La historia de los Goya la conforman las grandes vencedoras como Mar adentro, que permanece en la memoria de todos por ser la más premiada de la historia con 14 premios; pero también las grandes derrotadas. Átame siempre será recordada por haber logrado 15 nominaciones y no conseguir materializar ninguna; o El artista y la modelo, que con 13 candidaturas se quedó con el marcador a cero. Sin ir más lejos, Madres paralelas el año pasado no logró ningún cabezón de sus ocho candidaturas, y eso que el filme de Almodóvar había logrado el premio a la Mejor actriz en Venecia, la nominación al Oscar para Penélope Cruz y muchas menciones internacionales.

El caso de Madres paralelas se parece bastante a lo ocurrido este año con Alcarràs, la película de Carla Simón que tras ganar el Oso de Oro en Berlín —el primero logrado por una mujer en la historia del cine español y el primer triunfo desde 1983— se fue de vacío la noche del pasado domingo al no lograr ninguna de sus once nominaciones. Una sorpresa que reconoció hasta Rodrigo Sorogoyen, el gran vencedor de la noche que con As bestas conseguía nueve Goyas. Nunca se sabrá el resultado de unas votaciones secretas y sometidas a control notarial, pero sí se pueden analizar las claves que dejaban entrever esa derrota desde los meses anteriores.

Las pistas de las nominaciones

Las nominaciones apuntaban a un duelo entre ambos filmes, pero ya dejaban claro que As bestas era la favorita de los académicos. Para los Goya, cada película debe presentar primero sus candidaturas. As bestas presentó 17. Materializó 16 en forma de nominaciones. Logró que hasta la actriz francesa Marie Colomb estuviera en el quinteto finalista a Mejor actriz de reparto por encima de otras interpretaciones destacables de este año de cine español como la de Emma Suárez en La consagración de la primavera o la de Adelfa Calvo en En los márgenes. Sin embargo, Alcarràs se dejaba por el camino siete de sus 18 candidaturas para lograr once nominaciones. 

Cómo se eligen a los nominados y ganadores

Para entender este resultado hay que comprender cómo se elige tanto a los ganadores como a los nominados de cada edición de los premios Goya. La Academia de Cine instauró un sistema mixto de votación para que los elegidos fueran un resultado del gusto de la mayor parte de los académicos y la opinión más profesional de los gremios. Este año —primero con cinco nominadas en cada categoría—, de las cinco finalistas, tres son elegidas por “el conjunto de todos los/as académicos/as y las otras dos las eligen los/as miembros de la propia especialidad”. Esto hace que en las nominaciones en los apartados técnicos haya sorpresas agradables como las de La piedad o Irati. El método mixto también provoca que cuando una película gusta mucho al grueso de la Academia, ese que elige tres opciones, se cuele en todas las categorías dando lugar a casos raros, como cuando el año pasado El buen patrón fue finalista en la categoría de Mejores efectos especiales.

Los ganadores, sin embargo, los eligen todos los académicos, y ahí radica la gran diferencia. Se elige a la favorita de cada categoría, lo que lleva a un efecto arrastre que provoque que casi siempre un filme consiga un gran número de Goyas incluso en categorías donde los especialistas quizás hubieran elegido otra. ¿Sabe un maquillador, un actor o un diseñador de arte valorar quién tiene la mejor Dirección de producción o simplemente ha votado a la que más le ha gustado? Esa es la eterna duda de un sistema que también se usa en otras academias. Esto puede explicar la victoria de As bestas en apartados donde quizás los gremios hubiera tenido otras apuestas.

La composición de la academia 

Otra de las cosas que ha llamado la atención esta edición es que en ‘el año de las mujeres’, con cinco directoras nominadas (dos en dirección y tres en dirección novel), el premio ha sido para Rodrigo Sorogoyen en vez de para Carla Simón. El de dirección novel fue, por sexto año consecutivo, para una mujer, esta vez para Alauda Ruiz de Azúa por Cinco lobitos. Solo una vez en la historia de la Academia los dos premios de dirección han sido para dos mujeres (Icíar Bollaín y Ángeles González Sinde en 2004). No ocurrió el de la pandemia, cuando Pilar Palomero ganó el novel por Las niñas, pero la favorita, Icíar Bollaín, candidata por La boda de Rosa, perdía frente a Salvador Calvo por una propuesta más académica y popular como Adú.

En 2023 parecía que el doblete podía ocurrir, pero volvió a no pasar. Pareciera que el voto para una mujer se limita a la categoría de los debutantes, mientras que sigue costando que una mujer gane el premio en la ‘de los mayores’. En 37 ediciones solo tres mujeres lo han logrado: Pilar Miró, Icíar Bollaín e Isabel Coixet. Para explicar esto basta con mirar a la composición, por género, de la academia, donde la paridad está lejos. Según los datos de la Asociación de Mujeres Cineastas (CIMA), de 1.948 miembros que había en 2021, solo 581 eran mujeres frente a 1.367 hombres. Una academia más paritaria llevaría a otros resultados, como se ha visto en los festivales de cine, donde la incorporación de la paridad en los comités de selección y, sobre todo, en los jurados, ha hecho que se multipliquen las victorias de directoras.

Otro dato importante es cuántos académicos hay en cada comunidad autónoma. Más de la mitad (1.205) están inscritos en Madrid. Eso no quiere decir que sean todos madrileños, sino que están inscritos en la capital, donde está la sede. Sin embargo, en Catalunya solo hay 257 miembros, muchos menos. Es la segunda autonomía con más miembros, pero estos datos sí que indican que la presencia de un cuerpo de votantes catalán que podría haber votado por Alcarràs es mucho menor.

Pero… ¿por qué la mandamos a los Oscar?

Muchos creían que al haber sido la elegida para los Oscar, Alcarràs era la favorita de los académicos. Solo hay que mirar la lista de películas elegidas para ver que no es cierto. La propia Carla Simón fue elegida para ir por Verano, 1993, pero luego perdió el Goya. La trinchera infinita, Julieta, Loreak, 15 años y un día… todas ellas pasaron por lo mismo. De hecho, la presencia de As bestas en la terna finalista ya indicaba que algo se cocía. 

La elección de la terna finalista se hace en septiembre, fecha en la que la mayor parte de películas que optan al premio no se han estrenado, y por tanto la mayor parte de los académicos no las han visto. Dos de las tres elegidas entre las finalistas este año se habían estrenado con gran éxito de público y crítica: Alcarràs y Cinco lobitos. Sin embargo, As bestas se coló sin haberse visto todavía en San Sebastián y estando lejos su estreno, solo con los pases de los académicos y aquellos que la vieran desde la plataforma que utilizan los académicos para hacer visionados online de películas candidatas. 

Además, el criterio para elegir la película no siempre es ‘la que más gusta’, sino la que tiene más opciones. Alcarràs venía con un sello importante, el Oso de Oro, que de cara al votante internacional es una seña de calidad. Además, tenía distribución asegurada en EEUU, ya que Mubi la había comprado, mientras que As bestas no tenía distribución allí. Todo ello decantaba la balanza a su favor. Este año ha pasado lo mismo en Francia, que han elegido a Saint-Omer, de Alice Diop, para ir a Hollywood, y sin embargo no ha logrado la nominación a los Cesar (los Goya franceses) en las categorías de Mejor película ni dirección.

El 'timing' perfecto

La carrera por los premios es una carrera de fondo. Hay que llegar con mucha energía al final, y por eso casi todas las películas que quieren optar a ellos se estrenan en el último trimestre. Tanto en EEUU, como aquí. Es raro ver que un filme estrenado en la primera mitad de año gane el Goya. El buen patrón, Las niñas, La librería, Tarde para la ira, Truman, La isla mínima… Desde 2010 solo dos películas que hayan ganado el Goya más importante se estrenaron antes. Fueron Campeones (la película más taquillera de aquel año) y Dolor y gloria, que mantuvo la fecha que más le gusta a Pedro Almodóvar para estrenar sus filmes, marzo.

Alcarràs se estrenó el 29 de abril de 2022 y ha llegado a la carrera sin aire. Se habla del filme desde hace un año, cuando ganó el Oso de Oro en la Berlinale. Es una película que en la cabeza de los académicos es cosa del pasado. As bestas es el presente. Se estrenó el 11 de noviembre, sigue en salas, es un fenómeno en taquilla, donde suma más de 4 millones de euros (un éxito en estos tiempos y más para una película en la que parte del metraje es con subtítulos y no se ha doblado), y la tienen fresca en su cabeza. 

El timing de la película de Sorogoyen (y su campaña promocional) ha sido perfecto y han conseguido mantener el filme presente en todo momento. Además, los eventos internacionales favorecían a As bestas y perjudicaban a Alcarràs. Mientras que la ganadora del Goya lograba reconocimientos en Francia por doquier (nominación al César y premio Lumière de la crítica incluido); Alcarràs recibía el duro golpe de no pasar la shortlist de los Oscar. Si hubiera logrado el pase y hubiera estado viva la llama de una posible nominación en Hollywood quizás se hubiera podido equilibrar una balanza que cada vez se inclinaba más del lado de Sorogoyen.

El peso de los actores

A los académicos les gustan las películas con ‘actores profesionales’. Este es otro factor que puede haber ido en contra de Alcarràs. En toda la historia de los Goya nunca ha ganado una película cuyo reparto se encuentre repleto de lo que se suele llamar ‘actores no profesionales’. El proceso de casting de Carla Simón, basado en encontrar a la persona más adecuada para el personaje, alejándose de rostros conocidos, no suele gustar en los premios académicos. Además, los actores son el sector más numeroso entre los miembros. Más de 400 de los casi 2.000 académicos.

Vencedora en premios… y en público

El mejor termómetro para un premio está en los premios anteriores, y As bestas ganó en todos y cada uno de ellos. Fue la mejor película para los Forqué (elegidos por los productores), los Feroz (elegidos por los periodistas, aunque aquí Alcarràs ganó Mejor dirección), y los premios del Círculo de Escritores Cinematográficos. No ha habido un solo premio que haya dejado por el camino. 

Además, la Academia suele coincidir bastante con el gusto popular, y ahí también gana As bestas. Si uno mira Filmaffinitty, donde los amantes del cine votan con una nota del 1 al 10 los estrenos, Alcarràs se ha quedado en un 6,9 con 10.647 votos mientras que As bestas tiene un 7,8 con 18.324. Es, de hecho, la mejor película del año pasado para los usuarios.

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A la tercera va la vencida. Y si no, que se lo digan a Joaquín Sabina. El artista se hizo por fin el pasado sábado con su primer Goya a Mejor canción original —tras tres nominaciones— por Sintiéndolo mucho, el tema compuesto junto a Leiva para el documental homónimo dirigido por Fernando León de Aranoa. Un galardón que, sin embargo, no recibió en mano hasta un día después. El músico, que acaba de cumplir 74 años, no asistió a la gala, y fue el propio Leiva quien le llevó el cabezón a su salón menos de 24 horas después. Intención que ya había anunciado sobre el escenario del Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES de Sevilla en el que se celebró la ceremonia.

El cantante, que ya suma dos Goya tras el que obtuvo en 2018 por La llamada, tema que creó para la ópera prima de Javier Ambrossi y Javier Calvo del mismo nombre; cumplió así su promesa en una emotiva escena que León de Aranoa compartió en sus redes sociales. “Flaco, aquí tienes tu regalito de cumpleaños, con todo el amor del mundo”, pronunció Leiva al darle el premio.

“Esto es para mí una cosa muy preciada y valiosa”, reaccionó Sabina, que sumó como aliciente de satisfacción el hecho de que lo hubieran obtenido juntos. “Nuestra última historia en común merecía que nos dieran un Goya a los dos”, aseguró reconociendo que, pese a que el tema tenía “mucho que ver” con León de Aranoa por tratarse de su película, el madrileño había sido su “motor”. “Me dijiste que creías que lo que estaba haciendo Fernando merecía una canción”, recordó.

“Desde entonces, todas las que hemos hecho, que ya son unas pocas porque estamos haciendo un disco, tiene mucho que ver con tu motor que hemos desarrollado. Así que esto es para mí un objeto sagrado”, declaró antes de darle un beso al cabezón.

Sentado a apenas unos centímetros de él, Leiva reivindicó que era un reconocimiento en el que el León de Aranoa había tenido “mucha culpa”. El director, por su parte, bromeó: “Que sepas que te has pasado del minuto que daban para dar el discurso en los Goya. Es la ventaja de hacerlo en casa”. “Estoy muy contento”, culminó Sabina.

El citado documental fue grabado durante 13 años, y tuvo su puesta de largo en el pasado Festival de San Sebastián. El director acompañó al artista en momentos vitales durante década y media, incluyendo la composición de un disco y sus giras por Latinoamérica.

La actuación que prendió la mecha

No es el primer cumpleaños de Sabina marcado por los Premios Goya. En 2022, celebró su 73º durante una gala en la que compartió escenario con Leiva. Juntos interpretaron Tan joven y tan viejo. Un número que tuvo lugar, como así recordó el madrileño en su discurso de agradecimiento, dos años después de la caída de Sabina en pleno concierto en febrero de 2020. Aquel golpe le provocó un derrame cerebral que precisó de operación.

“En ese momento me parecía bonito animarle a tocar juntos para que recuperara un poco de confianza y se sintiera músico otra vez”, rememoró Leiva, “esa actuación fue crucial para su su vuelta a su carrera, así que es bien bonito para mí recibir este premio, aquí”.

“En unas horas es su cumpleaños y le quiero decir: te quiero mucho Flaco, este es un regalo cojonudo que te llevo a casa”, concluyó el ex cantante de Pereza. Músico que, por su parte, aprovechó para dedicarle unas palabras al director del documental: “Quería compartir este premio con mi amigo Fernando León, que te quiero y admiro mucho”.

