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THE SHAPE OF WATER

The shape of water es, además de una maravillosa reinterpretación del clásico de la Universal dirigido por Jack Arnold, Creature from the Black Lagoon (1954), un cuento de hadas contemporáneo en donde los verdaderos e indiscutibles monstruos son los seres humanos que la protagonizan y no la desgraciada criatura sobre la que pivota buena parte de la narración.

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Mientras la veía, recordé la primera vez que tuve la oportunidad de hablar con Guillermo del Toro, director, guionista -junto con Vanessa Taylor- y productor de la película, quien me dijo que, para él, los verdaderos monstruos eran los seres humanos que pululaban por el planeta y no todos aquellos personajes que habían sido creados por los escritores, guionistas y dibujantes, a lo largo de los siglos para asustarnos.

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NIGHT VISIONS MAXIMUM HALLOWEEN 3017

De ahí que la pasada edición del festival de cine de género Night Visions Maximum Halloween 3017 empezó no solicitando mi acreditación de prensa para, a reglón seguido, ir a ver tal o cual película, sino sentado en los sillones del hotel Katajanokka, un magnífico ejemplo de cómo se puede transformar un antiguo penal en un lugar donde desarrollar tu labor profesional de la mejor manera posible. Además, el escenario en cuestión resultaba de lo más apropiado para conocer a uno de esos directores con los que uno ha crecido dentro de una sala de cine, por mucho que algunos escribidores cinematográficos se arrepientan, ahora, de haber pasado dichos momentos viendo “aquellas películas tan… (escojan un adjetivo calificativo bien sonado y despectivo y añádanlo al final de la frase).

El director en cuestión responde a nombre de Mark L. Lester (Cleveland, Ohio. 1946) y su carrera profesional, tanto en el ámbito de la dirección como en el de la producción y la escritura de guiones, se ha prolongado a lo largo de más de cuatro décadas y, en la actualidad, continúa trabajando en dos proyectos que se estrenarán en el año 2019, Kwa-Heri para la televisión y The Ultimate Game para la gran pantalla.

Durante todas estas décadas, su trabajo se ha caracterizado por no seguir las corrientes que marcaban los tiempos, salvo en contadas ocasiones -tal y como fue el caso de uno de sus mayores éxitos de taquilla, Commando (Twentieth Century Fox 1985) protagonizada por Arnold Schwarzenegger, en el momento álgido de las películas en las que un solo hombre desafiaba a todo un batallón de malosos y lograba salir victorioso. Aun así, cuando lo hizo, como en el ejemplo anteriormente citado, o títulos tales como Roller Boogie (Compass International Pictures 1979) rodada en plena eclosión de la fiebre por el patinaje en las soleadas playas de California, el director se las ingenió para dotar a su realización del pulso necesario para que el espectador no se llegara a sentir defraudado con lo que estaba viendo.  

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STAR WARS: EPISODIO VIII. UNA CUESTIÓN DE FE.

Ya ha dicho, escrito, teorizado y deconstruido que George Lucas no inventó nada, sino que refundió toda una amalgama de elementos para soportar el entramado argumental de su primera película Star Wars (1977), luego conocida como el Episodio IV. Sin embargo, lo que sí aportó el guionista, productor y creador californiano fue una mitología adaptada a su tiempo, en un instante en el que no existía nada parecido. Además, su virtud no sólo fue devolver a los grandes clásicos de la ciencia ficción y la fantasía al tablero de juego cinematográfico -tras décadas en las que la distopía y el miedo a la guerra nuclear lo habían copado todo- sino hacerlo con una pátina de modernidad que sorprendió a propios y extraños.

Al hacerlo, dotó a toda una generación de niños y jóvenes, mayoritariamente, etiquetados como “raros” (el término Freaks vino después, aunque la obra maestra de Tod Browning se estrenara en 1932, cuarenta y cinco años antes del estreno de Star Wars) de unos referentes y de toda una mitología que, hoy en día, continúa vigente en las mentes de quienes no han permitido que el tiempo y una sociedad cada vez más asilvestrada e ignorante les aparte de aquellos referentes que han marcado su vida. En el caso de nuestro país, La Guerra de las Galaxias permitió que quienes no nos habíamos convertido en unos “tarados repite-alineaciones” tuviéramos un tema del que hablar, sin necesidad de ser arrinconados por una mayoría que ha demostrado, sobradamente, lo embrutecida que estaba entonces y que lo sigue estando ahora, cuatro décadas después.

Es más, la película de George Lucas nos enseñó conceptos como la lealtad, el compromiso, la esperanza y la fe. No una fe tintada de un sentimentalismo religioso del tres al cuarto, sino fe en las personas, en la verdad y en el bien común, conceptos que suelen ser devorados por el papanatismo, el fanatismo y la radicalización de quienes gustan de devorar a los más débiles con tal de salirse con la suya. George Lucas, incluso, nos hizo temblar con la presencia de un sociópata como lo es Darth Vader, quintaesencia de la demencia más absoluta y descarnada. Su nieto, Ben Solo, es tan sólo un reflejo de la maldad de señor oscuro, aunque sus modos y manera, tampoco se quedan atrás cuando se trata de infligir daño por el mero placer de hacerlo.

