La temporada festivalera de 2026 pasará a la historia como una de las más inquietantes. Tras varias décadas de bonanza y crecimiento, incluso después de la pandemia, este año se han cancelado más de ochenta festivales de todos los tamaños, a lo largo y ancho de la geografía y estilos muy diversos, según los datos recogidos por elDiario.es a partir de los comunicados publicados por los promotores.

Al menos una treintena se han rendido porque abrir puertas suponía asumir un alto riesgo económico; principalmente, porque la venta de entradas no despegaba. Otros tantos aducen falta de apoyo institucional e incluso tensiones con los ayuntamientos. Y más de una decena se han suspendido parcial o totalmente debido a lluvias torrenciales, violentas rachas de viento, riesgo de incendios u olas de calor.

La cancelación más sonada de 2026 ha sido la que implicó las siete ediciones del Reggaeton Beach Festival. La comunidad autónoma más destacada por el número de cancelaciones es Galicia, con una decena: a The Wild Fest, Arbo Rock, Surfing the Lérez, L’Arena Experience, Hercules Brass, el Diversxs vinculado al Día del Orgullo, la Xornada Cultural Mar de Galicia, el RBF de Nigrán y O Gozo Fest, que canceló parte de la programación debido a una tormenta, cabe añadir Surfing The Lérez y Son Da Industria, que ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. El primero resalta que no se retira por falta de apoyo de su público, sino porque el sector es cada vez más competitivo y eso obliga a asumir una dinámica de crecimiento infinito con la que no comulgan. El segundo, porque no recibió el permiso del Ayuntamiento hasta un día antes.

El aumento de los costes de producción y, sobre todo, el de los cachés de los artistas determinan el presupuesto de los festivales. El primero depende de la coyuntura económica, pero el segundo lo marcan las agencias a partir de la demanda que prevén. Algunos analistas señalan que esa inflación de cachés, especialmente acentuada tras la pandemia, es una de las claves que está tensando el sector. La incertidumbre que supone no saber hasta última hora si recibirás la autorización es otro problema muy arraigado en el circuito español. La Asociación de Promotores Musicales (APM) ha denunciado en más de una ocasión esa casuística administrativa como una pesadilla para el gremio festivalero estatal.

Una debacle muy repartida

La cascada de suspensiones anunciada en junio ha seguido durante julio y agosto: Cala Pop, Monasterio Festival, Eztanda, Jordi’s Fest, Oshun Festival, Pura EsHencia, Raíces Sonoras, Puntal Sound, Santuario Fest, Time Warp Madrid, Vital Fest… Y, como suele decirse respecto al Gordo de Navidad, la lotería de cancelaciones ha quedado bastante repartida. Ocho en la Comunidad de Madrid y Andalucía, siete en Castilla y León, cinco en Castilla La Mancha, Aragón y Canarias, cuatro en Euskadi y Baleares, tres en La Rioja y Asturias, dos en la Comunidad de Murcia, Cantabria y Extremadura… Han caído festivales en Cervera de Pisuerga y Almadrones, en Villamediana de Iregua y Páramo de Sil, en Santa Úrsula y Santa Cruz de Zarza. De heavy metal y reggae, de breakbeats y brass bands, de punk-rock y power pop, de chirigotas y electrolatino, de surf y psytrance, de reggaeton y folk, de electrónica oscura y pop radioformulable.

Catalunya y la Comunitat Valenciana, dos de las zonas más surtidas de festivales, suman diez y nueve cancelaciones. En Barcelona, un festival de salsa que iba a celebrar su primera edición en el Parc del Fórum, el Salsón, murió antes de nacer al no encontrar cabeza de cartel. El Ombra barcelonés canceló la edición de diciembre, pero asegura que volverá en 2027. El White Summer de la Costa Brava se tomó una pausa estratégica en 2025, pero en 2026 no ha dado señales de vida. En la Comunitat Valenciana, la caída del Festival de les Arts, el Big Sound Festival de Torrevieja, el Blackworks Open Air, el Electrolatino Benidorm, el Reggaeton Beach Festival de Alicante y el Surf O Rama ha hecho saltar varias alarmas. Pareciera que la tierra de festivales ya no es tan fértil.

El ranking de eufemismos más usados para cancelar festivales lo lidera “motivos totalmente ajenos a nuestra voluntad”, seguido de cerca por “incidencias de última hora” y “causas externas”. En algunos momentos del verano ha parecido que los festivales se copiaban los comunicados entre sí, pues ha sido fácil detectar en varios de ellos la siguiente filigrana literaria: “No queremos celebrar una edición que no cumpla los estándares de calidad que os merecéis”.

El premio a la transparencia es para el Kalikenyo Rock de Juneda, no solo reconoció cancelar por escasa venta de entradas, sino que concretó la cifra: 241. Y el premio a la deportividad, para el Cala Pop de Fuengirola. En diciembre advirtieron no saber “si los vientos soplarán o no a favor de una nueva edición” y pusieron a la venta un lote de abanicos. El viento no sopló a favor y finalmente cancelaron. Varias caídas de eventos musicales se concentran en Vigo, donde la comunidad cultural está en pie de guerra contra el consistorio. Entre los motivos de cancelación más inusuales, el primer día del Tenerife Music Festival, debido a la visita del Papa, y los dos últimos del Barullo Fest (Logroño), porque murió un exalcalde.

Tormentas, incendios, olas de calor… y el eclipse

La crisis climática también empieza a afectar el calendario festivalero español. En junio hubo que suspender uno en una sala de conciertos de Bilbao por la ola de calor. Lo insólito, más allá de la combinación de estas tres variables (Bilbao, junio y calor) es que aquella matinal rockera se llamaba Here Comes The Sun Fest. El riesgo de incendio ha forzado a suspender jornadas o festivales enteros en Lleida, Ávila y Cáceres; alguno se reprogramó. Rachas de 80 y hasta 120 kilómetros hora se llevaron por delante ediciones en Jaén, Menorca, Lanzarote y Zaragoza. En el ciclo Puente Sonoro de la capital aragonesa, una integrante del dúo Lady Banana sufrió un accidente en la prueba de sonido a causa del viento.

Lo que antaño eran casos muy excepcionales hoy ya son situaciones que hay que prever. En los Conciertos de Viveros de Valencia este verano han sufrido de todo: reventones térmicos, olas de calor... y escasa venta de entradas. También en Europa ha habido más situaciones de emergencia climática de lo habitual. En Italia, las rachas de viento derribaron el escenario del festival Alien Sound. El festival húngaro de música electrónica Ozora se canceló tras la muerte de dos personas. Una de ellas sufrió un infarto, posiblemente debido a las altas temperaturas, en unos días en que el país sufría una severa ola de calor. Y en Inglaterra, el festival de música cristiana Big Church Fest se canceló tras la caída de una estructura que hirió a siete espectadores, uno de los cuales falleció.

Por si fuera poco con el millar de festivales que se celebran anualmente en España, en 2026 ha habido una hornada adicional de eventos vinculados al eclipse de sol del 12 de agosto. Algunos empezaron a planearse años atrás sabiendo que España era el único país europeo donde el eclipse sería total. Y, entre estos, varios eran de psytrance, un subgénero de la música electrónica especialmente popular entre el público israelí. La presencia de discjockeys y asistentes de Israel, algunos de los cuales son soldados, puso en alerta a colectivos de defensa de la población palestina. El festival Sigizia iba a celebrarse en La Sotonera (Huesca), el Astral Plane estaba programado en La Pinilla (Segovia) y el Iberia Eclipse ubicó en Vinuesa (Soria). Uno tras otro, los tres acabaron cancelándose.

Pinchazo o reajuste en el sector

Todavía faltan cuatro meses para que acabe el año, de modo que la lista de festivales cancelados podría rozar el centenar. La pregunta vuelve a estar sobre la mesa: ¿está pinchando la burbuja festivalera? Todo indica que el sector se está reajustando. La entrada de fondos inversores ha fortalecido a unos y debilitado a otros. Los festivales con una identidad consolidada no tienen problemas para llenar sus aforos, pero los que dependen de un cabeza de cartel vendedor deben arriesgar cada año más dinero sin saber si lo recuperarán. (Algunos aficionados al género aseguran que el verdugo del Reggaeton Beach Festival fue Bad Bunny y sus doce conciertos en España). Pero incluso en un contexto económico convulso hay quien se lanza a organizar festivales como si esto fuera coser, cantar y facturar. Entre los más de ochenta festivales cancelados en 2026, tres naufragaron en la primera edición. Quizá no sabían donde se metían.

Es pronto para asegurar que esta tendencia vaya a seguir llevándose festivales por delante en años venideros, pero Mobo Fest (Mallorca), Boombastic (Asturias), Sun And Thunder (Málaga) y Son Da Industria (Vigo) ya han anunciado que no se celebrarán en 2027. Otros, como Dansàneu (Lleida), están en la cuerda floja. Saber si la gente se está cansando de ir a festivales es imposible, a menos que se contabilice la asistencia a absolutamente todos y se analice si baja el total de público o si solo se redistribuye. Pero las cifras de asistencia que aportan los festivales no están auditadas, por lo que es difícil de calcular.

Por otro lado, afirmar que en 2026 se habrán cancelado en España un 10% de los festivales que se celebran al año (cien de mil) implicaría asumir que todos los que se han suspendido esta temporada aparecían en ese listado. Y como ese censo, sistematizado y actualizado, no existe, no se puede arrojar un balance tan preciso. Como mucho, se puede constatar que el desmedido crecimiento del número los festivales de música en España ya no es tal crecimiento porque se ha frenado, pero que sigue desmedido porque nadie lo está midiendo.

La anécdota es simpatiquísima y deberíamos tenerla más en mente: cuando entrados los 2000 el fenómeno Shrek forzó la decisión de la Academia de Hollywood de acuñar por fin la categoría de Oscar a Mejor película de animación, nuestra Academia de Cine le sacaba una década de ventaja. El primer Goya a Mejor película de animación se entregó en 1990. Tal y como pasaría otras veces, el humilde volumen de producción forzaba a que solo pudiera ser nominado un título para ganar de forma automática —en esta ocasión Los cuatro músicos de Bremen—, pero igualmente puede ser una prueba encantadora de las ganas que teníamos en España de celebrar la animación patria.

Tal parece que en España siempre hemos confiado en la animación. Y esto va también por el público, a punto de acudir ordenadamente a ver Tadeo Jones y la lámpara maravillosa en lo que ya es la cuarta entrega de la saga. Ha pasado siempre, pero pasó con especial intensidad en los 2000, según la animación 3D se asentaba en nuestro país. La seguridad en sí mismos de la que presumían aquellos Goyas tan prematuros y estrambóticos, sin embargo, perdía un poco de aplomo entonces. Shrek había sido un absoluto bombazo, y hubo quien dedujo que sería buena idea emular la jugada en España. De la forma más directa posible, reclutando a su guionista John Stillman para que hiciera con las invasiones extraterrestres algo parecido a lo que había hecho con los cuentos de hadas.

Y Planet 51 trajo la consolidación de la animación 3D española. Por cuestión de cifras —un enorme presupuesto rentabilizado por una recaudación que a día de hoy solo superan Los otros y Lo imposible como taquillazos de capital patrio— y sobre todo por las circunstancias de desarrollo. Planet 51 daba puntual réplica desde España a la desmedida influencia de Shrek dentro de la animación estadounidense —en cuanto a las constantes referencias a la cultura popular, el diseño de personajes y el doblaje de estrellas estilo Dwayne Johnson— gracias a una meticulosa emulación de las estrategias del país vecino, hasta el punto de diluir completamente su identidad nacional. Planet 51 se obstinaba en parecer DreamWorks, aunque se hubiera producido en Alcobendas.

Los artistas implicados ya tenían experiencia en estas cuestiones, pues su productora Ilion Animation había nacido a partir de Pyro Studios: el estudio de videojuegos que hubo de despuntar en 1998 con la saga Commandos. Poco después de Planet 51 —distribuida mundialmente por Sony y estrenada en noviembre de 2009 en sintonía al fin de semana de Acción de Gracias estadounidense donde siempre estrena Disney— la misma Ilion tendría oportunidad de bajarse un poco al barro cañí responsabilizándose de la animación de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, pero fue un esfuerzo anecdótico. Llegado 2017 se asoció con la productora estadounidense Skydance, y tres años después fue absorbida por esta para pasar a llamarse Skydance Animation.

Hoy Skydance Animation produce vistosas películas en 3D para Netflix y Apple, y está liderada por nada menos que John Lasseter. La ambición de ser la Pixar española que guiaba a los hermanos Pérez Dolset (fundadores de Pyro e Ilion) desde luego ha prosperado, viniendo muy bien para ello que Lasseter fuera expulsado del estudio del flexo por propasarse con sus empleadas. También, sobre todo, ha sido necesario perfeccionar algo que Enrique Gato, creador de Tadeo Jones, entiende como vital en el presente estado de la animación comercial española: la cooperación internacional.

Nuestros maravillosos aliados

“Ha sido algo básico en todos mis proyectos”, admite Gato en conversación con elDiario.es. Del mismo modo que Planet 51 precisó la distribución de Sony, las películas de Tadeo Jones han llegado desde 2012 en colaboración con Paramount —hoy justamente fusionada con la citada Skydance—, garantizando así tanto un presupuesto holgado como su posterior expansión a lo largo del mundo. Un escenario de cuya lenta configuración Gato ha sido testigo en primera persona, ya que él también empezó diseñando videojuegos con Pyro Studios, a principios de los 2000.

El cineasta madrileño recuerda esa época con mucho cariño. “Yo era ingeniero informático y justamente entré en el mundo del videojuego porque no había más sitios en España donde se pudiera hacer animación en 3D”. Como tantos otros artistas Gato había quedado deslumbrado por el estreno en 1995 de Toy Story, que con su animación pionera hubo de motivar una carrera entre las cinematografías de todo el mundo por ver quién lograba antes su propio largometraje de dibujos en tres dimensiones. Dentro de Europa ganó España con Megasónicos, en 1997, si bien Gato fija el estallido realmente prometedor con El bosque animado (2001).

Supongo que Tadeo es a Indiana Jones lo que Superlópez es a Superman

Enrique Gato — Creador de Tadeo Jones

“Fue cuando pensamos ‘esto arranca’. Y fue relativamente pronto, no había pasado tanto tiempo de Toy Story. En España hemos sido pioneros y recuerdo estos proyectos con mucha ilusión, deseando que tuvieran éxito y dieran pie a más películas”. Efectivamente, Gato pudo cambiar los videojuegos por la animación 3D, desarrollando sus primeros cortos en paralelo a los pasos iniciales de Ilion Studios. Un paralelismo reforzado finalmente por la necesidad de internacionalizar discurso: los cortos de Tadeo Jones son bastante distintos a lo que han terminado siendo las películas.

En un principio la idea de Gato —y así se vio en los cortos galardonados con el Goya Tadeo Jones y Tadeo Jones y el sótano maldito— era parodiar las películas de Indiana Jones con un personaje muy influido por el historietista Jan y en concreto por su personaje insignia, Superlópez. “Supongo que Tadeo es a Indy lo que Superlópez es a Superman”, admite Gato. “La gran evolución de Tadeo ha sido pasar de la parodia estricta a contar con un mundo entero, como tiene a día de hoy. La parodia encorseta demasiado el lenguaje, tienes que preocuparte de cómo replicar elementos de las películas originales y eso te limita. No habría dado pie a unas películas tan interesantes. Habría seguido siendo divertido, pero nada comparado con la riqueza que ahora tienen los personajes”.

La riqueza de la que habla Gato alude a dejar atrás el tono meta de los cortos de Tadeo, para en su lugar convertirlo en un héroe torpón. Las aventuras de Tadeo Jones fue un taquillazo inmenso en el verano de 2012, como un paso lógico tras Planet 51 que además retenía camuflaje internacional: cualquier rasgo vagamente español fue suprimido, y Gato no niega que “se vio obligado a ello” de cara a las expectativas comerciales de la película. “Sentí esa obligación porque estaba acostumbrado al chiste localista de toda la vida, que no iba a funcionar en una película internacional. Es un tipo de gag que te apetece, claro, pero que cuando saltas al mundo tienes que evitar de alguna forma”.

El afán de desarraigo —o, lo que es lo mismo, de parecer una producción californiana— reapareció tras Planet 51 y la primera Tadeo Jones en Atrapa la bandera: segundo largo de Gato, estrenado en 2015 con otro éxito contundente, cuyas filias foráneas llegaban al extremo de tratar el alunizaje del Apolo 11. “Tadeo Jones ha mantenido un espíritu universal por esas dudas que tuvimos al principio de dónde ubicar al personaje”, prosigue Gato. “Si era 100% español no se habría percibido bien internacionalmente… y aun así siempre le ideamos como lugar de nacimiento Valladolid, eso lo tiene desde el primer día”. Con el paso de los filmes Gato acabó incluyendo esos guiños localistas, y Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas llegó a ambientarse en Granada.

A día de hoy Gato considera que estos temores eran algo infundados. “Quizá me asustaba estar hablándole al mundo entero, pero no somos tan distintos. Tadeo Jones se ha estrenado hasta en China, ¿cómo sabría yo lo que le apetece a un espectador chino? Pero hoy de repente todos vemos series coreanas y cosas que no entendemos, pero que podemos incorporar. Asumimos que es algo de allí y está bien, no pasa nada si ciertos localismos viajan a lo largo del mundo”. Gato asegura que de cara a la última Tadeo Jones y la lámpara maravillosa —una película que incorpora viajes en el tiempo y retrata el viaje de Cristóbal Colón— no se ha contenido tampoco, y que le gustaría que gente de todo el mundo dedujera “ah, es algo español” tras una búsqueda rápida en internet.