La fusión entre Leiva y Sabina supuso la tercera nominación cosechada por el segundo. La primera la recibió en 2022, por el tema Seremos diferentes que formó parte de la banda sonora de la película de Torrente 2: Misión en Marbella. Tres años más tarde repitió candidatura con La rubia de la cuarta fila, que creó para el largometraje de Chema de la Peña Isi/Disi. Amor a lo bestia, en 2005.

Con Sintiéndolo mucho se alzó por fin con el ansiado cabezón, imponiéndose a las propuestas de María Rozalén y Eduardo Cruz por En los márgenes; Aránzazu Calleja, Maite Arroitajauregi 'Mursego' y Paul Urkijo Alijo por Izena duena bada del filme Irati; Paloma Peñarrubia Ruiz y Vanesa Benítez por Un paraíso en el sur de La vida chipen; y a Joseba Beristain por Batalla de Unicorn Wars.

Días antes de empezar su gira mundial

El galardón llegó días antes de empezar su próxima gira, Contra todo pronóstico, que arrancará el próximo 25 de febrero en San José de Costa Rica; y que llegará a España el 20 de abril. El tour supondrá su vuelta a los escenarios tres años después de la aparatosa y citada caída que sufrió en plena actuación en Madrid de 2020. Bogotá (Colombia), Lima (Perú), Santiago (Chile), Buenos Aires y Córdoba y Rosario (Argentina) y Montevideo (Uruguay) serán las ciudades que visite en Latinoamérica antes de regresar a España, con primera parada en Las Palmas de Gran Canaria, cuyas entradas están agotadas.

Posteriormente viajará a Santa Cruz de Tenerife, Málaga, Alicante, Madrid, A Coruña, Palma de Mallorca, Valencia, Bilbao, Murcia, Torrelavega, Sevilla, Granada, Pamplona, Barcelona y Zaragoza. En octubre volverá a cruzar el Atlántico para actuar en Puerto Rico, México y Estados Unidos y; alcanzado diciembre, retornará para culminar la gira en Madrid los días 18 y 20 de diciembre.

En el tour no estará su habitual colaborador y guitarrista Pancho Varona, que el pasado mes de noviembre hizo público a través de su cuenta de Twitter que el músico iba a prescindir de él. “Ha decidido, contra todo pronóstico, no contar conmigo”, publicó jugando mordaz con el título de la gira. “Le quiero agradecer de todo corazón las 100 canciones que compusimos juntos, las 40 giras en las que le acompañé y los 15 discos en los que fui su productor”, añadió haciendo recuento.

Los Goya de este año tenían una misión complicadísima, estar a la altura de ese gran año del cine español del que tanto se ha hablado. Se nos ha llenado la boca con la frase. Hemos hablado de la presencia de nuestras películas en festivales internacionales, de la llegada de las nuevas directoras, de la diversidad, de la variedad de géneros… de tantas y tantas cosas que mostraban una foto amplia y hermosa de nuestra industria. Al ver el palmarés de los Goya, parece que de esa foto solo se hubiera tenido en cuenta un primer plano. Solo un rostro de tantos y tantos que había para elegir.

Sería injusto poner pegas al premio a la Mejor película a As bestas. Un filme que ha conectado con el público de una forma brutal, que ha sido un éxito en Francia, que estuvo en Cannes y que es la mejor película de sus creadores (Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña). Un thriller con aire de western que además afronta temas que están en el caldo de cultivo de una nueva generación de directores que ha irrumpido como un ciclón en nuestro cine. As bestas es una estupenda ganadora. Igual que lo hubieran sido todas y cada una de las cinco nominadas. El nivel de este año era tan alto que uno debía ir convencido de que fuera quien fuera la que se llevara el premio gordo habría que aplaudir.

El problema es la imagen que ofrece ese palmarés. Que en este año, donde ha habido tantas buenas películas, todos los Goya hayan ido a parar a dos de ellas da una imagen distorsionada, reduccionista e injusta. Pareciera que solo ha habido dos títulos buenos, As bestas y Modelo 77, cuando ha habido muchos, alguno de ellos hasta se había quedado fuera de las nominaciones. Un palmarés donde un filme arrasa con nueve nominaciones y otro con cinco no lanza el mensaje de que el cine español es amplio y diverso, sino todo lo contrario. Parece que, de nuevo, el cine que se hace más en los márgenes no cuenta para una Academia que vota más con el corazón que con la cabeza. O que lo hace por inercia votando a su favorita en todas y cada una de las categorías.

El propio Rodrigo Sorogoyen contaba en una entrevista el pasado Festival de Venecia, donde fue jurado de la Sección Oficial -lo que muestra el respeto y la proyección internacional que tiene-, que al elegir la película ganadora del León de Oro se estaba planteando qué había que valorar. Qué mensaje se lanzaba con el palmarés elegido. Y quizás eso es lo que deberían hacer los votantes de todos los premios que se dan en España (también los Feroz o los Forqué). Sentarse con calma, analizar cada categoría y pensar qué queremos decir de nuestro cine y de nuestro año. 

Un año como este pedía a gritos un palmarés repartido. El titular sería menos llamativo. Sería hasta buenista. Todos como amigos. Pero hubiera sido bonito que en esta ocasión no se optara por la misma tendencia de aupar a un título en detrimento de los demás. Hay que ser claros, y el propio Sorogoyen lo fue cuando atendió a la prensa al acabar la gala cuando dijo que era injusto que Alcarràs se hubiera ido de vacío. Que un Oso de Oro de la Berlinale no logre ni un Goya de sus 11 nominaciones debería hacer reflexionar a todos. ¿Cómo es posible que nadie haya pensado que era el año para dividir película y dirección? Ni un reconocimiento al trabajo de montaje, ingente, de una película coral llena de personajes que entran y salen. Carla Simón debería haber salido de la gala con un Goya en sus manos. 

Lo de Alcarràs es el ejemplo más llamativo, pero hay más. El premio a Denis Ménochet (tremendo en As bestas), por encima del de Nacho Sánchez vuelve a subrayar los mismos problemas. Una interpretación tan al límite, tan kamikaze y arriesgada como la de Sánchez merecía el premio. También porque era la forma de reconocer a Mantícora, que también se fue de vacío. Se fue de vacío La maternal, y Cinco Lobitos se llevó lo que nadie podía quitarle, porque si Laia Costa hubiera perdido ya nadie entendería nada. Menos mal que ese otro cine quedó representado con ese Goya al Mejor guion adaptado a Isaki Lacuesta, Isa Campo y Fran Araújo por Un año, una noche. El cine de Isaki Lacuesta siempre es uno de los olvidados, y por supuesto ha tenido que ser su filme más convencional el que les de su primer Goya. Ellos mismos decían en la alfombra roja que quizás era hora de que los galardones del cine español cambiaran el nombre y pasaran a llamarse Buñuel-Saura para reconocer el cine moderno y arriesgado.

Que en el año de las mujeres directoras su presencia en el palmarés volviera a verse reducida a la categoría de Mejor dirección novel es preocupante. Seis años consecutivos, pero en la categoría grande siguen triunfando ellos, los hombres. Solo tres directoras lo han ganado: Pilar Miró, Icíar Bollaín e Isabel Coixet. Sorogoyen ya tenía un Goya a la Mejor dirección. Carla Simón y Pilar Palomero no. Pero, de nuevo, la gente no se paró para pensar antes de marcar la casilla en su papeleta. Cuidado, porque Dirección novel no puede convertirse en una categoría cuota, un regalo al feminismo y a las directoras. No puede ser una categoría de lavado de cara. Esas mujeres deben seguir dirigiendo, y esa igualdad, por la que ojalá un día no tengamos que preguntar, no será real si las mujeres siguen sin tener un espacio real. Un cambio que también pasa por cambiar y rejuvenecer la masa de votantes de los Goya. Los propios festivales lo han demostrado, cuando hay paridad en los jurados y en los comités las cosas cambian. Y aquí ya toca.

Con la resaca emocional de haber ganado nueve Goyas en el gran año del cine español, el equipo de As Bestas atendió a la prensa. Un último esfuerzo para hablar de la película que les ha dado tanto. Eran las dos de la mañana, y Denis Ménochet lo dejó claro cuando entró. “Es muy tarde para que estéis trabajando, yo quiero beber algo”, dijo el francés abrazando su premio, una de las sorpresas de la noche y la confirmación de que el fenómeno As Bestas arrasó con todo. Tanto que dejó a la que parecía su rival a cero. Alcarràs llegaba a la gala con once nominaciones y se fue de vacío, un vacío que hasta el propio Sorogoyen declaró como inmerecido.

Nueve premios que en un año como este supieron agridulces. Por un lado emociona destacar en una cosecha tan buena, por otra pensar en que es demasiado botín viendo el nivel alrededor. “La pregunta es la propia respuesta”, reconocía el director, que contó que también lo pensaron cuando vieron el éxito de las nominaciones: “Tenerlas en este año… qué honor, pero también hay muchas películas buenas que no han tenido ese éxito. Solo unas pocas”.

As Bestas es su mejor película, y a su Goya como Mejor director por El reino suma ahora otro como guionista junto a su inseparable Isabel Peña y el de Mejor película que faltaba en su vitrina. Sorogoyen crece con cada obra, y en este thriller rural de cocción lenta vuelve a demostrar su capacidad de construir tensión. Lo que también ha demostrado en esta gala Sorogoyen es una humildad que ha mostrado en cada discurso, desde los Forqué a los Goya pasando por los Feroz, siempre acordándose del resto de nominadas y nominados.

Esta vez no fue menos, y dejó claro que aunque tenían buenas sensaciones el palmarés había “superado todas sus expectativas”. “Dirección pensé que no me lo llevaba y actor pensé que ganaría Nacho Sánchez”, decía con la honestidad que le caracteriza. “Pensé que ganaba Carla Simón. Esto es una prueba más de que los premios en general son injustos Es injusto que Alcarràs no se llevara ningún premio. También lo he dicho antes, tampoco le demos tanta importancia a los premios. Alcarràs es un peliculón Le ha gustado a mucha gente, ha ganado el Oso de Oro y esta vez nos ha tocado así”, zanjaba.

El éxito de As Bestas no está solo en los Goya. Ya lleva más de cuatro millones de euros en taquilla, una cifra heroica en un año como este, y más para una película que tomó una decisión que va contracorriente de las modas comerciales, estrenarse en versión original con subtítulos en vez de doblarse. “A lo mejor se estrena doblada y no hay Goya para Denis Ménochet”, decía Sorogoyen con su cabezón a los pies y junto a su actor, que no soltaba el suyo. “Esto es una prueba más de que hay que apoyar el cine en versión original, porque creo que se pierde una gran esencia de la película si la doblas, entonces estamos muy agradecidos a A contracorriente, la distribuidora que se atrevió cuando no debería ser un atrevimiento. Pero, evidentemente, en este mundo no aceptamos ese atrevimiento, se tomó ese riesgo y ha salido muy bien”.

Por mucho que analicen lo que ha pasado con su filme, no aciertan a dar con la clave. “Hay algunas películas que conectan y otras no”, aseguraba Sorogoyen, que cree que otro año el mismo título podría haber pasado desapercibido: “Estoy seguro que esta película puede estrenarse en otro momento, en otro año incluso, y no funciona tan bien en cines. Han sido una serie de circunstancias, unas azarosas, otras con riesgo, pero que han salido muy bien. Todo, todo el camino de As Bestas desde Cannes a cines ha ido genial, hemos tenido mucha suerte este año”.

Estoy seguro que esta película puede estrenarse en otro momento, en otro año incluso, y no funcionar tan bien en cines

Rodrigo Sorogoyen — Director de 'As Bestas'

Ménochet cogió el testigo para contar cómo en Francia también había sido un éxito de público. “Se estrenó en verano, antes que aquí, y tuvo el mismo resultado. La gente se identificó muchísimo con la película y fueron a ver una película extranjera y había cola delante de los cines. Todavía estábamos con medidas por la pandemia, pero la gente se apropió de la película, como cuando uno es adolescente y habla de algo y hace que todo el grupo se entere, eso es lo que pasó”, dijo el francés, que a pesar de sus ganas de tomarse algo aguantó y dijo con humor que se iba a ir a vivir con Sorogoyen. “Yo lo que hago es ayudar a contar historias y hablar de lo que hago. Y con las historias no hay lengua, no hay idioma. España es tan genial que me voy a quedar aquí con los españoles y las españolas”, concluyó.

Se cumplen, además, diez años del tándem creativo entre Sorogoyen e Isa Peña, una efeméride que la guionista aprovechó para hacer balance: “Solo lo reflexionas cuando alguien te lo pregunta, porque no piensas en eso cuando te levantas de la cama, pero si lo pienso ahora, con la perspectiva, creo que hemos tenido una suerte tremenda de encontrarnos los unos a los otros por el camino y creo que hemos sabido aprovechar esos momentos de suerte, y creo que también hemos trabajado mucho. Ese seria el resumen”. Un resumen que culmina, además, con nueve Goyas.

Daba igual las películas. Si ganaba As bestas o Alcarrás. La gala de los Goya, incluso, había quedado en un segundo plano. Se había ido el maestro. El director que inspiró a tantos. A toda una generación de nuevas voces que estaba nominada y que siempre han señalado a Carlos Saura como ese director que marcó, con un cine incómodo, críptico y moderno, toda una cinematografía. La muerte del autor, un día antes de recoger su Goya de Honor fue un golpe duro para toda la industria, y en la Alfombra Roja solo se habló de él. Había en el ambiente una sensación de honrarle, de decir alto y claro que junto a Buñuel y Almodóvar es el gran director español de nuestra historia.

