La música tiene el poder de interpelarnos a cada uno de nosotros y recordarnos dónde estábamos en un momento determinado. Es por ello que, cada vez que pasa cierto tiempo, es un acto necesario mirar atrás y descubrirnos a través del arte. Lo hemos hecho recientemente con este 2025 que ya termina, repasando algunas de las obras clave que definirán esta época cuando nos acerquemos a ella desde el futuro, pero ahora retrocedemos todavía más y viajamos por los 25 discos imprescindibles del primer cuarto del siglo XXI. Entre sus autores, artistas que siguen revolucionando el ámbito nacional e internacional.

Pese a que el nuevo siglo empezó en el 2001, para esta clasificación se ha optado por incluir también el año 2000, puesto que no hacerlo desvirtuaría lo que la gente entiende por décadas. Es por ello que el disco Kid A de Radiohead se considera una obra de los 2000, mientras que otro como Folklore de Taylor Swift se considera uno de los primeros grandes lanzamientos de la década del 2020. Para la selección de los mejores discos del siglo se ha contado, además, con la participación de 91 expertos del panorama musical nacional, incluyendo desde redactores de medios especializados hasta locutores de cadenas de radio.

Cada uno de los participantes ha seleccionado diez álbumes sin clasificarlos entre sí. El sistema de votación se ha basado principalmente en el consenso, premiando así a los discos que han logrado poner de acuerdo a un mayor número de críticos. En caso de empate de votos, se ha tenido en cuenta el peso global del artista y la suma total de menciones de toda su discografía. No obstante, para favorecer la diversidad, si dos discos han tenido el mismo número de votos, pero uno de los dos artistas ya había aparecido antes en la lista, se ha puesto por encima el disco del otro artista.

25. Sufjan Stevens: ‘Illinois’ (2005)

Illinois es una de las joyas del pop indie. Supuestamente la segunda entrega de un proyecto para hacer un disco sobre cada uno de los 50 estados de Estados Unidos (que nunca acabó dándose), Illinois es uno de los grandes discos del siglo: utiliza coros, orquestas, banjos y electrónica para narrar historias que mezclan hechos históricos reales y figuras locales (como el asesino John Wayne Gacy o el poeta Carl Sandburg). Tras el lanzamiento de Greetings from Michigan (2003), Stevens explora la fe, la identidad nacional y el dolor a través de un álbum de temática geográfica.

24. PJ Harvey: ‘Stories from the City, Stories from the Sea’ (2000)

Si los discos anteriores de PJ Harvey pueden considerarse oscuros y rurales, Stories from the City, Stories from the Sea es brillante y urbano. Inspirado por una estancia de seis meses en Nueva York, la artista captura la energía de la gran ciudad, el amor y el deseo con un sonido de rock directo y pulido. Se trata de su obra más accesible y melódica, destacando el dúo con Thom Yorke en This Mess We're In. Fue el álbum que consolidó a Harvey como una figura imprescindible del rock británico.

23. Adele: ‘21’ (2011)

El disco de ruptura por excelencia de este siglo. Adele logró unir a amantes de diversos géneros como el pop o el soul en un trabajo que cuenta con toques country. Aun así, el verdadero motor de 21, así como la clave del éxito de Adele, reside en su impresionante interpretación vocal. Rolling in the Deep y Someone Like You volvieron a otorgar relevancia a las baladas, afianzándolas como unas de las más importantes de los últimos tiempos.

22. Green Day: ‘American Idiot’ (2004)

Rescatando su carrera del estancamiento, Green Day apostó todo a una ópera punk conceptual inspirada en Jesus Christ Superstar y The Wall. El álbum canalizó la frustración y el miedo de la sociedad estadounidense bajo la administración de Bush y la guerra de Irak. A través del personaje de 'Jesus of Suburbia', Billie Joe Armstrong narra una historia de alienación juvenil, drogas y desilusión política. Musicalmente ambicioso, incluye temas de hasta 9 minutos y baladas acústicas, demostrando que el punk podía evolucionar hacia estructuras más complejas o incluso teatrales sin perder su fuerza reivindicativa y característica.

21. Madonna: ‘Confessions on a Dance Floor’ (2005)

Tras el fracaso crítico del político American Life (2003), Madonna decidió volver a lo que mejor sabía hacer: hacernos bailar. Producido por Stuart Price, Confessions on a Dance Floor está mezclado como una sesión continua de DJ, diseñado para mantener la energía en la pista de principio a fin. Es un tributo elegante a la música disco de los 70 y al electropop de los 80, sostenido, sobre todo, por el masivo éxito de Hung Up, en el que samplea a ABBA. Madonna demostró con su noveno disco que la música de baile también podía ser sofisticada y adulta.

20. Wilco: ‘Yankee Hotel Foxtrot’ (2002)

La discográfica de Wilco rechazó Yankee Hotel Foxtrot por considerarlo no comercial, lo que motivó a la banda a publicarlo de forma gratuita en su web. Tal fue el éxito que consiguió el álbum que obligó a otra discográfica a comprarlo. El disco encapsula una transformación del country-rock. Las letras, escritas antes del 11S, resultaron proféticas (“Los edificios altos tiemblan. Se escapan voces cantando tristes, tristes canciones”), haciendo que el álbum se convirtiera en la banda sonora involuntaria de unos Estados Unidos traumatizados y confundidos.

19. La Oreja de Van Gogh: ‘Lo que te conté mientras te hacías la dormida’ (2003)

Lo que te conté mientras te hacías la dormida representa la cumbre comercial del pop español de principios de milenio. Es la obra definitiva de la etapa de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero, donde la banda donostiarra refuerza sus sonidos de pop-rock para triunfar con canciones como Rosas o Puedes contar conmigo, que trascendieron el estatus de hit y con el paso del tiempo han demostrado su atemporalidad tanto en el país como en Latinoamérica.

18. Taylor Swift: ‘Folklore’ (2020)

Publicado por sorpresa durante el confinamiento por COVID-19, folklore marcó un giro de 180 grados en la carrera de Taylor Swift. Alejada de los estadios y de la purpurina de su anterior trabajo, Lover (2019), la artista colaboró con Aaron Dessner de The National para crear un disco melancólico de indie-folk. Por primera vez, Swift dejó de lado la autobiografía que había caracterizado sus anteriores álbumes para escribir desde la perspectiva de personajes ficticios, creando un triángulo amoroso adolescente a través de las brillantes canciones Cardigan, August y Betty. Fue el disco que le otorgó credibilidad ante la crítica alternativa y demostró su versatilidad como compositora más allá del pop de radio y el country.

17. Lana Del Rey: ‘Norman Fucking Rockwell!’ (2019)

Después de nunca haber sido tomada demasiado en serio por la crítica, Lana Del Rey se ganó el perdón de la crítica con Norman Fucking Rockwell!. El disco, que relata la decadencia americana y pone el foco en el romance, es uno de los mejores trabajos de quien es considerada una de las artistas que más ha inspirado el pop de la última década. Producido principalmente por Jack Antonoff, el álbum se centra en pianos y guitarras suaves para dar lugar a una atmósfera acústica. Sus letras abordan la masculinidad tóxica y la pérdida de la inocencia, ambientando la obra en una California que arde tanto literal como metafóricamente.

16. Frank Ocean: ‘Blonde’ (2016)

El segundo álbum de estudio de Frank Ocean, Blonde, en ejercicio de vanguardia minimalista que redefinió el R&B. Publicado de forma independiente un día después de su álbum visual Endless (para liberarse de su contrato discográfico), se trata de un disco que utiliza guitarras procesadas y teclados ambientales para hablar sobre la dualidad, la memoria, la bisexualidad y la nostalgia de la juventud. Es un álbum que exige paciencia, lleno de cambios de estructura y colaboraciones sutiles como la de Beyoncé, Jonny Greenwood o André 3000.

15. Arcade Fire: ‘Funeral’ (2004)

El debut de Arcade Fire estuvo marcado por la tragedia. Durante la grabación de Funeral, varios miembros de la banda perdieron a familiares cercanos, lo que impregnó el disco de una temática sobre la muerte, el duelo y la necesidad de vínculos emocionales con otras personas. La banda rechazó el cinismo del indie de la época para abrazar instrumentos poco convencionales como acordeones, violines y zanfonas. Entre sus temas destaca Wake Up, que dio inicio al indie más exitoso de los 2000.

14. Rosalía: ‘Lux’ (2025)

Rosalía ha logrado con Lux en el panorama nacional algo que solo Taylor Swift consigue con todos sus discos en el ámbito internacional: convertir el lanzamiento de su nuevo álbum en todo un evento. Desde que presentara su último proyecto en Callao de Madrid hasta que salió al mercado en su totalidad dos semanas después, Rosalía acaparó todas las conversaciones con un trabajo que recorre la mística femenina y la espiritualidad. Distanciándose por completo del instrumental de Motomami (2022), y optando en ocasiones por rememorar El Mal Querer (2018), la intérprete catalana apuesta por un sonido orquestal que, con tan solo varios meses desde su lanzamiento, es considerado de lo mejor del siglo.

13. Kendrick Lamar: ‘To Pimp a Butterfly’ (2015)

To Pimp a Butterfly es una enciclopedia sónica de la música negra americana. Kendrick Lamar se alejó del sonido comercial para rendir homenaje al jazz, el funk o el soul, colaborando con músicos como Thundercat y Kamasi Washington. El álbum supone una reflexión profunda sobre la responsabilidad de la fama, la depresión y el racismo institucional en Estados Unidos. El viaje del artista a Sudáfrica inspiró gran parte de la temática, conectando la lucha afroamericana con sus raíces. El tema Alright se convirtió en una de las canciones de las protestas contra la brutalidad policial, otorgando al disco una relevancia social durante el movimiento Black Lives Matter.

12. Björk: ‘Vespertine’ (2001)

Tras la grandilocuencia de Homogenic (1997), Björk se replegó hacia el interior del hogar para crear una obra maestra de la intimidad. Vespertine es un disco invernal y frágil, construido a base de micro-beats creados con sonidos domésticos (barajas de cartas, pisadas en la nieve) gracias a la colaboración con el dúo Matmos. A esto se suman arreglos de arpa, cajas de música y coros angelicales. Temáticamente, el álbum narra el florecimiento de un nuevo amor y el despertar sexual y espiritual, logrando transmitir una sensación física de calidez y refugio. Es la cumbre de la electrónica emocional.

11. Arctic Monkeys: ‘AM’ (2013)

Con AM, los de Sheffield lograron lo que pocas bandas británicas consiguen: conquistar América sin renunciar a su identidad. Alex Turner combinó los riffs pesados del rock desértico, una influencia directa de su amistad con Josh Homme de Queens of the Stone Age, con la rítmica y el groove del hip-hop y el R&B contemporáneo. El resultado fue un sonido nocturno, sexy y engominado, perfecto para la radio pero con credibilidad dentro de la escena rock. Canciones como Do I Wanna Know? o la adaptación del poema I Wanna Be Yours de John Cooper Clarke mostraron a un Turner en la cima de su capacidad lírica e incluso performática.

10. Taylor Swift: ‘1989’ (2014)

Este clásico encapsula el momento exacto en el que Taylor Swift abandona sus raíces country para reclamar el trono del pop mundial. Titulado con su año de nacimiento, 1989 se inspira en el synth-pop de finales de los 80, buscando una sonoridad brillante, pulida y sintética. De la mano de los productores Max Martin y Shellback, y con las primeras andaduras de Jack Antonoff en la producción, Swift construyó una fortaleza de estribillos matemáticamente perfectos. El álbum destaca también por su inteligencia lírica: en temas como Blank Space, Swift satiriza la imagen misógina de “devoradora de hombres” que la prensa había construido sobre ella, tomando el control de su propia narrativa.

9. The Strokes: ‘Is This It’ (2001)

Publicado poco antes del 11S, lo que obligó a retirar el tema New York City Cops de la edición americana, este disco supuso un reinicio para el rock. En una época dominada por el metal agresivo y el pop, The Strokes ofreció media hora de elegancia, guitarras entrelazadas y voces filtradas que evocaban a The Velvet Underground. La producción de Gordon Raphael capturó la esencia de una banda tocando en un sótano sucio pero vistiendo ropa cara. Is This It no solo salvó el rock de guitarras, sino que definió la estética hipster de la década y abrió la puerta a cientos de bandas posteriores como Arctic Monkeys, The Killers o Franz Ferdinand.

8. Kanye West: ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’ (2010)

Encerrado en Hawái, Kanye West organizó un campamento de rap con los mejores productores y artistas del mundo para crear una obra maximalista y barroca sobre los excesos de la fama, el ego y el sueño americano. La producción de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es lujosa y está cargada de capas orquestales, coros y samples progresivos. En la lista de canciones figuran títulos como Runaway, que muestran a un artista diseccionando sus propios defectos con una ambición sónica que ha sido difícil volver a ver en el género.

7. David Bowie: ‘Blackstar’ (2016)

Grabado en secreto mientras Bowie luchaba contra un cáncer terminal que ocultó al público, Blackstar es un disco denso, enigmático y conmovedor que aborda la mortalidad y la espiritualidad. Bowie reclutó al cuarteto de jazz vanguardista de Donny McCaslin para crear una atmósfera opresiva y experimental que lo alejara más del rock. El artista falleció apenas dos días después del lanzamiento, lo que muchos hicieron ver el disco como un regalo de despedida. Lazarus, una de las canciones de este trabajo, hicieron de la escucha del disco una experiencia casi religiosa sobre cómo afrontar el final de la vida a través del arte.

6. Beyoncé: ‘Lemonade’ (2016)

Más allá de la música, Lemonade es una obra cultural y política. Beyoncé utilizó la infidelidad de su marido Jay-Z como hilo conductor para explorar el trauma generacional, la resiliencia y la complejidad de la mujer negra en Estados Unidos. El disco recorre las etapas del duelo, desde la intuición, la negación, la ira y la apatía hasta el vacío la esperanza y redención. Además, salta sin complejos entre géneros, apostando por el rock en Don't Hurt Yourself, por el country en Daddy Lessons, o por el R&B y el gospel. El disco captura el momento en el que Beyoncé se centró en la creación de una obra compleja, culminando con Formation un himno sobre la identidad racial y el orgullo sureño.

5. C. Tangana: ‘El Madrileño’ (2021)

Antón Álvarez, la persona que aguarda bajo el nombre artístico C. Tangana, redefinió la identidad del pop español moderno al mirar hacia el pasado y hacia Latinoamérica. El Madrileño es un proyecto que tiende puentes entre la tradición (copla, pasodoble, rumba) y la modernidad urbana. La lista de colaboradores va desde Toquinho, Eliades Ochoa, José Feliciano o Andrés Calamaro hasta figuras actuales como Omar Apollo. El disco huye del trap que hizo famoso a C. Tangana para buscar un sonido más atemporal, logrando que canciones como Tú me dejaste de querer se convirtieran instantáneamente en himnos intergeneracionales que suenan tanto en discotecas como en verbenas de pueblo.

