para detectar que un libro ha sido creado por IA. Es imposible”, asegura Sheila Queralt, lingüista forense y profesora de la Universitat de Lleida a elDiario.es, “todavía hay un vacío que no se puede probar desde el punto de vista científico”.

La experta critica en primer lugar las acusaciones vertidas sobre Donde el agua trabaja de David Silva Rojas, por considerar que las comprobaciones no han sido suficientes. “Se han lanzado únicamente en base a un detector. Jamás podremos decir una cosa así usando uno solo y sin sumar un análisis cualitativo de un experto y lingüista, ni su testimonio”.

En lo que se refiere a la posible detección del uso de IA, la forense lingüista considera que “con las herramientas que existen a día de hoy, no se puede generar un libro desde cero. Tiene que haber un prompt, con la idea que un autor va revisando”.

La experta comparte que los programas que se usan para detectar el uso de IA no funcionan igual dependiendo del género de los textos, ya sean científicos, formales, literarios, judiciales, etc. “Algunos están entrenados en inglés, y solo con ciertos tipos de texto. También hay que pensar que lo que les hace entender que ha sido escrito por un ser humano es que tenga errores. Y lo normal cuando tú entregas un texto académico es que no los tenga, porque ya los hayas corregido”.

En el debate sobre el uso de la IA, la experta insiste en que no podemos referirnos a ella como una “única entidad”, ya que el modelo de lenguaje detrás de cada IA tiene sus propias características: “No podemos agrupar y decir: la IA escribe así. Hay tendencias generales, pero cada una usa su modelo. Tiene una serie de preferencias, un tipo de vocabulario de repetición y de formulaciones. Es más abstracto o más concreto, pero también dependerá del prompt que hagas”. Un conjunto de derivadas que complican el uso, y también su control.

Compromiso y ética con el autor

A falta de una herramienta infalible que ayude a las editoriales a evitar que pasen como humanos textos que no lo son, el vínculo y lealtad entre editores y escritores se mantendría como la vía para seguir trabajando. “Publicar un libro supone una relación de confianza entre quien escribe, quien edita y quien lee”, explicó Almadía en su comunicado. En él detalló los términos que acordaron con David Silva Rojas: “Además de firmar y declarar en el contrato que no utilizó herramientas de IA, el autor también nos lo aseguró en persona y no tenemos elementos para desconfiar de su palabra”. Este periódico se ha puesto en contacto con el sello editorial, que ha preferido no dar ninguna declaración más allá de su comunicado.

La experta en lingüística Sheila Queralt apuesta también por el papel fundamental del “compromiso ético” de todas las partes. Fuentes del grupo editorial Penguin Random House señalan a elDiario.es que este es precisamente el punto de partida de su confianza en los autores y las obras que deciden publicar. “Nuestro principio es que la voz del autor, el criterio humano y la conversación entre el autor y editor deben permanecer en el centro del proceso editorial”, explican a este periódico asegurando que las decisiones editoriales no las delegan a herramientas con detección de IA, salvo en “una situación concreta que genere dudas, pero siempre como apoyo y nunca en sustitución del criterio editorial”.

“Nuestra labor editorial se basa en la lectura, la experiencia y el criterio de nuestros editores, y las decisiones sobre qué obras publicar siempre corresponden a personas”, argumentan.

Fuentes del Grupo Planeta comparten con este periódico que actúan de forma similar, empezando por la cláusula que incluyen en los contratos firmados por los autores, en los que declaran directamente que su manuscrito no ha sido creado por IA, al igual que en las bases de sus premios literarios. Sí que indican que están desarrollando software para detectar hasta qué punto la IA puede haber intervenido en la creación de las obras. “Estos programas, que hoy por hoy no son infalibles, los estamos aplicando a los manuscritos de manera progresiva en la medida que las últimas versiones de estos programas están cada vez más perfeccionadas”, añaden.

Los avances en el desarrollo de IA que permitan tanto escribir como detectar si se ha hecho uso de ella para hacerlo, son continuos, también desde el punto de la lingüística forense, pero apunta que no se dan con la misma velocidad ni probabilidad de éxito. La experta considera que la IA “sí podrá llegar a escribir libros completos con mucha coherencia y en algunos casos con una calidad difícil de distinguir de la humana”; pero que en el caso de los detectores, “es bastante más complicado. Podrán mejorar y aportar indicios, pero no necesariamente demostrar por sí solas quién o qué escribió un texto. Veremos escritos por IA cada vez más convincentes, pero no una herramienta universal e infalible que resuelva la autoría”.

El mundo editorial se enfrenta, por lo tanto, a un escenario en el que no existen respuestas definitivas. Mientras los modelos de IA avanzan en su capacidad para generar textos cada vez más difíciles de distinguir de los formulados por humanos, las herramientas destinadas a identificarlos siguen sin ofrecer garantías suficientes. A la espera de una tecnología infalible, si es que algún día llega, los sellos solo pueden confiar en sus autores, las cláusulas que firman y el criterio de sus equipos. Todo ello en un contexto en el que, de momento, detectar el engaño parece más difícil que cometerlo.

La Asociación Madrileña de Compositores (AMCC) ha confirmado la muerte de su socia fundadora y primera presidenta, la compositora María Luisa Manchado Torres (Madrid, 1956), en el accidente ferroviario del pasado 28 de octubre en Urda.

La musicóloga viajaba para participar en una mesa redonda de la Facultad de Ciencia de la Educación de la Universidad de Sevilla, en la que se iba a analizar sus aportaciones a la música española. Un homenaje a su obra, a su figura, a su compromiso.

La asociación ha expresado la “gran consternación y dolor que la familia de compositores” tras conocerse la noticia.

“Quienes compartimos con ella el camino de la AMCC recordaremos, por encima de los cargos y los reconocimientos, a la compañera que creyó en la necesidad de unirnos, de organizarnos y de trabajar colectivamente por la música que escribíamos”, ha compartido la asociación en un comunicado. “Recordaremos también a una mujer de personalidad intensa, inquieta, comprometida, capaz de defender sus convicciones y de abrir caminos allí donde apenas había precedentes”.

Su trayectoria, añaden, “nos deja una herencia que va mucho más allá de sus partituras: la de haber contribuido a que otras músicas, otras voces y otras mujeres ocuparan el lugar que les correspondía. Y nos deja, a quienes formamos parte de la AMCC, el orgullo y la responsabilidad de continuar aquel proyecto que ella ayudó a fundar hace ya más de un cuarto de siglo”.

Un referente, Premio Nacional de Música

Pianista, doctora en Musicología y licenciada por la Universidad Complutense, Manchado comenzó su formación en el Conservatorio Superior de su Madrid natal, que completaría en ciudades como París, Roma, Turín y Darmstadt.

Sus más de cuatro décadas la convirtieron en todo un referente, y que fue reconocida con el Premio Nacional de Música en la modalidad de Composición, gracias al impacto de su ópera La Regenta, basada en la novela de Leopoldo Alas Clarín y con libreto de la filósofa Amelia Valcárcel. El jurado no pudo definir mejor la relevancia de su lectura actualizada de un clásico de la literatura universal, destacando que con ella dio voz “a un personaje femenino icónico que subraya el largo compromiso de la compositora con la igualdad”.

Y es que Marisa Manchado no solo compuso, también luchó pionera y férreamente por la visibilidad de las compañeras en el mundo de la música. En 1982 fundó el programa de radio Mujeres en la Música en RNE y en 1998 publicó el ensayo considerado de referencia Música y mujeres, género y poder (Ménades). En él quitó las telarañas de los análisis que consideraban que la música clásica, la contemporánea, la ópera y la misma composición, como fenómenos ajenos al machismo, el racismo y el colonialismo. No en vano, a finales de los noventa ocupó la Subdirección General de Música y Danza del INAEM.

