Más de 70 artistas catalanes han dicho basta a la plataforma Spotify y han presentado esta tarde en el Espai Josep Bota de Sant Andreu (Barcelona) la campaña Boicot Spotify, una iniciativa destinada a convencer a músicos, productores e intérpretes, así como al público consumidor, para que abandonen el servicio de consumo de contenidos musicales más extendido del mundo.

Entre estos artistas destacan especialmente el cantante y compositor portugués afincado en Barcelona Salvador Sobral, ganador para su país del Festival de Eurovisión en 2017, y la pianista y compositora, Premio Nacional de Cultura de Cataluña en 2019, Clara Peya. Ambos han declarado que a partir del 30 de enero retirarán su catálogo de la plataforma.

“En mi caso, ya tengo parte de la discografía retirada, pero ahora ya no dejaré ningún trabajo que tenga mi autoría”, ha explicado Peya, mientras que Sobral ha lamentado no poder retirar las colaboraciones con otros artistas. “De todas formas, mi hermana me ha concedido que si quiero retirar la canción con la que ganamos Eurovisión, Amar pelos dois, ella lo aceptará”, ha dicho el portugués.

Ambos artistas han reconocido que aunque reciben relativamente pocos emolumentos de Spotify, la plataforma sí representa una tarjeta de visita muy importante para programadores de conciertos y festivales, que miden en ella la popularidad de los artistas. “Sentimos cierto vértigo”, ha apuntado Peya. “Y nos quita bastante el sueño, pero estamos comprometidos” ha remachado Sobral.

Anuncios para el ICE e inversiones en drones militares

No son los únicos artistas que se comprometen a retirar sus creaciones de Spotify, les secundan más de setenta creadores y creadoras, principalmente de Catalunya, Baleares y la Comunitat Valenciana que, aunque tienen una producción menor y menos conocida, asumen el riesgo de salir de una plataforma que sirve de promoción a muchos músicos que comienzan o mantienen un perfil mediático más bajo.

Entre los motivos que alegan desde este colectivo, que no son pocos, los representantes de Boicot Spotify han enumerado las inversiones del consejero delegado Daniel Ek en la empresa de tecnología militar y drones Helsing, que alcanza los 600 millones.

También citan los polémicos anuncios de reclutamiento de agentes del ICE, que tuvieron lugar en la plataforma hasta el pasado diciembre. Si bien Spotify aseguró que la campaña había terminado, las tropas de este cuerpo paramilitar de fronteras han adquirido protagonismo estas últimas semanas merced a su actividad en el estado demócrata de Minnesota, donde han asesinado a dos activistas, ciudadanos estadounidenses.

Pésima remuneración y uso indiscriminado de la IA

Virginia Soler, conocida con el nombre artístico de Birch y una de las principales promotoras de Boicot Spotify, ha citado otros motivos para salir de la plataforma. Entre ellos “el mal trato económico que Spotify da a los artistas”. Soler ha asegurado que “el 88% de las pistas de audio subidas a la plataforma no alcanzan las 1000 reproducciones, con lo que sus autores no perciben ni un céntimo”.

Víctor Jiménez, otro de los promotores, ha añadido como motivación el “uso fraudulento de la IA por parte de Spotify,”. Jiménez ha dicho que Spotify utiliza las canciones subidas por los autores para entrenar a su Inteligencia Artificial (IA) generativa, con la que “genera decenas de miles de pistas artificiales por las que no paga derechos a los autores que las han inspirado”. Asegura también, corroborado por el resto de artistas asistentes, que Spotify ha llegado a acuerdos con las grandes discográficas para la creación y promoción de artistas y pistas generadas por IA.

A este respecto, Salvador Sobral advertido que “la IA solo genera entretenimiento, y que el consumo de contenidos de entretenimiento no conseguirá los objetivos del arte, que es romper moldes e innovar, y hacerlo gracias a la creatividad inherente al ser humano”.

También el rapero Levico, de la banda Statu Quoniam, ha intervenido para proclamar que “el abandono de Spotify por parte de un creador es una forma de liberación, porque nos desprendemos de una dependencia muy grande respecto a las métricas, las audiencias y el perfil del artista que realiza el servicio con los datos que te presta y de los que sed sirve para hacer mayor su negocio”.

Levico ha citado a Facebook e Instagram y sus “likes” como un a suerte de droga que condiciona al creador, que sin saber sirve a estas plataformas toda su información privada. Peya, por su parte, ha recordado para terminar que “las artistas no estamos solas en esta lucha, que debe implicar también a los oyentes, por lo que les pedimos que abandonen Spotify y prueben otras plataformas”. Al respecto, el grupo ha recomendado por unanimidad Qobuz, plataforma que, han asegurado, “es la cumple los mayores estándares éticos”.

Finamente, los integrantes de Boicot Spotiy han anunciado que el próximo domingo 1 de febrero revelaran los primeros diseños de entorno gráfico de una propuesta de plataforma musica de código abierto, diseñado por algunos de sus integrantes. “Queremos que a la larga este software sea la base de una cooperativa de oyentes para todo el estado”, ha cerrado Víctor Jiménez.

En el imaginario colectivo, en el mío también hasta que empecé a trabajar en esto, los premios del cine celebran las mejores películas. La realidad es bien distinta, detrás de muchas nominaciones y premios, hay inversión, campañas de marketing, contactos, influencias y lo más importante: grandes empresas y posición social.

A veces ocurre que coincide que esas películas que llegan son realmente buenas, incluso las mejores. Otras no. Otras ves a obras magníficas, emocionantes, bellas, honestas, interesantes, importantes, no encontrar un hueco en estos lugares y ser, en cierto modo, despreciadas por la industria. Y como dicen en mi tierra, me da coraje. Porque lo que les falta no es calidad, sino tener la capacidad y los recursos para moverse en ciertos círculos.

Podrán pensar que esto de los premios es una tontada. Pues no. Porque este sistema tiene algo perverso y es que dependemos de los puntos que dan las selecciones en determinados festivales y premios, para poder levantar los siguientes proyectos. Esto nos afecta, por supuesto, a las pequeñas productoras y creadores independientes, para las que algo así puede determinar si seguimos trabajando o no. Para otros, ampliamente consolidados y sin ningún problema para financiar sus películas, quizá sea más una cuestión de alimentar el ego. O no lo sé. Me lo pregunto muchas veces.

En los últimos días, leo sobre la gran campaña que ha llevado a Sirat a los Oscar, con casi 30 relaciones públicas trabajando para ello. Leo también sus declaraciones sobre el cine de cereal puro (el suyo), frente al cine pan Bimbo (el de otros). Y observo el contraste con los textos de otros cineastas como Jota Linares o Jimina Sabadú que ponen palabras a la realidad que vivimos muchos en este sector y que tiene que ver con la precariedad, con la necesidad de hacer miles de trabajos a la vez para sostenernos, con el cansancio o con plantearse abandonar porque una no puede más.

Por si hace falta aclararlo, creo que Laxe es un gran cineasta y sus anteriores películas, “Mimosas” y “O que arde”, me parecen unas obras bellísimas. Y de hecho, esto no va de él, sino de tratar de señalar desde dónde se habla, porque si hay algo que me enfada, por lo general, es cuando se pasa por alto la condición de privilegio. O peor aún, cuando se nos intenta iluminar o dar lecciones desde las alturas. No, no se puede hablar de “hackear al sistema” cuando eres la personificación del sistema.

Experimentar estética o artísticamente cuando cuando tienes una red económica que te sostiene y todo el tiempo del mundo, que viene a ser lo mismo, no es un acto de riesgo, sino, muchas veces, la seguridad de no tener nada (realmente importante) que perder

Esto me recuerda a cierto tipo de cine celebrado como autoral, comprometido y valiente, con tintes sociales, que sale desde masías en el Empordà o escuelas privadas imposibles de pagar para cualquier familia trabajadora. Claro que muchas de esas películas son buenas, pero cuando son aplaudidas como arriesgadas, justo con esa palabra, “riesgo”, no puedo evitar que se me revuelva un poquito la conciencia de clase. Porque riesgo es otra cosa.

Experimentar estética o artísticamente cuando tienes una red económica que te sostiene y todo el tiempo del mundo, que viene a ser lo mismo, no es un acto de riesgo, sino, muchas veces, la seguridad de no tener nada (realmente importante) que perder.

El cine, la cultura en general, también está atravesada por la clase y sería un ejercicio de honestidad reconocerlo. Reconocer que no todos partimos desde el mismo lugar, que una película independiente, de bajo presupuesto y hecha fuera de Madrid o Barcelona, muy difícilmente podrá ocupar los mismos espacios, ni acceder a las mismas oportunidades, ni ser leída con los mismos códigos.

Sería también maravilloso que la industria y las instituciones que la conforman, dejaran de mirar únicamente los relatos de éxito y de todo aquello que brilla, y se empezaran a preguntar por todo lo que no llega a existir, por las películas que mueren antes de nacer, las que se quedan por el camino no por falta de talento o de ideas, sino por un sistema que no es igual de justo para todos ni ofrece las mismas herramientas.

Sin grandes nombres mediáticos, la temporada de exposiciones de 2026 traerá como principal atractivo la reivindicación de figuras femeninas olvidadas. Tal es el caso de la doble muestra que organizan el Museo Reina Sofía y el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) sobre la artista Aurèlia Muñoz, más reconocida a nivel internacional que en nuestro país. La catalana, que ya tuvo el pasado otoño una exposición en la galería José de la Mano en Madrid, regresará a la capital del 29 de abril a 7 de septiembre en el Reina Sofía con una nueva propuesta titulada Entes. La exposición propone un análisis detallado de cinco décadas de la trayectoria creativa de la artista y también se podrá ver a partir del 5 de noviembre de 2026, y hasta el 29 de marzo de 2027, en el MACBA.

Otra gran figura femenina del siglo XX que tiene presencia en 2026 es la novelista Mercè Rodoreda, autora de obras como La plaza del diamante o Espejo roto. El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) acoge desde principios de diciembre la retrospectiva Rodoreda, un bosque, donde evidencia su importancia y se pone su obra en diálogo con la de 400 artistas en una extensión museística de 1.300 m2. Puede visitarse hasta el 25 de mayo de 2026.

En tercer lugar, cabe destacar la presencia en el Guggenheim Bilbao de una de las artistas estadounidenses más prolíficas de la segunda mitad del siglo XX, la escultora californiana de origen japonés Ruth Asawa, famosa por sus esculturas sinusoidales en alambre. La muestra está organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y el Museum of Modern Art de Nueva York y será la primera gran exposición en un museo en incluir todos los aspectos de la producción de esta autora.

Voces desde la colonia

El segundo aspecto destacable de la temporada expositiva son las voces que desde el sur global analizan la huella dejada en un territorio colonizado y explotado por el capitalismo racista y extractivista. Destacan en especial en este apartado las propuestas del Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) sobre la mexicana Tania Candiani (estreno el 29 de abril) y la colombiana Regina de Miguel, que se estrena el 29 de octubre.

La práctica artística de Candiani confronta técnicas ancestrales con tecnologías contemporáneas, generando fricciones que vinculan tradiciones materiales con nuevas formas de creación. Por su parte, Regina de Miguel explorará también en el IVAM la violencia extractivista y el pensamiento geotraumático, primero en la selva colombiana (Catábasis), después en la cuenca minera de Río Tinto (Nekya).

También es digna de mención la exposición que la Fundació Antoni Tàpies acogerá en Barcelona, de octubre a marzo, sobre la artista sudafricana Penny Siopis. La misma mostrará en esta institución piezas de pintura, dibujo y cine que darán a conocer una obra atravesada por el apartheid desde su perspectiva de una ciudadana blanca de segunda por clase social y origen, ya que Siopis es de origen griego. No menos importante es la muestra que el Guggenheim dedica al cineasta Steve McQueen, oscarizado autor de 12 años de esclavitud y padre de la serie Small Axe, obras en las que, como afrocaribeño londinese, denuncia el racismo anglosajón contra la población de origen africano.

Otras voces destacables del sur global que tendrán muestra en el Reina Sofía en 2026 serán Andrea Canepa (de enero de 2026 a enero de 2027), con un proyecto de intervención de las lonas que cubren el Palacio de Cristal del parque del Retiro, y el bonaerense Alberto Greco (de febrero a 8 de junio de 2026), con una muestra que le sigue desde sus primeras obras en el ámbito del informalismo, a las acciones artísticas que denominó “arte vivo”, basadas en el cuestionamiento de las nociones de obra artística y autoría.

De Rubens a Isabel de Farnesio

En el apartado de arte clásico es necesario citar la exposición que el Museo de Bellas Artes de Valencia (MuBAV) organiza en torno a Rubens. El genio flamenco protagoniza del 2 de julio al 4 de octubre la muestra Rubens. El florecimiento de un genio. La exposición abarcará desde el ambiente que el pintor vivió y respiró en Amberes en el último cuarto del siglo XVI, hasta 1621, año del fallecimiento del archiduque Alberto de Austria, y el comienzo de una nueva etapa política en Flandes. El pasado año ya se pudo contemplar una amplia propuesta similar en CaixaForum.

Otra cita interesante estará en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), que este año planifica su última temporada expositiva hasta 2030 por la ampliación de sus instalaciones. Se trata de la muestra Sant Pere de Rodes y el Maestro Cabestany: la construccion de un mito. Podrá visitarse del 19 de marzo al 29 de junio de 2026 y se adentra en la obra de este escultor, uno de los más destacados del periodo románico en toda Europa. La exposición reunirá más de cien piezas de Cabestany, que van de la escultura a la pintura o los manuscritos iluminados.

Volviendo al MuBAV, acogerá del 18 de junio al 20 de septiembre Antonio Palomino y el otoño del Barroco, que analiza la figura de este pintor y tratadista cordobés, autor de los portentosos programas decorativos de la iglesia parroquial de San Juan del Mercado y de la Basílica de la Virgen de los Desamparados durante su estancia en València entre 1699 y 1704.

La serie del Museo del Prado llamada El Prado en femenino inauguró el pasado 1 de diciembre una muestra dedicada a la reina Isabel de Farnesio (1692-1766) que se puede ver hasta el próximo 24 de mayo de 2026, y donde se expone el legado de la mecenas que más significativamente contribuyó al engrandecimiento del actual museo, lo que da idea de la magnitud y la calidad de la colección que se expondrá.

Finalmente, la Fundación Mapfre de Madrid acogerá la muestra Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914), que revisita el arte prerrafaelita surgido en Gran Bretaña a partir de 1948, con una mirada renovada al explorar la respuesta de las mujeres artistas a este nuevo y estimulante estilo, que surgió en contra del arte académico oficial y se mantuvo vigente hasta los primeros años del siglo XX. Será del 24 de septiembre al 10 de enero de 2027.

Arte del expolio franquista

En el apartado de arte moderno la oferta es amplia y variada. Comenzando con El aura de una saga moderna: Ignacio, José y Marisa Pinazo, una propuesta del IVAM sobre esta célebre saga de artistas valencianos que se inicia el 3 de marzo. Pero sin duda la muestra más atractiva es la que prepara el Guggenheim de Bilbao sobre el pintor Jasper Johns. Titulada, Night Driver, constituirá un recorrido por siete décadas de trayectoria de un artista que renovó la escena artística americana de los años cincuenta, sesenta y setenta.

Otra exposición de interés es la que a partir del 29 de septiembre celebrará, en la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, la amistad entre el pintor y Pere Portabella, en el marco del programa del centenario del cineasta en 2027. Titulada Tàpies, Portabella. Política de la amistad, el punto de partida es la relación profesional y personal que mantuvieron ambos creadores desde su juventud en el tardofranquismo hasta la muerte de Tàpies.

Una muestra altamente recomendable será Tiempos modernos (de 10 de marzo al 31 de mayo), basada en la colección contemporánea del MuBAV. Propone un viaje a través de la pintura valenciana o vinculada con Valencia desde la década de los años cuarenta a los setenta del siglo XX. Cuenta con obras de una serie de personalidades de primer orden como Eusebio Sempere, el Equipo Crónica, Juana Francés, Manuel Hernández Mompó o Jacinta Gil, entre otras, que personifican la evolución de las artes en la España del siglo XX.