4. Rosalía: ‘Motomami’ (2022)

Si El Mal Querer (2018) se basó en la estructura y la contención, Motomami representó el caos y la libertad absoluta. Rosalía rompió con las expectativas de quienes esperaban que continuara con el sonido flamenco para entregar un trabajo musicalmente agresivo y también minimalista. El disco oscila entre el reguetón experimental, el jazz, la balada al piano y la electrónica industrial. Las letras, por su parte, abordan la fama, el aislamiento (fue grabado en parte durante la pandemia en Estados Unidos) y la transformación personal. Aunque temas como Saoko o Hentai generaron polarización inicial, acabaron consolidando a Rosalía como una artista capaz de reformular cualquier género.

3. Radiohead: ‘Kid A’ (2000)

El mayor suicidio comercial de Radiohead se ha acabado convirtiendo en una de las obras musicales más importantes de la historia reciente. Abandonando el rock alternativo que tanto éxito le había dado y dando un cambio radical hacia los sonidos electrónicos, el grupo liderado por Thom Yorke huyó de estribillos convencionales en Kid A para capturar la ansiedad ante la llegada del nuevo milenio y la tendencia tecnológica cada vez más fuerte. Ninguna canción se envió a la radio, por lo que Radiohead rompió las normas de la industria al centrarse en la promoción en internet, pero temas como Everything in Its Right Place o How to Disappear Completely han llegado a ser clásicos en su discografía.

2. Amy Winehouse: ‘Back to Black’ (2006)

El segundo y último álbum de estudio de Amy Winehouse fue la obra maestra que definió el sonido retro-soul del siglo XXI. La artista británica se alejó del jazz de su debut, Frank (2003), para abrazar el sonido de los grupos femeninos de los años 60 como The Shangri-Las. El álbum destaca por su crudeza autobiográfica: la cantante narra una tormentosa relación y su descenso a los infiernos del alcohol y la depresión. Su legado abrió la puerta a artistas como Adele o Lana Del Rey, y canciones como Rehab se han convertido en himnos que inspiraron a las futuras generaciones.

1. Rosalía: ‘El Mal Querer’ (2018)

Por muchos discos que publique Rosalía, El Mal Querer siempre será el álbum al que regresemos para contar cómo esta artista catalana consiguió alzarse como una de las figuras clave de la música de este siglo. Su segundo trabajo discográfico no solo cambió las reglas del juego en la industria nacional, sino que la hizo reconocida en todo el mundo. El disco es una obra conceptual basada en la novela del siglo XIII Flamenca y, capítulo por capítulo, disecciona una relación tóxica, desde el enamoramiento (Malamente - Augurio) hasta la liberación (A ningún hombre - Poder). Musicalmente, junto al productor El Guincho, la intérprete mezcló la raíz flamenca y la vanguardia electrónica urbana para crear un nuevo lenguaje sonoro sin apenas instrumentos melódicos tradicionales.

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Piensa en la canción del verano. Esa melodía que se apodera de las radios, protagoniza los días de playa y se canta en cualquier coche. Ese tema que, durante unos meses, parece pertenecer a todo el mundo. Estando ya a finales de agosto, mirar atrás para rememorar lo que han supuesto estas últimas semanas debería traer consigo, irremediablemente, esa canción imposible de sacar de la cabeza. Sin embargo, en un momento dominado por las playlists personalizadas y las redes sociales, la canción del verano en la que puedes estar pensando ya no es la misma que la de los demás. El motivo es la pérdida de la 'monocultura', un término usado para describir aquellos productos omnipresentes de la industria del entretenimiento.

Con una enorme cantidad de plataformas de streaming y aplicaciones compitiendo por acaparar la atención de la gente, el sentimiento de universalidad está desapareciendo para siempre. Cada plataforma empuja su propio catálogo y sus algoritmos muestran a cada usuario cosas distintas, de modo que lo que es masivo para unos pasa desapercibido para otros. Esto, que abre espacio a más voces, borra los referentes comunes que antes unían a generaciones y lugares. A diferencia de hace más de diez años, cuando la cultura pop estaba dictada por quién aparecía en la televisión, quién sonaba en la radio, de quién se hablaba en las noticias y quién aparecía en las revistas, ahora es más fácil elegir a quién escuchar o sobre quién saber más.

Cuando Adele publicó su álbum 25 en 2015, vendió 3,482 millones de copias en Estados Unidos en su primera semana, una cifra jamás alcanzada desde que la empresa Luminate empezara a contabilizar las ventas de música en 1991. En un sector cada vez más fragmentado, se pensaba imposible que alguien pudiera replicar ese alcance monocultural, pese a que Luminate y Billboard implementaran en 2014 un nuevo sistema de medición de ventas para reflejar el consumo de streaming. “La era de los discos que debutan con un millón de copias vendidas ha acabado oficialmente”, llegó a escribir la revista especializada Forbes en 2021. Desde entonces, solo hay una persona que lo ha conseguido: Taylor Swift, que lo ha hecho ya hasta tres veces esta década. The Tortured Poets Department (2024), su trabajo más reciente, debutó con 2,610 millones de copias vendidas en Estados Unidos.

Taylor Swift es la última figura monocultural que queda, siendo además la única artista nacida después de 1975 que se encuentra entre los diez músicos más consumidos de todos los tiempos, según hizo constar Billboard en una lista publicada en 2019. Su dominio, que bien puede servir como inspiración para las futuras generaciones, también deja patente la dificultad de lograr dicha omnipresencia en un mundo cada vez más digitalizado y personalizado para cada oyente. Sus compañeras, como Beyoncé, Lady Gaga o Katy Perry, también consiguieron estar en todos lados durante su estrellato la década pasada, aunque a una menor escala. Sin embargo, la nueva generación de artistas, como Billie Eilish, Olivia Rodrigo, Sabrina Carpenter, Gracie Abrams o Chappell Roan, han alcanzado la fama en un panorama muy distinto.

Estas cantantes son tan importantes dentro del grupo demográfico de oyentes de música pop como lo fue la generación anterior, pero su presencia es mucho más reducida y hace que su camino hacia una carrera sostenible como artistas siga siendo un reto. Así lo explica a elDiario.es la escritora de música y cine Jett Tattersall, que analiza la cultura en la revista especializada Women In Pop: “A la industria le encanta el mito del éxito repentino, pero rara vez es la realidad. No hay nada fácil en conseguir que tus canciones se escuchen en el caos de Spotify, TikTok, YouTube y SoundCloud. Todos tienen una canción, un estilo, una voz. Y, aunque eso es maravilloso, también significa que constantemente te olvidan para pasar a lo siguiente”.

Adjudicarse el éxito mainstream siempre ha sido difícil, y continúa siéndolo, pero la diferencia ahora es la forma para llegar a este. “Taylor Swift, al igual que su heroína Beyoncé, es una fuerza de determinación y talento. Madonna fue la reina de la generación MTV, con Janet Jackson como su princesa, y sus reinados se consolidaron gracias a una verdadera monocultura, una época con menos medios de comunicación, menos artistas de competencia y un canal cultural compartido de pósteres a tamaño real, ventas de discos y programas”, destaca Tattersall. Pero, pese a que el fin de la monocultura hace más difícil dominar la conversación, ahora el éxito es distinto y sigue siendo alcanzable. “Se trata de conectar profundamente con alguien en lugar de complacer a todo el mundo”, comenta la experta.

Esta diferencia a la hora de lograr el éxito también la subraya Nora Princiotti, autora y presentadora del pódcast Every Single Album for the Ringer. La escritora, que acaba de publicar su obra Hit Girls, un repaso a cómo las divas pop irrumpieron en la industria musical en la década de los 2000 y alteraron el panorama cultural para siempre, alega que “la falta de monocultura permite que cantantes de nicho tengan carreras sanas y estables fuera de la corriente principal”. Hoy en día puede ser más satisfactorio ser Charli XCX, por ejemplo, y compaginar ser una estrella del pop indie underground con alguien que ocasionalmente tiene grandes éxitos. “Pero es más difícil convertirse en una Beyoncé o una Taylor Swift”, apunta.

La era de los algoritmos ha fragmentado la cultura pop, poniendo fin a la dominación de un solo género musical y permitiendo que las subculturas prosperen de forma global. Pese a que géneros como el hyperpop o el grime solían ser de nicho, ahora pueden conectar con audiencias de todo el planeta al instante, creando comunidades de fans dedicadas que no necesitan la aprobación de las grandes masas para tener un impacto real en la industria musical. “Puede que no sea monocultura, pero sigue siendo impacto”, afirma Jett Tattersall. No obstante, los algoritmos provocan que dependan de la viralidad, y el gran defecto de ello es lo esporádica y aleatoria que puede ser, así como su corta duración.

Asimismo, la gente que sigue la cultura es muy consciente de la historia de leyendas como Britney Spears, Madonna o Lady Gaga, quienes se han visto sometidas a un escrutinio misógino durante su apogeo, por lo que la generación actual se beneficia de que existe una parte de la población que no quiere dar pasos atrás. Pero ser consciente de esa historia hace que la reinvención sea más difícil porque, como dice Nora Princiotti a este periódico, “todo el mundo conoce las referencias”, y, al ser la capacidad de atención más corta, los artistas se ven incentivados a reinventarse cada vez más rápido. “Somos un poco más indulgentes con los artistas, especialmente en los medios de comunicación, pero les exigimos más en cuanto a creatividad”, indica.

La versatilidad y la reinvención constante han ayudado a las mujeres a tener éxito, sobre todo en épocas de evolución en la industria. Ese fue, de hecho, uno de los motivos por lo que Nora Princiotti escribió Hit Girls, analizando los primeros años del siglo. “Cuando se cuestiona el statu quo, son las personas que no siempre se han beneficiado de ese statu quo las que suelen adaptarse mejor a las nuevas reglas. Así que, en una década en la que los fundamentos financieros de la música pop cambiaron drásticamente, las mujeres tuvieron éxito, en parte, porque estaban mejor preparadas para adaptarse a los cambios”, asegura la autora. Por su parte, Jett Tattersall denuncia que aún en 2025 se siga “valorando más la 'follabilidad' de una mujer que su inteligencia o su talento artístico”.

Antiguamente, la aspiración de un artista se resumía en crear una demo en cedés y enviarlo a sellos discográficos y mánagers, esperando a que alguien le diera una oportunidad. Hoy en día, los cantantes suben su música a plataformas y redes sociales, compitiendo en un mar de contenido que, si bien ofrece visibilidad, también hace que sea mucho más difícil destacar y ser escuchado. “La cuarta ola del feminismo y las redes sociales han cambiado el panorama. Los artistas nuevos se dirigen directamente a sus fans, dejándonos entrar. Vemos sus bloqueos, los fallos de vestuario, los bajones de salud mental... todo el desastre que hay detrás de un lanzamiento. Y, de alguna manera, esa imperfección hace que el resultado parezca aún más perfecto”, enfatiza Tattersall.

En un momento en el que la monocultura está dejando de ser una realidad, el fenómeno de la gira The Eras Tour, que llegó a ser omnipresente durante sus dos años de duración y paralizó España con sus dos conciertos, se convierte en una proeza posiblemente irrepetible. A excepción del lanzamiento de The Life of a Showgirl en octubre, el nuevo trabajo de Swift, pocas giras o álbumes volverán a unir tanto a la gente hasta el punto de crear la sensación de evento global. Pero este cambio en el mundo del entretenimiento no solo se palpa en el sector musical. En la televisión, el medio The Ringer elogió la serie Juego de Tronos como “la última pieza de monocultura televisiva” y el sitio web Vulture la calificó como “el último programa que veremos juntos”. En el cine, el más reciente ejemplo es el caso Barbenheimer, que revivió las salas como hacía tiempo que una película no conseguía.

Al llegar a la cima al final de una era en la que la televisión, la radio y la prensa escrita todavía daban forma a la música, Taylor Swift ha logrado un reconocimiento universal. Una saturación cultural que hoy nadie más puede replicar. “Aun así, su éxito prolongado es una prueba de su talento, no de su oportunidad”, enfatiza Tattersall, que tacha de “reduccionista” atribuir su legado a la época que le ha tocado vivir. Aunque no se sabe si Olivia Rodrigo o Billie Eilish habrán alcanzado ese estatus dentro de veinte años, la fragmentación que ha experimentado la monocultura les hará complicado atraer a varias generaciones al mismo tiempo. Sin embargo, como apunta la experta, el triunfo tampoco se mide igual: “El éxito ahora significa serlo todo para las personas que te encuentran. Es un tipo de legado diferente y, tal vez, a pesar del caos, puede que sea más duradero”.

El presidente de Estados Unidos, Donald Trump, es un experto en difundir bulos, bien para perjudicar a sus rivales políticos, bien para tapar hechos que perjudiquen a su propia imagen. Su historial de inventiva es casi inabarcable: desde las mentiras que contó en el debate electoral contra Joe Biden de junio de 2024 o en el que tuvo contra Kamala Harris en septiembre de ese mismo año, pasando por apoyar que los inmigrantes haitianos de Springfield (Ohio) robaban perros y gatos para comérselos (lo cual resultó en amenazas de muerte para los haitianos y en avisos de bomba en universidades y edificios oficiales).

Otro de sus bulos más sonados, quizá de los primeros, fue que primero impulsó el falso rumor de que Barack Obama, entonces presidente, no había nacido en Estados Unidos (Obama, nacido en Hawái, tuvo que hacer pública su partida de nacimiento), y cuando Kamala Harris optó a la presidencia en 2024 hizo correr el mismo rumor sobre ella, aunque ella, de padre jamaicano y madre india, nació en California.

Así las cosas, Trump dedicó el pasado fin de semana a esparcir desde su red social Truth Social el bulo de que Beyoncé había cobrado 11 millones de dólares por apoyar a Kamala Harris en un evento en Houston de la campaña de las elecciones presidenciales de 2024, que acabó ganando el propio Trump.

El presidente estadounidense afirma que los demócratas “admitieron haber pagado, probablemente de formar ilegal, once millones de dólares a la cantante Beyoncé por APOYARLES (nunca cantó, ni una nota, y se fue del escenario abucheada por unos asistentes cabreados) y tres millones a [la presentadora] Oprah”. ¿Qué hay de cierto en todo esto?

Beyoncé acudió al mitin de Harris en Houston el 5 de octubre de 2024 por ser su ciudad natal. “No estoy aquí como famosa ni como política: estoy aquí como madre”, afirmó al subir al escenario junto a su compañera de Destiny's Child, Kelly Rowland. La artista intervino durante unos minutos en los que añadió que quería vivir en “un mundo donde tuviéramos la libertad de controlar nuestros cuerpos”.

Poco antes, diversas mujeres habían compartido historias sobre urgencias médicas con sus embarazos que casi les cuestan la vida por vivir en Texas, uno de los estados con una de las legislaciones antiaborto más estrictas del país. En el vídeo de su intervención se aprecia cómo los asistentes aplauden casi la totalidad de las frases de Beyoncé, muy lejos de los “abucheos” de los que hablaba Trump.

También estuvo presente el mítico cantante Willie Nelson, que tocó dos canciones. En otros eventos se contó con la presencia de cantantes y actores como Meryl Streep, Chris Rock, Jennifer Lopez, Bruce Springsteen, Eminem o Lady Gaga.

