Durante años ha circulado el rumor de que el comediante y actor canadiense Nathan Fielder (Nathan for You, The Rehearsal) había estado entrevistando a la fundadora de Theranos, Elizabeth Holmes, incluso visitándola en prisión, para un documental ultrasecreto. Ese documental ultrasecreto existe, se titula You Can See Everything, pertenece a la productora A24 y este domingo se ha proyectado por sorpresa en el Festival de Cine de Telluride antes de un estreno internacional este mismo otoño.

Theranos fue una empresa estadounidense de tecnología sanitaria que prometía revolucionar los análisis de sangre con una sola gota, pero que colapsó tras revelarse que su tecnología era un fraude masivo. Como consecuencia, Elizabeth Holmes ingresó en prisión, pues había engañado a los inversores de la empresa, utilizando en secreto aparatos de laboratorio tradicionales para hacer la mayoría de las pruebas de los pacientes.

Ahora, bajo la dirección de Fielder y también de Lance Oppenheim, quien es conocido por Una clase de cielo (2020) y que acaba de pasar por el Festival de Venecia con su filme Primetime, los espectadores tendrán la oportunidad de sumergirse dentro de la protagonista de este caso. “34 días antes de ser enviada a prisión, la infame fundadora de Silicon Valley, Elizabeth Holmes, invita a un escéptico equipo de filmación a documentar cada uno de sus movimientos”, reza la sinopsis de la película.

“Lo que comienza como un retrato íntimo de una enigmática delincuente se convierte en un viaje alucinante de tres años hacia el abismo”, anticipa la productora A24, que ya ha aprovechado para lanzar el primer tráiler. Holmes dice lo siguiente en este avance: “No soy esa persona. Se lo puedo prometer. No tengo nada sobre lo que engañarles, por supuesto que no les engaño. Me relaciono con ustedes como un ser humano. ¿Por qué les engañaría? No tengo ninguna razón para hacerlo. Siempre soy sincera”.

Esta no es la primera vez que Hollywood intenta recrear la historia de Elizabeth Holmes. En un momento dado, Jennifer Lawrence iba a interpretarla en una película dirigida por Adam McKay, pero ese proyecto se canceló cuando se estrenó la miniserie de Hulu de Liz Meriwether, The Dropout (2022), protagonizada por Amanda Seyfried. Asimismo, Alex Gibney realizó en 2019 el documental The Inventor: Out for Blood in Silicon Valley, donde sigue la increíble capacidad para el engaño de Holmes.

Holmes ingresó en prisión en mayo de 2023 y cumple una condena de más de 11 años. Aunque fue absuelta del cargo de estafar a pacientes, fue declarada culpable de estafar a inversores en su juicio federal junto con el exdirector de operaciones de Theranos y exnovio de Holmes, Ramesh “Sunny” Balwani. A inicios de año se reveló que la empresaria había pedido una liberación anticipada de la cárcel, según una solicitud presentada en 2025 ante el Departamento de Justicia.

Desde hace años, Venecia ha sacado pecho de ser el lugar donde daba comienzo la carrera por el Oscar. El certamen había logrado, con el apoyo de los estudios de Hollywood y Netflix —cuyos filmes no pueden competir en Cannes al no asegurar el estreno en salas de cine—, ser el escaparate para que los gurús de la temporada de premios calibraran las opciones de los filmes más esperados. De aquí salieron escopetadas hacia los galardones títulos como Roma, Pobres criaturas o, el año pasado, Frankenstein.

Sin embargo, esa política de flashes y glamour (normalmente esos filmes vienen acompañados de estrellas en su reparto que dan relumbrón a la alfombra roja) se ha demostrado, en varias ocasiones, inestable. La anterior vez fue en la post pandemia, cuando Hollywood no abrió el grifo lo más mínimo para permitir que sus películas vinieran (solo Nomadland, que terminó ganado el León de Oro y después el Oscar).

Pero en estos años todo ha cambiado mucho, y ahora una mala crítica en tiempos de redes sociales puede hundir un filme. O eso creen allí. Tras la debacle de Joker 2, vapuleada en Venecia, miden mucho más lo que presentan en Venecia. Este año, la gran parte de filmes que se espera que estén en los Oscar o no han llegado a tiempo o se han saltado Venecia en beneficio de citas más amables como Telluride o Toronto.

Por eso había mucho interés en ver qué ocurría con una de las pocas propuestas llegadas de un estudio de Hollywood y con una estrella como protagonista absoluto. Primetime venía con A24 como productor y Robert Pattinson dando vida a Chris Hansen, el periodista que saltó a la fama por To catch a predator, un formato en donde con cámara oculta exponía, delante de millones de telespectadores, a pederastas a los que hacían creer que acudían a ver a menores. Allí, en la casa donde les citaban, aparecía Hansen, por encima de la ley, como juez absoluto sin juicio mediante. Sacando, a cara descubierta, a los depredadores sexuales en horario de máxima audiencia.

El formato fue un éxito de espectadores, y también provocó una polémica constante debido a cómo desdibujaba cualquier límite moral. ¿Hasta qué punto un programa tiene la potestad de descubrir a esa gente?, ¿no debería ser la justicia quién lo hiciera? Para contar la historia del programa y de Hansen —y en la resaca de un documental que en España se puede ver en Prime Video sobre el mismo tema y que ha dado a conocer el show en todo el mundo— se ha colocado Lance Oppenheim, bregado en los documentales y que aquí debuta en el largo de ficción con un filme que desaprovecha todo su potencial y que, lo peor de todo, lo trata con una banalidad impropia del asunto.

A Oppenheim y al guion de Ajon Singh solo parece interesarles la historia de Hansen como crítica a los deseos de fama absoluta. Un cuento moral con el clásico 'cuidado con lo que deseas' como moraleja. No les importa en exceso, o al menos deciden no desarrollarlo, el tema que abordaba su programa. No mete los dedos en los límites morales del periodismo, en los peligros de tomarse la justicia por la mano y en cómo eso entronca con un contexto muy concreto, el post 11S donde un país decidió hacerlo.

A cambio prefiere jugar al humor negro en su retrato ácido de la ambición desmedida. Y eso queda claro cuando no solo el personaje de Hansen se obsesiona con ella, sino también los otros dos que le acompañan, su productora (Merrit Weaver) y el actor que ansía por encima de todo su carnet del sindicato de actores de Hollywood y que interpreta al señuelo como falso menor, un sorprendente Skiler Gisondo que es, de lejos, lo mejor de la función. Mejor incluso que un Robert Pattinson que demuestra que es inteligente alejándose de cualquier etiqueta que pueda caer sobre él como actor, y que está espléndido como Hansen. Pero ni su carisma ni su composición pueden salvar una película que se cree mucho más compleja de lo que es, y mucho más profunda que lo que su acercamiento realmente desvela.

Primetime reviste su banalidad con una puesta en escena resultona de estética dosmilera, llena de neones y planos retorcidos para acrecentar esa sensación de incomodidad. Hay ideas y coqueteos con el género para trasladar ese estado mental del protagonista, pero son un envoltorio para un filme que, además, tendrá que enfrentarse con la amenaza del Chris Hansen real, que ha dicho que ha comprado anuncios para proyectar antes de los pases de Primetime.

Según The Hollywood Reporter, Hansen afirma en dicho anuncio: “Ahora hay más plataformas que nunca donde se comete este perturbador delito. Únanse a nuestras investigaciones encubiertas todos los días en mi plataforma de streaming, TruBlu”. En Venecia no se vio ninguno.

Un Moretti tierno, pero menor

La otra gran apuesta vino de la mano de uno de los mejores cineastas italianos de las últimas décadas, Nanni Moretti. El autor de obras maestras como Caro diario o La habitación del hijo no pisaba Venecia desde 1989, cuando presentó Vaselina roja. Desde entonces, todos sus trabajos habían pasado por Cannes. Los tiempos de producción hicieron que su nuevo filme, Sucederá esta noche (que es una coproducción con España de la mano de BTeam e Irusoin y se rodó parte en San Sebastián), no llegara al certamen francés, por lo que el hijo pródigo ha regresado a casa.

Lo ha hecho con un filme menor dentro de una carrera apabullante, pero que contiene varias de sus señas de identidad, el humor, esa ligereza que esconde reflexiones sobre la vida y sus intrincaciones con la política (aunque aquí mucho menos presente) y los números musicales que invaden la trama para convertir todo en un estado casi mental más que en un retrato realista.

Sucederá esta noche es una adaptación de relatos de Eshkol Nevo, como ya hiciera en Tres pisos, y curiosamente ambas se colocan en eso que se podría llamar ‘obras menores’ de su filmografía. Quizás aquí se nota más porque viene de una película tan hermosa, luminosa, brillante y original como El sol del futuro. A pesar de ello Sucederá esta noche hace sonreír y calienta al espectador con su mirada a las relaciones amorosas, por las que apuesta sin fisuras en tiempos de relaciones líquidas y cinismo.

Gracias al magnetismo de Louise Garrell y Jasmine Trinca (que regresa al cine de Moretti tras La habitación del hijo) uno ve con gusto una trama sobre una pareja a la que el destino parece que quiere juntar a pesar de todo. A veces ciertas decisiones narrativas son un poco de señor de otra época —ese personaje del padre ligón—, pero también hay algo melancólico que responde al propio estado vital de Moretti, que tras sufrir un infarto en 2025 parece que acepta un estado crepuscular en su vida que se traslada a sus fotogramas.

Cuando el pasado febrero Susan Sarandon atendió a la prensa española con motivo de su Goya internacional dijo en voz alta lo que muchos ya temían. En EEUU se había vetado a las actrices y actores que habían denunciado públicamente el genocidio en Gaza. Ella era uno de los casos. Su agente había roto con ella y a los directores se les presionaba para que no la contrataran. Desde entonces, los filmes en los que iba a participar en Hollywood se habían caído y no tenía ninguna oferta en su país. Por suerte, acababa de rodar un filme en Italia.

Aquella película que fue el salvavidas de la mítica actriz de Thelma y Louise o The Rocky horror Picture show se llamaba The echo Chamber, y se ha presentado en el Festival de Venecia, donde Sarandon ha recibido una calurosa acogida en la rueda de prensa del filme que ha dirigido Andrea Pallaoro basándose en un guion de Bernardo Bertolucci. Una historia de adicciones, desamor, fantasma y recuerdos donde Sarandon interpreta a una versión femenina de Leonard Cohen. Una cantante que actúa de confesora del protagonista, un hipnótico Luca Marinelli.