En cuanto a colecciones museísticas, Com una dansa d’estornells quiere ser una exposición conmemorativa del 30 aniversario del MACBA, exhibiendo así lo mejor de los fondos de su colección, con artistas como Jean-Michel Basquiat, Samuel Beckett, Antonio Beneyto, Modest Cuixart, Dau al Set, Sílvia Gubern, Ramon Guillén-Balmes, Richard Hamilton, William Kentridge, Joan Miró, Mònica Planes, Joan Ponç, August Puig, Antoni Tàpies, Josefa Tolrà o Josep Uclés entre otros. Hasta el 28 de septiembre de 2026.

También, desde el 19 febrero y hasta el 29 de junio, el MNAC expondrá en sus salas los fondos artísticos incautados por el franquismo mediante el Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional (SDPAN), que el museo todavía guarda y que mostrará, tanto para que puedan ser identificados por los descendientes de sus antiguos propietarios como para evidenciar la magnitud del saqueo franquista.

2026 en fotografía: Avendon y Cristina de Middel

El año fotográfico también es notable. En primer lugar, la excelente exposición sobre Helen Levitt, que ha albergado el Centro de Fotografía KBr de Barcelona, viajará a Madrid para estrenar el año de la Fundación Mapfre. A partir del 6 de junio, también en Madrid, se podrán contemplar las fotografías de Richard Avedon. Richard Avedon – In the American West está organizada por la Fondation Henri Cartier-Bresson en colaboración con Fundación MAPFRE, con obras en préstamo de The Richard Avedon Foundation.

Para Barcelona, el centro KBr ha programado la muestra Walker Evans. Now and Then sobre el mítico fotoperiodista estadounidense, cronista gráfico de la Gran Depresión de los años 30. La exposición reúne fotografías y proyectos clave que recorren toda su trayectoria, desde los autorretratos de los años veinte hasta sus Polaroids de los setenta, junto con libros y publicaciones. Y también otro gran nombre de la fotografía estadounidense del siglo XX estará a partir del verano en el KBr. Se trata de Minor White, figura clave no solo por su innovadora producción fotográfica, sino también por su papel como docente, además de su trabajo editorial como cofundador, editor y director de la revista Aperture.

Para cerrar la oferta fotográfica, destacar la exposición del IVAM Cristina de Middel. Apoteosis Now. Cristina de Middel es una fotógrafa documental y artista alicantina que vive y trabaja a caballo entre Brasil, México y España. Su nuevo proyecto comprende unas 250 imágenes dispuestas en distintos formatos y soportes y lanza el mensaje de que las tendencias ya no se cazan, sino que nos cazan a nosotros. Podrá visitarse a partir del 7 de mayo. Y por supuesto no hay que olvidar las muestras World Press Photo y PhotoEspaña que tendrán lugar en 2026.

Muestras temáticas y multidisciplinares

En cuanto a las exposiciones temáticas y multidisciplinares, que acogen tanto obra artística como aproximaciones a temas de actualidad, se hace necesario mencionar dos muestras de CaixaForum que en 2025 han estado en Madrid y en 2026 viajan a Barcelona. Por un lado, Chez Matisse. El legado de una nueva pintura que se mantiene en la capital hasta 22 de febrero de 2026 y arranca en Barcelona a partir del 26 de marzo y hasta el 16 de agosto.

Este recorrido presenta una amplia selección de obras procedentes en su mayoría del Centro Pompidou, donde las piezas de Matisse dialogan con las de otros artistas contemporáneos y posteriores a los que él influyó. Por otro lado, la exposición Desenfocado. Otra visión del arte, en colaboración con el Musée de l’Orangerie de París, es otro momento destacado de la temporada, con esta muestra colectiva que explora la técnica de lo borroso en el arte, en especial el contemporáneo. 

La muestra parte de la serie de los Nenúfares de Monet y de cómo introdujo el artista el concepto del desenfoque en el arte, de lo borroso y lo impreciso como elementos expresivos. Cuenta con obras de artistas como Alberto Giacometti, Gerhard Richter, Mark Rothko, Eva Nielsen, Claude Monet, Thomas Ruff, Alfredo Jaar, Soledad Sevilla, Christian Boltanski, Mame-Diarra Niang y Bill Viola, entre otros. Permanecerá hasta el 12 de abril en Madrid y el 20 de mayo se estrenará, hasta el 27 de septiembre de 2026, en Barcelona.

Y el gran centro de referencia en España en cuanto a exposiciones temáticas, el CCCB, propone dos interesantes debates en forma de exposición para 2026. El primero se titula El culto a la belleza y abre sus puertas del 20 de mayo al 8 de noviembre. La muestra examina la evolución del concepto de belleza a lo largo de la historia y explora las múltiples dimensiones filosóficas, culturales, artísticas y científicas que la rodean. Contará con obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström o Harriet Davey.

El segundo debate se enmarca en la muestra La era atómica. Abarcará del de noviembre de 2026 al 16 de mayo de 2027 y analizará este nuevo tiempo y sus vínculos con la ciencia, la política y la cultura a través del arte de los siglos XX y XXI. Con cerca de 250 obras –pinturas, dibujos, fotografías, vídeos e instalaciones–, junto con documentos a menudo inéditos, la exposición reúne una gran variedad de respuestas al progreso científico y las controversias que suscita, con obras de artistas como Hélène de Beauvoir, Henri Becquerel, Bruce Conner, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Hilma af Klint, Jürgen Nefzger, Yoko Ono, Raymond Pettibon, Joan Rabascall o Nancy Spero.

La mayoría de las películas que conforman la corta filmografía de Brigitte Bardot —se retiró con solo 39 años— no destacan por grandes guiones, a pesar de contar con una actriz con gran capacidad de abordar papeles dramáticos, algo que no se valoraba especialmente en el mundo sexista de entonces que la alzó como mito erótico. No obstante, hay algunos títulos excepcionales, ya fuera porque lanzaron a la actriz al estrellato internacional o porque tanto el guion, los directores o sus coprotagonistas exigieron lo mejor de sus dotes interpretativas.

Aquí cinco películas inolvidables que marcaron su trayectoria:

'Y Dios creó a la mujer' (1956)

Escrita y dirigida por Roger Vadim, entonces marido de Bardot, y protagonizada por ella misma, Curd Jürgens, Jean-Louis Trintignant y Christian Marquand en los papeles principales, este drama estrenado en 1956 fue un éxito de taquilla en Estados Unidos en 1957, que lanzó al estrellato internacional a Brigitte Bardot, convirtiéndola en un símbolo sexual y causando polémica entre grupos religiosos, que la condenaron. El argumento se basaba en la belleza de Bardot: tres hombres obsesionados por una misma mujer que harán todo lo posible por conseguirla.

'En caso de desgracia' (1958)

Antes de explotar como mito sexual, Brigitte Bardot tuvo algunos papeles de exigencia en películas alejadas de lo que sería norma en el cine de la siguiente década. Tal es el caso de esta cinta, una película policiaca franco-italiana de 1958 dirigida por Claude Autant-Lara y protagonizada por el mítico Jean Gabin, la Bardot y Edwige Feuillère.

'La verdad'

Una película dramática dirigida en 1960 por Henri-Georges Clouzot y protagonizada por la Bardot que fue nominada al Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera. Dos jóvenes amantes, Dominique y Gilbert, son encontrados en una habitación. Gilbert está muerto por múltiples disparos, mientras que Dominique está inconsciente y al borde de la muerte por inhalación de gas. Revivida, es arrestada y juzgada por el asesinato de Gilbert. La historia de su vida y las circunstancias que condujeron al crimen se cuentan en el juicio.

'Le Mépris' (1963)

Basada en la novela homónima de Alberto Moravia, dirigida por Jean-Luc Godard en 1963 y protagonizada por Brigitte Bardot, tenía a Michel Piccoli como partenaire con la aparición del director Fritz Lang interpretándose a sí mismo. Se trató de un thriller psicológico basado en los celos de Piccoli y las relaciones tóxicas, que supuso una mayor exigencia actoral para Bardot más allá de sus papeles como símbolo sexual.

'¡Viva María!' (1965)

En 1965 Louis Malle filmó esta comedia de aventuras francesa protagonizada por Brigitte Bardot y Jeanne Moreau como dos mujeres llamadas María que se unen como revolucionarias en la América Central de principios del siglo XX, mezclando comedia, aventura y acción con un contexto de revolución. La película sigue a una joven (Bardot) que llega a México tras la muerte de su padre y se une a una artista de circo (Moreau), también llamada María, formando un dúo que termina involucrado en una revolución local.

El gobierno catalán, presidido por el socialista Salvador Illa, ha aprobado este martes dos decretos por los que se otorga la Medalla de Oro de la Generalitat a Joan Manuel Serrat y Núria Espert. Las medallas ponen en valor dos trayectorias artísticas y humanas “excepcionales que han contribuido de forma decisiva a la proyección de la cultura catalana ya los valores democráticos y humanistas”. Las mismas se entregarán el 22 de diciembre en un acto institucional que tendrá lugar en el Palau de la Generalitat en un acto encabezado por el president Illa.

Con la concesión de la Medalla de Oro, la Generalitat quiere honrar la trayectoria artística excepcional y el profundo compromiso cívico y humanista de Joan Manuel Serrat, “una figura primordial de la cultura catalana y universal”. Nacido en Barcelona en 1943, Serrat fue uno de los nombres centrales de la Nova Cançó y ha construido una obra que ha unido música, poesía y valores compartidos, con una proyección internacional sostenida durante décadas.

A lo largo de su carrera ha musicado a poetas universales como Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti o Mario Benedetti, así como autores catalanes como Joan Salvat-Papasseit. Álbumes y canciones emblemáticas como Mediterráneo, Cada loco con su tema, Banda sonora d´un temps, d´un país, Ara que tinc vint anys o Cançó de matinada se han convertido en “referentes generacionales”.

Su compromiso con la libertad creativa y con la lengua catalana le llevó a enfrentarse a la censura de la dictadura franquista, con episodios como la renuncia a participar en Eurovisión en 1968 o el exilio en 1975. Este compromiso se proyectó también en Latinoamérica, donde se convirtió en “un símbolo de resistencia”. Entre las numerosas distinciones recibidas a lo largo de su trayectoria destacan la Medalla de Oro de Barcelona, la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña, el Premio Nacional de Cultura, el Premio Nacional de Músicas Actuales, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio y, recientemente.

Núria Espert

La Medalla de Oro en Núria Espert reconoce “una trayectoria artística excepcional de más de siete décadas que le ha convertido en una de las grandes figuras de las artes escénicas contemporáneas”. Nacida en Hospitalet de Llobregat en 1935, Espert inició muy joven su carrera teatral y pronto se consolidó como “una actriz de referencia”, con una proyección nacional e internacional sin precedentes.

Fundadora de su propia compañía teatral, ha destacado por su versatilidad y exigencia artística, interpretando con maestría tanto el repertorio clásico como los autores contemporáneos. Espert fue la primera mujer que interpretó Hamlet en España y contribuyó decisivamente a la difusión internacional de autores como Federico García Lorca o Jean Genet. Producciones como Les Criades o Yerma marcaron un antes y un después en su trayectoria y en la proyección del teatro catalán y español en todo el mundo.

Durante la dictadura franquista sufrió la censura, lo que “reforzó su compromiso con la libertad, la igualdad y la dignidad humana, convirtiendo al teatro en un espacio de resistencia cultural”. Además de su carrera como actriz, ha desarrollado una destacada labor como directora escénica y gestora cultural, con responsabilidades como la dirección del Centro Dramático Nacional y con montajes en teatros y óperas de primer nivel internacional.

A lo largo de su vida profesional ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos la Cruz de San Jorge, el Premio Nacional de Teatro, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio Nacional de Cultura, el Premio Pau Casals y el Premio Princesa de Asturias de las Artes, así como diversas distinciones internacionales y doctorados honoris causa.

“El resultado no será un museo ampliado ,sino un nuevo museo totalmente distinto y adaptado a la conversación de los tiempos actuales, en los que se cuestiona el concepto clásico de este tipo de instituciones”, ha sentenciado esta mañana Pepe Serra, director del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), durante la presentación de la programación de 2026 y en referencia a las obras de ampliación que darán comienzo oficialmente en apenas unas semanas, a la vuelta de año nuevo.

El MNAC encara así su última temporada expositiva hasta diciembre de 2029, cuando en previsiones oficiales de la dirección, se termine la ampliación que comprende la anexión del Palau Victòria Eugènia al edificio principal del Palau Nacional, a unos centenares de metros de distancia.

Esta obra implicará tanto la remodelación del nuevo edificio anexionado, que aportará más de 14.000 nuevos metros cuadrados de superficie de exposición, como la construcción de dos pasos de conexión entre edificios, uno subterráneo, para el tránsito de obras de arte de un palacio al otro, y el otro terrestre para facilitar la accesibilidad de las personas, muy mermada hoy. En este sentido, Serra ha opinado que “no es concebible que el museo más importante de Catalunya sea el menos accesible de todos”.

Una temporada de solo cuatro proyectos expositivos

Aunque posiblemente, como ocurre con todos los grandes proyectos de renovación, el periodo pueda alargarse, Serra maneja finales de 2029 como fin de las obras de ampliación y, en consecuencia, su equipo ha diseñado un programa limitado a cuatro exposiciones para 2026, con la idea de ir progresivamente reduciendo la actividad y cerrando las salas que sean necesarias. Después, no volverá a haber muestras temporales hasta 2030.

Los protagonistas de las mismas serán en gran medida el románico y la arquitectura, así como los fondos artísticos incautados por el franquismo mediante el Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional (SDPAN), que el museo todavía guarda y que mostrará a partir del 19 febrero y hasta el 29 de junio.

La primera muestra relevante, no obstante, será de piezas del escultor catalán conocido como Maestro de Cabestany, uno de los más destacados del periodo románico y cuyo protagonismo en el desaparecido monasterio de Sant Pere de Rodes, en Girona, es indiscutible. Podrá visitarse del 19 de marzo al 29 de junio de 2026.

Por su parte, la artista Ona Batlló desarrollará durante todo el año un proyecto audiovisual centrado en poner sonido a los murales románicos del museo. También es destacable la muestra que, del 26 de noviembre al 28 de marzo de 2027, comisaría el artista y poeta Perejaume y en la que ofrece su visión sobre el arquitecto y artista Josep Maria Jujol, estrecho colaborador de Gaudí y padre de muchos de los mosaicos de sus proyectos, en los que se muestra la exuberancia de la naturaleza de Catalunya.

Baja actividad hasta 2030

“Para 2027 casi seguro que la primera planta estará cerrada”, ha desvelado Serra, lo que se traduce en que buena parte de las salas de la colección permanente dejarán de poder visitarse hasta prácticamente 2030. “Podríamos haber cerrado, como ha hecho el Pompidou en París, pero hemos preferido mantener una cierta actividad porque al fin y al cabo somos un servicio de cara al público” ha añadido.

No obstante, ha explicado que establecerán a partir de 2026 “una moratoria para limitar la actividad relacional y los préstamos a otras instituciones” para poder afrontar la ampliación y a la vez aprovechar la oportunidad para abrir un debate sobre los relatos que debe asumir el MNAC ampliado.

Sí habrá una cesión de parte del fondo para una gran exposición en Tokio en 2028, porque “nos genera ingresos para costear parte de las obras y nos posicionará en una ciudad que actualmente es muy importante en Asia desde el punto de vista artístico”. Respecto a los costes, el proyecto ganador, de los estudios de arquitectura Harquitectes (de Sabadell) y Christ & Gantenbein (de Suiza), supondrá una inversión calculada total de 122.336.886,40 euros.

Una anomalía histórica

En su demanda de que el resultado de la ampliación devenga en “un nuevo museo”, Serra ha puntualizado que era “necesario aprovechar el 'momentum' para corregir la anomalía histórica de que un museo nacional como el MNAC no tuviera un recorrido expositivo que cubriera el siglo XX”.

“Es como si le dijéramos al público que la historia artística y cultural de Catalunya se termina a finales del XIX porque no tenemos suficientes salas para exponer nuestra colección”, ha insistido antes de destacar la vocación de servicio público del museo que, ha reiterado, “tiene la obligación de reflejar la historia cultural del país”.