En cuanto a si hubo algún pago de los Demócratas hacía la texana o el resto de famosos, la web del partido refleja uno de 165.000 dólares catalogado como gastos de producción de campaña en noviembre de 2024. Según explicó un portavoz de la campaña de Harris al medio Deadline un mes después del mitin, ese dinero se destinó, según obliga la ley de financiamiento de campañas, a cubrir los gastos de aparición de quienes intervenían, así como todos los costes relacionados con la logística del evento, desde el escenario hasta la banda, la comida o la bebida.

Quizá 165.000 dólares pueda considerarse una cantidad alta, pero no se acerca ni de lejos a los 11 millones que clama Trump. Verificadores de noticias como FactCheck.org y PolitiFact no han encontrado prueba alguna de que Beyoncé, Oprah o algún otro famoso hayan cobrado tal cantidad de dinero por parte de los Demócratas. El presidente Trump, que el pasado mayo ya acusó a la propia Beyoncé, a Bruce Springsteen, a Oprah y a Bono de U2 de haber recibido dinero de Kamala Harris, tampoco ha aportado ninguna prueba que respalde su acusación.

Unos ladrones han robado a Beyoncé los discos duros que guardaban la música inédita, los materiales y los setlists de los próximos conciertos de la cantante, así como numerosos objetos y grabaciones. El presunto hurto ocurrió durante una de las paradas de la gira Cowboy Carter en Atlanta, lugar en el que la originaria de Texas ha cantado durante cuatro noches a lo largo del mes de julio. Fue en uno de los coches de la artista donde irrumpieron estos ladrones, pasadas las ocho de la tarde, para hacerse con las dos maletas que guardaban este contenido.

La denuncia del robo la dieron el coreógrafo de la intérprete, Christopher Grant, y uno de sus bailarines, Diandre Blue. Según el medio que se hizo eco en primer lugar de esta información, la cadena local Atlanta WSB-TV, esto sucedió menos de 48 horas antes de que Beyoncé diera comienzo a los cuatro conciertos que tenía programados en el Estadio Mercedes-Benz de la ciudad. Desde entonces, la policía de Atlanta ha emitido una orden de arresto contra un sospechoso, tal y como ha informado un portavoz del departamento de policía local.

Las declaraciones que Grant y Blue dieron a la policía indican que aparcaron un Jeep Wagoneer negro de alquiler en el párking del Krog Street Market. Al regresar a la camioneta, notaron que la puerta trasera estaba rota y que les habían robado sus dos maletas, según el informe del incidente. Aparte de todas sus pertenencias personales, entre las que se incluyen portátiles, auriculares Apple y ropa, el informe señala que los ladrones se llevaron algunos materiales de la gira de Beyoncé durante el robo, como música y otro tipo de contenido inédito.

La denuncia afirma que se llevaron “información personal confidencial de la música Beyoncé”, incluidos discos duros relacionados con sus próximos conciertos en Atlanta, música con marca de agua, grabaciones que no han sido publicadas y setlists de shows pasados y futuros. No obstante, los investigadores han comentado que había cámaras de seguridad que captaron lo sucedido. Además, la policía utilizó la localización que llevan integrada en todo momento los auriculares de Apple para llegar a una ubicación que hasta la fecha no se ha revelado.

La policía de Atlanta ya tiene imágenes de los delincuentes y se ha emitido la orden de arresto. El informe del incidente también apunta que se requiere una contraseña para acceder a todos estos discos duros. Beyoncé inició su gira Cowboy Carter a fines de abril en Los Ángeles, que busca promocionar internacionalmente el disco del mismo nombre con el que la artista ha tratado de reivindicar a los artistas negros dentro de la música country, un género que siempre se ha caracterizado por sus fuertes raíces conservadoras.

Las cuatro paradas del tour en Atlanta han dejado un buen sabor de boca en los asistentes, pues la artista ha sorprendido con algunos cambios, reemplazando un coche en el que se subía durante la interpretación de su canción 16 Carriages por un caballo dorado. La decisión se debe a que, en uno de los conciertos anteriores, la cantante estuvo a punto de caerse cuando el coche se inclinó inesperadamente mientras estaba suspendido en el aire. Durante unas cuantas fechas la artista optó por suprimir el tema, pero ahora ha vuelto al setlist con esta modificación.

Si alguna vez te has preguntado qué música escucha un rey, ahora puedes descubrirlo gracias a la inesperada colaboración entre una plataforma musical y Carlos III del Reino Unido que ha dado pie a una playlist en la que ha desvelado sus canciones favoritas. Un especial vínculo con la música una vez más entre una monarquía que tiene una estrecha relación como se ha demostrado en varias ocasiones.

La playlist de Carlos III: Bob Marley, Beyoncé o Kyle Minogue

A través de la colaboración con Apple Music, Carlos III presentó una playlist en el que se da una selección con sus canciones favoritas, bajo el nombre de The King’s Music Room, con motivo de la celebración del Día de la Commonwealth, con una elección de artistas de diferentes países que la conforman de una forma “interesante e innovadora”, en palabras del propio monarca.

Y es que, para la presentación de la playlist, Carlos III grabó un pequeño podcast en el que da una pequeña introducción a la lista y hace un comentario sobre las canciones seleccionadas, así como cuenta algunas anécdotas de lo más curiosas como que su favorita es Upside Down de Diana Ross. 

Una de las primeras sorpresas la da ya al comienzo, con Could You Be Loved de Bob Marley and the Wailers, que aprovecha para hablar de la “energía maravillosa y contagiosa, y profunda sinceridad y preocupación por la comunidad” que tenía el artista jamaicano.

En la lista de canciones de Carlos III hay también espacio para artistas pop como son Kyle Minouge con su The Loco-Motion, que describe como “música para bailar con energía contagiosa con la que es difícil quedarse quieto”, y Beyoncé con su icónico éxito Crazy in Love. De la artista estadounidense destaca su excepcionalidad: “Simplemente no pude resistirme a incluir su música”.

Espacio para nuevos artistas en la lista musical de Carlos III

La playlist de Carlos III, que se puede escuchar en Apple Music, tiene también hueco para artistas emergentes como es el caso de Raye. La artista británica fue la gran triunfadora de los Brit Awards en 2024 con seis premios conseguidos entre ellos Mejor Artista del Año, Álbum por My 21st Century Blues y Canción del Año por Escapism, y en la selección del rey se opta por Love Me Again.

De ella, el monarca inglés afirma que “cualquiera que haya visto a Raye actuar en los Premios Grammy sabrá que es una gran embajadora de la música británica”, haciendo referencia directamente a que la cantante estuvo nominada en los Grammy como ‘Mejor artista’.

La playlist de Carlos III al completo

Este 10 de febrero, el rapero Kendrick Lamar, ganador de 17 premios Grammy, será el encargado de protagonizar el intermedio de la Superbowl de 2025 que disputan Philadelphia Eagles y Kansas City Chiefs por coronarse como el mejor equipo de fútbol américano al ganar el campeonato de la NFL. Una actuación de intermedio con historia de la música desde que en 1993 Michael Jackson fuera el primero que lo convirtiera en un espectáculo para atraer a milones de espectadores.

1993: Michael Jackson, el inicio del espectáculo 'halftime' de la Superbowl

Hoy en día cuesta entender la Superbowl, la final de la NFL, sin su famosa actuación de intermedio que reune a millones de espectadores de todo el mundo frente a la televisión, pero esto no siempre fue así, sino que cambió para siempre cuando en 1993 Michael Jackson decidió actuar por 15 minutos.

El éxito fue tal, 91 millones de personas viendo la actuación, que la organización cambió lo que era un desfile de bandas de música por espectáculos de los mejores artistas, y la icónica entrada en la que el rey del pop simulaba saltar desde dos pantallas de video quedó para siempre en la historia de la música y la Superbowl.

2004: la actuación de intermedio más polémica de la Superbowl

Michael Jackson no es el único de su familia que ha tenido protagonismo en la Superbowl, pues su hermana Janet también fue estrella de uno de los shows, pero recordado por una razón totalmente distinta, por la de la polémica. Y es que al finalizar su actuación junto a Justin Timberlake en 2004, uno de los pezones de la cantante quedó al descubierto, sin saberse todavía claro que fue exactamente lo que ocurrió, si fue planeado, o se debió a un “problema de vestuario” como alegó la artista.

Esto, sin embargo, cambió también lo que sería el futuro de las actuaciones, pues desde entonces llevan un retraso de dos segundos respecto al directo para poder controlar lo que llega a los espectadores y no ocurra algo similar a lo que sucedió con Janet Jackson.

Esta actuación no solo fue la más polémica, sino que además ha tenido especial relevancia en la historia reciente al ser lo que promovió que Jawed Karim creara Youtube, al buscar crear una plataforma de videos tras haberse perdido este momento en directo y no encontrar un lugar claro al que acudir para verlo.

2013: Beyoncé y la reunión 'imposible' de las Destiny's Child

Desde que Beyoncé lanzara su carrera en solitario, la pregunta era continua de cuando habría una reunión con las Destiny's Child, el grupo femenino con el que saltó a la fama. Ella negaba continuamente que esto fuera a suceder, pero eso que parecía imposible llegó a tener lugar durante su actuación en el 'halftime' de la Superbowl de 2013, donde no solo el volverla a ver cantar con Kelly Rowland y Michelle Williams fue uno de los grandes momentos sino también su número final de 'Halo'.

2015: Katy Perry, todo un récord de audiencia y de locura

Una de las actuaciones más recordadas es también la que supuso toda una locura en el escenario, la de Katy Perry en el año 2015. Hubo de todo junto a la artista, desde un ajedrez humano, una playa hasta un grupo de raperos, pero uno de los grandes momentos fue la aparición de Lenny Kravitz para interpretar 'I kissed a girl'. Una actuación que rompió récords de audiencia al alcanzar los 121 millones, solo superado en 2023 por Rihanna y en 2024 por Usher.

2017: Lady Gaga y la actuación más reivindicativa en política de la Superbowl

Tras la de Michael Jackson, una de las entradas más icónicas en una actuación de intermedio de la Superbowl la protagonizó Lady Gaga en 2017 cuando entró volando desde lo alto del estadio, en la que también es una de las que ha quedado como más reivindicativas a nivel político al aprovechar la cantante para dirigirse a los niños estadounidenses y denunciar las políticas migratorias de Donald Trump con un claro “es una tierra de libertad y justicia para todos” cuando interpretaba 'God Bless America'.

Los Grammy se han vuelto a rendir un año más ante la música creada por mujeres. La tendencia, que pone de manifiesto el peso y la influencia de las artistas femeninas en la actualidad, no solo marca un cambio de paradigma cada vez más evidente en una industria tradicionalmente dominada por hombres, sino también el camino reivindicativo al que quiere apuntar la Academia de la Grabación. Beyoncé, que buscaba rescatar y conmemorar las raíces afroamericanas de la música country con su ambicioso Cowboy Carter, ha sido la gran triunfadora de una noche que por fin le ha hecho justicia otorgándole su primer Grammy al Álbum del Año.

Las estatuillas logradas por la artista premian una obra que se sumerge en la olvidada herencia del country y que visibiliza a las personas negras que han contribuido a forjar la música popular de Estados Unidos. La cantante homenajea así a los pioneros negros de un género que siempre ha tendido a ser muy conservador, evidenciando que, detrás de la imagen estereotipada del cowboy, en realidad existieron numerosos artistas afroamericanos que fueron fundamentales en el desarrollo del country pese a haber sido sistemáticamente marginados. “A veces pienso que el género es algo que intenta encasillarnos como artistas”, ha alegado Beyoncé, animando “a la gente” a hacer “lo que les apasione”.

Estas victorias son especialmente significativas para Beyoncé después de que, en los Premios de la Asociación de Música Country celebrados en noviembre, la intérprete de Texas Hold 'Em no consiguiera ninguna nominación, ni por el disco ni tampoco por la canción, que se convirtió en la semana de su lanzamiento en el primer tema country de una artista negra que logra el número 1 en Estados Unidos. La Academia de la Grabación, sin embargo, sí opta por seguir encumbrando la música femenina. En los 67 años de celebración de estos premios, los dos hitos más grandes de su historia los ostentan las dos mujeres de mayor impacto de este siglo: Taylor Swift, única persona con cuatro premios Grammy al mejor disco del año, el galardón más codiciado por cualquier artista; y Beyoncé, persona con más premios Grammy en general, alcanzando ya la cifra de 35.

Es por eso que, en una gala en la que todos los focos apuntaban hacia las mujeres, el momento más emocionante de la noche fue el saludo protagonizado entre Taylor Swift y Beyoncé, encima del escenario y frente a toda la industria musical. Un gesto que representa la sororidad femenina en tiempos en los que son ellas las protagonistas. Swift, que ya ganó el Grammy al Mejor Álbum Country por su brillante Fearless en 2010, ha sido la encargada de presentar este año una categoría que ha acabado ganando Beyoncé, otorgándole así la estatuilla y dejando una impresionante fotografía que queda para la posteridad.

Las categorías de canción, no obstante, han sido controladas en esta edición por Kendrick Lamar. El cantante ha triunfado con Not Like Us, su respuesta a los raperos de la industria y especialmente a Drake, y se ha hecho con el Grammy a la Canción del Año y el Grammy a la Grabación del Año. Hasta cinco gramófonos ha ganado la canción a lo largo de la noche. El rapero ha dedicado sus victorias a Los Ángeles, que se han visto beneficiados por la división del voto pop entre las otras candidatas nominadas.

La ceremonia ha tenido muy presentes a los damnificados por la catástrofe forestal en Los Ángeles, de ahí a que se abriera con una alegre versión de I Love LA de Randy Newman, a manos de John Legend, Sheryl Crow, Brad Paisley, Brittany Howard y St. Vincent. Ellos, junto a Stevie Wonder o Chris Martin de Coldplay, han sido algunos de los artistas que se han subido al escenario para una actuación que sirviera de homenaje y ayudara a recaudar fondos.

Lady Gaga y Bruno Mars, que han ganado el Grammy a la Mejor Canción en Dúo por su Die With A Smile, han formado parte del homenaje interpretando California Dreamin. Los fondos recaudados durante la emisión se destinarán a proporcionar ayuda de emergencia, suministros esenciales y apoyo para la recuperación a largo plazo de los afectados por los incendios. Gaga también ha aprovechado su victoria para lanzar un alegato a favor de las personas trans: “No son invisibles y merecen ser amadas”.

Asimismo, la ceremonia también ha rendido tributo a Quincy Jones, el legendario productor de Thriller fallecido el pasado mes de noviembre. Will Smith, que ha hecho su primera aparición en una importante entrega de premios televisada después de sus fatídicos Oscar de 2022, ha sido el encargado de presentar una actuación que ha destacado por la bonita voz de Cynthia Erivo, acompañada de Herbie Hancock, interpretando Fly Me to the Moon.

Mucho se ha hablado sobre la rivalidad de Chappell Roan y Sabrina Carpenter en la categoría de Mejor Artista Nuevo. Ambas partían como favoritas tras haber liderado durante el 2024 la transformación de la escena pop que están llevando a cabo mujeres jóvenes como Gracie Abrams, Tate McRae o Madison Beer, y ninguna de las dos se ha ido a casa con las manos vacías.