“Harían falta mil galas para honrar tu legado”, dijo Antonio de la Torre para abrir una gala —tras un errado número musical— que estaba marcada por su ausencia y que afrontó de forma frontal aquella muerte. Entregó el Goya de Honor, de forma póstuma, al comienzo de la ceremonia, con Carmen Maura recordando las anécdotas del rodaje de ¡Ay, Carmela!, la película por la que Saura ganó el Goya al Mejor director y a la Mejor película. La intérprete no pudo contener las lágrimas al recordar cuánto le había marcado como actriz, antes de presentar a Eulalia Ramón, pareja de Saura, y a Anna y Antonio, sus hijos. Los tres recogieron un premio que el director ya había recibido antes de fallecer en su casa. La platea se puso en pie en un momento de esos que sobrecogen. En los que cualquier cosa que se diga no estaría a la altura. Ramón alzó el Goya al cielo en una ovación como quizás nunca se había oído en unos Goya.

“Estamos aquí, como él quiso, en representación de todos los hermanos. Nuestro padre se fue trabajando hasta el último minuto. Enseñándonos que hay que vivir apasionadamente, que la imaginación no tiene límites y que la cultura es lo más importante que tenemos, que hay que potenciarla, que no entiende de ideología, que es nuestro legado y nuestro futuro. Creo que es un ejemplo de vida para todos nosotros”, dijo Anna Saura antes de que Eulalia Ramón leyera las palabras que había dictado Carlos a su pareja y que agradeció a Elsa, su cuidadora, y a los médicos del hotel y de paliativos del centro médico de Villalba. 

“Muchísimas gracias por cómo le habéis cuidado y cómo nos habéis cuidado a nosotros para que todo fuera triste y bonito. La sanidad pública se merece que la cuiden como el personal médico nos ha cuidado a nosotros. A quien corresponda, que lo haga por favor. Le prometí a Carlos que le saludaría allá donde esté”, dijo Ramón antes de, ya sí, leer la carta de Saura. “Me considero una persona afortunada, gracias a los que habéis colaborado conmigo en ese trabajo maravilloso, hacer una película, en especial a mis actrices y actores favoritos. Estaré feliz si el cine que he hecho ha sumado algo de inspiración a la maravillosa generación de hoy. Me veo como una estrella errante en la inmensidad del cosmos. Muchas gracias y una pena no estar saboreándolo con vosotras y vosotros”, leyó antes del emocionante vídeo que resumía una carrera inabarcable, única y que culminó, como no podía ser de otra forma, con una versión de Por qué te vas, el himno de Cría Cuervos que versionó Natalia Lafourcade. En el monólogo inicial hubo dardo para Feijóo (no hay que confundir los Goya con los Oscar) y para Pedro Sánchez (con una mención a ese “chuletón imbatible”). Ambos estuvieron presentes en una ceremonia llena de políticos y ministros (con las dos Montero, Irene y María Jesús; el Ministro de Cultura, Miquel Iceta, y la vicepresidenta Yolanda Díaz).

Pero al final, había que entregar los premios y la carrera apuntaba a un duelo entre As bestas y Alcarràs que pronto se decantó del lado del filme de Sorogoyen. El primer premio de la noche, el de Actor de reparto, fue para el favorito, Luis Zahera, por su terrorífico pero humano hermano Anta en el thriller del director. “Siempre quise rodar un western y matar un francés”, dijo con sorna. El galardón predijo una noche mágica para el largometraje, que terminó triunfando con nueve galardones, entre ellos los más importantes: mejor película, dirección, guion original, actor principal (Denis Ménochet), actor de reparto (Luis Zahera), sonido, fotografía, montaje y música original. Eduardo Villanueva, productor del filme, dejó un recado con su discurso como productor del filme y dijo que la mejor forma de patriotismo es amar nuestra cultura.

La consecuencia del arrase de As bestas dejó a Alcarràs con el marcador a cero. Resultado injusto para una película que ganó un histórico Oso de Oro en la Berlinale pero que no ha sido reconocido por la Academia. En el año de las mujeres, los Goya no remataron la jugada. Pilar Miró, Iciar Bollaín e Isabel Coixet siguen siendo las únicas mujeres que han ganado el premio a la mejor dirección en 37 ediciones.

Donde sí siguieron dominando fue en la categoría de mejor dirección novel, donde Alauda Ruiz de Azúa se convirtió en la sexta mujer consecutiva que lo logra. Lo hizo por ese fenómeno llamado Cinco lobitos, un filme sobre la maternidad y los cuidados que también vio como sus dos actrices se llevaban el premio. Laia Costa, como mejor actriz protagonista y Susi Sánchez como actriz de reparto. Un duelo interpretativo que se merece estos dos galardones. La segunda pidió que la presencia de mujeres nominadas no sea una excepción. “Si la sociedad es un desastre, está en nuestras manos intentar arreglarla. Hasta ahora se nos han abierto muy poquitas puertas, básicamente la de la cocina y la del dormitorio. Espero que, vosotros compañeros, os deis cuenta de que tenemos muchas cosas que ofrecer, y que queremos estar codo con codo con vosotros”, dijo.

En número de Goyas Modelo 77 quedó segunda gracias a sus cinco cabezones, aunque todo fueron técnicos: mejor vestuario, mejores efectos especiales, dirección de producción, maquillaje y peluquería y mejor dirección de arte. El resto de películas se quedaron con la pedrea. Cerdita logró el premio a la Mejor actriz revelación para Laura Galán, que emocionó con un discurso contra el bullying, tema que aborda el filme de Carlota Pereda. Isaki Lacuesta, Isa Peña y Fran Araujo lograron el premio al mejor guion adaptado por Un año, una noche. Lacuesta se acordó de Joaquim Jorda al recogerlo. Ya en la alfombra roja, pidió “unos premios más modernos donde los nominados no sean tan académicos”. Una mención a la que se unió Juan Antonio Bayona antes de dar el premio de dirección, acordándose de la ausencia de Albert Serra.

Uno de los grandes momentos de la noche llegó con el premio al Mejor actor revelación para Telmo Irureta. Su discurso, en el que defendió el “derecho a la sexualidad de las personas con discapacidad”, terminó con una frase que arrancó los aplausos: “Nosotros también existimos y nosotros también follamos”. Es, además, el reconocimiento merecido para una de las grandes películas de este año que se quedaron fuera de las nominaciones importantes, La consagración de la primavera. También emocionó Fernando Esteso, que al entregar el premio al Mejor corto documental se acordó no solo de Saura, sino también de Agustí Villaronga. “Me reuniré con ellos más pronto que tarde”, dijo.

La Academia premió por fin a Sabina, que en su tercera nominación se llevó el goya a la Mejor canción original. Eso sí, no fue a recogerlo. En su lugar estuvieron Fernando León de Aranoa, director del documental por el que ganó, y Leiva, con el que han escrito la canción y que recordó que era el cumpleaños del cantante: “Flaco, te llevo un regalo cojonudo”. Sintiéndolo mucho perdería después el premio que parecía que tenía su nombre, el de mejor documental, que fue para Labordeta, un hombre sin más, en una de las pocas sorpresas de la noche.

Merecido fue el galardón de Unicorn Wars como Mejor largometraje de animación, que terminó con el reinado de Tadeo Jones, que por primera vez perdió el Goya con su tercera película. Argentina, 1985 venció como película iberoamericana y La peor persona del mundo como filme europeo. Los cortos fueron de los más reivindicativos. Todos los nominados lucieron su chapa reivindicando ese 1% de los ingresos que RTVE destina al cine para ellos y los ganadores también lo hicieron. Loop venció en la categoría de animación; Arquitectura emocional 1959 en la categoría de ficción y Maldita, a love song to sarajevo en la de documental.

El cine español celebra la gala de sus premios más importantes del año.

“Gracias a David, mi personaje, porque es un guiño al derecho a la sexualidad de las personas con discapacidad. Nosotros también existimos y nosotros también follamos”. Con estas importantes palabras ha recogido este sábado el Goya a Mejor actor revelación Telmo Irureta, intérprete de La consagración de la primavera. “Brindemos por un cine más inclusivo y con cuotas de todo tipo”, ha pedido en su discurso.

Irureta se ha referido también a Fernando Franco, director del largometraje por el que ha sido galardonado. “Eres maravilloso. Muchísimas gracias por esta oportunidad. Me encanta haberte conocido y ser parte de tu peli”, ha compartido. Las siguientes en ser nombradas han sido sus compañeras de reparto Valeria Sorolla y Emma Suárez. “Sois muy buenas y lo hacéis muy bien. Trabajar con vosotras ha sido una experiencia maravillosa”, ha afirmado.

El actor ha recibido el 'cabezón' en manos de su tía, la también intérprete Elena Irureta (Patria), con quien ha protagonizado un emocionante abrazo. “Muchas gracias a todos los que me han votado”, ha pronunciado nada más subir al escenario, “estoy muy contento, algo bloqueado”.

La consagración de la primavera se presentó en el pasado Festival de San Sebastián, en el que formó parte de su sección oficial. El director de La herida aborda en la película la sexualidad en las personas con diversidad funcional. El punto de partida del largometraje es la llegada de una joven a Madrid para estudiar en la universidad, donde conoce por casualidad a un chico con parálisis cerebral. Posteriormente se ofrece a actuar de terapeuta sexual en una historia de autodescubrimiento por parte de ambos.

Irureta se ha alzado con el único galardón para la película, por la que también estaba nominada Valeria Sorolla a Mejor actriz revelación; premio que se ha llevado Laura Galán por su trabajo en Cerdita. As bestas, por su parte, ha sido la gran triunfadora de una gala marcada por el recuerdo y homenaje al recién fallecido cineasta Carlos Saura.

La alfombra roja de los Goya suele ser un lugar de celebración, de nervios y de algarabía, pero este año nada fue como se esperaba. La muerte de Carlos Saura, Goya de Honor de este año, unas horas antes de la celebración de la gala dejaba a todo el mundo tocado. Se iba uno de los grandes maestros del cine español, autor de obras maestras como La caza, Cría cuervos o La prima Angélica. Un director que es influencia directa en la generación de directoras y directores que, precisamente, este año estaban nominados.

El Saura rural y que desgranaba lo político desde lo íntimo está en Alcarràs; su oscuridad y ambigüedad se nota en Mantícora; la mezcla de realismo y lo onírico de El agua… Todas tienen señas y detalles de Saura, y todos ellos han dedicado sus palabras al pasar por esa alfombra roja en la que normalmente responden a preguntas divertidas y hoy han tenido que enfrentarse a recordar a una parte de la historia del cine que nos deja.

“Es el abuelo de esta generación de cineastas”, ha señalado Carlos Vermut, director y guionista de Mantícora. “Para mí es el mayor referente que he tenido en el cine español. Es así de sencillo, siempre lo he dicho”, ha defendido, “es el último autor de cine psicológico de este país. Él lo decía”.

“Recuerdo que una vez me dijo que hubo un momento en su filmografía, a partir de Los golfos, en el que dejó de hacer cine social, y eso a día de hoy es un poco controvertido. Para empezar, es el cine de los espejos, lo que él se refería al cine de lo simbólico, de lo psicológico, de lo humano y lo profundo, y a mí eso me impactó muchísimo y he construido mi filmografía en base a esas palabras”.

“Estamos un poco huérfanas”, ha declarado Elena López Riera, directora de El agua, que ha reconocido que el largometraje del cineasta Elisa, vida mía fue una gran influencia en su ópera prima. Pilar Palomero, responsable de La maternal, ha asegurado: “Siento a Saura en muchas de las películas de mis compañeros y compañeras. Es muy importante que conservemos el tipo de cineasta que era, porque realmente fue libre. Hizo las películas que quiso y es un ejemplo a seguir”.

La directora ha reconocido que hay títulos suyos que forman parte de su “educación cinematográfica”. “Esto es algo que compartimos a toda una generación. Le tenemos como un gran referente del cine español”, ha reivindicado, “qué bonita esta despedida por parte de toda la industria, aquí”.

Carla Simón, nominada por Alcarràs, ha refrendado su postura: “Que muriera justo antes de recibir este Goya de Honor significa algo. Ha sido muy cósmico y de alguna manera nos da la oportunidad de estar hoy todos juntos aquí pensándolo, celebrándolo y dándole las gracias por el gran legado que nos deja y la gran inspiración que ha sido”.

“Quiero pensar que va a ser la noche en la que podamos rendir homenaje de la forma más especial, con toda la familia del cine español reunida”, ha valorado Juan Antonio Bayona. “Es una pérdida muy triste, pero estoy convencido de que va a ser precioso”, ha afirmado Rodrigo Sorogoyen , que ha definido al artista como uno de sus “cineastas favoritos”.

“El fallecimiento de Carlos Saura nos tiene que hacer ver también a los responsables públicos que tenemos que visibilizar ese cariño y ese reconocimiento no solo nacional sino internacional, a uno de los grandes cineastas de la historia”, ha valorado Pedro Sánchez antes dar comienzo la gala.

Inspiración, fascinación y homenaje

Félix Viscarret filmó en 2017 el documental Saura(s), sobre la figura del artista. Alcanzado 2022, opta junto a David Muñoz al Goya a Mejor guion adaptado por el filme No mires a los ojos. “Los que hemos tratado con él nos reíamos y disfrutábamos con su ingenio y su talento. De cerca veías veías a un Saura cálido, divertido, activo y tan lleno de vida hasta el último minuto. Seremos muchos los que tengamos en el corazón”, ha compartido.

Isabel Coixet le ha recordado con humor: “La última vez que le vi fue en un restaurante en Santander. Comimos y pidió dos tocinillos de cuelo que no compartió con nadie. Yo quiero ser así. Tenía una sorna... Era un tipo estupendo. ¿Dónde hay que firmar para tener la vida que tuvo él?”. Fernando León de Aranoa, por su parte, ha afirmado: “Me encanta su trabajo como artista, que hiciera fotografía, que dibujara, me encantan sus storyboards. Son una belleza. Tengo un cartel de Deprisa, deprisa en mi casa, así que creo que con eso lo digo todo”.