Respecto de la falta de espacio, Serra ha hecho referencia a la morfología del Palau Nacional indicando que “sus cúpulas y su sala central no pueden funcionar como espacios de exposición, por lo que de sus casi 50.000 metros cuadrados apenas hemos podido aprovechar 9.000. A este respecto ha recordado que ”cuando el museo nació en 1934, ya contaba con obras de arte de 1933, lo que quiere decir que era de rabiosa actualidad“.

Serra ha agregado que tras la partición del museo en la guerra, en la que varias colecciones de arte moderno fueron a parar al edificio que actualmente acoge el parlamento catalán, se perdió el pulso de la actualidad cultural, “algo que se corregirá finalmente con la ampliación”.

Pero el director del MNAC de nuevo ha insistido en la idea de que la ampliación no puede contemplarse como una extensión en superficie de las salas del museo para sacar las obras guardadas en los sótanos, sino que debe dar lugar a nuevo concepto de museo, tanto en el diseño de los espacios como en los relatos que se desarrollen, y que Serra ha asegurado que serán “muy variados y desde todas las ópticas para que ninguna quede excluida”.

Ha indicado finalmente a este respecto que los jefes de sección del museo están trabajando desde hace meses con asesores externos del toda Catalunya para tener listas todas las propuestas para el “nuevo museo”, que verá la luz, si los retrasos no lo impiden, a finales de 2029.

En 2013, ante la inminente demolición de Villa Aloha, una de las últimas mansiones señoriales de la colina que asoma sobre el paseo de Miraconcha, en San Sebastián, se retiraron de la casa las pertenencias del postrer habitante hasta su muerte en 2009: el cineasta donostiarra Iván Zulueta. Entre ellas se encontraron numerosas cajas –se habla de 40– que contenían material creativo de Zulueta, en especial numerosas películas en formato Super 8 que el director había grabado en su juventud antes de lanzarse al cine profesionalmente.

En su corta pero singular carrera, Zulueta logró rodar dos obras tan peculiares como Un, dos, tres, el escondite inglés (1970) y sobre todo Arrebato (1979), considerada por algunos como la gran obra maestra del cine de la llamada movida madrileña –con permiso de Pedro Almodóvar su cinta La ley del deseo– y una de las obras más reivindicables de la cinematografía española del último medio siglo. Aunque difieren las crónicas sobre quien ostentó la propiedad de los mismos, los rollos rescatados fueron finalmente vendidos a la Filmoteca Española en 2021, que los exhibió públicamente, revelando aspectos hasta entonces ignorados del cine del artista guipuzcoano.

El descubrimiento no es cuestión baladí si se tiene en cuenta la fascinación que ejercen tanto Arrebato como el propio Zulueta, y su enigmática y elusiva personalidad, sobre numerosos cinéfilos que en estos años han intentado acercarse a la figura del creador guipuzcoano para tratar de entender por qué, tras su estreno, se retiró del mundanal ruido en Villa Aloha, la casa familiar, y apenas volvió a salir ocasionalmente a pesar de que la película fue ganando adeptos a lo largo de los años.

De este modo, no han sido pocos los documentales de insignes “arrebatólogos” que se adentran en el universo de Zulueta y su casi única obra, para reinterpretar una película llena de guiños y metáforas, que unos quieren ver como una reflexión sobre el poder destructor de la heroína –adicción que profesaba Zulueta– y otros, en cambio, refieren al paraíso perdido de la infancia o incluso la obsesión enfermiza de un creador por su obra. Así, el también cineasta Andrés Duque logra en Iván Z. Entrar en el mundo de Villa Aloha cuando Zulueta todavía vivía, en 2004. Tres este hito, parecía que carecía de sentido seguir incidiendo en el análisis de Zulueta y su obra.

Los rollos de Super 8 y 'El último arrebato'

Pero precisamente del descubrimiento de los rollos de Super 8 en la mansión donostiarra en ruinas, se sirven Marta Medina y Enrique López Lavigne para dar una nueva vuelta de tuerca a la “arrebatología” y hacer un último acercamiento a la figura de Iván Zulueta y su mundo. Ambos han dirigido El último arrebato, contando para el guion con Jaime Chávarri, uno de los grandes amigos en vida de Zulueta y autor de El desencanto (1976), otra de las exquisitas rarezas que nos dejó el cine de la Transición.

“Conocía a Jaime porque me dio clase de dirección de actores hace diez años en la ECAM”, explica Medina en videoconferencia con elDiario.es junto a Lavigne. Este añade que habían establecido un contacto previo con él durante la proyección en 2021 de los rollos de Super 8 de Zulueta y que entonces supieron de la amistad entre ambos, de modo que cuando se decidieron a rodar un documental, le contactaron.

“Al principio se mostró muy receloso”, asegura Medina, que desvela que Chavarri no veía nada claro “el realizar otro documental más sobre Arrebato”, por lo que le propusieron intervenir en el guion y buscar un ángulo novedoso para el proyecto, cosa que Chavarri aceptó.

“Le apetecía volver a rodar, pero en esta ocasión como actor”, apunta Lavigne, que apostilla que la idea de El último arrebato surge cuando descubre “abandonado en una residencia de Carabanchel” a Paco Hoyos, uno de los principales distribuidores de cine en el pasado y que “era el detentor de la titularidad de los derechos de Arrebato”, cinta que, asegura, arrastra una oscura trama de titularidades no resuelta.

De este modo nació El último arrebato, un documental que no quiere en realidad ser tal, sino que se ha pensado como un híbrido entre la investigación y una fabulación en torno a los mensajes que esconce la cinta de Zulueta. En especial, el poder vampírico de la cámara que en el filme utiliza Will More y que luego lega a Eusebio Poncela, en la película el director de cine José Sirgado.

El príncipe del planeta Villa Aloha

En este sentido, y jugando con los efectos de la citada cámara sobre quienes graba, que a su vez están grabando El último arrebato, la película de Medina y López Lavigne abre un debate sobre las causas de la corta andadura artística del cineasta vasco, su retiro prematuro y su muerte en soledad. ¿Fue la adicción a la heroína lo que marcó su vida tras Arrebato? ¿O bien es la obsesión enfermiza de Zulueta por su obra lo que simboliza la cámara que en la película graba a Poncela hasta consumirlo? A este respecto, Lavigne explica que “en un momento del documental que graba Duque [Iván Z.] Zulueta dice que todo el mundo culpa a la heroína de su retirada cuando la realidad es que sin la heroína no hubiera podido rodar Arrebato”.

No obstante, y este es el mayor valor de El último arrebato, para resolver el dilema, los directores contactan, además de con Chávarri, con otros amigos del círculo de Zulueta en aquel Madrid caótico, hedonista y volátil del posfranquismo. Así, pasa por delante de la cámara –la de Medina y Lavigne, pero también la de Will More– entre otros el testimonio de Carlos Astiarraga, entonces pareja de Zulueta, que desvela entre lágrimas cómo le perdió por culpa de la adicción que profesaba el cineasta.

También Eusebio Poncela cuenta su experiencia con Zulueta y con Arrebato, desvelando que el fracaso comercial de la cinta afectó a su director profundamente. Otro de los testimonios es el de Marta Fernández Muro, que explica la complejidad del mundo interior de Zulueta, un mundo que, apuntan Lavigne y Medina, “se revela en los cortos en Super 8 como limitado a los contornos de Villa Aloha, de donde parecía no querer salir”. “En esa casa cabía todo su universo”, opina la directora de El último arrebato.

Los testimonios, gran valor de 'El último arrebato'

“Si te fijas, cuando filma una gota de agua en uno de los cortos, lo que se refleja es Villa Aloha, era todo lo que le importaba”, remacha Lavigne, codirector y productor de cintas como Lo imposible de J. J. Bayona. Para ambos, Zulueta fue un artista que solo abandonó su caparazón de infancia durante los años de cineasta para luego regresar a su planeta personal, que abandono pocas veces, para refugiarse de un mundo que no comprendía. Como El Principito de Saint Exupéry. A este respecto, cuenta en Iván Z. el ya fallecido crítico Antonio Gasset –que también tuvo un papel en Arrebato–, que en una ocasión Zulueta bajó de Villa Aloha y se personó en el Festival de San Sebastián vestido de aviador a la antigua, como si fuera el mismísimo Saint Exupéry.

Pero quizás los testimonios más conmovedores, y, por tanto, más valiosos, de El último arrebato sean los de Virginia Montenegro, viuda del pintor Vicente Ameztoy y la mejor amiga del realizador, así como el de Chávarri. La primera, que estuvo junto a él hasta el último momento de su larga dolencia, relata un episodio de especial crudeza en torno a la enfermedad de Zulueta. En segundo, que asegura en la cinta que fue gracias a él que se decidió a ser cineasta, reunido con Montenegro en la casa de esta en Villabona, le pide perdón por haberla dejado tantos años sola al cuidado del amigo común y se culpa de haberlo abandonado cuando más lo necesitaba.

De este modo, a pesar de algunos momentos confusos, el poso que deja El último arrebato es profundo y perturbador, en especial para aquellos y aquellas obsesionados con la figura de un cineasta tan singular como Iván Zulueta, que con una sola película logró sacudir –y podría bien decirse que arrebatar– la historia del cine español de los últimos 50 años.

Los Premios Feroz 2026 se celebrarán en Pontevedra el próximo sábado 24 de enero y Samantha Hudson será una de las cuatro presentadoras, junto a Petra Martínez, Antonio Duran Morris y Elisabeth Casanovas. También repetirá Bob Pop en los comentarios para la retransmisión de La2. Por otro lado, recogerá el Premio Feroz Audi de Honor a la actriz Marta Fernández Muro. En cuanto a las nominaciones, destaca Alauda Ruiz de Azúa y su cinta Los Domingos con nueve, entre ellas a mejor película, mejor dirección y mejores actrices protagonistas para Blanca Soroa y Patricia López Arnaiz.

Los galardones otorgados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España destacan también Sirât, el trabajo por el que Oliver Laxe hizo historia logrando el Premio del Jurado en el pasado Festival de Cine de Cannes. Le conceden siete nominaciones, al igual que a Maspalomas, de José Mari Goenaga y Aitor Arregi, que eleva así las expectativas del cine producido en Euskadi. Junto a estas, destacan con seis nominaciones Romería de Carla Simón y Sorda, de Eva Libertad.

Con cinco nominaciones se sitúa la cena, candidata a la mejor comedia pero también al menor actor protagonista por el papel de Alberto San Juan, la mejor actriz de reparto para Elvira Mínguez y el mejor actor de reparto para Asier Etxeandia. Finalmente, El cautivo, Mi amiga Eva y Muy lejos se sitúan empatadas con dos nominaciones.

En cuanto a las series, tal vez la sorpresa sea que Anatomía de un instante, del director sevillano Alberto Rodríguez, no lideren la lista de nominaciones, como sí lo hacen Poquita fe, con dirección de Pepón Montero y Juan Maidagán, y Superestar, creada y dirigida por el cineasta Nacho Vigalondo, ambas con seis nominaciones. La citada Anatomía de un instante, junto a Yakarta, de Diego San José, obtienen cinco nominaciones, y Furia, de Félix Sabroso, se queda con tres.

Lista completa de nominados de cine

Mejor película dramática

Mejor película de comedia

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista de una película

Mejor actor protagonista de una película

Mejor actriz de reparto de una película

Mejor actor de reparto de una película

Premio al mejor guion de una película

Mejor música original

Mejor tráiler

Mejor cartel

Lista completa de nominados de series

Mejor serie dramática

Mejor serie de comedia

Mejor actriz protagonista de una serie

Mejor actor protagonista de una serie

Mejor actriz de reparto de una serie

Mejor actor de reparto de una serie

Mejor guion de una serie

Pemio Feroz Audi de Honor

No son muchas las veces en las que las ideas más alocadas terminan en proyectos de gran repercusión. Una de estas raras ocasiones fue cuando el empresario ruso Vsevolod Batishchev se vio atrapado por la pandemia en Japón en la primavera de 2020 y tuvo, en los inicios del confinamiento, la sensación de que aquello podía ser el fin de la civilización mientras caminaba por las antes atestadas calles de Tokio, que en aquel momento yacían totalmente desiertas.

De sus elucubraciones de entonces nació un libro único por sus dimensiones, peso y objetivos, así como por la calidad de sus casi 700 ilustraciones: The book. La guía definitiva para reconstruir la civilización, que ahora estrena la versión española de la mano de Duomo Ediciones. Se trata de un libro visual, que combina textos, esquemas y mucha ilustración, en la línea del recientemente reeditado Casa de hojas, también por Duomo, que ha apostado por este tipo de proyectos de gran exigencia y complejidad.

También, por temática, se asimila a Abrir en caso de apocalipsis (Debate, 2015), el visionario libro que desglosa cuáles son los conocimientos fundamentales necesarios para reconstruir nuestra civilización en las mismas circunstancias que consideraba Batishchev. Pero quizás lo más fascinante de esta obra sea el relato de su génesis: tanto cómo se gestó la idea como el medio para conseguir el dinero para llevarlo a cabo, así como los espectaculares resultados de la búsqueda de la financiación, en la plataforma de crowdfunding Kickstarter, que cuenta el proyecto como uno de los más exitosos de su historia.

Vacaciones confinadas en Japón

“Fui con mi mujer a Tokio por turismo justo antes del confinamiento, totalmente ignorante, como tanta otra gente, de lo que se nos venía encima”, cuenta por videoconferencia desde Dubai Batishchev, que desvela que cuando llegaron a la ciudad, todos los hoteles estaban cerrados, así que las autoridades tuvieron que habilitar alojamientos para turistas atrapados. “Estando encerrados allí, decidimos movernos a la isla de Naoshima”, prosigue.

Se trata de la llamada “isla del arte” en el mar de Seto, entre las islas mayores de Honshu y Shikoku, un espacio con apenas un hostal en un entorno natural deshabitado en el que solo se puede circular andando o en bicicleta. En Naoshima se encuentran diversos museos pertenecientes a fundaciones privadas que atesoran importantes obras, además de un parque escultórico al aire libre en el que destacan las célebres calabazas de la artista pop Yayoi Kusama. Los japoneses van y vienen en ferry para pasar el día durante los fines de semana, pero entre semana apenas vive gente.

“Nos fuimos allí a pasar el confinamiento porque nos permitía movernos con total libertad”, explica Batishchev, que asegura que prácticamente eran los únicos habitantes de la isla en aquel momento. “En aquel entorno me sentí una especie de Robinson Crusoe y comencé a especular sobre cómo sería un mundo sin todos los avances de la civilización, un mundo tal vez posnuclear en el que Rusia y EEUU o China hubieran apretado el botón”. Seguidamente se pregunta: “¿Sería tal vez como Naoshima? Quizás no hiciera falta una guerra: puede que la misma pandemia, si los gobiernos perdían el control, acabase con la humanidad”, reflexiona.

El mundo necesita una guía para reconstruir la civilización

De aquellas ensoñaciones, Batishchev sacó una conclusión principal: “No existía ninguna guía para reiniciar la civilización una vez desaparecida; para construir casas, calefacciones, neveras para conservar los alimentos, también para tejer vestidos, etc.”. Asegura que se lo planteó “medio en broma, pero también medio en serio; en plan de que tal vez no sería una mala idea crear una suerte de enciclopedia visual que permitiera hacerse una idea de cómo funcionan los principales inventos de la humanidad”.

Fue al final de la pandemia, al regreso a su domicilio habitual, cuando este emprendedor contactó con un antiguo socio suyo, Timur Kadyrov, con el que había compartido un negocio franquiciado de escape rooms en el pasado. “Con la pandemia, lógicamente, él también había sufrido mucho en el negocio, así que estaba pensando en cambiar de sector cuando le comenté mi idea de la guía ilustrada”, apostilla Batishchev que, no obstante, deja claro que planteó el proyecto como una distracción: “Una propuesta editorial para un libro de ilustraciones que estimulara la curiosidad de quienes lo abrieran, como nos pasaba a todos en nuestra infancia [analógica] al abrir un tomo de aquellas voluminosas enciclopedias”.

Al parecer, a Kadyrov la idea le gustó: “Timur pensó que podía funcionar a nivel de negocio, que era un producto atractivo como libro de ilustraciones”. El siguiente paso fue buscar financiación, por lo que optaron por salirse de los circuitos editoriales tradicionales y apostar por la plataforma de crowdfunding Kickstarter. Contactaron para ello con un experto en estas operaciones llamado Artur Stelmakh, también ruso, que se convirtió en el tercer socio de la operación.