El galardón que honra a la artista revelación finalmente se lo ha adjudicado Chappell Roan, quien viene de tener muchísimo éxito por su álbum debut The Rise and Fall of a Midwest Princess. La princesa de la Generación Z ha llevado a lo más alto canciones como Good Luck, Babe!, Hot To Go! y Pink Pony Club. Con una temática de circo y subida a un caballo rosa, Roan ha interpretado esta última en una de las actuaciones más coloridas de la velada. “Las discográficas tienen que tratar a sus artistas como empleados valiosos, con un salario digno, seguro médico y protección. Sellos discográficos, os tenemos a vosotros pero, ¿nos tenéis a nosotros?”, ha denunciado la cantante al aceptar el Grammy.

Por otro lado, Sabrina Carpenter, que empezó a dar el pelotazo desde que a finales de 2023 se convirtiera en telonera del The Eras Tour de Taylor Swift, y que terminó de explotar con el lanzamiento de Espresso a inicios de 2024, ha acabado la noche con tres Grammys, destacando los de Álbum Pop del Año y Canción Pop del Año. La artista presentó su trabajo con una actuación irónica y divertida interpretando Espresso y Please Please Please.

Otra de las actuaciones más destacadas de la ceremonia ha sido una que precisamente no estaba anunciada. “A lo largo de los años hemos escuchado, actuado y cambiado”, decía Harvey Jay Mason Jr., presidente de la Academia de la Grabación, para anunciar que The Weeknd se ha reconciliado con los Grammy. Tras sus acusaciones de “fraudulencia”, el cantante vuelve a confiar en estos premios y aprovecha para presentar su tema Timeless, perteneciente a su nuevo disco.

Una de las veteranas que se ha subido al escenario ha sido Shakira, quien ha actuado en la ceremonia 18 años después de hacerlo con su clásico Hips Don't Lie junto a Jean Threw. Esta vez ha interpretado su famosa colaboración con Bizarrap. La colombiana, que ha acudido a la gala acompañada de sus hijos, ha celebrado su cumpleaños con la victoria en la categoría de Mejor Álbum Pop Latino por Las mujeres ya no lloran. “Quiero dedicar este premio a mis hermanos y hermanas inmigrantes en este país. Sois amados y siempre lucharé por vosotros”, ha alegado Shakira al aceptar el galardón. Se trata del cuarto gramófono de su trayectoria musical.

Hacia el final de la velada ha tenido lugar la aceptación de Alicia Keys del Grammy honorífico al Impacto Global, por un “arte sin límites”, un “activismo que inspira cambios significativos” y una “influencia que ha moldeado profundamente la cultura”. “Cuando las fuerzas destructivas intenten tumbarnos, sigamos luchando. La música es un idioma imparable que nos conecta a todos Sigamos viviendo con pasión, con empatía y manteniendo las puertas abiertas”, ha declarado la artista.

Consulta la lista completa de ganadores de los Premios Grammy 2025.

Faltan apenas unas horas para que llegue una de las noches más importantes de la música. Este domingo 2 de febrero se celebra en el Crypto.com Arena de California la 67ª edición de los premios Grammy, donde la Academia que reúne diferentes agentes del mercado de la música grabada elegirá a los que considera mejores artistas del último año. Lo hará, además, bajo el contexto de los incendios que están sacudiendo Los Ángeles, lo que llevará a los Grammy a ir más allá de su brillo y glamur habituales para enfocarse también en recaudar fondos que ayuden a los afectados de la catástrofe forestal.

La ceremonia, conducida por el humorista Trevor Noah por quinto año consecutivo, contará con la presencia de las mayores estrellas de la industria musical, destacando Taylor Swift, Beyoncé y hasta los Beatles. La artista más nominada de la velada, Beyoncé, opta a 11 estatuillas por su álbum country Cowboy Carter, mientras que Taylor Swift parte con seis nominaciones tras su exitoso trabajo The Tortured Poets Department. Otros de los grandes favoritos son Charli XCX, Billie Eilish, Kendrick Lamar, Post Malone, Sabrina Carpenter y Chappell Roan.

La Academia de la Grabación también prepara un homenaje a la vida y legado de Quincy Jones, el legendario productor de Thriller, que falleció a los 91 años el pasado mes de noviembre. A este se le sumará un tributo musical en honor a la ciudad de Los Ángeles y el segmento anual In Memoriam. Entre los cantantes que participarán se encuentran Stevie Wonder, John Legend, Cynthia Erivo, Jacob Collier, Chris Martin de Coldplay y St. Vicent.

Actuaciones confirmadas

El escenario de los Grammy será testigo de actuaciones de artistas revelación. Benson Boone, Sabrina Carpenter, RAYE, Chappell Roan y Teddy Swims, nominados a Mejor Nuevo Artista, se encargarán de dar espectáculo. Lo harán junto a veteranas de la industria como Shakira y cantantes con experiencia en ganar Grammys como Billie Eilish, que también interpretarán algunas de sus canciones más destacadas del año. Charli XCX promete un número muy BRAT (como su último disco, un emblema de 2024) y Doechii protagonizará una actuación de mucho rap.

Por otro lado, Lady Gaga y Bruno Mars también se subirán al escenario para rendir un especial tributo a Los Ángeles y a los afectados por los incendios forestales. Ambos están nominados a las principales categorías por su tema Die With A Smile, una de las colaboraciones más escuchadas de los últimos meses que muy probablemente se llevará la estatuilla a la Mejor Canción Pop en Dúo.

Las mujeres son las favoritas

El premio más codiciado de la industria, el Grammy a Álbum del Año, se lo disputan en esta ocasión Andre por New Blue Sun, Beyoncé por Cowboy Carter, Sabrina Carpenter por Short n' Sweet, Charli XCX por Brat, Jacob Collier por Djesse Vol. 4, Billie Eilish por Hit Me Hard And Soft, Chappell Roan por The Rise And Fall Of A Midwest Princess y Taylor Swift por The Tortured Poets Department.

A estas alturas, sorprende que Beyoncé, la persona más laureada de los Grammy, aún no se haya hecho con el premio más importante. ¿Logrará por fin el gramófono gracias a un disco country? Es una de las grandes favoritas, pero comparte categoría con Taylor Swift, quien ha ganado cuatro veces dicho galardón, un récord histórico. Sin embargo, parece poco probable que la Academia vaya a darle el quinto tan pronto, después de haber ganado el cuarto justo el año pasado.

El Grammy también podría ir a parar a Sabrina Carpenter o Chappell Roan, artistas revelación que llegan a la industria y dejan un impacto importante durante su año de mayor éxito. Ambas son favoritas en las categorías de canción por sus hits Espresso y Good Luck, Babe! respectivamente. No obstante, las quinielas también apuntan directamente a Charli XCX por el fenómeno Brat y a Billie Eilish por su tercer trabajo discográfico.

Dónde y a qué hora ver los Grammys

Los Grammy se celebrarán durante la madrugada del domingo al lunes atendiendo a la hora española. El show previo, donde se anunciarán gran parte de las categorías, comenzará a partir de las 22:00 y durará hasta las 00:00, cuando dará comienzo la alfombra roja. Se podrá ver en abierto en el canal de YouTube de la Academia de la Grabación. Una vez que los protagonistas de la noche hayan desfilado, la ceremonia comenzará a las 02:00 y tendrá una duración aproximada de tres horas y media. Se podrá ver en televisión a través de Movistar Plus+.

Asimismo, la gala también podrá seguirse en directo a través de las redes sociales de elDiario.es Cultura, donde se realizará una completa cobertura del evento, desde el show previo y la alfombra roja hasta el fin de la ceremonia principal. Puedes seguirnos tanto en X (Twitter) como en Bluesky para estar al tanto de todas las novedades, así como del anuncio de los ganadores minuto a minuto.

A lomos de un caballo blanco y vestida de vaquera, Beyoncé se ha presentado en el descanso del partido de Navidad de la NFL para ofrecer un espectáculo con sabor a Super Bowl. Desde que Netflix anunciara que emitiría por primera vez en directo los encuentros de fútbol americano del 25 de diciembre, que esta vez disputaban Texans-Ravens y Steelers-Chiefs, los ojos estaban puestos sobre la artista, encargada de una actuación del mediotiempo que solo es usual en la final de la competación. Las expectativas las ha superado con éxito.

“Es justo que hagamos Texas Hold 'Em por primera vez en Texas en Navidad”, proclamó Beyoncé cerca del final de su pequeño concierto para las más de 70.000 personas reunidas en el Estadio NRG para el Texans-Ravens. Alejándose de la costumbre que reina sobre la actuación de la Super Bowl, en la que el artista homenajea su catálogo musical cantando sus mayores hits, Beyoncé se enfocó exclusivamente en su último disco, Cowboy Carter, para interpretar por primera vez los temas más aclamados de su trabajo country.

La artista empezó su actuación con la canción promocional 16 Carrieges, a la que continuó con Blackbiird acompañada de Brittney Spencer, Reyna Roberts, Tanner Adell y Tiera Kennedy. Ellas no serían las únicas invitadas del show. Justo después de cantar Ya Ya y colar el tema My House del disco Renaissance, la artista sacó al campo a Shaboozey para Sweet ★ Honey ★ Buckiin' y a Post Malone para su Levii's Jeans. Beyoncé también se atrevió con su versión de Jolene y cerró con el hit Texas Hold 'Em.

La de Houston elige su ciudad natal para hacer el debut de su álbum country en lo que a actuaciones se refiere. El disco, que ha triunfado más en la conversación mediática que en ventas, se encuentra en plena campaña de los Grammy, optando a un total de 11 gramófonos. Sin embargo, el que más ansía la cantante es el Grammy al álbum del año, un reconocimiento que se le ha resistido pese a ser la persona más premiada por la Academia de la Grabación. Este espectáculo servirá para volver a poner la obra en el candelero de cara a la gala del próximo 2 de febrero.

Por otro lado, la actuación para el partido navideño de la NFL ha logrado dominar las redes sociales y dar muchísima publicidad a Netflix, que ha pagado hasta 150 millones de dólares por retransmitir ambos partidos, lo que puede convertir esta actuación en algo recurrente año tras año. Mientras que hasta ahora lo normal era un show en el mediotiempo de la Super Bowl, esto podría popularizar una nueva y segunda actuación por Navidad, posibilitando que artistas consagrados que ya han hecho la Super Bowl, como es el caso de Beyoncé, puedan repetir en este nuevo espacio.

Mariah Carey inauguró la retransmisión

La primera retransmisión de la NFL por Netflix en la historia de la televisión, emitiéndose en más de 190 países y en cinco idiomas, la inauguró Mariah Carey justo antes del encuentro Steelers-Chiefs. Lo hizo con su clásico villancico All I Want for Christmas Is You, que ha pasado a ser un hit que domina las listas de éxitos cada vez que llega esta época del año.

Netflix, que tiene un contrato de tres años con la NFL, busca sacar partido al fútbol y a la música. Es por ello que la plataforma ha anunciado que está preparando un especial con la actuación de Beyoncé para que cualquier espectador pueda volver a verla. Se desconoce si serán solo los quince minutos de la artista sobre el campo o si también habrá imágenes inéditas de los ensayos y la preparación del espectáculo, pero lo que sí parece estar claro es que estamos ante el inicio de una nueva tradición navideña.

Todo está listo para que en la noche del domingo se celebre, en el pabellón Co-op Live de Manchester (Reino Unido), la gala de los premios MTV Europe Music Awards. Se trata de la 30ª edición de estos galardones organizados por la mítica cadena televisiva musical.

Tras la cancelación de la edición del año pasado por la masacre de Gaza, que debía celebrarse en París, la ceremonia de los EMA da un salto al Reino Unido y tendrá lugar en Manchester. Estará presentada por la cantante, actriz, compositora y modelo británica de origen albanokosovar Rita Ora, que repetirá un nuevo año, hasta completar tres galas como conductora del evento.

La artista ya había presentado anteriormente en Londres en 2017 y en Düsseldorf en 2022, la última edición celebrada. Se trata de un caso único en la historia de estos premios. El último trabajo de Ora, You & I, de 2023, alcanzó en pocas horas el primer puesto de la lista británica Official Independent Albums Chart.

Sin duda tuvo mucho que ver en ello el tema producido por Fatboy Slim y llamado Praising You, que consiguió posicionarse como número uno de las listas estadounidenes Dance Radio y Dance Radio/Mixshow Chart, de Billboard, durante cinco semanas consecutivas. La canción cuenta con 76 millones de reproducciones en Spotify, seguida de You only love me, que contabiliza 67,5 millones de reproducciones. Aunque ambas canciones están lejos de su mayor éxito de audiencia, Let you love me, con más de 540 millones de reproducciones.

A qué hora será la gala MTV EMA 2024

En el apartado de actuaciones en directo, cabe contar con estrellas de gan trayectoria como Pet Shop Boys –que estrenarán la recién creada categoria MTV EMA Pop Pioneers como históricos primeros galardonados– y el rapero Busta Rhymes, que ofrecerá un repertorio con el que no solo interpretará sus mayores éxitos –como Don't Cha o I know what you want–, sino que también será homenajeado con el Global Icon Award.

Entre los artistas emergentes que participarán cabe destacar al joven compositor mexicano de corridos tumbados Peso Pluma. Junto a este también actuarán la sudafricana Tyla, el grupo femenino surcoreano de K-pop LE SSERAFIM, el cantautor estadounidense Benson Boone, la cantante angloganesa RAYE, el canadiense Shawn Mendes, la estrella del R&B Teddy Swims y las rockeras mexicanas The Warning.

El evento tendrá lugar en el pabellón Co-op Live de Manchester y dará comienzo a las 21:00 horas del domingo 10 de noviembre, prolongándose durante tres horas de actuaciones y entrega de premios hasta aproximadamente la media noche.

Dónde ver los MTV EMA 2024

La gala de este año se podrá ver tanto en MTV España como en Comedy Central y Paramount Network. De forma gratuita la gala estará disponible en Pluto TV, la plataforma de entretenimiento en el hogar que tiene libre acceso sin registro.

Quiénes son los nominados a los MTV EMA 2024

La lista de nominaciones es amplia, y destaca la todopoderosa Taylor Swift, que se descuelga con seis nominaciones y es por segundo año la que más candidaturas acumula: Mejor artista, Mejor directo, Mejor colaboracion, Mejor canción pop, Mejor club de fans y Mejor vídeo. La sigue Billie Eilish, nominada a Mejor artista, Mejor colaboracion, Mejor canción pop, Mejor club de fans y Mejor canción.

Ariana Grande las sigue a ambas con nominaciones a Mejor canción pop, Mejor canción, Mejor club de fans y Mejor vídeo. También Sabrina Carpenter opta a cuatro premios: Mejor artista, Mejor canción, Mejor canción pop, Mejor club de fans. La sigue Beyoncé con tres nominaciones –Mejor canción, Mejor club de fans y Mejor artista– y Charli XCX, nominada a Mejor colaboracion, precisamente por un tema junto a Billie Eilish, y Mejor club de fans.

Este año también se suman 19 nuevos artistas nominados por primera vez en una gala eminentemente dominada por las mujeres: Kehlani, Tinashe, Disclosure, Fred Again, Fontaines D.C., The Last Dinner Party, Jimin de BTS, Flyana Boss, Laufey, Shaboozey, The Warning, Victoria Monét, LE SSERAFIM, Teddy Swims.