El momento de la animación

Al margen de las decisiones creativas que pueda tomar Gato, el talante apátrida de todas estas películas no deja de obedecer a condicionantes industriales: a día de hoy una película de animación en tres dimensiones suele requerir un presupuesto de 10 millones de euros mínimo, de modo que (y en lo que supone algo parecido a una excepcionalidad europea) la cooperación con entes estadounidenses es indispensable. Como lo ha sido, por supuesto, elaborar un tejido productivo propio, una cantera de profesionales que no ha hecho más que crecer desde el hito de Planet 51.

“La mejor señal de esta consolidación es la evolución que han tenido los profesionales de la animación en España”, explica Gato. “No te imaginas lo difícil que era hacer animación 3D hace 20 años, porque apenas había gente que supiera hacerlo”. Fue esta carencia la que llevó a que Gato fundara Lightbox Academy en 2015: una escuela dedicada a la formación de jóvenes animadores prestos a integrarse en la correspondiente Lightbox Entertainment, productora de Gato. “La escuela nació por pura desesperación: fue tan duro terminar Atrapa la bandera que pensamos ‘así no hay manera, falta gente’. Falta gente que entienda los procesos, la complejidad técnica, la profundidad de cada área profesional. Animadores, modeladores… hay hasta 18 áreas profesionales distintas, pero antes todos le dábamos a todo y esa no era forma de sostener un sector”.

“Entonces ya había muchos otros estudios con el mismo problema y todo terminó mezclándose: la formación no solo ayudó a la animación 3D sino a los videojuegos y al desarrollo de efectos especiales, todas son ramas hermanas y nos topamos frente a una demanda gigantesca de educación para áreas que ni siquiera sabíamos que existían”, prosigue Gato. “Pasó de ser un problema nuestro al problema de todos, y hoy día el nivel profesional es gigantesco”.

Hoy día, en efecto, la animación 3D española se aferra a una comercialidad sólida, amparando otros éxitos contundentes —Momias en 2023, Buffalo Kids al año siguiente— a la vez que complejas coproducciones que incumben incluso a la China susodicha, como ejemplificó Dragonkeeper en 2024. Hablamos entonces de un estado de salud bastante positivo a nivel financiero, si bien pueda cundir la suspicacia ante este régimen abocado a la disolución de particularidades estéticas. También por todo lo que tiene de polarizante: las películas de 3D alardean de una escala tan amplia y unas expectativas de taquilla tan voraces que han de distanciarse enormemente de otros rincones.

La diferencia de las películas de Enrique Gato o Skydance con proyectos independientes estilo el cine de Alberto Vázquez es extrema y, el mismo Gato lo admite, bastante lamentable. “El problema que tenemos en Occidente es que todavía estamos demasiado atados a una superproducción animada que parece que ha de ser familiar sí o sí. Sería maravilloso no tener la necesidad de hablar de cine independiente o de gran superproducción, en función a un cine donde no hubiera fronteras”. A nivel de áreas de producción y agentes económicos desde luego no las hay, pero parece difícil que con el modelo imperante pueda llegar a haber un equilibrio entre Tadeo Jones y un Robot Dreams.

Las librerías españolas lo venden sin parar. Si te metes en Instagram o TikTok y sigues cuentas que promocionan libros, te aparecerá constantemente alternado entre Han cantando bingo (Reservoir Books 2025), Comerás flores (Libros del Asteroide, 2025) u Oxígeno (Alfaguara, 2026), que son algunos de los títulos que más se repiten en el mercado literario patrio en Internet.

Si lo quieres pedir por ebiblio —un servicio que hace posible el préstamo de contenidos digitales a todos los usuarios con carné de las bibliotecas públicas—, dependiendo de la comunidad autónoma en la que te encuentres, la lista de espera para acceder a un ejemplar de los disponibles suma varios meses. En Madrid, en concreto, en el momento en el que se escriben estas líneas, la cola llega hasta noviembre.

El libro es Las gratitudes de Delphine de Vigan, que fue publicado en Francia en 2019 y en España en 2021 por la editorial Anagrama, que ha publicado el pasado junio Los figurantes, su debut teatral. Un libro que no ha dejado de leerse de manera constante desde su publicación y que en el último año se ha convertido en uno de los protagonistas de la conversación cultural en España, por encima de casi todas las novedades. Hoy, es una de las presencias más habituales en los clubes de lectura de todo el país.

Las gratitudes narra la relación entre dos adultos jóvenes (Marie y Jerôme) y Michka, una mujer anciana a punto de morir que está perdiendo las palabras. Porque Michka sufre de afasia, un trastorno neurológico que afecta a la capacidad de procesar y expresar el lenguaje. Una enfermedad que marca el inicio de su declive y que la llevará a internarse en una residencia de mayores.

Esta novela corta (176 páginas) bucea en la relación entre los tres protagonistas: él, el logopeda de ella en el centro; Marie, la vecina convertida en hija adoptiva, y la memoria de la vida y los deseos de la mujer que un día fue la anciana que se apaga. Narrada de forma coral, De Vigan aborda en su trabajo tres miradas distintas sobre la muerte, el duelo y el agradecimiento hacia aquellos que un día fueron importantes en la vida de una.

Se ha vendido “una barbaridad”

“Hemos vendido una barbaridad de ejemplares en la última Feria del Libro”, comenta Pablo Cerezo, cara visible de la librería Pérgamo en Madrid, quien señala que un fenómeno como el de Las gratitudes es sintomático de lo que está sucediendo con el mercado del libro en general. Para Cerezo, además, este libro se encuadra dentro de aquellos que llevan mucho tiempo vendiéndose de forma estable con picos al alza en fechas señaladas. O cuando se vuelven, de pronto, virales. Igualmente, el éxito de un libro como este responde, para él, a dos factores: el tema, por un lado, y que pertenezca a la categoría de “lo que nos emociona” en general.

“Funciona porque temáticamente nos conmueve y es un tipo de libro que entra en esa literatura que podríamos llamar de identificación”, explica para señalar que, en TikTok, hay en alza una tendencia en la que se busca y promociona literatura con la que los lectores se reconozcan con los personajes y sus historias. “Para cierto tipo de lector hay cierto tipo de literatura, y hay muchos influencers que hacen un contenido en el que dicen si eres tal, te gustará cual; cuando la literatura, en teoría, era un gran campo abierto”, critica el librero quien, en cuanto a su consideración personal, opina que Las gratitudes es una novela menor y recomienda, en contraposición, Misericordia, de Lídia Jorge, que toca los mismos temas.

En la Feria del Libro trabajamos mucho nuestra mesa y tratamos de pillar cosas de fondo y literatura algo distinta a los cuatro o cinco libros que salen en todas partes, pero todo el mundo te acaba pidiendo los mismos libros

Pablo Cerezo — Libro en Pérgamo

“Últimamente tendemos a valorar el arte en tanto en cuanto nos conmueve y, por el camino, se pierden otros criterios”, insiste el librero, que tiene clarísimo que las redes condicionan lo que se ve y lo que queda sepultado. “Nosotros en la Feria del Libro trabajamos mucho nuestra mesa y tratamos de pillar cosas de fondo y literatura algo distinta a los cuatro o cinco libros que salen en todas partes; literatura que pueda diferenciarnos, pero todo el mundo te acaba pidiendo los mismos libros”, añade para señalar, por otro lado, que la presencia en redes se ha vuelto una parte fundamental de su trabajo como librero.

Lágrima fácil

“He visto muchos vídeos de gente llorando hablando de este libro. Y no hay mejor publicidad que grabarse a moco tendido”, sentencia Carmen Burné, periodista cultural y divulgadora de literatura y videojuegos en su perfil de Instagram, donde cuenta con más 50.000 seguidores. Para ella, De Vigan, a quien considera muy buena escritora, es sin duda uno de los grandes fenómenos de bookstagram del año, los contenidos de recomendación lectora que aparecen con ese tag en la red social.

“Yo no me lo leí hasta que vi la obra en la adaptación escénica que se ha hecho este año en el teatro de la Abadía de Madrid”, relata para señalar que lloró a mares en la butaca y decidió leer el libro, aunque este le pareció “un tanto planito”. “No cumplió con las expectativas que yo tenía”, explica. Sin embargo, para ella, ese impulso que la conmovió en el teatro es el que le ha dado la viralidad al libro, porque es algo que conecta con el gran público. “Todo el mundo quiere entender por qué el tema llega tanto, y eso es justamente lo que a veces contamina la propia percepción de un producto”, continúa para apuntar que ella cree que nos falta aprender a desligar lo popular de la idea de lo bueno o extraordinario. Que a veces se dan de la mano, pero no siempre.

“Hay muchas razones por las que obras que ya existen, o que llevaban tiempo en el mercado, cobran una nueva relevancia”, indica por su parte Lidia Cuadrado, filóloga y profesora Titular Laboral en el área de Estudios Ingleses (Departamento de Filología Española, Moderna y Clásica) en la Universitat de les Illes Balears, quien señala que en el caso de Las gratitudes la cuestión atiende, entre otras, a que las condiciones sociales y culturales de un momento (el mundo postpandemia, en este caso) favorecen una mayor afinidad con ciertos temas. Un fenómeno similar al ocurrido con Tan poca vida.

“Tampoco hay que olvidar que en las cuestiones del ser humano siempre hay que contar con el azar”, apunta la filóloga, quien señala que cuando obras como la de De Vigan encuentran nuevos lectores ocurre lo que sucede siempre que alguien se expone a una obra de arte. “Es un proceso de descubrimiento individual y colectivo que implica a todos los actores: el lector y la obra, los autores de la obra, la sociedad del autor y la del lector, que se cocrean con cada lectura”. Y en un mundo tan hiperconectado el fenómeno tiene una gran capacidad de absorción. “Es fácil maravillarse cuando mucha gente a la vez redescubre un texto, pero lo maravilloso del arte está pasando también a nivel colectivo a cada rato en aulas, clubes de lectura, bibliotecas, y por supuesto en redes”, agrega Cuadrado.

Pero esto tampoco es nuevo. “Ya ocurrió en su momento con el fenómeno de Laura Gallego en la literatura juvenil”, explica Gemma Lluch, catedrática de la Universitat de València e investigadora del grupo ERI-Lectura. Su trayectoria se centra en cómo leemos, cómo se construye el canon literario y, especialmente en los últimos años, en la lectura y la recomendación de libros en entornos digitales. “Todo comienza con los blogs y lo que vivimos hoy es una evolución de lo que fue primero el espacio que abrió Gallego, donde los adolescentes podían comunicarse de manera muy libre”, insiste Lluc, que señala después la aparición de YouTube, luego Instagram y finalmente TikTok.

Puedes modificar los hábitos y la elección de quien ya lee, quien no lee no va a hacerlo por mucho que enseñes un libro en 'reels'

Gemma Lluch — Catedrática de la Universitat de València

“Es un fenómeno que viene de largo recorrido y que siempre ha funcionado muy bien en internet, porque genera una conversación de tú a tú”, explica Lluch para matizar que por mucho que se vea un libro en reels de redes sociales, el impacto real sucede en la comunidad lectora ya existente. “Puedes modificar los hábitos y la elección de quien ya lee, quien no lee no va a hacerlo por mucho que se lo enseñes”, opina la académica, coautora del ensayo Los libros que leemos, ¿Quién, dónde y cómo se decide? La construcción del canon no académico (Tirant humanitats, 2024).

No obstante, para Lluch la comunidad digital es la que más funciona para ver el éxito de un libro entre el gran público. Aunque con matices, porque faltan datos: los de las editoriales. “Igual que se hace con los productos que venden los influencers, cremas o lo que sea, que ahí sí que hay datos de venta. Pues con los libros nos falta eso, el estudio de mercado de las editoriales, pero es muy difícil que los grandes grupos compartan datos de venta, son muy opacos”, se lamenta.

Pero, ¿cuándo nos damos cuenta de que un libro se ha convertido en un fenómeno? Para Andrea Martínez, autora del ensayo Anónimo es nombre de mujer (Bruguera, 2026) y divulgadora literaria en Instagram en su cuenta Literatura o barbarie (donde acumula más de 200.000 seguidores), el momento clave sucede cuando un libro salta de los creadores de contenido “especializados” a los influencers en general.

“Es lo que ha pasado concretamente con Las gratitudes”, explica, “de pronto ves a cuentas que no suelen tratar temas literarios hablando de estos libros”, continúa para marcar el asunto como “una urgencia capitalista que está vendiendo el mismo libro constantemente” y eso hace que “la gente quiera formar parte de la misma conversación”. “El capitalismo nos ha individualizado y homogeneizado al mismo tiempo”, sentencia para agregar que, hace unos años, pasó lo mismo con El secreto, de Donna Tartt, que se publicó en 1992 y vivió “un repunte muy fuerte”. “Y esto le abrió las puertas a otro nuevo fenómeno: las historias de dark academia, que se han vendido como churros”, opina.

Las razones de los lectores

Gemma (42 años) ya conocía a De Vigan antes de que Las gratitudes “se pusiera de moda”. “Delphine es un nombre conocido para el lector aficionado, yo me leí hace años Nada se opone a la noche y me encantó. Era un nombre que ya estaba ahí”, comenta para señalar que sí, que Las gratitudes ha sido una de las lecturas de su club de este año, formado por gente que superaba los 40, y no hizo falta explicarle a nadie qué libro era.

Belén (34) se lo compró el año pasado porque lo vio destacado en una librería. “Fue después de comprármelo y leérmelo cuando vi que era viral”, señala para decir que lo compró porque quería darle una nueva oportunidad a la autora, a quien ya había leído, pero que aún no le había convencido del todo. “Me parece que trata temas muy universales aunque lo haga describiendo una enfermedad como la afasia”, comenta la lectora.

Marcos (26) sí que se animó a leerlo principalmente por redes sociales. “Ya lo conocía, pero no me llamaba mucho la atención. Fue el ver a gente leerlo cuyo criterio me interesa lo que me picó el gusanillo”, admite para señalar que “es una novela muy bonita” narrada de una manera que “explica muy bien lo que es la vida en sí misma”.

Marta (35) llegó a la autora porque, como a muchos, el algoritmo de sus redes sociales se la estaba lanzando constantemente. “Me gustó, aunque menos que otros suyos que ya había leído”, apunta para señalar que, en su opinión, “hay un delirio colectivo con algunos libros y es probable que este sea uno de ellos”. “Hay una clara tendencia a elevar ciertos libros; mucha recomendación y poca crítica en redes, pero igual que esto ocurre, la viralidad para un buen libro es un regalo para el autor y para los lectores”, zanja la lectora.

A finales del siglo XX, la infraestructura cinematográfica en Ghana y extensas regiones del continente africano dependía en gran medida de una red de exhibición informal formada por pequeños comerciantes que viajaban de una aldea a otra con un televisor, un reproductor de vídeo, cintas VHS y un generador eléctrico, y montaban proyecciones en pueblos y lugares que no disponían de una sala de cine convencional.

La carencia de material promocional procedente de los estudios obligó a agudizar la inventiva: los propios exhibidores comenzaron a encargar a artistas locales la elaboración a mano de los carteles publicitarios de las películas. Los recursos eran tan limitados que los artistas usaban como lienzos sacos de harina reciclados y cosidos entre sí, creando carteles que podía transportarse, colgarse en la calle y utilizarse una y otra vez para anunciar las proyecciones a pesar de soportar la lluvia, el polvo y el sol abrasador.

La imaginación de aquellos pintores, y seguramente la constatación de que a más sangre y monstruos en los carteles, más público, hicieron el resto. Había nacido toda una rama artística que, gracias a su originalidad, traspasó las fronteras africanas.

El resultado de aquel fenómeno mercantil y creativo se ha analizado de manera exhaustiva en diversos libros y exposiciones itinerantes, pero ahora cuenta con un nuevo elemento. Se trata de Ghanawood V.O., un libro editado por Cinecutre.com, que se centra en el material promocional pintado para las producciones locales de Ghana y Nigeria. La Filmoteca de Catalunya recogió este fenómeno con una exposición a finales de 2025.

Esta nueva publicación, coordinada por Carlos Palencia, creador de Cinecutre y director del festival CutreCon, reúne 114 obras marcadas por un lenguaje gráfico desinhibido, repleto de criaturas extrañas, mitología popular, brujería y violencia explícita.

Imaginación desenfrenada

Cualquiera que eche un vistazo a estos carteles convendrá en que el aspecto más llamativo de este movimiento artístico es la abrumadora “libertad conceptual” de la que gozaban los dibujantes.

A diferencia de las rígidas normativas promocionales de los estudios de Hollywood, donde cada milímetro del cartel está regulado por contrato, en Ghana el único imperativo era conseguir llenar la proyección.

“El objetivo no era ser fiel a una campaña publicitaria diseñada en Los Ángeles, sino conseguir que alguien que viera el cartel quisiera ver la película”, cuenta Palencia. “Los pintores podían partir de la carátula del VHS, de alguna referencia visual o de lo que les contaba el responsable del videoclub porque, en muchas ocasiones, ni siquiera habían visto la película. Si para venderla había que añadir más sangre, monstruos, explosiones o una escena completamente inventada, se añadía. La imaginación estaba claramente por encima de ser fiel al argumento”, apunta el especialista.

