Acudimos a la cita con Robin Green con altas expectativas. Desde el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) nos han ofrecido entrevistar a la que fue reportera para Rolling Stone en los 70 y, posteriormente, trabajó junto a su marido Mitchell Burgess como guionista en Doctor en Alaska, serie por la cual el matrimonio ganó un Emmy y dos Globos de Oro. Participará por la tarde en un debate en el centro, dentro del ciclo que envuelve a la exposición Subúrbia. La construcció del somni americà.

Pero Green es sobre todo conocida en el mundo de la televisión por haber sido la pluma que escribió la mayoría de los guiones –hasta su salida abrupta al final de la quinta temporada– de la considerada la mejor serie de la historia de la televisión: Los Soprano, con la que ganó dos Emmy más. Actualmente está de gira promocionando su autobiografía, La única chica (Liburuak, 2024; traducido por Patricia P. González-Barreda), un libro donde cuenta todas las historias que componen su apasionante vida.

Menuda, con el pelo lacio y gris, y vestida con vaqueros negros y chaqueta del mismo color, Green nos recibe con una amplia sonrisa y nos extiende su frágil mano, todo un contrapunto a la desbordante energía que derrocha esta mujer de 80 años durante la entrevista.

Cuénteme cómo se siente una habiendo contribuido a crear la que se dice que es la mejor serie de televisión de la historia.

Mmmm, eso dicen los críticos, sí... [Robin Green sonríe con picardía]. La verdad es que me siento muy bien mirando hacia atrás y comprobado que participé en aquella gesta. No terminó todo lo bien que yo hubiera deseado, pero bueno; al final fue una gran experiencia que me permitió dar un salto económico importante en mi vida: comprarme una casa, un coche y todas esas cosas... Ya sabes. Ahora lo pienso y me digo con cara de sorpresa: “¡Creaste Los Soprano!”.

¿Cómo empezó aquella aventura?

Yo antes había trabajado como coguionista en Doctor en Alaska y era relativamente conocida en ese mundillo. Además tenía una buena amistad con David [Chase, creador de la serie], que fue quien me llamó a finales de los noventa para decirme que estaba creando una serie que era radicalmente diferente, rompedora, y que creía que yo podría aportar mucho como escritora del guion y como productora ejecutiva. Dejé mi trabajo, me fui a Nueva York a ver el piloto que había creado y quedé fascinada, así que me apunté a la aventura.

Fuimos a Nueva York, al estudio donde íbamos a filmar; habían construido los interiores de Nueva Jersey en Queens, dentro del estudio, pero HBO quería que filmáramos en el sitio real donde ocurre la trama, esto es en los bosques de Nueva Jersey, así que transportamos todo el decorado en camiones a Nueva Jersey a través del puente George Washington.

Recuerdo que le dije a David Chase justo antes de la presentación: "Esta noche o cambiamos la historia de la televisión o nos hundimos como piedras"

Filmamos los 12 primeros capítulos, recuerdo que nos pagaban por capítulo. HBO quería que filmáramos 22 episodios, pero nosotros dijimos: “Estrenemos primero la primera temporada y veamos qué pasa, si seguimos o no”. Recuerdo que David vino a casa e hicimos la postproducción. Fue una carrera contrarreloj porque a mí se me acababa el dinero, tenía que generar beneficios y estábamos gastando el presupuesto, así que trabajamos 16 horas al día, sin dormir apenas, solo el tiempo de pasar por casa para ducharte.

Luego en enero presentamos la serie, pero nada de puestas de largo y alfombras rojas; fue en el sótano de Tower Records que había entonces en Times Square, en Nueva York, con cero boato y etiqueta, pero con muchos nervios, porque era un cara o cruz. Si gustaba seguíamos adelante, de lo contrario, ahí acababa todo. Recuerdo que le dije a David justo antes de la presentación: “Esta noche o cambiamos la historia de la televisión o nos hundimos como piedras”. ¡Y salió bien!

¿Qué paso en la última temporada, cuando entró Matthew Weiner, creador más tarde de Mad Men y usted termina saliendo?

Antes que nada dejar claro que yo siempre tuve una gran relación con David , una amistad muy antigua. Colaboramos bien durante las primeras cinco temporadas y media, pero a mitad de la quinta empezaron a haber diferencias profesionales que fueron contagiando nuestra relación personal.

Él no estaba contento con la dirección de la serie, quería otro ritmo, otro enfoque para mantener la tensión, mientras que yo pensaba que debíamos seguir en la misma línea. Así que me convertí en una suerte de persona non grata en el equipo. Sea como fuere, era mi modo de escribir, de ver los personajes y la trama y no podía hacerlo de otro modo, así que seguí a lo mío, pero no con intención de provocar el conflicto, sino tal vez de un modo inconsciente fui un poco pasivo-agresiva.

Al final David me dijo que no seguiría de cara a la última temporada y terminamos profesional y personalmente. En aquel momento me dolió, pero ahora miro atrás y estoy agradecida por lo que me permitió hacer David, por participar de la creación de Los Soprano.

¿Han vuelto a hablar?

No, aunque no hay rencor por mi parte, no se han dado las circunstancias y quizás no haga falta. Yo he perdonado todo aquello y espero que él también.

¿Cómo logró usted hacer que Tony Soprano fuera un personaje tan fascinante, que nos provocara simpatía y repulsión al mismo tiempo?

¡Eso es lo que todo el mundo nos pregunta! [Risas]. Recuerdo incluso en una ocasión que David me dijo: “Robin, estoy preocupado porque le estoy cogiendo cariño a Tony”. [De nuevo risas]. Yo creo que esa fue la gran genialidad de David, no puedo atribuirme ningún mérito en ello, Cuando creas una serie de televisión tienes que tener lo que en el argot se llama un engine [un motor] que sostenga la serie, puede ser un hospital, puede ser la familia, puede ser la policía, o bien puede ser la mafia, que era lo que teníamos nosotros.

Pero claro, no podríamos hacer una serie de la mafia como tantas se habían hecho ya, hay tantos clásicos sobre la mafia, empezando por El Padrino... Tenía que ser algo diferente, y además queríamos una comedia, ¡una comedia negra sin duda! Así que tuvimos que alejarnos del tópico y acercarnos al mafioso real. De joven yo había conocido hijos de mafiosos del área de Nueva Jersey, y no eran gente violenta, que anduviese en pandillas. Eran chicos normales, más ricos que tú, con acceso a lo mejor, pero de apariencia normal.

De joven yo había conocido hijos de mafiosos del área de Nueva jersey, y no eran gente violenta, que anduviese en pandillas, eran chicos normales

Así que trabajamos sobre esa dualidad: normales en sociedad, brutales en el trabajo. Esa fue la base y creo que es el motivo de que Tony Soprano sea tan atractivo. Es un tío que sufre, que ama a su familia, se preocupa por ella, por su madre o por su tío Junior como lo haría cualquiera de nosotros, por lo que nos identificamos con él.

Lo amamos porque pensamos que es uno de los nuestros; pero a la vez vemos que es malvado, brutal, que carece de compasión, al menos nunca deja que esta le domine. Y eso nos rompe los esquemas, que nos caiga bien un tipo así nos crea una gran contradicción.

Además de lo que cuenta, he leído que usted ha tenido algún contacto a nivel familiar con la mafia por parte de su abuelo materno.

En efecto, siendo ya mayor supe que el padre de mi madre tenía una banda mafiosa judía en Nueva York en los años de la ley seca; movían alcohol desde Canadá. Alguna vez he podido tener en las manos las armas que llevaba mi abuelo, que era una persona muy cariñosa con sus nietos, y realmente me impresionó lo pesadas que eran.

¿Lo uso para perfilar los personajes?

¡Ya lo creo! Mira, mi madre me contaba que cuando mi abuelo salía con el camión a repartir alcohol ilegal por los clubes clandestinos, se la llevaba para darse apariencia de normalidad, para que la policía no sospechara. Eso lo usamos en la serie, al igual que algunas otras anécdotas.

¿Por qué cree que el fenómeno gánster es tan típicamente norteamericano?

Imagino que tiene que ver con cómo se creó el país, a base de avalanchas de inmigración; gente que llegaba sin nada y se organizaba por culturas, a veces sin ninguna protección de un Estado muy incipiente todavía. Eso creó ciertas tradiciones de organización aparte de la ley, que no siempre favorecía a todo el mundo por igual, así que cada grupo, como judíos, afroamericanos, irlandeses o italianos se buscaba la vida como podía.

Para terminar el 'capítulo Soprano', quisiera preguntarle si es cierto que David Chase se inspiró para concebir la serie en el libro Honrarás a tu padre de Gay Talese.

Es la primera vez que oigo esto... Conozco a Gay Talese y sé del libro, pero por mi parte no es cierto.

Cuando publicaron el libro en España hace unos 15 años, la promoción lo aseguraba...

Pues tal vez David sí se inspiró originalmente, pero nunca lo comentó en todos los años que estuvimos trabajando juntos.

Usted también estuvo escribiendo en los años 70 para la revista Rolling Stone, en San Francisco.

En efecto, fue gracias a un amigo. Yo estaba entonces trabajando para la Marvel Comics, pero decidí dejarlo y mi chico y yo nos marchamos a Chicago a la aventura, era entonces una ciudad que no estaba de moda, pero pasaban cosas. Éramos hippies, así que vivíamos en un pequeño apartamento y nos pasábamos el día fumando marihuana y escuchando discos de Traffic, de Black Sabbath, de Janis Joplin, de Ray Charles y muchas cosas más.

Admiraba mucho a Dennis Hopper antes de conocerle, pero resultó ser un auténtico capullo

Un día un amigo me comentó que él podía conseguirme un trabajo en Rolling Stone, que andaban buscando gente que escribiera bien. Yo había escrito bastante en el periódico de mi universidad y adquirí cierta reputación, así decidí probar. Me entrevisté con Jann Wenner [fundador de la revista y propietario hasta 2019] en San Francisco y me mandó a Nueva York a escribir sobre los cómics de Marvel, porque le dije que había trabajado ahí. No quiso pagarme el viaje, pero igual fui porque tenía que visitar algunos amigos. El tema salió en portada de Rolling Stone y a partir de entonces me establecí en la bahía [de San Francisco], que era donde estaba pasando todo lo interesante para una hippie como yo en aquellos años.

Wenner también la mandó a entrevistar Dennis Hopper, el actor y director.

Sí, tuve que ir a un rancho de Nuevo México donde vivía con un grupo de gente. Fue una experiencia terrorífica, tremenda. Fuimos Annie Leibovitz [la legendaria fotógrafa, que entonces trabajaba para Rolling Stone] y yo hasta el rancho y nos encontramos a todo el mundo drogado, una especie de secta.

Pasé miedo de verdad, Dennis estaba como loco, gritaba a todo el mundo, miraba mal a todo el mundo... Annie se fue a mediodía y me quedé sola. Sabía que Dennis acabaría gritándome o haciéndome algo peor, era un autentico capullo, así que al caer la noche entré en pánico y salí de allí de incógnito. Claro que eso era el desierto y no había modo de salir. [Risas]

Siempre me ha sorprendido que alguien que me parecía, como usted dice, un capullo, pudiera concebir y dirigir una obra tan llena de sensibilidad como Easy Rider.

Sí, a mí también, le admiraba mucho antes de conocerle... ¡Pero imagínate que me confesó que ni siquiera le gustaban las motos! En fin, de todos modos escribí el reportaje y tuvo una gran repercusión, me situó en el mundillo de los reporteros de la época, me gané el respeto de mis compañeros en Rolling Stone.

Quieren hacernos creer que Joe Biden está mal, pero es un tipo que lleva toda su vida en Washington haciendo política, sabe muy bien cómo funciona el país

¿Cómo fue ser la única mujer de aquella redacción?

Pues la verdad es que en un primer momento, y a pesar de que precisamente el título de mi autobiografía se llama La única chica, no me di ni cuenta. Estábamos todo el día arriba y abajo, no paramos mucho por la redacción. Fue poco a poco que lo percibí y eso ya te dice que no tuve mayores problemas, fui bien recibida.

¿Qué me contaría sobre su trabajo en Doctor en Alaska?

Pues que fue también maravilloso, una experiencia muy bonita y otra de las series que creo que no solo han marcado una época, sino que a su manera también cambió la forma de hacer televisión.

En los últimos años ha surgido una cierta reivindicación de la serie. ¿Le parece que ha envejecido bien?

Me parece que lo ha hecho muy bien, conservando toda su gracia. De los temas que tocamos entonces, en los 90, tal vez cambiaría algunas cosas, le daría más realismo, pero en general creo que se mantiene muy en forma.

El próximo noviembre eligen presidente en su país. ¿Volverá Donald Trump?

¡Espero que no! Sería terrible, hablaría muy mal de nosotros que volviera a salir elegido.

¿Cree que Joe Biden tiene opciones?

¡Pues claro! No le pasa nada, es viejo pero no tanto. Yo también soy vieja y estoy aquí, llevo semanas de tour concediendo entrevistas... Ser mayor no quiere decir ser incapaz; quieren hacernos creer que está mal, pero es un tipo que lleva toda su vida en Washington haciendo política, sabe muy bien cómo funciona el país, yo estoy con él.

El 11 de abril de 2022 dio comienzo el juicio de Johnny Depp contra su exmujer Amber Heard. Tras una relación tormentosa en la que ella había sugerido en los medios que había sido maltratada, él la demandaba a ella por difamación y reclamaba 50 millones de dólares por daños y perjuicios. Heard, por su parte, contrademandó a Depp pidiendo el doble, 100 millones. Durante varios meses, y hasta el 1 de junio en el que se leyó el veredicto, el caso se convirtió en un circo mediático debido a la decisión de permitir cámaras y que se emitiera online un caso que involucraba a dos estrellas de cine a pesar de que la decisión final la tuviera un jurado popular. El juicio real se produjo en las redes sociales y en la sociedad, donde todos opinaban y donde streamers, youtubers y muchos incels comentaron al segundo cada jugada como si se tratara de un partido de fútbol; y con el mismo nivel de hooliganismo.