En cuanto al apartado de Mejor colaboración, cuenta con varias ilustres en disputa. A la cita de Charli XCX y Billie Eilish hay que agregar la de Lady Gaga con Bruno Mars. También la de los raperos Future y Metro Boomin con Kendrick Lamar, y por supuesto la de la tailandesa LISA y la española Rosalía. Todos ellos competirán con la colaboración del ya citado Peso Pluma con la brasileña Anitta.

Y por supuesto con la gran favorita, Taylor Swift, que ha colaborado con el rapero neoyorkino Post Malone en el tema Fortnight. Y finalmente en la categoria de Mejor Artista Español competirán Ana Mena, Belén Aguilera, Dani Fernández, Lola Indigo y Mikel Izal.

Me pasa algo curioso con las guerras culturales de los gringos. Por un lado, hace años que vengo viendo que casi todas ellas, hasta las más absurdas y aparentemente geolocalizadas que tienen, terminan siendo importadas en versión La Saladita al mercado de la juventud neoconservadora patria. Entiendo, entonces, que hablar de lo que está pasando en la tuitósfera norteamericana es siempre, en alguna medida, estar hablando de política, incluso de la política que sucede a la vuelta de mi casa. Pero, por otro lado, como los nombres propios son otros, el idioma también otro y al menos están hablando de cosas que no son la inflación y la pobreza, me funcionan también como una suerte de evasión de la realidad. Me divierte discutir una nota de una chica de Boston o un video viral de Misuri como si yo realmente no tuviera problemas graves. Me da profundo placer analizarlos con pasión: el mismo efecto que produce consumir una ficción escapista, pero con un mundo de verdad. Te indignas pero un poco de broma, como se odia a la mala de una telenovela.

Esta semana, entonces, me zambullí en dos episodios de esos. El primero fue el debate que se produjo en torno a un artículo de The Cut, en el que la autora defiende desde una perspectiva supuestamente empoderada las ventajas de casarse con hombres mayores. El artículo, además de estar escrito con muy poca gracia, tiene muchos puntos ridículos: quizás el más absurdo de todos sea que, en la mitad del texto, te enteras de que ese hombre mayor que sabe de vinos y de viajes y de manejar dinero tenía treinta años cuando la autora se casó con él, apenas diez más que ella (lo que en una sociedad menos puritana y obsesionada con los números que la norteamericana sería básicamente un noviazgo normal). O también podría ser el hecho de que es bastante evidente, en el relato de esta muchacha, que lo importante de ese marido que consiguió es que tiene mucho dinero y no los años que tenga.

En cualquier caso, si un texto promoviendo algo que durante muchísimo tiempo fue una parte bastante anodina del sentido común (los hombres maduran más tarde que las mujeres; es bueno tener al lado un hombre mayor que te protege y te guía; no hay nada particularmente valioso en una pareja igualitaria) es porque estamos viviendo un momento cultural en el que cierta juventud está intentando reivindicar lo que entienden por “valores tradicionales” (que siempre es un recorte un poco arbitrario y sesgado por el lenguaje conceptual de la actualidad: estoy bastante segura de que a mi madre no le hubiera gustado que yo hablara de casarme con un rico en los términos en que lo reivindica esta chica, con una retórica más parecida a la de la reivindicación de la prostitución VIP que a los valores religiosos en los que ella se educó) desde un marco que no tiene nada que ver con la tradición: el del cálculo racional, por un lado, y el del valor absoluto e incuestionable de la decisión individual, por el otro.

Lo importante es mostrar que vos sos la dueña de la narrativa: vos elegís que te vigilen. No elegís, tal vez, que tu marido tenga una amante, pero al menos podés elegir que hacés con eso

Cuando los chicos de la manosfera (esa parte de Internet en la que unos jovencitos hipertrofiados y depilados te dicen cómo llevar adelante todos los aspectos de tu vida, desde tu cartera de inversiones hasta la cantidad de sexo que deberías tener) te hablan de las mujeres de alto valor, o cuando las supuestas nuevas tradwives (“esposas tradicionales”) te enumeran las ventajas de que sus maridos las mantengan y vigilen parecen olvidar que no hay nada menos tradicional que estar midiendo a la gente todo el tiempo: que las cosas se hacían así porque se hacían así, y que cualquier habitante de los años cincuenta se hubiera visto sumamente confundido (si no directamente horrorizado) por una aproximación así de racionalizada y económica hacia el matrimonio, la amistad o la familia.

En el caso de los relatos orientados a mujeres, lo central es blindarse a cualquier crítica posible apoyándose en una suerte de dogma incuestionable: toda elección individual de una mujer es de por sí feminista, empoderada y emancipadora. Es imposible, parecen creer estas chicas, que las decisiones individuales de las mujeres las conduzcan a estar más oprimidas y no menos. Anuladas quedan, entonces, miles de páginas escritas sobre mujeres que buscan y permanecen en relaciones desiguales o violentas, mujeres que emprenden dietas insalubres o tratamientos de belleza agresivos. Todos los conceptos del psicoanálisis que explican por qué las personas podemos perfectamente elegir situaciones que nos perjudican, todo el aparato conceptual marxista de la falsa conciencia, el concepto sartreano de la mala fe, las mil formas de explicar que perfectamente podemos y debemos criticar los resultados de nuestras decisiones. No hay discusión posible contra algo tan sencillo de entender como la soberanía absoluta de la elección individual. Entiendo que las hipótesis simples, las que no solamente se comprenden fácil sino que son además fáciles de aplicar a cualquier parte de la vida, son muy difíciles de discutir, pero casi cualquier persona con una mínima sensibilidad y una mínima experiencia en el mundo sabe que los mecanismos humanos son más complejos y oscuros que, sencillamente, “hacer lo que uno quiere”.  

Pocos días después del texto sobre los hombres mayores llegó a mis manos cibernéticas la reversión de “Jolene” que hizo Beyoncé. “Jolene” es un clásico de Dolly Parton, en el que el yo poético de la letra es una chica que le canta a otra chica, aparentemente preciosa, que está tratando de robarle el novio. Lo genial de la canción original es el tono: Dolly parece mitad enamorada de la chica (“Tu belleza no se puede comparar / con mechones brillantes de pelo castaño / piel de marfil y ojos verde esmeralda / tu sonrisa es como el aliento de la primavera / tu voz es suave como una lluvia de verano / y no puedo competir contigo, Jolene”) y mitad fascinada con el enamoramiento de su novio por ella, angustiada por la posibilidad de perderlo y, también, resignada a lo inevitable. Le pide a Jolene por favor que no se lo quite, se lo ruega. Lo que hizo Beyoncé con la canción es francamente terrible: lo que antes era un ruego se vuelve una amenaza (“te suplico que no te lleves a mi hombre” se convierte en “te advierto que no te lleves a mi hombre”), lo que era erotismo y ambigüedad se vuelve moralina sobre separar a un hombre de su familia.

Una se pregunta cómo puede ser que la versión 2024 de “Jolene” sea más pacata y binaria que la de 1973, pero yo lo entiendo, lo entiendo igual que puedo entender que la chica del ensayo de The Cut escribe un texto que en los 70 hubiera sido considerado antifeminista por las jóvenes y de pésimo gusto por las mujeres mayores. Lo que Beyoncé no tolera de “Jolene” es que quien habla en la canción sea una loser. Lo importante, en un caso como en el otro, es decir que una lo elige todo, incluso en las situaciones desiguales, incluso cuando tu marido elige todo lo que hay en tu casa, la ropa que usas, el idioma que hablas, incluso cuando te engaña con otra mujer. Lo importante es mostrar que tú eres la dueña de la narrativa: tú eliges que te vigilen. No eliges, tal vez, que tu marido tenga una amante, pero al menos puedes elegir qué haces con eso, porque ese es el único dogma inquebrantable de esta época, la época en que lo único tabú es ser un perdedor o dejarse llevar por algo. Y es curioso, porque en esto están igual las empoderadas y las tradwives, en esto son lo mismo, porque en el fondo ambas son masculinistas, ambas responden a la misma moral del presidente que no puede soportar que lo vean manso y con papada: su único tabú verdadero es la vulnerabilidad. 

Beyoncé se ha coronado esta noche como la artista con más Grammy de la historia al hacerse con cuatro gramófonos y sumar ya 34, en una edición que ha consagrado al británico Harry Styles, ganador del premio al álbum del año por Harry's House.

Styles ha recogido impactado el premio más importante de una noche en la que hubo otras sorpresas como la de cantautora de blues y rock Bonnie Raitt, de 73 años, que ha ganado en el apartado de canción del año. También la joven intérprete de jazz Samara Joy, que ha sido elegida como mejor nueva artista por la Academia de la Grabación de Estados Unidos.

La cantante de música urbana Lizzo ha salido victoriosa en la categoría de grabación del año por About Damn Time. Lizzo ha aprovechado para enviarle un cariñoso mensaje a la propia Beyoncé: “Cambiaste mi vida, te quiero y que Dios te Bendiga”.

Beyoncé ha batido el récord que hasta ahora ostentaba el director húngaro Georg Solti, con 31 premios Grammy. La artista estadounidense ha añadido cuatro nuevos galardones a los 28 con los que ya contaba.

La cantante estaba nominada en nueve apartados, pero sus triunfos llegaron en las categorías de mejor canción de R&B; mejor interpretación tradicional de este mismo género; mejor álbum de dance o electrónica por Renaissance; y mejor grabación también de dance o electrónica de la mano de 'Breaky My Soul'.

“Estoy tratando de no emocionarme”, ha asegurado Beyoncé poco después de hacer historia en la música. “Gracias a Dios por cuidarme. A mi tía que ya no está conmigo. A mis padres, por quererme y animarme. A mi bello marido y a mis tres hijos. Por supuesto, también a la comunidad queer por apoyarme tanto”.

La noche de Beyoncé se ha visto parcialmente empañada por el triunfo de Harry's House, el álbum con el que Harry Styles se ha hecho con los premios más reputados de la industria musical a nivel internacional. Además de ser uno de los discos más reproducidos de 2022 en todas las plataformas.

Beyoncé tampoco pudo hacerse con el gramófono a mejor canción del año. Ha sido el 'Just Like That' de Bonnie Raitt (hija de la estrella de musicales de Broadway John Raitt y de la pianista Marge Gooddard) la que se ha llevado el galardón.

“Estoy totalmente sorprendida”, ha explicado Raitt poco después de recoger el permio. “Es una canción sobre curación y cómo afectó psicológicamente la pandemia a muchas personas”.

Motomami, de Rosalía, se ha alzado con el Grammy a mejor álbum latino alternativo, Rubén Blades ha conseguido con Pasieros el premio al mejor disco de pop latino y Marc Anthony ha coronado a Pa'lla Voy como mejor álbum latino tropical.

La cantante española Rosalía ha conseguido que Motomami superase a su principal competidor, Tinta y Tiempo de Jorge Drexler, y ha sumado su segundo gramófono tras haber triunfado en la misma categoría por El Mal Querer en 2020.

La mayor decepción de esta edición ha sido para Adele. La cantante británica competía por siete candidaturas y solo ha sido galardonada con e gramófono a mejor interpretación en solitario de pop por 'Easy On Me'.

La 65ª entrega de los Grammy también ha hecho historia al ser la primera vez que un disco íntegramente en español, Un verano sin ti de Bad Bunny, se ha colado en la categoría de álbum del año. Y aunque el puertorriqueño no ha logrado ganar este galardón, sí se ha llevado el Grammy al mejor álbum de música urbana.

La ceremonia tuvo otro de sus momentos álgidos cuando se conmemoraron cinco décadas de historia del rap con un premio honorífico al icono Dr. Dre. También con actuaciones muy aplaudidas de exponentes como Lil Wayne, Future o Lil Baby.

Un género en el que Kendrick Lamar ha arrasado con tres premios en las categorías de mejor álbum gracias a Mr. Morale & the Big Steppers; mejor canción de rap con 'The Heart Part 5'; y mejor interpretación melódica de rap por 'Die Hard'.

En esta edición la Academia de la Grabación de EEUU ha reforzado su imagen de defensa de los derechos humanos y de las libertades de las mujeres con un galardón dedicado al cambio social.

La primera dama de Estados Unidos, Jill Biden, ha sido la encargada de anunciar este reconocimiento, que ha sido para el cantante iraní Shervin Hajipour, autor de canciones que sirvieron de banda sonora para las protestas en el país persa después de la muerte de la joven Mahsa Amini.

La cantante norteamericana Beyoncé ofrecerá un concierto en el Estadio Olímpico Lluis Companys de Barcelona el próximo 8 de junio, según ha anunciado la página web de la artista, que ha dado a conocer las fechas de su Renaissance World Tour para este año 2023.

Con esta gira, Beyoncé recorrerá escenarios de Europa, Canadá y EEUU para presentar su último disco, Renaissance, y hará su única parada en España en la capital catalana.

En estos conciertos interpretará principalmente los temas de Renaissance, un álbum centrado en la música de baile y que incluye éxitos como Cuff it y Break my soul.

La gira de la también conocida como Queen B comenzará el 10 de mayo en Estocolmo (Suecia) y terminará el 27 de septiembre en Nueva Orleans (EEUU).

En Europa, después del primer concierto en Estocolmo la intérprete de Halo actuará en Bruselas, Cardiff, Edimburgo, Sunderland, París, Londres (tres conciertos), Lyon, Barcelona, Marsella, Colonia, Ámsterdam (dos conciertos), Hamburgo, Fráncfort y Varsovia.

Posteriormente, saltará a América del Norte, donde ofrecerá una treintena de conciertos, el primero de ellos el 8 de julio en Toronto (Canadá).

Beyoncé ya actuó en el Estadio Olímpico de Barcelona en agosto de 2016 para presentar su disco Lemonade, y en julio de 2018, en esa ocasión junto a su marido, Jay-Z, dentro de la gira On The Run II.

Los días se viven mejor cuando suenan. La música les añade capas de sentimientos, verdad y ánimo. También suma una dimensión con altísimo potencial de aunar recuerdos con melodías, de encapsular en forma de letras y acordes las vivencias para la posteridad. Por ello, aquello a lo que cada persona presta sus oídos cada año se erige como su irrepetible banda sonora. Pero no todo se reduce a la reproducción de discos. Están los visionados de videoclips, los conciertos y los festivales llamados a ampliar su poder, significado y disfrute.

2022 ha sido una añada fértil en todos los planos y ha conseguido que, por fin, el pasado sea el tiempo verbal más usado al unir pandemia y música en una misma frase. Algo en lo que artistas como Rosalía, Bad Bunny, Beyoncé, Taylor Swift, Harry Styles, Arcade Fire y Kendrick Lamar, Stromae, Rammstein y Arctic Monkeys han tenido mucho que ver.

Un 2022 de nombres propios

Uno de los lanzamientos más esperados y destacados de 2022 llegó en marzo de la mano de Rosalía: Motomami. Un álbum, ganador del Latin Grammy, vertebrado por la fama, el sexo y las referencias familiares. Dieciséis temas en los que la catalana dinamitó todos los estilos musicales y preceptos para experimentar con la producción. A finales de julio regaló, con permiso de la sesión de Quevedo y Bizarrap con su repetidísimo Quédate, el éxito del verano: Despechá.