Este fenómeno alcanzó su cota más extrema cuando esta dinámica publicitaria dio el salto desde las grandes superproducciones occidentales o asiáticas hacia el incipiente cine local ghanés y el voraz mercado nigeriano conocido como Nollywood. Es en este terreno donde indaga a fondo el nuevo volumen.

“Con las pelis africanas el disparate visual alcanza niveles extraordinarios porque las propias películas ya estaban llenas de brujería, transformaciones, demonios, rituales y elementos sobrenaturales que los artistas podían exagerar todavía más”, destaca el experto.

“En los carteles dedicados a grandes éxitos internacionales el reclamo muchas veces era la propia estrella”, prosigue. “Tenías a Schwarzenegger, Stallone, Bruce Lee o Van Damme ocupando medio cartel, aunque su parecido con el actor real pudiera ser francamente discutible. En las producciones ghanesas y nigerianas eso cambia bastante. Aquí el principal atractivo consiste en intentar venderte todas aquellas cosas increíbles que supuestamente ocurren en la película”.

Un exceso sangriento

Al contemplar la colección de ilustraciones recogidas en el libro, llama la atención la omnipresente presencia de decapitaciones, tripas expuestas, metamorfosis macabras y criaturas infernales. También se escapa algún pecho femenino o genital de ambos sexos.

La explicación es profundamente pragmática: en la jungla de la vía pública, estos carteles buscan atraer la atención del espectador. “Necesitaban llamar la atención de una manera inmediata. Una cara ensangrentada, una decapitación o un monstruo grotesco funcionan mejor como reclamo que dos personajes manteniendo una conversación casual”, reflexiona Palencia.

“Lo curioso es que la violencia llega a ser tan exagerada que muchas veces deja de resultar desagradable y entra directamente en el terreno de lo cómico”, apunta. “Hay carteles donde la acumulación de vísceras, monstruos y mutilaciones es tan delirante que uno ya no piensa qué horror, sino qué demonios está pasando aquí, entre inevitables risas. Y ahí está precisamente buena parte de su encanto”.

Autodidactas y maestros del 'underground'

Lo que también destaca el nuevo libro es que detrás de estas piezas icónicas se halla una serie de artistas fascinantes, la inmensa mayoría autodidactas, que aprendieron el oficio sin pisar jamás una academia de bellas artes. Nombres como Mr. Brew, Awall Sunil Shetty, Papa Warsti, Armahsco, Death Is Wonder o Magasco son algunos de los nombres más destacados de esta corriente gráfica.

Pero es quizá el pintor llamado Leonardo quien representa el espíritu más prolífico y perseverante del movimiento. Comenzó a pintar a finales de los años ochenta y, según Palencia, presume con orgullo de no haber tenido nunca un maestro. Apasionado del género de terror, es célebre por componer escenas abarrotadas, dibujar llamas con un trazo inconfundible y diseñar sus propias tipografías, incluyendo caracteres asiáticos inventados.

Por su parte, Mr. Brew, apodo artístico de Kwesi Blue, aporta una vertiente satírica y grotesca desbordante. Hijo de un decorador de canoas, desarrolló un estilo muy agresivo en el uso del color y la caricatura. “Su obra tiene un punto particularmente desquiciado, con mucha sátira y escenas aparentemente cotidianas llevadas al extremo”, apunta Palencia. “Es además una figura bastante escurridiza de cuya vida se sabe muy poco pese a su enorme producción. Circula la idea de que muchos de sus carteles corresponden a películas inventadas por él, pero al investigar a fondo he comprobado que, en la mayoría de los casos, esas películas sí existen. Lo que ocurre es que Mr. Brew suele escribir los títulos de forma incorrecta o incompleta, lo que durante años ha generado bastante confusión”.

Del polvo de la calle a las galerías internacionales

La travesía de estos artefactos publicitarios desde los pueblos de Ghana hasta los museos de Europa y Estados Unidos constituye uno de los giros más fascinantes de la historia del arte contemporáneo, pero viene de antiguo. “En la década de 1990, ya había coleccionistas que se interesaban por ellos”, asegura el experto. “El galerista Ernie Wolfe III, por ejemplo, reunió una colección enorme en Ghana y organizó exposiciones en Estados Unidos desde 1993. Después publicó en el año 2000 el libro Extreme Canvas, una de las obras de referencia para documentar este fenómeno. Con el tiempo llegaron nuevas exposiciones en museos y galerías de distintos países, incluida España”.

Sin embargo, fue la llegada de la era de internet la que catapultó esta iconografía a la categoría de fenómeno de masas. Foros de cine, blogs de arte heterodoxo y redes sociales multiplicaron su visibilidad a nivel global.

Esta fascinación derivó en una paradoja feliz: los pintores que habían abandonado los pinceles al desaparecer los videoclubes ambulantes encontraron una segunda juventud artística gracias a plataformas como Deadly Prey Gallery de Chicago, que desde 2012 encarga nuevas obras directamente a los creadores ghaneses para coleccionistas de todo el mundo.

¿Estás preparado para el cine ghanés?

Quizá una de las aportaciones más sugerentes del trabajo de investigación editado por Palencia es la incorporación de códigos QR interactivos en las páginas del libro que permiten a los lectores asomarse directamente a las películas originales siempre que ha sido posible encontrarlas en archivos accesibles.

Resulta inevitable preguntarse si los filmes reales responden al delirio dibujado en los lienzos de sacos de harina. “La regla general es que conviene desconfiar del cartel. Y precisamente por eso son tan maravillosos”, confiesa entre risas el autor.

No obstante, existen excepciones notables donde la película iguala el salvajismo de su promoción: “En la saga ghanesa Diabolo, por ejemplo, el cartel cumple bastante bien lo que promete. La serpiente con rostro humano no es una invención del dibujante, sino que parte de un elemento real de la película. Otra excepción estupenda es End of the Wicked, una película nigeriana de terror de 1999 que sí posee unas imágenes suficientemente dementes como las que aparecen en su publicidad, con transformaciones, rituales y demonios”.

El misterio, en cualquier caso, sigue vivo en muchas de estas producciones perdidas o inencontrables. “Si tengo que señalar una película que me muero literalmente por ver es Witches.com. Su cartel consigue destacar incluso después de haber pasado 120 páginas viendo monstruos y mutilaciones, porque aparece un balón de fútbol al que le crece un pene. Necesito saber qué cadena de acontecimientos narrativos puede conducir a semejante situación y si la escena realmente aparece en la película o si todo nació exclusivamente en la cabeza del artista. Por desgracia, todavía no he conseguido encontrarla, así que el misterio continúa”, concluye Palencia.

La crisis que atraviesa la principal distribuidora del libro en gallego, el Consorcio Editorial Galego, se extiende por toda la cadena del sector. Veinte de las editoriales independientes más representativas han emitido este viernes un comunicado en el que denuncia un importante monto de impagos acumulados y que esta situación ha transcendido su condición de “problema exclusivamente empresarial” para convertirse en “una crisis estructural del ecosistema del libro en gallego”. Consultada por elDiario.es, una portavoz del Consorcio ha declinado explicarse. Horas más tarde, la empresa remitía una comunicación a los acreedores a la que ha tenido acceso este periódico y en la que aseguraba que, si antes del 30 de septiembre, la distribuidora no encuentra solución económica, “no descarta ir a concurso de acreedores”.

Son unos 60 sellos editoriales los directamente afectados. Las cantidades adeudadas por la distribuidora en ventas facturadas y no cobradas van de los 1.000 a los 20.000 euros, que, en editoriales independientes, pueden fácilmente comprometer su viabilidad. Los impagos, relata el comunicado de la recién constituida Plataforma de Editoras Afectadas, comenzaron en 2024. El Consorcio buscó el apoyo financiero de la Administración a través de Xesgalicia, a la que solicitó un préstamo a largo plazo de 300.000 euros acompañado, según la empresa, “de un plan de viabilidad resultado de un análisis exhaustivo”. No lo logró. Fuentes del sector calculan entre 309.000 y 504.000 euros el total de lo adeudado a 60 editoras.

Todavía esta semana, cuatro de ellas -Aira, Antela, Boadicea y Patas de Peixe- mantuvieron una reunión con el director general de Cultura, Anxo Lorenzo, para tratar de buscar una salida. Preguntada por este periódico, la consellería asegura conocer de primera mano “lo que está sucediendo” pero se limita a afirmar su “ánimo y disposición a que se produzcan vías y puentes de entendimiento” y a “seguir en esa línea siempre” que se lo pidan. El comunicado remitido por el Consorcio a las editoriales explica que “un inversor privado interesado en la defensa de la cultura gallega” es la última tabla de salvación a la que se agarra antes del concurso de acreedores.

Problemas en la “biodiversidad” del libro gallego

La Plataforma de Editoras recuerda que la falta de liquidez derivada de las deudas “está afectando directamente a la capacidad de las editoriales para mantener su actividad”. Pero las consecuencias van más allá, añade, ya que existe “el efecto dominó sobre toda la cadena del libro”: también repercuten en autoras, traductoras, ilustradores, correctores, diseñadores, imprentas o librerías. Y en lo que la plataforma denomina “biodiversidad” del libro gallego. “Las editoriales coinciden mayoritariamente en que la crisis [del Consorcio] obligará a reducir la publicación de nuevos títulos, lo que no es una cuestión meramente comercial”, señala, “significa menos libros en gallego, menos oportunidades para nuevas autoras y autores y menos espacio para propuestas que ya tienen dificultades para acceder al mercado”.

Tres editoriales -A Nosa Terra, Sotelo Blanco y Baía- constituyeron la distribuidora Consorcio Editorial Galego en 2001. Las dos primeras desaparecieron en la estela de las crisis económicas de 2008-2012. La tercera sostuvo la empresa hasta la actual y grave crisis. Llegó a contar con el catálogo de unos 200 sellos editoriales gallegos.

Los principales resultados arrojados por 'La Cuenta Satélite del Turismo', instrumento estadístico internacional de referencia para medir el peso económico real del turismo, contabiliza más de dos millones de viajes a Navarra en 2024, un hito en cuanto a número de viajeros, y que supone una aportación al PIB de 1.500 millones de euros a la comunidad foral. Según los datos, el 9,4% del empleo total en Navarra lo genera la industria turística, siendo el servicio de comida y bebida el sector mayoritario (representando un 53,5% de la actividad turística total). Los alquileres solo representan el 0,7%. “Trabajamos por un turismo sostenible, en tres ámbitos principalmente, el social, el económico y el medioambiental y para ello es necesario conocer y medir el valor que tiene esta actividad en el territorio”, ha asegurado Rebeca Esnaola, consejera de Cultura, Deporte y Turismo, durante la presentación de la herramienta.

La 'Cuenta Satélite del Turismo (CST)' se elabora siguiendo la metodología aprobada por la Comisión Estadística de las Naciones Unidas y respaldada por la Organización Mundial del Turismo (OMT), Eurostat y la OCDE, de forma que garantiza la comparabilidad de sus resultados con los de otras regiones y países. Tras la obtención de datos, Nastat, en colaboración con la Dirección General de Turismo, ha elaborado esta nueva operación estadística oficial de Navarra, pudiendo cuantificar con rigor la contribución del turismo al PIB, al empleo y a la estructura productiva de la Comunidad Foral, e incorpora una serie histórica correspondiente al período 2016-2024. Los datos de 2025 estarán disponibles a finales del presente año y, a partir de entonces, la estadística se actualizará con periodicidad anual.

“Esta cuenta nos va a permitir conocer su evolución, los puntos fuertes y las áreas de mejora de un sector que crece, se fortalece y se especializa para ofrecer a quienes nos visitan experiencias únicas de un destino, como es Navarra, que tiene una amplia y variada oferta de calidad”, ha asegurado la consejera Esnaola, resaltando también que disponer de esta herramienta “sitúa a Navarra en la vanguardia” en el ámbito de la “inteligencia turística” similar a las otras “elaboradas por el INE para el conjunto del Estado”.

Resultado de 2024

En 2024 el turismo representó el 5,5% del PIB de Navarra medido a través de la demanda final turística, lo que equivale a 1.509,6 millones de euros. La cifra supone un incremento de 0,8 puntos porcentuales respecto a 2023 y es la más elevada de la serie. Mientras que el valor añadido generado directamente por las industrias turísticas alcanzó los 541,7 millones de euros, es decir, el 2,7% del PIB foral total.

Respecto a las exportaciones, solo el turismo representó en nuestra comunidad el 5,4% de las exportaciones de Navarra en 2024. Además, el consumo turístico de los visitantes en Navarra ascendió a 1.642 millones de euros en 2024, un 26,3% más que el año anterior. El turismo receptor —personas procedentes de otras comunidades autónomas o del extranjero— fue el componente con mayor peso.

En lo que respecta al empleo, las industrias turísticas generaron 31.909 puestos de trabajo, un 2,0% más que en 2023, y el 9,4% del empleo total en Navarra. Y sobre la recaudación de impuestos, el turismo supuso en 2024 el 8,4% de la recaudación neta de impuestos para la Hacienda Foral.

Por último, la nueva Cuenta Satélite revela un hito en lo que a viajeros se refiere. Y es que, este dato coincide con la superación, también por primera vez, de los dos millones de viajeros registrados en Navarra en 2024, de los cuales el 37% procedieron del extranjero. Hablamos de viajeros alojados en establecimientos turísticos.

La serie 2016-2024 permite trazar la evolución del turismo navarro a lo largo de casi una década. El impacto de la pandemia de la covid-19 queda claramente reflejado en los datos: el turismo cayó del 4,7% al 3,1% del PIB foral en 2020, como consecuencia del confinamiento y las restricciones de movilidad. A partir de 2021 se inició una recuperación sostenida que ha culminado en el máximo histórico de 2024.

Hace tres años, el departamento de comunicación de la fundación AISGE, que gestiona los derechos de actores, bailarines, dobladores y directores de escena, publicó un informe bastante representativo de lo que sucede en todo el ámbito de la creación cultural, incluido el más importante en términos económicos y de influencia internacional, el del libro. Entre otras cosas, afirmaba que sólo el 23% de los profesionales gana más de 1.000 euros brutos al mes, que el 44% está por debajo de la línea de la pobreza y que, en consecuencia, más del 50% se ve obligado a ejercer empleos no relacionados con su profesión, con lo que eso implica (Estudio sociolaboral, 2023). El objetivo de “vivir dignamente de su trabajo se halla más cuestionado que nunca” —se decía en ese momento— y, por si eso fuera poco, la “degradación de las condiciones laborales” y la derivada “sobreoferta de productos” conducían a una “pérdida de valor de los mismos” que haría “insostenible” gran parte del sector.

Esta semana, ACE Traductores ha puesto en marcha la encuesta de su nuevo Libro blanco de la traducción editorial en España, que cuando esté concluido será el tercero de los que haya elaborado. Quien no esté informado al respecto, puede pensar que, hasta entonces, no hay forma de saber en qué situación se encuentra ese grupo de trabajadores de la cultura, que también son autónomos en su mayoría; pero, teniendo en cuenta que la precarización no ha dejado de aumentar desde la publicación del texto anterior (del año 2010), es difícil que sus conclusiones se alejen positivamente de lo que sabemos hoy: “tarifas estancadas o a la baja”, “trivialización y devaluación de la producción social”, indefensión generalizada, imposibilidad de verificar las ventas de libros (de las que dependen las liquidaciones de derechos) y lo que se definía en suma, quizá con excesiva suavidad, como “alto grado de incumplimiento de la ley de propiedad intelectual por parte de los editores”. Como resultado, más del 70% no se podía dedicar en exclusiva a su oficio cuando se publicó el Informe de valor económico de la traducción editorial (2017).

Por si les parece que los ejemplos anteriores son excepciones a la norma, añadiré algunas de las afirmaciones de la Encuesta de análisis del sector profesional de la ilustración (2025), que será la base de otro tercer libro blanco, el correspondiente a las circunstancias actuales de los ilustradores e ilustradoras de nuestro país: “ocho de cada diez” trabajadores “han visto congelados o reducidos sus ingresos desde 2019”, un 70% tiene problemas de “demora o impago por sus servicios” y una “amplia mayoría ingresa menos de 1.000 euros al mes”, lo cual explica que en el año 2005 ya se diera el caso de que el 17% de los encuestados ni siquiera ganaran lo suficiente “para cubrir los gastos de la Seguridad Social”.

Como se ve, es el mismo brete, y prácticamente en la misma gama de cifras; con dos agravantes que quizá habrán imaginado: la brecha histórica de género, imposible de cerrar con sueldos cada vez más bajos y la aparición de la IA, que está expulsando a miles de profesionales y dañando la calidad de las obras sin más utilidad real que la de aumentar los beneficios de las grandes empresas y de cuatro multinacionales.

Algunos de los que pertenecemos a dichos sectores —no cito más por falta de espacio— somos muy conscientes de que nada de lo planteado aquí tiene solución si no rompemos el silencio, nos movilizamos y desvelamos la imagen de la cultura en España, que desde luego no es la de un puñado de famosos televisivos; y al tratarse de ocupaciones tan diversas, tampoco se puede avanzar mucho si los actores, traductores, escritores, ilustradores, músicos y demás seguimos luchando estrictamente en nuestro campo, por la sencilla razón de que la propia disgregación nos resta fuerza y, de paso, impide un más que necesario intercambio de experiencias, algo particularmente grave cuando se trabaja en el mismo sitio, como sucede a menudo en el teatro. Pero, por supuesto, falta un factor esencial, el motivo de que se haya llegado a semejante situación: el desinterés de las administraciones públicas españolas, que a diferencia de casi todos los países de nuestro entorno, ni siquiera han sentado las bases de una verdadera política cultural, que pasa por conceder un tratamiento específico a los creadores y creadoras.