También ha tenido palabras para el cineasta Antonio de la Torre, presentador de la gala junto a Clara Lago: “Tengo dos recuerdos suyos. El primero de ellos, que me dijo que era buen actor, y que te lo diga él es bonito. El segundo, que era buena persona. Y yo creo que como artista eres igual que eres como persona”. Penélope Cruz, por su parte, ha revelado que estuvo “a punto” de trabajar con él “dos veces”.

Isaki Lacuesta e Isa Campo, artífices de Un año, una noche, han lanzado una propuesta: “Sería un buen momento para recordar que se podrían llamar Premios Buñuel Saura. Estamos a ver si cambiamos el nombre de una vez y hacemos algo un poco más contemporáneo”.

Especialmente emocionantes han sido las declaraciones de su hija Anna Saura: “Todo el rato hablaba de proyectos. Hasta hace una semana me decía: 'Tráeme la libreta, tengo que apuntar esto, por favor llama a no sé quién, tengo que decirle no sé qué…' Ha estado hasta el final. Ha tenido esa vitalidad hasta hace tres o cuatro días, así que es un ejemplo de vida para todos, con 91 apasionado por lo que hacía y feliz de trabajar en lo que le gustaba”.

Más allá del mundo del cine, han acudido a la gala figuras como Blanca Paloma, recién ganadora del Benidorm Fest y futura representante de España en Eurovisión. “Saura me fascina y me ha inspirado muchísimo”, ha revelado la cantante, “en los destellos y en las pantallas hay cierto homenaje a él porque siempre me ha inspirado. Estudie su plástica en Bellas Artes porque me parece que es ejemplar y ha dejado una huella que es histórica”.

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Luis Zahera, por As bestas

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Yolanda Piña y Félix Terrero, por Modelo77

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Esther Ballesteros y Ana Rubio, por Modelo 77

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Susi Sánchez, por Cinco lobitos

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Telmo Irureta, por La consagración de la primavera

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE

Pepe Domínguez del Olmo, por Modelo 77

MEJOR SONIDO

Aitor Berenguer, Fabiola Ordoyo y Yasmina Praderas, por As bestas

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Fernando García, por Modelo 77

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

Argentina 1985

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Manuela Ocón, por Modelo 77

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

Álex de Pablo, por As bestas

MEJOR MONTAJE

Alberto del Campo, por As bestas

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

La peor persona del mundo

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Laura Galán, por Cerdita

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

Arquitectura emocional 1959

MEJOR CORTOMETRAJE DE DOCUMENTAL

Maldita. A love song to Sarajevo

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Loop

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Alauda Ruiz de Azúa, por Cinco lobitos

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Sintiéndolo mucho, de Joaquín Sabina y Leiva

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Olivier Arson, por As bestas

MEJOR GUION ORIGINAL

Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por As bestas

MEJOR GUION ADAPTADO

Isa Campo, Fran Araújo e Isaki Lacuesta, por Un año, una noche

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Unicorn Wars

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

Labordeta, un hombre sin más

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Denis Menochet, por As bestas

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Laia Costa, por Cinco lobitos

MEJOR DIRECCIÓN

Rodrigo Sorogoyen, por As bestas

MEJOR PELÍCULA

As bestas

“Hoy me han preguntado unas 100 veces 'de quién voy a ir esta noche'. La verdad es que voy a llevar una chaqueta negra de una tienda de segunda mano (15 euros), pintada por Elena Scilinguo, con la cara de Mahsa Amini y Woman Life Freedom”. La directora Isabel Coixet ha publicado este mensaje en sus redes sociales horas antes los Premios Goya 2023, avanzando cuál iba a ser su vestuario para la velada.

“Llevo una chaqueta de segunda mano para que no se nos olvide que lo importante no es la alfombra roja, la ropa, las marcas, el 'glamour', el maquillaje, la fanfarria: lo importante es lo que hacemos, lo que se proyecta en una pantalla”, ha reivindicado la cineasta, nominada en la categoría de Mejor documental por El sostre groc (El techo amarillo).

“Lo demás... al que le guste estupendo. Y al que no, no pasa nada”, ha concluido, “no nos creemos obligaciones superfluas ni más presiones de las que hay. Relajémonos un poquito. O mucho”.

Ya en la alfombra roja de la ceremonia celebrada en Sevilla este sábado, Coixet ha sido tajante en su postura: “Hay un momento en la vida de una persona en el que dices, ¿qué tengo que hacer? ¿Contratar a una estilista?”. “Hay gente que disfruta con el tuneo. Yo nunca lo he disfrutado. Ni cuando tenía 18 ni ahora”, ha reconocido, “llega un punto en el que hay tanta presión... Que yo qué sé”.

Fue la cineasta quien le pidió a la ilustradora que incluyera la cara de Masha Amini, la joven iraní de 22 que murió a causa de la violencia ejercida por la Policía de la Moral tras ser detenida por llevar mal puesto el hijab el pasado mes de septiembre.

Durante la gala, la cineasta ha sido la encargada de entregar a Juliette Binoche el Goya Internacional, a quien dirigió en el largometraje Nadie quiere la noche. “Con ella he aprendido a no tenerle miedo a tener miedo. A estar alerta siempre, a abrazar la vida sin red. Es la mujer en la que están todas las mujeres. Representa un cine sin fronteras y sin algoritmos, el cine que busca la conexión de las personas sin importar de dónde vengan”, ha pronunciado sobre ella.

Participantes e invitados a la gala de los Premios Goya 2023 desfilaron por la alfombra roja de entrada al Palacio de Congresos y Exposiciones Sevilla

Siempre que me preguntan por ese momento fundacional, ese instante en el que nació mi pasión por el cine, menciono dos. El primero, un clásico infantil, se remonta a aquel niño que veía las películas de Star Wars en VHS con su hermano desde casa y que vivió como un momento emocionante poder ir con él a una sala a disfrutar del reestreno de las películas con nuevos efectos especiales. El otro, tiene que ver con el cine español. Con la afición ya asentada, ir al Blockbuster a alquilar una película con mi padre todos los fines de semana era el momento más esperado. Fue ahí donde alquilé y vi por primera vez con apenas 15 años (sería la primera de muchas), Todo sobre mi madre.

Descubrir el universo de Almodóvar transformó mi forma de ver el cine, y de alguna forma ese momento también queda vinculado a otro instante fundacional, aquel en el que se comenzó a formar mi activismo político gracias también al cine español. De alguna forma ya había comenzado de manera inconsciente. Había decidido librar mi propia batalla y me había negado a aceptar ciertos prejuicios sobre el cine español que ya revoloteaban.

Que un crío de 15 años diga en su colegio en Valladolid (concertado y de curas) que su película favorita es Todo sobre mi madre no era lo más habitual, y de alguna forma la etiqueta del ‘friki del cine’ estaba puesta. Todos los años, a principio de curso, se organizaban unas ‘convivencias’ a las afueras de la ciudad. Un año, en una actividad en la que se podía preguntar a cualquier persona de la clase lo que se quisiera, alguien me preguntó con cierto desprecio que por qué me gustaba el cine de Almodóvar. No recuerdo si en aquel momento se lanzó ese 'argumento cuñado' de que ‘solo iba de transexuales y prostitutas’, pero a mí me pareció una ofensa. Delante de la clase lancé un alegato sobre los sentimientos universales y el mundo particular del cine de Almodóvar.

Sirvió de poco. Meses después fui al cine con la chica que me gustaba. Esperando a ver la película le dije que todavía no había visto El sexto sentido. Luego nos pusimos a discutir sobre… el cine español. Ella me dijo que si seguía diciendo que el cine español era bueno me desvelaría el final de la película. Ahí me mantuve, defendiendo las bondades de nuestro cine hasta que llegó el “¡Bruce Willis está muerto!”. El final del que todos hablaban se había revelado por haberme partido la cara por el cine español.

Fueron las historias de las películas que se hacían aquí las que me abrieron los ojos a realidades a las que mi día a día de adolescente privilegiado no miraba. Achero Mañas me mostró la vida perra de un crío maltratado por su padre en El Bola; Fernando León me enseñó los barrios que yo no pisaba, y luego habló del paro poniendo nombres y apellidos a sus culpables. Icíar Bollaín me habló de violencia machista cuando nadie lo hacía, ni siquiera los periódicos. Alejandro Amenábar sacó el tema de la eutanasia y desde entonces no entendí que nadie pudiera negarse a dar una muerte digna a alguien como Ramón Sampedro.

Un verano, ese activismo cinéfilo se materializó en un calendario que decía explícitamente 'I love cine español'. Lo ilustraba un toro con un candado en la nariz y cara de enfado. Sí, todos los tópicos cañís juntos en un diseño de calidad nula pero que por primera vez expresaba mi pelea contra el mundo. Lo compré sin dudarlo y lo coloqué en el corcho de mi cuarto de adolescente como una declaración de intenciones. Un tesoro que enseñaba y que me presentaba ante todo aquel que entrara en la intimidad de mi dormitorio.

Todos esos sentimientos que flotaban sin solidificarse lo hicieron aquel 1 de febrero de 2003, cuando el cine español dedicó la gala de los Goya al No a la guerra. Como cada año, mi madre y yo compramos pizza para ver la ceremonia. Recuerdo de forma nítida el discurso de Marisa Paredes. Ver a aquella actriz, emblema de la elegancia, decir aquello de una forma tan valiente y que representaba a la gran mayoría de los españoles fue emocionante. Todos los actores, actrices, directores y técnicos aprovecharon su minuto de gloria para decir “no a la guerra”. 

Aquella gala histórica fue la gota que colmó el vaso de la inocencia para convertirla en un verdadero activismo político. No fue solo la gala en sí. Aquel 'No a la guerra' ya estaba calando en todos nosotros, pero se vio que no era un sentimiento único. Esas palabras no se habían dicho en mi clase, ni en mi colegio, y yo las escuchaba por primera vez de forma clara en prime time en una Televisión Española dominada con mano de hierro por Alfredo Urdaci. Me sentí parte de algo. No me sentí solo.

La gala fue el empujón para que la indignación que sentíamos saliera, pero recuerdo con aun más indignación los días posteriores. Los ataques que sufrió el cine español desde los medios afines al PP. Se pidió la cabeza de Marisa Paredes, se insultó de forma abierta y hasta en una portada apareció Javier Bardem ante una pregunta infame: “¿Por qué Bardem va se manifiesta contra la guerra pero no contra los atentados de ETA?”. Bardem solo fue uno de los millones de españoles que abarrotamos las calles con nuestra pegatina del 'No a la guerra' y que fueron ignorados por el Gobierno de Aznar. Un despiadado ataque frontal intentando desprestigiar a nuestro mejor actor solo por su posicionamiento político.

Han pasado 20 años, y aquel incipiente activismo ya no es incipiente y ha crecido y viajado de forma independiente al del cine español, pero en aquellos momentos nacieron juntos. Ahora, cuando regreso a Valladolid, a casa de mis padres, el cuarto donde pasé mi adolescencia está tomado por los juguetes de mi sobrina. Pero allí, en un marco del corcho sobreviven dos reliquias que guardo y me niego a tirar. Aquel calendario sobrevive junto a la pegatina que en letras rojas dice “No a la guerra” desde que la pegué la tarde del 15 de febrero de 2003 en aquella manifestación histórica.

Este sábado se desvelará la gran incógnita, qué película se llevará el Goya en el gran año del cine español. Esta vez la victoria tiene incluso más mérito al ver el increíble curso que se ha vivido. Nuestras películas han estado presentes en todos los festivales, logrando que la gente vaya a verlas y conectando con la gente como hacía tiempo que no lo lograban. Es un año de inflexión, importante, y los Goya deberían celebrar ese sentimiento. A priori no hay misterio, y a todo el que preguntes apunta al mismo duelo: As bestas y Alcarrás son las favoritas para la victoria final. La película de Sorogoyen tiene a favor, además de su calidad, el perfecto timing de su llegada, su paso arrasador por taquilla y un boca a oreja que la han convertido en un fenómeno. La de Simón tiene la sensación de ser una película importante para nuestro cine. Un Oso de Oro histórico dirigido por uno de los talentos más prometedores de nuestro cine y una nueva mirada que representa perfectamente los nuevos tiempos del cine español. En su contra, una propuesta mucho más intimista, y que aquel Oso de Oro y su estreno parecen algo de otro año. Fue en febrero de 2022, y ha llegado a la carrera desgastada.

Ojo, que nunca hay que descartar una tercera vía. En una carrera tan polarizada entre dos títulos puede ser la tercera opción la que triunfe, y esa sería, sin duda, Cinco lobitos, la película que más ha emocionado al público este año. La mirada alejada de clichés y lugares comunes a la maternidad de Alauda Ruiz de Azúa tiene muchos fans y no sería descartable una campanada ni que se llevara el premio al Mejor guion original, además de alguno que se da por descontado. Muy mal se tendría que dar la noche para Cinco lobitos para que la actriz Laia Costa no ganara su primer Goya; algo más complicado lo puede tener Susi Sánchez como actriz de reparto, una categoría en la que Ángela Cervantes por La maternal puede ser la amenaza y un premio que reconozca la obra de Pilar Palomero, también nominada como Mejor película y Mejor dirección. Mikel Bustamante como actor revelación también podría lograr el Goya en una de las categorías más reñidas de la noche. Telmo Irureta, por La consagración de la primavera, y Christan Checa, por En los márgenes, parecen sus rivales más fuertes.

El duelo entre estas tres grandes obras ha hecho que el resto haya quedado en un injusto segundo plano. Modelo 77 es una película excelente, un drama carcelario que muestra la madurez narrativa del dúo Rafa Cobos-Alberto Rodríguez y que nadie mira como lo hacen ellos debajo de la alfombra de la historia (sucia) de España. Una película impecable que se ha atrevido a cuestionar la ‘modélica Transición’ y que en otro curso sería la vencedora sin ninguna duda. Pasa lo mismo con la otra nominada a Mejor película, La maternal, donde Palomero confirma que lo de Las niñas no era una casualidad, sino puro talento para apuntar donde otros no quieren, aquí a la maternidad adolescente. Eso sin contar las que podrían estar. Un año, una noche, Mantícora, Pacifiction, Cerdita, El agua, La consagración de la primavera… Filmes que otros años habrían amasado nominaciones y que esta vez han quedado como secundarias de lujo o incluso olvidadas de lujo.