De su obra destacan otras dos óperas, Escenas de la vida cotidiana, que estrenó en 1997 en el Teatro de la Abadía de Madrid y en el Festival de Otoño; y El cristal de agua fría, que contó con el libreto de Rosa Montero. “Es una música extraordinaria y una mujer maravillosa”, publicó la escritora en sus redes sociales, tras enterarse de la noticia de su desaparición.

22 de octubre de 2001. Carlos Lozano da la bienvenida entre aplausos a Operación Triunfo y deja claro el objetivo del programa: “lanzar a la fama” a sus dieciséis concursantes. El presentador presumió de que el formato había conseguido unir “por primera vez” a TVE, la productora Gestmusic Endemol, las compañías discográficas, los medios de comunicación y la prensa musical especializada para lograrlo. Y así lo hicieron. Carlos Lozano no mentía, OT no iba a ser un reality al uso, una imitación de Gran Hermano; quería más allá, convertir a 16 “muchachos”, como así se refirió a los concursantes, en estrellas. Y hacerse de oro.

El resultado fue una revolución no solo televisiva, también para la industria discográfica, que el crítico musical, locutor y escritor Pedro Ángel Sánchez analiza Esto no es un libro de OT (Dos Bigotes), un ensayo que desgrana toda la maquinaria que se puso en marcha para hacer posible el fenómeno que acaba de cumplir 25 años.

Eso sí, el inicio fue muy complicado, ya que nadie quería comprar el programa ideado por la productora Gestmusic Endemol. Llamaron a la puerta de Telecinco y Antena 3, pero solo TVE quiso apostar por él. Una vez conseguida la cadena, necesitaban convencer a la industria musical de que se implicaran en el proyecto.

Tinet Rubira, director de Gestmusic, explica en el libro que sabían que si querían “generar estrellas”, necesitaban el apoyo del sector. De ahí a que decidieran convocar a todos los profesionales en la antigua sede del NO-DO, ubicada en Madrid, para que todas las compañías pudieran participar en una especie de subasta y que quien más dinero aportara, se quedara con los derechos del talent. El ganador fue Ricardo Campoy, director y creador del Vale Music, un pequeño sello independiente que venía de alcanzar cierta relevancia gracias a artistas como David Civera, temas como La bomba de King África o los debuts de Sonia y Selena y Merche.

Tras firmar el acuerdo, TVE, Gestmusic y Vale Music tenía el reto de elegir a un ganador entre todos los concursantes, lanzar tres carreras discográficas y publicar un álbum recopilatorio. Un plan que terminó convirtiéndose en anécdota tras la respuesta desatada de la audiencia. En tan solo un año y medio, y en un momento especialmente delicado para la industria por la piratería, se vendieron catorce millones de discos, nueve millones de recopilatorios y cuatro millones de álbumes de los artistas nacidos del programa. Corazón latino, el debut de David Bisbal, se mantiene como el tercer disco más vendido en la historia de España, con más de un millón y medio de copias vendidas.

Su trabajo discográfico, que incluye canciones como Ave María y Dígale, sitúan al almeriense tan solo por detrás de Alejandro Sanz, que ocupa las dos primeras plazas con Más (1997) y El alma al aire (2000), y que fue uno de los pocos nombres que no vio afectada su popularidad con la irrupción del boom de OT a principios de la primera década del siglo XXI. Rosa, Chenoa, Bustamante, Gisela y compañía se hicieron ricos de la noche a la mañana, pero no sin damnificados.

Pedro Ángel Sánchez explica a elDiario.es que, conforme iba avanzando la emisión del formato, sus responsables “vieron que había que sacarle provecho, y por eso empezaron a grabar discos semanales con las canciones de cada gala. Además, los pusieron a un precio mucho más barato de lo que entonces era normal cuando salían al mercado, de 20 a seis euros, y en la puerta del centro comercial donde hacías la compra todas las semanas”. De todo este proceso, desde la producción a la distribución, se encargó Vale Music.

El éxito de ventas afectó especialmente a las bandas que surgen en años posteriores, como Melocos, Taxi, Guaraná o Melocos, y otras figuras emergentes como Ana Mena, que compartió en Planeta Calleja hace tres años lo que OT supuso para ella: “Me reventó, la verdad. Fue un momento en el que salieron muchos artistas jóvenes. Era difícil tener tu sitio, tu hueco, cuando llega este tsunami”. Solo los nombres ya consagrados, o figuras como Álex Ubago –que justo lanzó su hit Sin miedo a nada ese año–, La Oreja de Van Gogh o Amaral se libraron del efecto OT.

Éxito a costa de los concursantes

Por muy en estrellas que se convirtieron en tan poco tiempo, a los concursantes no se les cuidó en todo momento como tal. Varios de ellos lo han ido revelando con los años, incluido el documental OT:El Reencuentro emitido en 2016 que los contratos que suscribieron antes, durante y después de su paso por la Academia fueron abusivos, dando a la productora y discográfica el control total sobre sus decisiones artísticas, imagen, repertorios y promoción.

“El primer año fuimos marionetas. Hacíamos todo lo que nos decían: solo teníamos que estar vestidos para ir de un lado para otro. Estaba todo organizado: entrevistas, programas, gira... grabar el disco. Ni siquiera pude elegir el repertorio. Esto es lo que hay: métete y grábalo. Fue todo tan rápido que no nos dio tiempo a asimilar nada”, explicó Nuria Fergó sobre lo que sucedió a partir del 2001 que cambió sus vidas, en las que cada uno ha terminado teniendo una trayectoria completamente diferente.

“Entraron siendo desconocidos y salieron siendo estrellas, con cuentas bancarias muy por encima de cómo entraron, millonarios, pero luego la industria es mucho más dura. No había sitio para todos”, comenta el locutor y crítico musical, que en su libro recuerda quién fue la persona que, en su visita a la Academia, dio a los jóvenes un consejo que en ese momento se recibió como polémico, pero que acabó siendo el más valioso: buscar un abogado. “Esto no es fácil, esto es jungla y solo aguantan los más fuertes. Perdonad que os lo pinte todo tan sumamente oscuro, pero es que si os lo pintara más bonito os mentiría”, expuso al grupo.

El recelo desde la industria

A los concursantes de OT se les bautizó en seguida como 'triunfitos', que según quien lo abandera con orgullo o incluso vergüenza, ya que fue una etiqueta con la que desde la industria se hizo de menos a los jóvenes cantantes al salir del programa.

El culmen de este malestar lo ilustra el manifiesto titulado Otro timo no que promovió la asociación de Periodistas Especializados en Música, Ocio y Cultura (PEMOC), y que firmaron más de un centenar de artistas, incluidos Joaquín Sabina, Leiva, Loquillo, Luis Eduardo Aute, Miguel Ríos y Christina Rosenvinge. En él criticaban el “desembarco del medio televisivo como herramienta omnipotente en la fabricación, promoción y divulgación de su música, de su karaoke”, además de tachar a OT de “hacer pasar como música de calidad lo que no son más que ejercicios amateurs e imitadores”.

25 años después, en los que el programa suma 14 ediciones y más de 200 concursantes, con carreras y seguimientos dispares. Bisbal, Aitana, Amaia, Manuel Carrasco y Lola Indigo son las figuras que lograron su éxito y que se mantienen en lo más alto. Natalia Lacunza, María Escarmiento, Alba Reche, Chenoa, Edurne, Gisela y Bustamante son otros de los triunfitos que han mantenido su popularidad. Es cierto que es complicado establecer comparaciones, ya que en 25 años, tanto el funcionamiento de la industria, su distribución y escucha, y la audiencia televisiva también se ha modificado. De hecho, las dos últimas ediciones no han sido emitidas en televisión, sino en Amazon Prime Video.