La actriz fue preguntada por si en estos meses ha habido un cambio y si en Hollywood le han abierto las puertas. La respuesta fue agridulce, porque aunque confiesa que la gente ha abierto los ojos, no lo han hecho los productores de su país. “La narrativa ha cambiado en términos de la relevancia histórica de Palestina. Los lazos que los sionistas tienen con EEUU han sido una revelación para la gente. Nadie entiende todo el dinero que EEUU le da a Israel, y ahora hasta hemos votado para que se unan el ejército de EEUU y el de Israel. La gente se ha dado cuenta de eso, y eso ha cambiado”, reconocía.

Sin embargo, en términos de “poder estructural” no nota el cambio. “Me han quitado de varias películas recientemente porque hay agencias que les dicen que no me contraten. Eso es el poder estructural. Pero con la gente, y sobre todo a nivel internacional, me siento bienvenida. Lo que ha pasado conmigo pasa con otra gente, por eso agradezco a Andrea Pallaoro por no hacer caso a las advertencias. Hay un cambio en como se entiende la situación, en el público general, pero todavía hay posiciones en mi industria lideradas por sionistas que no relajan sus sentimientos contra mí. Pero tengo a mi gente, a mi equipo y estoy bien”, dijo ante el aplauso de la sala.

La actriz habló también de la influencia que había tenido Bertolucci en su vida y en su visión del cine como arte poético y político, especialmente gracias a El conformista. “Nunca había visto nada así, no sabía que el cine podía hacer eso. Cómo miraba, cómo contaba… era completamente diferente a las películas americanas. Entonces no sabía lo que pasaba políticamente”, dijo Sarandon que luego recordó que gracias a Louis Malle, con quien trabajo en La pequeña y Atlantic City le conoció y se hicieron amigos.

Hace poco volvió a vercon su hijo, que es director de cine, y se percató de que “sigue siendo moderna: la fotografía, los planos, la escena del tren, la hermosa forma en que está rodada…”. A El conformista le recuerda esta The echo chamber, que se desarrolla completamente en una casa que se convirtió en su “pequeño mundo” en el que, en contraste con Hollywood, “no hay tráileres” para las estrellas y estaban todos juntos.

Cree que han rodado un filme “con esa sensibilidad tan europea que crea atmósferas y cuenta la historia más con imágenes que con palabras”. “Andrea se toma todo el tiempo para contar esta historia y no explicar todo al público. No pone cartelas de ‘dos meses después’ o ‘un año después’, desdibuja la línea de pasado y el presente; del sueño y el recuerdo. Un director americano no podía haber dirigido esto”, zanjó.

Aquí vuelve a cantar, como en The rocky horror picture show, pero aclaró que ella no canta, aunque eso vino bien a un personaje que está luchando contra sus demonios interiores, algo que ocurre a todos, y ahí bromeó con que ella había pasado por todo lo que su personaje: “Menos meterme heroína”. Pero sí hay algo que cree que une a todos en la película y en la vida real, y es que “buscan una conexión y eso es lo que cada ser humano está buscando ahora, conectar, ser visto, ser oído”.

Empieza con la pérdida paulatina de abdominales y continúa por el repentino interés por el fútbol, el pésimo gusto para vestir y las ganas irrefrenables de emparejarse para tener hijos. Son los síntomas de la heterosis, una extraña enfermedad que convierte a los hombres gays en heterosexuales... y que forma la premisa de Jim Queen, una película de animación para adultos que se proyectó en el Festival de Cannes fuera de concurso y que llega ahora a los cines de España. La cinta narra la historia de Jim Parfait, un musculoso influencer gay que, tras contagiarse y perder su popularidad, se alía con Lucien, un chico tímido que no se atreve a salir del armario, para buscar una cura.

El filme propone una sátira que se ríe de los clichés internos del colectivo y denuncia la homofobia que todavía pervive en la sociedad. Lo hace recurriendo a parodias de canciones de Disney en cuartos repletos de dildos y arneses, gags sobre la obsesión con los orgasmos prostáticos, la temida gaystapo, el postureo de gimnasio y los eternos debates entre activos y pasivos. Sin embargo, abordar una epidemia en tono de comedia dentro de la comunidad LGBT conllevaba el riesgo de rozar la frivolidad, sobre todo por la consideración que merece la memoria histórica de crisis tan dolorosas como la del VIH.

Los guionistas pasaron meses calibrando cada broma para asegurarse de que la película fuera respetuosa sin perder frescura. “Es muy difícil”, admite Simon Balteaux a elDiario.es sobre el proceso de escritura. “Hemos dedicado mucho tiempo a probar los chistes porque la idea principal era que no queríamos ser crueles, queríamos ser considerados y divertidos a la vez. De quien primero me burlé fue de mí mismo, así que intentamos buscar ese tipo de humor que compartes con tus amigos íntimos en una cena. Queríamos pasarlo bien juntos y bromear todos a la vez, sin herir a nadie”, subraya el creador, enfatizando que por ello trataron de tener “mucho cuidado”.

No obstante, la película apunta directamente a la hipocresía política y el avance de los discursos reaccionarios. Aunque el proyecto nació hace ocho años como una comedia desenfadada en un clima de optimismo social, la realidad terminó contagiando el tono de la historia. “Cuando empezamos a escribir estábamos viviendo una época dorada en Francia y parecía que las cosas avanzaban con el matrimonio igualitario”, cuenta Balteaux. “Ahora notamos que el viento está cambiando y que estamos retrocediendo. Vemos leyes terribles en países como Senegal, donde meten a los gays en la cárcel, o cómo se mueven las cosas en Hungría, Rusia o Estados Unidos. La película se volvió política porque el mundo real está cambiando y da miedo”, comenta.

Balteaux denuncia, además, cómo ciertos gobernantes utilizan a las minorías como chivo expiatorio para desviar la atención de sus propias deficiencias de gestión. “No tengo ni idea de por qué este discurso de odio sigue teniendo eco, pero creo que es una técnica política”, critica el guionista frente al avance de la polarización, agregando que “a veces resulta más fácil luchar por normas absurdas, como debatir sobre no compartir el mismo baño, en lugar de centrarse en la economía o en los problemas reales de la gente”. “Se financia algo absurdo para no tener que trabajar en los proyectos verdaderamente importantes; sigo sin entender por qué la sexualidad, el género y los cuerpos tienen que seguir siendo un problema para tantos políticos”, resalta.

La búsqueda de una catarsis colectiva a través de la risa hunde sus raíces en la juventud de los propios cineastas. Balteaux y el director Marco Nguyen concibieron la idea a partir de sus vivencias compartidas durante la infancia. “La pregunta principal era: ¿qué pasaría si ya no pudiéramos ser gays?”, explica el guionista. “Marco y yo nacimos en los 80 y quedamos completamente traumatizados por dos cosas. La primera fue, por supuesto, la pandemia del VIH. Y la segunda es que nacimos y crecimos en pequeños pueblos, por lo que, durante toda nuestra vida, nos han hecho sentir como si fuéramos una especie de monstruos por ser gays”, relata.

Ese sentimiento de aislamiento queda plasmado en el personaje de Lucien, quien todavía no es capaz de contar a nadie su orientación sexual. Aunque las leyes hayan avanzado en Europa a lo largo de las últimas décadas, Balteaux tiene claro que salir del armario continúa tratándose de un proceso lleno de barreras emocionales para muchas personas. “Sigue siendo difícil hoy en día, por desgracia”, lamenta. “Me llevó unos 20 años aceptar cómo era y tuve que mudarme a París para lograrlo. Durante la crisis de la COVID-19 me fui a vivir a un pueblecito durante un tiempo y me di cuenta de que, si no vives en una gran ciudad, sigue siendo igual de difícil”, detalla a este periódico.

En el extremo contrario se encuentra Jim, quien en el largometraje tiene una fijación con levantar pesas, lucir bíceps y mantener una imagen impecable frente al espejo. Balteaux vuelca en el personaje sus propias contradicciones cotidianas en torno al culto al físico. “La crítica que puedo hacerme a mí mismo es que estoy completamente obsesionado con mi cuerpo; voy al gimnasio todos los días y sé que no es saludable”, confiesa. “Hoy en día, especialmente en la cultura gay, existe una obsesión por la perfección, los músculos y el masculinismo. Esta película era una forma de decirle a la comunidad: 'Vale, ¿podemos relajarnos un poco, ser más amables y dejar de ser tan duros con nosotros mismos y con los demás?'”, reflexiona.

“Nos hemos convertido en un producto”, apunta Simon Balteaux cuando piensa en cómo plataformas como Instagram condicionan la autoestima. En la película, en cuanto Jim pierde sus abdominales a causa de la heterosis, sus seguidores se esfuman. No obstante, el guionista destaca que la tiranía de la imagen en internet no se diferencia mucho de las dinámicas que se sufren a diario en las aplicaciones de citas. “Ya no estoy en Grindr porque es demasiado duro; tengo la sensación de ser un yogur y de tener que darme consejos y decir: 'Vale, soy supersaludable, de sabor a fresa y lleno de proteínas”, dice. “Es un gran problema porque, en el fondo, te estás vendiendo a ti mismo como una mercancía”, añade.

Al contraer la heterosis, Jim comienza a interesarse de forma compulsiva por el fútbol y adopta los modales más toscos de la masculinidad tradicional, un recurso que el filme aprovecha para ridiculizar los estereotipos y las presiones por encajar en un molde viril. “Fue muy interesante reírse de ello porque a mí mismo me costó mucho construir mi masculinidad”, indica el guionista. Este reconoce que hace un par de años estaba obsesionado con parecer masculino: “Esta película me ayudó mucho a que por fin me diera igual todo: a veces puedo ser muy masculino y otras veces descarado y eso está bien. Hay muchos tipos diferentes de masculinidad y todos molan, solo sé tú mismo”.

Esa necesidad de catalogar a las personas también se traslada a las discotecas del filme, donde desfilan desde bears —hombres corpuletos con abundante vello corporal y facial— y twinks —hombres delgados con aspecto juvenil y sin demasiado vello corporal— hasta devotos del cuero. Aunque las etiquetas han servido tradicionalmente para crear espacios seguros, los creadores señalan las barreras que a veces provocan. “Hay una escena de fiesta donde aparece una drag queen para recordar con ironía: 'No, no, aunque esto es la comunidad LGBT, aquí solo importa la G de gays'”, explica Balteaux, que argumenta que uno de los objetivos de Jim Queen era inquirir “si podíamos ser un poco más comprensivos los unos con los otros”.

Ante el actual clima de regresión, Simon Balteaux advierte de que ninguna conquista social está garantizada y reivindica la urgencia de arropar a las identidades menos visibles del colectivo queer. “Todavía tenemos que tener mucho cuidado con el hecho de mantener nuestros derechos y la libertad de ser quienes somos”, subraya el guionista. “El mercado y el cine han convertido a los hombres gays en un producto más visible, pero mi idea es usar ese foco para dar luz a las otras letras. En Jim Queen nos centramos en un grupo específico por razones de presupuesto, pero me encantaría hacer una segunda parte o una serie para hablar más de las mujeres lesbianas y de las personas trans”, concluye.