Aunque el juicio haya quedado en el imaginario público como un caso sobre violencia machista, lo que se juzgaba realmente era si Amber Heard había difamado al actor al escribir un artículo de opinión en The Washington Post donde se describía a sí misma como “una figura pública que representa el abuso doméstico”. Un texto donde nunca se dio el nombre de Depp aunque todos infirieron que se refería a él. Lo curioso de este juicio es que el equipo legal de Depp no demanda al medio, sino solo a ella. Y lo hace en el condado de Fairfax, en el estado de Virginia, donde las normas por difamación son mucho más estrictas que en otros lugares, alegando que los servidores de The Washington Post se encuentran allí.

Lo que muchos vieron claro es que se trataba de un juicio en el que él quería restablecer su imagen pública, y por eso se posicionaron a favor de la emisión online de cada segundo del proceso legal, algo que los abogados de Heard intentaron impedir sabiendo que les perjudicaba de cara al veredicto del jurado popular. Un proceso que culminó con el fallo a favor de Depp en tres cargos y la condena a Heard por 15 millones de dólares en daños. El jurado también falló a favor de Heard en uno de sus tres cargos y le otorgó dos millones. Un dato que también fue obviado por muchos de los comentadores online, posicionados claramente del lado del actor.

Cientos de horas de un juicio que ahora han sido condensadas por el documental Depp vs Heard, que en tres episodios trata de resumir todo desde un punto de vista que intenta permanecer en la complicada neutralidad que nunca se tuvo durante la celebración del caso. El filme de Emma Cooper que ha estrenado Netflix coloca las declaraciones de ambos, cuando hablan de los mismos sucesos, de forma consecutiva, pudiendo escuchar las versiones de los dos protagonistas. El aporte del filme es más bien escaso, más allá de servir como compendio y mostrar las consecuencias de los juicios paralelos en la actualidad.

Heard describió con minuciosidad los episodios violentos y presentó vídeos donde se veía y escuchaba la actitud violenta. También donde ella confesaba haber pegado y ridiculizado a su pareja, uno de los momentos más comentados y que más la perjudicaron. Depp negó todo, aceptó su adicción a los opioides y llevó testimonios de gente de su equipo que tiraba por tierra las versiones de su expareja. Un caso en el que pronto se perdió la perspectiva, ya que como recuerda el abogado de Heard al comienzo del juicio, este caso no es sobre quién “cae mejor o peor, sobre si se está de acuerdo con ella o no, sino sobre si estaba en su derecho de escribirlo”. El equipo de Heard recordaba sin éxito que allí se debía hablar sobre libertad de expresión, y que los episodios violentos que ella sufrió, la forma en la que ella se sintió, eran más que suficientes para decir lo que dijo en aquel texto. Depp, por su parte, alegó que aquella columna perjudicó su carrera y su vida.

Todas las miserias de aquel juicio quedan al aire en este documental, pero sobre todo se airean las miserias de todos aquellos que se lucraron gracias a emitirlo online. Una decisión que, para Heard, afectó al jurado popular, que falló unánimemente contra ella. A pesar de las advertencias diarias era prácticamente imposible que aquellas personas se aislaran de las redes sociales, de los vídeos y de los memes, y la respuesta en internet fue brutal. Los fans de Johnny Depp, bajo el hashtag #justiceforjohnnydepp, se organizaron como fanáticos. 

Cada declaración de Amber Heard era ridiculizada, convertida en meme, parodiada. Se rieron de ella, la insultaron y hasta amenazaron de muerte. Cualquier usuario que se posicionaba a favor de la actriz era vejado, lo que provocó una ola imparable de seguidores de Depp y un silencio casi sepulcral de fans de ella. La neutralidad del jurado popular se había sacrificado debido a un juicio popular que se estaba retransmitiendo en directo. 

Depp vs Heard se pregunta qué hubiera sido del caso de O.J. Simpson si se hubiera emitido online. Aquí lo que se ve es que todos sacaron tajada: los streamers que pedían donaciones; abogados que se hicieron cuentas de TikTok y Twitch para comentar cada día y ganar clientes, y también ese perfil de youtubers, hombres machistas y misóginos que convirtieron este juicio en un ataque contra el feminismo y el Me Too. Uno de los más activos, Andy Signore, bajo el canal Popcorned Planet, realizó incluso una entrevista en exclusiva con Depp tras el juicio. 

El documental acaba siendo un análisis sobre el peligro de las redes y sobre la verdad en tiempos virales. Las declaraciones del juicio eran editadas y manipuladas al momento, provocando una reacción en cadena imparable y en donde la verdad había sido mutilada. Uno de los casos más famosos fue el de la “mega pinta de vino”, una declaración que se atribuyó al abogado de Heard, del que se mofaron por usarla, y que realmente había sido empleada por el actor un minuto antes. 

Esta serie documental no se moja sobre si es verdad que él sea realmente un maltratador o si ella le difamó, sino sobre las consecuencias negativas de la emisión online que, además, tuvo una víctima colateral, el movimiento Me Too y la credibilidad de muchas mujeres a las que se les dijo que si no se comportaban como la víctima perfecta no iban a ser creídas. 

Toni Garcia Ramon (Mataró, 1971) es periodista, escritor, un tipo ocurrente como pocos y un pozo de anécdotas. Ha trabajado para más de un centenar de medios de seis países distintos, desde el 'Wall Street Journal' a 'Cinemanía'. Se pateó durante dos décadas los principales festivales de cine hasta que decidió que si no podía disfrutar de las películas, el tiempo para hacer las entrevistas era ridículo y además había casos en los que directamente perdía dinero, lo mejor era dejar de ir. 

Su último libro, ‘No estoy de cine’ (Catedral) es la historia del niño que encontró en las películas su refugio, alguien que ha visto más de cien veces ‘El Hombre tranquilo’, que tiene 'La cosa' como obra de cabecera, que está obsesionado con Michael Mann y que ha seguido a Tom Waits en conciertos por medio mundo.

Con Garcia Ramon se descubre siempre algo nuevo. Por ejemplo, que Brad Pitt tiene por contrato que en las giras de promoción no quiere conocer gente nueva o cómo se enfadó un presidente de HBO cuando vio el final de 'Los Soprano'. Se aprende de cine, de series, en su caso sin preocuparse por quedar bien con ninguna productora o plataforma, pero también de literatura, música y gastronomía.

Cuando estás al lado de este periodista empequeñeces cual Ally McBeal. Solo te da tiempo de escuchar aunque tengas delante un bocadillo que no sabías que existía o como en esta ocasión te cite en una chocolatería que parece un laboratorio.

Calcula que ha realizado unas 3.000 entrevistas a lo largo de su trayectoria como periodista y escritor. Entenderá mi vértigo a la hora de decidir cuál debía ser la primera pregunta porque al contrario de lo que recomienda vengo con expectativas.

Intentaré estar a la altura.

Quería evitar un libro que fuera una turra y que entretuviera a quienes no sean cinéfilos. Pero al mismo tiempo, como ha destacado Sergi Pàmies, por su contenido y la forma personal en el que está escrito también tiene un punto terapéutico. ¿El cine le ha ayudado a sobrevivir?

A mí me ha ayudado mucho. Cada uno tiene ciertos lugares a los que escaparse. Hay quien escoge un poema, está el que opta por un viaje, otro se sienta en un banco en Las Ramblas y en mi caso la ruta de escape directa ha sido siempre el cine. La base de este libro son las películas que son refugios, aquellas en las que no corro ningún peligro y siempre estoy a gusto.

Sus listados varían con el tiempo, pero la primera siempre es 'El hombre tranquilo'. ¿Por qué?

Primero porque es una película clásica que me recuerda la infancia. La he visto muchas veces con mi padre e incluso con mi abuelo. Segundo porque el director es John Ford, un tipo que siempre me ha fascinado y que perfectamente podría haber sido catalán, siempre malhumorado, con una sensibilidad que casi tiene que esconder. Estamos hablando de los años 40, en una época en la que los hombres ocultaban que habían llorado. John Ford leía poesía y a la vez es el que le da un puñetazo a John Wayne. Fue también el primero que plantó cara a la caza de brujas de McCarthy. Y porque la película es un masaje para los sentidos.

Te trasladas a Irlanda, el tipo que llega al pueblo en el que todo el mundo se conoce, donde el caballo de uno de los protagonistas siempre se para directamente delante del bar. A esa fauna que circula por la película los quiero. Si cuando me muera pudiese ir a un lugar ficticio sería Innisfreem, siempre que estuviesen los personajes de la película. 

¿Cuántas veces la habrá visto?

Más de cien porque la he tenido en todos los formatos que han existido en el planeta Tierra.

John Ford, un tipo que siempre me ha fascinado y que perfectamente podría haber sido catalán, siempre malhumorado, con una sensibilidad que casi tiene que esconder

Explica que empezó a ir al cine porque era un niño sin amigos y ese era su refugio. Después es el adolescente que va al videoclub y ahora no sé si es un adicto a las plataformas o todavía sigue yendo al cine. 

Todavía voy al cine y estoy convencido de que el formato físico volverá a ser exitoso porque a menudo, cuando quieres ver una película concreta, compruebas que en las plataformas no está. 'Los fabulosos Baker Boys', 'Jóvenes prodigiosos', 'Matar a un ruiseñor' y te podría decir una lista larguísima de películas que tengo en Blu-ray, que me ha apetecido ver en los últimos días, y que no están en las plataformas. Obviamente reivindico el regreso al cine porque me parece imprescindible y también el formato físico. 

Las películas han sido mi refugio porque nunca me he llevado bien con los niños. Siempre me han dado un poco de grima, ahora también aunque lo disimulo mejor. Herodes es mi personaje histórico preferido y si hubiese acabado el trabajo nos hubiésemos ahorrado muchos disgustos, en el planeta especialmente. Después, ya de adolescente, más allá de los amores o los amigos, al cine podías ir siempre que lo permitía el bolsillo porque en casa no había mucho dinero. Y cuando ya me lo he podido permitir he comprobado que no hay nada más grande que el cine. Es un cajón de sastre donde cabe todo. Si te interesan la literatura, la arquitectura, la poesía...te interesa el cine. Es la forma más barata de viajar y la manera más eficaz de descubrir el alma de un país es viendo su cine.       

Explica que hay un momento preciso en que uno descubre que una película le atrapa. Pero, por ejemplo, en los libros a veces llegas a la página 50, crees que no vale la pena seguir, le das una oportunidad y descubres que es un buen libro.

Puede pasar pero no son antónimos. Puede ser que aguantes, te parezca una mierda, sigas y llegue ese momento. En 'Entre copas' hay un momento en que Virginia Madsen habla de la Pinot Noir y empieza explicar por qué le gusta. Porque es una viña resistente, porque no es fácil, describe el aire del Pacífico etc...y de golpe todo lo que tienes alrededor desaparece porque solo tienes ojos y oídos para eso. Cuando te pasa es alucinante.        

Este libro es un spin-off de ‘Mata a tus ídolos’ (Catedral). Entre los mitos que desmontaba estaba Anthony Hopkins, un actor que a los que no le conocemos nos parece un tipo entrañable en esos vídeos que publica en las redes.

Pero si lo piensas un poco esto pasa con mucha gente. Hopkins porque es un personaje público pero cuánta gente conoces que de cara al público es encantadora y cuando se apaga el micro les romperías la cara. En el mundo de los actores el porcentaje de idiotas es el mismo o mayor.

¿Por qué?

Porque cuando tocas poder, eres influyente y notas que la gente te mira acostumbras a cambiar tu comportamiento. Ian McKellen decía aquello de 'si hubiese sido famoso a los 20 ya estaría muerto'. En el caso de las estrellas de Hollywood, se requiere una cierta paz y mucha estabilidad psíquica para aceptar que eres un tipo millonario y que te reconocen en todos sitios. Brad Pitt tiene por contrato que no quiere conocer a nadie. Es una cláusula en sus giras de promoción porque al principio, estuviese en una ciudad u otra, aparecía el capo local del estudio de la película con la hija o quien fuese para presentárselo y hacerse unas fotos.   

En 'No estoy de cine' aparece Jodie Foster. ¿Cómo es?

Es una persona extraordinariamente introvertida. Es encantadora, cariñosa pero muy difícil de entrevistar. Es un poco Natalie Portman. Son gente tan inteligente que no sabes si estás entrevistando al personaje o a la persona.   

Habla de películas y también de músicas. 'Blade Runner', un film que dice que no se ve sino que se vive. ¿Sería así sin lo que hace Vangelis en esta obra de Ridley Scott?

No existiría, no sería 'Blade Runner'. Sería otra cosa. Un poco como aquella historia de Alfred Hitchcock que con 'Psicosis' pensaba que no le acababa de funcionar la película. Bernard Herrmann, que era su compositor de cabecera, le dijo déjamela y sale esa escena de la ducha. La música es el pegamento de la fotografía, la dirección artística, el diseño de producción...Todo. Si recuerdas la primera escena de Blade Runner, aquella música, los sintetizadores, es lo que te clava. Si la ves de forma silente te impresiona pero con la música te revienta.

Se declara fan de Van Morrison y Tom Waits. Grandes músicos pero que en sus conciertos no parecen unos tipos especialmente simpáticos.

Tom Waits es muy simpático. En casa tengo un 'bootleg¡, un cd pirata, que es solo con historias que cuenta él antes de las canciones en sus conciertos. Son unas 50 y hay algunas maravillosas. Edgar Lee Masters tiene un libro 'Antología de spoon river', que también le ha influenciado mucho. Es un libro de poemas en el que el narrador se pasea por un cementerio victoriano y explica la vida de cada uno de los que están allí enterrados. 

Me gustan Waits y Morrison porque son 'storytellers', narradores con canciones que explican historias, y porque me interesa la gente que las explica. Recuerdo que una vez entrevisté a George Martin, el autor de 'Juego de Tronos', y mientras me narraba una historia larguísima sobre él y su padre iba pensando que ese hombre podría fascinarme explicando la guía telefónica. Son los narradores reales, los que son capaces de meterte en un estado en el que solo quieres escucharles a ellos.    

Pero cada vez es más complicado hacer entrevistas y menos dedicarle ese tiempo que comenta. Hay festivales en los que ahora han llegado a dar solo tres minutos.

