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TOY STORY 4

No es extraño, por lo tanto, que cuando se toca el tema de los juguetes se suela derivar la conversación hacia temas económicos y/o directamente especulativos, dejando a un lado el valor que un determinado juguete pudo tener para una persona que, en la mayoría de los casos, acabó perdiéndolo por ese afán del que hacen gala muchos progenitores, empeñados en obligar a sus hijos a crecer sin tan siquiera hablar con ellos antes.

Es cierto que luego el cálculo probabilístico nos enseña que no todo lo que se propone sobre dicho tema es igual de insensato y frívolo, tal y como lo demuestran las cuatro entregas de la saga Toy Story.

Toy Story 4CC

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SAULO TORÓN MACARIO, EL ÚLTIMO AVENTURERO DEL CINE, DESPUÉS DE DOUGLAS FAIRBANKS.

En realidad, lo que a él le ocurrió es lo que le sucede a cualquiera que demuestra unas cualidades fuera de lo común y que, encima, se empeña en compartirlas. Sin ir más lejos, yo soy uno de aquellos alumnos a los que enseñó a amar, en mayúsculas, y a entender el cine tanto en su versión comercial, como en su versión artística. Y lo hizo desde el principio, mostrándome todos y cada uno de los eslabones de una cadena que es mucho más larga y compleja que lo que piensa la mayoría de los que trabajan en este negocio en la actualidad.

Voy a ser muy claro en lo siguiente y si mi condeno en lo más profundo del infierno, contento estaré: salvo que me demuestren lo contrario, quienes ahora mismo llevan la parte comercial del séptimo arte en nuestro país han estado opositando, y con méritos, para cargarse un negocio que décadas atrás era muy válido. Y quienes se dedican a “escribir” sobre los estrenos, también dejan claro, menos gloriosas excepciones, que no tienen ni idea de cómo funciona el negocio en cuestión. Me da igual que exhiban su cargo, título, apellido o heráldica, porque la mayoría de ellos no estaban cuando yo empecé a trabajar en esto y los que sí estaban, ahora se creen en poder de la verdad absoluta cuando los años te enseñan que esas majaderías solo existen en las “pelis”, en las malas.

La persona a la que está dedicada esta columna me enseñó a disfrutar estando dentro de una sala de cine, no pasarme el tiempo buscando defectos, inconvenientes o vaya usted a saber qué sinsentido. Habrá quien diga que lo que hizo conmigo fue acabar con mi sentido crítico, cosa que no es cierta, sino todo lo contrario. Lo único que hizo es ayudar a alguien con mucha ilusión, además de treinta años menos, y darle las herramientas que, a la vista está, muchos de mis “colegas” no han tenido o no han querido utilizar.

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EN RECUERDO DE ETIENNE DE NAVARRE

Con una lucidez y claridad difícil de ver en una pantalla de cine -en parte, gracias al propio actor que reescribió el borrador inicial que figuraba en el guion- estas palabras desnudan toda la hipocresía de una sociedad, la nuestra, que castiga y persigue todo aquello que ya no le sirve, por mucho que Roy Batty sea solamente una máquina creada para servir a los seres humanos y con fecha de caducidad.

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Roy Batty (Rutger Hauer) en la película Blade Runner © 1982 Blade Runner Partnership (Jerry Perenchio and Bud Yorkin), The Ladd Company, Sir Run Run Shaw (Shaw Brothers) & Warner Communications Company

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APOLLO 11. PRIMEROS PASOS

Quizás mi problema venga por formación y por haber crecido mirando al cielo, ya fuera hacia la Luna, por culpa de Julio Verne, o hacia Marte, también por culpa de un escritor, Edgar Rice Burroughs. En el caso del escritor francés fueron sus obras De la Tierra a la Luna (De la Terre à la Lune Trajet direct en 97 heures. 1865) y Alrededor de la Luna (Autour de la Lune. 1869) las que marcaron buena parte de mi infancia y juventud, en un primer momento en formato gráfico -merced a la colección “Joyas literarias juveniles”- y, luego, por medio de las diversas ediciones que fueron cayendo en mis manos. Gracias a las palabras escritas por quien me abrió las puertas a la ciencia ficción, sin importar el formato, aprendí los rudimentos de los viajes espaciales y me aficioné a mirar hacia el cielo como esa última frontera que, aun hoy en día, permanece cerrada para la raza humana.  