El 28 de agosto de 2009, los asistentes al concierto de Oasis en París fueron avisados por megafonía de que, tras una discusión entre Noel y Liam Gallagher, el evento se cancelaba. Era la enésima bronca entre los hermanos, la gente estaba acostumbrada a sus idas y venidas, pero aquella vez, parecía la definitiva. Desde entonces, nunca se habían juntado de nuevo. No había ningún síntoma de acercamiento entre ellos, pero en 2023 los rumores empezaron a sonar.

Días antes de la final de la Champions League que enfrentaba al Manchester City —el equipo de los Gallagher— contra el Inter de Milán, Liam dejó un tuit en el que decía lo siguiente: “Si el Manchester City gana la Champions League, voy a llamar a mi hermano y reunir a la maldita banda”. El City ganó la Champions, y nadie sabe si fue ese triple lanzado al aire el que hizo que levantara el teléfono o no, pero un año después, y 15 años tras aquella cancelación, Oasis anunció que se juntaba de nuevo para una gira histórica.

Las bambalinas de aquel tour, que ahora se rumorea con que seguirá el año que viene con más citas en Reino Unido y, supuestamente, en Madrid y Barcelona, también se rodaron para un documental que se ha presentado en el festival de Venecia, donde además los Gallagher, aunque no han atendido a la prensa, sí han posado en el photocall y la alfombra roja. Oasis: Don’t look back in anger es el título del filme, que además llega a las salas el próximo 11 de septiembre para contentar a los fans.

La propuesta del creador y productor Steven Knight —responsable de series como Peaky Blinders y guionista del próximo James Bond— responde al título del filme, que no es más que el de una de las canciones más míticas del grupo. Don’t look back in anger, o 'No mires atrás con ira', es el mensaje que traslada el filme. Los hermanos han superado sus diferencias, y al final ese mensaje se eleva como metáfora de la importancia de la empatía en un mundo dividido y cabreado.

Si Liam y Noel han podido reconciliarse todos podemos, parece decir un filme que sigue a los hermanos desde los ensayos del tour, cuando Noel todavía duda de que eso vaya a llegar a buen puerto. 15 años sin hablarse son muchos, y Noel sigue siendo Noel, un terremoto volcánico tan carismático como impredecible. Para esos ensayos se usaron 12 cámaras que se escondieron para ver cómo se desarrollaban esos momentos. Los primeros compases son tensos. No se tocan. No se miran.

Todo cambia cuando llega la gira, cuando ven a la gente rendida a sus canciones y a sus himnos. Ahí empieza esa reconciliación. Es Noel quien lleva la voz cantante del documental, quien muestra su sorpresa cuando en el primer concierto, tras no haberse casi dirigido la palabra, su hermano le agarró de la mano y la levantó delante de todos como si fuera el ganador de un combate de boxeo. Confiesa que durante cuarenta minutos no dio pie con bola, pero que, sin embargo, Liam se comió el escenario. Le vio salir con sus maracas, colocarse su mítica pandereta como si fuera el halo de un santo y cantar como si el tiempo no hubiera pasado. Es cierto. Escuchar la voz de Liam es una máquina del tiempo a los mejores momentos de Oasis.

Ahí radica uno de los elementos más bellos del filme, el reconocimiento de ambos al talento del otro. Sí, las canciones las escribía Noel Gallaguer. Sin él no habría Wonderwall ni Don’t look back in anger, y hasta Liam lo reconoce en el documental. Pero sin la personalidad a contracorriente, revolucionaria y provocadora de Liam no se hubieran convertido en aquella banda que golpeó el panorama musical en los 90, a la que compararon por éxito con los Beatles, y que además pusieron el foco en la clase obrera de la que habían salido.

No se olvidan de esa clase obrera, la mencionan varias veces en el filme. A los que no se pueden permitir pagar una entrada en Mánchester y les escuchan desde una colina les dedican una canción, y dejan claro que no saben lo que son, pero sí lo que no son. “No somos de derechas”, dice Noel Gallagher en la entrevista conjunta con la que el documental entra en su último y conmovedor tercio, en el que cuentan que sus hijos apenas se conocían y que ahora salen de fiesta juntos y son amigos porque ellos también se han reencontrado. “Esta gira ha cambiado la narrativa sobre nosotros”. Una narrativa que se centraba en el caos, y que ahora vuelve a la gloria.

Esa reconciliación se va forjando concierto a concierto, donde los directores Dylan Southern y Will Lovelace colocaron 18 cámaras entre bambalinas y público para captar cada gesto, cada detalle. Para dominarlas, cuatro directores de fotografía diferentes que captaran la luz de lugares como Cardiff, Mánchester, Londres, Buenos Aires o São Paulo.

Una polémica superada

Aunque los Gallagher no estuvieron en la rueda de prensa, Steven Knight y los directores explicaron las decisiones creativas y narrativas en torno al filme, como por ejemplo el porqué no se centra en lo que ocurrió en aquella noche del 28 de agosto de 2009. “No miramos a lo que pasó. Algunos lo saben, otros no… pero esta película es sobre lo que pasa ahora. Y la intención es, en esta época de redes sociales y anonimato, hablar de personas que se reconcilian y se perdonan. Es una película sobre el ahora y el futuro”, dijo Knight que además dejó claro que lo que salió al grabarles “es mejor que cualquier ficción posible”. “Además, nadie puede interpretar a Liam Gallagher… excepto Liam Gallagher”, añadió jocoso Dylan Southern.

Para Dylan Southern y Will Lovelace era fundamental desaparecer durante los ensayos. Por eso escondieron esas 12 cámaras. Ahí vieron los primeros compases y dinámicas de ambos hermanos tras tantos años separados. Y apenas hubo relación. Sin embargo, “al ver cómo reaccionaba la gente a sus canciones en el tour, eso les afectó a ellos”. Al final, captaron “cómo se reconcilian en el escenario delante de todo el mundo”.

Una reconciliación que se materializa en esa entrevista conjunta donde hablan de nostalgia, de cómo han cambiado el relato sobre Oasis, sobre los años 90, las fiestas de entonces y las de ahora, sus ansiedades y miedos, y de que ahora se mandan vídeos por WhatsApp y hablan más de la vida y del mundo que cuando estaban en la cresta de la fama. Todo eso entre las 179 veces que entre ambos dicen la palabra ‘cunt’ [coño, en inglés, aunque vulgarmente se utiliza como “imbécil” o “cabrón”], una cifra dada por los directores entre risas y tras la que dan su opinión sobre si hay reunión de los Gallagher para rato o se enfadarán de nuevo: “No parece que vaya a ocurrir, se llevan muy bien”.

John Malkovich es uno de esos actores a los que su rostro, alejado del canon de belleza hollywoodiense, siempre ha colocado en papeles de ‘raro’. Hacía tiempo que le tocaba ese personaje que le volviera a colocar en el centro. Uno que despertara a la gente del letargo y viera que es algo más que un intérprete condenado a secundarios excesivos y excéntricos. La varita mágica la tenía Martin McDonagh, experto en coger a actores como Malkovich y darles el personaje que se merecen.

El director de Tres anuncios en las afueras (que valió el Oscar a Frances McDormand y Sam Rockwell) y Almas en pena de Inisherin (que granjeó sendas nominaciones para Colin Farrell y Brendan Gleeson) es de esos cineastas que escriben caramelos a los actores. A Malkovich le ha dado uno de los mejores personajes de su carrera, el de Wild Horse Nine. Malkovich borda ese agente de la CIA destinado en Chile para preparar el golpe de Estado contra Salvador Allende y que pierde la memoria mientras decide escribir, valga la redundancia, sus memorias contando todas las barbaridades cometidas sirviendo a su país, y ahí entra desde el magnicidio a varios golpes de Estado en países como Guatemala o el Congo.

Tras el pase de prensa en el Festival de Venecia la crítica lo tuvo claro, a John Malkovich le van a llover los premios por el filme, y ya en la rueda de prensa se le preguntó por ello. “Tengo una carrera muy larga y tengo películas espectaculares con directores, guionistas y actores increíbles. Nunca siento que compita con nadie, porque amo lo que hacen, para mí es algo muy bonito que digan esas cosas, pero lo más bonito es que haya atención sobre esta película que tiene varias interpretaciones increíbles y está genial escrita y dirigida. Eso es lo más importante”, dijo.

McDonagh llevaba varios proyectos intentando trabajar con él, pero por culpa de compromisos con otras películas no habían podido hasta ahora, y la elección fue “muy fácil”. “Era un guion hermoso y esta vez no había nada que lo impidiera. Me gusta que los dos protagonistas son dos idiotas que son tan ignorantes que dicen en alto que son de la CIA y van a desestabilizar la democracia de Chile y mandar al país al garete. Aunque, a veces, leyendo la historia, parece que algo así está cerca de lo que ocurrió en realidad”, dijo de su elección del papel.

Poco antes, Malkovich, junto a su compañero de reparto, Sam Rockwell, atendía a elDiario.es en un hotel junto a la Plaza de San Marcos de Venecia. Rockwell contó lo más importante y por lo que repiten todos con Martin McDonagh: “Es un guionista realmente bueno, pero no es un cretino, lo cual ayuda. Es un hombre empático, amable, tiene modales y habilidades sociales, lo cual a veces, sorprendentemente, puede ser raro”.

Para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido

John Malkovich — Actor

En Wild Horse Nine se tiende el hilo para que el espectador una que lo ocurrido en aquellas décadas, desde el asesinato de Kennedy en 1963 a los diferentes golpes de estado contra gobiernos latinoamericanos de izquierdas, tiene sus consecuencias en la actualidad. Algo que dejó claro Martin McDonagh en la rueda de prensa, y que hace pensar a Malkovich si lo que tenemos ahora es, realmente, eso que llamamos democracia.

“No estoy del todo convencido de que vivamos en una democracia, pero si es así… buena suerte con ello porque, ¿qué es una democracia?, ¿de quién es?, ¿cómo se decide? Hoy me he preguntado varias veces, ¿en qué país los ciudadanos creen lo que dice su Gobierno? No estoy seguro. Esto se ha repetido una y otra vez en el tiempo, lo que pasó en noviembre de 1963, en Chile del 73… está sucediendo todo el tiempo”, asegura.