Pedro Ángel Sánchez considera que el recelo inicial por parte de la industria “ha pasado”. “Ya no hay artistas de primera o de segunda, de raza o no. La gente ha entendido que el talent es una plataforma, un primer filtro y que si ahí ven a alguien que empieza a destacar, se pone el foco en ellos”, valora.

“Y aunque somos diferentes, nos une una obsesión. Cantar es nuestra vida y mi música es tu voz”, entonaron Alejandro Parreño, Verónica Romero, Natalia, Manu Tenorio y el resto de la primera hornada de triunfitos en su himno. La canción que mantendrá para siempre unidas las voces de los protagonistas de una revolución sin precedentes ni herederos, que comenzó en la televisión y terminó sacudiendo a toda la industria musical.

Los sindicatos CGT y CNT han denunciado que varios espectáculos de Madrid están vulnerando el derecho a huelga a sus trabajadores, tras haber cancelado o desplazado a fechas diferentes las funciones programadas para el 11 de noviembre.

Tanto en El Rey León que se representa en el teatro Lope de Vega como El alma al aire que acoge el Coliseum, las funciones previstas para el miércoles 11 se han trasladado al lunes 9. Ambas están producidas por Stage Entertainment. En la página web de los dos musicales publicaron un aviso, que posteriormente borraron, en el que informaban: “Debido a la huelga general, la función del 11 de noviembre ha sido cancelada. Sentimos mucho las molestias”.

En el texto, al que ha tenido acceso este periódico, indicaban igualmente que quien tuviera entradas para ese día, podría cambiarlas sin coste adicional por otra función disponible. Este periódico ha intentado contactar con la productora, pero todavía no ha obtenido respuesta.

También se han desplazado los conciertos programados para el 11 en el Teatro Real y el Auditorio Nacional de Música, este último dependiente del Ministerio de Cultura. El Teatro Real ha enviado un comunicado a los medios de comunicación informando de la reprogramación. En él alegan que se ha acordado “por razones de seguridad y para prevenir posibles incidencias en la movilidad del transporte público o eventuales cortes de circulación que podrían dificultar la entrada y salida del público, los artistas, los trabajadores y el resto de profesionales relacionados con el Teatro Real, derivadas de la convocatoria de huelga general para esa jornada”. Añaden que con esta medida quieren “garantizar y compaginar el derecho a la huelga de la plantilla con el compromiso con el público”.

Lo mismo ha ocurrido en el musical Six en el teatro Gran Vía, que gestiona el grupo Smedia y otros del mismo grupo, como Victoria en el Fígaro. En el caso de del Alcázar, han cancelado la función, pero sin reprogramarla. En los teatros Luchana se ha cancelado toda la programación, dando día libre al personal.

Los sindicatos denuncian que se han producido igualmente irregularidades en el musical Los Miserables, regentado por ATG Entertainment, que ha cambiado la función del día 11 al 8. La misma productora ha cancelado Querido Evan Hansen en el Rialto, Wicked en el Nuevo Teatro Alcalá y La función que sale mal en el Amaya.

Para los sindicatos, estos son hechos “muy graves que el público asistente a esos espectáculos debe conocer”. Además, indican que en las próximas semanas harán piquetes informativos en diferentes teatros madrileños y hacen un llamamiento al público que hubiera adquirido entradas para el día de la huelga general, para que rechacen el cambio de fecha y soliciten la devolución de los importes abonados.

Martínez-Almeida da pelotazos, Puigdemont embiste con maletas, Rufián lanza impresoras y Pedro Sánchez saca su Manual de resistencia. Estos son los ataques que pueden propiciar los políticos/personajes de Moncloa's Fighter, el videojuego que pone a los líderes a darse de tortas para que “se peleen ahí dentro y trabajen donde tienen que trabajar”.

También están Isabel Díaz Ayuso, Feijóo, Santiago Abascal, Yolanda Díaz, Pablo Iglesias, Rita Barberá y así hasta un total de 32 nombres de la primera plana política nacional. Y Esperanza Aguirre, cuyo poder es atropellar.

Este Street Fighter político es gratuito, puede jugarse tanto desde el ordenador como el teléfono móvil (a través de este enlace), y ha sido creado por el director de arte Gastón Bruno. Desde su lanzamiento el pasado lunes 12 de octubre, acumula más de 90.000 combates.

La idea surgió en 2016, mientras trabajaba en una agencia y comenzó a esbozarlo, pintando los personajes y escenarios a mano. Manuela Carmena fue el primer personaje que creó, que en ese momento era la alcaldesa de Madrid. A la jurista y abogada la subió en una bicicleta, en honor a que fue quien implantó el carril bici en la capital, que era donde en un inicio iba a situar todo el juego. Con el tiempo, siguiendo el consejo de un compañero, decidió ampliarlo a toda España, pero el proyecto se quedó en un cajón. Hasta ahora.

“Llevamos varias candidaturas en las que lo único que vemos en el Congreso son discusiones de cualquier lado, sin construir nada, y pensé que una buena forma de protestar era demostrarles el ridículo que estaban haciendo”, explica el creador a elDiario.es sobre por qué decidió reactivarlo este año.

Jugadores, líderes y aliados

La historia del juego sitúa al usuario en España, ante un Gobierno en el que “nadie se pone de acuerdo, ni en lo más mínimo. Los plenos acaban a gritos, los presupuestos en un cajón, y el país esperando”, comenta el narrador que en seguida desvela el objetivo del juego: ofrecer a los líderes políticos un espacio en el que darse unos buenos mamporros en la ficción, y en la realidad se pongan manos a la obra, en condiciones.

El primer paso del videojuego es elegir a tu líder. Un primer duelo puede ser enfrentar a Pedro Sánchez, aquí apodado como 'Perro Sanxe, el Resistente', contra Alberto Núñez Feijóo, en el juego 'Alberto Freijóo, el Moderado'. También hay que elegir el aliado que entrará a ayudar en mitad de la partida.

Moncloa's Fighter permite pactar con quien quieras, incluido el bloque contrario. El director de arte cuenta que tomó como referencia el videojuego Marvel vs. Capcom, en el que se enfrentaba a dos universos. “Pegaba con las alianzas que están surgiendo últimamente, que son un poco de broma”, ironiza.

Para ello es importante tener en cuenta los poderes de cada uno, cuyo desarrollo Gastón Bruno describe como “complejísimo”: “Había que pensar en el arquetipo del personaje, elegir qué característica podía asociarle. Con Felipe González por ejemplo, del que no conocía tanto su trayectoria, fue mi suegra quien me dijo que plantaba bonsáis y ahí se quedó. Todos tienen un ataque especial parodiando momentos famosos de cada uno”. “Quería darles a todos por igual en el ego”, comenta.

Una vez seleccionados los perfiles y consultado los comando de los movimientos, llega el momento de combatir en uno de los 19 escenarios posibles, empezando por el Congreso de los Diputados, seguido por la Puerta del Sol, la Plaza de Catalunya, el plató del debate electoral, la calle Ferraz, el Palacio de la Moncloa, la Ciudad de las Artes y de las Ciencias o el Ayuntamiento de Valencia.

A través de combos y comandos, se encadenan los golpes y los poderes de cada político, que se irán viendo poco a poco magullados, con moratones, chichones y tiritas. Al final de la partida solo sobrevivirá uno. El ganador verá a su candidato entrar en la Moncloa y anunciar su primera medida.