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De la terre à la lune Trajet direct en 97 heures. Ilustración de Henri de Montaut (1830-1900)

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VARIETY Y STAR WARS

Tras tres décadas en el mercado, sus responsables decidieron expandirse y, el seis de septiembre del año 1933, se creó una nueva cabecera llamada Daily Variety, con sede en la costa oeste (Los Ángeles), pensada para cubrir, también, todas aquellas noticias relacionadas con el mundo del séptimo arte que, por aquel entonces, se producía en la meca del cine, un territorio también conocido como Hollywood. 1

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Variety © Copyright 2019 Variety Media, LLC, a subsidiary of Penske Business Media, LLC. Variety and the Flying V logos are trademarks of Variety Media, LLC.

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AVENGERS: ENDGAME. EL FINAL DE UN CAMINO

Y esto mismo se puede aplicar a nuestro maltratado mundo y a cualquiera de los que se esconden más allá de las estrellas que iluminan la espina dorsal de la noche. Ni siquiera seres tan megalómanos, sádicos y desmedidos como Thanos, el titán, escapan a todo lo anteriormente dicho.  Su soberbia contrasta con la lucidez de quienes, en solitario o formando parte del grupo de héroes más poderosos de la Tierra, llevan tiempo asumiendo que sus peripecias vitales vienen con fecha de caducidad.

Quizás sea ésa la mayor virtud de la película Avengers: Endgame; es decir, mostrarnos el paso del tiempo y sus secuelas, tanto físicas como mentales. Poco queda de la euforia original tras las batallas, la sinrazón y las pérdidas sufridas en cada uno de los episodios previos. La guerra, por muy justificada que esté, cambia a las personas que la libran y, después, ya nada es como antes.

De ahí que ninguno de los personajes sea ajeno a dichos cambios y, a la menor oportunidad que se les presenta, buscan solucionar aquello que quedó pendiente, por muy rocambolesco y trasnochado que esto pueda llegar a sonar. En esto, la película se asemeja a los antiguos Giant Size publicados por Marvel Comics décadas atrás, en donde se solían atar muchos de los cabos sueltos que habían quedado pendientes en las series regulares publicadas por la Casa de las Ideas. Es innegable que disponer de tres horas de metraje ayuda a lograrlo, sobre todo porque hay tiempo de sobra para detenerse en esos pequeños detalles que los guionistas gustaban de recopilar en los anteriormente citados números especiales.

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US

Imaginen ahora, que bajo el mundo que conocemos, hay otro, mucho más frío, desigual y desprovisto de todo rayo de esperanza, a excepción de las más mínimas reglas de supervivencia. Ese mundo es una copia deformada de nosotros mismos, tal y como le sucedía a Max Estrella, el poeta ciego y venido a menos quien descubre en los espejos de la calle Álvarez Gato -también conocida como el “callejón del gato”- una nueva forma de mirar la realidad, cóncava y convexa, según el espejo en el que uno se mirara.

Ignoro si la fuente de inspiración para US (Jordan Peele, 2019) le llegó al director, productor y guionista afroamericano tras leer Luces de Bohemia, de Ramón María del Valle-Inclán (1920-1924), pero es innegable que la distorsión de la realidad que empapan las casi dos horas de metraje tiene mucho del legado del escritor español y de su forma de ver una realidad que, en el caso de los protagonistas de la película, se torna en pesadilla.

Lo peor de todo, no obstante, como sucede con aquellas películas protagonizadas por unos seres que aparecen sin que se sepa muy bien de dónde han salido -o las bandadas de pájaros que, un día, deciden atacar a los seres humanos sin previo aviso y atisbo de justificación (The Birds, 1963)- es que no queda claro quién es la mente que se esconde tras la creación de aquellas réplicas malignas, deformes y sedientas de sangre. Sólo se conocen retazos contados por Red (Lupita Nyong'o), la “gemela” maligna de Adelaide Wilson, personaje y elemento aglutinador de toda la trama.