La artista volvió a los escenarios en el Motomami Tour, que en un primer momento sorprendió con la omnipresencia de sus cámaras en sus directos, puesta en escena por la que también ha apostado C. Tangana en su potente gira El madrileño. Rosalía volverá a actuar en España el año que viene, donde ya ha sido confirmada para el Primavera Sound junto a Kendrick Lamar, una de las grandes figuras de 2022 gracias a su elepé Mr. Morale & The Big Steppers.

Bad Bunny ha sido otro de los nombres propios. El puertorriqueño se ha alzado por tercer año consecutivo como el artista más escuchado del mundo en Spotify. Un puesto para el que ha sido determinante su disco Un verano sin ti. Con él ha hecho historia convirtiéndose en el primer cantante nominado tanto para el Latin Grammy como para el Grammy original, aunque no se llevó ninguno de los dos. Hits como Titi me preguntó y Me porto bonito han reinado en las noches de fiesta de todo el planeta.

El cantante despidió la semana pasada su World Hottest Tour en Ciudad de México, donde reivindicó, una vez más, sus raíces. “Estoy orgulloso de ser de donde soy, de ser latino, cantar en español y llevar mi cultura al mundo entero”, explicó. Eso sí, se inicia el periodo de echar de menos a Benito, ya que anunció que va a tomarse un descanso el próximo año. “2023 es para mí, para mi salud física, mi salud emocional, respirar y disfrutar de los logros”, argumentó.

El pop ha vivido un momento dulce con lo nuevo de Harry Styles, que además ha debutado como actor –con polémica incluida– en la película No te preocupes, querida de Olivia Wilde. Su tercer álbum, Harry's House, el más íntimo que ha lanzado hasta la fecha, se ha colado en todas las listas de éxitos. En la misma línea se ha situado Taylor Swift y sus Midnights. La estadounidense propuso con él un viaje nocturno plagado de reflexiones en voz alta sobre temas que consiguieron quitarle el sueño, desde su imagen pública a su vida sentimental. Otra gran diva, Beyoncé, ha propuesto un renacimiento de la música disco con su ambicioso Act I: Renaissance. La artista fusionó sonidos actuales con melodías clásicas de las décadas doradas de la música de baile.

Aunque empañado de controversia, We de Arcade Fire ha sido otro de los elepés más aplaudidos del año. Un reportaje publicado a finales de agosto contó con el testimonio de cuatro personas que denunciaron haber sufrido acoso sexual entre 2016 y 2020 por parte de Win Butler, líder del grupo. Él, por su parte, defendió en un comunicado que sus encuentros habían sido “consensuados”. Feist, que iba a ser su telonera, decidió abandonar la gira. Aun así, han abarrotado igualmente estadios, incluido el WiZink Center de Madrid.

La banda de rock Rammstein ha aportado Zeit y Stromae, Multitude, con la salud mental como protagonista. Autofiction de Suede, Once Twice Melody de Beach House, The Dream de Alt-J y The Car de Arctic Monkeys se suman a la lista de los álbumes más destacados.

También ha sido el año de Bizarrap, cuyo estudio se ha convertido en el epicentro de la música urbana. Por el estudio del argentino han pasado y generado hits, entre una extensa lista de nombres, Duki, Villano Antillano, Tiago, Paulo Londra, Nathy Peluso, Residente, Anuel AA, Ptazeta, Snow Tha Product y Quevedo. Fruto de su sesión con el canario nació la citada Quédate, que actualmente acumula más de 800 millones de reproducciones en Spotify y 390 millones en YouTube. El artista ha revolucionado el panorama musical mundial con su voz ronca y se ha alzado como el español que más tiempo ha liderado la lista de Spotify Global. Su éxito ha sido a su vez una constatación de que la música urbana made in Canarias está marcando la agenda de la música emergente en este género.

El adiós a los escenarios de Serrat

2022 ha sido un año de bienvenida a nuevos artistas, regresos como el de Rihanna tras seis años de parón y adioses. Entre ellos, el más sonado es el de Joan Manuel Serrat. El cantautor arrancó su última gira el pasado mes de abril en Nueva York. “He decidido despedirme en persona. No me gustó sentirme despedido por una plaga”, explicó.

La parada definitiva será Barcelona el próximo 23 de diciembre, día en que el emblemático artista se subirá por última vez a interpretar los temas con los que ha acompañado la vida de tantas almas durante más de medio siglo. Canciones como Mediterráneo, Para la libertad, Hoy puede ser un gran día y Penélope han pasado a la historia de la música como himnos que se heredan generación a generación, dejando un legado inmenso y único.

Más de 30 discos avalan su éxito desde que en 1967 grabara Ara tinc vint anys. Sin duda, Serrat es uno de los grandes estandartes del cancionero popular, el folclore catalán, la copla y el bolero. Su influencia ha sido clave en numerosas figuras posteriores, como Rozalén, que ha celebrado sus diez años de carrera con el elepé Matriz y dos conciertos en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En ambos casos, la albaceteña propuso un viaje por el folclore de distintos rincones de España cargado de emoción, memoria y celebración.

Su trabajo, que ha contado con la colaboración de nombres como Rodrigo Cuevas, Tanxugueiras y Silvia Pérez Cruz es una muestra de la relevancia de la tradición dentro del panorama nacional. Como los propios Rozalén y Cuevas reconocieron en una entrevista en elDiario.es, “hace diez años el folclore no tenía capacidad de salir de su propio nicho y ahora está más de moda que nunca”. Y no solo eso, está asentado y ha permitido que un disco que aúna gallego, catalán, euskera y castellano haya sido imaginable y posible.

Buenos tiempos para el flamenco

El flamenco puede presumir de haber gozado de buena salud. “Es una gran noticia para nosotras y nuestro arte que los flamencos podamos estar en esta mesa junto a gente de tantas disciplinas”, pronunciaron la cantaora Carmen Linares y la bailarina y coreógrafa María Pagés, al recibir el Premio Princesa de Asturias de las Artes el pasado mes de mayo. La primera, que cuenta con una trayectoria de cuarenta años, pertenece a la generación llamada a revolucionar el género, compuesta por Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Enrique Morente y Manolo Sanlúcar, que falleció en agosto.

El cante hondo ha sido igualmente ensalzado con los Premios Nacionales de Danza 2022 para Ana Morales y Andrés Marín. “El flamenco es tan grande que lo soporta todo”, reivindicó el bailaor ante elDiario.es tras conocer la noticia. Al revisar los palmarés de condecoraciones, el cuarteto Las Migas se alzó con el Latin Grammy al mejor disco de flamenco por Libres, que, como describió su guitarrista Alicia Grillo a este periódico, concibieron como “un homenaje a la fuerza femenina, la naturaleza y la libertad”. Con él se impusieron a Orgánica de Carmen Doorá, Leo de Estrella Morente, El cante de Kiki Morente y Ranchera Flamenco de María Toledo. Otro trabajo destacado ha sido Tercer cielo de Rocío Márquez.

Este género es uno de los que articulan la trayectoria de Silvia Pérez Cruz, distinguida con el Premio Nacional de las Músicas Actuales. El jurado eligió a la catalana por “la calidad creativa e interpretativa de su carrera”, así como “por la naturalidad, la versatilidad y la audacia de sus propuestas”. Este año ha lanzado el dueto junto a Rozalén Amor del Bo. Jorge Drexler, por su parte, con quien colaboró en 2015 con el tema Soledad, ha triunfado en los recientemente entregados Latin Grammy, en los que recogió siete premios. Entre ellos, el de mejor canción y grabación del año por Tocarte, con C.Tangana. Fito Páez, que ha celebrado los 30 años del mítico álbum El amor después del amor con dos conciertos, se hizo con tres.

Otros veteranos que han lanzado nuevos trabajos en 2022 han sido Fangoria. Alaska y Nacho Canut, que llevan más de 30 años en la industria, han publicado Edificaciones paganas. Un elepé compuesto por cinco canciones que combinan cabaret electrónico y tecno pop. Sus letras versan sobre refugiarse en uno mismo, quitarle importancia a las opiniones ajenas y el amor a Benidorm. En un año nacional tan fructífero, el 'pero' lo han protagonizado los festivales que, si bien han dado un importante paso adelante respecto a la temporada anterior, han dejado un reguero de denuncias y sanciones.

España recupera la ilusión por Eurovisión

España ha ganado Eurovisión únicamente en dos ocasiones. Massiel triunfó con La, la, la en 1968 y, un año después, Salomé repitió primer puesto con Vivo cantando. Desde entonces, los eurofans sueñan cada año con volver a ver a algún artista nacional levantar el micrófono de cristal. Para ello, los procesos de selección de candidato han sido claves; pero desde la elección de Rosa López en 2002 y la de Amaia y Alfred en 2017 –empujadas por el fenómeno que supusieron sus respectivas ediciones de Operación Triunfo–, la selección de representantes no había vuelto a tener, ni de cerca, la misma repercusión. Hasta 2022.

RTVE apostó por recuperar el espíritu del Festival Internacional de la Canción de Benidorm, rebautizado como Benidorm Fest, para escoger al candidato; y fue todo un acierto. El evento acaparó miradas y, más allá del certamen europeo, se convirtió en una potente y necesaria plataforma de exhibición del talento del país.

La banda murciana Varry Brava pudo darse a conocer más allá del público más indie, en la misma línea que Javiera Mena, que posteriormente ha publicado el disco Nocturna. Aun así, las grandes triunfadoras fueron Rigoberta Bandini con Ay, Mamá y Tanxugueiras con Terra, que han aprovechado la notoriedad del concurso para lanzar nuevos trabajos –La Emperatriz y Diluvio, respectivamente– y recorrer todos los festivales posibles.

Rigoberta Bandini cerrará a finales de mes su gira de despedida “por un rato largo”, en la que se ha consagrado como icono. Sus conciertos han sido fiestas de libertad, comunión, reivindicación de las tetas y los saltos. Perra, In Spain we call it soledad y Así bailaba han sido rugidos en recintos de toda España, contagiados por el gamberrismo, desate y liberación que proponen Paula Ribó y compañía.

Más allá de las valiosas consecuencias de los finalistas a nivel individual, si hay algo que ha conseguido el Benidorm Fest es devolver la ilusión por Eurovisión y enviar una candidatura de nivel. Chanel, que es quien peor ha gestionado su glorioso paso por Eurovisión, logró un histórico tercer puesto con SloMo. Gesta que no se alcanzaba desde que en 1995 Anabel Conde quedara segunda con Vuelve conmigo.

Apenas un fin de semana después de lanzar su disco Renaissance, Beyoncé anunció que cambiará la letra de una de sus canciones porque utiliza un término que resulta ofensivo hacia las personas con discapacidad, especialmente las que sufren parálisis.

En un verso del tema Heated, la cantante utiliza la palabra “spaz”, asociada a un uso peyorativo que, sin embargo, parece que la estadounidense incluyó con una connotación completamente distinta.

Mientras que en el inglés común “spaz” se refiere a las personas con algún tipo de parálisis motriz, sobre todo, la gente que tiene dificultad para controlar sus extremidades, en el inglés vernáculo, la jerga que habla la comunidad afroestadounidense, la palabra también significa “perder el control”, “agitar” o “volverse loco”. “Spazzin’ on that ass, spazz on that ass (agitando en ese culo)”, canta Beyoncé en Heated.

Aun así, la explicación no ha convencido a muchos de sus seguidores y otros colectivos, especialmente del Reino Unido, que durante el fin de semana protestaron por la letra de la canción.

“El compromiso de Beyoncé con la narración musical y visual no tiene parangón, al igual que su poder para que el mundo preste atención a las historias, las luchas y la experiencia de ser una mujer negra (...) Pero eso no excusa su uso del lenguaje discriminatorio, que se usa e ignora con demasiada frecuencia”, escribió la activista Hannah Diviney en el influyente diario británico The Guardian.

Tras el revuelo, el equipo de Beyoncé confirmó a los medios de comunicación que “la palabra, utilizada sin intención de herir, será reemplazada”.

La intérprete de Crazy in Love no es la primera que tiene que volver a grabar una canción por este asunto, en junio pasado, Lizzo publicó una nueva interpretación de su sencillo Grrrls porque en la versión original decía que era “ella una 'spaz”.

“No quiero promover el uso del lenguaje despectivo. Como mujer negra y gorda en EEUU han usado muchos términos contra mí y entiendo el poder del lenguaje”, dijo Lizzo en sus disculpas.

A pesar de ser una de las artistas más comercialmente exitosas de todo el planeta, no es raro que Beyoncé Knowles-Carter sorprenda a sus fans con lanzamientos sin previo aviso. Así ocurrió con la edición de su quinto largo de estudio, BEYONCÉ, publicado de manera totalmente inesperada un día de mediados de diciembre de 2013, con el acompañamiento de un llamado álbum audiovisual. Por eso, los anticipos en forma de single pegadizo, lujosas editoriales de moda y anuncio en redes sociales de la fecha concreta de salida de su último esfuerzo han llegado a conformar, según cierto sector de la crítica que alaba su valentía de asumir algunos riesgos nada habituales a estos niveles, como el esfuerzo promocional más “convencional” de la cantante.

El susto mayúsculo para su equipo, una tan compleja como eficiente maquinaria de producción, llegó a tres días de la publicación. Tras lo que parecen haber sido unas ventas por error de varias copias en cedé por Europa antes de tiempo, Act I: Renaissance (Parkwood Entertainment/Columbia Records/Sony Music España) aparecía en los foros y además en el formato de mayor calidad sonora posible, el audio sin pérdida o FLAC, algo que ya le ocurrió con 4 en 2011. El disco se ha editado en múltiples formatos y en todas las plataformas simultáneamente, una estrategia diferente a la que intentó con su anterior álbum, Lemonade, en 2016, el cual tardó tres años en aparecer como disponible en Spotify tras su estreno en TIDAL, el servicio de música online del que es propietario, junto a Jack Dorsey entre otros, su marido, el rapero y empresario Jay-Z.

El nombre real de Jay-Z, Shawn Carter, aparece varias veces entre los créditos de Act I: Renaissance. A Beyoncé se la conoce por ser bastante responsable de sus temas, a nivel compositivo y sonoro, como bien demuestra el concierto para Coachella documentado para Netflix en HOMECOMING), pero siempre se ha rodeado de los mejores productores, desde leyendas del nivel de Timbaland, The Neptunes o Swizz Beats a una promesa desconocida como BOOTS, a quien mantuvo prácticamente en secreto hasta la edición de BEYONCÉ.

En este caso la artista parece haber buscado la mejor combinación para cada tema, e igual que firma a nombres habituales en el hiphop y el R&B como The-Dream, Mike Dean, Raphael Saadiq, los citados Neptunes o Drake, también acredita a productores menos conocidos, artistas de vanguardia como 070 Shake, a todo un referente de la electrónica gamberra como Skrillex e incluso a iconos como Giorgio Moroder, el ‘padrino’ del sintetizador, Nile Rodgers, guitarrista y fundador de Chic, y hasta James Brown.

Esta diversidad quizás parezca rocambolesca sobre el papel antes de sumergirse en un disco de extenso minutaje, pero cobra mayor interés cuando se repasan las colaboraciones vocales. Mientras que en Lemonade a Beyoncé la acompañaron estrellas del calibre de Kendrick Lamar, Jack White, The Weeknd o James Blake, aquí recupera a una gran diva de los ochenta, Grace Jones, e introduce a dos jóvenes voces influenciadas por las músicas de África y el Caribe, el jamaicano Beam y la nigeriana Tems, casi desconocidas para el mainstream.