Es que yo vengo de otro mundo. En el mío España aún estaba entre los países más taquilleros del mundo y había un acceso muy grande a todo. Yo estuve 45 minutos con David Lynch en Berlín y muchos otros que ahora no se pueden tener ni se tendrán nunca más. Primero, porque para los estudios España no es relevante en la taquilla. Y segundo porque cuando vienen las promociones son cada vez más cortas. 

¿Pero pasa con todos los países?

No, hay mercados muy potentes como el coreano o el indio a los que aún tienes acceso. O al chino, el japonés y el ruso. 

¿Y si por ejemplo ahora fuese a Cannes o Venecia? 

Pues tal vez te pongan en un grupo de 10 personas para una entrevista que, si tienes suerte, durará 20 minutos. 

¿Por eso dejó de ir?

No, lo dejé por una concatenación de factores. Primero, porque estaba harto. Lo de ir a un sitio 10 días para ver 50 películas dejó de interesarme porque básicamente quiero mucho al cine y dejé de disfrutarlo. Después, porque los accesos para hacer las entrevistas cada vez eran más pequeños y finalmente, porque el resultado era de suma cero. Cuando empecé me pagaban 200 pavos por página y publicaba dos diarias en grandes periódicos y cuando lo dejé eran 50 o 60 euros por página y a lo mejor eran cinco veces durante un festival. No voy a un festival para ganar 100 euros o perder 1.000. Desde un punto de vista puramente pragmático tengo que poder ganarme la vida.

Otro libro que podría escribir sería el del malvivir del periodista 'free lance'.  

Efectivamente. Puedo ganar más dinero quedándome en casa que yendo a un festival. Solo hago cosas que me aseguran un acceso 'privilegiado' a alguien. 

¿Por una crítica mala te arriesgas a que te dejen fuera de las promociones? 

Siempre hay consecuencias. Sobre todo ahora, con las plataformas. Pero yo no entro en este circuito porque no quiero entrar.

¿Es verdad que una vez intentó convencer al presidente de HBO de que 'The Wire' es mejor que 'Los Soprano'?

Sí, concretamente fue a dos, a Richard Plepler y a Michael Lombardo.

¿Sigue convencido de que 'The Wire' es mejor?

Totalmente. Hay una historia muy buena y es que cuando acaba 'Los Soprano', David Chase envía el final en un DVD a Los Ángeles para que lo vea Michael Lombardo. Él se sienta en la sala de proyecciones, se lo pone y al acabar llama a la secretaria y le pide que llame a Chase y le diga que le envíe un DVD bueno porque ese es defectuoso. Ella contacta con Chase y él le responde que es que acaba así. Lombardo montó en cólera, le envió el avión privado y tuvo que viajar de Nueva York a Los Ángeles para explicarle que el final era este. Una serie mítica como esta y que es maravillosa no se puede acabar así. Siempre estará por debajo de 'The Wire' y las dos por debajo de 'Band of Brothers', que me parece la mejor serie de la historia.

Después de decir que odia a los niños no sé si hacer la pregunta pero allá va. ¿Cómo puedo persuadir a un adolescente de que vale la pena ir al cine cuando ha crecido con una oferta que no se acaba en las plataformas?

El cine es un arte pero eso no sé si sirve para un adolescente. Lo que sí puedes decirle es que es una experiencia. Si somos capaces de que vean que el cine es algo que no puedes hacer en casa porque allí no tienes urgencias, no cambias de canal. El cine tiene una magia que es difícil de transmitir si no les acostumbramos a ir. Pero también creo que las plataformas pueden ayudar porque pueden ser un puente para ir al cine a ver otras películas. 

¿Teme que igual que pasa con algunos libros se caiga en un revisionismo hasta el punto de introducir cambios en determinadas películas?

Yo no prohibiría nada. Hace unos años se reeditó el 'Mein Kampf' en Alemania con una edición revisada. Creo que se trata de eso, de contextualizar las cosas. Si te pones a mirar el cine de los 40 y los 50 con la mirada de ahora todo te parecerá un escándalo. Me parece muy absurdo porque es como si yo intentase analizar una película que se hará dentro de 50 años. Y probablemente a la gente que entonces mire el cine que hacemos ahora le parecerá ridículo.    

Si te pones a ver el cine de los 40 y los 50 con la mirada de ahora todo te parecerá un escándalo"

Ya que estamos, ¿qué recomienda de la actual cartelera?

Este fin de semana se estrena 'The Whale', que es alucinante, 'Almas en pena de Inisherin' y 'Los Fabelman' de Spielberg que también es maravillosa.

¿A favor de Spielberg?

Siempre. Es que existe una especie de corriente en contra que lo culpa de no sé qué exactamente. ¿Que si es muy moralista? ¿Qué tiene 'Tiburón' o 'El Diablo sobre ruedas' de moralista? Un tipo que ha hecho una película como 'Munich', probablemente una de las autopsias más salvajes que se ha hecho al estado de Israel.  

En el mundo de las series y el cine está todo prácticamente inventado. Cada vez es más difícil sorprender al espectador con algo que le resulte curioso o distinto. Esta vez Netflix lo ha intentado con una serie transfronteriza donde su único nexo de unión se encuentra en una sala de interrogatorios: allí inspectores y delincuentes se enfrentarán cara a cara. Se trata ‘Criminal’, un thriller encerrado entre cuatro paredes sumamente entretenido.

La novedad de ‘Criminal’, una serie compuesta por 12 relatos cortos policíacos, radica en que sus historias están ambientadas en cuatro países diferentes: España, Francia, Alemania y Reino Unido, las cuales están encapsuladas dentro de los límites de una sala de interrogatorios policial. Tres episodios por país con un equipo de protagonistas y técnico diferente. George Kay ('Killing Eve') y Jim Field Smith ('The Wrong Mans') actúan como 'showrunners' principales de la serie.

El equipo técnico de ‘Criminal: España’ está encabezado por el director Mariano Barroso ('El Día de Mañana') que dirige los tres episodios españoles; mientras, el guion, lo escriben Alejandro Hernández ('El autor') y Manuel Martín Cuenca ('Caníbal'). La serie tiene un elenco encabezado por Emma Suárez y Álvaro Cervantes a los que los acompaña Carmen Machi, Inma Cuesta, Eduard Fernández, Jorge Bosch, José Ángel Egido, Nuria Mencía, Daniel Chamorro, María Morales, Javi Coll y Milo Taboada completan el reparto.

Los tres episodios españoles, objetos de mí crítica semanal, son tres historias diferentes y auto conclusivas protagonizadas por los presuntos criminales Isabel (Carmen Machi), Carmen (Inma Cuesta) y Carmelo (Eduard Fernández). Enfrente estará la policía, con Emma Suárez a la cabeza, para intentar desentrañar toda la verdad y desenmascarar a este trío de criminales.

‘Criminal’, en el cómputo general y como producto seriéfilo, apoya toda su narrativa en el poder del guion y en la fuerza actoral de los protagonistas de sus doce historias. De algún modo, entre esas cuatro paredes de la sala de interrogatorio se establece una apuesta teatral, que solo se rompe brevemente cuando el relato salta a las entrañas de la comisaría o cuando se sitúa detrás del cristal donde los diversos policías observan expectantes el devenir del interrogatorio.

El espectador, gracias al mecanismo narrativo de ‘Criminal’, consigue ser partícipe de esa tónica voyeurística o voyeur que tiene la serie. La audiencia se ‘sienta’ al otro lado del cristal, al igual que los diversos policías, para emitir su ‘veredicto’ del juego del ratón y el gato que se está desarrollando dentro en la sala. De ahí, la utilización de planos subjetivos, semisubjetivos, primeros o escorzos durante el desarrollo de los distintos interrogatorios.

Los episodios procedimentales tienen una estructura narrativa eminentemente clásica (introducción, nudo y desenlace), simple y efectiva, que se apoya enteramente en el poder de los actores y en la dirección de Mariano Barroso. Los primeros, para dar ese empujón extra necesario al guion y el segundo, para aportar tensión y presión en la sala de interrogatorio de ‘Criminal’.

El problema personal que tengo con ‘Criminal: España’, y, seguramente con las demás versiones, es que me falta algo de 'background' o trasfondo. Eso hace que me hayam dejado bastante frío los tres episodios españoles; es decir, de alguna manera no llego a comprometerme emocionalmente con lo que allí está ocurriendo. Se le puede reprochar ser un poco facililla.

Las comparaciones son odiosas, pero s cierto que al ver los interrogatorios de ‘Criminal’ me viene a la cabeza interrogatorios de series como ‘Line of Duty’, la clásica ‘Homicidio’ o la gran ‘The Shield’. Entonces, ahí la ficción de Netflix pierde por goleada antes de empezar. Me resulta inevitable comparar la estructura, guion y actores de esas pequeñas obras de arte de plena entidad dentro de la propia serie. Aun así, hay que reconocerle a ‘Criminal’ que logra construir su propio estilo y tono.

Los actores españoles de manera general consiguen aprobar con cierta nota en ‘Criminal: España’. Quizá sea lo más reseñable y eso posiblemente sea lo mejor que le puede pasar a una serie con estas características. Después, el relato se mueve más o menos bien en el misterio y la tensión de buscar la verdad.

‘Criminal’ y sus cuatro versiones (francesa, española, alemana e inglesa) se encuentran al completo en Netflix. Son episodios auto conclusivos así que podéis ver cualquier capítulo y en cualquier orden.

Jesús Gil, exalcalde de Marbella y expresidente del Atlético de Madrid, es carne de nuestra carne. Es la historia de lo que somos, aunque moleste reconocerlo. Es pasado y presente que hay que evitar. Él fue figura de nuestros mayores males. Un personaje público que debería estudiarse en cualquier clase de historia actual. Político “influyente” del que a día de hoy se pueden establecer paralelismos con partidos con vertiente populista. Gil fue ‘El Pionero’, como indica el mismo título de esta serie de no ficción.

El 7 de julio se estrena en HBO España su primera serie original en nuestro país y no lo puede hacer de otra forma más emblemática: recurriendo a la figura del icónico y carismático Jesús Gil y Gil. Para ello, HBO ha contado con el equipo de ‘Muerte en León’, true crime que analiza el asesinato de Isabel Carrasco, la presidenta de la Diputación de León, compuesto por Enric Bach y Justin Webster. Ahora, este tándem se atreve a contar sin cortapisas la historia de uno de los personajes más controvertidos de nuestro país, desde aquel joven que vendía camiones en Madrid hasta aquel que fundó su propio partido para convertirse en alcalde de Marbella.

Para quien apenas conozca o desconozca quién es Jesús Gil, él fue una de las figuras que rompió moldes en el mundo de la política, el fútbol y la construcción en España. Un personaje polémico, excéntrico y carismático adorado por los medios de comunicación y por el pueblo. Gil siempre supo vivir al filo de la navaja y fue perseguido durante años por la justicia hasta que el Atlético de Madrid fue intervenido y a él se le inhabilitó como alcalde de Marbella.

Una historia con tantos paralelismos reconocibles en la actualidad que sirve para que ‘El Pionero’ se convierta en un documento audiovisual muy potente e interesante. Populismo, soluciones utópicas, carisma, un mensaje simple y eficaz, mentiras, crisis, corrupción o el hartazgo hacia la clase política… Un caldo de cultivo perfecto para elevar a la categoría de mito y héroe a personajes como Jesús Gil.

La docuserie está compuesta por cuatro episodios que se estrenan a partir del 7 de julio, a uno semanal, en HBO España. ‘El Pionero’ llega en un momento en el que Europa y, por lo tanto, España, es un hervidero político y lleno de populistas que acechan en todos los países. Tanto es así que ellos copan horas y horas y letras y letras de decenas de medios de comunicación. Sus barbaridades y/o acciones atraen al espectador y lector amasando una relevancia desorbitada como en su época Jesús Gil. Por eso, es muy fácil entrever ese paralelismo en el primer episodio de ‘El Pionero’.

Este primer vistazo sobre deja muy clara la visión de Enric y Justin: la de explorar la figura de Jesús Gil desde varios ángulos y sin cortapisa. Su perspectiva más magnética, embaucadora y carismática, y, por otro lado, su faceta privada, oscura, corrupta y ambiciosa. Todo ello con una narrativa adictiva y potente que, sin duda, hace de este relato documental algo muy interesante. El público llegará a entender y comprender por qué Gil llevó adonde llegó y cuáles fueron los errores que le llevaron a su declive final.

La serie cuenta con muchos testimonios y entre ellos están los de la familia Gil (hermanos e hijos), futbolistas, amigos, periodistas y rivales políticos, entre otros de la época para acercar al público conocedor o no la figura de Jesús Gil. Un relato documental que me parece básico e interesantísimo a nivel político y social por su vinculación con la actualidad. Gil murió en 2004, pero su manera de hacer política sigue siendo tan efectiva como presente. Él fue un visionario y un pionero en todo lo que se propuso.

‘El Pionero’ apuesta por romper la aliteración de los hechos, al menos en el primer episodio, para buscar una apuesta narrativa más atractiva y ficcional para acercarse y construir el personaje de Jesús Gil, y desde luego es todo un acierto. Además, contar con ciertos testimonios durante el desarrollo de la serie documental lo dota de cierta calidad y relevancia. Por eso, creo que acercarse a este documento y a la figura de Gil es de vital importancia para cualquier tipo de público.

Esta serie de no ficción sorprenderá a muchos y, ciertamente, en este primer vistazo de ‘El Pionero’ me resulta ampliamente satisfactorio porque guardan muy bien equilibro entre ambas facetas de la figura de Jesús Gil. Se estrena el 7 de julio en HBO España y, de verdad, no te la pierdas.

Esta semana cruzo el charco para aterrizar en Chile y escribir sobre una producción televisiva de 2016 que se encuentra en el catálogo de Netflix, por lo que merece echarle un vistazo. Se trata de ‘Bala Loca’, una historia que mezcla periodismo, corrupción y los vestigios del pasado más oscuro del país: la dictadura de Pinochet, de una manera directa y valiente.