McDonagh establece una metáfora entre la memoria que pierde su protagonista y la memoria perdida de forma colectiva que hace que olvidemos sucesos como el golpe de Estado de Chile y nos condene a repetir los mismos errores. Para Malkovich esa idea es “la esencia de la película” y recuerda que el otro día vio en televisión a jóvenes universitarios que, ya no es que supieran lo que ocurrió en Chile en 1973, es que no sabían “lo que pasó en Nueva York el 11 de septiembre de 2001”. “No sabían nada, ni quién lo hizo, ni cómo se respondió… para tener una memoria social, una memoria nacional, hay que tener un cierto grado de aprendizaje, haber absorbido algo, y eso no veo que pase a menudo. No importa de donde vengas, hay mucho olvido”, dice con cierto pesimismo.

Para el actor de Las amistades peligrosas es importante que películas como Wild Horse Nine vengan a festivales internacionales. Lo dice en un año en donde Hollywood ha frenado su presencia en Cannes o Venecia. Para el actor, “el cine es algo mundial, y hay un público en todas partes que quiere ver algo interesante, algo que los conmueva, los divierta, los emocione”, y pone un ejemplo: “Si alguien ve El agente secreto fuera de Brasil, puede que no les guste, y lo entiendo, pero la película les está diciendo algo, y antes había muchas películas estadounidenses, en los 70, que hacían eso, y cada vez hay menos cine estadounidense que lo haga y eso es desgarrador, pero también es un error increíble. Venir a un lugar como Venecia o San Sebastián o El Cairo o Cannes o donde sea te conecta con un público de todo el mundo. Y es un mundo muy grande”.

Su regulación ya estaba presente entre las reclamaciones de intérpretes y guionistas durante la huelga de 2023, y un par de años después la Academia decidió pasar a exigir que se informara de su utilización a la hora de seleccionar las películas oscarizables. Aun así, es fácil proponer que no ha sido hasta este año, 2026, que la Inteligencia Artificial generativa ha empezado a estar a la orden del día en Hollywood. Coincidiendo con lo que ya hay quien declara el pinchazo de la burbuja, e invadiendo la actualidad mediática a base de grandes anuncios y breves controversias.

Así que, al margen de cierta patente que un tipo tan emprendedor como Ben Affleck ha logrado endilgarle a Netflix —en paralelo a que la plataforma admita haber usado esta tecnología con profusión durante los últimos meses—, y pasando por encima de la decepción que Scorsese ha hecho cundir entre la cinefilia por su empeño en agilizar los storyboards, nos topamos con que la incorporación de la IA al tejido industrial se traduce en dos tipos de actitud. Por un lado, la arrogante o mesiánica, la que se empeña en vendernos su carácter revolucionario. Es la de Darren Aronofsky con cierta miniserie espantosa centrada en la independencia de EEUU, o Doug Liman con una película titulada Bitcoin (¡) que asegura haberse ahorrado millones en localizaciones.

Ambas han hecho un uso prominente de la tecnología y deben presumir de ello, pues en ello les va el dinero y la inversión. Es la actitud contraria a la que nos interesa ahora: la del disimulo. La que se ajusta al meme aquel de “profe no lo hicimos” y que en cuanto es descubierta se granjea críticas en redes tan hostiles como mordaces y despectivas. Porque cómo vamos a respetar que tanto Supergirl como Spider-Man: Brand New Day, con tal cantidad de material gráfico a sus espaldas, recurran a la IA para sus diseños. Cómo nos va a respetar nadie, deben ser conscientes algunos de estos espabilados cineastas, si la gente llega a descubrir lo cutres que somos.

Es un poco más grave cuando hablamos de blockbusters con tantos recursos como dispone el cine superheroico, pero el sentimiento de vergüenza es equivalente y es el que mueve a los realizadores a fingir hasta el final. Hasta que alguien les acorrala, y el director Adam Shankman confiesa que hubo un poco de IA en los efectos visuales de Stop! That! Train! (comedia de acción encabezada por RuPaul aún inédita en España) días antes de que Eli Roth haga lo propio con Dulce sabor a muerte.

El caso de Dulce sabor a muerte, que ha llegado finalmente a nuestro país tras su estreno estadounidense a principios de agosto, resulta sugerente en especial. Porque su argumento permite proclamar risueñamente que a Roth “le han pillado con el carrito del helado”, y sobre todo porque el perfil de este director, la forma en que ha empleado la dichosa tecnología para este film, ilustra a la perfección cuál es la ideología, así como secreta, que encubre tanta fruición por la IA.

El verdadero cerebro de la Inteligencia Artificial

Clement Tyler Obropta, vía Film Inquiry, se ha mostrado duro contra Dulce sabor a muerte al punto de llamar al boicot. “No paguéis por películas o series que usen IA generativa. No las critiquéis. Y, si sois editores, no solicitéis ni publiquéis críticas de estos proyectos”. Es un llamamiento plenamente legítimo y merecedor de nuestro apoyo, pero por ahora, en lo relativo a Dulce sabor a muerte, sería una pena privarse de analizar sus particularidades. Porque el director Eli Roth dijo inicialmente que no habían usado IA en absoluto. Incluso presumió de haber dibujado y animado él mismo la pieza en blanco y negro que enloquece a los críos de la película.

Dulce sabor a muerte cuenta básicamente cómo un siniestro heladero (Ari Millen, visto en Orphan Black) llega a un pueblo de lo más tranquilo donde, una vez los niños comen los productos que trae este visitante, se desata la masacre. Los niños se vuelven contra los adultos para asesinarlos a lo bestia, estilo Chicho Ibáñez Serrador, luego de que la citada pieza de dibujos animados (inspirados en los años 20, entre Disney y Fleischer Studios) termine de activar en sus cabezas la sed de sangre. Roth aseguró, entonces, que él se había encargado de la animación y de buena parte de los diseños, que en el film aparecen tanto en movimiento como adornando el carrito de los helados del villano.

Lo que pasó después es que la gente empezó a ver la película, se fijó en la presencia en los créditos de una conocida empresa de IA (DarkHalf) y la máscara cayó. Roth tuvo que confesar que sí, que habían recurrido a ella —“Me expresé mal. Tuve la oportunidad de unir tecnología y creatividad para llevar a cabo mi visión de la película”, dijo textualmente—, sin dar más detalles. Aunque no es que sea necesario. Los rastros de la IA generativa y sus inercias son bien visibles en Dulce sabor a muerte, en materia de duplicado automático de elementos y un movimiento robótico que nada tiene que ver con el modelo rubber hose (“manguera de goma”, como se la conocía por los brazos bamboleantes de los personajes) que tanto se estilaba en la animación primitiva estadounidense.

También se percibe en los diseños como tal, genéricos por fuerza y apegados rutinariamente a esta escuela. Es la iconografía que acompaña al heladero y Roth podría justificarlo si se le hubiera ocurrido: ¿no encaja esta estética moribunda con un psicópata así, no podría ser esta reinterpretación de motivos adorables algo remitente a los animatrónics de Five Nights at Freddy’s? Pues podría ser, claro. Podría tratarse de un uso intencionado, estilo lo que un director tan intelectual como Radu Jude hizo para reírse de la tecnología (sin demasiada gracia, todo hay que decirlo) en su reciente versión de Drácula. Pero hablamos de Roth. Además de una película baratísima, auspiciada por un sello que él mismo montó el año pasado (The Horror Section) y, por tanto, beneficiada de una opacidad en su desarrollo muy útil para no llamar la atención antes de tiempo.

Unir esta coyuntura al clima general que la IA ha implantado en Hollywood —llamando la atención de cualquier ignorante avaricioso o cuñado prototípico con algo de poder—, bastaría para aclarar el enclave de Dulce sabor a muerte. Y, sin embargo, merece la pena ahondar un poco más en su director. ¿Quién es Eli Roth? Antes de nada, es un sionista entusiasta que desde los atentados del 7 de octubre ha defendido cada decisión del Estado de Israel y deseado que Greta Thunberg sea “devorada por caníbales”. También es uno de los máximos promotores del torture porn en EEUU, ese terror fundamentado en el gore y el sadismo que representaría Hostel en su máximo esplendor.

Roth se hizo un nombre durante el estallido de este movimiento a poca distancia del Nuevo Extremismo Francés, a mediados de los 2000. Ha pasado su tiempo desde entonces y se nota en el escasísimo impacto con el que Dulce sabor a muerte encadena atrocidades y mutilaciones de los niños contra sus padres. El tono, desde luego, apunta a una comedia negra que elude una auténtica empatía, y no obstante también desde este ángulo todo parece trasnochado: por comparar con un fenómeno similar las películas de Terrifier son mucho más ingeniosas y, sobre todo y en lo que sería la clave, traslucen una dignidad artesanal que en Dulce sabor a muerte ni está ni se la espera. Una falta de talento que, por otra parte, es extrapolable a la totalidad de la filmografía de Roth.

Por decirlo sin tapujos, Roth siempre ha sido un realizador de lo más incompetente. En el sentido más riguroso de la expresión, el que impele a una puesta en escena con unas mínimas nociones formales. Lo sufríamos cuando debutaba con Cabin Fever en 2002 y podíamos achacarlo a la inexperiencia o el bajo presupuesto, pero una vez se suceden los años y las películas espantosas… ha de tratarse de una militante ineptitud. Que también estaba cuando la explosión del torture porn, solo que aquí más que la negligencia a la hora de narrar en imágenes molestaba la mezquindad.

Una película sin mensaje

La cinta muestra la capacidad de despojar al gore de todo lo que pueda tener de gracioso, en función a un alarde de misantropía y gruesas notas reaccionarias —sobre todo entre Hostel y Green Inferno, miserable crítica a la supuesta doble moral de los discursos ecologistas sazonada con un rampante racismo—, que con el tiempo se han ido moderando para constituir simplemente entretenimientos pobres e inofensivos. Caso de Black Friday, con su facilona crítica al consumismo, o del que puede ser uno de los peores blockbusters de los últimos años, Borderlands.

Tal es el individuo que firma Dulce sabor a muerte. Tal es su falta de talento, que va desde una chocante incapacidad a la hora de describir el espacio de acción —la lamentable secuencia inicial—, hasta una planificación pesadillesca de los diálogos a costa de una falta de ritmo y escritura que agrava las carencias descritas. Si bien cabe celebrar de Dulce sabor a muerte que por una vez no pretenda subrayar ningún mensaje —decantándose por un desenlace sombrío que podría haber encajado mejor si no culminara semejante chapuza—, volvemos a lidiar con una ortopédica banalidad donde da igual que se quiera jugar malévolamente con los imaginarios infantiles: la ejecución es tan penosa que no hay forma de que el juego prospere. La complicidad tiende a cero.