Glamour (y oscuridad) en la pista de baile

Las dieciséis canciones que contiene este disco son solo el “primer acto” de un proyecto, en forma de trilogía, que la cantante de Houston compuso y grabó a lo largo de tres años, desde el inicio de la pandemia, con la libertad creativa y el hedonismo como principales aspiraciones. La portada, que presenta a una exuberante Beyoncé a lomos de un caballo de cristal sobre un intimidatorio fondo negro, parece un guiño a la yeehaw agenda, movimiento que abraza la reivindicación de las estéticas del wéstern por parte de personas afrodescendientes, y del cual tanto su hermana Solange como el irreverente Lil Nas X han ofrecido ya numerosas muestras en vídeos, sesiones y alfombras rojas.

Además, termina siendo un buen reflejo del sonido del álbum. Resulta significativo que la apertura sea la retorcida I’m That Girl, donde un loop vocal vacila a sus ‘odiadores’ y una de sus melodías marca de la casa se adorna con un desafiante ritmo de reguetón. No es el único tema que se deja arropar por sintetizadores agresivos y timbres oscuros, como demuestran Energy, Thique o All Up In Your Mind.

Es también claro su homenaje a la música disco, intención desvelada con ese single Break My Soul al que acaban de acompañar, como es habitual en el house y otros estilos enfocados al baile, versiones instrumental y a capela. Tampoco duda en citar a Robin S. o Right Said Fred y sacar brillo a canciones perfectas para escuchar rodando por una pista de patinaje, como Cuff It, Virgo’s Groove y, por supuesto, el cierre con Summer Renaissance que reinterpreta el I Feel Love de Donna Summer.

Los 'samples', una cuestión política

Hay más protagonistas en Act I: Renaissance. Por ejemplo, el bounce, subgénero del hiphop parido en Nueva Orleans al que Beyoncé rinde tributo en Move, junto a Grace Jones y Tems. Y también sampleando en Break My Soul a Big Freedia, como ya hiciera en la capital Formation, cuyo vídeo, el mejor de la historia según Rolling Stone, le ocasionó el boicot de las fuerzas de seguridad de su país por considerarlo “antipolicía” y “antiamericano”.

En una época marcada por el cuestionamiento continuo de los derechos de las mujeres, los migrantes y las personas trans, tampoco parece casual dedicar el disco a su tío Johnny, a quien define como “madrina”, usar un título de canción tan explícito como America Has A Problem o el decidido homenaje al movimiento vogue, cuyo estilo se hace notar en muchos ritmos del álbum y con la aparición en Pure/Honey de Kevin Aviance, de la Casa de Aviance, un legendario salón de baile vogue de Nueva York.

Este “renacimiento” supera la hora de duración pero son pocos los temas —Alien Superstar, Church Girl y Plastic Off The Sofa casi en exclusiva—, en los que baja el ritmo y apuesta por el tono de sus conocidas baladas. En la línea del reciente Honestly, Nevermind de Drake, sorprendentemente virado al techno-house, o de esa generación tiktoker que crea hits de un minuto, Beyoncé parece dispuesta a dar guerra en las pistas de baile. Una intención que subraya el hecho de, al contrario que con sus películas sobre Lemonade (HBO) o Black Is King (Disney+), no haber contado esta vez con visuales.

De 'girlbander' a icono, el intenso viaje de Beyoncé

El suyo, por supuesto, no ha sido el primer caso de ídolo juvenil que termina articulando una interesante carrera, como demuestran las de artistas de distintas épocas, de Scott Walker a Britney Spears pasando por Justin Timberlake o el propio Harry Styles. Pero no deja de ser sorprendente el impacto de la carrera en solitario de Beyoncé, desde la perspectiva de aquellos primeros discos de Destiny’s Child o de su fulgurante Crazy In Love junto a Jay-Z. Aunque su carrera tampoco ha estado exenta de polémica.

Compañeras de escena como Azealia Banks le afearon ponerle con el disco de The Carters un “final feliz” familiar a esas supuestas infidelidades de su pareja que exorcizó en canciones de Lemonade tan demoledoras como Don’t Hate Yourself. Y mientras que el discurso de la escritora feminista nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie en ***Flawless supuso para muchas activistas un altavoz de resonancia global para el feminismo, otras lo consideraron una apropiación y comercialización del movimiento.

A pesar de sus buenas intenciones, la de Houston es capaz de ofrecer una versión mesiánica y edulcorada de El Rey León. Al mismo tiempo, también lo es de evidenciar con un solo vídeo la inaceptable falta de representación de afrodescendientes en los grandes museos. Luces y sombras de una artista de auténtico récord que gestiona su carrera a su propio ritmo y con mano de hierro, produciendo a través de Parkwood Entertainment, diseñando ropa para marcas como Adidas con Ivy Park e interviniendo socialmente con su proyecto filantrópico de apoyo a oenegés llamado BeyGOOD.

A nadie le gusta más Beyoncé que a la propia Beyoncé. O al menos eso proyecta en Homecoming, el documental (sobre sí misma) que ella ha dirigido, protagonizado y producido para Netflix y que se estrenó hace unas semanas en la plataforma. Es la primera de las tres entregas que la artista hará a la empresa después de firmar un contrato de 60 millones de dólares, una cifra que superó a la que ofrecía HBO. Peleas por una inversión segura.

La película, que dura dos horas y media, intercala partes del concierto-mega-espectáculo que la artista dio en Coachella en 2018 (se diría que después de su paso el evento pasaría a llamarse Beychella) con las reflexiones y confesiones de la protagonista. Esta mezcla de show hiperbólico y retazos de vida personal, provocó un tumulto de comentarios en las redes, incluido el de la propia Michelle Obama en Twitter: “Estoy muy orgullosa de mi chica. La Reina ha vuelto a hacerlo. Gracias Beyoncé por vivir siempre tu verdad”.

No es difícil entender el porqué del éxito. El concierto de Knowles es apabullante: la artista canta y baila apoyada por un equipo compuesto por un centenar de personas entre orquesta, coros y bailarines. Dos pantallas laterales proyectan a una Beyoncé transformada en la Mujer de los 50 pies para que los espectadores más alejados no se pierdan ni un detalle de lo que se está cociendo en las tablas y todo está milimetrado. Tiene cameos de su hermana Solange -que no canta, solo brinca-, su marido Jay Z y sus compañeras de Destiny’s Child, Kelly Rowland y Michelle Williams, con las que canta algunos temas de la desaparecida banda.

Nada es espontáneo porque la preparación del show duró cuatro meses que se emplearon en alcanzar la excelencia. Que ese sea el propósito no es algo que se deduzca, sino que ella misma lo expresa en las partes de la cinta que corresponden a “lo personal”. En blanco y negro o con efecto cámara de Súper 8, las imágenes enseñan a una Beyoncé cercana a su séquito, aficionada al concepto de ‘construir equipo’ y a las frases motivacionales para edulcorar que durante 16 semanas van a tener que dejarse la piel trabajando.

La de Houston también comparte los problemas que tuvo durante el embarazo -inesperado- de sus mellizos, su inseguridad a la hora de volver al trabajo con un cuerpo que no reconocía como suyo después de una cesárea y su visión de la familia. La intención de mostrar que la diva también es una persona dentro de ese autorretrato ideal hecho documental.

Lo personal es político (el hit)

Hace tres años, coincidiendo con el lanzamiento de su disco Lemonade, el programa Saturday Night Live emitió el hilarante sketch titulado El día que Beyoncé se volvió negra. A modo de tráiler de película, la escena presenta un escenario apocalíptico en el que los blancos entran en pánico cuando se dan cuenta de que la cantante es afroamericana al escuchar su nueva canción plagada de reivindicaciones políticas.

La presentó en su actuación en el mítico descanso de la Super Bowl -los 12 minutos en los que actúa una gran estrella- con sus bailarinas en Formation, con el pelo afro y con atuendos en referencia a la estética de las Panteras Negras. Ella, además, llevaba dos cinturones dorados cruzados en el pecho como muestra en honor a Michael Jackson (Leaving Neverland todavía no se había estrenado). Si aquello había causado revuelo, después llegó el videoclip, en el que la cantante aparece subida en un coche de policía después del huracán Katrina que arrasó Nueva Orleans y se lee “dejad de matarnos” escrito en un muro, entre otros detalles. Si alguien no pilló el ‘Black Lives Matters’ es que andaba muy despistado.

Las críticas le llovieron a Queen Bey por todos lados, aunque ya tendría que estar acostumbrada porque su faceta feminista también había causado controversia. La inclusión de los versos de Chimamanda Adichie en su canción Flawless, su disfraz de Rosie La Remachadora en Instagram o la imagen de la palabra ‘Feminista’ en letras gigantes con su silueta recortada delante (con las piernas al aire y la melena al viento) causaron incomodidad en algunos sectores que vieron en sus actos un tipo de “feminismo blando”.

¿Sirve el mensaje de una megaestrella para el activismo?

Basha Changuerra es la responsable de la delegación de Catalunya de Afroféminas, una comunidad en línea para las mujeres afrodescendientes/negras y racializadas. A su parecer, el que Beyoncé se posicione sobre temas como los derechos de la comunidad negra y el feminismo es positivo.

“En lo que respecta al afrofeminismo es una gran ventaja desde luego, porque esta lucha se centra principalmente en generar el cambio de mirada y actitud en las mujeres afrodescendientes hacia sí mismas para luego exteriorizar esa fortaleza interior”, explica a eldiario.es. Añade que uno de los grandes pilares de este activismo “son los referentes” y que “sentirse parte de’ es una cuestión importantísima para las mujeres negras”.

“Vivimos en un mundo que nos lanza constantemente la idea de que no somos válidas, no somos capaces, no somos hermosas... ‘no somos’. Toda mujer que difunda mensajes de empoderamiento de la mujer negra será sin duda positivo para nuestra comunidad ya solo por ser un referente en el que reflejarse”, asegura.

Beyoncé no es en absoluto una persona que hable desde una posición discriminada dentro del sistema. Ha sido la primera mujer afroamericana en ser cabeza de cartel en los 20 años de Coachella, pero aún así sus privilegios son más que evidentes. Su vida está perfectamente acomodada dentro de un capitalismo que siempre beneficia a los poderosos y machaca a los menos favorecidos ¿Existe algún tipo de coherencia?

“Uno de sus talentos es precisamente su habilidad para convertir en mainstream todo lo que hace y en oro todo lo que toca. Su activismo no ha sido una excepción. Ha utilizado su gran micrófono para exportar su mensaje, pero no ha dejado de ganar dinero con ello, así que ha jugado muy bien sus cartas”, explica la activista.

“Su mensaje sirve en el sistema capitalista para reforzar la idea de que el dinero y el poder son deseables por ser el medio para materializar ideales. Y aunque como mensaje se queda corto, está bien para empezar. Ser una mujer negra de éxito es ya de por sí un mensaje poderoso. Ser o usar una herramienta de marketing no es ningún problema, lo interesante es ver que mensaje se está transmitiendo con esa herramienta”, afirma Basha.

Homecoming puede ser una buena manera -o por lo menos, muy entretenida- de introducirse en ese universo 'beyoncero'. Dicho queda.

“Vogue dice que cuanto más delgada, mejor”, criticaba Beyoncé en su canción Pretty Hurts. Si había alguien capaz de remover los cimientos de la sagrada escritura de la moda, esa era la cantante, que acaba de conseguir un contrato sin precedentes con la revista más poderosa del planeta, según ha adelantado en exclusiva la edición norteamericana del Huffington Post.

Beyoncé será la protagonista de la portada del próximo número de septiembre, de su reportaje interior y de los despieces que ella misma redactará entre las fotografías. Sí, la diva del RnB se ha impuesto sobre los periodistas de Vogue para decidir qué se destaca y qué no en la edición más importante del año, pero no solo eso. También ha conseguido que la revista fiche, por primera vez en 126 años, a un fotógrafo negro.

El elegido es el prometedor joven de 23 años Tyler Mitchell, recién graduado por la facultad de Artes de la Universidad de Nueva York. “Represento a los negros y a las personas racializadas de una manera real y pura”, dijo Mitchell en una entrevista a The New York Times en diciembre, cuando ya había conseguido impacto mediático por sus campañas para Marc Jacobs y Givenchy.

La elección, según han reconocido fuentes cercanas a la redacción de Vogue, está lejos del gusto de Anna Wintour, más tendente a contratar a fotógrafos veteranos con una trayectoria de prestigio. “La razón por la que un fotógrafo negro de 23 años va a fotografiar a Beyoncé para la portada de Vogue es porque la propia Beyoncé utilizó su poder e influencia para conseguirle esa tarea”, admitieron esas mismas personas al Huffington Post.

Esta cesión de poderes por parte de la directiva es algo insólito teniendo en cuenta su ya conocido carácter controlador. Aún más si, como afirman ciertos rumores, se trata del último septiembre de Wintour al frente de la revista tras más de 30 años.

Beyoncé ya fue portada de Vogue en 2015, pero aquel contrato distaba bastante de las clausulas que ha negociado tres años después. Aunque la sesión fotográfica corrió a cargo de Mario Testino, un colaborador asiduo de la revista y señalado por The New York Times por supuestos abusos sexuales, la cantante firmó que no ofrecería ninguna entrevista para las páginas interiores, algo nunca antes visto. Y tampoco se prestará a ello en la de septiembre, más allá de los despieces “largos” que ella misma redactará.

Independientemente de la aplaudida decisión de romper con la tendencia blanca de una de las publicaciones de moda con más conflictos raciales del mundo, la línea marcada por Beyoncé es preocupante a nivel periodístico. Es la muestra de cómo el star system mediático no tiembla al hacerse con el control editorial de su imagen y de cómo los medios de comunicación han empezado a hacer concesiones sin parangón. Si por lo menos sirven para aupar talentos invisibilizados por el racismo cultural, bienvenidas sean.

Muchos creyeron que Beyoncé y el rapero Jay-Z habían alquilado el Louvre para grabar su videoclip Apeshit, y en realidad era el museo el que había comprado la imagen de los Carter. Es imposible saber quién ha ganado más en este intercambio, pero desde luego la pinacoteca francesa acudió a la reunión con los deberes hechos.

No solo cobró las decenas de miles de euros que cuesta reservar sus salas para una grabación -y que ya hicieron en su día Wonder Woman, 50 sombras de Grey o El código Da Vinci-, sino que acaban de diseñar un tour a medida de la pareja más poderosa a ambas orillas del Atlántico. El recorrido consiste en una hora y media a través de las diecisiete esculturas y pinturas que los cantantes tuvieron a bien enseñar en su vídeo, y que de momento solo estará disponible en francés.

El Museo del Louvre encabeza la lista de centros con más visitantes del mundo, casi nueve millones, por lo que a priori no parece que necesiten ningún truco mediático. Sin embargo, después de los atentados de 2015, confesaron haber perdido un 13% de visitantes, así que este rodaje forma parte de un nuevo plan de diversificación de ingresos que pasa por venderse al mejor postor cuando cae la noche.