Intento de manipulación para aupar a Abascal

Moncloa's Fighter permite consultar las estadísticas globales tanto del número de combates jugados a tiempo real, los personajes más elegidos y las victorias por ideología. En el momento de publicación de este artículo, el personaje más elegido es Pedro Sánchez, seguido de Santiago Abascal, Isabel Díaz Ayuso y Pablo Echenique. Gastón Bruno comenta que el presidente del Gobierno ha estado en la cabeza de la lista desde que publicó el juego.

“Los primeros días también estaban en lo alto Feijóo y Rufián. Sin embargo, a medida que se fue viralizando el juego, fue ganando cada vez más, no sé si de broma, Santiago Abascal”, señala el creador, que advierte que el pasado viernes algunos usuarios han intentado “manipular las estadísticas modificando el código” para conseguir que el líder de Vox apareciera como el más popular. “Fue muy turbio”, reconoce, “se cayó la web”. Finalmente, consiguió expulsarles y restauró una copia de seguridad, pero afirma que igualmente el volumen de personas que eligió a Abascal creció exponencialmente.

Peleas “muy caras” para la ciudadanía

Gastón Bruno comenta que el objetivo de su juego es “concienciar”, especialmente en este contexto, a menos de dos meses de las próximas elecciones generales, por “lo que está en juego”. “Me preocupa la ultraderecha, pasar al otro extremo me da terror”, comenta. Argentino natal, afincado ahora en Valencia, reconoce que precisamente la experiencia vivida en su país bajo las órdenes de Milei, hace que “no pinte del todo bien”.

El ejercicio de conciencia no recae únicamente en la sociedad, también en los políticos a los que ha convertido en protagonistas. “Que vean que no sirve de nada pelearse si no llegan a acuerdos, sobre todo si lo acabamos pagando todos. Son peleas muy caras para la ciudadanía”, lamenta, “quería hacer que se sientan avergonzados. No es serio que te lleves un spray pimienta o una impresora. Entiendo que en redes funciona, pero a mí como ciudadano, no”.

El ministro de Cultura Ernest Urtasun ha anunciado este miércoles que va a recurrir ante los tribunales que Vox haya introducido una cláusula para vetar películas y series que “impliquen adoctrinamiento ideológico” en Castilla y León. “Es un ataque a la libertad de expresión”, ha afirmado ante los medios durante su visita a la exposición Un teatro Lliure en Barcelona.

“Me parece que es absolutamente inaceptable. Como ministro de Cultura no voy a tolerar que ninguna administración trate de ejercer la censura a través de las convocatorias a la creación de nuestro país, en este caso el cine, con criterios ideológicos o políticos”, ha añadido sobre las que ha calificado como “gravísimas” informaciones recibidas desde la comunidad autónoma gobernada por PP y Vox: “Es una forma de censura intolerable”.

Urtasun responde así a la Orden incluida por Vox, que dirige la Consejería de Cultura en Castilla y León, para dejar fuera de las ayudas a la producción, producción y distribución a las películas y series que “impliquen adoctrinamiento ideológico, propaganda partidista o apoyen a opciones políticas concretas”.

La cláusula no contempla qué criterios se establecen para analizar si estas producciones audiovisuales “implican un adoctrinamiento ideológico”, ni este concepto está incluido dentro de los baremos, pero sí está dentro de los requisitos que deben tener los beneficiarios: “Deberán desarrollar las actividades subvencionadas con pleno respeto a los principios de objetividad, neutralidad institucional, pluralismo y servicio al interés general”. 

El barítono Gabriel Sánchez Ortega ha sido reemplazado de la Ópera de Calgary tras desplegar una bandera de Palestina durante la ovación final de Tosca el pasado viernes. El cantante aprovechó el saludo para mostrar la insignia que llevaba escondida en la ropa, y giró sobre sí mismo para que la vieran tanto todos los espectadores como compañeros de elenco y músicos. La institución no apoyó su acción, y ha decidido cesarle.

Radio Canadá recoge que la Ópera emitió el domingo un comunicado, calificando el gesto de Sánchez Ortega de “inesperado y no autorizado”, añadiendo que la protesta política individual violaba la política de la compañía, dado que contraviene su “responsabilidad de crear una sociedad más conectada, solidaria y civilizada a través de experiencias artísticas compartidas”.

También pidió disculpas por las “molestias y malestar” que hubiera podido sentir el público, avanzando que el papel del barítono en Tosca sería interpretado por otro artista el resto de funciones, que continuarán hasta este sábado 24 de octubre.

Sánchez Ortega, por su parte, aseguró en sus redes sociales que no tenía “ningún arrepentimiento” y advirtió de que lo sucedido, es “la situación de las instituciones culturales en Canadá”. Tosca es una ópera compuesta por Giacomo Puccini, que versa sobre la traición y el amor durante la agitación política en la Roma napoleónica. El barítono encarnaba a Cesare Angelotti, un prisionero político fugado. “Para mí fue un honor interpretarle”, añadió en su cuenta de Instagram, en la que él mismo compartió el vídeo del momento.

Gabriel Sánchez Ortega forma parte del Programa de Desarrollo Artístico McPhee de la Ópera de Calgary, en el que se encuentra cursando su primer año. En la página web de la institución indica que también interpretará a el Rey en Cenicienta, Ludovico en Otello y el papel protagonista en El flautista de Hamelin. Se desconoce si la ópera le reemplazará también en estos títulos, aunque por el momento permanece anunciado en sus elencos.

elDiario.es ha intentado ponerse en contacto tanto con la Opera como con el barítono, pero no ha obtenido respuesta.

“Nuestra comunidad está siendo atacada. No es la primera vez”, recordó Félix Contreras, presentador del Tiny Desk, antes de que arrancara el concierto de la banda mexicana Los Tigres del Norte. “Podemos remontarnos a 1848, cuando cambiaron la frontera. Podemos remontarnos al periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial, durante la llamada ‘Operación Espalda Mojada’. Nos arrebatan nuestra humanidad”, añadió antes de reivindicar la importancia del grupo invitado: “Desde que tengo memoria, estos caballeros nos han devuelto esa humanidad”.

Sin embargo, esta parte del vídeo, no fue inicialmente subida al canal de YouTube de la organización de radiodifusión pública estadounidense NPR, responsable del formato.

La emisora explicó posteriormente que este tipo de conciertos grabados en vivo no suelen incluir una introducción, pero que debido al tema que se abordaba en ella, el inicio había sido retirado temporalmente para que se revisara editorialmente y fuera restaurada por completo en su página oficial.

Desde NPR respondieron a las quejas de los usuarios que los fans del grupo vertieron en los comentarios del vídeo en YouTube, acusándoles de “censura” por haber eliminado el discurso. “Somos conscientes de que el tema abordado es complejo y emocional, y algo muchos oyentes y miembros de nuestra redacción están lidiando”, reconocieron antes de incorporar la introducción al vídeo.

“Gracias por restaurar lo que fue censurado”, respondió uno de los usuarios tras la incorporación del discurso. “Gracias por estar en el lado correcto de la historia”, escribió otro. También hubo fans que se mantuvieron en su postura crítica ante lo sucedido: “No insultéis nuestra inteligencia. La opción de simplemente reconocer tu error sin intentar salvar las apariencias siempre estuvo sobre la mesa”.

El concierto de Los Tigres del Norte forma parte de la edición del Tiny Desk que la NPR dedica a la música latina, a través del programa Alt. Latino, para reivindicar a artistas latinoamericanos. Lo hacen durante el Mes Nacional de la Herencia Hispana, celebrado entre el 15 de septiembre y el 15 de octubre en Estados Unidos, y que reconoce las contribuciones e influencia de los españoles, hispanoamericanos en la historia, cultura y logros de EE.UU.