Y finalmente, una vez nos recuperamos y apartamos los restos de carroña de nuestros ojos, se abre paso una idea feliz. Esta apunta a que, si quienes sacan más provecho de la IA —quienes más necesitan recurrir a esta tecnología contaminante diseñada para estimular la pereza y amodorrar la creatividad— son tipos tan mediocres como Eli Roth, la dignidad y el orgullo siguen de nuestro lado. Lo único que merece este percal es todo nuestro desprecio.

“Buena suerte con la democracia y todo eso”. La frase, lapidaria, premonitoria y tan divertida como terrorífica, la dice en un momento de Wild Horse Nine el personaje que interpreta John Malkovich. Él es un agente de la CIA destinado a Chile para preparar el golpe de Estado contra Allende en 1973. Pero la memoria se le desvanece, y pide como último deseo acudir junto a su compañero, Sam Rockwell, a ver las estatuas de Rapa Nui. Allí, para luchar contra esos recuerdos que se pierden, decide también hacer unas memorias irreverentes y sorprendentes.

La frase, llena de mala leche e ironía, se la dice a dos activistas chilenas que están ilusionadas con su nuevo presidente, Salvador Allende. Malkovich sabe lo que va a pasar, y les suelta ese dardo envenenado. El dardo lo lanza al espectador también su director, Martin McDonagh, que ha logrado con Wild Horse Nine su mejor película y ha helado la sonrisa de la crítica en Venecia con una comedia negra que hace reír de pena. Porque lo que se ve es tan hilarante como real. De aquellos polvos, estos lodos. Y de aquellos años de golpes de Estado apoyados o dados por EEUU a cualquier Gobierno de izquierdas en América Latina, estas consecuencias de líderes populistas, de fascistas aupados al poder que niegan la memoria histórica, que acusan al feminismo y que seguramente digan que ya no se puede hacer chistes de nada.

McDonagh ha creado una brillantísima sátira sobre la memoria. La memoria que pierde su protagonista, y la memoria colectiva. La memoria histórica que hay que recordar para que no ocurra lo mismo. La metáfora es bella, pero en este caso es también muy divertida ante la incontinencia y las formas de esa dupla de agentes de la CIA que podrían ser unos Mortadelo y Filemón yanquis y con los que el cineasta hace también una parodia del cine de espías de los 70.

A Martin McDonagh ya se sabe que le encanta ese estilo irónico, pero su problema es que normalmente se gusta demasiado. Se sabe el niño más listo de la clase, y hace decir a sus personajes frases imposibles y pomposas que epatan al público y la crítica y que suelen revertir en elogios a sus libretos (aquí en Venecia tiene dos premios al Mejor guion). Le pasaba en Tres anuncios en las afueras y en Almas en pena en Inisherin. Aquí, sin embargo, consigue el equilibrio entre su propio estilo y el que pedía su personaje. Sí, está esa ironía presente en cada plano, pero sus frases no se comen su historia.

Wild Horse Nine es una comedia divertida que habla de Chile, pero también de EEUU y de cómo el asesinato de Kennedy acaba con muchas esperanzas. Habla de cómo todo aquello remodeló lo que entendemos por democracia, y habla de esos ‘funcionarios’ que siguen órdenes sin importarles nada. Les da igual que gane Nixon, que se asesinen a inocentes en un país a miles de kilómetros de distancia y que se imponga a dictadores a base de golpes de Estado. Ellos cumplen órdenes. La banalidad del mal, abordada desde el humor y la sátira, una propuesta arriesgada pero que de forma milagrosa siempre aterriza bien.

Lo hace porque tiene clarísimo su punto de vista moral. Aunque los agentes de la CIA sean sus protagonistas no les da las coartadas morales que McDonagh suele dar a sus ‘malos’ (como pasaba con el personaje de Sam Rockwell en Tres anuncios en las afueras). Aquí son dos mindundis, y esa memoria en descomposición hace que uno de ellos empiece a plantearse todo lo que ha hecho, y es ahí, desde el arrepentimiento y la sinceridad cuando llega la empatía hacia él. El bisturí satírico de McDonagh alcanza su cima en un clímax violento, casi de justicia poética y con un monólogo para el recuerdo de Malkovich sobre cómo evitar el próximo golpe de Estado.

Malkovich ofrece una interpretación para el recuerdo. Consigue caminar por la finísima línea entre la sobreactuación y el no llegar a un tono endiablado. Lo clava. Está magnético y uno no puede quitar la mirada de su personaje, que pasa de la ternura a lo repugnante en una sola frase y que probablemente le vaya a granjear bastantes premios en los próximos meses. A su lado, un Sam Rockwell que repite con McDonagh y que nunca falla y un volcánico y divertidísimo Steve Buscemi. Todo en su sitio para que Wild Horse Nine sea una de las películas de la temporada.

McDonagh defendió en la rueda de prensa este paso adelante en su cine donde ha entrado en algo que le interesa desde hace tiempo, “lo que la CIA ha hecho en las últimas décadas, las cosas horribles que hizo”. En la película hablan de Guatemala, Congo o Bahía de Cochinos como ejemplos de los golpes de Estado donde EEUU participó. “Se ha hablado mucho de la KGB y lo que hizo, pero creo que no hemos cuestionado las actividades de la CIA tanto como debíamos, y ese fue uno de los puntos de inicio para hacer esta película”, señaló sobre un filme que “pasó de ser una comedia a algo más profundo, oscuro y triste”.

El cineasta y dramaturgo también respondió cuando el equipo fue preguntado si lo que muestra Wild Horse Nine tiene ecos en la operación de EEUU en Venezuela. “No parece que ya hagan las cosas ni de forma encubierta, al menos en los 70 la inteligencia lo intentaba mantener en secreto”, comenzó diciendo para subrayar que, aunque su película “habla del Chile del 73, sus tentáculos y conexiones hacen que se lea como una película que habla del momento actual”.

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas que lucharán por representar a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría que honra a la mejor película internacional. La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen y Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente competirá por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 16 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2026, que, al contrario que la anterior Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, sí logró hacerse con la nominación. Laxe incluso optó a dos galardones: mejor película internacional y mejor sonido. En esta ocasión, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto La bola negra como El ser querido compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el premio a la mejor dirección.

La bola negra, el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi, es una de las grandes apuestas de Netflix para los próximos Oscar. En Cannes tuvo una buenísima acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña para la cinta en la temporada de premios. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de Estados Unidos antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para recibir una nominación.

La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres. Se estrenará en cines en España el próximo 25 de septiembre.

Javier Ambrossi ha agradecido por la preselección de La bola negra y ha afirmado que se “dejarían la piel” por representar al país en los Oscar. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, ha comentado. Asimismo, también se ha acordado de Amarga Navidad, el que era otro de los títulos favoritos: “Quiero felicitar a Almodóvar porque, aunque no está entre las tres pelis, ha hecho un peliculón y se va a quedar con nosotros muchísimo tiempo”.

Por su parte, Javier Calvo ha apuntado que la cinta está trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en Estados Unidos emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia, les interesa Federico, y salen muy tocados de los visionados. Gente a la que admiramos muchísimo se nos está acercando, así que es un momento increíble”, ha destacado. Además, ha confesado que “el premio a mejores directores en Cannes fueron unas palabras de aliento”: “Fue una voz que nos dijo que éramos unos grandes directores. Hemos aprendido haciendo, rodando, y La bola negra ha sido el rodaje más intenso que hemos vivido todos los que hemos participado en él”.

Un “momento muy bonito” para los cineastas

Rodrigo Sorogoyen presenta en El ser querido un reencuentro, mostrando a un director de cine que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Se trata de un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre, cuyo papel defiende Javier Bardem, y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes y ninguno pretende dar su brazo a torcer. El largometraje ha tenido un excelente éxito en taquilla, superando el debut de As bestas y salvando el verano de la taquilla española.

Sorogoyen ha reaccionado a la noticia afirmando que está en un “momento muy bonito”: “En el equipo comentamos mucho que está yendo todo muy bien. Las taquillas y las críticas van muy bien. Al público le está llegando mucho la película y sonreímos como tontos”. El cineasta ha declarado que el hecho de que El ser querido sea una de las tres películas que puede representar a España en los Oscar “es la guinda, una alegría más”. “Estamos muy contentos, sobre todo por la taquilla, que está siendo sorpresiva. Normalmente siempre pienso que no vamos a hacer taquilla, así que estoy contento de haberme equivocado”, ha añadido.

En cuanto a enfrentarse a Los domingos y La bola negra, Isabel Peña, guionista de la película, ha comentado que lo encara “con muchísimo orgullo de pertenecer a esta generación de cineastas”. “Estamos en un momento buenísimo y somos gente que, aunque se nos puede considerar jóvenes, todas las personas de todos estos equipos llevamos muchísimo tiempo currando y nos lo hemos ganado. Quiero felicitar también a los Javis y al equipo de Los domingos”, ha alegado.

Asimismo, Alauda Ruiz de Azúa se hizo con una de las películas más aclamadas del año pasado con Los domingos. Arrasando tanto en los Feroz como en los Goya, la película gira en torno a un difícil dilema: ¿qué harías si tu hija se metiera a monja? La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, interpretada por Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso.

La directora ha indicado que Los domingos ha sido una película “muy especial”. “Lo hemos vivido con mucha emoción y estamos muy agradecidos a todos los compañeros de la Academia que nos han arropado y abrazado”, ha agregado Ruiz de Azúa. En cuanto a la segunda vida internacional que pueda tener la cinta, se muestra optimista: “Todavía no se ha estrenado en Estados Unidos, pero recuerdo que en el Festival de San Sebastián, donde ganamos la Concha de Oro, hubo mucha gente de todo el mundo e intuimos que atravesaba a la gente de distintas maneras. A veces, lo que hay dentro es mucho más profundo y sigue generando conversación entre personas de muchas culturas distintas”. “El dilema sobre lo religioso y la tolerancia está presente internacionalmente”, ha sentenciado.

“Cinco cosas que no sabías sobre Trainspotting, ¡la cuarta te sorprenderá!”. Encontrarse un titular así es, ahora mismo, lo más habitual. También ver en muchos periódicos cómo el sexo, la sangre, lo rocambolesco y los sucesos escabrosos se venden a gran tamaño. El sensacionalismo llegó para quedarse y ahora no está solo instalado en los medios escritos. Ahora hay muchas ventanas nuevas para contar historias que quizá no sean verdad, pero venden. La pregunta es, como diría Mario Vargas Llosa en Conversación en la Catedral, ¿en qué momento se jodió el Perú?, o en este caso, en qué momento el periodismo inició una bajada a los infiernos en pos de vender más ejemplares y, posteriormente, lograr más clics.