La serie está creada por Marcos de Aguirre y David Miranda para el canal Chilevisión (CHV) con una temporada de diez episodios. Un thriller periodístico interesante -con algún que otro bache- y entretenido protagonizado por un elenco que mezcla juventud y veteranía con actores como Alejandro Goic, Trinidad González, Ingrid Isensee, Mario Horton o Fernanda Urrejola, entre otros. La dirección corre a cargo de Oscar Godoy y Gabriel Díaz.

Mauro Murillo (Alejandro Goic), un periodista de investigación que luchó contra la dictadura militar de Augusto Pinochet, se reconvierte con los años en un especialista de la crónica rosa de Chile. Un cambio tan particular que nadie entendió, pero que le llevó a la fama en el país. Sin embargo, un accidente de tráfico que le dejó postrado en una silla de ruedas le cambiará para siempre.

En la actualidad, su vida profesional no se encuentra en su mejor momento tras el rechazo de varios proyectos; mientras, en la personal carga con una separación y un hijo al que tiene absolutamente abandonado. Se encuentra casado con Valeria Sánchez (Fernanda Urrejola) que se enfrentará a los peores demonios de Mauro Murillo.

En el intento de dar un giro a su vida profesional, decide fundar ‘En Guardia’, un portal de periodismo para investigar la corrupción e impunidad de los más poderosos del país. Para ello contará con la respetada periodista Patricia Fuenzalida (Catalina Saavedra). Sin embargo, todo se volverá muy turbio cuando fallece en un extraño asalto a un supermercado a causa de una bala loca.

Una de las cosas más interesantes que plantea ‘Bala Loca’ es el papel primordial y capital del buen periodismo de investigación independiente como eterno perro guardián del cuarto poder. Ese periodismo lejos de la inmediatez y del TT, solo centrado en la búsqueda e indagación de la verdad contra las corruptelas de los poderes públicos. En eso, la serie hace una buena lectura en un país tan hostigado por la corrupción como lo ha sido España; además, se le añade la sombra de la dictadura de Pinochet.

La valentía de ‘Bala Loca’ viene de tratar de una manera clara y directa la propia dictadura de Pinochet y cómo sus vestigios llegan hasta la actualidad, sobre todo en el entorno del ejército. La serie no duda en señalar y explorar cómo Chile busca salir de un pasado extremadamente doloroso -un inciso que me hace recordar la excelente ‘Ecos del Desierto’-. Ese que marcó la vida de tantas personas como la de Mauro Murillo, con el asesinato de su hermano. Demonios que le perseguirán durante todos los capítulos.

El oscurantismo se apodera de la investigación periodística -iniciada por la sospechosa muerte de Patricia Fuenzalida-, cuando se empieza a profundizar en ella. Todo se va volviendo más turbio a la vez que empiezan a aparecer enemigos. Esta investigación, de alguna manera, simboliza la necesidad de cicatrizar heridas y eliminar los vestigios de la dictadura de Pinochet en los poderes públicos. En esto entra el organismo del ejército, que busca blanquear y sellar el pasado.

El pilar central de la serie es el díscolo periodista Mauro Murillo, curtido en mil batallas. Su recorrido profesional y personal espolea la historia de ‘Bala Loca’. Un periodista con varias etapas en el gremio que quiere resurgir de sus cenizas a través del periodismo de investigación; y un recorrido lleno de adicciones y fantasmas del pasado a lo que se le suma estar postrado en una silla rueda, que harán de él un protagonista inestable, cabrón y autodestructivo.

La investigación sobre la muerte de Patrizia -más turbia por momentos- pondrá al límite a Mauro y a su equipo de periodistas. Los llevará a una historia a mitad de camino entre el pasado más oscuro y el presente de Chile. De hecho, ahí es donde reside lo mejor de ‘Bala Loca’, en la exploración de esos lugares truculentos y corruptos. Por eso, la serie flojea y se embarra cuando decide poner demasiado pie en las historias personales de algunos de los personajes secundarios y, en estirar demasiado esa travesía personal caótica de Mauro Murillo. Sin embargo, todo eso se soluciona con una atractiva recta final.

‘Bala Loca’ es una gran opción para aquellos que se quieren salir de lo 'trending topic'. Eso sí, la serie utiliza mucha jerga chilena por lo que os recomiendo que uséis subtítulos, ya que hay expresiones y diálogos que se os van a escapar. Recuerdo, se puede ver en Netflix.

“El aleteo de las alas de una mariposa se puede sentir al otro lado del mundo” Proverbio chino

El efecto mariposa es una de esas teorías físicas que dicta que un pequeño cambio puede conducir a consecuencias totalmente divergentes. Que un desastroso suceso en un pequeño parque de Zagreb puede provocar una distorsión hasta en las estancias más corruptas de Croacia. Incluso una fábula japonesa dice que todos estamos interconectados por un hilo rojo invisible y de ahí que ciertas personas están destinadas a encontrarse sin importar el tiempo, el lugar o las circunstancias.

El hilo rojo de los cuatro protagonistas de ‘Success’, la serie de producción propia de HBO Europa, de alguna manera se queda entrelazado y, como versa la fábula japonesa, este puede estirarse o contraerse, pero nunca romperse. Este drama de origen croata y ambientado en la Zagreb actual tiene en la dirección al ganador del Oscar Danis Tanovic por ‘En tierra de nadie’ (‘No Man's Land’). Una temporada de seis episodios que se puede ver en HBO España.

La historia sigue la vida de cuatro extraños (Kiki, Blanka, Vinka, Haris) que, por causas del destino (o más bien de un macabro y violento suceso), estarán unidos para siempre. A cada uno de ellos, en un estadio de vida diferente, les afectará de una forma, y sin embargo, cuando este hecho empieza a provocar consecuencias imprevisibles, los cuatro tendrán que activar el modo supervivencia luchar contra ellas.

El 'leitmotiv' de ‘Success’ comienza con el asesinato de Viktor en un parque que une como cómplices a los cuatro. Este, novio de Blanka, la está agrediendo en mitad del mismo. Kiki, Vinka y Haris llegan al lugar y, tras una violenta pelea con él, acaban matándolo. Sin embargo, estos quieren escapar de la implicación del mismo porque Viktor es hijo de un importante capo criminal de la ciudad.

Lo que primero llama la atención en ‘Success’ es su excelente empaque visual, ejecutado por Danis Tanavic. Una buena atmósfera y ambientación fría y hostil que remarca el estilo y carácter de la historia que, además, sirve para hacer un pequeño acercamiento a la sociedad croata que se mueve entre la prosperidad y las grandes infraestructuras, pero con una corrupción anquilosada e imperante en gran parte de los organismos públicos. Recuerda a ‘The Paper’, serie que podéis ver en Netflix, y sobre la que ya escribí en el blog.

Lo que realmente me ha gustado de ‘Success’ es cómo de un suceso “menor”, anónimo y aleatorio, es capaz, en solo seis episodios, de realizar una pequeña cirugía precisa de lo corrompido que está el sistema judicial y las instancias políticas croatas por las grandes corporaciones. Una fantástica demostración del efecto mariposa con un tono oscuro y con ritmo.

‘Success’, sin gran alardes y ambición, construye un relato notable y sobrio con ritmo y tensión in crescendo. Una historia dinamitada por un suceso anónimo que se convierte en un thriller sobre la corrupción galopante de Croacia. Quizá se le puede echar un poco en cara la frialdad de algunos de sus protagonistas, pero aparte de eso poco más.

Esta serie croata se puede ver entera a través de HBO España, por lo que, si os gustan las buenas series europeas, ‘Success’ es una buena opción.

“Un hilo rojo invisible conecta a aquellos que están destinados a encontrarse, sin importar el tiempo, el lugar o las circunstancias. El hilo puede estirarse o contraerse, pero nunca romperse”.

Fábula japonesa

La historia de Elena y Lila ha sido una de las que más he disfrutado en los últimos tiempos. Un viaje emocional e histórico-costumbrista que comienza en la Italia de los años 50 y que recorre más de 60 años de esta gran amistad entre dos chicas. Un relato de corte clásico -sin grandes estridencias visuales-, y de extraordinaria belleza que llega directo al corazón. Hay que entrar y enamorarse de esta amistad tan veraz como real entre Lila y Lenú. ‘La amiga estupenda’ se puede ver en HBO España.

El primer libro de la tetralogía de la escritora italiana Elena Ferrante da el nombre a esta adaptación televisiva que ya ha renovado por una segunda temporada. Se trata de una producción de HBO, RAI Fiction y Timvision que ha contado con más de 150 actores, 5.000 extras y un set de grabación de más de 200.000 metros cuadrados. Una producción mastodóntica dirigida por Saverio Costanzo (‘In Treatment’ -versión italiana-), y un guion en el que participan el propio director y la autora de las novelas, Francesco Piccolo y Laura Paolucci. La guinda del pastel lo pone Max Richter ('The Leftovers', 'Black Mirror', 'La Llegada'), el compositor de una banda sonora verdaderamente exquisita.

El gran desafío de llevar a la pequeña pantalla dos personajes tan llenos de matices como Elena Greco (Lenú) y Raffaela Cerullo (Lila) era mayúsculo. Sin embargo, la elección de las actrices no puede ser más acertada: Del Genio y Ludovica Nasti, en el papel de las niñas Elena y Lila, y Margherita Mazzuco y Gaia Girace, que las interpretarán en su edad adolescente. Ellas son el alma de esta primera temporada de ‘La amiga estupenda’. Tan capaces de transmitir esa enorme complejidad que se esconde detrás de sus miradas, gestos y silencios. Todo lo que encierra su lenguaje no verbal.

La historia comienza con la desaparición sin dejar rastro de su amiga estupenda. Elena Greco (Lenú), ahora una mujer de edad avanzada y retirada, abre su ordenador y comienza a escribir la historia de su amistad. Conoció a Raffaela Cerullo (Lila) en el primer año de la escuela primaria en 1950. La serie que, abarca más de 60 años, se ambienta en Nápoles. Mientras Elena trata de desvelar el misterio de su mejor amiga, Lila narra el relato de una las amistades más verosímiles y auténticas que han pisado la televisión en los últimos años.

La evolución de la amistad entre ambas sirve como un magnífico hilo conductor para construir un relato costumbrista. Un recorrido económico, político y social que comienza desde la Italia pobre de la posguerra. Se explora, a través de las transformaciones del barrio donde viven, toda la idiosincrasia de aquellos años. Un viaje intergeneracional que, salvando las distancias, puede recordar mucho -por ese camino costumbrista- a una de las grandes series europeas de todo los tiempos, somo es ‘Heimat’; aunque, esta última abarca un mosaico mucho más amplio y complejo. ‘La amiga estupenda’ es capaz de proyectar a través de un microcosmos, una imagen nítida de la época.

El sello HBO y de la RAI se encuentra detrás de una narración que raya muchas veces lo teatral, incluso en la misma puesta en escena. La fuerza de la imagen radica en ellas dos como personajes llenos de complejidad y matices, y en todos los que son testigos de esta increíble historia de amistad. Un relato contado con la tranquilidad del barquero y el poder de la palabra y del silencio. Todo ello acompañado de una voz en off tan imprescindible como necesaria para lograr y absoluta inmersión del espectador.

La única palabra que puede definir la amistad entre Lenú y Lila es la de real, y tanto es así que, traspasa la pantalla y llega al espectador. Una amistad verosímil que va más allá de cualquier frontera. Una relación pintada en escala de grises llena de anhelos, lealtad, afecto, competitividad, envidia, “odio”, admiración, amor o dependencia. Sin embargo, también existe ese punto de toxicidad necesario para construir esa veracidad en ese lazo de amistad que les unirá toda la vida. Ya que las grandes amistades no son perfectas, sino un compendio de montañas rusas. Ellas dos siempre se llevan en el pensamiento y son su propio mecanismo de superación.

El tranquilo desarrollo narrativo, también se pinta en clave feminista, pero alejado de la estridencia y el panfleto, para mostrar la realidad de la mujer de la época: su papel secundario, las escasas posibilidades de elegir un destino ya marcado, la dificultad de acceso a la educación o los maltratos sistemáticos, entre otras. Ellas dos se apoyarán mutuamente -tanto en lo malo, como en lo bueno-, para intentar escapar de lo que la sociedad espera de ellas.

La amiga estupenda vendría a ser por definición Lila, pero lo que yo realmente pienso es que las dos son sus amigas estupendas. Son dos almas que, a pesar de sus caminos distintos, están unidas de manera inevitable.

La serie ya ha sido renovada por una segunda temporada y, por lo tanto, el relato de Elena Greco y Raffaela Cerullo no ha hecho nada más que comenzar. Una historia de amor rica en matices y complejidad cocinada a fuego lento. Un pequeño retrato pictórico -y evolutivo- de la sociedad italiana desde los años 50.

‘La amiga estupenda’ es una serie de las que no te puedes permitir perder. Si te sigue interesando después de leer mi opinión, se encuentra en el catálogo de HBO España.

Una lista de las mejores series es siempre algo totalmente subjetivo. La gran mayoría de ocasiones está elaborada con un cóctel de sensaciones y objetividad, ya que cada crítico tiene una manera de ver y apreciar una obra audiovisual. Si la semana pasada un puñado de entendidos en ficciones televisivas me ayudó a construir el ranking de las mejores series de 2018, esta semana me embarco yo solo para elegir las cinco mejores y las cinco peores ficciones españolas de 2018.

Sin embargo, antes de ponerme manos a la obra con los dos rankings, es importante decir que este 2018 ha sido un gran año en cuanto a series de televisión en España. No solo en reconocimiento internacional (Emmy Internacional a ‘La Casa de Papel’ y la nominación de ‘El Fin de la Comedia’ a los mismo premios), sino también por la gran cosecha de ficciones que se han estrenado: ‘Fariña’, ‘Presunto Culpable’, ‘La Catedral del Mar’, ‘Sabuesos’, ‘Félix’, ‘Matar al Padre’, ‘La Peste’, ‘El Continental’, ‘La Otra Mirada’, ‘La Verdad’, ‘Vivir sin Permiso’, ‘Vis a Vis’ (4T), ‘Gigantes’, ‘Paquita Salas’ (2T), ‘Mira lo que has Hecho’, ‘Pequeñas Coincidencias’, ‘Élite’, ‘La Víctima Nº8’ o ‘El Día de Mañana’, entre otras.