Los Mirlos, Mon Laferte, Los Texmaniacs y Draco Rosa son otros de los músicos que han desfilado por el famoso programa durante el último mes.

Los Tigres del Norte, por su parte, son uno de los grupos más emblemáticos para la comunidad migrante de EE.UU. La banda comenzó interpretando Somos más americanos, una canción que precisamente reivindica el sentido de pertenencia de los mexicanos. “Yo soy la sangre del indio. Soy Latino, soy mestizo. Somos de todos los colores y de todos los oficios”, expresa su letra.

Sería fácil pensar que el Museo del Jamón, las científicas olvidadas del relato oficial y Robert de Niro no tienen mucho en común, pero hay una banda que lleva tiempo demostrando que sí, AmyJo Doh & The Spangles. El grupo, liderado por la británica AmyJo Doherty –hermana del músico Pete Doherty– ha conformado su universo en torno a los menús del día, las tascas de toda la vida, la necesidad de dar un paso al frente y la protesta alegre.

Su lema, según explica la propia cantante, es hacer “punk with purpose (punk con propósito)”, con el que “celebrar el cambio y usar la música de forma positiva”. “El punk te permite convertir la frustración en algo mucho más creativo”, suma Germán 'Moderno', bajista del grupo y DJ. Ambos han experimentado en sus propias carnes la transformación de la ciudad de Madrid, desde que hace veinte años arrancaran su carrera en una Malasaña que ha cambiado mucho desde entonces. Tampoco está igual Lavapiés, que es donde ella terminó mudándose y continúa actualmente.

Sus dos últimos temas, Menú del día e It’s a girl, son en castellano, que no suele ser lo habitual, y una reivindicación de las mujeres silenciadas, ¿cómo los gestaron?

AmyJo Doh: It’s a girl es una llamada a encontrarnos todos con nuestro lado feminista. Creemos que el patriarcado ya ha hecho todo el daño que podía y que esta es nuestra época. No solo hablo de las mujeres, sino de todas las minorías que han sido silenciadas por la historia. Es una invitación a reconectarnos con la Madre Tierra y a proteger nuestro planeta.

Germán Moderno: Musicalmente, es un tema muy punk, que es el estilo que queremos marcar como banda, y hemos tratado de darle unos buenos guitarrazos para apoyar ese discurso.

AJD: Forma parte de nuestro show. Las protestas también pueden ser alegres, no tenemos por qué ser siempre agresivos. Nuestro lema es hacer punk with a purpose (punk con propósito): celebrar el cambio y usar la música de forma positiva. Hoy en día todo es político; esto no es una cuestión religiosa, sino de supervivencia humana en este planeta.

Da la sensación de que, en un momento de tanta tensión social y enfado generalizado, a veces es difícil mantener ese tono festivo y no dejarse llevar por la agresividad.

GM: Tenemos un espíritu crítico con todo lo que nos rodea, incluida la industria musical y la sociedad, pero intentamos generar una actitud positiva. Yo transmito mi frustración a través de la música. La cuestión es comunicar y sacarte de encima lo que llevas dentro.

AJD: El arte te ayuda a canalizar esa agresividad. Saltar y bailar en un concierto punk te permite convertir la frustración en algo mucho más creativo. Para mí, el punk no es solo un estilo musical, es la actitud de los que no son apáticos ante lo que pasa, de los que deciden actuar.

El punk no es solo un estilo musical, es la actitud de los que no son apáticos ante lo que pasa, de los que deciden actuar

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

Hablemos de Menú del día. Es un homenaje a las tascas madrileñas de toda la vida, pero dejan muy claro en la canción que en su mesa no aceptan ni a racistas ni a fachas.

AJD: Esa frase me salió del corazón mientras grabábamos. Hice unas voces de fondo imitando a un camarero y lo dejamos así. Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, pero no toleramos a la gente que no respeta a los demás, como los racistas o los machistas.

GM: Llevamos viviendo en el centro de Madrid (en Lavapiés y Malasaña) muchos años y estamos sufriendo la gentrificación en nuestras carnes. Vemos cómo desaparecen las tascas y los sitios que molaban para dar paso a cafés de especialidad, tacos venezolanos, ¿dónde están el pincho de tortilla y el café? ¿Y la gente del barrio y las tiendas?

Todo eso lo estamos perdiendo, o edificios enteros de Airbnb sin ninguna restricción municipal. Da una pena brutal ver en qué se está convirtiendo el distrito centro. Además, cierran ya no solo tascas, también locales emblemáticos de ocio nocturno. Yo soy DJ y lo vivo también en mis propias carnes porque me quedo sin trabajo. Vas acumulando un cabreo que Menú del día transmite en modo festivo ese cabrero.

Todo el mundo es bienvenido a nuestros conciertos, pero no toleramos a la gente que no respeta a los demás, como los racistas o los machistas

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

¿Sienten que la ciudad ha cambiado mucho desde que empezaron? ¿Queda espacio para el optimismo?

AJD: Ha cambiado totalmente. Yo vivía en Malasaña hace 22 años y recuerdo el Bar Marathon, donde el menú del día costaba 8 euros. Para alguien que venía de Londres era increíble. El problema ahora es que Madrid sigue siendo barato para quien viene de Dublín o de París cobrando sueldos europeos, pero para nosotros tomar un vaso de vino a 5 euros es insostenible. También entiendo a los dueños de los locales de toda la vida que se jubilan y venden porque les ofrecen muchísimo dinero.

GM: Yo no soy optimista a no ser que cambien drásticamente las regulaciones sobre la vivienda y la hostelería. Desde la pandemia, la ciudad ha empeorado a un nivel exponencial.

AJD: El problema en realidad, aunque no queremos hablar de políticos, es la gente que están controlando todo y a ellos, obviamente no les interesan estas tascas ni sus vecinos. También escribí una canción llamada No a la tala; en Madrid han matado a miles de árboles en los últimos años. Vas por Sol y no hay plantas, es todo fuego, gris, metal y cemento.

¿Cómo afecta este modelo de ciudad y este capitalismo agresivo a las salas de conciertos y a las bandas que están en el circuito underground?

GM: El dinero se está concentrando cada vez en manos de menos. El capitalismo afecta a todos los sectores, y el de la música y el ocio nocturno también. A nivel musical, que es lo que más nos afecta a nivel de conciertos, casi todo lo organizan cinco agencias, que si rascas hay todavía menos fondos de inversión que los mantienen. Con lo cual, la música se está convirtiendo en un negocio y cortoplacista. Por eso luego vemos que todos los carteles de los festivales son los mismos. Con el ocio nocturno está pasando algo parecido. La tendencia es a homogeneizar todo y volvemos a lo mismo, a que se concentra todo en manos de unos estilos muy concretos de música que son los que mueven a más gente. 

2026 es el año en el que más dinero se ha gastado la gente en conciertos, pero es el año al que menos conciertos ha ido la gente. Es decir, se lo han gastado todo en muy pocos conciertos. Todos los sábados hay en Madrid 70 salas de conciertos muy vacías. Eso sí, los Movistar Arena se llenan completamente. Se concentra todo en manos de muy pocos. La diversidad desaparece, no hay clase media musical.

Antes, una banda cobraba un caché por tocar en una sala; ahora, en Madrid, tienes que pagar por tocar. El riesgo lo asumen al 100% las bandas y los promotores pequeños. Mientras los grandes pabellones se llenan para ver a Shakira, los sábados hay decenas de salas pequeñas medio vacías. Ha desaparecido la clase media musical.

A la hora de lanzar su música, ¿hay alternativas reales a las grandes plataformas digitales?