En Mejor dirección el duelo a muerte es Carla Simón versus Rodrigo Sorogoyen. ¿Vencerá un hombre en el año en el que las directoras lograron la paridad? Habrá que verlo. Palomero y Alberto Rodríguez repiten aquí y el quinto puesto se lo dejan a Carlos Vermut, sorpresa en la categoría por una película incómoda e inteligente que aborda un tema tan peliagudo como la pedofilia. Nadie como él observa las sombras del ser humano. Mantícora es su película más humana y cuenta con la mejor interpretación masculina del año, la de Nacho Sánchez, que debería ganar el Goya al Mejor actor protagonista.

Sería un reconocimiento al filme y a uno de los mejores actores de su generación. De sus rivales tres ya tienen uno o más cabezones (Luis Tosar, Miguel Herrán y Javier Gutiérrez). En los Forqué la sorpresa la dio Denis Menochet, el protagonista de As bestas. Si la película de Sorogoyen se lleva los premios de interpretación la noche estará decidida a su favor. Si Marina Foïs vence a Laia Costa será la seña definitiva de que será su noche. Poco parece que tenga que hacer Anna Castillo por Girasoles silvestres o Bárbara Lennie por el éxito de taquilla Los renglones torcidos de dios. Aquí toca parar y reivindicar una de las grandes interpretaciones de este año, la de Vicky Luengo, excelente en Suro, ópera prima de Mikel Gurrea que hubiera merecido mejor suerte en las nominaciones. La de Luengo fue una de las nominaciones más aplaudidas. Una de las actrices más potentes de una nueva generación que se deja la piel en un papel complicado y lleno de matices. 

Otro premio cantado parece el de Mejor dirección novel, donde Alauda Ruiz de Azúa tiene todo a favor para convertirse en la sexta mujer consecutiva en lograrlo. Una candidatura donde todos los nominados confirmaron el esperanzador futuro de nuestro cine. La comprometida apuesta por el mejor cine social de Juan Diego Botto en En los márgenes; el drama rural sobre una pareja burguesa en deconstrucción de Mikel Gurrera en Suro, y dos de las obras más personales y únicas del año. El agua, de Elena López Riera, es un filme tan libre y diferente que su simple existencia habría que celebrar. Lo realista y lo onírico se dan la mano en una obra que no atiende a normas y donde la ficción y el documental se funden. Cerdita, de Carlota Pereda, ha roto una barrera increíble, esa que hacía que las mujeres no dirigieran género. Pereda ha hecho un slasher que encima es un alegato contra la gordofobia y el bulllying. La muestra de que las directoras pueden hacer terror, tener presupuestos abultados y hablar de temas importantes desde el género. Apuesten por que en Hollywood tantean a la directora en poco tiempo, que seguro que aciertan.

Al adaptar su propio corto, Carlota Pereda opta al Goya al Mejor guion adaptado, y aquí podría obtener un premio importante para su película. Lo haría por encima de otra de las favoritas de esta categoría, Un año, una noche, el excelente filme sobre las secuelas del atentado terrorista de Bataclán de Isaki Lacuesta, una de las grandes olvidadas de estos Goya. Cerdita también parece la favorita para llevarse el premio a la Mejor actriz revelación por esa presencia importante en nuestro cine, una Laura Galán que es un torbellino necesario. Una categoría donde las cinco nominadas merecerían el premio: la raza y el nervio de Luna Pamiés en El agua; la sensibilidad especial de Valeria Sorolla en La consagración de la primavera; la sutilidad de Zoe Stein en un personaje tan complicado como el de Mantícora y el empoderamiento de Anna Otin en Alcarràs. Atentos todos a las categorías revelación: si Otin o sus compañeros Albert Bosch o Jordi Pujol vencen por el filme de Carla Simón –un galardón que también reconocería el increíble proceso de casting del filme realizado por la directora–, la noche prometerá emociones fuertes. 

Parece justicia poética que un año tan potente se corone con un Goya de Honor tan merecido, justo e impepinable como el que recibirá póstumamente Carlos Saura. El director, fallecido este viernes a los 91 años, es el responsable de algunas de las obras maestras más influyentes de nuestro cine como Cría cuervos, La prima Angélica o Ana y los lobos. Un cine que desafió las normas establecidas, que supuso un soplo de modernidad en una España gris que vivía los últimos coletazos del franquismo, y un cineasta que durante años estuvo olvidado hasta que la generación de los directores nominados esta noche lo reivindicaron como el maestro que realmente ha sido.

La rueda de prensa por el Goya internacional a Juliette Binoche quedó ensombrecida por la triste noticia de la muerte de Carlos Saura. El autor, que este año recibía el Goya de Honor, moría a los 91 años en su casa de Madrid, e hizo que la tarde en Sevilla se quedara gris, sin el júbilo que debía suponer el tener delante a una de las actrices más importantes del cine de las últimas décadas. Una intérprete que ha trabajado con los mejores. De Godard, a Kiarostami pasando por Kieslowski. Una de esas mujeres que solo entiende el arte desde el riesgo, y así lo explicó en su brillante encuentro con la prensa este viernes en Sevilla.

La actriz confesó que no era su primera vez en la capital andaluza, sino que una vez se plantó de forma improvisada en Nochebuena y casi se queda sin cenar. De aquella vez recuerda “los naranjos, el cielo azul y los palacios de la ciudad”. Ha calificado este premio como un honor, ya que lo recibe en un país que ama el arte. “España es un país de arte y de artistas y eso me inspira y me emociona. Veo los rostros verdaderos que pintó Goya, los cuerpos estilizados y luminosos que pintó el Greco, las obras de Gaudí, Velázquez, Lorca… Cervantes. España es una nación de arte y artistas, y eso es lo que necesitamos para evolucionar como seres humanos”, dijo en su primera intervención, donde también habló de las grandes actrices que la emocionaron de pequeña.

Binoche habló de la revolución feminista que ha vivido el mundo y el cine, y también de lo que ella soportó hace décadas, cuando la industria era mucho más masculina y menos paritaria. “Ahora todo ha cambiado, hay más mujeres directoras, pero cuando yo empecé eran más hombres y había un juego de seducción y atracción que no entiendo muy bien por qué ni cómo funcionaba. No sé cómo lo conseguí, quizás fue mi educación, que fui criada por una mujer consciente de esos peligros y que me educó sólidamente para estar preparada para detectarlos, para ser independiente y fuerte desde pequeña, pero gracias a eso he podido solucionar situaciones peligrosas. A mí me ha ocurrido. Hay directores y productores que me han querido besar o tocar y he dicho que no”, dijo de forma valiente. 

Considera que ser consciente de lo que pasaba le ayudó a “ser fuerte y salvar a la artista”. También reconoció que le encantó haberse enamorado de directores como Leos Carax o Techiné, “pero esa atracción que había con la juventud desaparece cuando una madura”. “Tienes otras necesidades. No eres la misma con 30, 40 o 50 años, y hay que aprender el no en la vida. Se hace camino al andar y hay que escucharse a una misma. Yo creo que tengo un ángel que a veces dice sí y a veces dice no, puede que sea intuición, pero creo que también se aprende mucho de los errores. Actuar siempre es descender, encontrar la luz desde la oscuridad. Yo estoy muy contenta de que haya pasado el Me Too, porque ha cambiado la vida para mejor, y desde aquí quiero decir que mi corazón está ahora con las mujeres de Irán, Afganistán y las que luchan por sus vidas a diario”, añadió.

No se arrepiente de ningún papel, y cree que aquellos que escogen papeles solo por dinero se equivocan. “Todas las películas me han cambiado de forma inesperada, y si una película no te cambia es que hay algo que no esta bien. Siempre hay que tomar un riesgo, ya sea físico o emocional. Cada director trabaja de una forma, y por eso me gusta tanto esta profesión, porque siempre es diferente. En una película un director de fotografía estaba comiendo un chicle mientras yo actuaba, y yo estaba en la escena viéndole. Cuando terminé le dije, por favor, ¿puedes dejar de mascar chicle? Cada momento es importante, y cada instante tiene que ser especial, porque si no, para qué dedicas tanto dinero, tanto trabajo y tanto tiempo. Si no lo sientes así, dedícate a otra cosa. Cada escena tienes que hacerla como si fuera la primera o la última”.

Los actores recibimos mucho amor, pero también queremos dar amor. Recibimos esperanza, pero también queremos darla. Queremos ayudar a la gente a ver otros horizontes distintos

Juliette Binoche — Actriz de cine y Goya Internacional 2023

Cuando no se dan esas condiciones ella lo tiene claro, “eso no es arte y no compensa hacerlo”. “Ya no sería una expresión de ti misma. Tiene que haber un salto, un lugar al que quieras ir. No hay películas más importantes que otras. Las menos importantes son importantes precisamente por haber sido menos importantes. Todas tienen una función. Es como la vida, todos los días importan, no hay días que sean más importantes que otros. Una vez me llamó una agente de Estados Unidos y me dijo, ‘haz esta película que es comercial e importante y eso te permitirá hacer esas de autor que te gustan’, y le dije que si ese era el sistema no me gustaba, que yo quería hacer las películas por una razón legítima, no regatear el hacer una para poder hacer luego otras tres. Todas tiene que merecer la pena, tiene que haber motivos internos porque si no, no merece la pena”, zanjó.

Recibir este Goya es un “honor”, pero cree que el premio no se lo dan a ella, sino a su “fuego y energía interior”. “Cuando hay un personaje siempre hay un comienzo y un final, pero lo importante es la transformación, y compartir esa transformación con otras personas. Mi vocación es ayudar a las personas a vivir. A mí la interpretación me ayudó mucho cuando era pequeña. He hecho más de 100 películas. Tienes que saber por qué eliges ser actriz y estar expuesta, porque a veces prefieres ir a tomar una copa con tus amigos en vez de estar expuesta, pero yo lo elijo porque esta es la esencia de lo que quiero hacer. Mañana intentaré hablar de esto. Los actores recibimos mucho amor, pero también queremos dar amor. Recibimos esperanza, pero también queremos darla. Queremos ayudar a la gente a ver otros horizontes distintos y a vivir de forma distinta. Creo que cuando me pongo delante de la cámara lo mas importante es ser humilde, porque a veces piensas que eres importante, y lo importante es hacer ese ejercicio de humildad y saber por qué estás ahí. Si no lo haces, es muy peligroso”.

Este sábado se celebran los Premios Goya en mi ciudad, Sevilla. El día que nominaron nuestro documental me encontraba en Valencia, donde iba a presentar una proyección de “Los días azules” en Villa Amparo, Rocafort. Estaba emocionada por estrenar este documental que dediqué a Antonio Machado y que tantas alegrías me ha dado, en la casa que acogió al poeta en los últimos días de la guerra, el oasis en el exilio de don Antonio, con los naranjos y limoneros, con el sonido de la acequia que le recordaban al patio de Dueñas de su infancia. Iba a volver a aquella hermosa villa donde había estado rodando hacía tres años un día de sol.

La noche antes, mi móvil se llenó de mensajes. “Suerte para mañana”, “Te van a nominar”, “Vamos a por el Goya”, “Estamos todas contigo”. Aunque respondía “gracias”, aquello me ponía bastante nerviosa. El peso de las expectativas puede ser terrible para una insegura patológica como yo. Mi alma de niña tímida y algo solitaria acostumbrada a desear ser aceptada, a estar a la altura de lo que se espera de ella, lo estaba pasando realmente mal.

Carla Simón, Pilar Palomero, Elena López Riera, Alauda Ruíz de Azúa, Carlota Pereda, Avelina Prat, Laura Hojman, Irene M. Borrego y muchas más, nos han regalado pelis bellísimas este año

Entonces leí un hilo en twitter de Lucía Ros, productora y autora del blog 'La Katarsis del Cine Español' que decía algo así como: “Mañana salen las nominaciones a los Goya y creo que no somos conscientes del privilegio de ser testigos de lo que ha pasado este año con el cine español. Hacía años que no presenciábamos una temporada tan espectacular como esta, pero especialmente me emociona ver lo que está pasando con las mujeres directoras en nuestro país. Carla Simón, Pilar Palomero, Elena López Riera, Alauda Ruíz de Azúa, Carlota Pereda, Avelina Prat, Laura Hojman, Irene M. Borrego y muchas más, nos han regalado pelis bellísimas este año. Sea lo que sea que pase mañana con las nominaciones, poco importa. Las películas ya están ahí para ser disfrutadas ¡Enhorabuena compañeras!”.

En aquel momento, como ahora mientras escribo estas líneas, se me llenaron los ojos de lágrimas. Pues sí, Lucía tenía razón. Los premios, las nominaciones no siempre son justas, intervienen muchísimos factores, y a veces te puede tocar y otras no; pero sí, las películas están ahí, y ya están cambiando el mundo. Eso creo y eso siento.

A pesar del alivio y el abrazo que me dieron estas palabras, esa noche tuve pesadillas.

Pero por la mañana dijeron el nombre de nuestro documental “A las mujeres de España. María Lejárraga” y Guille y yo nos abrazamos y saltamos y gritamos. Y yo comencé a llorar desconsoladamente, de alegría, de emoción, de un dolor escondido también. Y escuché al otro lado del teléfono la voz de mi madre rebosante de alegría. “Pero deja de llorar!”, decía ella. “No puedo mamá, no puedo!”.

Recordé todos esos años en los que no tuve voz, en los que me inundó la tristeza, los años de dolor, de pruebas médicas, de síntomas inflamatorios inexplicables, de sentirme pequeña, inservible, invisible.