Para responder a esa pregunta, el cineasta Danny Boyle, autor de títulos fundamentales del cine moderno como Trainspotting, adapta la obra de teatro Ink, de James Graham, en una película que ha inaugurado el Festival de Venecia y que sitúa el punto de inflexión en 1969, cuando Rupert Murdoch compra el periódico británico The Sun y le da su dirección al ambicioso Larry Lamb. A golpe de talonario fichó un plantel que llegaba de los tabloides de la competencia y que ya bordeaban el temido sensacionalismo. Así construye un periódico (y la primera piedra de un gran imperio) cuya misión, a priori imposible, era convertirse en el medio más vendido del mundo, superando al Daily Mirror.

Para ello deciden que eso de las cinco W está bien, pero que lo más importante es contarle a la gente normal, de la calle, las cosas que les interesan. En una de las mejores escenas de la versión de Boyle, el equipo cuenta qué hacen ellos en su tiempo libre: beber, follar, ver fútbol… pues eso es lo que le darán a los lectores. En vez de hacer que la gente se interese por lo que ellos deciden que es importante (la política internacional, el problema de la vivienda...), invertirán el orden para hacer que los hobbies se conviertan en historias. Escudados en un falso mantra de darle el poder a la gente convirtieron las noticias en un pozo donde cambiaron las reglas para siempre.

Lo hicieron a golpe de sexo —nunca antes se habían mostrado mujeres desnudas en un periódico—, horóscopo y mucho suceso. La sangre y la muerte venden. A cambio, también vendieron sus principios: acabaron con la unión sindical que protegía a los trabajadores de la imprenta y apoyaron un Gobierno de los conservadores que acabó con la victoria de Margaret Thatcher. Al final, The Sun fue un caballo de Troya que hizo que la clase obrera terminara respaldando a políticos que legislaban en contra de sus propios intereses.

Ink se había vendido como un biopic de Rupert Murdoch, y sin embargo Murdoch —al que da vida Guy Pearce— acaba siendo un secundario que cede el protagonismo, y hasta la culpa, a Larry Lamb —un excesivo Jack O’Connell—, el periodista con complejo de clase obsesionado con ganar y que cruzó todas las líneas rojas posibles, hasta dar información sensible del secuestro de la mujer de un compañero del periódico o mostrar un desnudo frontal —algo hasta entonces prohibido— y sacar a las esposas de los futbolistas para alentar el cotilleo.

El problema es que para denunciar el sensacionalismo, para criticar cómo todo se ha convertido en historias de consumo rápido, sin poso y que solo buscan el efecto inmediato, se ha elegido al director más efectista y, llevándolo al límite, sensacionalista posible. Danny Boyle tira de todo su arsenal de recursos: montaje frenético, banda sonora a todo trapo, fundidos, imágenes distorsionadas, cartelas… para contar lo que critica. Ink es una película contradictoria, que abusa de fuegos artificiales para contar algo que merecía más calma y más rigor.

Porque Graham —que escribe el guion adaptando su propia obra— y Boyle aciertan en el diagnóstico, pero fallan en las formas y en dejar escapar con vida a sus protagonistas, a los que otorgan coartadas morales todo el tiempo. Especialmente a ese Murdoch que acabó haciendo lo mismo en Fox, destrozando el panorama mediático mundial, y al que solo se le presenta como un empresario que no ve con buenos ojos lo que hace Lamb, pero que calla ante el aumento de periódicos vendidos.

Solo les sale el colmillo en una última escena en la que tiende un puente con el presente y donde vemos el eco de todo aquello: influencers, redes sociales, Elon Musk, Mark Zuckerberg, Donald Trump y un ecosistema donde la verdad ya no importa nada.

La película que nadie quería hacer

En la rueda de prensa del filme, Danny Boyle contó que nadie quería producir la película, y que fueron Canal + y StudioCanal quienes decidieron apostar por una historia que, “aunque esté ambientada en 1969, la intención era que se sintiera actual y tratara sobre el mundo moderno”. Además, agradecieron a Alberto Barbera que también se arriesgara a inaugurar el certamen con la película de Boyle.

El director subrayó algo que se ve en el filme, y es que no ha querido “convertir en monstruo” a Murdoch, e incluso reconoció que en aquel momento su llegada “representaba un soplo de aire fresco en una sociedad británica muy rígida”. “Todo comienza con algo divertido y diferente, algo que desafía un orden establecido... Por eso para nosotros era importante que el público se sintiera cómplice”, subrayó sobre su estilo visual que entronca con la montaña rusa que suponía leer The Sun. Pese a ello, defendió el periodismo como “uno de los grandes pilares de cualquier civilización”, y a los periodistas que dentro de la profesión “se enfrentan al poder y dicen la verdad, personas realmente importantes para la sociedad”, afirmó.

Por su parte, Jack O'Connell elevó la culpa de su personaje y dejó claro que él era solo una parte más de un engranaje y de una sociedad donde primaba “el consumismo y el capitalismo” y se daban “unas condiciones que Larry explota para su propio beneficio y su propio propósito”.

Si hay una imagen que represente casi a la perfección lo que representa en Festival de Venecia es la de George Clooney llegando al lido en un vaporetto. Una estrella de Hollywood, llena de glamour, llega a través del canal a la isla. Con sus gafas de sol, su carisma inigualable, saludando a la gente… Eso es lo que la Mostra quiere, el equilibrio entre estrellas, Hollywood y cine de autor. Y Clooney ha logrado ejemplificar eso, y por ello siempre ha tenido en el Festival de Venecia el mejor escaparate.

Fue aquí donde presentó Buenas noches y buena suerte, el filme que demostró que no solo era un rostro magnético, sino también un gran director. Ganó el Mejor guion, y desde entonces este ha sido el sitio donde los filmes que ha dirigido se presentan en sociedad. También aquellas películas que protagoniza. Hasta un filme tan formulaico como Wolfs, protagonizado junto a su amigo Brad Pitt, se presentó aquí fuera de concurso, y el año pasado rozó el premio de interpretación por Jay Kelly, homenaje a su figura que le escribió Noah Baumbach.

Ahora es la propia Mostra quien le homenajea con su León de Oro honorífico por toda su carrera. Y tiene sentido. La relación ha sido beneficiosa para ambos, y pocos cineastas de Hollywood en estos momentos no tienen miedo a sentarse en una rueda de prensa llena de periodistas en un momento en el que el mundo se tambalea.

Si el año pasado dejó a todos con la miel en los labios, ya que tuvo que cancelar por un problema de estómago, esta vez no falló y mostró que él es de los que habla. En menos de una hora puso a todos a sus pies derrochando carisma, pero mojándose y hablando de Trump, de política, de la fusión de Paramount-Warner, de Mark Ruffalo.

Hasta de la inteligencia artificial habló, de la que bromeó y dejó una de sus perlas: “No me gustaría estar en un anuncio de tampones 20 años después de muerto. Los deep fakes son un problema. He visto vídeos míos que no son míos, pero donde hablo de películas y digo cosas que nunca dije y eso me hace replantearme qué pasa cuando un gobierno no demasiado listo ve un video falso diciendo que Putin ha lanzado su primer ataque nuclear”.

Por ello defendió la necesidad del buen periodismo, aunque ahora su estado de salud “esté en duda”. “Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay mucho espacio para un buen periodismo, y yo soy hijo de periodista. Mi esposa es hija de un periodista y no sentimos más que admiración y apoyo por el periodismo. De hecho, nuestra fundación se dedica a sacar de la cárcel a los periodistas que se han opuesto a los regímenes”, explicaba Clooney en la rueda de prensa.

Confesó que sigue siendo “optimista”, aunque no le den motivos para ello. “Es cierto que vivimos una situación poco afortunada, pero superaremos todo esto”, apuntó y se acordó de cómo EEUU vivió una época oscura tras el asesinato de Kennedy. Un tiempo que le recuerda al actual. Por eso definió su país en el momento actual como una “caquistocracia”, o lo que es lo mismo, un sistema donde “los menos capaces son los que gobiernan, hombres que han hecho de la crueldad un divertimento”. Y por si parecía que el dardo era solo para Trump, al que citó con nombres y apellidos fue al secretario de Estado de Guerra, Pete Hegseth. “Pero estoy convencido de que superaremos esto y emergeremos mejor”, zanjó y señaló la importancia de las midterms del año que viene.

Las personas más ricas del mundo en este momento son propietarias de The Washington Post, y Twitter. Eso es motivo de preocupación, pero todavía hay espacio para un buen periodismo

George Clooney — Actor

Otro de los asuntos candentes de la política de EEUU, y que afecta a Hollywood directamente es la fusión de Warner y Paramount, cuyo presidente ha acusado al actor Mark Ruffalo de antisemitismo por sus declaraciones criticando la operación económica y el genocidio en Gaza. Clooney defendió al actor diciendo que apoya su “capacidad de expresarse libremente”, y cuestionó la fusión. “Siempre me preocupa cuando las grandes empresas se fusionan, porque normalmente eso significa que mucha gente pierde sus puestos de trabajo. Esa es la verdad. Pero ya veremos. Estamos atravesando una revolución en nuestra industria”, puntualizó.

A sus 65 años empieza a notar que “todo lo que tiene que ver con la vejez lleva a la melancolía”. “Generalmente, nos fijamos en las cosas malas, pero la vida es bella y tenemos la obligación de festejar las cosas bellas que nos presenta la vida”, añadió volviendo a su optimismo contagioso y tras subrayar la importancia de Venecia en su vida profesional y personal.

Una vida profesional que, desde hace años se limita a la interpretación y ya no a la dirección, algo que también quiso explicar: “Tengo dos hijos, una mujer a la que amo y no me planteo ningún proyecto como director por la sencilla razón de que quiero pasar más tiempo con ellos. Puede tomarme unos meses como actor, pero dirigir ocupa un año entero como mínimo. Mi prioridad ahora mismo es otra”.

Más de 180 figuras de la industria, entre actores, directores y celebridades judías, han firmado una carta en defensa del actor estadounidense Mark Ruffalo, tras las acusaciones de antisemitismo de Paramount, después de que el intérprete criticara la polémica fusión con Warner Bros. Discovery. “Calificar a Mark Ruffalo de antisemita por cuestionar una fusión corporativa masiva no solo es absurdo, sino que es una forma peligrosa de silenciar la crítica legítima”, reza la carta, a la que ha tenido acceso este martes la revista Variety.

En el documento, titulado “¡Ya basta!”, Ruffalo ha obtenido el respaldo de figuras de peso de Hollywood como Joaquin Phoenix, Todd Haynes o la actriz Hannah Einbinder (Hacks), una de las voces más críticas de la industria en posicionarse contra la intervención de Israel sobre el territorio palestino.