AJD: Es muy complicado. Yo estoy intentando boicotear a Spotify porque es el ejemplo perfecto de empresa sin moral, que además apoya económicamente tecnología militar, pero es muy difícil salir de ahí porque si no estás, no existes a nuestro nivel. Por eso valoro tanto los conciertos, son fundamentales para conectar con gente real.

Intento boicotear a Spotify porque es el ejemplo perfecto de empresa sin moral, que además apoya económicamente tecnología militar, pero es muy difícil salir de ahí porque si no estás, no existes

AmyJo Doherty — Cantante y compositora

Tocan bastante fuera de España. ¿Existe en otros países un modelo que permita a los músicos vivir de su trabajo?

GM: En Francia o en Alemania la cultura de base está mucho más apoyada. Hay regulaciones, subsidios para los músicos, ayudas mensuales y salas que te pagan por ley. Aquí en España es un “sálvese quien pueda”. El poco dinero público que hay en los ayuntamientos se gasta en pagar cachés inflados a los mismos grupos que ya tocan en los festivales privados, en lugar de apoyar el tejido local.

Fuera hay más ayudas, más tejido para potenciar la cultura de base, incluyendo a las bandas que empiezan. Todo eso está mucho más cuidado. En España no hay nada.

AmyJo, viniendo del Reino Unido y siendo hermana de alguien con una carrera tan inmensa como Pete Doherty, ¿cómo le ha influido esto a la hora de construir tu propio camino en la música?

AJD: Pete, mi hermanito, él sabía desde muy joven que quería ser una estrella del rock and roll. Nos juntábamos todo el rato en casa, yo ayudándole a llegar a las notas. Y cuando formaron The Libertines fue como un “pum”, que para una hermana mayor creo que es la peor cosa que podría pasar, porque él es un poeta y todo esto le llevó al lado oscuro. Pero claro, todo esto de lo que yo era testigo, no me gustaba. Por eso me llamo AmyJo Doh, porque no quería, aunque todo el mundo lo sabe, que supieran que soy su hermana. Yo al principio no quería hacer ni música ni nada, tocaba por mi propia salud mental.

Tenía mucho en la cabeza ¿qué van a pensar? No quiero que piensen que quiero ser como él, porque la prensa puede ser muy cruel. Empecé con treinta años, cuando todavía estaba un poco paranoica, pero ahora tengo muchos más, yo estoy orgullosa de él y él nos ayuda mucho. Yo ahora siento a la artista que soy en mis propios pies, soy muy diferente a él y tenemos muchas cosas en común, pero ahora sí puedo decir que este es mi proyecto y estoy muy orgullosa de lo que hacemos.

Vídeo entrevista completa

El Museo Sorolla abrirá este jueves una ampliación que ha llevado a cabo en un antiguo taller de Volvo. El nuevo espacio, compuesto por dos locales, albergará las exposiciones temporales que arranca con Arquitecturas del Museo Sorolla (1905-2026). La exhibición recorre la historia de la casa en sí, desde que el pintor adquiriera los terrenos sobre los que terminó edificando su vivienda y taller. La casa, que cerró sus puertas en octubre de 2024 para las obras de rehabilitación del edificio, permanecerá cerrada de forma indefinida.

“Quedan años”, ha avanzado este miércoles Enrique Varea Agüí, director de la pinacoteca, sobre la previsión de la reapertura en la presentación de la ampliación: “No puedo comprometer una fecha”.

A la ampliación se accede por la calle Zurbano de Madrid, y está conectada con la casa, pero de momento el anexo permanece desconectado hasta que concluya la segunda fase de las obras, correspondiente al palacete del artista valenciano. El nuevo espacio supone una ampliación de 2000 metros cuadrados, y alberga por primera vez un muelle de carga, un auditorio con capacidad para 80 personas, un taller de restauración y un nuevo almacén para todos los bienes culturales.

“Antes estaban ocupando distintos espacios internos de la casa, en una situación de conservación adecuada, pero que planteaba ciertos inconvenientes. Ahora todo está unificado en un único espacio”, ha explicado el responsable sobre el almacén. También permitirá el acceso a las personas con discapacidad motora, paliando las barreras arquitectónicas del palacete.

17 años desde su adquisición

Los locales contiguos al museo fueron adquiridos en 2009, con Ángeles González-Sinde como ministra de Cultura. El primero de ellos, ubicado en la primera planta, consta de 491 metros cuadrados. El segundo, el local comercial que funcionaba como taller, cuenta con aproximadamente 1500 metros cuadrados de superficie útil. Desde la compra, tuvieron que pasar cuatro años hasta que en 2013 se adecuó el local de la primera planta para su uso como oficinas, despachos técnicos y biblioteca del Museo. Esta rehabilitación la llevó a cabo el estudio de Julián Franco Arquitectos.

El siguiente paso, el inicio de la adecuación de la planta baja, no llegó hasta 2016, cuando el Ministerio de Cultura convocó un concurso arquitectónico, que fue adjudicado al estudio Nieto Sobejano Arquitectos. Por lo tanto, han pasado diez años hasta que el anexo ha abierto por fin sus puertas. Eso sí, sin mostrar demasiadas obras de Joaquín Sorolla, que permanecen en el almacén tras haber vaciado todas las presentes en la casa para las tareas de construcción. El proyecto ha supuesto una inversión de 13 millones de euros para el Ministerio.

Una proyecto “difícil”

Fuensanta Nieto, fundadora junto a Enrique Sobejano del estudio responsable de la rehabilitación, ha subrayado la “dificultad” del proyecto por partir de “una vivienda de arquitectura doméstica transformada en museo, que en el caso de estos locales partían de una arquitectura industrial”. Espacio que, además, “no tenía posibilidad de luz”, que han integrado a través de cubiertas, y luz artificial. Un factor especialmente relevante para la pinacoteca, teniendo en cuenta que Sorolla es considerado como el “pintor de la luz”.

La exposición temporal que podrá visitarse a partir de este jueves, dista mucho de ser una réplica del repertorio de cuadros que podían contemplarse en el palacete antes de su cierre. Está centrada en la arquitectura del edificio, pero se echa en falta más obra del pintor. La intención, según ha explicado el director del museo, Enrique Varela, es “ir sacando obra del almacén durante la programación de exposiciones”. Por lo tanto, por el momento habrá que esperar para reencontrarse o descubrir el grueso de las pinturas realizadas por Sorolla.

Acuerdo de la colección Sorolla en València

El mismo día de la presentación de la ampliación del Museo Sorolla en Madrid, la Generalitat ha anunciado su acuerdo con la Hispanic Society America para la exhibición de las más de 200 obras de la colección Sorolla en Valencia. El canon de las pinturas cerrado es por 15 años. Se trata de una de las colecciones más relevantes del pintor conservadas fuera de España, que podrán verse a partir de ahora en nuestro país.

El contrato asciende a 1.150.000 euros al año, por un plazo de quince anualidades. La colección incluye óleos, gouaches, dibujos, fotografías y esculturas.

Estopa ha anunciado que lanzará nuevo disco, La Maketa, y hará una gira de estadios en la que recorrerán cuatro ciudades españolas: Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla. La noticia ha sido comunicada por los propios David y José Muñoz en una rueda de prensa desde la Facultad de Geografía e Historia de la Universitat de Barcelona. Y lo han hecho cinco días antes del establecido como 'Día de la Estopidad', el 18 de octubre, en el que cada año los fans de la banda conmemoran el lanzamiento de su primer disco, Estopa, en 1999.