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DUMBO

En realidad, la mayoría de los actores que forman parte de la película de Dumbo podrían haber sido compañeros de vicisitudes en un circo de finales del siglo XIX, incluyendo a la siempre intrigante Eva Green, puesto que Danny DeVito y Michael Keaton han demostrado a lo largo de su carrera su incorruptible alma de “saltimbanquis” circenses, tan del gusto de Tim Burton.

Por todo ello, no es de extrañar que Disney se acordara de aquel extraño jovencito al que le enseñó la puerta de salida, décadas atrás, para hacerse cargo de la adaptación en imagen real del clásico de animación Dumbo, estrenado en 1941.

La película original, dirigida por Samuel Armstrong, Norman Ferguson, Wilfred Jackson, Jack Kinney, Bill Roberts, Ben Sharpsteen y John Elliotte, estaba basada en el relato del matrimonio formado por Helen Aberson y Harold Pearl -con ilustraciones de Helen Durney. Este pequeño relato se desarrolló para el prototipo de lo que se conoció como Roll-A-Book, un sistema que combinaba texto e imágenes en movimiento dentro de un mecanismo manual que permitía el paso de una suerte de carrete que avanzaba al mover un rodillo, colocado en uno de los extremos de dicho artilugio. Así, partiendo de dicho relato, Joe Grant y Dick Huemer escribieron el guion, bajo la atenta mirada de Otto Englander, de una de las películas más atípicas de la factoría Disney clásica.

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LA BELLEZA DE LA LAGUNA NEGRA

La mayor virtud del director, partiendo del guión de Harry Essex y Arthur Ross, fue construir una revisión del clásico La Belle et la Bête, de Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, y dotarlo de una sensualidad que sorprende que fuera tolerada en los convulsos años cincuenta del pasado siglo XX. Cierto es que la película forma parte de lo que aún hoy se le considera cine de Serie B, de ahí que las películas de terror de la Universal International Pictures poco pudieran hacer frente a la maquinaria desplegada por los grandes estudios que, en aquellos momentos, copaban los circuitos de distribución.

Creature from the black lagoon 0A

La criatura de la laguna negra (Ben Chapman) y Kay Lawrence (Julie Adams)

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GREEN BOOK

El libro con la portada de color verde "The Negro Travelers' Green Book" (vigente entre 1936 y 1966) al que hace referencia el título de la película era otra de esas abominaciones que se estilaban en los estados del sur de los Estados Unidos de América, cuya única finalidad era segregar a una persona por el color de su piel, ni más ni menos. En aquellos estados -defensores de las esencias constitucionales de un país que, entonces, se proclamaba el paladín de la libertad- los lugares de pernoctación se regían por un código que segregaba a sus ocupantes, sin importarles quienes fueran esas personas. Poco importaba que quienes llegaban hasta esos estados, caso del protagonista de la película -Donald Shirley (Mahershala Ali) un doctor en sociología, reputado pianista y compositor, amén de una persona culta y exquisita en sus maneras- no hubieran nacido en ninguno de aquellos parajes. Su piel oscura y el nauseabundo sentimiento de superioridad de los caucásicos para con los afroamericanos eran más que suficientes para justificar una barbaridad como aquélla.

Lo peor del caso es que una sociedad orquestada de semejante manera terminaba por afectar el juicio y la visión que el resto de las personas tenían de la misma justificación empírica sobre la que se apoyaba el racismo, estuvieran de acuerdo con él o no, tal y como le sucede al otro protagonista de la película Tony "Lip" Vallelonga (Viggo Mortensen) un italoamericano que tiene comportamientos ciertamente racistas, aunque, en realidad, no lo sea. Al director le basta con rodar una secuencia en la que aparecen dos ciudadanos afroamericanos y dos vasos para que el espectador entienda que los prejuicios que rodeaban aquella sociedad, vivieras donde vivieras y fueras de donde fueras, terminaban por afectar a cualquier ciudadano de los Estados Unidos de América.

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