El grandísimo Peter Brook declaró en Between two silences que él nunca había tenido problemas de dinero a la hora de dirigir, y no porque fuera rico —que no lo era—, sino porque puenteaba la cuestión por el procedimiento de limitarse a “usar los medios disponibles”, es decir, lo que hubiera, por poco que fuese; de hecho, es lo normal cuando la creación es una forma de vida. Lamentablemente, el mundo donde dijo eso no es el mundo en el que estamos: aunque la UNESCO insista en recordar que la cultura es la clave del futuro de la humanidad (Informe mundial sobre políticas culturales), los hechos dicen que la creación ya no da ni para pagar medio alquiler en una ciudad media. Estoy seguro de que, al final, se caerá en la cuenta del tremendo error que se está cometiendo. Esperemos que no sea demasiado tarde.

Vítor Belho no se lleva a engaño. “Queremos vivir de nuestro trabajo, y vivir lo mejor posible, pero Nordesía no nació para ganar mucha pasta. Pretendíamos ser un activo para la mejora de la comunidad musical, desde la convergencia entre tradición y modernidad”, asegura. Una empresa cultural, fundada hace ahora 30 años por Paco de Pin y el mismo Belho, que entiende que su función va más allá de lo mercantil, añade. “Las grandes cifras económicas ocultan la realidad diversa de la música popular, que a veces tiene dificultades para emerger”, sostiene, “nosotros seguimos creyendo en los artistas que se expresan desde la propia creatividad”. Nordesía, compañía clave en el despegar del folk gallego en los 90 y en la apertura a las músicas globales de raíz, celebra este sábado su cumpleaños con un concierto en la Sala Capitol de Santiago de Compostela.

El discurso de Belho sobre el estado de la cuestión musical en Galicia (y en el Estado) es crítico. Pese a ser uno de los empresarios culturales gallegos de mayor impacto, desconfía de lugares comunes. “Soy una persona observadora y reflexiono. Ahora mismo estoy más en el paradigma de los derechos culturales que en el de la industria cultural”, afirma. Es su respuesta a la pregunta por las decepciones que, al frente de Nordesía, vivió en estos 30 años. “Quizás la mayor frustración es ver que el dilema entre la dimensión económica y la dimensión social de la música, de la cultura, se inclina hacia lo económico como indicador principal”, dice. Los grandes números -cachés, públicos, conciertos- imponen una lógica perversa, uniformizadora. “Y acaban por arrastrarnos a todos, porque también se imponen en la contratación pública. Si no eres relevante en esos términos, no tienes espacio”, aduce.

Belho cita las investigaciones del periodista catalán Nando Cruz, colaborador de elDiario.es, como reveladoras. Sintetizadas en dos libros, Macrofestivales. El agujero negro de la música (Península, 2023) y Microfestivales y otros festivales posibles (Sílex, 2025), abogan por una reformulación del mapa de la música en directo y una valorización de experiencias al margen o más allá de las citas mastodónticas, insostenibles, con carteles intercambiables y sin ninguna coherencia. “El macrofestival es una tiranía, la explotación del usuario”, considera Belho, “determinado por el efecto FOMO [miedo a perderse algo]”. Contrapone los modelos que Nordesía ha promovido -ImaxinaSons, Sons da Diversidade, Festival dos Abrazos, Cantos na Maré- o promueve, como el Maré. “Buscamos insertarlo en el marco de una ciudad [Santiago de Compostela], que haya una programación diversa, implicada con otros agentes sociales”, defiende. Por los escenarios de su última edición pasaron músicos palestinos o brasileños, mexicanos o andaluces, gallegos o suizos.

“Hay una carrera por el crecimiento constante, una apuesta por la cantidad, que no compartimos. Hay que poner perspectiva, porque sino”, se extiende, “acabaremos con los lugares donde nace la música. Que son los templos de la cultura, alimentados por el poder en sentido amplio, sino los barrios, los pueblos. La música es más que un negocio”.

Talento potencial, déficit de contexto

Y en absoluto estas tres décadas de historia se reducen a una mirada pesimista. Nordesía tiene sus orígenes remotos en el Festival Folk Cidade Vella de Santiago de Compostela, que Belho dirigió entre 1987 y 1995. Fue cuando conoció a Paco de Pin, experto en las áreas técnicas del espectáculo. El último año actuaron Salif Keita, La Vieja Trova Santiaguera, Berrogüetto o Sharon Shannon. “Ya tenía cierta envergadura pero acabó abruptamente”, dice sin ahondar en los motivos. “Pero Paco y yo detectábamos un potencial de talento brutal en la música gallega y un déficit de contexto y capacitación”, señala, “queríamos abrir las músicas de raíz y explorar, desde ellas, una mirada al mundo”. Constituyeron Nordesía.

Los objetivos iniciales no estaban claros. Su “manifiesto poético ideológico” citaba la vanguardia histórica del poeta Manuel Antonio y el Laboratorio de Formas, núcleo teórico del Sargadelos de Díaz Pardo y Luís Seoane. Las intersecciones entre industria, cultura y política. El nombre lo recogieron de una exposición de Antón Reixa, otro poeta y, al frente de Os Resentidos, pionero del rock avanzado en gallego. El proyecto fue adquiriendo forma sobre la marcha. Además de “la proyección al mundo del talento gallego”, la profesionalización del sector fue otra de sus batallas.

“Cuando empezamos, se pagaba en sobres, no había altas y bajas en la Seguridad Social, ni seguros de ningún tipo”, recuerda, “nosotros impulsamos el convenio autonómico de servicios y productoras culturales, creamos la Asociación Galega de Empresas Culturales, fuimos consejeros en la creación de la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic) durante el gobierno bipartito”. La participación en foros, ferias y encuentros “en los cinco continentes” o la organización de tres ediciones del Womex -uno de los principales mercados de las llamadas músicas del mundo- en Galicia son algunos de los hitos que destaca el propio Belho.

Proliferación espontánea de foliadas

El mundo ha cambiado. Y el mundo de la música, de manera singular en estos 30 años. Belho cita la metamorfosis de los soportes musicales -casetes, vinilos, cedés, Internet- y lo que describe como crecimiento exponencial del tejido creativo y empresarial. “Soy reticente a hablar de industria cultural para el caso gallego, prefiero hablar de tejido cultural”, puntúa, “pero hoy en día hay aspectos de la música popular que están normalizados y creo que es un triunfo”. Se refiere, por ejemplo, a la proliferación espontánea de foliadas y seráns, “algo que sucede de forma natural y orgánica, no siempre sobre un escenario”. La música gallega actual en la que más se fijan en Nordesía bebe, precisamente, de esas fuentes.

Belho no es, sin embargo, adanista. Le entusiasma el éxito de audiencia de propuestas como Tanxugueiras -cantareiras seducidas por los llamados ritmos urbanos- o The Rapants -indie dance cantado en gallego- pero recuerda que ya a finales de los 90, artistas como Carlos Núñez, Berroguetto o Luar Na Lubre -estos aún activos- “llenaban A Quintana [emblemática plaza de la zona vieja de Santiago de Compostela] con entrada de pago”. “Aquellos artistas constituían un verdadero movimiento que trabajaba la riqueza musical, tímbrica y sonora del país”, considera. ¿La diferencia? La mayor visibilidad mediática, el fenómeno de las redes sociales y una comunidad que actúa, contesta. Y aunque alerta de las alarmantes estadísticas que indican cierto retroceso de la lengua gallega, concluye: “Hoy en día la sociedad es más permeable a estímulos culturales propios”.

Por el palco de la Sala Capitol de este sábado, 24 de abril, donde Nordesía celebrará sus 30 años, desfilarán raperos -Lumedoloop-, jazzeros y renovadoras de la canción de raíz popular -A Pedreira & Alejandro Vargas, una de las responsables de la redignificación de la pandereta -Felisa Segade, de Leilía-, gaiteiros escorados al pop -Budiño-, una cantante referente de la recuperación del folclore gallego -Uxía- e incluso habrá presencia africana, mozambiqueña más concretamente -Cheny Wa Gune.

Más de 70 artistas catalanes han dicho basta a la plataforma Spotify y han presentado esta tarde en el Espai Josep Bota de Sant Andreu (Barcelona) la campaña Boicot Spotify, una iniciativa destinada a convencer a músicos, productores e intérpretes, así como al público consumidor, para que abandonen el servicio de consumo de contenidos musicales más extendido del mundo.

Entre estos artistas destacan especialmente el cantante y compositor portugués afincado en Barcelona Salvador Sobral, ganador para su país del Festival de Eurovisión en 2017, y la pianista y compositora, Premio Nacional de Cultura de Cataluña en 2019, Clara Peya. Ambos han declarado que a partir del 30 de enero retirarán su catálogo de la plataforma.

“En mi caso, ya tengo parte de la discografía retirada, pero ahora ya no dejaré ningún trabajo que tenga mi autoría”, ha explicado Peya, mientras que Sobral ha lamentado no poder retirar las colaboraciones con otros artistas. “De todas formas, mi hermana me ha concedido que si quiero retirar la canción con la que ganamos Eurovisión, Amar pelos dois, ella lo aceptará”, ha dicho el portugués.

Ambos artistas han reconocido que aunque reciben relativamente pocos emolumentos de Spotify, la plataforma sí representa una tarjeta de visita muy importante para programadores de conciertos y festivales, que miden en ella la popularidad de los artistas. “Sentimos cierto vértigo”, ha apuntado Peya. “Y nos quita bastante el sueño, pero estamos comprometidos” ha remachado Sobral.

Anuncios para el ICE e inversiones en drones militares

No son los únicos artistas que se comprometen a retirar sus creaciones de Spotify, les secundan más de setenta creadores y creadoras, principalmente de Catalunya, Baleares y la Comunitat Valenciana que, aunque tienen una producción menor y menos conocida, asumen el riesgo de salir de una plataforma que sirve de promoción a muchos músicos que comienzan o mantienen un perfil mediático más bajo.

Entre los motivos que alegan desde este colectivo, que no son pocos, los representantes de Boicot Spotify han enumerado las inversiones del consejero delegado Daniel Ek en la empresa de tecnología militar y drones Helsing, que alcanza los 600 millones.

También citan los polémicos anuncios de reclutamiento de agentes del ICE, que tuvieron lugar en la plataforma hasta el pasado diciembre. Si bien Spotify aseguró que la campaña había terminado, las tropas de este cuerpo paramilitar de fronteras han adquirido protagonismo estas últimas semanas merced a su actividad en el estado demócrata de Minnesota, donde han asesinado a dos activistas, ciudadanos estadounidenses.

Pésima remuneración y uso indiscriminado de la IA

Virginia Soler, conocida con el nombre artístico de Birch y una de las principales promotoras de Boicot Spotify, ha citado otros motivos para salir de la plataforma. Entre ellos “el mal trato económico que Spotify da a los artistas”. Soler ha asegurado que “el 88% de las pistas de audio subidas a la plataforma no alcanzan las 1000 reproducciones, con lo que sus autores no perciben ni un céntimo”.

Víctor Jiménez, otro de los promotores, ha añadido como motivación el “uso fraudulento de la IA por parte de Spotify,”. Jiménez ha dicho que Spotify utiliza las canciones subidas por los autores para entrenar a su Inteligencia Artificial (IA) generativa, con la que “genera decenas de miles de pistas artificiales por las que no paga derechos a los autores que las han inspirado”. Asegura también, corroborado por el resto de artistas asistentes, que Spotify ha llegado a acuerdos con las grandes discográficas para la creación y promoción de artistas y pistas generadas por IA.

A este respecto, Salvador Sobral advertido que “la IA solo genera entretenimiento, y que el consumo de contenidos de entretenimiento no conseguirá los objetivos del arte, que es romper moldes e innovar, y hacerlo gracias a la creatividad inherente al ser humano”.

También el rapero Levico, de la banda Statu Quoniam, ha intervenido para proclamar que “el abandono de Spotify por parte de un creador es una forma de liberación, porque nos desprendemos de una dependencia muy grande respecto a las métricas, las audiencias y el perfil del artista que realiza el servicio con los datos que te presta y de los que sed sirve para hacer mayor su negocio”.

Levico ha citado a Facebook e Instagram y sus “likes” como un a suerte de droga que condiciona al creador, que sin saber sirve a estas plataformas toda su información privada. Peya, por su parte, ha recordado para terminar que “las artistas no estamos solas en esta lucha, que debe implicar también a los oyentes, por lo que les pedimos que abandonen Spotify y prueben otras plataformas”. Al respecto, el grupo ha recomendado por unanimidad Qobuz, plataforma que, han asegurado, “es la cumple los mayores estándares éticos”.

Finamente, los integrantes de Boicot Spotiy han anunciado que el próximo domingo 1 de febrero revelaran los primeros diseños de entorno gráfico de una propuesta de plataforma musica de código abierto, diseñado por algunos de sus integrantes. “Queremos que a la larga este software sea la base de una cooperativa de oyentes para todo el estado”, ha cerrado Víctor Jiménez.

En el imaginario colectivo, en el mío también hasta que empecé a trabajar en esto, los premios del cine celebran las mejores películas. La realidad es bien distinta, detrás de muchas nominaciones y premios, hay inversión, campañas de marketing, contactos, influencias y lo más importante: grandes empresas y posición social.

A veces ocurre que coincide que esas películas que llegan son realmente buenas, incluso las mejores. Otras no. Otras ves a obras magníficas, emocionantes, bellas, honestas, interesantes, importantes, no encontrar un hueco en estos lugares y ser, en cierto modo, despreciadas por la industria. Y como dicen en mi tierra, me da coraje. Porque lo que les falta no es calidad, sino tener la capacidad y los recursos para moverse en ciertos círculos.

Podrán pensar que esto de los premios es una tontada. Pues no. Porque este sistema tiene algo perverso y es que dependemos de los puntos que dan las selecciones en determinados festivales y premios, para poder levantar los siguientes proyectos. Esto nos afecta, por supuesto, a las pequeñas productoras y creadores independientes, para las que algo así puede determinar si seguimos trabajando o no. Para otros, ampliamente consolidados y sin ningún problema para financiar sus películas, quizá sea más una cuestión de alimentar el ego. O no lo sé. Me lo pregunto muchas veces.

En los últimos días, leo sobre la gran campaña que ha llevado a Sirat a los Oscar, con casi 30 relaciones públicas trabajando para ello. Leo también sus declaraciones sobre el cine de cereal puro (el suyo), frente al cine pan Bimbo (el de otros). Y observo el contraste con los textos de otros cineastas como Jota Linares o Jimina Sabadú que ponen palabras a la realidad que vivimos muchos en este sector y que tiene que ver con la precariedad, con la necesidad de hacer miles de trabajos a la vez para sostenernos, con el cansancio o con plantearse abandonar porque una no puede más.

Por si hace falta aclararlo, creo que Laxe es un gran cineasta y sus anteriores películas, “Mimosas” y “O que arde”, me parecen unas obras bellísimas. Y de hecho, esto no va de él, sino de tratar de señalar desde dónde se habla, porque si hay algo que me enfada, por lo general, es cuando se pasa por alto la condición de privilegio. O peor aún, cuando se nos intenta iluminar o dar lecciones desde las alturas. No, no se puede hablar de “hackear al sistema” cuando eres la personificación del sistema.

Experimentar estética o artísticamente cuando cuando tienes una red económica que te sostiene y todo el tiempo del mundo, que viene a ser lo mismo, no es un acto de riesgo, sino, muchas veces, la seguridad de no tener nada (realmente importante) que perder

Esto me recuerda a cierto tipo de cine celebrado como autoral, comprometido y valiente, con tintes sociales, que sale desde masías en el Empordà o escuelas privadas imposibles de pagar para cualquier familia trabajadora. Claro que muchas de esas películas son buenas, pero cuando son aplaudidas como arriesgadas, justo con esa palabra, “riesgo”, no puedo evitar que se me revuelva un poquito la conciencia de clase. Porque riesgo es otra cosa.

Experimentar estética o artísticamente cuando tienes una red económica que te sostiene y todo el tiempo del mundo, que viene a ser lo mismo, no es un acto de riesgo, sino, muchas veces, la seguridad de no tener nada (realmente importante) que perder.

El cine, la cultura en general, también está atravesada por la clase y sería un ejercicio de honestidad reconocerlo. Reconocer que no todos partimos desde el mismo lugar, que una película independiente, de bajo presupuesto y hecha fuera de Madrid o Barcelona, muy difícilmente podrá ocupar los mismos espacios, ni acceder a las mismas oportunidades, ni ser leída con los mismos códigos.

Sería también maravilloso que la industria y las instituciones que la conforman, dejaran de mirar únicamente los relatos de éxito y de todo aquello que brilla, y se empezaran a preguntar por todo lo que no llega a existir, por las películas que mueren antes de nacer, las que se quedan por el camino no por falta de talento o de ideas, sino por un sistema que no es igual de justo para todos ni ofrece las mismas herramientas.