Tercer proyecto editorial más exitoso en Kickstarter

Cuenta Batishchev que una vez perfilado el proyecto, lo lanzaron a principios de 2021 a la plataforma. Entonces llegó la sorpresa rotunda: “Teníamos presupuestado que el proyecto podía funcionar con 300.000 dólares, pero en una sola semana habíamos recaudado ya un millón”. Posteriormente, alcanzarían los 2,3 millones de dólares en la que es la tercera operación de este tipo más exitosa de la plataforma.

“A partir de ahí, asumimos que el proyecto había dejado de ser una broma y teníamos que ponernos seriamente con él”, explica este emprendedor. “Estuvimos meses reclutando ilustradores, diseñadores, escritores... pero sobre todo hablando con científicos”, puntualiza. Aclara que “las conversaciones con los científicos nos consumieron la mayor parte del tiempo de trabajo”, pero “fueron fundamentales para tener el rigor necesario y el entendimiento de la base científica de cada invento de la humanidad, de modo que nuestros ilustradores lo pudieran trasladar a sus dibujos para que fuera comprensible”.

Con la base científica clara, procedieron a desarrollar todas las ilustraciones con una jerarquía que priorizó los inventos más elementales para, con ellos, ir escalando en el desarrollo de lo que se dio a llamar The Book. La guía definitiva para reconstruir la civilización. Son cerca de 700 ilustraciones las que componen el libro en impresión de alta calidad a lo largo de 405 páginas, y cada una de ellas condensa meses de investigación y trabajo de un equipo ingente de personas coordinadas online.

Un libro enorme

El problema era que el resultado fue un libro enorme, que mide 34,7 centímetros de alto y 23,8 de ancho. Además, pesa más de dos kilos y su precio de venta al público alcanza los 120 euros. Con un producto así, explica Batishchev, resultaba complicada una distribución física global mediante distribuidores tradicionales. Así que tuvieron que crear su propia empresa de publicación y distribución, a la que llamaron Hungry Minds (mentes hambrientas). Su logo es la cabeza de un hombre de finales del siglo XIX comiéndose una bombilla. Hungry Minds tiene un equipo de una veintena de personas que trabajan distribuidas a lo largo y ancho del planeta y que se reúnen dos veces al año en las oficinas centrales de Bali, donde vive Kadyrov.

Para la impresión, pensaron, como la mayoría de las grandes editoriales actualmente, en China, “Timur [Kadyrov] visitó un par de imprentas y al final nos decidimos por una que tenía, además, unos enormes almacenes, de modo que pudiera almacenar nuestro libro”, comenta el cofundador de Hungry Minds. Aun así, reconoce que en la empresa de impresión terminaron almacenando los libros incluso dentro de las oficinas, dado su volumen.

“Hemos vendido por el momento cerca de 400.000 ejemplares”, principalmente utilizando canales de distribución online diferentes a los tradicionales, incluidas plataformas como Amazon“, presume el empresario ruso, que añade que el libro se ha traducido al japonés, español, francés, inglés y húngaro. ”Pronto estarán disponibles versiones en chino e italiano“, apostilla con orgullo y subraya: ”Hace poco se ha lanzado la versión española“.

De todos modos, preguntado Batishchev sobre si cree que en caso de desastre nuclear la guía sería útil a los últimos supervivientes de la tierra para reconstruir la civilización, contesta con total sinceridad que no: “Somos conscientes de que con nuestra guía no se puede reconstruir la civilización, porque no contamos cómo conseguir todos los materiales adecuados, entre otras cuestiones”.

“Además, un libro tan voluminoso es difícil de cargar en caso de desastre nuclear”, bromea. Pero reitera que puede resultar muy inspirador y entretenido de consultar, además de suponer un gran estímulo para la curiosidad. Con sus numerosos dibujos y esquemas, a los de cierta edad, sin duda The book nos hará sentir aquella lejana sensación de fascinación y curiosidad de nuestra infancia al abrir las voluminosas enciclopedias que atesoraban nuestros progenitores en sus solemnes anaqueles.

La facultat d'Informació i Mitjans Audiovisuals de la Universidad de Barcelona (UB), junto al colectivo de mujeres profesionales del sector Dones Visuals, ha presentado un estudio pionero en la sala de actos del centro en el que pone en evidencia a la industria audiovisual catalana por, en palabras de sus autoras, “carecer absolutamente de medidas para contrarrestar las violencias de género y las desigualdades y exclusión de mujeres en general, y en especial de las pertenecientes a la minoría LGTBI, las racializadas y las que sufren alguna discapacidad.

Hablan las investigadoras de una violencia que se ejerce en todos los ámbitos, desde camerinos, vestidores o salas de montaje, a los rodajes e incluso en los despachos y en la burocracia. El estudio concluye que “las dinámicas del sector audiovisual catalán provocan violencias y exclusión de profesionales que escapan a la norma”. Estas personas, en la mayor parte de los casos ven truncadas sus carreras, cuando no abandonan el sector y buscan refugio en otro ante la agresividad del medio hacia ellas.

Como novedad, el estudio no trabaja con datos numéricos y estadísticas, sino que se presenta como un estudio de campo en el que se han realizado entrevistas a 52 profesionales del sector que atendieron al reclamo de las investigadoras asegurando, y compartiendo posteriormente, sus experiencias, que aportan así un retrato de mucha mayor profundidad que los estudios basados en la recolección y análisis de cifras.

Adicionalmente, las autoras han querido destacar que es el primer estudio en España que se realiza desde una perspectiva de género interseccional, que aborda, por tanto, no solo las problemáticas de ser mujer en este sector, sino que añade a la misma distintos planos identitarios, como son la disidencia LGTBI, la raza o posibles discapacidades. De este modo han pretendido que el trabajo se acerque más a la realidad de muchas de las personas que sufren estas violencias y desigualdades en el sector.

Una responsabilidad formativa para la universidad

Miquel Térmens, decano de la facultad, ha presentado a las autoras explicando los motivos la implicación de la UB en el estudio. “Formamos a futuros profesionales de este ámbito y por tanto nos interesa mucho que estos adquieran e interioricen unos valores que queremos que apliquen a la industria”, ha dicho. “No podemos incidir en el presente, pero queremos incidir en el futuro con los nuevos titulados”, ha agregado Térmens, que ha destacado la colaboración de la institución con Dones Visuals, una asociación de la que ha destacado que “lleva años trabajando por la igualdad de las mujeres dentro de la industria audiovisual”. Finalmente, ha calificado dicha industria de “muy poco igualitaria comparada con otras industrias”.

Por su parte Carme Puche, portavoz de Mujeres Visuales, ha explicado que la organización, nacida en 2017, “desde el primer día ha querido ser un espacio de encuentro, debate e incidencia política”. En este sentido ha incidido que no solo buscan una reflexión, sino también “ser una plataforma de acción para mujeres e identidades disidentes de género que desarrollamos nuestra carrera dentro del audiovisual”.

“Hoy somos casi mil socias”, ha destacado Puche. “Esto significa que somos una parte de la industria importante y que representamos a un espacio vulnerable y en muchas ocasiones discriminado”, ha agregado antes de afirmar que su objetivo como colectivo es “revertir estas desigualdades históricas que impiden que nuestro sector sea realmente plural, justo y representativo”. En este sentido, ha hecho hincapié en que la cifra de 52 mujeres que han atendido al reclamo para contar las violencias sufridas es realmente alta y alarmente si se compara con la media de atendentes en este tipo de trabajos de campo. “Normalmente, estos estudios terminan teniendo como mucho 10, 15, 20, 20 experiencias”, ha apostillado.

Falta de medidas por parte de la industria y las administraciones

También ha desvelado que muchas de las entrevistadas se han visto expulsadas del sector a causa de las violencias que sufren. “Por tanto el estudio invita a dejar de creer que hay una serie de personas que no acceden a esta industria por desinterés y empezar a entender que sí estaban, o han estado, dentro del sector y han sido expulsadas”. Finalmente ha destacado que además de las violencias físicas y sexuales, el estudio desvela otras más invisibles que van desde la explotación laboral a la inaccesibilidad injustificada a determinados puestos o grupos de trabajo para las personas no normativas.

Puche ha parafraseado a la investigadora y docente Danielle Almeida cuando dice que “una institución que no incorpora medidas de inclusión perpetúa facto de facto un sistema excluyente” y ha cerrado su intervención pidiendo medidas reparadoras o de prevención, que, ha asegurado “en estos momentos en la industria son prácticamente inexistentes”. “La responsabilidad de revertir esta situación no puede recaer únicamente en las profesionales que la sufren, porque en realidad se convierte en una doble violencia: la que se sufre y el hecho de que tú estás sola para poder defenderte”, ha concluido.

Seguidamente Maria Jose Masanet, profesora de esta facultad y una de las autoras de la investigación, ha explicado que el estudio se empieza a gestar en 2023, “cuando Dones Visuals quiere hacer una radiografía interseccional del sector”. Es decir, entender quiénes son las personas o colectivos que están más infrarrepresentados dentro del sector audiovisual. Para aquella radiografía, la asociación contó con datos de diferentes instituciones como la Academia del Cine Catalán a través de los Premios Gaudí, así como con datos de la propia entidad, del Instituto Catalán de las Empresas Culturales y también con una encuesta que impulsó el propio colectivo.

Explica Masanet que los resultados de aquella primera radiografía mostraron que existe una infrarrepresentación de profesionales con discapacidad, LGTBI y racializadas. “A partir de esta radiografía cuantitativa que nos dice lo que está ocurriendo, nos preguntamos por qué está ocurriendo esto”, apostilla la docente, que subraya que “los datos que desvela la radiografía demuestran algo, pero no nos dicen el porqué y cómo está pasando ese algo”.

Es muy importante destacar que este es un estudio cualitativo“, insiste Masanet, para poner en valor las historias que ofrecen las entrevistas a las 52 profesionales entrevistas, que aportan una explicación tanto de las causas como de las dinámicas que llevan a las violencias que la estadística no puede aportar. A este respecto, explica que con las 35 primeras entrevistas ”ya pudimos establecer unos patrones claros de las dinámicas, de modo que en las siguientes vimos que se repetían los protocólso de violencias“.

Entrevistas en entornos seguros y conclusiones contrastadas con las víctimas

Por otro lado, Masanet ha revelado que las entrevistas se realizaron en entornos seguros para las profesionales, protegidas de las personas del sector que podían actuar contra ellas de saber que relataban su experiencia. Además, no se grabaron las conversaciones, sino que se tomó nota manual de ellas y después se contrastaron con las entrevistadas para verificar tanto los hechos apuntados como las conclusiones del estudio. Además, según la autora, se han empleado formatos secuenciales de entrevista, de forma que se ha utilizado un formato estándar para cada caso.

Entre las violencias detectadas por el estudio, Masanet destaca “desde violencias físicas y sexuales o verbales a la homogeneización, la segregación, el encasillamiento, la falta de accesibilidad y el no welcome, el cuestionamiento, la condescendencia, el paternalismo o las violencias burocráticas y económicas”.

Finalmente, ha intervenido Salima Jiraji, coordinadora del estudio junto a Masanet, que ha explicado las distintas casuísticas que afectan a las entrevistadas. En el caso de personas con discapacidades, por ejemplo la sordera, denuncian la falta de medidas que faciliten su accesibilidad e inclusión, lo que termina expulsándolas del sector por imposibilidad de acceso a sus capacidades.

También ha hablado de violencias invisibles. “Si entráramos en las violencias más sutiles, por ejemplo, encontramos la segregación o el encasillamiento, que es algo que apuntan muchas profesionales entrevistas”, ha dicho Jiraji. “Aquí encontrábamos varios tipos”, ha proseguido: “Por un lado, a las creadoras que nos explicaban que habitualmente son menospreciadas en su capacidad y también que cuando proponen o intentan levantar proyectos que no responden al imaginario blanco occidental, estos proyectos no tienen cabida”.

Y cita casos de LGTBI fobia como el de una profesional transgénero a la que sus compañeros se han negado repetidamente a llamar por su actual nombre, o el de una mujer que fue rechazada al optar a un puesto y se le arguyó que la causa era que “era demasiado lesbiana”. “También detectamos casos de xenofobia, donde diferentes personas entrevistadas explican, por un lado, las trabas legales a las que se enfrentan, así como la imposibilidad de acceder a las subvenciones y ayudas para sus proyectos, algo que en nuestra industria es determinante para poder levantar un proyecto”.

El municipio albaceteño de Casas Ibáñez albergará este año la entrega de las 'Medallas al Mérito Cultural' que otorga el Gobierno de Castilla-La Mancha. En esta edición destaca el reconocimiento a figuras como Toni Isbert -a título póstumo-, el coleccionista Mauricio Fernández por su rehabilitación del Palacio de los Marqueses de Torremejía en Almagro, el bailarín Ismael Olivas o el artista plástico José Luis Serzo.

Se otorgarán un total de 14 medallas y dos menciones especiales. La consejera portavoz del Gobierno regional, Esther Padilla, ha reivindicado que con los galardones se pretende “reconocer la buena labor, el trabajo y la trayectoria de artistas regionales” en áreas como el teatro, la danza, el cine, el mecenazgo, la música o las artes plásticas.

Los condecorados con la medalla al Mérito Cultural 2025

El primero de ellos será el actor Toni Isbert, albaceteño que falleció en el pasado mes de febrero. “Un actor de extensa y destacada trayectoria en cine, teatro y televisión, vinculado a Tarazona, donde reposan sus restos”, ha explicado Padilla. La consejera ha insistido en que se le concede esta medalla por su “contribución al arte dramático, por ser embajador cultural de Castilla-La Mancha y su constante defensa del patrimonio escénico español”.

La segunda mención será para el proyecto de Rehabilitación del Palacio de los Marqueses de Torremejía, en Almagro, llevada a cabo por el coleccionista mexicano Mauricio Fernández Garza. La consejera ha recordado cómo después de conocer que tenía entre sus propiedades un artesonado mudéjar del siglo XVI de la Iglesia del Rosario de Almagro, decidió adquirir este palacio y recuperarlo para disfrute de todos. “Con su rehabilitación ha permitido recuperar un patio renacentista, además de un conjunto de salas con pinturas murales del siglo XIX, entre las que hay una sobre papel de arroz con escenas cotidianas de la dinastía china Qing”, ha señalado.

La consejera ha adelantado que la Medalla a la Cultura Joven para Menores de 35 años será para Ismael Olivas, “un bailarín, profesional, coreógrafo y creador artístico nacido en Albacete, donde empezó su formación en el Conservatorio de su ciudad para seguirla en ciudades como Londres y Washington”. Además, ha recordado, “su imaginación le ha llevado a crear su propia compañía musical, 'Tuercas y Tornillos'”.

El Ayuntamiento de Saelices de la Sal, en Guadalajara, recibirá la Medalla al Mérito Cultural en Rehabilitación y Difusión del Patrimonio Material, “por la recuperación de sus magníficas salinas de San Juan”. Un proyecto que, ha recordado Padilla, “una vez rehabilitado, en el año 2011, puso en marcha la explotación artesanal de dichas salinas, hasta nuestros días”.

En cuanto a la Medalla al Mérito Cultural en Conservación y Difusión del Patrimonio Inmaterial, la portavoz del Ejecutivo ha anunciado que será para la Asociación Alfombras de Serrín de Elche de la Sierra, “por trabajar por y para la mejora, consecución y promoción” de unas alfombras que el Ejecutivo regional ha incluido en la propuesta conjunta del Gobierno de España para la declaración de Patrimonio de la Humanidad a las alfombras y arreglos florales ceremoniales.

El Instituto de Estudios Manchegos de Ciudad Real será reconocido con la Medalla al Mérito Cultural en Investigación del Patrimonio Cultural, y es que, como ha recordado Esther Padilla, “esta asociación, creada en 1947, trabaja desde entonces en promover la investigación y el estudio de materias científicas y culturales relativas a Castilla-La Mancha”.

El albaceteño José Luis Serzo será distinguido con la Medalla al Mérito Cultural en Artes Plásticas, un creador que, en palabras de la consejera, “es ya una figura singular en el panorama artístico español, con reconocimientos dentro y fuera de nuestro país, al integrar en sus obras pintura, narrativa, fotografía o dibujo”.