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30TH HELSINKI INTERNATIONAL FILM FESTIVAL -RAKKAUTTA & ANARKIAA. 14.24.9.2017

El festival Rakkautta & Anarkiaa quiere ofrecer al público aquellas películas que no son fáciles de ver en las pantallas de los cines. Nos gusta mostrar aquellas películas que tocan temas que muestren la diversidad de las personas y cómo son los países en los que viven. Quizás ésa sea la principal motivación de quienes trabajamos en el festival; mostrar cómo viven, piensan y sienten personas de cualquier parte del mundo y cómo, en realidad, no somos tan distintos, independientemente de donde hayamos nacido o el idioma en el que hablemos.

Las palabras con las que empieza este artículo fueron pronunciadas por Pekka Lanerva, director del festival internacional de Helsinki - Rakkautta & Anarkiaa- ( Amor y Anarquía, en lengua castellana) durante la conversación que mantuvimos una vez finalizada la trigésima edición del encuentro cinematográfico finlandés, edición que supuso, en mi caso particular, el décimo aniversario como periodista acreditado en dicho evento.  En el caso del director del festival, su trabajo en Rakkautta & Anarkiaa empezó casi al mismo momento en el que un embrionario proyecto cultural nació veinte y ocho años atrás y, tal y como me comentó, lo que arrancó como una propuesta sencilla y casi diríamos que modesta se ha convertido en uno de los festivales cinematográficos más importantes del panorama europeo, además de una inmejorable plataforma para la promoción del cine que se produce en Finlandia y en buena parte del mundo nórdico.

No obstante, y lo digo con la perspectiva que da toda una década, Rakkautta & Anarkiaa no se ha convertido, con el paso de los años, en un festival impersonal, en donde solamente se busca cerrar negocios de distribución cinematográfica, mientras que los actores y directores atienden ruedas de prensa y entrevistas como si estuvieran trabajando en las antiguas líneas de producción en cadena montadas dentro de las factorías automovilísticas de Henry Ford.

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ENTREVISTA A RAMÓN GONZÁLEZ TRUJILLO Y DANIEL FUMERO (CODIRECTORES DEL FESTIVAL ISLA CALAVERA)

¿Cómo se les ocurrió hacer un festival de cine de género en las Islas Canarias?

RTG. (Ramón Trujillo González) Era una iniciativa muy codiciada desde hacía años por los que, ahora, conformamos esta organización. Quienes amamos el cine y lo vivimos como nuestro principal hobby siempre hemos visto con ojos golosos cómo en otros lugares de nuestro país se realizaban estos eventos. En ellos se habla de cine, se ven películas inéditas, traen invitados, se viven unos días intensos y compartidos rodeados de lo que más nos gusta, el cine. Por tanto, no ha sido una ocurrencia puntual o espontánea, ha sido un deseo y un anhelo que se ha cocinado a fuego lento y ahora es el momento de sacar el pastel del horno.  

DF.  (Daniel Fumero) Era la pieza que faltaba en el puzle de festivales de Canarias. Después de muchos años de viajar fuera de las islas para vivir las sensaciones propias de un evento de género fantástico, nuestra idea ha sido la de “acercar” a los espectadores todo aquello que nos apasiona. La unión de la iniciativa Charlas de Cine y TumbaAbierta.com fue natural, como un imán, así como la incorporación de Multicines Tenerife que ha sido esencial para completar la infraestructura necesaria.

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BLADE RUNNER

Hace treinta y cinco años los pocos que asistimos al estreno de la película Blade Runner vimos el futuro de la humanidad o, por lo menos, vimos uno de aquellos posibles futuros a los que la civilización pudiera llegar a enfrentarse, dos décadas antes de la llegada del nuevo milenio.

En aquel escenario, el mundo se había convertido en un terreno baldío, desolado e incapaz de soportar la presión demográfica impuesta por el ser humano, un escenario en el que solamente se quedaban aquéllos que no eran aptos para emigrar hasta las colonias del mundo exterior. Hoy en día, en nuestro planeta, también hay muchos lugares tan baldíos e inservibles como los que se describen en el universo cinematográfico de Blade Runner, tanto en la película original de 1982 como en la que se acaba de estrenar este mismo año, pero los habitantes de nuestro planeta no pueden marcharse hasta las colonias situadas más allá de nuestro sistema solar.

En esta realidad, la nuestra, los habitantes del planeta Tierra son como J.F. Sebastian (William Sanderson), seres que soportan todo tipo de atropellos, penurias, agravios y sinsentidos, mientras las desigualdades aumentan de manera exponencial, tanto como el alto de los edificios retratados por Ridley Scott. El único consuelo que les queda a las legiones de desheredados que recorren los campos de refugiados dispersados por el globo terráqueo es mirar al cielo y dejar atrás su miserable existencia, por lo menos, mientras la contaminación no se empeñe en evitarlo, o por causa de una lluvia constante y plomiza que lo encharque todo aún más, a imagen y semejanza de lo que sucede en ambas películas.