Este 2018 había mucho donde elegir tanto para lo bueno como para lo malo. Por eso, a continuación os presento las que han sido para mí las cinco mejores y cinco peores series españolas.

Las cinco peores series españolas de 2018

5ª- ‘La Verdad’

La verdad, valga la redundancia, es que la serie estrenada por Telecinco, quizás por todo el tiempo que pasó en el cajón, resultó ser un thriller obsoleto y desfasado, de otra época. Una dirección, fotografía, ambientación y un guion de otra época que hacen deshonor a una gran Elena Rivera que prácticamente es lo que mejor que tiene ‘La Verdad’.

Una historia de intrigas y secretos de manual que no me llegó a causar nada más que inapetencia.

4ª- ‘Apaches’

Realmente hay poca cosa que decir de ‘Apaches’, la serie cuyo estreno Antena 3 retrasó hasta el infinito, y no de extrañar. Normal y lógico. La serie no hay por donde cogerla. Un thriller de robos que ha pasado con más pena que gloria por la televisión. Ni os molestéis en verla porque nada funciona. No la salvan ni los nombres que completan el reparto.

3ª- ‘Sabuesos’

Es inexplicable cómo una serie como ‘Sabuesos’ se estrene hoy en día en el 'prime time' de una televisión pública como RTVE. Lo siento, no lo comprendo. Es difícil describir en cuatro líneas el despropósito. Solo mirad un tráiler de la serie para que comprendáis lo que intento explicar.

Remito su sinopsis: Alberto es un hombre alocado cuyo mayor sueño es convertirse en detective. Para resolver los casos más difíciles, de los cuales es un apasionado, contará con ayuda de un perro parlanchín.

2ª- ‘Fugitiva’

La serie ‘Fugitiva’, protagonizada por Paz Vega, tiene todo lo que se puede odiar de algunas de las series españolas de antaño. Un thriller de baratillo con vocación “internacional” que hace aguas desde el minuto uno. Una apuesta nefasta de RTVE para olvidar.

1ª- ‘El Continental’

‘El Continental’ tenía una pinta acojonante. Sí, acojonante. Un reparto de lujo con prácticamente todo el 'star system' español. La realidad es que en los avances nos engañaron como a tontos. La serie es un absoluto despropósito, un horror, un sufrimiento y una copia mala, barata y zafia de la espléndida ‘Peaky Blinders’. De hecho, a los pocos episodios fue relegada al olvido: al 'late night'.

Las cinco mejores series españolas de 2018

5ª- ‘Arde Madrid'

La serie creada por Paco León y Anna R. Costa ha sido una grata sorpresa y una buena apuesta de Movistar+ por una comedia diferente. Su hándicap y clave ha estado en mostrar un retrato que se mueve entre la sátira y el drama costumbrista de la época. Muestra y exprime de la forma más absurda posible la moral, ética y valores del franquismo.

La serie no es ni muchos perfecta, pero, sin duda, ‘Arde Madrid’ es muy disfrutable. Además, ver a Inma Cuesta, Anna Castillo y Debi Mazar es un lujo.

4ª- ‘Mira lo que has hecho'

Prácticamente sin hacer ruido la serie creada por Berto Romero para Movistar+ se ha ganado a gran parte de la crítica. Eva Ugarte y Berto transmiten química, naturalidad y veracidad a esta historia de padres primerizos que merece muchísimo la pena.

‘Mira lo que has hecho’ evoluciona muy bien y al final logra adquirir un fantástico equilibrio en lo cómico y en lo dramático que le sienta fenomenal a la historia.

3ª- ‘Gigantes’

‘Gigantes’, la serie de Enrique Urbizu protagonizada por Daniel Grao, Isak Férriz y Carlos Librado “Nene”, es un thriller donde los lazos de sangre y la violencia están íntimamente unidos. Un universo decadente y truculento sobre hombres, a cuál más cabrón, que se resisten al paso del tiempo.

2ª- ‘El Día de Mañana'

‘El Día de Mañana’, la serie que a priori tenía menos promoción de Movistar+, ha sido la mejor de la promoción de 2018. Un retrato emplazado en Barcelona sobre una España donde el franquismo empezaba a perder fuerza y donde los vientos de cambios ya azotaban las calles del país.

La historia dirigida por Mariano Barroso y escrita por Alejandro Hernández, basada en la novela homónima de Ignacio Martínez de Pisón, está fantásticamente protagonizada por Aura Garrido y Oriol Pla.

1ª- ‘Fariña’

‘Fariña’ o la historia de Sito Miñanco se ha ganado con creces estar en lo más alto de este ranking de las mejores series españolas de este 2018. Para mí, es la ficción del año, sin duda. La adaptación del libro homónimo de Nacho Carretero literalmente lo ha petado en televisión.

Durante 10 episodios, ‘Fariña’ ha conseguido mantener pegado al sillón al espectador. Un relato de poder, mafia, contrabando y tejemanejes políticos han cautivado a crítica y público.

No, ‘Arde Madrid’, no es una comedia extremadamente rupturista en España, pero es cierto que poco a poco las comedias españolas empiezan a explorar otros caminos. En ese sentido, la serie creada por Paco León (‘Kiki, el amor se hace’) y Anna R. Costa (‘Ventdelplà’) para Movistar, tiene un punto muy especial. Ambos creadores viajan al Madrid de los años 60 para mostrar su visión socarrona y picante del costumbrismo franquista a través de los ojos de Ava Gardner (Debi Mazar).

La decisión artística de narrar los ocho episodios en blanco y negro, no hacen nada más que constatar el énfasis de Paco León y Anna R. Costa en trasladar al espectador a aquellos años de franquismo, tradición, encaje y bolillo. Un costumbrismo rancio que poco a poco se resquebrajaba gracias a los vientos de libertad y modernidad que entraban desde el exterior y que resultarían imparables para el régimen. Entonces, aquella 'dolce vita' madrileña de los años 60, se convirtió en todo lo que el franquismo odiaba, pero que debía permitir.

En la casa de Ava Gardner, a modo de Caja de Pandora para el régimen, se desarrollan las fiestas más salvajes y glamurosas de Madrid, de esas que duran hasta el amanecer; incluso molestaban diariamente a sus vecinos Juan Domingo e Isabel Perón recién exiliados de Argentina. La vida de Ava, antítesis de la España franquista, se desarrolla entre la libertad, sexualidad y derroche.

Para espiar los “malos” hábitos de Ava Gardner y, de paso, descubrir a algún anarquista o comunista se infiltra Ana Mari (Inma Cuesta), una instructora católica, apostólica de la Sección Femenina, reconvertida en criada de la diva de Hollywood. Junto a ella, su “marido” Manolo (Paco León), un buscavidas y vividor, que llegará a comerciar con las bragas usadas de la actriz. También se encontrará la jovial e inocente Pilar (Anna Castillo), tan poco preparada para la vida como los problemas que se le vienen encima.

'Arde Madrid’ se aleja de ser una crítica extremadamente ácida sobre el franquismo. En mi caso, era lo que esperaba. Sin embargo, el relato explora ese camino, pero de otra forma bien distinta. Paco León y Anna R. Costa toman la opción más socarrona y paródica, con pequeñas gotas surrealistas para satirizar y reírse de las cataduras morales y éticas del propio régimen. Esto se mantiene siempre latente durante el desarrollo de la temporada, aunque realmente lo que espolea la serie es la historia de Manolo, Ana María y los gitanos, que no termina de tener la fuerza, desarrollo e interés suficiente.

Sin embargo, la serie gana en ese camino de mostrar y exprimir de la forma más absurda posible la moral, ética y valores del franquismo. En representar todo lo que el régimen odiaba, pero que a la vez muchos anhelaban, envidiaban y suspiraban en secreto. Dos mundos opuestos: modernidad y libertad versus inmovilismo franquista. Ana Mari y Manolo representa a esa España inmersa en la censura, la moral católica, la picaresca y la represión, mientras que Ava Gardner es el glamour, fiestas y la libertad sin cortapisas.

El retrato se mueve entre la sátira y el drama costumbrista, como ya hiciera Paco León en ‘Carmina o revienta’ o ‘Carmina y amén’. En este caso, el papel de la mujer se antoja como el más importante dentro de ‘Arde Madrid’ por esos personajes femeninos tan fenomenales y, sobre todo, por la representación de la libertad sexual femenina al más estilo particular del creador. Algo de lo que nunca sobra hablar.

El reparto -incluidos los cameos- se antoja soberbio comenzando por Debi Mazar, con lo que supone dar vida a Ava Gardner, pasando por Inma Cuesta, en un papel a su medida, y terminando por la gran Anna Castillo.

‘Arde Madrid’ ha resultado ser una primera y agradable propuesta televisiva de Paco León y Anna R. Costa. Sin ser perfecta, la serie supone un pequeño soplo de aire fresco para la televisión y se suma a otras propuesta diferentes como ‘El fin de la Comedia’, ‘Mira lo que has hecho’ y próximamente ‘Vota Juan’. La serie se encuentra disponible en Movistar.

El humor al más puro estilo chanante, sí, aquel programa de humor que desembarcó por primera vez en 2002 en el mítico programa comandado por Joaquín Reyes y que contaba con ayudantes de la talla de Ernesto Sevilla, Raúl Cimas, Julián López o Carlos Areces, entre otros. ‘La hora Chanante’ supuso un soplo de aire fresco y surrealista al panorama cómico español que cautivó y enganchó a miles de personas. Reyes y Sevilla únicos, irreverentes y especiales, vuelven con ‘Capítulo 0’, un nuevo proyecto en forma de serie que sorprenderá a seguidores y no seguidores del “universo chanante”.

En ‘Capítulo 0’, serie producida por Movistar+ junto con 7 y Acción, Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla tienen un presupuesto más que suficiente para presentar una ficción atractiva a nivel visual. “Por primera vez tenemos dinerete y se ve”, declaraba Joaquín en el programa “El Hormiguero’, el espacio dirigido por Pablo Motos que, curiosamente, es el creador de la productora (7 y acción). Un viaje alucinante y surrealista -en el sentido más estricto- de cinco episodios a las entrañas de algunas de las series de televisión y películas más reconocibles de la historia.

El guion lo firma gente de la talla de Miguel Esteban y Raúl Navarro (‘El fin de la Comedia’), Marc Crehuet, Sergio Sarriá y los propios Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla. En la dirección, los cuatro primeros episodios están dirigidos por Ernesto Sevilla y, el último, por Miguel Esteban y Raúl Navarro. En cada uno de ellos se narra una historia cerrada en la que será reconocible alguno de los personajes más famosos del “universo chanante”, además de parodiar distintos géneros televisivos y cinematográficos. Un repaso hilarante e irónico de los clichés de las 'buddy movies', series de asesinatos, comedias de situación y películas de ciencia ficción más características.

Un popurrí de parodias en las que se ven series de televisión y películas tan reconocibles como ‘True Detective’, ‘Psicosis’, ‘Nip/Tuck’, ‘BIG, la película’, ‘Stranger Things’, ‘El Resplandor’, ‘Westworld’, ‘Terminator’, ‘Hannibal’, ‘Seven’, ‘Cosas de Casa’, ‘El Silencio de los Corderos’, ‘Cosas de Casa’, ‘Star Trek’, ‘A golpe de Bisturí’, ‘Rex, un policía diferente’ o ‘Un cadáver a los postres, entre otras referencias y homenajes. Eso sí, todas ellas con el particular y característico sello chanante característico.

‘Capítulo 0’ busca desmarcarse de lo que anteriormente habían hecho Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes -los sketches-, para buscar ahora un formato serial. Cinco historias en cinco capítulos salpicados de surrealismo y humor que tiende al absurdo tan característico suyo y que incluso pueden disfrutar aquellos que no comulguen tanto o no hayan visto nada de los chanantes.

Ernesto Sevilla y Joaquín protagonizan cada una de las historias, aunque los acompañarán un puñado de actores y cameos especiales: Raúl Cimas, Julián López, Arturo Valls, El Gran Wyoming, Natalie Pinot, Juanma Lara, Andrés Velencoso, David Pareja, Sabrina Praga o Paco Marhuenda, entre otros. Una mención para el gran Javier Bonet por descubrir al público su vena humorística.

Por lo tanto, ‘Capítulo 0’ es una excelente recomendación para aquellos que quieran sumergirse en los mundos extravagantes, hilarantes y surrealistas de los chanantes. Un must para los seriéfilos y cinéfilos más avezados que, sin duda, les levantará más de una carcajada. Se encuentra en el catálogo de originales de Movistar+ y, aprovecho, para recomendar la excelentísima 'Gigantes' de Enrique Urbizu.

Seguramente muchos de vosotros solo conocéis a la popular escritora J.K. Rowling por sus novelas de Harry Potter y todo el gran universo que creó en torno a esos personajes. Sin embargo, la británica escribió tres novelas detectivescas bajo el seudónimo de Robert Galbraith en los años 2013, 2014 y 2015: ‘The Cuckoo's Calling’, ‘The Silkworm’ y ‘Career of Evil’, en una aproximación muy acertada al género negro en su lado más clásico.

La cadena británica BBC One se encargó de adaptar las tres novelas de Robert Galbraith y que en España han llegado de la mano de la plataforma HBO. ‘Cormoran Strike’ cuenta como protagonistas con los actores Tom Burke y Holliday Grainger. La serie se estructura en tres temporadas que corresponden con los tres libros en un total de siete episodios. Son suficientes para generar el buen éxito que ha cosechado entre los británicos y los propios fans de la escritora.

‘Cormoran Strike’ se centra en la pequeña agencia de detectives del veterano de guerra Cormoran (Tom Burke), en la calle Denmark de Londres. Es un excombatiente que a pesar de tener heridas psicológicas y físicas, destaca por su gran habilidad, intuición y la experiencia adquirida en la Sección de Investigación Especial, lo que le han convertido en un gran investigador.