Más allá del reconocimiento, la celebración y los egos, estos premios sirven para que productoras pequeñas como la nuestra, o trabajadores del cine como nosotros, podamos seguir trabajando

Los años de no tener trabajo, de echar números, de necesitar la ayuda de la familia para llegar a fin de mes. Recordé también la mañana en la que Guille me despertó y me dijo, en medio de aquella tristeza “Laura, Laura, que han llamado de Televisión Española y dicen que quieren coproducir Tierras Solares”. Llegó a mi mente cómo, aquel viaje hacia la luz de un poeta triste que había escrito y que iba a convertirse en mi primer documental, me salvó la vida. Y los dolores empezaron a desaparecer. Y mi voz a salir, y a conectarme con el mundo.

Pero por qué son importantes estas nominaciones y premios. Les seré totalmente franca. Más allá del reconocimiento, la celebración y los egos, estos premios sirven para que productoras pequeñas como la nuestra, o trabajadores del cine como nosotros, que no gozamos de la fama ni el prestigio necesarios en este sector, podamos seguir trabajando. Estos premios dan puntos, puntos que son necesarios para poder presentarse a las ayudas que hacen posible que podamos hacer películas. Unas ayudas que hemos visto pasar de largo una y otra vez con bastante frustración.

Pero otro día hablaré de la precariedad en el sector audiovisual en España. Yo hoy había venido a decir que pase lo que pase, siento que he (hemos) ganado.

Claro que me encantaría subir ahí y darles una alegría a cientos de mujeres que me consta que estarán en sus casas pendientes de la tele, amigas que han quedado esa noche para verlo juntas, chicas que me escriben para decirme “Laura, el sábado en los Goya van a decir el nuestro”. El nuestro. No dicen el tuyo, dicen “el nuestro”. Y eso, qué quieren que les diga, eso es el mayor premio que una “escritora de cine” que dice Google que soy yo, podría tener.

Si no pasa, si no subo, que es lo más probable, (...) me aplicaré la alegría de María Lejárraga y recordaré todo lo que he vivido, lo que estoy viviendo, lo que de verdad importa

Queridas mujeres de España, no sabéis lo que me gustaría poder subir ahí y decirle a María Lejárraga que el país que la negó, que la ocultó, hoy le da un Goya, a ella, una de nuestras primeras guionistas de cine. Deciros a vosotras, que me habéis regalado la mayor compañía de mi vida, que gracias a vuestros abrazos, a que habéis llenado las salas de cine, las librerías, los coloquios, a vuestros mensajes llenos de emoción, de historias personales, de “gracias”, yo me siento parte de algo hermoso, fuerte, imparable, que siento fuego en el corazón. Que estamos cambiando las cosas, que estamos haciendo justicia, que estamos creando una sociedad mejor. Juntas.

Pero si no pasa, si no subo, que es lo más probable, también podré descansar de una dinámica poco sana para personas sensibles. Seguiré peleando por trabajar, ojalá con mejores condiciones, por hacer las cosas en las que creo y sabré que estoy conectada con miles de amigos y amigas en la distancia. Me aplicaré la alegría de María Lejárraga y recordaré todo lo que he vivido, lo que estoy viviendo, lo que de verdad importa. Porque las películas son lo que queda y las grandes revoluciones comienzan con pequeños cambios. Y estoy segura de que no tardaremos en ver en los libros de texto a María Lejárraga, a Elena Fortún, a Luisa Carnés, a María Blanchard y toda esta genealogía de mujeres que construyeron nuestra historia y nuestra cultura.

Por si acaso quería daros unas gracias inmensas, mujeres de España. ¡Apasionaos, mujeres desapasionadas! ¡Hay algo tan grande que las está esperando!

Los premios van asociados a la competitividad: enemigos luchando por ganar. Da igual que sea una carrera de relevos o un Goya, desde la infancia se inculcan valores como la rivalidad. La historia la cuentan los que ganan y nadie se acuerda de los que pierden. La cámara de los premios siempre se fija en ese rostro que no acepta bien la derrota, esa persona que contaba con ganar y que no puede esconder su decepción por no ser quien salga a dar el discurso que ha ensayado durante meses con el bote de champú en su casa.

Este año el cine español ha mostrado que hay una nueva generación que cuenta otras historias. Una generación de productores, de directoras y directores, pero también de intérpretes. Las nuevas miradas ya no quieren a las actrices de siempre, buscan otros rostros frescos que aporten nuevos registros a las películas. Una generación que se ve en las nominaciones interpretativas a los Goya, donde se encuentra ya mucha juventud. En la categoría de mejor actriz, ninguna nominada es uno de los clásicos rostros del cine español. Cuatro de ellas tienen menos de 40 años y tres nunca habían sido nominadas.

Una de ellas es Vicky Luengo. La actriz despuntó gracias a la serie Antidisturbios, pero ha logrado su primera nominación por su papel en Suro, debut en la dirección de Mikel Gurrea, donde interpreta a una joven burguesa que decide cambiar de vida, mudarse a una masía heredada y dedicarse a la recolección de corcho. Un papel complejo que le ha dado una merecida candidatura. El día de la lectura de las nominaciones, varios de los candidatos atienden a la prensa tras conocer las buenas nuevas. Una de las primeras en hacerlo fue Anna Castillo, que lograba su cuarta nominación —ya tiene un Goya por El olivo— con Girasoles silvestres. Sus primeras palabras fueron para Vicky Luengo. Estaba emocionada y reconocía que le hacía casi más ilusión que su amiga estuviera junto a ella este año que la propia nominación.

Aquel instante desenmascaraba la mentira de la competitividad y la rivalidad. Ahí había dos amigas que, en unos meses extenuantes de promoción y campaña por el Goya, vivirían en común la soledad que conlleva y los momentos más duros. Por si fuera poco, Vicky Luengo cuenta con un hombro más en el que apoyarse en esta ocasión: el de Ángela Cervantes, nominada por segundo año consecutivo. Si en 2022 optaba como Actriz revelación por Chavalas, este lo hace como actriz de reparto por La maternal. Luengo y Cervantes dejaron hace unas semanas una foto que vuelve a romper los prejuicios patriarcales sobre la amistad entre mujeres profesionales. Tras la ceremonia de entrega de los Gaudí, donde ambas ganaron en diferentes categorías, se encontraron en la alfombra roja. En cuanto se vieron, corrieron a abrazarse dejando una imagen para el recuerdo, que ilustra este reportaje.

Luengo recuerda el momento en el que se enteró de la nominación a los Goya. No se lo esperaba. Suro era una película pequeña y la lectura la pilló rodando. “Yo nunca llevo el móvil en los rodajes, lo dejo en el camerino. Subí un momento a cambiarme de ropa y tuve este acto involuntario de mirar el móvil un segundo. Descubrí que tenía 50 llamadas así que lo conecté, lo vi y me puse a gritar y llorar de la alegría. Lo estoy viviendo con muchísima ilusión. Me preguntan mucho si lo he asumido y digo que no lo sé, porque no sé muy bien cuál es la sensación de haber asumido estar nominada porque no lo puedo comparar con nada. Lo estoy intentando vivir todo con muchísimo detalle, porque es la primera vez”, cuenta.

Me alegro muchísimo cuando ellas consiguen un logro y creo que es lo que hay que hacer, porque la otra se basa en algo patriarcal que había enseñado a la mujer a competir por ser la mejor

Vicky Luengo — Actriz y nominada al Goya por 'Suro'

Suro fue un proyecto especial. Llegó en un “momento delicado para ella” ya que acababa de fallecer su padre, por lo que ese rodaje siempre quedará vinculado a ella. También era especial el orgullo de estar en una película pequeña, de poco presupuesto, para la que nunca esperaron que tuviera esa repercusión. Ahora ha llegado la nominación y la comparte con dos amigas. Luengo, subraya la importancia de tener gente con la que caminar en una profesión donde solo un 8% de los intérpretes viven de su trabajo: “Me parece importantísimo, porque creo que la vulnerabilidad que genera este oficio muchas veces es muy poco entendible para personas que no se dedican a él. Por ejemplo, cuando rodamos Chavalas, Ángela no había hecho nunca ni un photocall ni estas entrevistas enormes. Me acuerdo de que ella estaba nerviosa y nos preguntaba. Yo le decía 'tranquila, esto va así o asá', o le decía como iba el photocall...”.

Ahora las tornas han cambiado, y es Ángela Cervantes la que le ayuda a ella: “El otro día nos cagábamos de risa porque volvimos de los Gaudí, las dos con un premio en la mano y le dije: 'Ángela, ahora me tienes que ayudar tú a mí, porque yo nunca he ido a las Goya en mi vida y estoy cagada de miedo. No sé cómo es ese photocall, no sé qué jaleo va a haber ahí'. Y entonces Ángela me estuvo contando, tranquilizándome y diciendo que no me preocupara. Tener esos anclajes es superimportante porque me ayudan a sostenerme y a relajarme. También me ayudan a sentirme fuerte y a quitarle importancia, porque creo que todo el mundo, no solo los actores sino en general, cuando tenemos un miedo, pasa a ser lo más importante que hay para nosotros en la vida, pero cuando tienes una persona al lado que te diga ‘está bien, a mí ya me ha pasado, tranquila’, le quitas importancia y lo vives con más ligereza. Es necesario en todo este jaleo”.

A pesar de la seguridad de aquel momento, Ángela Cervantes está “más nerviosa este año que el anterior”. Es más consciente, pero a pesar de los nervios también lo está disfrutando más porque tiene más información y porque quiere “acompañar como se merece” a La maternal, una película a la que tiene un amor especial. En la vorágine de entrevistas, jornadas promocionales y actos, uno de los momentos donde toma tierra es cuando ve a una amiga: “Hemos tenido momentos de no parar de entrevistas y alfombras, y cuando me la encontraba ahí era un subidón tremendo. Piensas que merece la pena todo ese ajetreo”.

Desde que coincidieron en el rodaje de Chavalas, se formó una amistad que es un ejemplo de una generación que rompe prejuicios. Caminar hacia el Goya de la mano de Vicky Luengo le aporta tranquilidad. “Poder estar en estos momentos hablando con alguien, mirarle a los ojos y decir, ‘¿estás bien?, venga, seguimos’, eso ayuda mucho”, asegura. Cuando escuchó la nominación de su amiga, pegó “un grito”. “Es difícil de explicar, pero genera algo como mucha felicidad. Y yo lo estaba escuchando con mi hermano —el también actor Álvaro Cervantes—, lo estábamos viendo y también él es muy amigo de Vicky, y hemos visto a esa persona trabajar muchísimo para llegar hasta ahí y entonces te alegras mucho porque al final los logros son de todos, de las amigas y de los compañeros, y eso al final también se contagia. Hay algo como de comunidad que hace muy feliz”, explica.

De esta temporada de premios, destaca esa foto con Vicky Luengo tras ganar las dos el Gaudí, una imagen que pone de relieve a esa generación que lejos de competir, disfruta viendo a sus amigos. De hecho, para Ángela Cervantes fue fundamental para lanzarse a actuar ver que la profesión no estaba ligada a esos valores tan negativos, algo que hizo hace poco: “Creo que yo también empecé a trabajar cuando hice ese clic de pasar de verlo como una competencia a verlo como un compartir y un alegrarte por el otro. A mí me ayudó mucho, pero sí que es verdad que en esta profesión hay algo que parece que te lleve a eso, a la parte más negativa, a la competencia, porque al final es muy difícil trabajar, pero estos momentos también ayudan a ver que que no, que cuanto más amor haya, mejor para todos”. Ángela Cervantes señala también a su hermano como apoyo fundamental que la acompaña “desde el minuto uno”. “Me lo ha dado todo”, dice Cervantes que se califica como “muy privilegiada”. 

Mientras que Vicky Luengo y Ángela Cervantes se conocieron hace unos cuantos años, la relación de Luengo con Anna Castillo viene de lejos. “Anna tenía 12 y yo 15. Yo creo que hace 16 años que la conozco. Anna y yo íbamos a una escuela de teatro musical juntas, hicimos un grupo de música que se llamaba SP3, y entonces grabábamos discos e íbamos dando vueltas por Cataluña, íbamos cantando las canciones del Club Super3, el grupo del programa de niños de TV3, como el Megatrix. Era mítico, porque Anna y yo éramos enanas y yo tengo cartas de Anna, de cuando yo tenía 16 años y ella 13 diciendo, ‘¿Hola, cómo estás? Te voy a echar mucho de menos’. Era superbonito”, recuerda Luengo.

Poder estar en estos momentos hablando con alguien, mirarle a los ojos y preguntarle si está bien ayuda mucho

Ángela Cervantes — Actriz y nominada por 'La maternal'

En 2017, cuando Anna Castillo fue nominada por primera vez, Vicky Luengo realizó una publicación en Instagram dándole la enhorabuena a ella y a otro de sus grandes apoyos en esta industria, el actor Ricardo Gómez que ese año lograba su primera nominación por Los últimos de Filipinas. Son todos parte de una generación que se han hecho amigos y en donde Luengo también nombra a actrices como Susana Abaitua, gente con la que comparte las alegrías y los sinsabores de esta profesión.

“La alegría que me dio la nominación de Anna aquel año fue algo muy genuino. La quiero muchísimo. Me parece una de las mejores actrices que tenemos de esta generación en este país. Estoy contentísima de que todo le vaya bien y de compartir mi primera nominación con ella al lado. Es precioso poder vivirlo con una amiga. A ella le dije: 'Me vas a tener que ayudar porque yo no he visto esto nunca y tú ya llevas cuatro nominaciones, perra'. Es muy bonito estar acompañada de gente”, cuenta Vicky Luengo.