“Basta ya de instrumentalizar de forma falsa y peligrosa las acusaciones de antisemitismo contra quienes tienen el valor de señalar lo obvio: que el ataque contra el pueblo palestino y el ataque contra nuestras libertades en casa están profundamente interconectados, y que no hay nada de antisemita en reconocer ese hecho”, agrega el escrito.

El documento también critica la transacción entre Paramount y Warner, que va más allá de “una simple combinación de dos enormes multinacionales”: “Sí, destruirá miles y miles de puestos de trabajo. Sí, consolidará aún más el control oligárquico de nuestros medios de comunicación. Sí, ahogará la competencia y la creatividad en la producción y distribución de cine y televisión”, indicaron los firmantes.

“El camino de la IA hacia WarnerMount (acrónimo de Warner y Paramount) pasa por Gaza, y Ellison (familia propietaria del conglomerado de medios) nos ha dejado claro en repetidas ocasiones el mundo orwelliano que nos tiene reservado mientras consolida el control sobre lo que vemos y cómo lo vemos, sabiendo que mientras miramos, él y su corrupta camarilla siempre nos estarán vigilando”, sentencia la carta.

La controversia entre Ruffalo y el conglomerado de medios comenzó cuando el actor criticó públicamente la macrofusión propuesta entre Paramount y Warner, una operación colosal valorada en unos 111.000 millones de dólares, pero también acusó a la familia Ellison de ser cómplices del “genocidio” contra los palestinos. En respuesta, un portavoz de Paramount acusó a Ruffalo de recurrir a “tópicos antisemitas” con el pretexto de resolver una disputa comercial.

Tras un éxito como As bestas, el tándem creativo formado por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, guionistas de todos los filmes del director, se planteó qué sería lo siguiente. Lo fácil, casi lo lógico, hubiera sido que apostaran por continuar con lo que les había dado el éxito y el reconocimiento, ese thriller tenso como un cuchillo que habían ido perfeccionando hasta perfeccionarlo en la serie Antidisturbios y el filme con el que lograron 9 premios Goyas, entre ellos el de Mejor película, dirección y guion.

Sin embargo, sintieron la necesidad de huir de lo fácil, y eso significaba huir del thriller. El resultado es El ser querido, su nueva película que se ha estrenado con éxito en la taquilla y donde Javier Bardem interpreta a un director que contrata a su hija, a la que hace más de diez años que no ve, para protagonizar su nuevo filme.

Lo complicado del reto lo confiesan Sorogoyen y Peña en este clip detrás de las cámaras que elDiario.es ofrece en exclusiva y en el que dan las claves del que tienen claro que ha sido el guion más complicado que han hecho. “Ha sido el más difícil que hemos escrito, nos hemos desesperado”, dice Sorogoyen ante su compañera que asiente sabiendo que tiene razón. El resultado, su “película más arriesgada”.

La idea era “huir del thriller, que no hiciera falta un mecanismo”. En definitiva, “ser más libres”, como explica Isabel Peña, que hace memoria y dice que siempre hablan de cosas que les importan, pero que les eran ajenas, aquí eso ha cambiado. “Dijimos, vamos a hablar de lo que somos, y la documentación ha sido casi más compartir anécdotas”, dice sobre ese rodaje donde las cosas se van tensando hasta llegar a uno de los puntos álgidos del filme, la comentada escena de ‘la caballa’, que Sorogoyen cree que aunque muchos lo piensen, no es el clímax del filme, que él identifica en la íntima conversación en la tienda de campaña al final.

Un guion con dos protagonistas absolutos y a los que querían dar el mismo peso, algo que dificultaba el trabajo. “Teníamos una víctima e igual de presente a alguien que le ha hecho daño. A alguien que, en trazo gordo, despreciamos, pero es interesante ponernos en esa piel, y equilibrar personajes con muchas aristas. Ella no es solo una víctima, es poderosa, desafiante, y él también tiene culpa y dudas”, dice el director de sus dos protagonistas que interpretan Javier Bardem y Victoria Luengo. Por ello trabajaron en una pizarra en la que cada personaje se escribía con un color, las escenas de ambos juntos con otro diferente, y las que eran del rodaje de la película ficticia que llevan a cabo en un cuarto color. Su obsesión es que hubiera un “equilibro de colores”.

A pesar de separarse del thriller, hay algo que mantienen, y es la tensión, que en El ser querido está siempre presente. Para Isabel Peña eso nace de que en las relaciones entre las personas hay “violencia, fricción” y más en este caso en el que esos personajes conviven en un rodaje, una situación que, ya de por sí, no es relajada. Así que querían “llegar a la tensión desde otros lugares” diferentes a los que lo habían hecho en otros trabajos.

Confiesan que en el guion había una escena que les costó mucho quitar, una tormenta de arena que el personaje de Bardem tenía que rodar y con la que contaban “el sadismo del director en pos de conseguir una escena, porque había un accidente de un especialista”. Eso les dio muchos quebraderos de cabeza pensando cómo iban a rodarlo hablando con especialistas… finalmente decidieron quitarla y ahorrar “dinero energía y tiempo”. Ahora, se alegran: “Quitarla dio mucho vértigo y luego se encajaron las piezas, fue una maldición y una bendición”.

La actriz Naomi Watts recibirá un Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián, cuya edición se celebrará del 18 al 26 de septiembre. La también productora será homenajeada en una gala en el Kursaal el día 19 debido a su larga y exitosa trayectoria, donde se presentará el largometraje The Housewife (La esposa perfecta), debut en la dirección del canadiense Ben Shirinian que ella misma protagoniza. Watts se une así a Werner Herzog, quien también recibirá dicha distinción.

Reconocida como una de las actrices más talentosas de su generación, la carrera de Watts abarca desde el cine independiente hasta grandes superproducciones tanto en televisión como en la gran pantalla. De hecho, acumula dos nominaciones al Oscar por sus interpretaciones en 21 gramos (2003), de Alejandro González Iñárritu, y Lo imposible (2012), de Bayona.

Su salto a la fama llegó con Mulholland Drive (2001), bajo la dirección de David Lynch, con una actuación que ya es considerada un referente del cine moderno. Además, a lo largo de su trayectoria ha trabajado con realizadores de la talla de Peter Jackson, David Cronenberg, Clint Eastwood, Michael Haneke, Audrey Diwan y Noah Baumbach, además de Rodrigo García, con quien presentó Madres e hijas en la clausura fuera de competición del Festival de San Sebastián en 2009.

De origen británico y crianza australiana, Naomi Watts inició sus estudios de arte dramático en la adolescencia y debutó en la gran pantalla con Flirting, de John Duigan. Más tarde produjo y protagonizó el corto Ellie Parker, presentado en Sundance y convertido posteriormente en largometraje. En su extensa filmografía, donde también hubo lugar para las superproducciones, destacan títulos como King Kong (Peter Jackson), la saga The Ring (Gore Verbinski), Promesas del este (David Cronenberg) o Funny Games (Michael Haneke).

Aparte de su faceta actoral, Watts destaca como productora, empresaria y activista que ha transformado la conversación sobre la salud de las mujeres. En 2025 logró posicionar su libro Me atrevo a contarlo: Todo lo que me hubiera gustado saber sobre la menopausia en la lista de superventas del New York Times. En 2022 lanzó Stripes Beauty, una firma de cuidado personal fundamentada en la ciencia que busca romper estigmas sobre esta etapa vital mediante productos innovadores, educación y apoyo comunitario.

En el ámbito televisivo, cosechó su primera candidatura al Emmy tras encarnar a Babe Paley en Feud: Capote vs. The Swans, la segunda entrega de la serie antológica de Ryan Murphy para FX. Además, ha dejado una huella importante con roles protagonistas en Vigilante y Gypsy (donde también fue productora ejecutiva) en Netflix, la miniserie La voz más alta (Showtime) dando vida a Gretchen Carlson junto a Russell Crowe, Twin Peaks: The Return de David Lynch, e incluso una recordada colaboración en BoJack Horseman.

Su trabajo ha sido reconocido con galardones como el Premio Montecito (Festival de Santa Bárbara), el Desert Palm (Palm Springs), el trofeo a la Estrella Femenina del Mañana de ShoWest, el premio a la Mejor Interpretación Novel en Hollywood y un tributo a toda su carrera en el Festival de Cine Americano de Deauville.

El cine español está de enhorabuena tras regresar a lo más alto de la taquilla con Tadeo Jones y la lámpara maravillosa y El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo.

Ambos títulos han logrado salvar el verano del cine patrio, que hasta ahora no había sabido rentabilizar la gran asistencia que han tenido las salas durante los meses estivales, con fenómenos como La odisea y Spider-Man: Brand New Day.

Aunque el año del cine español presenta mejores datos que los del pasado, se debe principalmente al empuje de Torrente, presidente y, en menor medida, de Aída y Vuelta. Desde el estreno de la ultima pelicula de la saga de Santiago Segura no se había conseguido ningún número 1, y apuestas destinadas a arrasar en salas como El último mono o Haciendo amigos no han tenido la respuesta esperada.

Según los datos avanzados por el analista Pau Brunet, la cuarta entrega de la saga de animación de Enrique Gato, Tadeo Jones y la lámpara mágica, ha acumulado en cinco días 2.872.378 millones de euros, convirtiéndose en el tercer filme español más taquillero de 2026.

También ha sido un buen arranque para lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen, que con El ser querido ha debutado ha ocupado el sexto puesto del ranking, acumulando 578.139 euros en su primer fin de semana, y alcanzando los 878.383 en sus primeros cinco días. Su mirada en torno a la masculinidad tóxica se ha alzado como el mejor estreno del propio director de As bestas, El reino y Que Dios nos perdone.

Precisamente su anterior filme, As bestas, ostentaba hasta ahora su mejor debut, que con El ser querido ha superado en un 31%, según los datos facilitados por su productora.

El atentado contra las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001 es una de las heridas fundacionales del siglo XXI. El mundo cambió radicalmente después de aquello. Todo se volvió frágil, inestable… El miedo se apoderó de todos y, para seguir adelante, hacía falta que alguien nos cogiera de la mano. En momentos traumáticos, son las historias, los cuentos, los que hacen esa labor para, si no sanar la herida, al menos hacer que escueza menos. La humanidad cuenta relatos para avanzar, para autoconvencerse en una realidad que es insostenible e incomprensible.

Quizás eso es lo que pasó al colectivo de víctimas del 11S cuando decidió creer la historia de Tania Head, aquella superviviente que consiguió escapar desde el piso 78 de la segunda torre, que perdió a su pareja, con el que estaba a punto de casarse, porque trabajaba en el edificio de enfrente y que se convirtió en la líder de aquel grupo que luchaba para que se les hiciera caso y se les tuviera en cuenta. Su historia era bastante inverosímil pero, ¿acaso era verosímil que un avión se estrellara contra un edificio del centro de Nueva York?