Strike no atraviesa por un buen momento ni en lo laboral ni en su vida. Sin embargo, la llegada de Robin (Holliday Grainger) le supondrá un punto de inflexión. Los dos formarán un tándem complejo y perfecto para resolver aquellos casos que se le escapan a la policía londinense: el “suicidio” de una modelo internacional, la desaparición de un díscolo escritor y las amenazas al propio Cormoran.

La serie que propone ‘Cormoran Strike’ no deja de ser una historia de detectives a la vieja usanza, una oda al cine negro, sin utilizar grandes artificios y posando todo el peso de la narración en las espaldas de ambos protagonistas. La clave recala en que realmente se está ante una ficción que sabe a lo que juega, es honesta y lo hace con mucho cariño.

Cada una de las temporadas corresponde a una historia distinta y cerrada donde el hilo que las une es la evolución y desarrollo de ambos protagonistas. Los relatos detectivescos juegan y mantienen bien el suspense y la intriga. Todos los elementos funcionan muy bien: protagonistas, antagonistas, giros de guion, ritmo y tensión. ‘Cormoran Strike’ desarrolla y dota de interés los tres casos policiales mientras que poco a poco se van revelando las personalidades y el pasado de Strike y Robin.

La relación entre Strike y Robin es el punto principal y clave para engancharte a ‘Cormoran Strike’ durante todos sus episodios. El desarrollo de la relación entre ambos se cultiva y construye excepcionalmente bien. Se convierten en confidentes. Sin embargo, individualmente también salen ganando los dos protagonistas.

Strike, atormentando por hechos en su pasado y con gran espíritu de superación, va ganando complejidad e interés según avanza la historia, resultando ser un personaje inteligente, lleno de contradicciones y miedos. Robin, su nueva ayudante, se revela como el personaje estelar de ‘Cormoran Strike’ sin lugar a dudas. Dentro de esa “vulnerabilidad” se esconde una persona llena de fuertes convicciones. Posiblemente sea con el personaje que más empatices de toda la serie. Ellos dos son el auténtico adalid del relato.

Si te apasionan las historias de detectives a la vieja usanza con dos buenos personajes protagonistas, merece mucho la pena que eches un vistazo a ‘Cormoran Strike’, la serie que adapta las novelas de J.K. Rowling. Se puede ver en HBO España.

“Encera, mano derecha. Pule, mano izquierda, encerar, pulir. Inhala por la nariz, exhala por la boca, encera, pule. No olvides respirar, muy importante.”

Miyagi

En el año 1984 se estrenaba en los cines ‘Karate Kid’ una de esas películas tan inolvidables del cine los años 80. Daniel Larusso, interpretado por Ralph Macchio, viaja a Los Ángeles y por una serie de circunstancias conoce a Miyagi, interpretado por Pat Morita, un maestro de artes marciales que le cambiaría la vida para siempre. La película tuvo dos continuaciones más, con Larusso como protagonista, convirtiéndose en una trilogía. Después en el 94 con ‘El nuevo Karate Kid’, tomaría el mando la actriz Hilary Swank, y, por último, en 2010, con ‘The Karate Kid’, Jaden Smith, el hijo de William Smith, se convertiría en el discípulo de Jackie Chan. Este último 'remake' es totalmente olvidable.

La saga de ‘Karate Kid’ también saltó a la televisión con una serie de dibujos animados en 1989. Ahora, 34 años después, con el nombre de ‘Cobra Kai’ vuelve en el 'streaming' la continuación de la historia de Daniel Larusso y Johnny Lawrence (William Zabka), eso sí, más mayorcitos y con los achaques de la edad. Sin embargo, la rivalidad entre ellos sigue estando intacta décadas después.

YouTube, con el estreno de ‘Cobra Kai’, cuyo primer episodio está a punto de superar los 40 millones de reproducciones, se pone así en el punto de mira como creador de contenido desde una visión más 'mainstream' y mundial, aunque el popular servicio de vídeo lleva un par de años produciendo contenido propio. De hecho, supera las 50 series estrenadas en este periodo de tiempo: ‘Impulse’ es su última ficción estrenada. Mientras, en ‘Cobra Kai’, sus dos primeros capítulos están de forma gratuita y los demás se pueden alquilar al precio de 2,5 euros el episodio.

El tiempo no pasa en balde, y 30 años después, de la final de 1984 del torneo de Karate All Valley, la vida ha deparado cosas muy distintas para sus protagonistas. Johnny Lawrence, el mítico Cobra Kai, no se encuentra en un buen momento de su vida, mientras que Daniel Larusso se ha convertido en un magnate de la venta de automóviles.

La vida de Johnny se cruza con la de Miguel, un joven que sufre 'bullying', y el mítico alumno Cobra Kai decide de nuevo abrir el dojo de karate. Esto le conlleva a un viaje a través de los ecos y recuerdos del pasado.

Cuando menos te esperas de una serie, esta te sorprende para bien, ¡bendita nostalgia! Esta continuación/secuela de la saga original de ‘Karate Kid’ ha sido un verdadero acierto por parte de YouTube, tras el 'reboot' protagonizado por el hijo de William Smith allá en 2010. La serie creada por Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg y Josh Heald consigue recuperar la esencia más ochentera de la franquicia creada por Robert Mark Kamen dándole visos más modernos y una vuelta de tuerca a lo que fue la historia original. Sin embargo, para entrar y disfrutar de ‘Cobra Kai’ es necesario ver, al menos, la primera película.

La serie es un torrente de nostalgia que hará las delicias de los fans y que también servirá para acercar el clásico de los ochenta a las nuevas generaciones. Los diez capítulos de esta primera temporada se convierten en un gran entretenimiento. Además, que cada uno de ellos dure solo 30 minutos ayuda a conseguir un buen pulso y ritmo narrativo. ‘Cobra Kai’ escudriña a la perfección la mejor esencia de la saga primigenia. Las referencias están por todos los lados: guiños, frases, personajes y, sobre todo, vuelta a los lugares más míticos de ‘Karate Kid’. También se rememoran escenas, pero esta vez relatadas por los protagonistas desde un punto de vista personal desconocido, enriqueciendo la historia. Ya no es todo blanco y negro. Ni los malos eran tan malos y ni los buenos son tan buenos. Esto quizás es otro de los puntos interesante de la ficción.

‘Cobra Kai’ afronta muy bien el cambio generacional porque deja muy claro que las cosas han cambiado mucho desde que Larusso y Johnny eran rivales en el dojo. Revitalizan muy bien los temas que tratan, aun siendo consciente que viene de una saga de los ochenta. Este nuevo 'revival' elimina el maniqueísmo -muy de agradecer-, para mostrar todos los claroscuros de los personajes, pero sobre todo de los dos protagonistas. Sin embargo, el gran peso de esta primera temporada lo recoge el actor William Zabka. Desde su visión y evolución cambia el concepto que se tenía de él en la película.

El nuevo revival de ‘Karate’ Kid’, ‘Cobra Kai’, es una buenísima secuela que merece mucho la pena. Una historia muy entretenida con sus toques de humor que sorprenderá a los fans de la saga y a los que la quieran descubrir. Esta vez la nostalgia sí merece la pena.

El próximo 11 de septiembre se cumplen 17 años de uno de los ataques terroristas más brutales de la historia moderna. Las Torres Gemelas de Nueva York se derrumbaron delante de un país que miraba atónito lo que estaba pasando. Bin Laden y Al Qaeda, aquellos que nacieron de la ayuda de EEUU en su intento de frenar a los soviéticos, dejaron para siempre su sello aterrador en el imaginario mundial y cambiaron para siempre las reglas de la geopolítica internacional y la lucha antiterrorista.

Tras el 11-S muchas han sido las películas, reportajes, documentales, series y programas que han explicado y descrito todos los detalles de la tragedia. Todo está prácticamente contado. Sin embargo, a la cadena Hulu no le ha molestado esto en absoluto a la hora de adaptar en forma de miniserie de diez episodios, la novela ‘The Looming Tower’ del escritor Lawrence Wright. Desde el suceso, siempre se ha movido en la información, la teoría y la conspiración. En esta ficción, que se puede ver en Amazon Prime, explotan o recorren una de esas teorías. Dan Futterman, Alex Gibney y el propio escritor son los encargados del libreto.

‘The Looming Tower’ navega por la creciente amenaza de Bin Laden y el grupo Al-Qaeda a finales de los noventa y cómo la competencia y rivalidad entre la CIA y el FBI pudo “allanar” el camino para que sucediera la tragedia del 11 de septiembre. La historia pone el foco en los miembros de las divisiones antiterroristas, Escuadrón I-49 (FBI) en Nueva York y la Estación Alec (CIA) en Washington DC, en su lucha constante por conseguir el poder de la información mientras “supuestamente” trabajan para prevenir un ataque en suelo estadounidense.

Los vericuetos de la serie comienzan con la llegada de un disquete a la Estación Alec, donde apenas llevan tiempo estudiando a fondo a Bin Laden y Al-Qaeda. Al frente de ella esta Martin Schmidt (Peter Sarsgaard), un oficial receloso y desconfiado, que no duda en esconder, ocultar o guardar toda la información que llega a su departamento. Mientras, su homólogo en el FBI es John O'Neill (Jeff Daniels), jefe de la división antiterrorista. Su rivalidad y recelos traerán consecuencias irremediables y trágicas en las investigaciones, ya que las trabas interpuestas por el primero evitaron su mejor desarrollo, a la vez, que el problema crecía imparable y los enemigos cruzaban la frontera de los Estados Unidos.

O'Neill, mucho más histriónico y pasional, veía como la lucha contra Al-Qaeda se perdía poco o poco por culpa de la inoperancia de un sistema burocrático retratado de una manera simple y efectista. Su único objetivo era atrapar Bin Laden mientras que asistía atónito en sus propias carnes que sus propios enemigos estaban dentro de las instituciones gubernamentales de los EEUU. Martin Schmidt, primero, y después Diane Marsh (Wrenn Schmidt), guardaban secretos claves que hubieran dado la posibilidad de evitar el 11-S. En esta lucha encuentra en Ali Soufan (Tahar Rahim) un perfecto aliado contra la lucha internacional.

‘The Looming Tower’, con un toque muy ‘Homeland’, viaja a Kenia para ser testigo del atentado a la embajada estadounidense -al igual que ocurrió en Tanzania-. A partir de aquí algo cambió en el concepto que tenían ambos departamentos, FBI y CIA, sobre Bin Laden, convirtiéndolo en el enemigo número uno de EE.UU. Mientras, las instituciones gubernamentales tenían otras cosas más importantes de las que estar pendientes -como el caso de Monica Lewinsky-, no intuían el gran problema que estaba creciendo fuera de sus fronteras. Se abrían dos caminos: una consigna más directa -bombardeos- proveniente de la CIA y, otra más conservadora, por parte del FBI. Unas soluciones que no hicieron más que espolear el problema.

Los intereses económicos en la zona, la alianza con Arabia Saudí, la llegada de George Bush y Condoleezza Rice a la Casa Blanca fueron causas indirectas -o directas- del desastre, según muestra ‘The Looming Tower’. Las decisiones erróneas, la competitividad entre el FBI y la CIA, la ineptitud y arrogancia de sus peces gordos llevan la implicación y la culpabilidad a otro nivel.

La serie explora la vida privada de alguno de sus protagonistas como O'Neill o Ali Soufan. Unas tramas secundarias que no desentonan de la trama principal, cosa que es de agradecer. Quizás para mostrar el sacrificio que hay detrás de este tipo de personas.

Basada hechos reales y en una investigación muy minuciosa de la intrahistoria, ‘The Looming Tower’ no duda en mezclar imágenes de archivo con las de ficción. El impacto es tremendo, sobre todo en las imágenes del atentado y en las de la Comisión del 11-S. La historia mantiene muy bien su pulso dramático y narrativo en gran parte de la temporada aunque pierde un poco de gasolina al final. Sin embargo, hay ciertos momentos en los dos últimos capítulos que tienen un gran poder emocional. Sobre todo, por la incógnita que a día de hoy muchos se siguen planteando: ¿se podría haber evitado tal catástrofe?

La historia de ‘The Looming Tower’ esconde gran parte de verdad, ya que muchos de los agentes implicados fueron cómplices indirectos de lo que ocurrió por su inoperancia, hipocresía y nula responsabilidad. La verdad tras el fracaso.

José de Espronceda. “Canción del Pirata”.

El escritor Dan Simmons, uno de los escritores más prolíficos de la ciencia ficción, publicó en 2007 ‘The Terror’. Es una novela inspirada en los hechos reales que ocurrieron a la expedición británica perdida de Franklin en 1847. Los navíos HMS Erebus y el HMS Terror, bajo el mando de Sir John Franklin, partieron con el objetivo de atravesar y explorar el último tramo del Paso del Noroeste. Sin embargo, se quedaron atrapados en las inmediaciones de la isla del Rey Guillermo. Barcos que se encontraron hace apenas unos años. El libro de Simmons se empieza a construir a través de su propia investigación de los hechos. Ahora, la cadena AMC adapta la novela homónima en formato de miniserie sobre las desventuras de estos 128 marineros.

Dave Kajganich es el creador de la adaptación televisiva de ‘The Terror’, en la que se encuentra como productor Ridley Scott (‘Blade Runner’, ‘Alien, el octavo pasajero’). La serie de diez episodios cuenta con un reparto conocidísimo encabezado por actores de la talla de Jared Harris (‘Mad Men’), Tobias Menzies (‘Game of Thrones’, ‘Outlander’) o Ciarán Hinds (‘Silencio’), entre otros. En una historia con toques de ciencia ficción que gira en torno a estos exploradores de la Royal Navy que quedaron atrapados al explotar el Paso del Norte. Se podría afirmar a trazos gruesos que ‘The Terror’ es una suerte de ‘Master and Commander’ con una pequeña dosis de ‘The Thing’

Sé que suena a topicazo cinematográfico, pero, el entorno que se construye alrededor de los dos barcos (HMS Erebus y HMS Terror) es el principal protagonista de ‘The Terror’. El paisaje se levanta indómito y sobrecogedor ante estos exploradores de los mares. Un infierno blanco en una historia que pasa de la anécdota a la tragedia. Lo sobrenatural planea una atmósfera que se torna cada vez más enrarecida y tenebrosa para cada uno de los tripulantes de los navíos. Los días avanzan en la cubierta y los problemas crecen. Ellos no lo saben, pero cada segundo es primordial para el devenir de su trágico futuro. La toma de decisiones se ve comprometida cuando la fe y la razón entran en disputa. Solo les queda su humanidad y la cadena de mando para procesar un orden que les mantenga cuerdos.