Sin grandes nombres mediáticos, la temporada de exposiciones de 2026 traerá como principal atractivo la reivindicación de figuras femeninas olvidadas. Tal es el caso de la doble muestra que organizan el Museo Reina Sofía y el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) sobre la artista Aurèlia Muñoz, más reconocida a nivel internacional que en nuestro país. La catalana, que ya tuvo el pasado otoño una exposición en la galería José de la Mano en Madrid, regresará a la capital del 29 de abril a 7 de septiembre en el Reina Sofía con una nueva propuesta titulada Entes. La exposición propone un análisis detallado de cinco décadas de la trayectoria creativa de la artista y también se podrá ver a partir del 5 de noviembre de 2026, y hasta el 29 de marzo de 2027, en el MACBA.

Otra gran figura femenina del siglo XX que tiene presencia en 2026 es la novelista Mercè Rodoreda, autora de obras como La plaza del diamante o Espejo roto. El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) acoge desde principios de diciembre la retrospectiva Rodoreda, un bosque, donde evidencia su importancia y se pone su obra en diálogo con la de 400 artistas en una extensión museística de 1.300 m2. Puede visitarse hasta el 25 de mayo de 2026.

En tercer lugar, cabe destacar la presencia en el Guggenheim Bilbao de una de las artistas estadounidenses más prolíficas de la segunda mitad del siglo XX, la escultora californiana de origen japonés Ruth Asawa, famosa por sus esculturas sinusoidales en alambre. La muestra está organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y el Museum of Modern Art de Nueva York y será la primera gran exposición en un museo en incluir todos los aspectos de la producción de esta autora.

Voces desde la colonia

El segundo aspecto destacable de la temporada expositiva son las voces que desde el sur global analizan la huella dejada en un territorio colonizado y explotado por el capitalismo racista y extractivista. Destacan en especial en este apartado las propuestas del Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) sobre la mexicana Tania Candiani (estreno el 29 de abril) y la colombiana Regina de Miguel, que se estrena el 29 de octubre.

La práctica artística de Candiani confronta técnicas ancestrales con tecnologías contemporáneas, generando fricciones que vinculan tradiciones materiales con nuevas formas de creación. Por su parte, Regina de Miguel explorará también en el IVAM la violencia extractivista y el pensamiento geotraumático, primero en la selva colombiana (Catábasis), después en la cuenca minera de Río Tinto (Nekya).

También es digna de mención la exposición que la Fundació Antoni Tàpies acogerá en Barcelona, de octubre a marzo, sobre la artista sudafricana Penny Siopis. La misma mostrará en esta institución piezas de pintura, dibujo y cine que darán a conocer una obra atravesada por el apartheid desde su perspectiva de una ciudadana blanca de segunda por clase social y origen, ya que Siopis es de origen griego. No menos importante es la muestra que el Guggenheim dedica al cineasta Steve McQueen, oscarizado autor de 12 años de esclavitud y padre de la serie Small Axe, obras en las que, como afrocaribeño londinese, denuncia el racismo anglosajón contra la población de origen africano.

Otras voces destacables del sur global que tendrán muestra en el Reina Sofía en 2026 serán Andrea Canepa (de enero de 2026 a enero de 2027), con un proyecto de intervención de las lonas que cubren el Palacio de Cristal del parque del Retiro, y el bonaerense Alberto Greco (de febrero a 8 de junio de 2026), con una muestra que le sigue desde sus primeras obras en el ámbito del informalismo, a las acciones artísticas que denominó “arte vivo”, basadas en el cuestionamiento de las nociones de obra artística y autoría.

De Rubens a Isabel de Farnesio

En el apartado de arte clásico es necesario citar la exposición que el Museo de Bellas Artes de Valencia (MuBAV) organiza en torno a Rubens. El genio flamenco protagoniza del 2 de julio al 4 de octubre la muestra Rubens. El florecimiento de un genio. La exposición abarcará desde el ambiente que el pintor vivió y respiró en Amberes en el último cuarto del siglo XVI, hasta 1621, año del fallecimiento del archiduque Alberto de Austria, y el comienzo de una nueva etapa política en Flandes. El pasado año ya se pudo contemplar una amplia propuesta similar en CaixaForum.

Otra cita interesante estará en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), que este año planifica su última temporada expositiva hasta 2030 por la ampliación de sus instalaciones. Se trata de la muestra Sant Pere de Rodes y el Maestro Cabestany: la construccion de un mito. Podrá visitarse del 19 de marzo al 29 de junio de 2026 y se adentra en la obra de este escultor, uno de los más destacados del periodo románico en toda Europa. La exposición reunirá más de cien piezas de Cabestany, que van de la escultura a la pintura o los manuscritos iluminados.

Volviendo al MuBAV, acogerá del 18 de junio al 20 de septiembre Antonio Palomino y el otoño del Barroco, que analiza la figura de este pintor y tratadista cordobés, autor de los portentosos programas decorativos de la iglesia parroquial de San Juan del Mercado y de la Basílica de la Virgen de los Desamparados durante su estancia en València entre 1699 y 1704.

La serie del Museo del Prado llamada El Prado en femenino inauguró el pasado 1 de diciembre una muestra dedicada a la reina Isabel de Farnesio (1692-1766) que se puede ver hasta el próximo 24 de mayo de 2026, y donde se expone el legado de la mecenas que más significativamente contribuyó al engrandecimiento del actual museo, lo que da idea de la magnitud y la calidad de la colección que se expondrá.

Finalmente, la Fundación Mapfre de Madrid acogerá la muestra Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914), que revisita el arte prerrafaelita surgido en Gran Bretaña a partir de 1948, con una mirada renovada al explorar la respuesta de las mujeres artistas a este nuevo y estimulante estilo, que surgió en contra del arte académico oficial y se mantuvo vigente hasta los primeros años del siglo XX. Será del 24 de septiembre al 10 de enero de 2027.

Arte del expolio franquista

En el apartado de arte moderno la oferta es amplia y variada. Comenzando con El aura de una saga moderna: Ignacio, José y Marisa Pinazo, una propuesta del IVAM sobre esta célebre saga de artistas valencianos que se inicia el 3 de marzo. Pero sin duda la muestra más atractiva es la que prepara el Guggenheim de Bilbao sobre el pintor Jasper Johns. Titulada, Night Driver, constituirá un recorrido por siete décadas de trayectoria de un artista que renovó la escena artística americana de los años cincuenta, sesenta y setenta.

Otra exposición de interés es la que a partir del 29 de septiembre celebrará, en la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, la amistad entre el pintor y Pere Portabella, en el marco del programa del centenario del cineasta en 2027. Titulada Tàpies, Portabella. Política de la amistad, el punto de partida es la relación profesional y personal que mantuvieron ambos creadores desde su juventud en el tardofranquismo hasta la muerte de Tàpies.

Una muestra altamente recomendable será Tiempos modernos (de 10 de marzo al 31 de mayo), basada en la colección contemporánea del MuBAV. Propone un viaje a través de la pintura valenciana o vinculada con Valencia desde la década de los años cuarenta a los setenta del siglo XX. Cuenta con obras de una serie de personalidades de primer orden como Eusebio Sempere, el Equipo Crónica, Juana Francés, Manuel Hernández Mompó o Jacinta Gil, entre otras, que personifican la evolución de las artes en la España del siglo XX.

En cuanto a colecciones museísticas, Com una dansa d’estornells quiere ser una exposición conmemorativa del 30 aniversario del MACBA, exhibiendo así lo mejor de los fondos de su colección, con artistas como Jean-Michel Basquiat, Samuel Beckett, Antonio Beneyto, Modest Cuixart, Dau al Set, Sílvia Gubern, Ramon Guillén-Balmes, Richard Hamilton, William Kentridge, Joan Miró, Mònica Planes, Joan Ponç, August Puig, Antoni Tàpies, Josefa Tolrà o Josep Uclés entre otros. Hasta el 28 de septiembre de 2026.

También, desde el 19 febrero y hasta el 29 de junio, el MNAC expondrá en sus salas los fondos artísticos incautados por el franquismo mediante el Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional (SDPAN), que el museo todavía guarda y que mostrará, tanto para que puedan ser identificados por los descendientes de sus antiguos propietarios como para evidenciar la magnitud del saqueo franquista.

2026 en fotografía: Avendon y Cristina de Middel

El año fotográfico también es notable. En primer lugar, la excelente exposición sobre Helen Levitt, que ha albergado el Centro de Fotografía KBr de Barcelona, viajará a Madrid para estrenar el año de la Fundación Mapfre. A partir del 6 de junio, también en Madrid, se podrán contemplar las fotografías de Richard Avedon. Richard Avedon – In the American West está organizada por la Fondation Henri Cartier-Bresson en colaboración con Fundación MAPFRE, con obras en préstamo de The Richard Avedon Foundation.

Para Barcelona, el centro KBr ha programado la muestra Walker Evans. Now and Then sobre el mítico fotoperiodista estadounidense, cronista gráfico de la Gran Depresión de los años 30. La exposición reúne fotografías y proyectos clave que recorren toda su trayectoria, desde los autorretratos de los años veinte hasta sus Polaroids de los setenta, junto con libros y publicaciones. Y también otro gran nombre de la fotografía estadounidense del siglo XX estará a partir del verano en el KBr. Se trata de Minor White, figura clave no solo por su innovadora producción fotográfica, sino también por su papel como docente, además de su trabajo editorial como cofundador, editor y director de la revista Aperture.

Para cerrar la oferta fotográfica, destacar la exposición del IVAM Cristina de Middel. Apoteosis Now. Cristina de Middel es una fotógrafa documental y artista alicantina que vive y trabaja a caballo entre Brasil, México y España. Su nuevo proyecto comprende unas 250 imágenes dispuestas en distintos formatos y soportes y lanza el mensaje de que las tendencias ya no se cazan, sino que nos cazan a nosotros. Podrá visitarse a partir del 7 de mayo. Y por supuesto no hay que olvidar las muestras World Press Photo y PhotoEspaña que tendrán lugar en 2026.

Muestras temáticas y multidisciplinares

En cuanto a las exposiciones temáticas y multidisciplinares, que acogen tanto obra artística como aproximaciones a temas de actualidad, se hace necesario mencionar dos muestras de CaixaForum que en 2025 han estado en Madrid y en 2026 viajan a Barcelona. Por un lado, Chez Matisse. El legado de una nueva pintura que se mantiene en la capital hasta 22 de febrero de 2026 y arranca en Barcelona a partir del 26 de marzo y hasta el 16 de agosto.

Este recorrido presenta una amplia selección de obras procedentes en su mayoría del Centro Pompidou, donde las piezas de Matisse dialogan con las de otros artistas contemporáneos y posteriores a los que él influyó. Por otro lado, la exposición Desenfocado. Otra visión del arte, en colaboración con el Musée de l’Orangerie de París, es otro momento destacado de la temporada, con esta muestra colectiva que explora la técnica de lo borroso en el arte, en especial el contemporáneo. 

La muestra parte de la serie de los Nenúfares de Monet y de cómo introdujo el artista el concepto del desenfoque en el arte, de lo borroso y lo impreciso como elementos expresivos. Cuenta con obras de artistas como Alberto Giacometti, Gerhard Richter, Mark Rothko, Eva Nielsen, Claude Monet, Thomas Ruff, Alfredo Jaar, Soledad Sevilla, Christian Boltanski, Mame-Diarra Niang y Bill Viola, entre otros. Permanecerá hasta el 12 de abril en Madrid y el 20 de mayo se estrenará, hasta el 27 de septiembre de 2026, en Barcelona.

Y el gran centro de referencia en España en cuanto a exposiciones temáticas, el CCCB, propone dos interesantes debates en forma de exposición para 2026. El primero se titula El culto a la belleza y abre sus puertas del 20 de mayo al 8 de noviembre. La muestra examina la evolución del concepto de belleza a lo largo de la historia y explora las múltiples dimensiones filosóficas, culturales, artísticas y científicas que la rodean. Contará con obras de William Hogarth, Angelica Dass, Laura Aguilar, Juno Calypso, Zed Nelson, Shirin Fathi, Narcissister, Ismael Smith, Isidre Nonell, Josep Masana, Colita, Sandra Gamarra, Esther Ferrer, Regina José Galindo, Maria Alcaide, Colectivo Ayllu, Lorenza Böttner, Marina Vargas, Arvida Byström o Harriet Davey.

El segundo debate se enmarca en la muestra La era atómica. Abarcará del de noviembre de 2026 al 16 de mayo de 2027 y analizará este nuevo tiempo y sus vínculos con la ciencia, la política y la cultura a través del arte de los siglos XX y XXI. Con cerca de 250 obras –pinturas, dibujos, fotografías, vídeos e instalaciones–, junto con documentos a menudo inéditos, la exposición reúne una gran variedad de respuestas al progreso científico y las controversias que suscita, con obras de artistas como Hélène de Beauvoir, Henri Becquerel, Bruce Conner, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Hilma af Klint, Jürgen Nefzger, Yoko Ono, Raymond Pettibon, Joan Rabascall o Nancy Spero.

La mayoría de las películas que conforman la corta filmografía de Brigitte Bardot —se retiró con solo 39 años— no destacan por grandes guiones, a pesar de contar con una actriz con gran capacidad de abordar papeles dramáticos, algo que no se valoraba especialmente en el mundo sexista de entonces que la alzó como mito erótico. No obstante, hay algunos títulos excepcionales, ya fuera porque lanzaron a la actriz al estrellato internacional o porque tanto el guion, los directores o sus coprotagonistas exigieron lo mejor de sus dotes interpretativas.

Aquí cinco películas inolvidables que marcaron su trayectoria:

'Y Dios creó a la mujer' (1956)

Escrita y dirigida por Roger Vadim, entonces marido de Bardot, y protagonizada por ella misma, Curd Jürgens, Jean-Louis Trintignant y Christian Marquand en los papeles principales, este drama estrenado en 1956 fue un éxito de taquilla en Estados Unidos en 1957, que lanzó al estrellato internacional a Brigitte Bardot, convirtiéndola en un símbolo sexual y causando polémica entre grupos religiosos, que la condenaron. El argumento se basaba en la belleza de Bardot: tres hombres obsesionados por una misma mujer que harán todo lo posible por conseguirla.

'En caso de desgracia' (1958)

Antes de explotar como mito sexual, Brigitte Bardot tuvo algunos papeles de exigencia en películas alejadas de lo que sería norma en el cine de la siguiente década. Tal es el caso de esta cinta, una película policiaca franco-italiana de 1958 dirigida por Claude Autant-Lara y protagonizada por el mítico Jean Gabin, la Bardot y Edwige Feuillère.

'La verdad'

Una película dramática dirigida en 1960 por Henri-Georges Clouzot y protagonizada por la Bardot que fue nominada al Óscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera. Dos jóvenes amantes, Dominique y Gilbert, son encontrados en una habitación. Gilbert está muerto por múltiples disparos, mientras que Dominique está inconsciente y al borde de la muerte por inhalación de gas. Revivida, es arrestada y juzgada por el asesinato de Gilbert. La historia de su vida y las circunstancias que condujeron al crimen se cuentan en el juicio.

'Le Mépris' (1963)

Basada en la novela homónima de Alberto Moravia, dirigida por Jean-Luc Godard en 1963 y protagonizada por Brigitte Bardot, tenía a Michel Piccoli como partenaire con la aparición del director Fritz Lang interpretándose a sí mismo. Se trató de un thriller psicológico basado en los celos de Piccoli y las relaciones tóxicas, que supuso una mayor exigencia actoral para Bardot más allá de sus papeles como símbolo sexual.

'¡Viva María!' (1965)

En 1965 Louis Malle filmó esta comedia de aventuras francesa protagonizada por Brigitte Bardot y Jeanne Moreau como dos mujeres llamadas María que se unen como revolucionarias en la América Central de principios del siglo XX, mezclando comedia, aventura y acción con un contexto de revolución. La película sigue a una joven (Bardot) que llega a México tras la muerte de su padre y se une a una artista de circo (Moreau), también llamada María, formando un dúo que termina involucrado en una revolución local.

El gobierno catalán, presidido por el socialista Salvador Illa, ha aprobado este martes dos decretos por los que se otorga la Medalla de Oro de la Generalitat a Joan Manuel Serrat y Núria Espert. Las medallas ponen en valor dos trayectorias artísticas y humanas “excepcionales que han contribuido de forma decisiva a la proyección de la cultura catalana ya los valores democráticos y humanistas”. Las mismas se entregarán el 22 de diciembre en un acto institucional que tendrá lugar en el Palau de la Generalitat en un acto encabezado por el president Illa.

Con la concesión de la Medalla de Oro, la Generalitat quiere honrar la trayectoria artística excepcional y el profundo compromiso cívico y humanista de Joan Manuel Serrat, “una figura primordial de la cultura catalana y universal”. Nacido en Barcelona en 1943, Serrat fue uno de los nombres centrales de la Nova Cançó y ha construido una obra que ha unido música, poesía y valores compartidos, con una proyección internacional sostenida durante décadas.

A lo largo de su carrera ha musicado a poetas universales como Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti o Mario Benedetti, así como autores catalanes como Joan Salvat-Papasseit. Álbumes y canciones emblemáticas como Mediterráneo, Cada loco con su tema, Banda sonora d´un temps, d´un país, Ara que tinc vint anys o Cançó de matinada se han convertido en “referentes generacionales”.