Sus palabras rompen estereotipos machistas que siempre han apuntado a las relaciones entre mujeres como llenas de envidia y celos. Vicky Luengo recuerda una columna de Lucía Lijtmaer que leyó hace poco en El País que habla sobre “La mujer única”: “Hablaba de esta tendencia, o manía, de coger un comportamiento de una mujer y atribuirlo a todas las mujeres, como si tuviera que ser representativo de todas, como si todos tuviéramos que responder por ella. En este grupo en el que están Ángela, Carolina Yuste, Susana Beitia, o cantidad de amigas, siento que no hay nada eso. Yo siento genuinamente que es gente que se alegra muchísimo cuando a mí me va bien. Yo me alegro muchísimo cuando ellas consiguen un logro y creo que es la única manera de hacerlo, porque la otra está basada en una cosa patriarcal que habían enseñado a la mujer a competir por ser objeto de deseo, tener que ser la mejor, la más talentosa. Se está produciendo un cambio interesante que ojalá consigamos ensanchar y que siga ocurriendo”.

1 de febrero de 2003. El Palacio Municipal de Congresos del Campo de las Naciones de Madrid se encontraba abarrotado para celebrar la 17 edición de los Premios Goya. Un año en el que el morbo parecía estar en ver si Fernando León de Aranoa y su drama sobre el paro en España, Los lunes al sol, vencería a Almodóvar y su Hable con ella, que acabaría propulsada hacia el Oscar al Mejor guion original. Sin embargo, aquel año no fue un año normal. Días antes, José María Aznar había mostrado de forma abierta su apoyo a George Bush en su intención de invadir Irak. Una invasión que iba en contra de la posición común tomada por el resto de países y que no contaba con el apoyo de la Unión Europea, pero que Aznar rubricó posteriormente en la foto de las Azores.

El clamor contra una posible guerra ya circulaba por todo el mundo, pero en nuestro país se convertía en un punto caliente, ya que de la noche a la mañana España se veía en el centro de un conflicto cuyo argumento eran unas armas de destrucción masiva que nunca aparecieron. Fue la mecha que encendió una indignación que se mostró de forma explícita en una gala de los Goya que pasaría a la historia y de la que se cumplen 20 años. Los responsables de aquella ceremonia fueron los integrantes del grupo de teatro Animalario, con Alberto San Juan y Willy Toledo a la cabeza como presentadores. Ambos se encontraban en la cresta de su popularidad por el éxito de El otro lado de la cama, la comedia musical por la que ambos optaban ese mismo año a los galardones como Actor de reparto y Actor revelación respectivamente (ambos perdieron).

Poco tardó la ceremonia en descubrir esa indignación, que nació de forma improvisada. Si bien se repartieron pegatinas con el lema “No a la guerra”, no hubo ninguna petición a los asistentes para que sus discursos fueran políticos ni activistas, pero casi todos los que subieron aprovecharon su minuto de gloria para pedir que se evitara aquel conflicto bélico. Hasta la presidenta de la Academia, Marisa Paredes, aprovechó su discurso institucional para ello.

“Esta no es una noche tensa, sino libre. No hay que tener miedo a la cultura ni al entretenimiento, ni a la libertad de expresión, ni mucho menos a la sátira, al humor. Hay que tener miedo a la ignorancia y al dogmatismo. Hay que tener miedo a la guerra”, dijo ante un público que aplaudió a rabiar cada intervención. Bardem, Tosar, León de Aranoa… pocos no se unieron al grito común. Lo que se vivió en aquella gala se materializó dos semanas después en las calles de toda España. Millones de personas salieron a la calle para pedir lo mismo. Sin embargo, el PP tomó aquella ceremonia como un ataque frontal del mundo del cine y les declaró también la guerra a ellos.

Aznar y el cine español

El Gobierno de Aznar se sintió traicionado. Para entender esa traición hay que viajar a su primera legislatura, cuando el presidente se empeñó en tener al sector cultural de su lado y romper un enfrentamiento clásico. Aznar organizó veladas culturales en la Moncloa y se ganó, al menos, el silencio de la industria. Lo cuenta Enrique González Macho en sus memorias, Mi vida en V. O. (Editorial Atticus). Macho, que posteriormente fue presidente de la Academia, era en aquellos momentos uno de los productores españoles más importantes y uno de los interlocutores de la industria con los políticos. 

“Resulta paradójico que el Gobierno de Aznar, abanderado de ese ultraliberalismo que tanto nos asustaba a los distintos sectores del cine, mantuviera al principio una actitud especialmente positiva hacia el cine español. Ello se debía a la propia intervención del presidente José María Aznar. Él fue el que promovió y asistió personalmente a varias reuniones en Moncloa con los diferentes sectores del cine español, desde los directores y actores, pasando por los productores, hasta los distribuidores y exhibidores, tuvimos acceso directo a los altos cargos de Hacienda y Economía, incluidos los ministros del ramo, lo que sin duda era síntoma de cierto interés por parte del Gobierno, por mucho que haya quienes no lo quieran reconocer”, dice en su libro.

Aquella paz se rompió con aquella gala. Aquel 1 de febrero. “¿Qué ocurrió para que el Partido Popular dejara de ser aliado del cine español y se convirtiera en su peor enemigo en los tiempos de la nueva democracia? Los premios Goya del 'No a la guerra'. Allí se rompió, se frustró todo de forma grotesca y comenzó otra guerra, y esa era y sigue siendo, desgraciadamente, más personal e ideológica que ninguna de las que ha vivido antes el cine”, añade Macho, que deja claro que en ese momento “el Partido Popular declaró la guerra abierta al cine español”.

Las consecuencias para el cine español se vivieron desde el día después. El presidente de la Asociación de Productores, Eduardo Campoy, pidió públicamente la destitución de Marisa Paredes, algo a lo que el sector se opuso radicalmente. Los políticos del PP y los medios de derechas comenzaron un hostigamiento para cambiar la opinión popular y crear en el imaginario un falso mito que consiguió calar: aquellos que habían gritado “No a la guerra” eran “los rojos subvencionados del cine”.

¿Qué ocurrió para que el Partido Popular dejara de ser aliado del cine español y se convirtiera en su peor enemigo en los tiempos de la nueva democracia? Los premios Goya del 'No a la guerra'

Enrique González Macho — Expresidente de la Academia de Cine

“Si algo hay que reconocerles es su eficacia propagandística, tan eficiente que llevaron a convencer a una buena parte de los españoles de que los profesionales del sector éramos unos aprovechados que chupábamos del bote del Estado y que vivíamos a costa de las subvenciones. Que éramos casi el único sector de este país que recibía ayudas públicas”, explica González Macho en sus memorias.

Una gala “histórica”

La prensa se cebó contra los actores, pero quienes más lo vivieron fueron aquellos que representaban aquella gala, Alberto San Juan y Willy Toledo. Al revisar la gala, uno se sorprende al descubrir que los presentadores fueron los más calmados y que, excepto en su intervención final, cuando sacaron aquellas míticas camisetas con las palabras “No más sangre por petróleo”, se habían mantenido bastante contenidos. Pero ellos tenían otro motivo para ser atacados, ya que apenas diez días después de aquella gala estrenarían Alejandro y Ana. Lo que España no pudo ver del banquete de la boda de la hija del Presidente, obra satírica sobre el enlace de la hija del presidente Aznar en El Escorial.

A pesar de todo, Alberto San Juan mantiene 20 años después “un recuerdo maravilloso de aquella gala por las intervenciones espontáneas de los premiados”. Su definición de lo que ocurrió en aquella ceremonia es clara: “Fue un ejercicio de libertad”. Su adjetivo para aquella edición es tajante: “histórica”. “No por la labor de Animalario de dirección y presentación de la gala, eso fue anecdótico. Lo histórico fue el uso libre y político de la palabra que hicieron las premiadas y premiados. Yo asistí como espectador a lo histórico de aquella gala y fue realmente emocionante”, cuenta.

La decisión de que la gala fuera política no fue unánime dentro de la propia compañía. San Juan reconoce que “hubo una discusión previa en Animalario”. “Parte del colectivo quería hacer una gala política, contra la guerra, de principio a fin, y parte pensaba que no podíamos posicionar al conjunto de la profesión, al que ha de representar la gala, sin saber previamente su opinión, cosa que no era posible. Así que, finalmente, lo único que había de posicionamiento político por parte de Animalario eran las camisetas, que estaban preparadas de antemano. Las intervenciones contra la guerra de Eduard Fernández y Rosa María Sardà, que entregaban premios, fueron aportaciones suyas”, matiza.

Recuerda claramente las palabras de la entonces ministra de Educación y Cultura del PP, Pilar del Castillo, que vivió la gala desde el patio de butacas. “Dijo que la gente del cine éramos el brazo armado de la oposición al Gobierno. Le contestó Willy Toledo diciendo que las únicas armas que había en este asunto eran las bombas que se lanzarían sobre Irak”. Su compañero al frente del evento declararía posteriormente que presentar aquella gala hizo que se le vetara de muchos sitios. “A los que más sacamos la cabeza se nos marca con una cruz, porque existen las listas negras, y no solo en las instituciones, sino también en las productoras. Hubo un acoso y derribo hacia mi persona. Fui el chivo expiatorio. En la gala de los Goya me marcaron la estrella judía en el pecho. Este ya está señalado. Y se decía a los demás: señores actores y actrices, aquí tenéis el ejemplo vivo de lo que ocurrirá si continuáis así, mirad lo que le ha pasado a Willy”, recordaba en una entrevista.

Si la respuesta fue ‘habrá consecuencias’, ¿eso es motivo para dejar de desobedecer? Creo que no. Hay que seguir desobedeciendo y permanecer unidos después para resistir las consecuencias

Alberto San Juan — Actor y presentador de la gala del 'No a la guerra'

Alberto San Juan no sabe si presentar en aquella gala tuvo una consecuencia directa sobre su carrera, pero sí cree que el PP mandaba un mensaje a las generaciones posteriores: si os manifestáis políticamente seréis señalados y habrá consecuencias pero, aun así, cree que ese no es motivo para dejar de hacerlo. “Si la respuesta fue ‘habrá consecuencias, el que desobedezca será castigado’, ¿eso es motivo para dejar de desobedecer? Creo que no. Hay que seguir desobedeciendo y permanecer unidos después para resistir las consecuencias”. Por eso cree que lo peor que le puede pasar al cine es caer en “la autocensura, asumir el papel de policía y reprimirse él mismo”. Sin embargo, es optimista y cree que el mensaje que se mandó fue claro y conciso: “Estamos vivos y despiertos, pensamos por nosotros mismos y podemos intervenir políticamente”.

La venganza política

Tras más de siete años de calma tensa (especialmente por el canon digital) con el Gobierno de Zapatero, el cine español viviría las consecuencias reales de aquella gala con la llegada al poder de Mariano Rajoy y, al Ministerio de Educación y Cultura, José Ignacio Wert. La crisis fue la excusa para materializar su ataque al cine español. “La represión que vive el cine español desde entonces no ha cedido y ha provocado males atroces”, escribe González Macho. Los recortes en los presupuestos afectaron de forma frontal al cine español. En los presupuestos de 2012 se recortó un 36,2% del dinero dedicado al cine. Las deducciones fiscales, que se habían prometido al sector en un 30%, se quedaron en un 18%, y por si fuera poco el IVA cultural subió del 8% al 21%. Ante todo ello, la directora del ICAA, Susana de la Sierra, dimitió al no poder llevar a cabo las medidas que tenía en su agenda.

El IVA cultural fue la estocada final. España se convirtió en el país con el IVA más alto de toda Europa. En Francia fue de un 5,5%; en Alemania se aplicó un 7%; en Holanda, un 6%; en Grecia, un 6,5%; en Finlandia, un 10%; en Irlanda, un 9%; en Italia, un 10%; en Portugal, un 13% y en Noruega se mantuvo al 0%.

Todas las industrias culturales se manifestaron en contra. La Unión de Asociaciones Empresariales de la Industria Cultural Española realizó un informe alertando de las consecuencias que fue ignorado: 4.226 puestos de trabajo perdidos, cierre de 20% de empresas, pérdidas de 533 millones de euros de ingresos y 43 millones de espectadores menos. A cambio solo recaudarían unos pocos millones más de euros de los que recibirían si el IVA solo hubiera subido al 10%. Solo en el primer año de implantación se vio una pérdida de público del 30%, un 16,33% menos de recaudación bruta y un 22% menos de recaudación neta. 

El Gobierno recaudó con el IVA cultural 90 millones de euros en 2013, más de todo el dinero que aportaba a través de los presupuestos del Estado, que tampoco subieron gracias a la recaudación extra a base del impuesto. Ese mismo año se vivieron dos de los desplantes más grandes que se han hecho al cine español. Por primera vez en la historia no acudió el ministro de Cultura a la gala de los Goya; y meses después, el ministro de Hacienda, Cristóbal Montoro, declararía que “los problemas del cine no tienen que ver solo con las subvenciones… tienen que ver también con la calidad de las películas que se hacen”, una declaración que fue respondida de forma tajante por la Academia de Cine, que le recordó al ministro que tenía “fecha de caducidad”, pero que “la creatividad, no”.

La situación se tensó todavía más cuando el IVA se fue retirando de diferentes sectores culturales, pero se mantuvo para el cine hasta el último minuto. Primero fueron las transacciones de obras de arte, en 2014; y en marzo de 2017 se anunció la bajada del IVA para todo el sector… menos para el cine. El PP se fue del Gobierno sin bajar el IVA al cine español y con las ayudas al sector congeladas a 30 millones de euros. Aunque su anuncio fue realizado por el ministro cultural Íñigo Méndez de Vigo, fue el nuevo Gobierno de Pedro Sánchez tras la moción de censura de 2018 quien defendió las cuentas anteriores y eliminaría la medida que cerraba el ciclo que comenzó en una gala de los Goya de 2003, cuando todo un sector alzó su voz contra la guerra.

En casa nos gusta ver los Goya, somos así de raros. Cada año hacemos apuestas para las categorías principales y es verdad que, en esta edición, como se ha repetido, coincidimos en que llevarse Mejor película va a estar muy reñido. Mi favorita es Alcarrás, pero no me disgustaré en absoluto si este sábado se alzan con el premio Modelo 77 (que debería llevarse Mejor actor a Javier Gutiérrez) o As bestas, la favorita de mi pareja (y que debería llevarse sin discusión Mejor actor de reparto a Luis Zahera, aunque no entiendo por qué no figura como actor principal). Supongo que entre estas tres se repartirán Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original.