El nuevo álbum saldrá a la venta el 20 de noviembre, en el que han rescatado los temas de su maqueta de 1997 que nunca llegaron a editarse. Antes de que ninguna discográfica se fijara en ellos, compusieron más de treinta. Será un disco doble. El primero contendrá siete temas inéditos y tres canciones que no se llegaron a grabar entonces.

El segundo incluirá todas las maquetas, tanto las que grabaron con su minicadena en su casa con la ayuda de sus padres, que han reaparecido precisamente gracias a su ayuda, tras encontrar el máster original accidentalmente en su hogar. Junto a estas estarán las versiones de las mismas que grabaron en un estudio de Sabadell, gracias al dinero que ganaron en un concurso de cantautores, y que terminaría siendo su trampolín. Entre estas sí las hay que han podido irse escuchando en sus sucesivos trabajos discográficos.

El primer sencillo verá la luz este viernes 16 de octubre, Bicho raro, de la que han avanzado que fue una canción “matriz” de otros temas emblemáticos como Vino tinto y Tragicomedia. El grupo ha concluido la rueda de prensa interpretando precisamente este tema ante los alumnos de la Facultad, con únicamente voz y guitarra. “Pero me pongo tan malo cada vez que me roza tu pelo, así como un bicho raro, una especie nueva de insecto”, reza su estribillo.

Contra las alianzas con bancos y casas de apuestas

El tour arrancará el 12 de junio de 2027 en el estadio Ciutat de València, seguirá el día 18 en el Lluís Companys de Barcelona, el 26 en La Cartuja de Sevilla y concluirá el 9 de julio en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid. Las entradas saldrán a la venta el 17 de noviembre a las 22:22 horas en la web oficial del grupo. Aquellos que compren el disco, contarán con 24 horas más que el resto del público para hacerse con sus tickets.

Para combatir con la tendencia reciente en la que para conseguir entradas para los conciertos ser cliente del banco Santander, gracias a sus alianzas con Universal Music, Live Nation, Los 40 y Mad Cool, se ha convertido prácticamente en un requisito; Estopa solamente va a permitir el acceso a la reventa a quienes previamente se hayan hecho con su álbum.

“Nunca hemos hecho anuncios ni con bancos ni con casas de apuestas. Satisfyer bien, bancos y casas de apuestas; no”, han afirmado. Para el grupo, el privilegiar a los clientes de una compañía bancaria para poder ir a sus conciertos es “injusto, porque solo premias a los clientes de una marca. Queremos premiar a la gente a la que le gustamos”.

“La universidad pública hace que la gente que no tiene recursos pueda estudiar”, ha reivindicado igualmente David Muñoz, aprovechando que la presentación la han llevado a cabo en el centro en el que ambos se formaron, “es el auténtico ascensor social”.

El proyecto 'MKT'

El grupo hizo la primera mención de que se traían algo entre manos el pasado 27 de septiembre, con un primer vídeo compartido en redes sociales, titulado Acto I, en el que un hombre vestido de negro, encapuchado con una máscara blanca, pintaba un grafiti en la pared con la 'E' de Estopa, en color rojo. En seguida entraba una música con una voz de fondo indicando “tic, tac” y la frase “algo está a punto de pasar”.

El Acto II vio la luz el domingo 4 de octubre, con un supuesto trabajador de una tienda de electrodomésticos, tarareando Por la Raja de Tu Falda, uno de los mayores éxitos de Estopa, al tiempo que colgaba en la pared un póster, con el logo del grupo y, de nuevo el mensaje “Algo está a punto de pasar”, seguido de cuatro imágenes de cuatro estadios diferentes, los ubicados en Madrid, Barcelona, Sevilla y Valencia, dejando entrever que podrían estar preparando una gira de estadios con esas cuatro paradas.

La última entrega llegó a finales de la semana pasada, el Acto III, en el que anunciaron que darían “todas las respuestas” este martes 13 de octubre. El vídeo incluía a David y José Muñoz, sentados en un bar tomando una cerveza. Allí una noticia de última hora terminaba acaparando todas las miras, la aparición de las pintadas con la E de Estopa, que merecía “una explicación”, que finalmente han revelado.

“La franqueza es como una madeja que se produce a diario en el vientre, tiene que desenrollarse en algún lado”, sostiene Anne Carson en su poema Podrías 1. Uno de los versos que la poeta recién galardonada con el premio Nobel de Literatura que demuestra que su obra permanece indemne al paso del tiempo. La autora canadiense siempre ha hecho lo que ha querido, evita y aborrece el aburrimiento, narra con y desde lo íntimo, hibrida y conquista todos los géneros, apenas se comparte a sí misma en entrevistas, pero todo apunta a que siempre ha dejado en sus escritos mucho de sus adentros. La escritora recibe el galardón a sus 76 años, con libros a sus espaldas como La belleza del marido, Nox y Autobiografía de Rojo.

“Verdaderamente, hace lo que quiere. No se toma en serio ningún formato. No se toma en serio a sí misma, y esto es terriblemente original en nuestra época”, describe la escritora Sabina Urraca –autora de El celo y Las niñas prodigio– “se sustrae de lo que es el 'mundillo literario' y de la cuestión de nombrarse como poeta”. La también editora destaca de la nueva Nobel su biografía, por el “consuelo y maravilla” que genera que naciera en Canadá y se haya ganado la vida dando clases de griego antiguo, “es que ni siquiera se reconoce como profesora”.

De entre sus versos, la escritora destaca un poema en el que hay dos hombres torturando a otro, y en un momento dado, “uno le dice al otro que una película le gusta cuando el malo dice algo en lo que tiene razón”. Para Urraca, estas palabras son “una especie de reconocimiento de que en realidad no somos nada ni tenemos que afirmarnos como nada en concreto”. Un tipo de espíritu del que siente que “estamos bastante faltos” y que precisamente por ello reivindica a Anne Carson.

Anne Carson hace verdaderamente lo que quiere. No se toma en serio ningún formato. No se toma en serio a sí misma, y esto es terriblemente original en nuestra época

Sabina Urraca — Escritora

El dramaturgo y poeta Alberto Conejero, autor de la obra La piedra oscura en la que se inspira La bola negra de los Javis, es otro de los artistas que celebra la elección de la autora canadiense como ganadora del Nobel. Coincide en la pertinencia de reivindicar su figura en el contexto actual, por cómo contrarresta “un momento tan crítico del mundo, políticamente tan oscuro y reaccionario, de derribo de todas las herencias y raíces”: “Su poesía es un faro del ser humano”.

En contra del aburrimiento

“Haré lo que sea para evitar el aburrimiento. Es la tarea de toda una vida”, escribió Carson en otro de sus poemas. Una apuesta, o “casi promesa” como matiza el poeta y traductor de la escritora Jesús Castro, que recorre toda su literatura. “Ella siempre dice que la poesía consiste en hacer que la mente se mueva de una manera imprevista”, comenta antes de añadir una nueva cita de la Nobel relacionada con este mismo tema: “Trato de traer a la mente algo que sea contrario a la incompetencia”.

La escritora Elena Medel –autora de Todos mis pecados y la mitad de mi dolor– da un paso más allá en la lectura de los textos de Carson al destacar como otra de sus fortalezas de su poesía “su voluntad de exploración, de experimentación desde su bagaje como clasicista y como lectora”. Para ilustrarlo, pone como ejemplo su volumen Albertine, por cómo en él consigue que “desde la seriedad y rigor, brilla su hondura lúdica”.

Pese a que, como recuerda Jesús Castro, Anne Carson dice que su poesía “casi nunca ha sido personal”, valora que “siempre presta atención a los huecos, al vacío, la carencia asociada a la sed y al hambre”. “Esta aproximación sensorial a la experiencia negativa”, comenta sobre algo que llevó a cabo en títulos como NOX, que escribió cinco años después de la muerte de su hermano, “coloca su escritura en los límites de lo decible, valiente siempre ante ese salto a lo inexplicable”. La escritora Elena Medel considera que en este libro en concreto, no sabe si “la poesía le sirve a ella para entender o para sanar, pero desde luego ejerce ese efecto en quien la lee”.