Su compromiso con la libertad creativa y con la lengua catalana le llevó a enfrentarse a la censura de la dictadura franquista, con episodios como la renuncia a participar en Eurovisión en 1968 o el exilio en 1975. Este compromiso se proyectó también en Latinoamérica, donde se convirtió en “un símbolo de resistencia”. Entre las numerosas distinciones recibidas a lo largo de su trayectoria destacan la Medalla de Oro de Barcelona, la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña, el Premio Nacional de Cultura, el Premio Nacional de Músicas Actuales, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio y, recientemente.

Núria Espert

La Medalla de Oro en Núria Espert reconoce “una trayectoria artística excepcional de más de siete décadas que le ha convertido en una de las grandes figuras de las artes escénicas contemporáneas”. Nacida en Hospitalet de Llobregat en 1935, Espert inició muy joven su carrera teatral y pronto se consolidó como “una actriz de referencia”, con una proyección nacional e internacional sin precedentes.

Fundadora de su propia compañía teatral, ha destacado por su versatilidad y exigencia artística, interpretando con maestría tanto el repertorio clásico como los autores contemporáneos. Espert fue la primera mujer que interpretó Hamlet en España y contribuyó decisivamente a la difusión internacional de autores como Federico García Lorca o Jean Genet. Producciones como Les Criades o Yerma marcaron un antes y un después en su trayectoria y en la proyección del teatro catalán y español en todo el mundo.

Durante la dictadura franquista sufrió la censura, lo que “reforzó su compromiso con la libertad, la igualdad y la dignidad humana, convirtiendo al teatro en un espacio de resistencia cultural”. Además de su carrera como actriz, ha desarrollado una destacada labor como directora escénica y gestora cultural, con responsabilidades como la dirección del Centro Dramático Nacional y con montajes en teatros y óperas de primer nivel internacional.

A lo largo de su vida profesional ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos la Cruz de San Jorge, el Premio Nacional de Teatro, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio Nacional de Cultura, el Premio Pau Casals y el Premio Princesa de Asturias de las Artes, así como diversas distinciones internacionales y doctorados honoris causa.

“El resultado no será un museo ampliado ,sino un nuevo museo totalmente distinto y adaptado a la conversación de los tiempos actuales, en los que se cuestiona el concepto clásico de este tipo de instituciones”, ha sentenciado esta mañana Pepe Serra, director del Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), durante la presentación de la programación de 2026 y en referencia a las obras de ampliación que darán comienzo oficialmente en apenas unas semanas, a la vuelta de año nuevo.

El MNAC encara así su última temporada expositiva hasta diciembre de 2029, cuando en previsiones oficiales de la dirección, se termine la ampliación que comprende la anexión del Palau Victòria Eugènia al edificio principal del Palau Nacional, a unos centenares de metros de distancia.

Esta obra implicará tanto la remodelación del nuevo edificio anexionado, que aportará más de 14.000 nuevos metros cuadrados de superficie de exposición, como la construcción de dos pasos de conexión entre edificios, uno subterráneo, para el tránsito de obras de arte de un palacio al otro, y el otro terrestre para facilitar la accesibilidad de las personas, muy mermada hoy. En este sentido, Serra ha opinado que “no es concebible que el museo más importante de Catalunya sea el menos accesible de todos”.

Una temporada de solo cuatro proyectos expositivos

Aunque posiblemente, como ocurre con todos los grandes proyectos de renovación, el periodo pueda alargarse, Serra maneja finales de 2029 como fin de las obras de ampliación y, en consecuencia, su equipo ha diseñado un programa limitado a cuatro exposiciones para 2026, con la idea de ir progresivamente reduciendo la actividad y cerrando las salas que sean necesarias. Después, no volverá a haber muestras temporales hasta 2030.

Los protagonistas de las mismas serán en gran medida el románico y la arquitectura, así como los fondos artísticos incautados por el franquismo mediante el Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional (SDPAN), que el museo todavía guarda y que mostrará a partir del 19 febrero y hasta el 29 de junio.

La primera muestra relevante, no obstante, será de piezas del escultor catalán conocido como Maestro de Cabestany, uno de los más destacados del periodo románico y cuyo protagonismo en el desaparecido monasterio de Sant Pere de Rodes, en Girona, es indiscutible. Podrá visitarse del 19 de marzo al 29 de junio de 2026.

Por su parte, la artista Ona Batlló desarrollará durante todo el año un proyecto audiovisual centrado en poner sonido a los murales románicos del museo. También es destacable la muestra que, del 26 de noviembre al 28 de marzo de 2027, comisaría el artista y poeta Perejaume y en la que ofrece su visión sobre el arquitecto y artista Josep Maria Jujol, estrecho colaborador de Gaudí y padre de muchos de los mosaicos de sus proyectos, en los que se muestra la exuberancia de la naturaleza de Catalunya.

Baja actividad hasta 2030

“Para 2027 casi seguro que la primera planta estará cerrada”, ha desvelado Serra, lo que se traduce en que buena parte de las salas de la colección permanente dejarán de poder visitarse hasta prácticamente 2030. “Podríamos haber cerrado, como ha hecho el Pompidou en París, pero hemos preferido mantener una cierta actividad porque al fin y al cabo somos un servicio de cara al público” ha añadido.

No obstante, ha explicado que establecerán a partir de 2026 “una moratoria para limitar la actividad relacional y los préstamos a otras instituciones” para poder afrontar la ampliación y a la vez aprovechar la oportunidad para abrir un debate sobre los relatos que debe asumir el MNAC ampliado.

Sí habrá una cesión de parte del fondo para una gran exposición en Tokio en 2028, porque “nos genera ingresos para costear parte de las obras y nos posicionará en una ciudad que actualmente es muy importante en Asia desde el punto de vista artístico”. Respecto a los costes, el proyecto ganador, de los estudios de arquitectura Harquitectes (de Sabadell) y Christ & Gantenbein (de Suiza), supondrá una inversión calculada total de 122.336.886,40 euros.

Una anomalía histórica

En su demanda de que el resultado de la ampliación devenga en “un nuevo museo”, Serra ha puntualizado que era “necesario aprovechar el 'momentum' para corregir la anomalía histórica de que un museo nacional como el MNAC no tuviera un recorrido expositivo que cubriera el siglo XX”.

“Es como si le dijéramos al público que la historia artística y cultural de Catalunya se termina a finales del XIX porque no tenemos suficientes salas para exponer nuestra colección”, ha insistido antes de destacar la vocación de servicio público del museo que, ha reiterado, “tiene la obligación de reflejar la historia cultural del país”.

Respecto de la falta de espacio, Serra ha hecho referencia a la morfología del Palau Nacional indicando que “sus cúpulas y su sala central no pueden funcionar como espacios de exposición, por lo que de sus casi 50.000 metros cuadrados apenas hemos podido aprovechar 9.000. A este respecto ha recordado que ”cuando el museo nació en 1934, ya contaba con obras de arte de 1933, lo que quiere decir que era de rabiosa actualidad“.

Serra ha agregado que tras la partición del museo en la guerra, en la que varias colecciones de arte moderno fueron a parar al edificio que actualmente acoge el parlamento catalán, se perdió el pulso de la actualidad cultural, “algo que se corregirá finalmente con la ampliación”.

Pero el director del MNAC de nuevo ha insistido en la idea de que la ampliación no puede contemplarse como una extensión en superficie de las salas del museo para sacar las obras guardadas en los sótanos, sino que debe dar lugar a nuevo concepto de museo, tanto en el diseño de los espacios como en los relatos que se desarrollen, y que Serra ha asegurado que serán “muy variados y desde todas las ópticas para que ninguna quede excluida”.

Ha indicado finalmente a este respecto que los jefes de sección del museo están trabajando desde hace meses con asesores externos del toda Catalunya para tener listas todas las propuestas para el “nuevo museo”, que verá la luz, si los retrasos no lo impiden, a finales de 2029.

En 2013, ante la inminente demolición de Villa Aloha, una de las últimas mansiones señoriales de la colina que asoma sobre el paseo de Miraconcha, en San Sebastián, se retiraron de la casa las pertenencias del postrer habitante hasta su muerte en 2009: el cineasta donostiarra Iván Zulueta. Entre ellas se encontraron numerosas cajas –se habla de 40– que contenían material creativo de Zulueta, en especial numerosas películas en formato Super 8 que el director había grabado en su juventud antes de lanzarse al cine profesionalmente.

En su corta pero singular carrera, Zulueta logró rodar dos obras tan peculiares como Un, dos, tres, el escondite inglés (1970) y sobre todo Arrebato (1979), considerada por algunos como la gran obra maestra del cine de la llamada movida madrileña –con permiso de Pedro Almodóvar su cinta La ley del deseo– y una de las obras más reivindicables de la cinematografía española del último medio siglo. Aunque difieren las crónicas sobre quien ostentó la propiedad de los mismos, los rollos rescatados fueron finalmente vendidos a la Filmoteca Española en 2021, que los exhibió públicamente, revelando aspectos hasta entonces ignorados del cine del artista guipuzcoano.

El descubrimiento no es cuestión baladí si se tiene en cuenta la fascinación que ejercen tanto Arrebato como el propio Zulueta, y su enigmática y elusiva personalidad, sobre numerosos cinéfilos que en estos años han intentado acercarse a la figura del creador guipuzcoano para tratar de entender por qué, tras su estreno, se retiró del mundanal ruido en Villa Aloha, la casa familiar, y apenas volvió a salir ocasionalmente a pesar de que la película fue ganando adeptos a lo largo de los años.

De este modo, no han sido pocos los documentales de insignes “arrebatólogos” que se adentran en el universo de Zulueta y su casi única obra, para reinterpretar una película llena de guiños y metáforas, que unos quieren ver como una reflexión sobre el poder destructor de la heroína –adicción que profesaba Zulueta– y otros, en cambio, refieren al paraíso perdido de la infancia o incluso la obsesión enfermiza de un creador por su obra. Así, el también cineasta Andrés Duque logra en Iván Z. Entrar en el mundo de Villa Aloha cuando Zulueta todavía vivía, en 2004. Tres este hito, parecía que carecía de sentido seguir incidiendo en el análisis de Zulueta y su obra.

Los rollos de Super 8 y 'El último arrebato'

Pero precisamente del descubrimiento de los rollos de Super 8 en la mansión donostiarra en ruinas, se sirven Marta Medina y Enrique López Lavigne para dar una nueva vuelta de tuerca a la “arrebatología” y hacer un último acercamiento a la figura de Iván Zulueta y su mundo. Ambos han dirigido El último arrebato, contando para el guion con Jaime Chávarri, uno de los grandes amigos en vida de Zulueta y autor de El desencanto (1976), otra de las exquisitas rarezas que nos dejó el cine de la Transición.

“Conocía a Jaime porque me dio clase de dirección de actores hace diez años en la ECAM”, explica Medina en videoconferencia con elDiario.es junto a Lavigne. Este añade que habían establecido un contacto previo con él durante la proyección en 2021 de los rollos de Super 8 de Zulueta y que entonces supieron de la amistad entre ambos, de modo que cuando se decidieron a rodar un documental, le contactaron.

“Al principio se mostró muy receloso”, asegura Medina, que desvela que Chavarri no veía nada claro “el realizar otro documental más sobre Arrebato”, por lo que le propusieron intervenir en el guion y buscar un ángulo novedoso para el proyecto, cosa que Chavarri aceptó.

“Le apetecía volver a rodar, pero en esta ocasión como actor”, apunta Lavigne, que apostilla que la idea de El último arrebato surge cuando descubre “abandonado en una residencia de Carabanchel” a Paco Hoyos, uno de los principales distribuidores de cine en el pasado y que “era el detentor de la titularidad de los derechos de Arrebato”, cinta que, asegura, arrastra una oscura trama de titularidades no resuelta.

De este modo nació El último arrebato, un documental que no quiere en realidad ser tal, sino que se ha pensado como un híbrido entre la investigación y una fabulación en torno a los mensajes que esconce la cinta de Zulueta. En especial, el poder vampírico de la cámara que en el filme utiliza Will More y que luego lega a Eusebio Poncela, en la película el director de cine José Sirgado.

El príncipe del planeta Villa Aloha

En este sentido, y jugando con los efectos de la citada cámara sobre quienes graba, que a su vez están grabando El último arrebato, la película de Medina y López Lavigne abre un debate sobre las causas de la corta andadura artística del cineasta vasco, su retiro prematuro y su muerte en soledad. ¿Fue la adicción a la heroína lo que marcó su vida tras Arrebato? ¿O bien es la obsesión enfermiza de Zulueta por su obra lo que simboliza la cámara que en la película graba a Poncela hasta consumirlo? A este respecto, Lavigne explica que “en un momento del documental que graba Duque [Iván Z.] Zulueta dice que todo el mundo culpa a la heroína de su retirada cuando la realidad es que sin la heroína no hubiera podido rodar Arrebato”.

No obstante, y este es el mayor valor de El último arrebato, para resolver el dilema, los directores contactan, además de con Chávarri, con otros amigos del círculo de Zulueta en aquel Madrid caótico, hedonista y volátil del posfranquismo. Así, pasa por delante de la cámara –la de Medina y Lavigne, pero también la de Will More– entre otros el testimonio de Carlos Astiarraga, entonces pareja de Zulueta, que desvela entre lágrimas cómo le perdió por culpa de la adicción que profesaba el cineasta.

También Eusebio Poncela cuenta su experiencia con Zulueta y con Arrebato, desvelando que el fracaso comercial de la cinta afectó a su director profundamente. Otro de los testimonios es el de Marta Fernández Muro, que explica la complejidad del mundo interior de Zulueta, un mundo que, apuntan Lavigne y Medina, “se revela en los cortos en Super 8 como limitado a los contornos de Villa Aloha, de donde parecía no querer salir”. “En esa casa cabía todo su universo”, opina la directora de El último arrebato.

Los testimonios, gran valor de 'El último arrebato'

“Si te fijas, cuando filma una gota de agua en uno de los cortos, lo que se refleja es Villa Aloha, era todo lo que le importaba”, remacha Lavigne, codirector y productor de cintas como Lo imposible de J. J. Bayona. Para ambos, Zulueta fue un artista que solo abandonó su caparazón de infancia durante los años de cineasta para luego regresar a su planeta personal, que abandono pocas veces, para refugiarse de un mundo que no comprendía. Como El Principito de Saint Exupéry. A este respecto, cuenta en Iván Z. el ya fallecido crítico Antonio Gasset –que también tuvo un papel en Arrebato–, que en una ocasión Zulueta bajó de Villa Aloha y se personó en el Festival de San Sebastián vestido de aviador a la antigua, como si fuera el mismísimo Saint Exupéry.

Pero quizás los testimonios más conmovedores, y, por tanto, más valiosos, de El último arrebato sean los de Virginia Montenegro, viuda del pintor Vicente Ameztoy y la mejor amiga del realizador, así como el de Chávarri. La primera, que estuvo junto a él hasta el último momento de su larga dolencia, relata un episodio de especial crudeza en torno a la enfermedad de Zulueta. En segundo, que asegura en la cinta que fue gracias a él que se decidió a ser cineasta, reunido con Montenegro en la casa de esta en Villabona, le pide perdón por haberla dejado tantos años sola al cuidado del amigo común y se culpa de haberlo abandonado cuando más lo necesitaba.

De este modo, a pesar de algunos momentos confusos, el poso que deja El último arrebato es profundo y perturbador, en especial para aquellos y aquellas obsesionados con la figura de un cineasta tan singular como Iván Zulueta, que con una sola película logró sacudir –y podría bien decirse que arrebatar– la historia del cine español de los últimos 50 años.

Los Premios Feroz 2026 se celebrarán en Pontevedra el próximo sábado 24 de enero y Samantha Hudson será una de las cuatro presentadoras, junto a Petra Martínez, Antonio Duran Morris y Elisabeth Casanovas. También repetirá Bob Pop en los comentarios para la retransmisión de La2. Por otro lado, recogerá el Premio Feroz Audi de Honor a la actriz Marta Fernández Muro. En cuanto a las nominaciones, destaca Alauda Ruiz de Azúa y su cinta Los Domingos con nueve, entre ellas a mejor película, mejor dirección y mejores actrices protagonistas para Blanca Soroa y Patricia López Arnaiz.

Los galardones otorgados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España destacan también Sirât, el trabajo por el que Oliver Laxe hizo historia logrando el Premio del Jurado en el pasado Festival de Cine de Cannes. Le conceden siete nominaciones, al igual que a Maspalomas, de José Mari Goenaga y Aitor Arregi, que eleva así las expectativas del cine producido en Euskadi. Junto a estas, destacan con seis nominaciones Romería de Carla Simón y Sorda, de Eva Libertad.

Con cinco nominaciones se sitúa la cena, candidata a la mejor comedia pero también al menor actor protagonista por el papel de Alberto San Juan, la mejor actriz de reparto para Elvira Mínguez y el mejor actor de reparto para Asier Etxeandia. Finalmente, El cautivo, Mi amiga Eva y Muy lejos se sitúan empatadas con dos nominaciones.

En cuanto a las series, tal vez la sorpresa sea que Anatomía de un instante, del director sevillano Alberto Rodríguez, no lideren la lista de nominaciones, como sí lo hacen Poquita fe, con dirección de Pepón Montero y Juan Maidagán, y Superestar, creada y dirigida por el cineasta Nacho Vigalondo, ambas con seis nominaciones. La citada Anatomía de un instante, junto a Yakarta, de Diego San José, obtienen cinco nominaciones, y Furia, de Félix Sabroso, se queda con tres.