Con todo, la categoría que quizás más nos gusta es la de Dirección novel y, en esa sí, este año coincidimos sin fisuras. No habíamos llegado a tiempo para ver en cines El agua, pero por fin ya está en plataformas. El debut en el largometraje de Elena López Riera supone, como dijo en este mismo medio Javier Zurro, uno de los “más fascinantes del cine español reciente y una de las películas más diferentes de este gran año del cine español”.

A mí me atraen mucho esos autores, tanto en literatura como en cine, que saben mezclar con naturalidad el realismo con la fantasía. Lo hacía Saramago mejor que nadie o, de manera más reciente, novelistas como el cordobés Peréz de Azústre en Los nadadores. Si mencionamos clásicos contemporáneos, la película Olvídate de mí, con guion de Charlie Kaufman, sería otro ejemplo reconocible. En esa línea, se ha dicho que López Riera lleva a cabo un ejercicio de realismo mágico en la Vega Baja del Segura, lo que a mi modo de ver no es del todo cierto (aquí lo fantástico no es tanto una presencia tangible como un trasfondo oral y misterioso).

En ambas películas el mundo, con su realidad y su componente sobrenatural, queda encerrado, para trascenderlo, en las pocas calles de esos pueblos que, cuando salen en nuestras ficciones, lo hacen desde el costumbrismo o la nostalgia

El agua es, por un lado, realismo crudo, casi documental. Transcurre durante un verano cruel en una pedanía de Orihuela en el que un grupo de adolescentes no tiene mayores expectativas que las largas noches de pandilla y drogas antes de volver al tajo el lunes. Sin embargo, por otro lado, El agua es también las leyendas y consejas de la zona que, con acierto y por su propio empecinamiento, la directora intercala con testimonios reales de varias mujeres. De esa manera, el agua se transforma en un personaje más de la película, que poco a poco se acaba extendiendo por toda la historia. Fluye, si me permiten el juego fácil, para que al final todo desemboque de manera creíble, y realidad y consejas den forma a lo que, en suma, nos define: lo que somos, pero también lo que nos dicen que somos.

De ese modo, López Riera configura un relato de naturaleza profundamente política, en el que no ahondaré para no desvelar detalles de la trama, pero en el que entran en juego el patriarcado, las relaciones de poder en sentido amplio (la familia, la pareja, la maternidad, la comunidad, etc.) y los últimos manotazos de unos chicos que se abocan definitivamente a la edad adulta. El reto, en esa suerte de realismo sin concesiones y fantasía arraigada, pasa igualmente por reunir a un elenco creíble. Cabe resaltar que el grupo de chavales, buscados por el equipo de la película en los botellones de la zona, lo borda, y no solo su protagonista, Luna Pamiés, tan bien acompañada por el igualmente novel Alberto Olmo.

El agua me ha recordado a otro debut de hace un par de años, también escrito y dirigido por una mujer: Destello bravío, la originalísima y poco convencional cinta con la que Ainhoa Rodríguez fue recogiendo premios y en la que transita por algunos paisajes temáticos, y formales, más o menos similares. En ambas películas, además, el mundo, con su realidad y su componente sobrenatural, queda encerrado, para trascenderlo, en las pocas calles de esos pueblos que, cuando salen en nuestras ficciones, lo hacen desde el costumbrismo, la nostalgia o el feísmo y el tremendismo. Nada de eso ocurre aquí, y yo confío en que, sin desmerecer a sus contrincantes, el jurado de los Goya premie el pulso sereno, pero potente y arrebatador, de una película que presagia una mirada diferente.

La Academia de Cine contará un año más con la colaboración de personas en riesgo de exclusión social y con discapacidad intelectual en la organización de los 37 Premios Goya. Será Down Sevilla, entidad referente en la plena inclusión y desarrollo de las personas con síndrome de Down y discapacidad intelectual, quien colaborará en la organización de estos premios que se entregarán el próximo 11 de febrero en Fibes.

Los chicos de la entidad social realizarán labores de asistencia y acompañamiento a los invitados tanto en sus desplazamientos por la ciudad como en el photocall la noche de la gala. Además, durante los días previos a la ceremonia, participarán en distintos eventos relacionados con los galardones y cooperarán en la campaña de comunicación creando contenido para redes sociales, interactuando con los nominados, y realizando un tour virtual por los sitios más emblemáticos de Sevilla a los invitados.

Redes Sociales

Según se indica en nota de prensa, entre los contenidos previos a la gala destaca la grabación de un vídeo para redes sociales en las que los chicos de Down Sevilla han contado con la colaboración del director territorial de CaixaBank en Andalucía, Juan Ignacio Zafra, y de Joaquín Sánchez.

El vídeo editado por Down Sevilla para conmemorar su participación en la gala de los Goya, recrea de forma divertida el proceso de selección de cada uno de los jóvenes de la asociación que participarán en la gala y cuenta con Ángela, una de las jóvenes integrantes de la asociación, como la protagonista encargada de reclutar a sus compañeros y de encontrar “el duende” de Sevilla.

A una semana de la ceremonia de entrega de los premios Goya, el cine sureño está de fiesta: una de cada cinco nominaciones de esta edición recae sobre profesionales andaluces. Una prueba más de la pujanza del sector audiovisual en esta comunidad, que apenas 20 años atrás adolecía de una notable falta de infraestructuras y personal cualificado, y que hoy presume de industria estable y reconocida.

Un “milagro” que tuvo como detonante el éxito del filme Solas (1999) de Benito Zambrano, siguió con una promoción de jóvenes talentosos como Alberto Rodríguez, Santi Amodeo o Paco Baños, y se ha renovado en los últimos años de la mano de nuevos cineastas como Laura Hojman o Alejandro Salgado. Al hilo de este boom, elDiario.es Andalucía ha querido pedirle a algunos de los nominados que hagan memoria sobre dónde estaban 20 o 25 años atrás, cuando la prosperidad actual del cine andaluz era poco menos que un sueño.

El productor sevillano Gervasio Iglesias, nominado al Goya a la Mejor película por Modelo 77, ya tiene dos cabezones en su salón: uno por La isla mínima y otro por Juan de los Muertos. El tercero lo ve difícil por lo reñida que está la citada categoría, pero cosas más difíciles ha hecho en su carrera. “Yo soñaba con trabajar en el cine, aunque fuera –dicho sea con el debido respeto– tirando cables. Lo de hacer películas ya me parecía ciencia-ficción”, recuerda. En los últimos 90, Iglesias trabajaba para TVE, y la noche de los Goya que encumbró a Benito Zambrano la pasó en Lebrija, en el bar de un hermano del director, haciendo un reportaje sobre cómo vivían su familia y amigos la ceremonia.

El páramo sevillano

“Luego conocí a Benito de la mano de Mercedes Cantero, la que sería fundadora conmigo de la productora La Zanfoña, que estaba haciendo un curso de cine con él. Todos teníamos la misma idea, pero entonces se veía como algo irrealizable. Eso sí, ya habíamos empezado a hacer cortos con el proyecto Cinexín, y éramos todos amigos: Alberto, Santi, Paco… Recuerdo que nos juntábamos en el bar La Sirena y comentábamos: ‘De todos nosotros, el único que hará algo importante algún día será Alberto’, porque Alberto Rodríguez era sin duda quien más destacaba. Pero al final hubo más gente”, añade.

En la misma pandilla estaba Daniel de Zayas, sonidista, que también tiene un Goya en casa: por Tres días (2009) de Javier Gutiérrez. Dos décadas atrás, recuerda, “había terminado mis estudios de administrativo, y el primer día que entré a trabajar en una oficina me di cuenta de que no era lo mío. Lo que sí recuerdo es que salí a atender a un cliente, porque el encargado había tenido que ausentarse, y me puse muy contento cuando conseguí venderle una radial. Eso luego me ha perseguido como una maldición, porque cada vez que digo ‘¡motor!’ en un rodaje, empieza a sonar una radial dos calles más allá”.

“Para mí el cine era otra dimensión, ni se me pasaba por la cabeza que podría dedicarme a ello”, agrega. “Alberto Rodríguez era mi vecino y jugábamos a hacer peliculitas, pero en ningún momento pensamos en que se podría vivir de eso en Sevilla, que era un páramo. Nos pusimos a hacer cosas en vídeo, ganamos algunos certámenes y reinvertimos algunas de esas ganancias en comprar equipo. Y nos entró el veneno para siempre”.

Sentido práctico

Fernando Franco pertenece a una generación similar a la de Rodríguez, y también tiene un premio de la Academia, por La herida (2014). Ahora, este sevillano de 47 años opta a un nuevo cabezón por su montaje en Un año, una noche, y su filme La consagración de la primavera está nominada a Mejor actriz revelación (Valeria Sorolla) y Mejor actor revelación (Telmo Irureta). “Cuando estaba en la Facultad, nadie imaginaba que Andalucía tendría algún día a toda esa gente haciendo cine, no solo a directores como Alberto o Santi, sino los que escriben, montan... Yo estaba empezando a montar en torno al 2001. Tenía cierto sentido práctico, buscaba algo con lo que poder vivir, y eventualmente poder sacar adelante mis proyectos personales. Y me funcionó”, asegura.

“He montado muchas películas y sigo haciéndolo, y aprendo de todo: desde la dirección de actores o la puesta en escena hasta cómo lidiar con los productores. Las películas que hago son, además, las que quiero hacer. Me considero muy afortunado de compartir este momento tan bueno del cine andaluz con una serie de personas a las que admiro muchísimo, y que han abierto mucho camino a los que venimos detrás”.           

Laura Hojman, nominada en la categoría de Mejor largometraje por A las mujeres de España. María Lejárraga, también vuelve la vista atrás: “En 2003 estaba haciendo cuarto de Historia del Arte en la Universidad de Sevilla. Recuerdo perfectamente el lunes que llegué a la facultad después del fin de semana de Los Goya. Fueron los del ”no a la guerra“ y todo el mundo hablaba de ello. Yo vi la gala en casa, con mis padres y me entusiasmó. Me ardía la sangre con aquellos que la criticaban, me parecía que tenían un absoluto desconocimiento de lo que es la cultura, como si quisieran que fuese un mero entretenimiento blanco, vacío. Yo en cambio, me sentí orgullosa de que aquellas personas supieran que había algo más importante en juego en aquellos momentos en el mundo y de que sus voces representaran lo que la mayoría de la sociedad estaba gritando en las calles. Fue entonces cuando nació una campaña de desprestigio contra el cine español, de la que aún sufrimos las consecuencias. El rojo subvencionado sigue siendo el insulto comodín en Twitter para quienes nos dedicamos a esto”, asevera. 

La escuela de la tele

“Recuerdo el Goya de Lolita, que fue el primero, por su papel en Rencor. Su versión de La bambola me fascinó, me compré el CD solo por eso, y la sigo cantando en el coche como si no hubiera un mañana”, añade la sevillana. “Nada en 2003 me hacía presagiar que yo acabaría dedicándome al cine, y mucho menos que un día yo estaría nominada en aquellos Goya que en casa no nos perdíamos nunca. Eso sí, como siempre he sido muy peliculera, jugué muchas veces delante del espejo a dar mi discurso de aceptación de un Goya, con lloros y todo. Quién me lo iba a decir a mí...”

Como Benito Zambrano o Gervasio Iglesias, son muchos los profesionales del sector que empezaron haciendo sus primeros pinitos en el ámbito televisivo. Es también el caso de Vanessa Benítez, directora de La vida chipén, nominada en la categoría de Mejor canción por una pieza con letra suya y música de Paloma Peñarrubia. Hace 20 años ejercía como ayudante de realización del programa Es posible, “y de hecho sigo en Canal Sur, porque sigue siendo difícil vivir del cine”, explica. “Aquel era un programa de reportajes de corte social y aprendí muchísimo, viajé e hice mucha calle. Y sobre todo allí conocí a Antonio Galisteo, que desde entonces ha sido mi director de fotografía”.

Un 'yes we can'

Para Benítez, “desde chica me había sentido muy atraída por el cine y la publicidad, jugaba en casa con una camarita. Pero la posibilidad de hacer un proyecto grande, y como directora, tardó mucho en llegar. Ni siquiera me veía haciéndolo hasta que llegó Rota’n’roll, cuando mi productor, Daniel Méndez, me dijo, ¿por qué no? Y me animó a lazarme. Hasta ese momento, estas son cosas que les pasan a otros, no a ti. Hasta tengo una playlist con la música de las películas que nunca haré”.  

Entre los nominados andaluces de este año hay un testigo de aquel giro histórico. Se trata de Antonio Pérez, productor de Solas, el filme que marcó un antes y un después. “Costó 135 millones, y la gente hablaba de ‘película de bajo presupuesto’. ¡Joder, pensé, todo el mundo es aquí millonario!”, recuerda. “Entonces no había ayudas de la Junta, y fue a partir de la repercusión de la película que el Gobierno de Manuel Chaves se dio cuenta de que tenía que apoyar el sector”.

Pérez, que ha perdido la cuenta de los Goya que tiene en su haber –“más de 20 seguro, y unas 60 nominaciones”, calcula a bote pronto– y este año aspira a tres, subraya el significado de Solas como un “verdadero ‘Yes we can’. Hicimos una peli de pobres, alcohólicos, mayores, y andaluces… Y funcionó. Se vio el talento de Andalucía, un empuje que solo necesitaba que se le diera una oportunidad. Poco después yo estaba haciendo una película con García Sánchez y me dijo que a María [Galiana] no la habíamos descubierto nosotros, que ya había trabajado con él y algún otro. Y yo le respondí que sí, pero nosotros le habíamos dado un papel protagonista”.