‘The Terror’ se abre como una fascinante historia de aventuras y terror con un intrigante aroma a ciencia ficción en una narrativa cocinada a fuego lento. La serie se toma su debido tiempo en contextualizar algunas de las historias personales de los exploradores y también en ir atrapando poco a poco al espectador en ese infierno blanco. A pesar de que en el tramo de mitad de la temporada flojea debido a que algunas de las tramas secundarias aportan poco.

En este paisaje helado ampliamente claustrofóbico, la mitología impregna el aire de una desconocida fuerza siniestra, terrorífica y sobrenatural. Los personajes tendrán que convivir y sobrevivir en un ambiente cada vez les resulta más enrarecido. El entorno hostil les quitará poco a poco su misma esencia de humanidad. Por tanto, en ‘The Terror’ se abre un drama de supervivencia donde la lealtad, la amistad y el honor tendrán que luchar contra la más aterradora soledad, el miedo, la traición y el más incipiente frío. El elemento de ciencia ficción se convierte en un simple 'macguffin' para detonar lo miserable y lo noble del ser humano.

La tensión, el hambre y el miedo ponen al límite a cada uno de los tripulantes del HMS Erebus y del HMS Terror resquebrajando poco a poco lo más intrínseco de sus almas: descendiendo al mismo infierno. Sin embargo, ellos nos son los únicos que están al límite, ya que el espectador es parte de este siniestro juego. El drama en ‘The Terror’, durante sus diez episodios, no deja ni un ápice de descanso a la audiencia. Su ambientación y atmósfera llevan al público a un estado de emergencia permanente, por lo que un maratón de la serie que prácticamente descartado por la fatiga mental.

Es irremediable sentir desasosiego debido a esa ambientación tenebrosa y oscura combinada con ese empaque sobrio y ese tono pesimista. ‘The Terror’ en estas aproximadas ocho horas de metraje saca lo peor -y lo mejor- de la condición humana; además, demuestra que el mayor enemigo ante una adversidad de tal magnitud es el propio ser humano más allá de lo sobrenatural de la historia, donde los condicionantes explicitan que realmente solo hay un pequeño paso entre la sensatez y la locura. Todo para certificar que las peores decisiones las toman las personas a pesar de los pesares.

Sin embargo, la única candidez que se encuentra en este bello y aterrador paisaje helado es la de los propios actores. Un gran trabajo actoral de actores como Jared Harris, Tobias Menzies, Paul Ready, Adam Nagaitis, Ian Hart, Nive Nielsen o Ciarán Hinds, entre otros.

‘The Terror’ se abre como una de las series más tenebrosas y duras de lo que llevamos de 2018. Una excelente recomendación de una historia desasosegante que se puede ver en España a través de AMC España.

El anuncio por parte una jueza de secuestrar el libro ‘Fariña’, del periodista Nacho Carretero, tras la denuncia de un exalcalde gallego, precipitó la maquinaria de Bambú Producciones y de Atresmedia. Una publicidad acojonante -porque no se puede definir de otra forma- y que no está pagada con ningún dinero adelantó el estreno de la serie basada en la novela homónima.

Prácticamente ha pasado una semana desde su estreno y tras un gran dato de audiencia, ‘Fariña’ se ha convertido en un auténtico fenómeno para unos y en una referencia para otros. Sí, solo un episodio le ha valido para ser la serie de la que todo el mundo habla -hasta mi padre que prácticamente no ve series de televisión-, o escribe. Una ficción que ni mucho menos es para una audiencia generalista o, por lo menos, es lo que se piensa en parte del mundillo de la crítica. Por eso, sí se intuye cierta valentía y agradecimiento por que por fin este tipo de productos lleguen al prime time español.

La historia de ‘Fariña’ se sitúa a principio de los años 80 en Galicia cuando la melena al viento, el bigotazo y los pantalones de pana estaban de moda. Una década antes, como recuerdan las imágenes de archivo, de que se produjera la Operación Nécora, acción que precipitó la caída de los grandes capos del narcotráfico y el contrabando gallego como Laureano Oubiña (Carlos Blanco), Manuel Charlín (Antonio Durán) o Sito Miñanco (Javier Rey), entre otros jefes. Un recorrido social y político a contrarreloj donde esta provincia española se convirtió en el puerto de entrada de drogas de Europa.

El protagonista es Sito Miñanco, interpretado el actor Javier Rey, un superviviente gallego que vive de la pesca ilegal: un verdadero y descarado buscavidas. El destino y su gran experiencia en la conducción de planeadoras le abrirá el camino para formar parte del contrabando de tabaco. La marca Winston de estraperlo inundaba por aquellos años todos los bares, tiendas y locales de Galicia. Un negocio muy provechoso que llenó los bolsillos de no pocos con de billetes de 5.000 pesetas.

El contrabando y las drogas eran una convención social y política necesaria en aquella época, todos prácticamente chupaban del bote. Un flujo de dinero y poder que ejercía presión en todos los ámbitos públicos y privados de la sociedad gallega. Los capos de la mafia tenían en su agenda a políticos, empresarios, jueces y policías campando a sus anchas por puertos y carreteras. Un ambiente propiciado por un contexto de crisis y empobrecimiento y aceptado como una manera de sobrevivir.

Alberto y Jorge Sánchez-Cabezudo, creadores de ‘La Zona’, establecieron una clave o camino para las próximas series españolas: crear historias locales con una vocación internacional o universal. Desde luego, ‘Fariña’ cumple este requisito fundamental al cien por cien. La historia se contextualiza en Galicia pero tiene la ambición de ir más allá. La serie “menos” Bambú hasta la fecha consigue embriagar a público y crítica en este primer episodio. Bebe o tiene influencias de ficciones italianas expertas en este tipo de género, y entre ellas destacaría ‘Romanzo Criminale’ ya que tiene un arranque y unas perspectivas de desarrollo muy parecidas, salvando siempre las distancias. También se len puede sacar ciertos matices de la popular ‘Narcos’ de Netflix, pero, sin duda, yo me decantaría más por la italiana.

Sito Miñanco, el protagonista de ‘Fariña’, de unos orígenes humildes ve en el contrabando de tabaco no solo una opción de ganar más cuartos, sino también de escalar socialmente y de poder optar a todo lo que tienen esos capos: respeto y poder. A él y a sus amigos Roque (Tamar Novas) y Oli se les quedará demasiado corto ser unos simples lacayos de Terito (Manuel Lourenzo) el jefe de la cooperativa creada por todos los contrabandistas mayores de Galicia. Como pasaría con el Libanés, Freddo y el Dandi en ‘Romanzo Criminale’ querrán demostrar que son mucho mejores que sus predecesores, con el punto de mira fijado en convertirse en los nuevos Reyes de Galicia. Lo que pasa es que montar una empresa que conlleva tantos riesgos no será nada, nada fácil.

El cantante Iván Ferreiro pone voz a la cabeza de ‘Fariña’ y a un primer episodio que no pierde ritmo y pulso narrativo durante sus 60 minutos de duración. En una atmósfera sucia, gris y decadente donde se mueven unos personajes con su destino marcado a fuego. Solo falta que con el paso de los capítulos la serie se vuelva mucho más descarnada y violenta porque una ficción de estas características así lo requiere para ofrecer un relato verosimilitud.

Una de las claves de ‘Fariña’ es Galicia, tanto en sus localizaciones como a través de un reparto casi enteramente compuesto por actores gallegos. Javier Rey lo encabeza, acompañado de Antonio Durán Morris, Tristán Ulloa, Tamar Novas o Manuel Lourenzo, entre otros.

Lo “peros” que pondría a esta primera toma de contacto con ‘Fariña’ es que parte de la historia me parece que va demasiado rápido, sobre todo en referencia al ascenso de Sito Miñanco y sus amigos. Luego, en ciertos momentos me faltan muchas más texturas en la ambientación, a veces, demasiado Bambú.

Quizás pronto todo el mundo cambie “gonorrea”, “malparido” o “hijueputa” por “carallo”, ¿quién sabe? Pero, desde luego, ‘Fariña’ tiene muy buena pinta.

El próximo miércoles 7 de marzo se estrenará el segundo capítulo de ‘Fariña’.

Bonnie y Clyde o Clyde y Bonnie o Thelma y Louise o Louise y Thelma. Las mires por donde las mires, ambas son de las parejas más míticas de la historia cinematográfica. Sus historias han inspirado a miles de guionistas y directores tanto en series de televisión como en películas. Esta semana escribiré sobre James y Alyssa, personajes protagonistas de una revisión fresca, moderna y muy particular del relato en ‘The End of the F***ing World’, que aterrizó hace unas semanas en Netflix.

Se trata de una serie de producción británica creada por Jonathan Entwistle para el canal Channel 4 basada en la novela gráfica de Charles S. Forsman ‘The End of the Fucking World’. Una comedia negra e irónica protagonizada por los jóvenes actores Jessica Barden ('Penny Dreadful’) y Alex Lawther (‘Black Mirror’). Una road-movie francamente divertida, eléctrica e interesante que va a sorprender a aquellos que le den una oportunidad.

La historia se centra en James (Alex Lawther), un adolescente que se autodefine como psicópata y que fantasea con la muerte, y en Alyssa (Jessica Barden), chica rebelde, malhumorada y con pocos amigos. Ambos van al mismo instituto. Su forma de ver el mundo hace que vivan en una aparente y constante infelicidad; ambos congenian a los pocos instantes de verse en la cafetería: el primero fantasea con matarla, y la segunda, lo ve como una especie de alma gemela. Sin meditarlo prácticamente nada deciden lanzarse a un viaje vital que les permita escaparse de sus penosas e insatisfactorias vidas.

Es un tiempo donde el ritmo de la vida es frenético y lo que se sale de la norma suele ser vilipendiado convirtiéndose en un juguete roto de la sociedad. De esto trata, o por lo menos, yo veo ese enfoque en la serie ‘The End of the F***ing World’. Por un lado, James está obsesionado con matar, pero su problema real es que debido a un hecho traumático en su infancia tiene una inquietud brutal hacia el concepto de la muerte. Ella, por otro lado, es una persona visceral que odia a su familia debido al rechazo sufrido por su padrastro y su madre, aunque realmente quiera formar parte de ella. Este el punto de partida de dos personajes que evolucionan muy bien a lo largo de este particular viaje introspectivo en el que se embarcan ambos.

Una road-movie que tiene un afán esclarecedor, es decir, el del aprendizaje de ambos protagonistas. Un camino hacia el descubrimiento personal de dos adolescentes que son dos juguetes rotos sin tener plena conciencia de ello. Porque ‘The End of the F***ing World’ es un paseo existencial, el del crecimiento personal y el autodescubrimiento, a través de la experiencia adquirida por la interacción con la más cruda realidad.

La clave está en la fantástica evolución de James y Alyssa, en cómo su visión particular del mundo se va adaptando y cambiando, a la vez que se dan cuenta que todo no era como ellos creían. Sobre todo, cómo ese choque con el mundo les hace cambiar, al final de la temporada, la realidad de su propia concepción. Una historia sobre el autodescubrimiento, con toques de amor adolescente, que demuestra lo importante que es contar, tener y confiar en una persona.

La serie ha sabido calar en el público por ese aire fresco y gamberro, con ese toque irrespetuoso del humor 'british'. Una road-movie que sabe combinar a la perfección la riqueza de un ritmo más contemplativo, cuando la narración lo requiere, con un ritmo más frenético y electrizante. También su éxito está en cómo la historia es capaz de cambiar de tono de forma natural y orgánica: de lo deprimente a lo alegre o de lo tierno a lo duro. ‘The End of the F***ing World’ se convierte en una comedia ágil con interesantes contrapuntos dramáticos.

Los monólogos interiores se vierten en la pantalla para hacer partícipe al espectador de los pensamientos de ambos protagonistas. Esa voz de sus pensamientos, ideas y opiniones que pueden o no concordar con su comportamiento. Para mí, es otra de las claves del éxito de la serie, junto con los actores Alex Lawther y Jessica Barden.

‘The End of the F***ing World’ es una serie gamberra que le favorece muchísimo la duración de sus capítulos. Una ficción que es un soplo de aire fresco perfecto para maratonear en estos días fríos. Se encuentra en Netflix.

Si hace un par de semana escribí sobre la excelentísima serie italiana ‘Romanzo Criminale’, hoy toca volver al país de las pizzas para comentar ‘Suburra’, la primera incursión de Netflix en este territorio. Una nueva historia manchada de sangre y violencia centrada en Roma, en la ciudad donde sólo El libanés, Dandi y Freddo se atrevieron a gobernar. La crónica más negra de la república italiana regresa a este blog.

El director Stefano Sollima ya adaptí cinematográficamente en 2015 la novela homónima de Giancarlo De Cataldo y Carlo Bonini inspirada en un escándalo político que salpicó a la capital italiana. La serie de Netflix escrita por Daniele Cesarano y Barbara Petronio -ambos escribieron juntos en ‘Romanzo Criminale’- es una suerte de prólogo o precuela antes de que estallara la susodicha crisis. Una mancha negra que se extiende desde el Vaticano pasando por promotores inmobiliarios y terminando en el Ayuntamiento. El crimen organizado y las bandas locales son los árbitros de un juego emponzoñado de principio a fin; sin dejar la mínima esperanza para todos aquellos que están fuera de este sistema criminal y corrupto.

Unos terrenos en la región de Ostia son el detonante de esta historia de violencia y sangre. La disputa por su concesión será una auténtica batalla entre políticos corruptos y el crimen organizado; en este cóctel explosivo no faltará la Iglesia, dueña de ciertas partes. En el ojo del huracán de este juego pernicioso y peligroso se encuentran los tres protagonistas: Aureliano (Alessandro Borghi), el joven vástago del clan Adami; “Spadino” (Giacomo Ferrara), hermano de Manfredi, el jefe del clan gitano; y Gabriele “Lele” (Eduardo Valdarnini), hijo de policía, que se envuelto en este gran lío de rebote.