Lista completa de nominados de cine

Mejor película dramática

Mejor película de comedia

Mejor dirección

Mejor actriz protagonista de una película

Mejor actor protagonista de una película

Mejor actriz de reparto de una película

Mejor actor de reparto de una película

Premio al mejor guion de una película

Mejor música original

Mejor tráiler

Mejor cartel

Lista completa de nominados de series

Mejor serie dramática

Mejor serie de comedia

Mejor actriz protagonista de una serie

Mejor actor protagonista de una serie

Mejor actriz de reparto de una serie

Mejor actor de reparto de una serie

Mejor guion de una serie

Pemio Feroz Audi de Honor

No son muchas las veces en las que las ideas más alocadas terminan en proyectos de gran repercusión. Una de estas raras ocasiones fue cuando el empresario ruso Vsevolod Batishchev se vio atrapado por la pandemia en Japón en la primavera de 2020 y tuvo, en los inicios del confinamiento, la sensación de que aquello podía ser el fin de la civilización mientras caminaba por las antes atestadas calles de Tokio, que en aquel momento yacían totalmente desiertas.

De sus elucubraciones de entonces nació un libro único por sus dimensiones, peso y objetivos, así como por la calidad de sus casi 700 ilustraciones: The book. La guía definitiva para reconstruir la civilización, que ahora estrena la versión española de la mano de Duomo Ediciones. Se trata de un libro visual, que combina textos, esquemas y mucha ilustración, en la línea del recientemente reeditado Casa de hojas, también por Duomo, que ha apostado por este tipo de proyectos de gran exigencia y complejidad.

También, por temática, se asimila a Abrir en caso de apocalipsis (Debate, 2015), el visionario libro que desglosa cuáles son los conocimientos fundamentales necesarios para reconstruir nuestra civilización en las mismas circunstancias que consideraba Batishchev. Pero quizás lo más fascinante de esta obra sea el relato de su génesis: tanto cómo se gestó la idea como el medio para conseguir el dinero para llevarlo a cabo, así como los espectaculares resultados de la búsqueda de la financiación, en la plataforma de crowdfunding Kickstarter, que cuenta el proyecto como uno de los más exitosos de su historia.

Vacaciones confinadas en Japón

“Fui con mi mujer a Tokio por turismo justo antes del confinamiento, totalmente ignorante, como tanta otra gente, de lo que se nos venía encima”, cuenta por videoconferencia desde Dubai Batishchev, que desvela que cuando llegaron a la ciudad, todos los hoteles estaban cerrados, así que las autoridades tuvieron que habilitar alojamientos para turistas atrapados. “Estando encerrados allí, decidimos movernos a la isla de Naoshima”, prosigue.

Se trata de la llamada “isla del arte” en el mar de Seto, entre las islas mayores de Honshu y Shikoku, un espacio con apenas un hostal en un entorno natural deshabitado en el que solo se puede circular andando o en bicicleta. En Naoshima se encuentran diversos museos pertenecientes a fundaciones privadas que atesoran importantes obras, además de un parque escultórico al aire libre en el que destacan las célebres calabazas de la artista pop Yayoi Kusama. Los japoneses van y vienen en ferry para pasar el día durante los fines de semana, pero entre semana apenas vive gente.

“Nos fuimos allí a pasar el confinamiento porque nos permitía movernos con total libertad”, explica Batishchev, que asegura que prácticamente eran los únicos habitantes de la isla en aquel momento. “En aquel entorno me sentí una especie de Robinson Crusoe y comencé a especular sobre cómo sería un mundo sin todos los avances de la civilización, un mundo tal vez posnuclear en el que Rusia y EEUU o China hubieran apretado el botón”. Seguidamente se pregunta: “¿Sería tal vez como Naoshima? Quizás no hiciera falta una guerra: puede que la misma pandemia, si los gobiernos perdían el control, acabase con la humanidad”, reflexiona.

El mundo necesita una guía para reconstruir la civilización

De aquellas ensoñaciones, Batishchev sacó una conclusión principal: “No existía ninguna guía para reiniciar la civilización una vez desaparecida; para construir casas, calefacciones, neveras para conservar los alimentos, también para tejer vestidos, etc.”. Asegura que se lo planteó “medio en broma, pero también medio en serio; en plan de que tal vez no sería una mala idea crear una suerte de enciclopedia visual que permitiera hacerse una idea de cómo funcionan los principales inventos de la humanidad”.

Fue al final de la pandemia, al regreso a su domicilio habitual, cuando este emprendedor contactó con un antiguo socio suyo, Timur Kadyrov, con el que había compartido un negocio franquiciado de escape rooms en el pasado. “Con la pandemia, lógicamente, él también había sufrido mucho en el negocio, así que estaba pensando en cambiar de sector cuando le comenté mi idea de la guía ilustrada”, apostilla Batishchev que, no obstante, deja claro que planteó el proyecto como una distracción: “Una propuesta editorial para un libro de ilustraciones que estimulara la curiosidad de quienes lo abrieran, como nos pasaba a todos en nuestra infancia [analógica] al abrir un tomo de aquellas voluminosas enciclopedias”.

Al parecer, a Kadyrov la idea le gustó: “Timur pensó que podía funcionar a nivel de negocio, que era un producto atractivo como libro de ilustraciones”. El siguiente paso fue buscar financiación, por lo que optaron por salirse de los circuitos editoriales tradicionales y apostar por la plataforma de crowdfunding Kickstarter. Contactaron para ello con un experto en estas operaciones llamado Artur Stelmakh, también ruso, que se convirtió en el tercer socio de la operación.

Tercer proyecto editorial más exitoso en Kickstarter

Cuenta Batishchev que una vez perfilado el proyecto, lo lanzaron a principios de 2021 a la plataforma. Entonces llegó la sorpresa rotunda: “Teníamos presupuestado que el proyecto podía funcionar con 300.000 dólares, pero en una sola semana habíamos recaudado ya un millón”. Posteriormente, alcanzarían los 2,3 millones de dólares en la que es la tercera operación de este tipo más exitosa de la plataforma.

“A partir de ahí, asumimos que el proyecto había dejado de ser una broma y teníamos que ponernos seriamente con él”, explica este emprendedor. “Estuvimos meses reclutando ilustradores, diseñadores, escritores... pero sobre todo hablando con científicos”, puntualiza. Aclara que “las conversaciones con los científicos nos consumieron la mayor parte del tiempo de trabajo”, pero “fueron fundamentales para tener el rigor necesario y el entendimiento de la base científica de cada invento de la humanidad, de modo que nuestros ilustradores lo pudieran trasladar a sus dibujos para que fuera comprensible”.

Con la base científica clara, procedieron a desarrollar todas las ilustraciones con una jerarquía que priorizó los inventos más elementales para, con ellos, ir escalando en el desarrollo de lo que se dio a llamar The Book. La guía definitiva para reconstruir la civilización. Son cerca de 700 ilustraciones las que componen el libro en impresión de alta calidad a lo largo de 405 páginas, y cada una de ellas condensa meses de investigación y trabajo de un equipo ingente de personas coordinadas online.

Un libro enorme

El problema era que el resultado fue un libro enorme, que mide 34,7 centímetros de alto y 23,8 de ancho. Además, pesa más de dos kilos y su precio de venta al público alcanza los 120 euros. Con un producto así, explica Batishchev, resultaba complicada una distribución física global mediante distribuidores tradicionales. Así que tuvieron que crear su propia empresa de publicación y distribución, a la que llamaron Hungry Minds (mentes hambrientas). Su logo es la cabeza de un hombre de finales del siglo XIX comiéndose una bombilla. Hungry Minds tiene un equipo de una veintena de personas que trabajan distribuidas a lo largo y ancho del planeta y que se reúnen dos veces al año en las oficinas centrales de Bali, donde vive Kadyrov.

Para la impresión, pensaron, como la mayoría de las grandes editoriales actualmente, en China, “Timur [Kadyrov] visitó un par de imprentas y al final nos decidimos por una que tenía, además, unos enormes almacenes, de modo que pudiera almacenar nuestro libro”, comenta el cofundador de Hungry Minds. Aun así, reconoce que en la empresa de impresión terminaron almacenando los libros incluso dentro de las oficinas, dado su volumen.

“Hemos vendido por el momento cerca de 400.000 ejemplares”, principalmente utilizando canales de distribución online diferentes a los tradicionales, incluidas plataformas como Amazon“, presume el empresario ruso, que añade que el libro se ha traducido al japonés, español, francés, inglés y húngaro. ”Pronto estarán disponibles versiones en chino e italiano“, apostilla con orgullo y subraya: ”Hace poco se ha lanzado la versión española“.

De todos modos, preguntado Batishchev sobre si cree que en caso de desastre nuclear la guía sería útil a los últimos supervivientes de la tierra para reconstruir la civilización, contesta con total sinceridad que no: “Somos conscientes de que con nuestra guía no se puede reconstruir la civilización, porque no contamos cómo conseguir todos los materiales adecuados, entre otras cuestiones”.

“Además, un libro tan voluminoso es difícil de cargar en caso de desastre nuclear”, bromea. Pero reitera que puede resultar muy inspirador y entretenido de consultar, además de suponer un gran estímulo para la curiosidad. Con sus numerosos dibujos y esquemas, a los de cierta edad, sin duda The book nos hará sentir aquella lejana sensación de fascinación y curiosidad de nuestra infancia al abrir las voluminosas enciclopedias que atesoraban nuestros progenitores en sus solemnes anaqueles.

La facultat d'Informació i Mitjans Audiovisuals de la Universidad de Barcelona (UB), junto al colectivo de mujeres profesionales del sector Dones Visuals, ha presentado un estudio pionero en la sala de actos del centro en el que pone en evidencia a la industria audiovisual catalana por, en palabras de sus autoras, “carecer absolutamente de medidas para contrarrestar las violencias de género y las desigualdades y exclusión de mujeres en general, y en especial de las pertenecientes a la minoría LGTBI, las racializadas y las que sufren alguna discapacidad.

Hablan las investigadoras de una violencia que se ejerce en todos los ámbitos, desde camerinos, vestidores o salas de montaje, a los rodajes e incluso en los despachos y en la burocracia. El estudio concluye que “las dinámicas del sector audiovisual catalán provocan violencias y exclusión de profesionales que escapan a la norma”. Estas personas, en la mayor parte de los casos ven truncadas sus carreras, cuando no abandonan el sector y buscan refugio en otro ante la agresividad del medio hacia ellas.

Como novedad, el estudio no trabaja con datos numéricos y estadísticas, sino que se presenta como un estudio de campo en el que se han realizado entrevistas a 52 profesionales del sector que atendieron al reclamo de las investigadoras asegurando, y compartiendo posteriormente, sus experiencias, que aportan así un retrato de mucha mayor profundidad que los estudios basados en la recolección y análisis de cifras.

Adicionalmente, las autoras han querido destacar que es el primer estudio en España que se realiza desde una perspectiva de género interseccional, que aborda, por tanto, no solo las problemáticas de ser mujer en este sector, sino que añade a la misma distintos planos identitarios, como son la disidencia LGTBI, la raza o posibles discapacidades. De este modo han pretendido que el trabajo se acerque más a la realidad de muchas de las personas que sufren estas violencias y desigualdades en el sector.

Una responsabilidad formativa para la universidad

Miquel Térmens, decano de la facultad, ha presentado a las autoras explicando los motivos la implicación de la UB en el estudio. “Formamos a futuros profesionales de este ámbito y por tanto nos interesa mucho que estos adquieran e interioricen unos valores que queremos que apliquen a la industria”, ha dicho. “No podemos incidir en el presente, pero queremos incidir en el futuro con los nuevos titulados”, ha agregado Térmens, que ha destacado la colaboración de la institución con Dones Visuals, una asociación de la que ha destacado que “lleva años trabajando por la igualdad de las mujeres dentro de la industria audiovisual”. Finalmente, ha calificado dicha industria de “muy poco igualitaria comparada con otras industrias”.

Por su parte Carme Puche, portavoz de Mujeres Visuales, ha explicado que la organización, nacida en 2017, “desde el primer día ha querido ser un espacio de encuentro, debate e incidencia política”. En este sentido ha incidido que no solo buscan una reflexión, sino también “ser una plataforma de acción para mujeres e identidades disidentes de género que desarrollamos nuestra carrera dentro del audiovisual”.

“Hoy somos casi mil socias”, ha destacado Puche. “Esto significa que somos una parte de la industria importante y que representamos a un espacio vulnerable y en muchas ocasiones discriminado”, ha agregado antes de afirmar que su objetivo como colectivo es “revertir estas desigualdades históricas que impiden que nuestro sector sea realmente plural, justo y representativo”. En este sentido, ha hecho hincapié en que la cifra de 52 mujeres que han atendido al reclamo para contar las violencias sufridas es realmente alta y alarmente si se compara con la media de atendentes en este tipo de trabajos de campo. “Normalmente, estos estudios terminan teniendo como mucho 10, 15, 20, 20 experiencias”, ha apostillado.

Falta de medidas por parte de la industria y las administraciones

También ha desvelado que muchas de las entrevistadas se han visto expulsadas del sector a causa de las violencias que sufren. “Por tanto el estudio invita a dejar de creer que hay una serie de personas que no acceden a esta industria por desinterés y empezar a entender que sí estaban, o han estado, dentro del sector y han sido expulsadas”. Finalmente ha destacado que además de las violencias físicas y sexuales, el estudio desvela otras más invisibles que van desde la explotación laboral a la inaccesibilidad injustificada a determinados puestos o grupos de trabajo para las personas no normativas.

Puche ha parafraseado a la investigadora y docente Danielle Almeida cuando dice que “una institución que no incorpora medidas de inclusión perpetúa facto de facto un sistema excluyente” y ha cerrado su intervención pidiendo medidas reparadoras o de prevención, que, ha asegurado “en estos momentos en la industria son prácticamente inexistentes”. “La responsabilidad de revertir esta situación no puede recaer únicamente en las profesionales que la sufren, porque en realidad se convierte en una doble violencia: la que se sufre y el hecho de que tú estás sola para poder defenderte”, ha concluido.

Seguidamente Maria Jose Masanet, profesora de esta facultad y una de las autoras de la investigación, ha explicado que el estudio se empieza a gestar en 2023, “cuando Dones Visuals quiere hacer una radiografía interseccional del sector”. Es decir, entender quiénes son las personas o colectivos que están más infrarrepresentados dentro del sector audiovisual. Para aquella radiografía, la asociación contó con datos de diferentes instituciones como la Academia del Cine Catalán a través de los Premios Gaudí, así como con datos de la propia entidad, del Instituto Catalán de las Empresas Culturales y también con una encuesta que impulsó el propio colectivo.

Explica Masanet que los resultados de aquella primera radiografía mostraron que existe una infrarrepresentación de profesionales con discapacidad, LGTBI y racializadas. “A partir de esta radiografía cuantitativa que nos dice lo que está ocurriendo, nos preguntamos por qué está ocurriendo esto”, apostilla la docente, que subraya que “los datos que desvela la radiografía demuestran algo, pero no nos dicen el porqué y cómo está pasando ese algo”.

Es muy importante destacar que este es un estudio cualitativo“, insiste Masanet, para poner en valor las historias que ofrecen las entrevistas a las 52 profesionales entrevistas, que aportan una explicación tanto de las causas como de las dinámicas que llevan a las violencias que la estadística no puede aportar. A este respecto, explica que con las 35 primeras entrevistas ”ya pudimos establecer unos patrones claros de las dinámicas, de modo que en las siguientes vimos que se repetían los protocólso de violencias“.

Entrevistas en entornos seguros y conclusiones contrastadas con las víctimas

Por otro lado, Masanet ha revelado que las entrevistas se realizaron en entornos seguros para las profesionales, protegidas de las personas del sector que podían actuar contra ellas de saber que relataban su experiencia. Además, no se grabaron las conversaciones, sino que se tomó nota manual de ellas y después se contrastaron con las entrevistadas para verificar tanto los hechos apuntados como las conclusiones del estudio. Además, según la autora, se han empleado formatos secuenciales de entrevista, de forma que se ha utilizado un formato estándar para cada caso.

Entre las violencias detectadas por el estudio, Masanet destaca “desde violencias físicas y sexuales o verbales a la homogeneización, la segregación, el encasillamiento, la falta de accesibilidad y el no welcome, el cuestionamiento, la condescendencia, el paternalismo o las violencias burocráticas y económicas”.

Finalmente, ha intervenido Salima Jiraji, coordinadora del estudio junto a Masanet, que ha explicado las distintas casuísticas que afectan a las entrevistadas. En el caso de personas con discapacidades, por ejemplo la sordera, denuncian la falta de medidas que faciliten su accesibilidad e inclusión, lo que termina expulsándolas del sector por imposibilidad de acceso a sus capacidades.

También ha hablado de violencias invisibles. “Si entráramos en las violencias más sutiles, por ejemplo, encontramos la segregación o el encasillamiento, que es algo que apuntan muchas profesionales entrevistas”, ha dicho Jiraji. “Aquí encontrábamos varios tipos”, ha proseguido: “Por un lado, a las creadoras que nos explicaban que habitualmente son menospreciadas en su capacidad y también que cuando proponen o intentan levantar proyectos que no responden al imaginario blanco occidental, estos proyectos no tienen cabida”.