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EPISODIO VIII

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Faltan, exactamente, dos meses y dos días para que el Episodio VIII -por lo menos, en los países nórdicos- llegue a las pantallas y ya han aparecido, en menos de 24 horas, toda una legión de comentarios, interpretaciones, “estudios” y conclusiones más o menos afortunadas. Por lo menos, no he leído ninguna comparación utilizando un símil que recurre a quien se gana la vida usando los triles, ni nada por el estilo, para explicar las técnicas de ventas de Lucasfilms. A estas alturas de la película, cuarenta años después del estreno del Episodio IV, bastantes estupideces se han dicho ya sobre el universo creado por George Lucas como un contrapeso emocional -al no poder llevar a la gran pantalla al personaje creado por Alex Raymond- como para seguir aumentando la lista de barbaridades.

No obstante, resulta curioso que las inquisitivas miradas de quienes se consideran a sí mismos como seguidores de la saga continúen fijándose en las mismas cosas. En este caso, me refiero a un personaje que aparece tan sólo unos segundos y que, salvo por su chillona voz, se asemeja mucho a un Hoojibs… ¿No saben lo que es un Hoojibs? Pues será cuestión de que consulten la serie clásica, gráfica, publicada por Marvel Comics, a partir del número 55 (enero 1982) y entenderán la razón de mi argumento. El resto de los comentarios van por otros derroteros, pero cuando aparece una criatura, llámese Ewok o llámese como se llame, el brazo censor del imperio galáctico se deja sentir en toda la galaxia. Otra cosa son los sociópatas, esos sí que molan…

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LA MUECA COMO SEÑA DE IDENTIDAD

Y lo curioso del caso es que la sacrosanta revista francesa terminó por asumir la genialidad del cómico estadounidense. Es más, su trabajo propició que las dos cabeceras de la crítica especializada francesa por excelencia, Positif y la ya mencionada Cahiers du Cinéma -siempre enemistadas de manera intestina por defender postulados bien distintos en cuanto al séptimo arte se refiere- se pusieran de acuerdo y alabaran el trabajo del actor estadounidense. Solamente por esto, Jerry Lewis se merecería figurar en el panteón de los dioses del Olimpo, al lograr una gesta igualable a los trabajos del poderoso Heracles, más si se tiene en cuenta los ya mencionados postulados que defendían quienes trabajan en ambas publicaciones. 

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Jerry Lewis, cámara en mano. 

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EN RECUERDO DE GEORGE A. ROMERO

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George A. Romero supo llevar el mito del zombie más clásico, aquel que tan bien trató Jacques Tourneur en I walked with a zombie (RKO Radio Pictures 1943), a la realidad de su época y lo trasladó -actualizado y sin el aura romántica de la película del director francés- al momento histórico en el que América estaba en guerra consigo misma.

Night of the living dead se estrenó sin armar mucho ruido en 1968, y sentó las bases sobre las que luego se articularán todas las propuestas protagonizadas, en mayor o menor medida, por los muertos vivientes, incluyendo, la serie de televisión The Walking Dead o World War Z, del escritor Max Brooks. A partir de entonces, lo importante no serán solamente las vísceras o la sangre, sino el ambiente en el que se desarrollarán cada una de las entregas que llegó a rodar -seis en total, y a lo largo de tres décadas- y de ahí, la validez de sus propuestas.

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WONDER WOMAN EN MAYUSCULAS

Este cambio de ubicación temporal no se debe interpretar como un capricho de Allan Heinberg y Zack Snyder, sino que responde a la necesidad de situar al personaje en un momento histórico donde la mujer seguía subyugada a las represivas normas masculinas. La mujer podía ser secretaria y profesora, pero debiendo soportar unas exigencias que, según la educación y la formación de Diana de Temiscira, sonaban más a esclavitud que otra cosa. Y es, precisamente, este carácter individualista, contestario y reivindicativo el que definió al personaje creado por William Moulton Marston, su mujer, Elizabeth Holloway Marston, y la amante de ambos, Olive Byrne, además del dibujante Harry G. Peter.

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Wonder Woman apareció por primera vez en All Star Comics #8 (octubre de 1941) y tres meses después ocupaba la portada y las aventuras narradas en la colección Sensation Comics. El personaje mezcla sus raíces clásicas, el mundo de las amazonas, y un momento histórico marcado por la entrada de los Estados Unidos de América en la Segunda Guerra Mundial, en el cual las mujeres reivindicaban de una forma cada vez más contundente su papel en la sociedad. Fruto del conflicto las mujeres pudieron acceder a puestos de trabajo hasta entonces vetados y, aunque las cosas, en teoría, volvieron a su cauce normal tras el final de la guerra, el “daño” ya estaba hecho. Por todo ello, el personaje de Marston llegó a ser considerado nocivo para las inocente mentes juveniles de la época, siendo un máximo exponente los panfletarios escritos del “psiquiatra” Fredric Wertham.

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