La Medalla al Mérito Cultural en Arte Digital irá a parar al espectáculo 'Lumina Catedral de Toledo', una experiencia cultural nocturna única en el mundo, que fusiona patrimonio con la tecnología más novedosa y de vanguardia. En palabras de la portavoz, “un viaje para los sentidos que nos acerca a la historia y a la riqueza de la Catedral Primada”.

La Asociación Cultural 'Veleta Roja' será reconocida con la Medalla al Mérito Cultural en las Artes Escénicas. “Una asociación que nació en Ciudad Real para crear proyectos escénicos, discográficos y editoriales de elevada envergadura artística en los ámbitos de la creación, la educación y la solidaridad”, ha enfatizado Padilla.

La Medalla al Mérito Cultural en Cine ha recaído en esta edición en los Premios Pávez de Talavera de la Reina, “un certamen que nació como una apuesta diferente y única para hacer cine en la Ciudad de la Cerámica y que ya es todo un referente nacional”, ha destacado la portavoz del Gobierno.

Esther Padilla ha destacado que la Medalla al Mérito Cultura en Cómic y Artes Escénicas ha sido para la librería Serendipia, de Ciudad Real, “un modelo innovador que aporta dinamismo cultural a la ciudad, que trasciende el concepto de librería tradicional para convertirse en un espacio dinámico, con alrededor de 80 presentaciones anuales, clubes de lectura, cuentacuentos o talleres creativos y que, además, tiene una editorial propia y un papel relevante para los autores de cómics de Castilla-La Mancha”.

La Medalla al Mérito Cultural en Mecenazgo y Promoción de la Cultura ha recaído en el programa cultural 'Actuamos en Patrimonio', una iniciativa que, como ha recordado la consejera, “se desarrolla en los lugares más emblemáticos de la provincia de Cuenca, cuyo buque insignia es Segóbriga. Allí se funde la música y el patrimonio como ejemplo de promoción de la cultura en nuestra región”.

En esta edición, también será galardonada con la Medalla al Mérito Cultural en Música la Asociación Musical Moteña, de Mota del Cuervo. Para la responsable autonómica, “un merecido reconocimiento por el fomento de la cultura musical de la región, además de por su Certamen de Bandas de Música 'Villa Cervantina'”.

En la categoría de Medalla al Mérito Cultural en la Creación Literaria y la Edición, el galardón ha recaído en Aache Ediciones, “una editorial especializada en publicaciones sobre el patrimonio y la cultura de Guadalajara, con más de 700 títulos y 300 autores en su catálogo”, ha valorado la portavoz.

La Biblioteca de Ugena, en Toledo, se ha llevado la Medalla al Mérito Cultural en el Fomento de la Lectura, un espacio que, en palabras de Esther Padilla, “abre cada día sus puertas como espacio dedicado a la promoción de la lectura, el conocimiento y la cultura, al tiempo que es punto de encuentro para compartir experiencias, descubrir nuevos horizontes y fortalecer los lazos sociales”.

Por último, Padilla ha adelantado que la Organización Nacional de Ciegos Españoles, a través de su iniciativa 'Proyectos Culturales', va a recibir la Medalla al Mérito Cultural en Proyectos Culturales Inclusivos, “por hacer accesible la cultura con propuestas como 'Museos accesibles' o con el acuerdo con la Fundación Festival de Teatro Clásico de Almagro”.

En palabras de la portavoz del Ejecutivo, se trata de “hombres y mujeres volcados con la cultura y el compromiso con la región”. Son, pues, “una muestra perfecta de lo bien que se hacen las cosas en la región, de los que nos sentimos orgullosos y así se lo queremos demostrar con estos galardones”, ha finalizado.

Hasta que en 2005 encontró su configuración definitiva, la plaza Lesseps de Barcelona fue una pesadilla urbanística: un espacio sufridor, difícilmente habitable y desmembrado por el paso de la ronda General Mitre. Para colmo de males, es una plaza en pendiente, colgada en las laderas de la ciudad, en la parte alta de lo que a finales del siglo XIX era la villa de Gràcia.

Conserva edificios antiguos, algunas joyas del modernismo como las llamadas “casas Ramos”, que atestiguan que en un tiempo remoto la plaza estuvo integrada en el paisaje y vivida por sus habitantes. Pero el desarrollismo de mediados del siglo XX, y la necesidad de dar una arteria al tráfico de la parte alta de la ciudad, partió la zona en dos, creando una suerte de frontera entre la Barcelona central y la periférica.

Esta situación, largamente denunciada por los vecinos, se solucionó con un plan de remodelación que se inicia con el siglo XXI y culmina en 2005 con una nueva propuesta más integradora, que reordena el tráfico y deja el centro de la plaza para usos ciudadanos. Es entonces cuando nace la biblioteca Jaume Fuster –que se comienza construir en 2003 y se termina en noviembre de 2005–, ganadora del premio Liber 2025 a la mejor iniciativa de fomento de la lectura, otorgado por la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE).

Esta federación reconoce, en el comunicado en el que anuncia el premio, su “compromiso constante con el fomento de la lectura como forma de evitar la exclusión social”, además de destacar que “funciona como un auténtico polo de actividad cultural”. De hecho, la Jaume Fuster –que debe su nombre al autor del clásico De mica en mica s'omple la pica– se ha consolidado como la biblioteca más visitada de la Red de Bibliotecas de Barcelona, además de ser la primera en contar con instalaciones como un auditorio o una sala de exposiciones.

Un espacio diseñado por los vecinos

La entrega del premio se realizará el próximo 9 de octubre, en un acto que se celebrará en el Centro Cultural Conde Duque en el marco de las actividades de la Feria Internacional del Libro, Liber, que tendrá lugar en el recinto madrileño de IFEMA, del 7 al 9 de octubre. “Con él se premia no solo el fomento de la lectura, sino también un cambio de paradigma en la conformación y la función de las bibliotecas”, asegura la directora de la Jaume Fuster, Carme Galve, que lo ha sido desde su nacimiento hace veinte años.

Galve explica que la biblioteca nació aprovechando el impulso innovador en materia de edificios públicos, a la vez que escuchando las sugerencias vecinales a través de una consulta sobre cómo debería ser el equipamiento cultural ideal. Fruto de las consultas se aprobó el proyecto de los arquitectos Antoni Llinàs y Joan Vera, que terminó ganando el premio FAD 2006.

La Jaume Fuster se ha consolidado como la biblioteca más visitada de la Red de Bibliotecas de Barcelona, además de ser la primera en contar con un auditorio y una sala de exposiciones

El resultado fue un edificio funcional y acogedor, donde prima el aprovechamiento de los espacios, tanto para acoger las 105.000 piezas de material cultural que atesora la biblioteca –libros, cedés, deuvedés, videojuegos, cómics, revistas– como para crear zonas donde se pueda leer, trabajar o estudiar, siempre con acceso a la luz natural –de día– y con vistas al entorno urbano.

Distribuida en tres plantas, combina el cristal y el metal para crear un espacio interior diáfano y agradable, forrado de madera y que posee una cafetería adyacente, una galería de exposiciones –actualmente con una dedicada a la escritora Ana María Matute– y un auditorio con capacidad para 250 personas. En la planta baja cuenta también con una amplia sala dedicada a cuentos infantiles en la que niñas y niños, junto con sus progenitores, pueden acceder a números títulos.

Cultura gratuita para cinco barrios

La situación de la plaza, y de la biblioteca por ende, es tan compleja como estratégica, pues actúa de bisagra de dos distritos muy diferentes económicamente. Por un lado, el rico Sarrià-Sant Gervasi y, por el otro, el de Gràcia, que acoge barrios tanto de clase media como obrera. En total son cinco barrios para los que la Jaume Fuster actúa de biblioteca principal, si bien en cada barrio hay otras bibliotecas de menor capacidad.

Carles es del barrio de la Salut y está prejubilado. Está leyendo junto a un ventanal en uno de los bancos del tercer piso. Cuenta que acude a diario a tomar libros prestados e incluso leerlos en las salas “porque la luz es muy buena”. Define a la Jaume Fuster como su “gimnasio intelectual”. “Por la mañana voy a la piscina a ejercitar el cuerpo y luego aquí para trabajar el cerebro”, asegura. “Desayuno en la cafetería y me meto a leer”, agrega para apostillar: “Desde que descubrí la biblioteca no he vuelto a pagar por consumir cultura: ni libros ni música ni películas”. El carnet de biblioteca pública es gratuito en Barcelona.

En el otro extremo de la sala se encuentra, en una solitaria mesa, Arancha. Está trabajando con el portátil abierto mientras escucha música por los auriculares. Es una joven coruñesa que habla un catalán impecable, sin acento. Cuenta que llegó hace diez años a Barcelona para estudiar un máster en comunicación corporativa y, tras terminar, encontró trabajo en Lleida, donde reside actualmente. Está de paso por Barcelona y aprovecha la tranquilidad de la biblioteca para cerrar tareas.

“Cuando estudiaba vivía cerca y venía mucho, pero no para estudiar sino para tomar libros prestados”, relata. Cuenta que aunque estaba satisfecha con la oferta de títulos, encontraba “al principio que había muchos en catalán”, traducciones de las novelas que ella buscaba en castellano“. ”Como acababa de llegar, suponía un problema para mí, pero descubrí que puedes hacer peticiones y a través de la red de bibliotecas y te consiguen los libros que pides“, agrega. ”Al final opté por leer en catalán y me ayudó mucho a aprender el idioma“, puntualiza finalmente entre risas.

Desde que descubrí la Jaume Fuster, no he vuelto a pagar por consumir cultura: ni libros, ni música ni películas

Carles

En la segunda planta, en una zona de pupitres se encuentra Pep, de mediana edad, que explica que la biblioteca es su zona de tranquilidad. “Aunque a media mañana se pone hasta los topes de estudiantes, me escapo de casa para poder venir aquí a leer y estudiar mis cosas a primera hora, porque hay mucha tranquilidad”, dice y muestra en el ordenador un libro de texto de navegación. “Me estoy sacando el título de patrón de yate, me examino en dos semanas y en casa, ahora con mis hijos sin ir a la universidad, es imposible estudiar”, explica y concluye: “Menos mal que tengo la biblioteca a mano”.

Formar ciudadanos y oxigenar el tejido urbano

Carme Galve, el motor de la Jaume Fuster desde su creación, se muestra muy satisfecha con el premio, si bien prefiere centrarse en los retos de futuro, tanto estructurales como funcionales. Entre los estructurales incluye especialmente la adaptación al cambio climático. “El edificio tiene una gran superficie de techo, además de mucho cristal, y debe prepararse para un escenario en el que puedes tener lluvias torrenciales tanto como olas de calor”, explica. “Los aires acondicionados que tenemos son de hace 20 años, cuando las temperaturas no eran tan pronunciadas”, agrega.

Las bibliotecas deben tener la misión de convertir a los consumidores de cultura en ciudadanos críticos, capaces de pensar por sí mismos y detectar la desinformación en los contenidos a los que acceden

Carme Galve, directora de la biblioteca Jaume Fuster

En cuanto a funcionalidad, Galve lo tiene claro: “Las bibliotecas deben tener la misión de convertir a los consumidores de cultura en ciudadanos críticos, capaces de pensar por sí mismos y detectar la desinformación en los contenidos a los que acceden”. Hace especial hincapié en los nuevos contenidos digitales a los que dan acceso, que asegura que se seleccionan cuidadosamente para que respeten la inclusividad, la igualdad y la tolerancia.

“Actualmente tenemos en el área de informática un taller para adolescentes destinado a la detección de fake news y la información crítica”, revela. En la misma línea, asegura que el equipo selector de contenidos para adquisición de la biblioteca atiende a los parámetros inclusivos en la selección de material infantil, y pone como ejemplo en este sentido la Biblioteca Pública de Nueva York, “que resiste las embestidas censoras del gobierno de Trump”.

Pero Galve va más allá y reclama para su biblioteca el papel de eje vertebrador del barrio, en su caso de cinco barrios: “La Jaume Fuster es el pulmón cultural de unos barrios alejados del centro, donde están las instituciones culturales, por lo que no debe limitarse solo a ofrecer cultura; también queremos que sea un centro de debate cultural y vecinal”.

Una casa para BCNegra

Explica que su equipo está buscando la manera de realizar remodelaciones interiores del espacio para albergar zonas de debate y encuentro de minorías. “Hemos pensado en cubículos insonorizados”, avanza, y explica sobre su ideal de casa lectora: “Filosóficamente nos alineamos con el concepto canadiense de biblioteca, que las considera un tercer espacio en el que la comunidad se reúne bajo normas tácitas y con un concepto igualador”.

Por el momento, la biblioteca tiene el honor de acoger las exposiciones que cada año se realizan por el festival de novela negra BCNegra. Además, en su auditorio, se realiza la ceremonia inaugural del certamen; “desde su creación”, puntualiza Galve. No en vano, Jaume Fuster fue uno de los pioneros de la novela negra en catalán. A este respecto, el escritor Carlos Zanón, director de BCNegra, explica a elDiario.es que, además del por el nombre, decidieron “que fuera así por el excelente equipo de la biblioteca” con el que siempre han trabajado “muy a gusto”. “Es un espacio maravilloso”, remacha Zanón.

Durante años, se ha construido un mercado de la belleza basado en el culto a la juventud, donde la vejez y sus signos naturales son presentados como enemigos a combatir. Este enfoque se ha encapsulado en expresiones y conceptos que ya forman parte del lenguaje común especialmente en marcas de cosmética, lo que lleva a perpetuar estereotipos dañinos. Para luchar contra ello, una nueva iniciativa propone sacar el edadismo y el vocabulario “que convierte la edad en un enemigo” de la publicidad de los productos de cosmética.

“Hay una sensación de de que a partir de una edad no importa tu historia, no importa lo que has vivido, no importa lo que tienes que ofrecer”, afirma Ana Torrent, actriz y protagonista de la iniciativa por una cosmética 'Libre de edadismo’, impulsada por la Fundación Grandes Amigos, que tiene como objetivo abrir un debate sobre el uso del lenguaje edadista en la publicidad, la comunicación y los productos de un sector.

Este tipo de acciones son especialmente importantes teniendo en cuenta que, en el año 2050, España será el país más envejecido del planeta, con un 40% de su población por encima de los 60 años, según Naciones Unidas. Y es que el colectivo de las personas mayores tiene cada vez un mayor peso en la sociedad, pero que se enfrenta a graves problemas de exclusión social, agudizados por un estilo de vida que vincula juventud con éxito y envejecimiento con fracaso.

Cuando el miedo a envejecer es un problema de salud y exclusión social

En la sociedad de consumo actual, se ha normalizado un discurso que promueve mantenerse joven, evitar el paso del tiempo o revertir sus efectos, como si envejecer fuera algo negativo o evitable. “¿Pero qué diría toda esa gente, sobre todo a mujeres jóvenes y mayores que viven con inseguridad, con temor, ese paso del tiempo?”, se cuestiona Torrent.

Hay una sensación de de que a partir de una edad no importa tu historia, no importa lo que has vivido, no importa lo que tienes que ofrecer

Ana Torrent — actriz y protagonista de la iniciativa ‘Por una cosmética libre de edadismo’

Según María Martínez, co-fundadora y CEO de Laconicum, “esta causa siempre ha estado dedicada a las mujeres, lo que acaba afectando profundamente en cómo percibimos a los demás y a nosotras mismas”, generando rechazo hacia el envejecimiento y alimentando una angustia innecesaria frente a un proceso natural que debería asumirse con serenidad y dignidad.

Loles Díaz-Aledo, presidenta del Patronato de la Fundación Grandes Amigos, coincide en que “muchas personas, especialmente mujeres, aún no han interiorizado que envejecer no debería limitar lo que podemos hacer. Incluso mujeres jóvenes temen cumplir años y rechazan su imagen al envejecer, como si eso les quitase valor”.

“Al envejecer, muchas personas caen en la llamada 'profecía autocumplida': creen que al llegar a cierta edad, como los 65 o la jubilación, ya no tienen nada que aportar, afectando su salud, su autoestima y su forma de relacionarse con el mundo”, apunta Díaz-Aledo. Esta idea dañina limita vidas, refuerza estereotipos y promueve “un lenguaje que convierte la edad en un problema, que excluye, y al excluir aísla, y al aislar entramos en la soledad”.