Jesús Castro relaciona este punto con la mística presente en los poemas de Carson, que la conectan con la mística presente en especial en el último álbum, Lux, de Rosalía, de quien la Nobel de Literatura es fan. El pasado mes de septiembre dedicó un artículo de la prestigiosa revista London Review of Books sobre uno de sus últimos conciertos.

“A cada inhalación, todo el público gritaba como si ella estuviera recorriendo con la uña la columna vertebral de cada uno”, escribió en su reseña, “esa voz puede hacer cualquier cosa”. “Es una encarnación, a sus 33 años, del glamur y la fuerza femeninos. Sabe hacer pucheros, posar y parodiar su propia seducción: esto es el nuevo feminismo”, concluyó sobre la cantante española, recién galardonada con el premio Nacional de Músicas Actuales.

Una nueva Nobel humanista

Los cuatro expertos consultados coinciden en que el conocimiento de Carson de los autores clásicos gracias a su formación impregna por completo su obra. “Ha derribado los muros entre los géneros poesía, prosa, teatro, ensayo”, con una poesía “personal y cercana”, según apunta Alberto Conejero. “Es transmisora de un caudal de textos, fundamentalmente clásicos, pero no cae en una custodia fría, los entrega de un modo absolutamente vivo”.

Anne Carson es transmisora de un caudal de textos, fundamentalmente clásicos, pero no cae en una custodia fría, los entrega de un modo absolutamente vivo

Alberto Conejero — Poeta y dramaturgo

El dramaturgo defiende que su voz es “fundamental” por cómo porta el humanismo “desde una absoluta intimidad, una primera persona cercana y sin esquivar ningún asunto, es capaz de comprender hasta la épica de lo doméstico, como demostró en La belleza del marido”. “Si la prosa es una casa, la poesía es un hombre corriendo en llamas a través de ella”, escribió en él.

El poeta Jesús Castro considera que no puede afirmar a ciencia cierta si la artista es o no una persona idealista basándose en lo que ha podido conocer sobre ella a través de su obra. Recuerda que si bien “su visión del mundo es tremendamente permeable al dolor y a la pérdida”, su pensamiento lingüístico “sí muestra un idealismo que se plasma en sus palabras, y esa materia con la que crea nunca pierde aliento ni riesgo, sino que parece que con la edad se acrecienta”.

“¿Cómo sería vivir en una biblioteca de libros derretidos? Con frases corriendo sobre el suelo y toda la puntuación asentada en el fondo como residuo. Sería confuso. Imperdonable. Una gran aventura”, escribió Anne Carson en su poema Salvajemente constantes. Una gran aventura que en este caso permite la literatura, el universo creativo de esta poeta ambigua, reservada, lúcida, 'antiaburrida'. Única.

La escritora canadiense Anne Carson ha ganado el Premio Nobel de Literatura 2026 por su “audaz e inventiva obra que, en juguetón diálogo con la tradición clásica, ha creado nuevas formas para la literatura contemporánea”.

Así lo ha anunciado este jueves la Academia Sueca desde su sede situada en Estocolmo. Sucede al húngaro László Krasznahorkai, vencedor del año pasado. La autora figuraba como favorita dentro de las apuestas, que incluían otros nombres como el español Enrique Vila-Matas, Amitav Ghosh, Gerald Murnane, Haruki Murakami, Cristina Rivera Garza, Margaret Atwood y Thomas Pynchon.

La canadiense está considerada por la crítica literaria como la poeta viva más importante de las letras anglosajonas, y es también ensayista, traductora y profesora de literatura clásica y comparada. Fue la primera mujer en recibir el premio T. S Eliot, en 2001, por su meditación sobre el divorcio La belleza del marido. Un ensayo narrativo en 29 tangos y en 2020 fue condecorada con el premio Princesa de Asturias.

“La gracia va y viene entre el creador de una obra de arte y su audiencia como entre el que da y el que recibe un regalo. Ninguno podría existir sin el otro. Así que les agradezco profundamente esta gracia que hemos intercambiado entre nosotros”, pronunció en su discurso de agradecimiento del galardón concedido por la Fundación Princesa de Asturias.

Caron nació el 21 de junio de 1950 en Toronto, Canadá. Hija de un empleado de banca, fue a los 15 años cuando una edición bilingüe de los textos de la poeta griega Safo que encontró en una librería local cambió su vida para siempre.

“Yo era una adolescente desafecta necesitada de estímulos. La visión de las dos páginas yuxtapuestas, una de ellas un texto impenetrable, pero de gran belleza visual, me cautivó y me compré el libro”, explicó en una entrevista con El País. Al año siguiente, después de que destinaran a su padre a una ciudad “aburrida”, contó que le salvó una profesora de latín que, al conocer su interés por aprender griego, se ofreció a darle clases a la hora del almuerzo“.

Todo partió de 'Eros'

En 1981 publicó su tesis doctoral en Estudios Clásicos, y a lo largo de toda su carrera ha compaginado la escritura de poesía con la traducción y la docencia en diferentes universidades. De hecho, casi toda su producción literaria se ha centrado en la intersección entre la obsesión del filólogo por las palabras y el deseo del poeta de encontrar nuevos significados.

Carson no se prodiga en entrevistas y guarda con celo su vida privada. En su primer libro, Eros dulce y amargo (1986) reflexionó sobre el amor romántico y el deseo erótico. En él sentó las bases de su posterior obra literaria, en la que es habitual la contraposición de distintas voces que dialogan y se contraponen entre sí. En Economía de lo que no se pierde (1999) contrapuso al poeta griego del siglo VI a.C con Paul Celan y en Hombres en sus horas libres (2000) al historiador Tucídides con Virginia Woolf.

En los noventa publicó obras como Cristal, ironía y Dios, una extensa historia sobre el duelo y el amor no correspondido, donde la narradora en primera persona, una mujer que ha abandonado a su marido, visita a su solitaria madre en los desolados páramos. En su viaje lleva consigo libros de su autora favorita, Emily Brontë, cuyo mundo interior se entrelaza con el de la protagonista.

Otras de sus publicaciones más laureadas es Autobiografía de Rojo: una novela en verso (1998) y La belleza del marido (2001), en el que narra una disputa sarcástica con un marido infiel. Sus veintinueve episodios los arranca con versos del poeta romántico John Keats. Sus palabras sobre la belleza y la verdad aparecen contrapuestas con el agotador drama de la pareja. Más adelante publicó Nox (2010), en memoria de su hermano Michael, que murió en Dinamarca en el 2000. En el volumen se hizo palpable u profundo sentimiento de pérdida, en el que se combinan fotografías, cartas y otros textos. Float (2016) y Norma enrevesada (2024) destacan igualmente dentro de su dilatada bibliografía.

La “clasicista fundamental”

La editorial Vaso Roto, que edita la obra de la autora en España, ha celebrado el galardón a la que definen como “poeta única”. “Es muy querida en España y tiene una legión de lectores, sobre todo de lectoras jóvenes”, ha declarado la delegada Marúa Fuentes Gimeno a Europa Press. También han definido a la recién galardonada con el Nobel como la “clasicista fundamental”.

“Es capaz de reinterpretar las obras clásicas con una perspectiva única que no hemos tenido hasta este momento”, han añadido, “hace dialogar a los personajes actuales con los del pasado creando unos arquetipos interesantísimos”.