Sara Monaschi (Claudia Gerini), contable en el Vaticano, intentará que esos terrenos caigan al lado de la empresa de su marido. Sus problemas empezarán cuando el Samurai (Francesco Acquaroli), un especie de “conseguidor” de las grandes mafias del sur de Italia, se inmiscuye en la adquisición de esas tierras. Solo quedan unos pocos días para cerrar la venta ya que el alcalde está a punto de dimitir. Amedeo Cinaglia (Filippo Nigro), un político idealista y con una carrera prácticamente truncada, verá en el mundo turbio de la corrupción una fuente de poder y progreso.

Es difícil escribir una crítica de ‘Suburra’ si se compara con una obra tan magna como ‘Gomorra’ -la tercera temporada se estrenó la semana pasada- o incluso tras ver hace pocas semanas la grandísima ‘Romanzo Criminale’. Por eso la primera impresión que me dio fue un aroma a producto 'mainstream': algo para todos públicos. Una serie prácticamente sin nervio y alma propia, más parecida a una marca blanca de las dos primeras. Quizás ese es el gran precio que tenga que pagar esta ficción de aquellos más avezados en el mundillo seriéfilo.

La verdad es que el inicio de ‘Suburra’ no deja de tener un principio un poco confuso hasta que la trama se asienta. Además, es cierto que la historia va remontando con el paso de los capítulos y al final sí que consigue enhebrar muy bien las diferentes tramas y personajes. De hecho, diría que la resolución de la temporada puede tender puentes al menos más interesantes de cara a la segunda. Sin embargo, la serie no explota temas que antes no se hayan visto en ‘Gomorra’ o ‘Romanzo Criminale’ y los tratan de una forma más superficial. Se echa en falta un poco más ambición en el texto tanto en lo anterior como en la construcción de personajes: todos de manual y algunos carentes de carisma y química. A mí, particularmente, esto último me produce una grave problemática porque me cuesta engancharme mucho a la historia cuando no me apetece ver en pantalla a ninguno de los tres protagonistas. Eso me pasa particularmente con Aureliano, Spadino y Lele: no me terminan de cuajar los actores pero echo de menos un poco más de profundidad en cada de ellos.

‘Suburra’ no hace nada más que afirmar que la corrupción es y será siempre uno de los problemas de cualquier país y, en Italia, parece ser algo casi normal: un problema de andar por casa, aunque España tampoco está para tirar cohetes. En este, caso la red criminal pasa por encima de todos los grandes estamentos -incluso la iglesia- y los buenos políticos son incapaces de escapar de sus garras. Ya sea a través de la extorsión o por la simple erótica del poder y el dinero. Todo el sistema parece estar destinado a estar amañado, como se cansó de decir David Simon en ‘The Wire’.

Sin embargo, hay que reconocer que la temática mafiosa mezclada con política y religión siempre resulta atractiva y en Italia son expertos en este tipo de ficciones. ‘Suburra’ también explora la idiosincrasia de la familia mafiosa y sus nuevas generaciones. Historias que siempre están rodeadas de violencia, muertes y traiciones. Aún así, creo que a la serie le falta más nervio y un poco más de mala leche -a pesar que hay cierta violencia-. Tiene un toque para “todos los públicos” que me echa para atrás.

La fotografía y ambientación de ‘Suburra’ no puede dejar mejor a Roma a pesar de estar mostrando lo peor de ella. Donde unos ven una factura preciosista, increíble y fantástica yo echo de menos una fotografía como la de ‘Romanzo Criminale’ o ‘Gomorra’ porque no solo me hacen entrar en sus historias sino que me proponen algo más y llegan a imprimir su único y propio sello.

‘Suburra’ dará una buena historia morbosa sobre corrupción política y religiosa con mafia de por medio. Ahora, a aquellos que han visto ‘Gomorra’ o ‘Romanzo Criminale’ les parecerá una marca blanca para todos los públicos. Aún así, puedes echarle un vistazo en el catálogo de Netflix.

Hay actores que se pasan su carrera intentando escapar del papel que los encumbró. Matt Leblanc también lo intentó después de Friends, pero tras comprobar que para muchos siempre sería Joey Tribbiani, decidió que lo mejor era asumirlo hasta sus últimas consecuencias.

Ese es el motor que puso en marcha Episodes y el que lo ha mantenido en antena cinco temporadas. También, el que ha convertido a la comedia de Showtime, que en España puede verse en Movistar+ al completo, en una serie no tan popular como Friends pero sí en una fija en la lista de recomendables y reivindicables. Más por méritos propios que por ser popular.

Y no solo por Matt Leblanc. Como le pasa a 30 Rock con algunos de sus personajes secundarios, Episodes tiene otras grandes razones para ser reivindicada, como puede ser su cruel retrato de la industria televisiva estadounidense.

Está Matt Leblanc, interpretándose a sí mismo y prestándose a un retrato no precisamente amable la mayoría de las veces; pero sobre todo están detrás de las cámaras David Crane (uno de los creadores de Friends), y delante, los personajes a los que dan vida Stephen Mangan y Tamsin Greig. Dos guionistas británicos reclutados por una cadena estadounidense (generalista) para hacer un remake de la comedia que les dio prestigio y fama en la televisión británica.

Lo que a ellos les parece el sueño hollywoodiense se convierte en la pesadilla que podría acabar con sus carreras. Episodes tira de humor y explica con bastante mala baba por qué a la televisión estadounidense le encantan los remakes pero por qué casi nunca consigue hacer uno bueno.

Beverly y Sean, convencidos por el peloteo y las promesas, lo dejan todo y se creen que tendrán el poder creativo para enseñarle a la televisión estadounidense cómo se hace un buena comedia, conservando su poder como creadores y guionistas.

Gran error: los índices de audiencia son los que otorgan el poder, los réditos publicitarios, la mejor posición en la parrilla televisiva y el actor/actriz estrella de las portadas en los medios.

Así que lo primero que se encuentran es que Matt Leblanc será el protagonista de su serie, aunque ni de lejos se parezca al protagonista original de su cadena. También verán cómo su futuro lo dictan unos ejecutivos que lo único que tienen claro es que una serie de prestigio sin buenos índices de audiencia no paga sus casas en la playa, sus acuerdos de divorcio ni sus cenas para seguir captando a incautos con los que alimentar sus desproporcionados egos y cuentas bancarias.

A partir de ahí, nos reímos pero también nos compadecemos de Beverly y Sean, los verdaderos protagonistas de Episodes frente a un Matt Leblanc que se presta a que sigamos dudando de si estamos viendo al actor real, al personaje real ficticio basado en él o a Joey con unas cuantas canas, unos cuantos kilos y unas cuantas deudas económicas de más. El género metarreferencial en estado puro.

“Quien con monstruos lucha, cuide de convertirse a su vez en monstruo. Cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro de ti.”

Friedrich Nietzsche

El día 13 de octubre Netflix estrenó a nivel mundial ‘MINDHUNTER’ y en tan solo unos pocos días se ha convertido en una serie candidata a todos los premios posibles. Diez episodios que han servido para descubrir una de las joyas de este 2017. Un thriller psicológico que versa sobre los inicios de la utilización de una nueva metodología que apoya la labor policial a la hora de entender ciertos fenómenos criminales.

John E. Douglas y Mark Olshaker son los autores de ‘Mind Hunter: Inside the FBI’s Elite Serial Crime Unit’, libro en el que se basa Joe Penhall (‘La Carretera’), el creador y guionista principal de ‘MINDHUNTER’. Douglas sirvió como agente del FBI durante los años 70 y fue uno de los precursores en la elaboración de perfiles científicos a través de la investigación de conductas, motivaciones y personalidades de diferentes asesinos. De hecho, él mismo entrevistó a Charles Manson o al Estrangulador de Boston. El incremento de los crímenes en serie en EEUU durante los años 60 forjó la necesidad de cambiar los métodos antes conocidos para adaptarse a un nuevo tipo de criminal: el asesino múltiple. Fue a finales de los años 70 cuando se formalizaron los primeros programas de perfiles psicológicos, siendo cruciales estos nuevos procedimientos a la hora de anticiparse a los próximos movimientos del 'serial killer'.

David Fincher, uno de los productores ‘MINDHUNTER’ y director de películas como ‘Zodiac’, ‘El Club de la Lucha’ o ‘Seven’, regresa a Netflix tras su periplo en ‘House of Cards’. El director estadounidense se hace cargo de los dos primeros y de los dos últimos episodios de esta primera temporada. Suficiente para volver a llevar al espectador a aquellos ambientes sórdidos de las tres cintas citadas anteriormente. Esta vez los protagonistas se intentarán sumergir en la mente de los más atroces y retorcidos asesinos para llegar a comprenderles y su viaje les llevará por las cárceles más truculentas y sombrías.

La historia de ‘MINDHUNTER’ se contextualiza a finales de los años 70, cuando los métodos del FBI se estaban quedando obsoletos. Una época con gran proliferación de asesinos en serie -todavía no existe esa definición para ellos- como Charles Manson, Ted Bundy, Herbert Mullin o David Berkowitz. Para ello el departamento crea en 1972 la unidad de Ciencias del Comportamiento. Esta elaborará perfiles psicológicos a través de entrevistas realizadas a 'serials killers' que se encuentran actualmente encarcelados.

En esta labor ciertamente peligrosa entran Holden Ford (Jonathan Groff), que trabaja como profesor en Quantico, y el agente Bill Tench (Holt McCallany), especialista en conducta criminal. Ellos, junto con Wendy Carr (Anna Torv) como jefa del departamento, empezarán un camino nada sencillo para forjar unos nuevos procedimientos, además de la formalización de nuevo vocabulario que abrirá nuevas vías de anticipación e investigación.

El primer paso o experimentación la obtiene Holden en una entrevista con Edmund Kemper, interpretado brillantemente por Cameron Britton -huele a Emmy-, un asesino en serie que mató a varias colegialas a principios de los años 70 en EEUU. Este testimonio es clave para entender lo importante que es comprender y estudiar a este tipo de criminales, ya que se convierte en una excelente herramienta a un nivel experimental, estadístico y por lo tanto científico, con la finalidad de asesorar a otros departamentos policiales.

El esquema narrativo de ‘MINDHUNTER’ puede sorprender a quienes busquen una serie procedimental e incluso a aquellos que piensen encontrarse algo parecido a ‘True Detective’ o ‘The Killing’ ya que la ficción de Netflix juega a algo distinto y, por lo tanto, puede llegar a extrañar. Su mecánica será la de ir avanzando a través de las diferentes entrevistas a estos asesinos para elaborar unos principios básicos que ayuden a fundar lo que hoy en día se conoce como psicología criminal. Y en esto reside la verdadera complejidad de la serie, en la dificultad de analizar un mundo tan retorcido y truculento: el de navegar a través de las mentes más desalmadas del planeta para averiguar modelos de conductas y motivaciones.

Evidentemente estos mundos tan sórdidos, reflejados fielmente en la pantalla, llevarán adherido un coste personal muy alto para Holden Ford y Bill Tench y les afectará tanto a nivel emocional como sentimental. Todos los vínculos afectivos de ambos protagonistas se verán afectados progresivamente de una manera negativa; pero incluso esta degeneración les afectará a nivel profesional ya que según avanza la temporada serán mayores los conflictos morales y éticos, sobre todo para Holden que le llevará a tomar decisiones profesionales erróneas que de alguna manera afectarán a otros personajes. Todo con el fin de llevar adelante un proyecto que cambiará el FBI.

El verdadero combustible de ‘MINDHUNTER’ es la catarata de entrevistas que se producen con Ed Kemper (Cameron Britton), Monte Rissell (Sam Strike), Jerry Brudos (Happy Anderson) y Richard Speck (Jack Erdie). Ellos son la gasolina que hace a la serie avanzar y que abre un terrible pero, a la vez, apasionante mundo de los asesinos en serie. El espectador se sitúa en los albores de una ciencia que necesita definirse y formarse incluso a nivel léxico. Toda simplificación sería un error.

Si en ‘Homicidio: Life on the Street’, serie creada Paul Attanasio, disfruté como un enano de sus interrogatorios, en ‘MINDHUNTER’ las entrevistas me han resultado igualmente atractivas. Es interesante cómo todo gira alrededor de ellas y que, a través de esas complicadas y comprometidas “relaciones”, intervendrán de una manera relevante en el devenir de los protagonistas y de la historia. Estos diálogos están construidos tanto textualmente como audiovisualmente de una forma muy inteligente, buscando sacar el máximo partido tanto al subtexto como a la puesta en escena. Todo es relevante en cada secuencia dialogal: la importancia de la palabra, el lenguaje no verbal y la disposición de cada uno. La fuerza reside en esta mezcla tan perfecta en la que se nota la mano de David Fincher.

Cerca de las claves que suscita 'MINDHUNTER' la más importante, aparte de la de fundar una nueva metodología, es la de despejar la incógnita: ¿un asesino nace o se hace? Algo que años antes ni se llegaba a cuestionar ya que se obviaba todo lo relativo a componentes psicológicos o sociales del individuo.

Como era de esperar ‘MINDHUNTER’ también es una delicia en lo visual y en esto,se nota la mano de Fincher y sus paisajes tan sórdidos como magnéticos. Él sabe poner la base para retratar un mundo que le resulta tan sumamente familiar. El espectador no tardará en sentirse atraído por esa fotografía embaucadora, sucia y llena de matices. Todo ello aderezado con una banda sonora con matices setenteros.

La producción de Fincher, en la que también se encuentra Charlize Theron (‘Atómica’) y Ceán Chaffin (‘El Club de la Lucha’), se convierte un aporte especial al género 'noir'. Una serie a fuego lento que sabe atrapar al espectador y que me parece una de las grandes recomendaciones de este 2017. Porque es una ficción sobria y compleja hasta el final y porque tiene la gran virtud de tratar al espectador de una forma inteligente.