Muchas personas, especialmente mujeres, aún no han interiorizado que envejecer no debería limitar lo que podemos hacer

Loles Díaz-Aledo — Presidenta del Patronato de la Fundación Grandes Amigos

El edadismo es una forma de discriminación muy extendida, pero poco reconocida, denuncia: “Se nos reduce a nuestra edad, como si eso nos definiera por completo, olvidando que, ante todo, somos personas. Lo más paradójico es que esta discriminación nos afecta (o llegará a afectarnos) a todos por igual, porque llegar a viejos, en realidad, es lo mejor que nos puede pasar”, apunta Díaz-Aedo.

El edadismo y la salud mental

Sin embargo, la cuestión gira en torno a cómo podemos frenar esta tendencia que está desembocando en un creciente número de problemas de salud mental, afirma Elena Del Barrio, Directora de Políticas y Contextos Sociales de Matia Instituto. Según ella, el edadismo no solo contribuye a la soledad (un tema que ya tenemos muy identificado), sino también a una autopercepción cada vez más negativa del paso del tiempo. Es decir, muchas personas empiezan a sentir rechazo hacia su propia edad o a experimentar malestar por cumplir años, lo cual nos preocupa profundamente.

Un estudio realizado por la Asociación Americana de Psicología y liderado por quienes conceptualizaron el término “edadismo”, demostró que las personas con actitudes negativas hacia envejecer pueden ver reducida su esperanza de vida hasta en siete años y medio, en comparación con quienes lo afrontan de forma positiva. El edadismo no solo afecta a nuestra autoestima, sino también a la salud mental, la inclusión social y la forma en que nos relacionamos, aumentando el riesgo de soledad y exclusión. Su impacto en la salud y en la calidad de vida es profundo y real.

Es una idea absurda que maneja la cosmética, pero que tiene mucho que ver con la visión de servicio hacia la mujer: se espera que ella esté siempre bien, arreglada y con voluntad firme

Susi Sánchez — Vicepresidenta 2ª de La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España

En nuestro país, según esta investigación realizada por el CIS, el 68,9% de los encuestados afirman que las personas mayores de 65 años tienen “muchos o bastantes problemas”. El 50,4% de los encuestados dice estar “muy de acuerdo o de acuerdo” con la afirmación “los jóvenes actualmente tienen muchas más oportunidades de las que tuvieron sus padres a su edad”. Un 89,3% está “muy de acuerdo o de acuerdo” con que “las personas mayores por lo general sufren más soledad que los jóvenes”.

Para denunciar el edadismo, no hay fecha de caducidad

Susi Sánchez, Vicepresidenta 2ª de La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, defiende que “hasta que las mujeres no acepten de forma regular e intelectual los puestos de poder y puedan colaborar equitativamente con los hombres, esto no va a cambiar”. Este tipo de promociones, afirma, las hacen los hombres, también con el consentimiento de las mujeres, por una cuestión de educación y porque en la sociedad de consumo actual la abstinencia no es una opción.

Esta filosofía de vida de “mantente como estás” lleva a la conformidad, a la normalización, aunque ya no tiene sentido pensar que una persona pueda permanecer joven eternamente. “Es una idea absurda que maneja la cosmética, pero que tiene mucho que ver con la visión de servicio hacia la mujer: se espera que ella esté siempre bien, arreglada y con voluntad firme”, afirma Sánchez, quien reconoce que esto sucede, especialmente, en el mundo del espectáculo.

El sector cosmético tiene una oportunidad extraordinaria para transformarse en uno más sensible y comprometido con los graves efectos del edadismo.

Jorge Martínez — ideólogo y co-director creativo de la campaña ‘Libre de Edadismo’

“En parte, tiene sentido que sea así, pero lo cierto es que es un mundo de ilusiones, de luces y colores, pero no es un mundo real, aunque la gente disfrute viéndolo como si estuvieran dentro de una bola de cristal mágica”, añade la actriz. Pero nunca es tarde para promover una aproximación más sincera y sensible en la forma en que hablamos del envejecimiento de romper la dinámica que se ha establecido hasta entonces.

Los responsables de la iniciativa por una cosmética 'libre de edadismo’ proponen ir más allá de eliminar términos como “antiedad” o “antienvejecimiento”, y apuestan por comprender de dónde viene ese lenguaje, qué efectos tiene y cómo podemos transformarlo sin prohibir, sino proponiendo alternativas más cuidadosas y respetuosas.

“No se trata de prohibir, de ir en contra de ello sino de cambiar el lenguaje para aprender a querernos y vivir con dignidad. No podemos vivir angustiadas por una batalla contra el tiempo que no se puede ganar. Tener 60, 70, 80 es algo que hay que celebrar. Aquí estamos para contarlo, para vivirlo, para dar consejos”, resalta Torrent.

Con ello, proponen prestar atención a las maneras en las que el lenguaje en la publicidad y los productos cosméticos vulnera derechos, aunque a veces se presente bajo una apariencia protectora, paternalista o “comprensiva”. Tal y como recuerda Jorge Martínez, ideólogo y co-director creativo de la campaña ‘Por una cosmética libre de Edadismo’, “el sector cosmético tiene una oportunidad extraordinaria para transformarse en uno más sensible y comprometido con los graves efectos del edadismo. Porque algo que está hecho para cuidarnos, no debería hacernos daño”. Así, la tarea de acompañamiento también podría centrarse en descubrir, proteger y dar foco a quienes envejecen en soledad a través de aproximaciones mucho más sinceras y sensibles. Aún queda mucho por visibilizar, pero dar el primer paso es clave.

Letras gigantes con mensajes directos para enfrentarse a las estructuras de poder. Esa es la clave de la obra de Barbara Kruger, (Newart, 1945) la artista que cambió el diseño gráfico por el arte contemporáneo, o más bien consiguió crear obras de arte gracias a lo aprendido entre rotativas. Kruger lleva más de cinco décadas haciendo que el público tome conciencia de las estructuras de poder que dan forma a las identidades, los deseos y las creencias. Para ello, se inspira en los medios de comunicación y el lenguaje publicitario que utiliza para criticar los mecanismos de persuasión, consumo y control de la vida contemporánea. Ahora todo ese arte ha llegado al Museo Guggenheim de Bilbao con la primera panorámica exhaustiva de Kruger.

La muestra, bajo el título 'Another day. Another night' reúne cuatro décadas de obras de la artista y convierte la pinacoteca bilbaína en un entorno donde convergen sonido, texto y arquitectura para reflexionar sobre la comunicación de masas, los discursos políticos, los eslóganes publicitarios, las doctrinas religiosas y hasta la jerga de Internet. “La exposición reúne obras de momentos muy tempranos en su carrera, pero también hay obras hechas para esta presentación en Bilbao. En muchos casos, las obras son obras específicas a los sitios en las que están expuestas, por lo que, va a ser una experiencia muy única para la presentación en Bilbao. Se va a ver que muchas de las obras están presentadas en castellano y en euskera, demostrando el interés el conocimiento de la artista de trabajar en un contexto específico”, detalla la comisaria de la exposición Lekha Hileman Waitoller, que estará disponible desde este martes 24 de junio hasta el próximo 9 de noviembre.

Siempre polémica, la artista interpreta y trabaja sobre documentos fotográficos ya existentes con textos sucintos y agresivos que envuelven al espectador en la lucha de valores cotidianos predeterminados por el ámbito sociocultural. De esta manera, el público recuerda aquel especial sobre las elecciones de Estados Unidos de 2016 entre Hillary Clinton y Donald Trump de la revista New York Magazine, cuya portada diseñó la propia Kruger, que colocó una fotografía de Trump con la boca abierta y la palabra 'Loser' ('perdedor') en medio de su cara. Sin embargo, Hileman Waitoller confiesa que la actualidad política y la llegada del presidente de EEUU, Donald Trump, no han afectado a la muestra, aunque sí reconoce que los mensajes de Kruger, algunos de ellos contra la guerra, están elaborados de un modo que “tienen sentido” en la actualidad.

“Kruger sustituye el consumo pasivo por la confrontación, cambiando nuestros monólogos internos por los suyos: inquisitivos, mordaces y extremadamente íntimos. Los elementos que elige jamás son neutrales: cada frase se convierte en un gesto cargado de significado, parte de un comentario más amplio que atraviesa décadas de su trabajo. Y aunque el vocabulario formal pueda parecer coherente, lo que la artista revela sufre una constante transformación: su obra evoluciona al ritmo del lenguaje del poder, la persuasión y la protesta”, explican desde el museo, liderado por Miren Arzalluz, encargada de presentar la muestra.

Entre sus obras más destacadas y que podrán verse en el Museo Guggenheim de Bilbao se encuentra Untitled (Forever)' que muestra en un gigantesco texto en blanco y negro las sombrías palabras de George Orwell: “Si quieres hacerte una idea de cómo será el futuro, figúrate una bota aplastando un rostro humano...incesantemente”. O Untitled (Verdad), obra que une la palabra “verdad” en español, que pasa del negro al gris pálido, coincidiendo con la reflexión sobre la propia verdad: ¿Es absoluta o también puede ir cambiando con el tiempo?, con piezas de audio inesperadas que susurran frases como “te quiero” o “lo siento”.

De forma especial, para Bilbao, la artista ha creado una obra en euskera y castellano titulada Untitled (Camino), que hace referencia al paisaje lingüístico de la ciudad y sirve, además de hilo conductor entre las diversas salas de la muestra. “Una dimensión esencial del proyecto es el compromiso de Kruger con el contexto lingüístico y cultural de Bilbao. El País Vasco ofrece un marco especialmente significativo para sus propuestas. En palabras de Kruger, 'la lengua es una fuerza poderosa y nos define. Nos habla de jerarquías, de adoración y desprecio. Y contiene un elemento de enorme especificad, ya que cada lugar tiene su propio idioma originario y sus propias narraciones'. Esta atención a los matices y tensiones del lenguaje está en el tejido mismo de la exposición, mostrando el constante compromiso de la artista por explorar cómo circula el significado, y cómo se cuestiona, por los distintos terrenos culturales y políticos”, sostienen desde el museo.

“Tú sabes que las mujeres han servido durante siglos como espejos dotados del mágico y delicioso poder de reflejar la figura del hombre duplicando su tamaño natural”, se lee con una tipografía negra y gigante en una de las salas del Museo Guggenheim. En otra, se muestra la obra Sin título (Tu cuerpo es un campo de batalla), con el rostro de una mujer en blanco y negro y las letras en rojo creada para criticar las duras leyes antiaborto y apoyar el derecho a las mujeres para decidir sobre su propio cuerpo durante las manifestaciones feministas de 1989 en Washington.

La crítica al consumismo también está presente en Bilbao, con la obra Untitled (I shop therefore I am), creada en 1987 en serigrafía fotográfica sobre vinilo, pero reimaginada en 2019 como una instalación LED a gran escala. En el Museo Guggenheim tiene más de cinco metros de altura y cuenta con animación y sonido. “La obra se despliega como un rompecabezas gigante en el que las piezas van encajando hasta formar la frase 'Compro, luego existo'. Entonces, la imagen cambia en un instante con un sonido metálico, atravesando variaciones como 'Compro, luego acumulo', 'Necesito, luego compro', 'Amo, luego necesito'... Este juego filosófico de Kruger sobre consumo e identidad a través de la proposición cartesiana es uno más de los numerosos ejemplos de la exposición, cuyo espacio está lleno de referencias a pensadores, escritores y textos”, concluye la comisaria.

Casa de hojas (House of leaves en el original en inglés), fue la primera novela del escritor norteamericano Mark Z. Danielewski, gracias a la cual se hizo mundialmente famoso y pudo arrancar con éxito su carrera literaria en el año 2000. Se trata de un libro de literatura fantástica y de terror que realizó ventas millonarias en Estados Unidos, y fue también una sensación editorial; no solo por la sorprendente y compleja historia que cuenta –un matrimonio en crisis compra una casa en el bosque cuyo perímetro interior crece asombrosamente mientras se mantiene intacto su volumen exterior– sino por su innovadora y compleja maquetación, que incluye imágenes en color. Tras varios años descatalogado, regresa ahora a las librerías.

En el momento de su lanzamiento, The New York Times dijo que era “un mosaico novelístico que se lee a la vez como una novela de suspense y como un viaje extraño y quimérico al subconsciente”. The Wall Street Journal lo catalogó como “un libro complejo, erudito y sumamente aterrador” y, finalmente el suplemento literario de The Washington Post aseguró con pompa que se trataba de “la primera novela experimental importante del nuevo milenio”.

Por su parte, el escritor Bret Easton Ellis saludó su lanzamiento tildándola de “tremendamente vivaz, sublime y espeluznante, angustiosamente aterradora”. Y añadió en tono categórico: “Hace que las demás novelas carezcan de sentido”. Además, comparó a Danielewski con Thomas Pynchon, J. G. Ballard, Stephen King y David Foster Wallace“. Dado el éxito de ventas y crítica, la novela fue traducida a numerosos idiomas.

En España, con una década de retraso

No obstante, Casa de hojas no llegó a España hasta 2013, cuando la editorial malagueña Pálido Fuego se alió con la barcelonesa Alpha Decay para traducir y publicar el libro; dos tareas complejas y costosas, tanto material como económicamente, debido a la construcción multipolar de la historia y la maquetación, que incluye páginas troqueladas, numerosos idiogramas e imágenes de alta definición en color.

José Luis Amores, economista malagueño y editor en ratos libres de Pálido Fuego, descubrió el libro en un viaje a Estados Unidos y tuvo la atrevida idea de contactar con los agentes de Danielewski para conseguir los derechos de explotación de la obra en España. “Me di cuenta de que a mí solo no me los iban a dar, era demasiado pequeño”, explica Amores vía telefónica.

“Así que me puse en contacto con Ana S. Pareja, que aunque actualmente es librera en Berlín, entonces era editora en Alpha Decay, que es una editorial un poco más grande”, prosigue. Amores le propuso a Pareja “ir juntos con el proyecto, pero que fueran ellos los que negociaran con los americanos”. Seguidamente matiza: “Hay que tener en cuenta que Danielewski ya se había convertido en algo parecido a una estrella del rock”.

Las negociaciones, explica Amores, fueron largas y complejas pero “finalmente se consiguió la obra por un precio asequible” y ambas editoriales se pusieron manos a la obra en la edición española. “Era un libro muy costoso, entre otras cosas porque nosotros apostamos por editores españoles, así que el libro salía por nueve euros”, lo que explica, junto a la presencia del color, su elevado precio en tienda: 33 euros.

“La maquetación era compleja, pero una vez adaptada, todo el proceso era mecánico”, aclara el editor malagueño, que desvela que el escritor la concibió influido por la Torá hebrea. Respecto a la traslación al castellano, hecha por un traductor de la categoría de Javier Calvo Perales, Amores explica que fue tan extenuante que este le dijo que, cuando solo le quedaban 60 páginas por traducir, que “estaba agotado” y tuvo que terminarla el propio editor.

'Casa de hojas' es un libro que no se parece prácticamente a nada; que resucita la experiencia del miedo en la lectura

Javier Perales — traductor

“Más que difícil, fue especial en el sentido de que fue mucho más un trabajo de equipo que ninguna traducción que hubiera hecho antes”, explica Javier Calvo por correo electrónico. “El trabajo no se podía simplemente hacer y entregar, sino que circulaba a tres bandas entre yo, la editorial y el maquetador”, reconoce el traductor, que subraya que “es un libro donde el texto se dispone por la página de muchas maneras distintas, a veces formando imágenes o caligramas, y donde las formas de la página son un elemento significativo y reflejan el ritmo y la atmósfera de la narración”.

Si bien Calvo reconoce que “la idea misma de volver a aquella traducción” le da “pánico”, es contundente en su opinión sobre Casa de hojas: “Es un libro que se percibe demasiado como libro de culto, casi como un fenómeno de fans, y no se le da bastante importancia literaria, ni al libro ni a su autor”.