Y cita casos de LGTBI fobia como el de una profesional transgénero a la que sus compañeros se han negado repetidamente a llamar por su actual nombre, o el de una mujer que fue rechazada al optar a un puesto y se le arguyó que la causa era que “era demasiado lesbiana”. “También detectamos casos de xenofobia, donde diferentes personas entrevistadas explican, por un lado, las trabas legales a las que se enfrentan, así como la imposibilidad de acceder a las subvenciones y ayudas para sus proyectos, algo que en nuestra industria es determinante para poder levantar un proyecto”.

El municipio albaceteño de Casas Ibáñez albergará este año la entrega de las 'Medallas al Mérito Cultural' que otorga el Gobierno de Castilla-La Mancha. En esta edición destaca el reconocimiento a figuras como Toni Isbert -a título póstumo-, el coleccionista Mauricio Fernández por su rehabilitación del Palacio de los Marqueses de Torremejía en Almagro, el bailarín Ismael Olivas o el artista plástico José Luis Serzo.

Se otorgarán un total de 14 medallas y dos menciones especiales. La consejera portavoz del Gobierno regional, Esther Padilla, ha reivindicado que con los galardones se pretende “reconocer la buena labor, el trabajo y la trayectoria de artistas regionales” en áreas como el teatro, la danza, el cine, el mecenazgo, la música o las artes plásticas.

Los condecorados con la medalla al Mérito Cultural 2025

El primero de ellos será el actor Toni Isbert, albaceteño que falleció en el pasado mes de febrero. “Un actor de extensa y destacada trayectoria en cine, teatro y televisión, vinculado a Tarazona, donde reposan sus restos”, ha explicado Padilla. La consejera ha insistido en que se le concede esta medalla por su “contribución al arte dramático, por ser embajador cultural de Castilla-La Mancha y su constante defensa del patrimonio escénico español”.

La segunda mención será para el proyecto de Rehabilitación del Palacio de los Marqueses de Torremejía, en Almagro, llevada a cabo por el coleccionista mexicano Mauricio Fernández Garza. La consejera ha recordado cómo después de conocer que tenía entre sus propiedades un artesonado mudéjar del siglo XVI de la Iglesia del Rosario de Almagro, decidió adquirir este palacio y recuperarlo para disfrute de todos. “Con su rehabilitación ha permitido recuperar un patio renacentista, además de un conjunto de salas con pinturas murales del siglo XIX, entre las que hay una sobre papel de arroz con escenas cotidianas de la dinastía china Qing”, ha señalado.

La consejera ha adelantado que la Medalla a la Cultura Joven para Menores de 35 años será para Ismael Olivas, “un bailarín, profesional, coreógrafo y creador artístico nacido en Albacete, donde empezó su formación en el Conservatorio de su ciudad para seguirla en ciudades como Londres y Washington”. Además, ha recordado, “su imaginación le ha llevado a crear su propia compañía musical, 'Tuercas y Tornillos'”.

El Ayuntamiento de Saelices de la Sal, en Guadalajara, recibirá la Medalla al Mérito Cultural en Rehabilitación y Difusión del Patrimonio Material, “por la recuperación de sus magníficas salinas de San Juan”. Un proyecto que, ha recordado Padilla, “una vez rehabilitado, en el año 2011, puso en marcha la explotación artesanal de dichas salinas, hasta nuestros días”.

En cuanto a la Medalla al Mérito Cultural en Conservación y Difusión del Patrimonio Inmaterial, la portavoz del Ejecutivo ha anunciado que será para la Asociación Alfombras de Serrín de Elche de la Sierra, “por trabajar por y para la mejora, consecución y promoción” de unas alfombras que el Ejecutivo regional ha incluido en la propuesta conjunta del Gobierno de España para la declaración de Patrimonio de la Humanidad a las alfombras y arreglos florales ceremoniales.

El Instituto de Estudios Manchegos de Ciudad Real será reconocido con la Medalla al Mérito Cultural en Investigación del Patrimonio Cultural, y es que, como ha recordado Esther Padilla, “esta asociación, creada en 1947, trabaja desde entonces en promover la investigación y el estudio de materias científicas y culturales relativas a Castilla-La Mancha”.

El albaceteño José Luis Serzo será distinguido con la Medalla al Mérito Cultural en Artes Plásticas, un creador que, en palabras de la consejera, “es ya una figura singular en el panorama artístico español, con reconocimientos dentro y fuera de nuestro país, al integrar en sus obras pintura, narrativa, fotografía o dibujo”.

La Medalla al Mérito Cultural en Arte Digital irá a parar al espectáculo 'Lumina Catedral de Toledo', una experiencia cultural nocturna única en el mundo, que fusiona patrimonio con la tecnología más novedosa y de vanguardia. En palabras de la portavoz, “un viaje para los sentidos que nos acerca a la historia y a la riqueza de la Catedral Primada”.

La Asociación Cultural 'Veleta Roja' será reconocida con la Medalla al Mérito Cultural en las Artes Escénicas. “Una asociación que nació en Ciudad Real para crear proyectos escénicos, discográficos y editoriales de elevada envergadura artística en los ámbitos de la creación, la educación y la solidaridad”, ha enfatizado Padilla.

La Medalla al Mérito Cultural en Cine ha recaído en esta edición en los Premios Pávez de Talavera de la Reina, “un certamen que nació como una apuesta diferente y única para hacer cine en la Ciudad de la Cerámica y que ya es todo un referente nacional”, ha destacado la portavoz del Gobierno.

Esther Padilla ha destacado que la Medalla al Mérito Cultura en Cómic y Artes Escénicas ha sido para la librería Serendipia, de Ciudad Real, “un modelo innovador que aporta dinamismo cultural a la ciudad, que trasciende el concepto de librería tradicional para convertirse en un espacio dinámico, con alrededor de 80 presentaciones anuales, clubes de lectura, cuentacuentos o talleres creativos y que, además, tiene una editorial propia y un papel relevante para los autores de cómics de Castilla-La Mancha”.

La Medalla al Mérito Cultural en Mecenazgo y Promoción de la Cultura ha recaído en el programa cultural 'Actuamos en Patrimonio', una iniciativa que, como ha recordado la consejera, “se desarrolla en los lugares más emblemáticos de la provincia de Cuenca, cuyo buque insignia es Segóbriga. Allí se funde la música y el patrimonio como ejemplo de promoción de la cultura en nuestra región”.

En esta edición, también será galardonada con la Medalla al Mérito Cultural en Música la Asociación Musical Moteña, de Mota del Cuervo. Para la responsable autonómica, “un merecido reconocimiento por el fomento de la cultura musical de la región, además de por su Certamen de Bandas de Música 'Villa Cervantina'”.

En la categoría de Medalla al Mérito Cultural en la Creación Literaria y la Edición, el galardón ha recaído en Aache Ediciones, “una editorial especializada en publicaciones sobre el patrimonio y la cultura de Guadalajara, con más de 700 títulos y 300 autores en su catálogo”, ha valorado la portavoz.

La Biblioteca de Ugena, en Toledo, se ha llevado la Medalla al Mérito Cultural en el Fomento de la Lectura, un espacio que, en palabras de Esther Padilla, “abre cada día sus puertas como espacio dedicado a la promoción de la lectura, el conocimiento y la cultura, al tiempo que es punto de encuentro para compartir experiencias, descubrir nuevos horizontes y fortalecer los lazos sociales”.

Por último, Padilla ha adelantado que la Organización Nacional de Ciegos Españoles, a través de su iniciativa 'Proyectos Culturales', va a recibir la Medalla al Mérito Cultural en Proyectos Culturales Inclusivos, “por hacer accesible la cultura con propuestas como 'Museos accesibles' o con el acuerdo con la Fundación Festival de Teatro Clásico de Almagro”.

En palabras de la portavoz del Ejecutivo, se trata de “hombres y mujeres volcados con la cultura y el compromiso con la región”. Son, pues, “una muestra perfecta de lo bien que se hacen las cosas en la región, de los que nos sentimos orgullosos y así se lo queremos demostrar con estos galardones”, ha finalizado.

Hasta que en 2005 encontró su configuración definitiva, la plaza Lesseps de Barcelona fue una pesadilla urbanística: un espacio sufridor, difícilmente habitable y desmembrado por el paso de la ronda General Mitre. Para colmo de males, es una plaza en pendiente, colgada en las laderas de la ciudad, en la parte alta de lo que a finales del siglo XIX era la villa de Gràcia.

Conserva edificios antiguos, algunas joyas del modernismo como las llamadas “casas Ramos”, que atestiguan que en un tiempo remoto la plaza estuvo integrada en el paisaje y vivida por sus habitantes. Pero el desarrollismo de mediados del siglo XX, y la necesidad de dar una arteria al tráfico de la parte alta de la ciudad, partió la zona en dos, creando una suerte de frontera entre la Barcelona central y la periférica.

Esta situación, largamente denunciada por los vecinos, se solucionó con un plan de remodelación que se inicia con el siglo XXI y culmina en 2005 con una nueva propuesta más integradora, que reordena el tráfico y deja el centro de la plaza para usos ciudadanos. Es entonces cuando nace la biblioteca Jaume Fuster –que se comienza construir en 2003 y se termina en noviembre de 2005–, ganadora del premio Liber 2025 a la mejor iniciativa de fomento de la lectura, otorgado por la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE).

Esta federación reconoce, en el comunicado en el que anuncia el premio, su “compromiso constante con el fomento de la lectura como forma de evitar la exclusión social”, además de destacar que “funciona como un auténtico polo de actividad cultural”. De hecho, la Jaume Fuster –que debe su nombre al autor del clásico De mica en mica s'omple la pica– se ha consolidado como la biblioteca más visitada de la Red de Bibliotecas de Barcelona, además de ser la primera en contar con instalaciones como un auditorio o una sala de exposiciones.

Un espacio diseñado por los vecinos

La entrega del premio se realizará el próximo 9 de octubre, en un acto que se celebrará en el Centro Cultural Conde Duque en el marco de las actividades de la Feria Internacional del Libro, Liber, que tendrá lugar en el recinto madrileño de IFEMA, del 7 al 9 de octubre. “Con él se premia no solo el fomento de la lectura, sino también un cambio de paradigma en la conformación y la función de las bibliotecas”, asegura la directora de la Jaume Fuster, Carme Galve, que lo ha sido desde su nacimiento hace veinte años.

Galve explica que la biblioteca nació aprovechando el impulso innovador en materia de edificios públicos, a la vez que escuchando las sugerencias vecinales a través de una consulta sobre cómo debería ser el equipamiento cultural ideal. Fruto de las consultas se aprobó el proyecto de los arquitectos Antoni Llinàs y Joan Vera, que terminó ganando el premio FAD 2006.

La Jaume Fuster se ha consolidado como la biblioteca más visitada de la Red de Bibliotecas de Barcelona, además de ser la primera en contar con un auditorio y una sala de exposiciones

El resultado fue un edificio funcional y acogedor, donde prima el aprovechamiento de los espacios, tanto para acoger las 105.000 piezas de material cultural que atesora la biblioteca –libros, cedés, deuvedés, videojuegos, cómics, revistas– como para crear zonas donde se pueda leer, trabajar o estudiar, siempre con acceso a la luz natural –de día– y con vistas al entorno urbano.

Distribuida en tres plantas, combina el cristal y el metal para crear un espacio interior diáfano y agradable, forrado de madera y que posee una cafetería adyacente, una galería de exposiciones –actualmente con una dedicada a la escritora Ana María Matute– y un auditorio con capacidad para 250 personas. En la planta baja cuenta también con una amplia sala dedicada a cuentos infantiles en la que niñas y niños, junto con sus progenitores, pueden acceder a números títulos.

Cultura gratuita para cinco barrios

La situación de la plaza, y de la biblioteca por ende, es tan compleja como estratégica, pues actúa de bisagra de dos distritos muy diferentes económicamente. Por un lado, el rico Sarrià-Sant Gervasi y, por el otro, el de Gràcia, que acoge barrios tanto de clase media como obrera. En total son cinco barrios para los que la Jaume Fuster actúa de biblioteca principal, si bien en cada barrio hay otras bibliotecas de menor capacidad.

Carles es del barrio de la Salut y está prejubilado. Está leyendo junto a un ventanal en uno de los bancos del tercer piso. Cuenta que acude a diario a tomar libros prestados e incluso leerlos en las salas “porque la luz es muy buena”. Define a la Jaume Fuster como su “gimnasio intelectual”. “Por la mañana voy a la piscina a ejercitar el cuerpo y luego aquí para trabajar el cerebro”, asegura. “Desayuno en la cafetería y me meto a leer”, agrega para apostillar: “Desde que descubrí la biblioteca no he vuelto a pagar por consumir cultura: ni libros ni música ni películas”. El carnet de biblioteca pública es gratuito en Barcelona.

En el otro extremo de la sala se encuentra, en una solitaria mesa, Arancha. Está trabajando con el portátil abierto mientras escucha música por los auriculares. Es una joven coruñesa que habla un catalán impecable, sin acento. Cuenta que llegó hace diez años a Barcelona para estudiar un máster en comunicación corporativa y, tras terminar, encontró trabajo en Lleida, donde reside actualmente. Está de paso por Barcelona y aprovecha la tranquilidad de la biblioteca para cerrar tareas.

“Cuando estudiaba vivía cerca y venía mucho, pero no para estudiar sino para tomar libros prestados”, relata. Cuenta que aunque estaba satisfecha con la oferta de títulos, encontraba “al principio que había muchos en catalán”, traducciones de las novelas que ella buscaba en castellano“. ”Como acababa de llegar, suponía un problema para mí, pero descubrí que puedes hacer peticiones y a través de la red de bibliotecas y te consiguen los libros que pides“, agrega. ”Al final opté por leer en catalán y me ayudó mucho a aprender el idioma“, puntualiza finalmente entre risas.

Desde que descubrí la Jaume Fuster, no he vuelto a pagar por consumir cultura: ni libros, ni música ni películas

Carles

En la segunda planta, en una zona de pupitres se encuentra Pep, de mediana edad, que explica que la biblioteca es su zona de tranquilidad. “Aunque a media mañana se pone hasta los topes de estudiantes, me escapo de casa para poder venir aquí a leer y estudiar mis cosas a primera hora, porque hay mucha tranquilidad”, dice y muestra en el ordenador un libro de texto de navegación. “Me estoy sacando el título de patrón de yate, me examino en dos semanas y en casa, ahora con mis hijos sin ir a la universidad, es imposible estudiar”, explica y concluye: “Menos mal que tengo la biblioteca a mano”.

Formar ciudadanos y oxigenar el tejido urbano

Carme Galve, el motor de la Jaume Fuster desde su creación, se muestra muy satisfecha con el premio, si bien prefiere centrarse en los retos de futuro, tanto estructurales como funcionales. Entre los estructurales incluye especialmente la adaptación al cambio climático. “El edificio tiene una gran superficie de techo, además de mucho cristal, y debe prepararse para un escenario en el que puedes tener lluvias torrenciales tanto como olas de calor”, explica. “Los aires acondicionados que tenemos son de hace 20 años, cuando las temperaturas no eran tan pronunciadas”, agrega.

Las bibliotecas deben tener la misión de convertir a los consumidores de cultura en ciudadanos críticos, capaces de pensar por sí mismos y detectar la desinformación en los contenidos a los que acceden

Carme Galve, directora de la biblioteca Jaume Fuster

En cuanto a funcionalidad, Galve lo tiene claro: “Las bibliotecas deben tener la misión de convertir a los consumidores de cultura en ciudadanos críticos, capaces de pensar por sí mismos y detectar la desinformación en los contenidos a los que acceden”. Hace especial hincapié en los nuevos contenidos digitales a los que dan acceso, que asegura que se seleccionan cuidadosamente para que respeten la inclusividad, la igualdad y la tolerancia.

“Actualmente tenemos en el área de informática un taller para adolescentes destinado a la detección de fake news y la información crítica”, revela. En la misma línea, asegura que el equipo selector de contenidos para adquisición de la biblioteca atiende a los parámetros inclusivos en la selección de material infantil, y pone como ejemplo en este sentido la Biblioteca Pública de Nueva York, “que resiste las embestidas censoras del gobierno de Trump”.

Pero Galve va más allá y reclama para su biblioteca el papel de eje vertebrador del barrio, en su caso de cinco barrios: “La Jaume Fuster es el pulmón cultural de unos barrios alejados del centro, donde están las instituciones culturales, por lo que no debe limitarse solo a ofrecer cultura; también queremos que sea un centro de debate cultural y vecinal”.

Una casa para BCNegra

Explica que su equipo está buscando la manera de realizar remodelaciones interiores del espacio para albergar zonas de debate y encuentro de minorías. “Hemos pensado en cubículos insonorizados”, avanza, y explica sobre su ideal de casa lectora: “Filosóficamente nos alineamos con el concepto canadiense de biblioteca, que las considera un tercer espacio en el que la comunidad se reúne bajo normas tácitas y con un concepto igualador”.

Por el momento, la biblioteca tiene el honor de acoger las exposiciones que cada año se realizan por el festival de novela negra BCNegra. Además, en su auditorio, se realiza la ceremonia inaugural del certamen; “desde su creación”, puntualiza Galve. No en vano, Jaume Fuster fue uno de los pioneros de la novela negra en catalán. A este respecto, el escritor Carlos Zanón, director de BCNegra, explica a elDiario.es que, además del por el nombre, decidieron “que fuera así por el excelente equipo de la biblioteca” con el que siempre han trabajado “muy a gusto”. “Es un espacio maravilloso”, remacha Zanón.