Beyoncé y su esposo aflojaron un poco la soga con su Apeshit, y nadie duda de que con este tour su aportación será aún mayor. Todo lo que tocan los Carter se convierte en arte, incluso el propio arte. Quizá no les sea necesario indicar qué es la Mona Lisa y quién la pintó, pero los reyes del showbusiness han conseguido acercar obras de arte mucho menos conocidas al público en general y a los estadounidenses en particular.

La historia del arte se vuelve 'mainstream'

Las obras que aparecen en Apeshit abarcan tres siglos de arte y todas ellas se centran en la proyección del poder, la regulación de la belleza femenina y la representación del sufrimiento. En ocasiones se regodean en cada exquisito detalle, y en otras ofrecen un primer plano misterioso que deja al espectador sediento de sabiduría cultural.

La Gran Esfinge de Tanis, la Venus de Milo, La consagración de Napoleón de Jacques-Louis David y la Victoria alada de Samotracia se suceden espléndidas en pantalla mientras que el séquito de bailarines de los Carter reproduce tímidamente alguna escena. No demasiado a menudo, la letra de Apeshit se funde con las pinturas, como cuando la diva de ébano entona “Doy sorbos al mejor alcohol/ me encendió tanto que necesito Tylenol” y al fondo se vierten generosas cantidades de vino en Las bodas de Caná.

Lo que sí guarda más relación es el discurso de soberbia superación con los cuadros que representan el escalonamiento de dolor y la perseverancia, como La balsa de la medusa de Gericault, la Piedad de Rosso Fiorentino y Los fantasmas de Francesca y de Paolo se presentan ante Dante y Virgilio.

La pareja mira a la cámara desafiante mientras luce sus trajes llamativos como si quisiera eclipsar a la misma Mona Lisa. “No puedo creer que lo hayamos logrado”, canta ella. “He dicho que no a la Super Bowl: tú me necesitas, yo a ti no”, replica su marido.

Jay-Z es ese “chico de un mal barrio que se cría en una vivienda pública, que supera las malas influencias de la calle, que nunca deja escapar su sueño, que llega a lo más alto y que desde ahí sigue avanzando”, como escribió el alcalde de Nueva York en su perfil de hombre influyente de la revista Time. El imperio del que presume el rapero es admirado y criticado por muchos. Por eso el activismo mainstream de Beyoncé le ha reconciliado con las capas más bajas de la sociedad.

La cantante lleva años enfrentándose a acusaciones de demagogia interesada, tanto por parte de la comunidad afroamericana como de las mujeres en general. Pero lo cierto es que su comprometido disco Lemonade dejó un poso político que se repite en el proyecto conjunto de Everything is Love y que le proporciona algo más que épica colorista y superficial.

La esclava negra del Louvre

No por casualidad, el tour de Beyoncé y Jay-Z en el Louvre terminará en la obra Retrato de una negra, de Marie-Guillemine Benoist. El cuadro fue pintado en 1800, después de la abolición de la esclavitud en Francia, pero justo cuando Napoleón trataba de reinstalarla en sus colonias.

Algunos historiadores del museo reconocen en la postura resuelta de la modelo, en su pecho al descubierto y en la mirada desafiante, un símbolo empoderador. Otros, en cambio, piensan que es la enésima utilización del cuerpo de una esclava con fines lúdicos y sin un permiso previo.

En ambos casos, no extraña esta elección por parte de Beyoncé, que desde hace años se ha mostrado comprometida con el feminismo y su inherente estigma racial. Tras el lanzamiento de Lemonade, la artista dejó de lado el artificio de la industria para dar paso en sus videoclips a los testimonios de verdad. A madres que lloran con la fotografía de sus hijos en las manos, a la receta ancestral de una limonada con raíces afroamericanas, o a las atletas y artistas que han tenido que reivindicar su talento sobre un color de piel.

Con la integración como bandera, Beyoncé se recorrió buena parte de la diáspora artística de África para reservarles un hueco en su proyecto, tanto a nivel musical y visual. Eran nombres talentosos, pero injustamente reconocidos, y ahora sus trabajos llegan a los titulares de todo el mundo gracias a la diva del RnB.

El caso de los artistas que se exhiben en el Louvre es algo más delicado, porque su relevancia histórica prevalece por encima de cualquier fenómeno de masas. Ellos le han proporcionado 70 millones de visitas en YouTube y un impacto mediático a la altura de la Super Bowl que tanto desdeña su marido. A cambio, la pareja ofrece una breve lección de historia del arte a algunos fans de su música que no querrían ver un Gericault ni en pintura.

Un vídeo de seis minutos no va a salvar la decadencia cultural de la humanidad, pero nunca está de más tener a los Carter echándose un baile a tu lado.

The Carters

The Carters

Everything Is LoveSonyRAP/R’N’B7/10Everything Is Love

Es posible y hasta probable que la infidelidad de su marido Jay-Z haya supuesto un verdadero trauma para Beyoncé en particular y en el hogar conyugal en general. Pero no es menos cierto que a pocos “deslices” de este tipo se les ha sacado más partido artístico y, sobre todo, económico. Primero fue Beyoncé quien a base de reivindicar su orgullo herido en Lemonade (2016) consiguió trascender un poquito más su estatus de superestrella, recibiendo un aplauso unánime por parte de crítica y público.

Un año más tarde Jay-Z publicó 4:44, que a base de golpes en el pecho ofrecía su visión de la historia. Y ahora, esperemos que cerrando el tema de una dichosa vez, la pareja se presenta en comandita bajo el nombre de The Carters, para lanzarnos un mensaje: su amor es más fuerte que cualquiera de las dificultades que han surgido por el camino.

Acorde con la capacidad de convocatoria de la pareja, por Everything Is Love se dan cita todo ilustres del rap y el r'n'b contemporáneo, que van de Pharrel a Ty Dolla $ign, pasando por Common, aunque la producción del invento se la debemos mayormente a la dupla firmante y a los productores de Miami Cool & Dre. Son los responsables de un sonido conservador, que no conduce a Jay-Z y Beyoncé (sobre todo a la segunda) a ningún territorio especialmente arriesgado.

Entre el rap con aires traperos de Apes**t o Friends y el r’n’b a lo Lauryn Hill de Boss o 713 hay un rango de canciones que difícilmente van a brillar a la altura de los momentos álgidos de sus carreras por separado. Habrá quien lo verá como un simple divertimento y quien lo considere simplemente una forma -legítima, por supuesto- de seguir engordando los dígitos de su cuenta bancaria.

Kamasi Washington

Kamasi Washington

Heaven and EarthYoung Turks / Popstock!JAZZ9/10Heaven and Earth

Que un músico joven como Kamasi Washington -entiéndase como tal alguien que ha cumplido 37 años- es una magnífica noticia. No sólo que publique magníficos discos de jazz, sino que lo haga captando la atención mediática de medio mundo, sean aficionados o no al género.

Su figura remite, de alguna forma, a los años dorados del jazz, cuando la música de esos mitos que todos conocemos influía sobre los grandes nombres del pop y el rock. Y, a su vez, se alimentaba de los logros de éstos para llevar sus creaciones a nuevos estadios sonoros.

Este es el caso, precisamente, de Kamasi, colaborador de Kendrick Lamar o Snoop Dogg, en un momento en que el rap y sus derivados representan socialmente lo que el rock’n’roll supuso durante los años sesenta y setenta. Lo pudimos comprobar en su reciente paso por Madrid por un escenario tan poco dado al género jazzístico como es La Riviera, ante la nada desdeñable cifra de 1.500 asistentes.

Y ese es un hueso que, afortunadamente, Kamasi no parece dispuesto a soltar. Tras el monumental triple disco The Epic, publicado en 2017, y un EP con duración de largo que contenía más ideas que la mayor parte de discos extendidos publicados en ese mismo año (Harmony of Difference), el californiano está de vuelta con un doble álbum igualmente monumental.

Conceptualmente, Heaven and Earth se divide en dos partes independientes entre sí: un primer disco al que ha bautizado la Tierra que representa “el mundo tal y como lo veo externamente, el mundo del que formo parte”; y un segundo, el Cielo, que vendría ser una visión del mundo más personal, “el que forma parte de mí”.

Con la ayuda de su banda Next Step, con miembros del colectivo West Coast Get Down, un coro y hasta una orquesta, desarrolla estos dos conceptos sobre el mundo que a largo del disco tienden a confundirse en las más de dos horas de música.

Podría decirse que la parte de la Tierra, que arranca con una reinterpretación del tema central de una película de Bruce Lee, Fists of Fury y cuenta también con una versión del Hub-Tones de Freddie Hubbard, tiene cierta tendencia a sonar más volcánica. Mientras que ese Cielo en la tierra tiene más que ver con la música de Harmony of Difference, con ese sonido que remite a la era del Hollywood clásico, entre excursiones como Vi Lua Vi Sol por un sonido cercano al lounge y la exótica.

En realidad, más que dos caras diferenciadas, cada una de estas dieciséis composiciones son un mundo en sí mismas. Una nueva exhibición por parte de un artista que de mantener este nivel va camino de hacerse inabarcable.

Black Box Recorder

Black Box Recorder

Life Is UnfairOne Little Indian / Popstock!POP8/10Life Is Unfair

The Auteurs fue en sí mismo una rareza. Una banda que creció al albor de la eclosión brit-pop, y a la que señalaron como una suerte de versión estilizada de la misma. No debió hacerle demasiada gracia a Luke Haines, un tipo con sentido del humor vitriólico y firmes convicciones políticas de izquierdas.

El caso es que la voladura controlada de esa gran promesa eterna que fue The Auteurs comenzó cuando Haines formó Black Box Recorder junto al ex The Jesus & Mary Chain John Moore y la vocalista Sarah Nixey. A propósito de las virtudes como cantante de esta última hay unas líneas firmadas por Moore en el libreto que acompaña a este lanzamiento que resultan reveladoras: “Hasta donde sabíamos ella nunca había robado un coche o había sido encerrada por un delito, pero podía sonar como si lo hubiera hecho”.

El resultado de esa reunión fueron tres discos que, como no podía ser de otra froma, tuvieron una repercusión limitada y en línea descendiente: England Made Me (1998), The Facts Of Life (2000) y Passionoia (2003). Mirando hacia atrás con cierta frivolidad en seguida viene a la memoria el escándalo que se produjo por la letra de Child Psychology (“La vida es injusta, suicídate o supéralo”), y poco más.

Sin embargo, visto con la perspectiva que nos ofrece esta caja integral, estas grabaciones no sólo superan con nota el paso del tiempo sino que se elevan, y muy por encima, de la media de los discos que se hicieron en Inglaterra en aquellos años.

Life Is Unfair, que como no podía ser de otra forma llega en una caja negra como una suerte de broma final del grupo, no sólo incluye los tres álbumes de Black Box Recorder, sino que cuenta con un cuarto disco con versiones alternativas y sesiones de la BBC, un dvd con directos y videoclips, libro y póster. Y se convierte en una oportunidad magnífica tanto para descubrir al grupo como para completar su discografía.

Julie Doiron

Julie Doiron

Canta en español Vol. 3AcuarelaPOP7/10Canta en español Vol. 3

España ha sido siempre un territorio muy querido por la canadiense Julie Doiron, que ha girado en numerosas ocasiones a lo largo y ancho de nuestro país y tenido en la discográfica madrileña Acuarela un socio inestimable para difundir su música.

Acuarela es precisamente quien ha promovido la publicación de una serie de mini LPs en los que Doiron devuelve a nuestro país todo lo que éste le ha dado. Se trata de una selección de diversos temas de su discografía cantados en nuestro idioma. Para la grabación, que en el caso de este tercer volumen ha tenido lugar en los estudios MusicRooms de Xirivella (Valencia), ha contado además con músicos de aquí como banda de apoyo. Así, afronta seis piezas de toda su discografía entre las que encontramos desde una canción de su primer disco -Sorry (Part II)- hasta Thought Of You, una de sus últimas composiciones, publicada en su versión original en un EP de 2016.

Pero el verdadero momento de este trabajo llega cuando Doiron afronta una de sus canciones más hermosas, en un cancionero que está lleno de ellas. Snowfalls in November se convierte para la ocasión en Cae la nieve de noviembre, un canto a la intimidad del hogar que en esta sencilla versión en castellano mantiene intacto todo su impacto emocional.

Nine Inch Nails

Nine Inch Nails

Bad WitchThe Null Corporation / Music As UsualINDUSTRIAL7/10Bad Witch

Lo nuevo de la banda de Trent Reznor forma parte de una suerte de trilogía de EPs: Not The Actual Events se publicó en 2016, un año después vio la luz Add Violence, y ahora llega este Bad Witch al que por su duración (ronda los 30 minutos) podría incluso dársele categoría de disco largo. La línea invisible que une los tres trabajos es -y no podía ser de otra forma- el ascenso al poder de Donald Trump y la nefastas políticas que ha llevado a cabo durante sus dos primeros años al frente del país más poderoso del planeta.

En cualquier caso, a diferencia de otros muchos artistas que en este tiempo han apostado por la denuncia explícita, Reznor deja para las entrevistas los alegatos anti Trump y, a lo largo de estas nuevas seis canciones, plantea un discurso entre lo filosófico y lo espiritual. Se pregunta sobre nuestro lugar en el universo y nuestras responsabilidades para con un mundo del que somos sólo una pieza más en el engranaje, casi un accidente.

El aspecto entre místico y apocalíptico del mensaje se ve arropado por un sonido que continúa la senda cada vez más experimental del proyecto. Tomemos como ejemplo la canción que funciona como single, God Break Down the Door, con un saxo frenético que remite al free jazz, una batería sincopada que es puro dum’n’bass y los ambientes electrónicos marca de la casa. O I’m Not from This World, a caballo del ambient y la faceta más experimental de sus admirados Coil. S**t Mirror por su parte, el tema que abre el disco, remite a los NIN de siempre, y bajo sus formas industriales esconde un latido rock que perfectamente podría haber firmado Iggy Pop o los Queens Of The Stone Age.

Soulwax

Soulwax

Essential[PIAS]ELECTRÓNICA7/10Essential

Nadie podrá achacarl al dúo belga de poco voluntariosos. Cuando el programa de la BBC Radio 1’s Essential Mix les contactó el año pasado para proponerles que entregaran una sesión de una hora para emitir en antena, Soulwax se plantearon llevar el concepto un poco más allá. En vez de partir de canciones ya existentes propias y/o ajenas y mezclarlas en exclusiva para el programa, se encerraron en el estudio para crear una hora de material completamente novedoso a partir de lo que ellos entendían como “esencial”. El resultado tras emitirse en las ondas ahora ve la luz como álbum.

Son un total de doce cortes de electrónica bailable marca de la casa, de manera cáustica bautizados con el número de track y el nombre que da título al disco. En los cuatro primeros temas en particular se hacen evidentes las conexiones con sus primos neoyorquinos de DFA: un groove minimalista con referencias al postpunk y el funk enfermo de Liquid Liquid y Konk.

Essential Six, va un poco más allá y hasta juguetea con el cosmic disco. En líneas generales es una fórmula que si bien ha sido revisitada en numerosas ocasiones por numerosos artistas en la última década, no deja de resultar efectiva. Tanto que el disco resulta un banquete para los buscadores de material con el que alimentar sus propias sesiones.