El traductor y escritor (autor de Mundo maravilloso, El jardín colgante o Corona de flores) asegura que, una década después de su traducción, sigue convencido de que “es uno de los libros más fascinantes de este siglo”. “Es un libro que no se parece prácticamente a nada; que resucita la experiencia del miedo en la lectura y además es intelectualmente complejo, ya que también funciona desde el punto de vista de la atmósfera y la lectura compulsiva; una experiencia única y que me hace pensar sobre la fascinación en sí del acto de la lectura”, remacha Perales.

La primera edición española salió al final como La casa de hojas, y Enric González, en un artículo para JotDown titulado Diez libros que hubiera lamentado perderme en 2013, lo sitúa como el primero de la lista. En una entrevista en 2013 con elDiario.es, Mark Z. Danielewski aseguró que la edición española era la mejor de todas las realizadas fuera de Estados Unidos y que la llevaba en sus giras de promoción para mostrarla como ejemplo de cómo concebía él Casa de hojas.

Amores no se muestra sorprendido por el halago, al contrario cree que tiene su explicación: “Nosotros respetamos la paginación, el libro tiene que tener 736 páginas por razones numerológicas y lo respetamos, cosa que no hicieron las ediciones japonesa, alemana o francesa, que se iban a más páginas por razones de traducción”.

Una estrella en gira

Para su promoción, el autor visitó España en 2014 y hasta participó en un coloquio en el CCCB de Barcelona, y concedió la citada entrevista al entonces incipiente elDiario.es. Amores recuerda a Danielewski como simpático y amable pero “bastante divo”, aunque asegura que lo entiende en alguien que alcanzó a principios de siglo una enorme fama: “Como una estrella”. “Al final de las agotadoras jornadas profesionales nos pedía que le lleváramos a ver flamenco”, comenta a modo de anécdota.

El esfuerzo dio fruto con unas ventas cercanas a los 15.000 ejemplares, un hito para dos editoriales modestas, pero siempre con cortas tiradas –debido a los costes de producción– que hicieron que durante largas temporadas fuera difícil encontrar el libro en las librerías, aunque Amores defiende que mientras ambas editoriales ostentaron los derechos siempre hubo ejemplares en el mercado. “Si nosotros hicimos estos números —comenta el editor de Pálido Fuego— no quiero imaginar lo que podría haber logrado una editorial de las grandes”. “Nunca entendí por qué nadie antes de mí se interesó por Casa de hojas”, apostilla.

Finalmente, en 2021 vencieron los derechos de explotación sin que los agentes de Danielewski accedieran a mantener la tarifa anterior. La perspectiva de una serie para HBO, la misma plataforma que ha producido series de terror metafísico como The Leftovers o From, hizo que las nuevas tarifas fueran imposibles para Pálido Fuego y Alpha Decay. Amores asegura que los agentes les pidieron “una burrada de dinero inalcanzable casi para ninguna editorial”. En consecuencia, Casa de hojas se quedó sin editores en España desde entonces hasta la actualidad.

Duomo se hace con los derechos en 2024

Durante este periodo, y también en años anteriores, la obra se ha convertido en una novela de culto para los lectores de todo el país, que solo pueden recurrir a adquirirla en librerías de segunda mano, especialmente las digitales, a precios superiores al coste de un ejemplar nuevo. En lugares como eBay se oferta una copia por 490 euros; en Wallapop se puede adquirir por entre 65 y 210 euros, y en Amazon hay un ejemplar que alcanza los 1.750 euros.

Pero la descatalogación de Casa de hojas en España parece tener un final feliz gracias al anuncio de que el próximo 16 de junio Duomo Ediciones, que adquirió los derechos el pasado año, tras ser desestimado el proyecto de la serie, relanza la obra conservando tanto la traducción original de Javier Calvo como la maquetación de las primeras ediciones, obra del también escritor Robert Juan-Cantavella.

Àngels Balaguer, actual editora de Casa de hojas para Duomo Ediciones, explica el curioso proceso por el que se decidieron a abordar el proyecto: “En 2023 lazamos El barco de Teseo, un libro del que es coautor J. J. Abrams [productor y coguionista de la serie televisiva Lost] y que al igual que Casa de hojas tiene un elevado coste de producción porque lleva numerosas imágenes a color, notas en los márgenes, etc”. La apuesta por este tipo de libro, diferente y caro, les salió bien, asegura Balaguer, así que se animaron a buscar libros similares y se toparon con que el de Danielewski tenía los derechos disponibles.

“Preguntamos a Pálido Fuego y a Alpha Decay y nos comentaron el tema de la serie y las altas tarifas”, prosigue. Pero no había noticias de la producción audiovisual, así que contactaron con los agentes de Danielewski, dispuestos a pactar el regreso de Casa de hojas a España. “Fueron negociaciones muy largas y complejas”, reconoce Balaguer, pero finalmente el acuerdo salió adelante, esta vez con el nombre original traducido, esto es sin el artículo inicial, solo Casa de hojas. A pesar del ligero retoque del título, la editora asegura que tanto Pálido Fuego como Alpha Decay han colaborado para llevar la publicación a buen puerto: “Nos han ayudado a sacar el libro adelante permitiendo que usemos tanto la maquetación como la traducción original de Javier Calvo, lo cual nos ha facilitado mucho las cosas”.

Literatura ergódica en el mercado especulativo

También reconoce la responsable de la edición de Duomo la complejidad de producción de la obra, que explica que su precio esté por encima de los 30 euros: “La mayoría de libros actuales de literatura ergódica, como este o El barco de Teseo, son complicados de llevar a una edición serializada, porque comprenden muchos elementos”, opina Balaguer.

Por literatura ergódica se entiende una variante de la literatura experimental que exige un esfuerzo por parte del lector para seguir la trama o tramas del argumento –que no suele ser lineal en absoluto– en ocasiones no solo intelectualmente sino también en el plano físico, con capítulos alternos para las distintas historias y protagonistas e incluso con esquemas e ideogramas. Un ejemplo clásico de literatura ergódica es Rayuela, la novela de Cortázar que alterna la historia principal con capítulos donde se incluyen textos de numerosos pensadores y distintos ámbitos, en un diseño que el autor reveló que se inspiraba en el mandala tántrico del budismo, al igual que Danielewski se inspira para construir Casa de hojas en estructura de la Torá judía.

Pero al igual que Amores, Balaguer se muestra sorprendida por los precios que alcanzan los ejemplares de segunda mano en las distintas páginas web. “Puede explicarse porque es una obra con una demanda mantenida que ha estado fuera del mercado durante los últimos cuatro años e incluso antes de la pérdida de derechos era difícil de encontrar, porque las tiradas eran pequeñas, ya que si eres una empresa modesta no te puedes permitir hacer grandes ediciones y luego tener muchas devoluciones. Es un libro costoso”, razona Balaguer.

Ahora bien, Amores cree que es un tema meramente especulativo y sin ningún matiz de bibliofilia. De hecho, en el apartado “Contacto” de la página web de Pálido Fuego, puede leerse toda una declaración de principios al respecto: “El título Casa de hojas, de Mark Z. Danielewski está agotado, como se indica puntualmente en la página de producto. No hay a la vista nuevas ediciones o reimpresiones. Adquirirlo a alto precio en una web de productos de 2ª mano es obviamente una opción, si bien recomendamos a quienes deseen leerlo que vayan a una biblioteca. Ningún libro vale ni un euro más que su precio de venta inicial, y este no es una excepción”.

La cultura, a diferencia de otras industrias más tangibles o mensurables, es un sector muy difícil de fotografiar. Por ejemplo, desde el punto de vista del empleo cultural, tiene grandes diferencias salariales y a los trabajadores culturales les cuesta encontrar estabilidad o tener un proyecto de vida a largo plazo. Bajo los Gobiernos de Pedro Sánchez, los sucesivos ministros culturales han trabajado en medidas que mejoren las condiciones laborales de los artistas, pero no han generado un cambio sustancial. No obstante, se trata de un sector que no deja de crear empleo: entre 2019 y 2024 ha generado un 17% más (mientras que el conjunto de la economía lo hizo en un 8%).

Hay algún otro indicador de pesimismo. Cuando se le pregunta a los ciudadanos dónde prefieren que haya gasto público, la cultura está cada vez más atrás. El gasto en infraestructuras y en defensa, por ejemplo, les parece más importante. Cultura es la sexta prioridad, según la Encuesta de Percepción Social de la Innovación que realiza la Fundación Cotec en colaboración con Sigmados.

No obstante, y en el marco del optimismo por el crecimiento económico de España, la buena noticia es que los sectores culturales y creativos también crecen, y a veces lo hacen por encima de la media general de la economía, pese a haber quedado muy dañados por la pandemia. La aportación de la cultura a la generación de riqueza del país, un indicador que se calcula cuantificando el valor añadido bruto (VAB), está por encima del 2%.

Este indicador lo viene calculando el Ministerio de Cultura junto al INE, pero el último dato es de 2022. El grupo Econcult de la Universitat de València ha utilizado una metodología similar y ha calculado que, en 2023, el valor añadido generado en España (VAB) fue un 35% superior al de 2020, lo que apunta a que no solo se ha culminado la recuperación tras la pandemia, sino que se ha avanzado más allá.

Otro cuantificador optimista tiene que ver con el efecto arrastre: por cada euro de incremento de demanda de los bienes o servicios culturales, el valor añadido de la economía aumenta en hasta 1,75 euros. Y, respecto a la generación de empleo, por cada millón de euros de incremento en la demanda, el empleo aumenta en 44 nuevos puestos de trabajo en el conjunto de la economía. Este efecto multiplicador es superior a otros sectores como el turismo o la construcción.

Estos indicadores, y muchos más, han sido reunidos por Cotec para su informe Los sectores culturales y creativos en España. Análisis de su valor económico, que ha presentado este lunes en el Museo del Traje de Madrid, con la presencia del presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, quien ha planteado que la cultura no es solo “un bien esencial” sino “un activo estratégico”. Un sector formado por 274.000 empresas (28.000 más que antes de la pandemia) de muy pequeño tamaño: casi el 70% son autónomos, en comparación con el 57% en el conjunto de la economía.

Prejuicios ante la cultura

Sánchez ha comentado que, durante mucho tiempo, los números que indican el valor de la cultura han pasado “desapercibidos” o bien se han recibido “con escepticismo”. Y lo ha achacado a “una suerte de prejuicio de que hay algunos sectores que no pueden vivir de la iniciativa privada” que ha instalado una “narrativa injusta y equivocada sobre que la cultura es un sector subsidiado que no crea empleo”. Dirigiéndose al ministro de Cultura, Ernest Urtasun, que le escuchaba en la primera fila, le recordó los “prejuicios” que escuchó en la alfombra roja de la gala de los Goya: “Una mentira, fruto de la desinformación, del desconocimiento o, a veces, evidentemente, de intereses”.

“La cultura no es un adorno, no es una frivolidad, no es lo que viene después de lo importante”, ha recalcado Pedro Sánchez tras incidir en algunos de estos indicadores. “Es una industria estratégica y, por tanto, lo que tenemos que hacer es dejar de mirar a estos sectores con paternalismo y condescendencia. Tenemos que mirar a los sectores culturales y creativos como una de las grandes oportunidades económicas de nuestro tiempo”, añadió.

El presidente del Gobierno ha aprovechado la presentación de este informe de Cotec para hacer una serie de anuncios relacionados con la expansión cultural, siendo el más importante la actualización del Plan de Acción Cultural en el exterior, “atendiendo al nuevo contexto geopolítico”, cuyo último diseño estratégico abarcaba de 2012 a 2015. Además, se creará un un Consejo de Acción Cultural Exterior que reunirá anualmente a los ministerios implicados y a organismos como la ACEID, RTVE o el Instituto Cervantes. Otro nuevo organismo será un órgano consultivo de asesoramiento externo con participación del sector cultural que contribuya a evaluar esta nueva estrategia de internacionalización. Tras el verano, el Gobierno cuenta con presentar el Plan Nacional de Acción Cultural en el Exterior 2025-2028.

La ciudad de Toledo se prepara para acoger las jornadas 'Castilla-La Mancha es moda', un encuentro con diseñadores consagrados y jóvenes promesas que presentan sus nuevas colecciones, así como su perspectiva en este sector. Se celebrará los días 21 y 22 de mayo en emplazamientos como el Salón Rico -Plaza Corral de Don Diego-, aunque también dispondrá de exposiciones y desfiles en otras ubicaciones, y van a participar casi treinta diseñadores de la región.

Se trata de su segunda edición, tras la experiencia el año pasado en Cuenca y, según ha destacado en la presentación del evento la directora general de Turismo, Comercio y Artesanía de Castilla-La Mancha, Ana Isabel Fernández Samper, tuvo un “rotundo éxito”.

La organizadora del evento, Carmen Martín, ha señalado que se trata de un espacio que buscar crear “diálogo entre artesanía y moda, dando también protagonismo a los nuevos talentos de la región castellanomanchega”.

Coloquios y otras actividades

El 21 de mayo desde las 10:30 horas hasta las 11:15 horas en el Salón Rico de Toledo, se celebrará el coloquio 'La moda como puente entre la tradición y la innovación', donde participarán Félix Ramiro, Alejandro de Miguel, Lidia Ibáñez -más conocida como Belinda Wings- y Arnelio Cruz, y que contará con la moderación de Maribel Uriel.

Por otro lado, en el mismo emplazamiento tendrá lugar otro coloquio titulado 'Inclusión y diversidad en la moda', en el que participan Ana Locking, David Moss, La Pili y Violeta Porté, que será moderado igualmente por Maribel Uriel. Se producirá desde las 11:30 hasta las 12:15 horas.

A las 12:30 se inaugurará en el Salón Rico la II Edición de 'Castilla-La Mancha es moda', así como de la exposición 'De la mano al hilo: un diálogo entre diseñadores y artesanos de Castilla-La Mancha', que estará disponible en este lugar el 21 y 22 y de mayo, y que se trasladará a la Escuela de Arte de Toledo al día siguiente, pudiéndose visitar hasta el 5 de junio.

A las 13:00 horas tendrá lugar la presentación del primer libro del diseñador Juan Carlos Pajares, titulado 'Elaboración de prototipos', una guía con enfoque práctico para aquellas personas que quieren diseñar.

Desfiles de moda

La moda no solo se queda en las palabras o en las exposiciones, sino que toma forma a partir de diferentes desfiles. La jornada continúa el 22 de mayo y Carmen Martín, coordinadora del evento, ha destacado sobre los diseñadores que “algunos desfilan por primera vez, otros han creado colecciones específicas para 'Castilla-La Mancha es moda' para rendir un poco homenaje a este evento. Otros diseñadores presentan su colección primavera-verano y en algún caso concreto anticipan la colección que verá la luz en distintas pasarelas a lo largo del año de cara al otoño-invierno”.

Primeramente, ocurre el desfile de jóvenes talentos y diseñadores consagrados que se localiza en el claustro del Museo de Santa Cruz. Contará con la presencia de Adrián Nieto, galardonado con el Premio Talento de la I Edición de 'CLM es Moda' así como: Antonio Rabadán, Manu Campayo, Genoveva Hita, Emilio Salinas, Marta Villaruiz, Señorito Ortega, Laura Lomas y el diseñador Candelas y Felipa. Se desarrollará desde las 12 de la mañana hasta las 13:45 horas, concluyendo con un brindis de cerveza.

Por otro lado, de cara a la tarde, a las 17:00 horas tendrá lugar en Puerta de Bisagra el desfile de las nuevas colecciones de los diseñadores Ulises Mérida, Raquel López, Carmen Alba y Félix Ramiro. La jornada concluirá a las seis de la tarde para disfrutar de una cata de vino.

Exposiciones de moda en la ciudad

Desde el 20 al 22 de mayo en la Puerta del Sol de Toledo se localizará la exposición exterior 'Paseo de la moda castellanomanchega', que homenajeará a diseñadores de la región y acercará la moda a la ciudad toledana.

Los días 21 y 22 de mayo estará disponible en el Hotel Carlos V la exposición 'Looks de alfombra roja', del diseñador Emilio Salinas. Por otro lado, desde 20 de mayo hasta el 5 de junio se podrá visitar la exhibición 'Nuevos talentos de la moda en Castilla-La Mancha' en el Centro Comercial Luz del Tajo, que contará con piezas creadas por los alumnos y alumnas de la Escuela de Arte de Toledo.

El festival de música conquense 'Estival 2025' que se celebra entre el 6 de junio y el 5 de julio en la ciudad de Cuenca va a contar con diferentes personalidades del ámbito musical nacional, como el artista canario Ale Acosta, así como del panorama local como la agrupación conquense Sambas Colgadas, que cerrarán el festival en el Escenario Solán de Cabras del Museo Paleontológico de Castilla-La Mancha.

Para la que será la fiesta de despedida de la XIV edición de 'Estival Cuenca' el sábado 5 de julio, el ciclo conquense ha apostado en este 2025 por la propuesta “viva” y de “muy buen tono” musical del lanzaroteño Ale Acosta.

Gracias a su último trabajo, lanzado en 2024 bajo el nombre 'El porvenir', ha sido uno de los más destacados por distintos medios de este año. Además, estuvo nominado como 'Mejor Interpretación de Música Electrónica Latina' en la última edición de los Latin Grammy 2024.

También, Acosta ha sido finalista en seis categorías en los Premios 'Min 2025', con la 'Canción del año' por su canción 'La ceniza', con Valeria Castro, además de recibir el premio 'Mejor artista emergente', 'Mejor videoclip', 'Mejor Directo', 'Mejor grabación de electrónica' y 'Mejor producción musical'.

Por otro lado, los conquenses Sambas Colgadas abrirán la velada con su apuesta de percusión, movimiento, diversión, energía y dinamismo en un recorrido por el Escenario Solán de Cabras del Museo Paleontológico de Castilla-La Mancha.

El músico canario Ale Acosta

La dilatada carrera del canario comenzó en 2004 con la publicación del primer disco de su banda Mojo Project. Un “excelente” álbum debut que vino con el nombramiento por El País como Grupo Revelación 2004.

Desde entonces, su figura como productor musical ha continuado desarrollándose al trabajar en álbumes para artistas tan destacados como Enrique Morente, Juancho Marqués, Arcángel, Buika, Muchachito o Chambao.

Además, ha compuesto varias bandas sonoras para series como la de Arde Madrid, de Anna R. Costa y Paco León; o Toy Boy, de Netflix. De forma paralela, desde hace más de quince años ejerce como dj pinchando en innumerables clubs de toda Europa, haciendo remixes para muchos artistas.

Hasta mediados de 2024, el artista canario ha compaginado su carrera como productor con su proyecto artístico Fuel Fandango, del que es miembro fundador junto a la cantante Nita, con quien ha producido y compuesto cuatro discos y ha paseado su mezcla de electrónica y flamenco por más de 35 países en los 5 continentes con gran éxito de público y crítica.

El siguiente paso de Ale Acosta ha sido un esperado salto en solitario que fructifica con su debut en LP 'El Porvenir', en 2024.

Un álbum muy personal que busca emocionar en el que han colaborado numerosos artistas y amigos, como Valeria Castro, Çantamarta, Juancho Marqués o Depedro.

Su espíritu libre le hace retornar a sus orígenes, “en un bellísimo homenaje a Lanzarote”, para concebir un trabajo de electrónica de baile salpicada por todas las influencias que emanan de su amplia y exitosa trayectoria musical de dos décadas.

El grupo conquense Sambas Colgadas

Sambas Cogadas, compuesto por más de 25 integrantes y con una escuela de más de 50 alumnos, nació en 2010 gracias a la inquietud y ganas de aprender de un grupo de amigos con base en el samba reggae. En 2015, con más experiencia, dieron un nuevo impulso al proyecto a través de Perchelcusión, una iniciativa social desarrollada en el barrio de San Antón, en Cuenca.

Gracias a esta propuesta, el grupo creció, conectó con la comunidad y asentó su sede en dicho barrio. Desde entonces, los conquenses han seguido formándose con referentes nacionales e internacionales del samba reggae y llevan su música por toda la provincia de Cuenca y otras muchas localidades.

El cartel completo del Estival Cuenca 2025

Este festival sigue mostrando la programación diversa y complementaria que ha preparado para su XIV edición. Además de Ale Acosta y Sambas Colgadas dentro del 'Estival Electrónico/Estival Festivo', el sábado día 5 de julio, se ha confirmado la presencia de Eduardo Fernández y Blanca Ruiz en 'Estival Clásico', el domingo día 29 de junio.

La programación cotinuará con Luar Na Lubre y Cuélebre en el 'Estival Folk', el lunes día 30 de junio; Las Migas y Pasión Flamenca en el 'Estival Flamenco', el martes día 1 de julio; Antonio Serrano, Los Flamenco Messengers y Petit Swing en 'Estival Jazz/Estival Flamenco', el miércoles día 2 de julio; Rita Payés y Marta Mansilla en 'Estival Jazz', el jueves día 2 de julio; y Muerdo y Pavana Dingo en 'Estival Mestizo', el viernes día 4 de julio.

Para disfrutar y descubrir la música de los artistas que forman parte de este cartel, la organización de Estival Cuenca ha creado una playlist en Spotify y una lista de reproducción en YouTube.

Estival Cuenca 25 está patrocinado por Solán de Cabras, Consorcio Ciudad de Cuenca, Diputación de Cuenca, Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, Fundación Globalcaja, Universidad de Castilla-La Mancha, Unicaja, Pub Los Clásicos, UIMP, Catedral de Cuenca, Ayuntamiento de Cuenca, Castilla-La Mancha Media, Europa Press, Plazería, La Tribuna de Cuenca, Museo Paleontológico de Castilla-La Mancha, Patronato Gil de Albornoz, Inaem, Radio 3 RNE y Autoprima Mercedes.

Puede que inquietud sea el sentimiento que predomina entre todos los que provoca la lectura de El buen mal, el nuevo libro de relatos que Samanta Schweblin acaba de publicar en la editorial Seix Barral. Seis cuentos que se cocinaron a fuego lento, durante tres años, hasta que estuvieron listos para servir.

Una madre que sigue el último paso de Virginia Woolf, dos hermanas que se aventuran a entrar en casas ajenas por las noches, un gato cuyo fallecimiento provoca una pena tan grande como la pérdida del hijo de una antigua amiga o un niño que se traga una pila son algunos de los personajes que danzan por las historias de una de las autoras argentinas más aplaudidas de la actualidad.

La muerte permite aglutinar estos relatos en un volumen con la lógica del tema en común. Está presente en cada uno de ellos, a veces como realidad y a veces como posibilidad, pero siempre ahí. El asunto apareció cuando se puso a escribir el primer cuento y se coló en el resto, porque la escritora sintió la necesidad de responder a una pregunta simple, pero no fácil: si tiene tanto peso en la literatura, ¿por qué siempre aparece al final de la trama? “Quise saber si se puede escribir un texto que empiece con la muerte y sea capaz de seguir avanzando, pero de manera concreta y realista”, dice Schweblin a elDiario.es sentada en la cafetería de un hotel en el centro de Barcelona.

Lo extraño acecha de forma constante en la cotidianidad de los personajes. Las decisiones que toman les llevan a un desastre que habrían podido evitar si hubiesen optado por hacer lo contrario: no darle dinero a esa anciana, llevar al niño al hospital al momento, cerrar el ventanal antes de salir, obedecer a los padres y no salir por la noche. Balas que hubiesen esquivado si viviesen en un estado de alarma permanente sobre los innumerables peligros probables.

Obsesivos en prevenir las desgracias

Si una persona pasa cada minuto de su existencia ojo avizor, no saldría de su casa. Y aun así, no estaría del todo a salvo. “Somos muy obsesivos en el ejercicio de pensar los peores escenarios posibles y como reacción acrecentamos el miedo y nos perdemos en él, como si fuera la realidad” sostiene la autora. “Pero los prejuicios nos salvan también muchas veces. Ahí está ese doble juego del buen mal”, señala.

Para ella, en sus relatos existen unas fuerzas invisibles que guían a los personajes y que son, en realidad, esos miedos construidos con los valores que les inculcaron en la infancia y las ideas que tiene cada uno de lo que es el mundo. Y el interrogante que lanza desde su libro es: ¿Qué pasa en la vida ordinaria cuando algo la pone en jaque? “Se enciende una alarma que ya no se puede apagar y por fin te hace prestar verdadera atención, pero, ¿qué sucede entonces?”, cuestiona.

Además de la muerte y los peligros que acechan cada día, hay otro aspecto que también aúna a todos los cuentos: las voces narradoras son femeninas, excepto la de un niño, que tampoco es un hombre adulto. Schweblin declara que no fue una decisión consciente, no pensó en el género a la hora de escribir –en sus otros libros sí hay voces masculinas– pero quizá en estos relatos le salió así por los lugares en los que se desarrollan. “Yo no hago literatura autobiográfica, pero estas historias suceden en espacios que he habitado”, reflexiona y agrega: “A nivel espacial es muy personal y quizá en el fondo haya un poquito más de mí de lo que yo soy consciente”.

Argentina en el teclado

Samanta Schweblin vive desde hace doce años en Berlín. Pese a que considera que la ciudad alemana es su hogar, cuando pone las manos en las teclas su mente se desplaza a su tierra natal. No todos los cuentos de El buen mal suceden en aquel país, pero sí miran hacia él. “Es el espacio que me interesa pensar y estoy constantemente conectada con lo que pasa allí. No solo en el plano político, sino que estoy muy cercana a mi familia”, dice.

Aunque ella creció en Buenos Aires, ahora sus parientes viven en la provincia de Chubut, un lugar muy diferente al de su infancia y que está muy presente en su nueva colección de cuentos. Cada año se instala durante uno o dos meses allí y recopila material para su escritura. 

Sus influencias literarias están relacionadas con Argentina, por supuesto. Estas se manifiestan tanto en su interés específico por “la literatura de lo extraño” como por su cariño por la narrativa corta, por el relato. “Cualquier gran escritor argentino es sobre todo un gran cuentista que eventualmente puede escribir una novela o no, como Borges”. Ella misma tiene en su bibliografía varias antologías de cuentos y dos novelas. “Evidentemente, estoy atrapada en esa tradición que me enorgullece, pero también leo con mucha admiración a algunos contemporáneos”, asevera. 

“A diferencia de generaciones anteriores, la actual tiene muchos más vasos comunicantes. Yo leo un cuento de Federico Falco y me quedo temblando. O una novela de Gabriela Cabezón Cámara y pienso: ¿De verdad se podía hacer esto con el lenguaje? Es como si abriera compuertas de posibilidades, es muy enriquecedor a la hora de escribir”, declara.

Asimismo, también menciona a Selva Almada, una de las autoras a las que acudir para acercarse al tema de la violencia contra las mujeres. “Ella se inscribe en una tradición que aparentemente es de Juan José Saer y sin sacar un pie del todo, con su tempo y su manera de escribir, la convierte en algo completamente nuevo”, señala. 

Siete años sin publicar

Hace diez años que publicó su anterior libro de relatos Siete casas vacías (Páginas de espuma) y siete desde su última novela, Kentukis (Random House). Durante todo este tiempo que ha transcurrido hasta que su nuevo título ha salido al mercado, se ha dedicado a muchos trabajos –entre ellos, la adaptación a la pantalla para Netflix de Distancia de rescate (Random House), dirigida por Claudia Llosa– pero en ningún momento ha dejado de escribir. Sostiene que cada proyecto tiene sus tiempos y hay que encontrar el punto en el que se convierte en algo publicable.

Cualquier gran escritor argentino es sobre todo un gran cuentista que eventualmente puede escribir una novela o no, como Borges

Samanta Schweblin, escritora argentina

A lo largo de su carrera, Schweblin ha acumulado una considerable lista de premios entre los que destacan el Premio Tigre Juan por Distancia de rescate (2015) y el National Book Award por Siete casas vacías (2022), además de haber sido tres veces candidata final al Booker Internacional. Gracias a los galardones que van acompañados de una retribución económica, ha conseguido “comprar tiempo libre, que es carísimo”, indica, para poder dedicarse a escribir.

Gracias a eso, y a las clases que imparte, tiene “la suerte” de vivir de lo que le gusta. Pero su ambición no pasa por ganar más premios, sino que pone todas sus aspiraciones profesionales en el texto. “Hay algo en el arte que no se puede tratar del todo como si fuera una empresa, una carrera o un proyecto con deadlines y dinero”, defiende.

Los temores que se materializan

Si lo extraño acecha en todos los aspectos de la vida cotidiana, el plano político no se escapa. El miedo se puede materializar en cualquier momento, como sucede ahora en muchas partes del mundo en las que se pensaba que los terrores del pasado no se podían repetir. La situación parece pertenecer al ámbito de esa literatura de lo extraño que, según la escritora: “Tiene que ver no con lo imposible de suceder sino con la posibilidad de que suceda aquello que difícilmente podría suceder”. 

Schweblin vio desde Berlín cómo Milei llegaba a la presidencia de Argentina y sigue con atención todo lo que sucede en su país. Pero también ha observado cómo la ciudad en la que vive ha pasado de ser un lugar en el que las diferencias eran más que bien recibidas a ser un sitio en el que grupos de ultraderecha se manifiestan por sus calles protegidos por la policía.

“Es muy terrible, siendo inmigrante, ver pasar a esa gente debajo de tu balcón. En una ciudad, además, en la que están prohibidas las manifestaciones a favor de Palestina, donde está sucediendo un genocidio”, explica. “Pero no es que esa ultraderecha haya surgido ahora, sino que de pronto está autorizada a decir que esta es la nueva verdad, que es así como hay que hacer las cosas”.

No se atreve a aventurar qué es lo que sucederá a medio plazo, pero asegura que no entiende la política hecha desde el odio. “Estoy a favor de la diversidad en todos sus aspectos: política, sexual, cultural, de pensamiento y en términos migratorios”, dice. “El gran ejercicio de la literatura, de hecho, es construir esa diversidad”, añade. “Cualquier cosa que vaya por el camino contrario, me parece poco interesante y poco inteligente”, concluye para cerrar la entrevista. 

 La feria San Diego Comic-Con, que sale de Estados Unidos por primera vez en 54 años, convertirá a Málaga en septiembre en el epicentro mundial de la cultura pop, con una previsión de 60.000 asistentes en su primera edición, que estará impregnada de la cultura andaluza.

Este importante evento mundial, que se ha presentado este lunes, se desarrollará del 25 al 28 de septiembre en los 60.000 metros cuadrados del Palacio de Ferias y Congresos de Málaga, y seguirá en la capital de la Costa del Sol, al menos, hasta 2027, cuando se espera doblar el número de asistentes.

Además, se estima que este acontecimiento tenga un impacto económico y mediático mundial que superará los 30 millones de euros.

Los organizadores llevan meses trabajando con toda la industria del entretenimiento y habrá más de 300 horas de contenido exclusivo, según ha explicado Jaime López-Francos, presidente de Dentsu Media & Performance.

No será una feria reducida, tendrá el espíritu de la de San Diego, pero estará adaptada a la cultura andaluza y española.

La mayor convención de cultura pop del mundo contará con estrenos, exhibiciones, paneles, experiencias inmersivas o concursos de disfraces de juegos, rol o series, entre otros.

El maestro de ceremonias de esta cita ha sido el director y actor Santiago Segura, quien ha comparado las fiestas del Orgullo LGTBIQ+ con los “frikis” que se disfrazan en la Comic-Con.

David Glanzer, director de comunicación y estrategia de Comic-Con Internacional, ha explicado que llevaban un año trabajando en esta posibilidad, tras mucho tiempo considerando la opción de salir de Estados Unidos, ya que entiende que todos comparten “el mismo idioma del arte, la creatividad y la pasión”.

Ha asegurado que este evento será un punto de encuentro en Europa para los aficionados y creadores de cómics, y de todo el arte popular, por lo que están “muy ilusionados” ante esta nueva etapa, que va de la mano de Dentsu, la Junta de Andalucía y el Ayuntamiento de Málaga.

El presidente de la Junta de Andalucía, Juan Manuel Moreno, se ha mostrado seguro del “éxito total” de la Comic-Con, que abrirá una oficina permanente en Málaga, y ha defendido que consolida a la comunidad como referencia de la cultura pop y el arte digital.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, ha manifestado que Málaga es “la síntesis del espíritu californiano de Andalucía” y ha apostado por una “larga vida” para esta nueva unión: “Para los tres años previstos y para los que vengan”.