Tania Head les cogió a todos de la mano, les unió y les hizo pelear por sus derechos como víctimas así como a avanzar de forma colectiva en la curación de su trauma. Solo había un problema, ella nunca había estado en ninguna torre. Ni siquiera había estado en Nueva York. Pero había más, su nombre no era Tania Head, sino Alicia Esteve. Una barcelonesa de una familia rica y conocida de la ciudad catalana que construyó una máscara incomprensible para muchos. Head, o Esteve, fue descubierta cerca del décimo aniversario del atentado por The New York Times y su identidad revelada por el periódico español La Vanguardia.

Una historia que recuerda a la de otros ‘timadores’ profesionales como Enric Marco. Ambos tienen algo en común: no se lucraron con su mentira. Nunca se llevaron ni un duro y sirvieron como si realmente fueran una víctima más. Como si ayudar a aquella gente, aunque fuera contándoles una historia que no era cierta, fuera lo que les llenaba en la vida. Head logró un poder dentro del mundo post 11S inusual. Era la que hacía los mejores tours de las víctimas, la que podía llamar directamente al alcalde de Nueva York para quejarse de que no les hubieran invitado a un homenaje… En definitiva, era una líder que basaba todo en la construcción de un personaje.

Una vez descubierta su mentira, Alicia Esteve desapareció. Muchos creyeron, incluso, que se había suicidado. Cuando se van a cumplir 25 años del atentado, el cineasta Kike Maíllo recupera esta historia real que supera cualquier ficción en La superviviente, un documental que busca entender por qué lo hizo, más que jugar al morbo de dónde está ahora. Esteve no se suicidó, pero desapareció. La misma sociedad que la aupó la crucificó. Maíllo toma una decisión importante en su documental: aunque todo lo que se escucha es real, y lo dijo o escribió Esteve, contrata a una actriz y la caracteriza para decirlo. ¿El motivo? Respetar una identidad que ahora no quiere exponerse ni seguir siendo insultada.

Esa mentira aportó cosas buenas, lo que la convierte en algo más ambiguo, porque además las víctimas reconocen que sin ella no hubieran llegado a donde estuvieron

Kike Maíllo — Cineasta

Maíllo habla, sobre todo, con supervivientes reales que conocieron a Tania Head y que sufrieron la decepción de la realidad. Casi todos confiesan que la han perdonado y reconocen que, sin ella, la asociación no hubiera tenido la repercusión que tuvo. Puede que ni hubiera salido adelante. El hecho de que Head no se hubiera lucrado fue fundamental para que el cineasta se involucrara, porque cree que “esa mentira aportó cosas buenas, lo que la convierte en algo más ambiguo, porque además las víctimas reconocen que sin ella no hubieran llegado a donde estuvieron, ella fue el motor de la asociación”.

Cuenta que no conocía la historia y que fue al conocer al guionista, Markos Goikolea, que preparaba una serie de ficción basada en esta historia, cuando le propone hacer un documental. Maíllo venía de rodar Oswald, el falsificador, otro trabajo de no ficción que entronca con La superviviente, ya que ambos hablan de personajes que construyen una máscara. “La sociedad acepta la máscara. Incluso la necesita, porque necesita que esa historia, que es mentira, pase por verdad. Necesitaban que Tania se convirtiera en una heroína. Las sociedades necesitamos de ese mito, del mito de la superación”, reflexiona y añade que “todos construimos una máscara, pero en el mundo de las redes sociales ya es descaradísimo”

La película habla, también, del poder de contar historias. Y de cómo se cuentan estas. Ese salto de fe ante lo inverosímil que damos como espectadores en el cine, cuando leemos un libro, pero también en la vida real, donde muchas veces se prefiere creer en una historia tan bien contada y tan potente como la de Tania Head. Una vida donde, además, “la mentira ha dejado de ser algo que cristaliza en un pecado gigantesco como pasaba en las sociedades anglosajonas hace 40 o 50 años”. “La mentira es una moneda de cambio y lo importante es si te hago sentir bien como espectador con la mentira, si me acerco a ti desde el punto de vista político o de opinión con esta mentira. Al final estamos en un mundo en el que cada vez más deseamos creer una cosa y vamos a buscar las cosas. Esa es la fuente del algoritmo. Las cosas que todo el rato nos explican que lo que nosotros creemos es verdad”, opina Kike Maíllo.

El director defiende su decisión de representar a la protagonista y no usar su voz ni su rostro. Siempre pensaron que sería interesante mostrar a alguien representando a otra persona que, a su vez, también interpretaba un papel. Según fueron avanzando, lo tuvieron más claro porque creían que, “de alguna manera, ella ya había pagado suficiente por todo”. “No somos periodistas, no tenemos ninguna voluntad de explicar dónde trabaja y cómo le va en la actualidad, más allá de lo que tímidamente, sin caer en demasiado amarillismo, contamos en el documental. Cuando sabes en qué momento está ahora decidimos que no queríamos fastidiarle más la vida”, justifica.

La superviviente recupera un relato escrito por Tania/Alicia, donde deja entrever que aquellos momentos de su vida, liderando esa asociación, fueron felices para ella. Maíllo coincide: “Por lo que sé del personaje, creo que ese momento es el de más brillo en su vida, pero también es el momento que le crucifica el resto de vida”.

El año pasado, el Festival de Venecia vio como el Lido se convertía en centro de las protestas en contra del genocidio en Gaza y en apoyo a Palestina. Desde Venice for Palestine se organizaron manifestaciones y se publicó una carta donde se pedía al certamen que condenara de manera pública el genocidio, algo que la Mostra no hizo. Ocurría en el pico más alto de las manifestaciones ciudadanas por la masacre cometida por el ejército de Israel, y en una edición en la que La voz de Hind era una de las películas más importantes.

Un año despues, Venice for Palestine ha publicado de nuevo una carta, aunque esta vez menos numerosa en sus firmas que el año anterior. Aun así, decenas de personalidades del cine e instituciones, entre los que destacan nombres como Isabel Coixet, Paul Laverty, Annie Ernaux, Celine Sciamma o Guy Pearce, han firmado la misiva que pide al certamen “medidas concretas”, así como la “suspensión de acuerdos con organizaciones e instituciones vinculadas al gobierno israelí, la introducción de salvaguardias para los profesionales que opten por desvincularse de dichos vínculos y que la bandera palestina ondee durante todo el Festival”, ya que habrá dos filmes palestinos entre sus secciones oficiales.

Son los puntos que destacan en la carta, que también apoyan Roger Waters, Matteo Garrone, Anna Foglietta, Fabrizio Gifuni, Greta Scarano, Jasmine Trinca, Luigi Lo Cascio, Nan Goldin, Paul Laverty, Teona Strugar Mitevska y Saleh Bakri, junto con “muchas otras figuras destacadas de la comunidad cinematográfica y cultural internacional”.

“Hace un año, miles de personas respondieron al llamado de Venice for Palestine para que Palestina ocupara un lugar central en el Festival de Cine y la resistencia del pueblo palestino se situara en el centro del debate público”, recuerdan en la carta remitida a los medios. Sin embargo, subrayan que “se ha instaurado una 'nueva normalidad', propiciada por un falso alto el fuego”. “Israel no solo no ha detenido sus atrocidades, sino que las ha continuado, extendiendo su poderío militar hacia Cisjordania, Siria, Líbano e Irán. Nada ha cambiado para el pueblo palestino, y las lágrimas que hemos derramado por una película no bastan para absolvernos; más bien, son prueba de que no estamos aprovechando nuestra capacidad de acción colectiva con la fuerza suficiente”, añaden.

Por ello, creen que es el momento de volver a las “acciones colectivas para lograr un impacto concreto en los mecanismos de complicidad y normalización” y hacen un “llamamiento a todas las personas y organizaciones de los sectores cinematográfico, mediático y cultural para que se unan y construyan un marco de apoyo que proteja a los trabajadores de los riesgos profesionales asociados a tomar una postura concreta contra el genocidio, rompiendo así la amenaza a su sustento que actualmente desalienta la disidencia”.

De forma simbólica piden al festival que, para honrar a las dos películas palestinas seleccionadas se “ice la bandera palestina junto a las que representan a todas las demás películas de la selección oficial durante el evento”. “Esto sigue la práctica habitual y se alinea con las comunicaciones oficiales del Festival”, explican.

Javier Bardem es capaz de transmitir la complejidad de un personaje con un ojo. Parece una boutade, pero cuando uno ve El ser querido, la película de Rodrigo Sorogoyen que acaba de llegar a las salas y él protagoniza, lo entiende. El trabajo de Bardem es tan apabullante y tan lleno de matices que hay un momento donde Sorogoyen encuadra uno de sus ojos en una escena de máxima tensión y uno puede ver todo lo que pasa por la cabeza de Esteban Martínez, ese cineasta que intenta arreglar el pasado con una hija a la que hace años que no ve y a la que ofrece un papel en su nueva película.

Pocas veces habíamos visto a un Bardem tan desnudo y sin máscara en una película. Y pocas veces uno es testigo del talento a chorro de uno de los actores más importantes del cine español. No solo por los premios —a ver cuántos intérpretes tienen dos copas Volpi de Venecia, un premio al Mejor actor en Cannes, un Oscar y seis Goyas—, sino por el compromiso que desprende cada uno de sus trabajos y que luego demuestra cuando se apagan los focos y suena la claqueta final.

Es ahí donde el actor muestra la importancia de saber usar su altavoz. Bardem siempre ha hablado claro de política. Desde aquel mítico 'No a la guerra' en 2003 hasta el genocidio en Gaza siempre se ha posicionado sin miedo a las consecuencias. Y vaya si las ha podido haber. En aquel año se jugó el inicio de una carrera en Hollywood, que a pesar de su éxito también podría estar en peligro por su defensa del pueblo palestino ante una industria que amenaza con el veto a sus personalidades más críticas, como Susan Sarandon o Mark Ruffalo. Quizás su éxito, además de esa excelencia en su trabajo, radica en haber logrado una posición que le permita hablar y ser un referente sin miedo.

Hace cinco años que no hacía una película en España, desde El buen patrón. Creo que hay una sensación de que rueda poco aquí, ¿cómo lo percibe, tiene esa sensación?

Es verdad que si lo cuantificamos, quizá haya rodado más fuera que dentro. Y al final son cinco años. Tiene que ver con las circunstancias de los proyectos que se presentan aquí. Muchas veces he comentado que no aparecen tantos proyectos como me gustaría, por las razones que sean. Sé de algunas, imagino otras… Sé que dicen que vivo fuera, que es mentira. Que soy muy caro, que es mentira. Soy caro si tienen dinero para pagar. Si hago James Bond, pues evidentemente voy a pedir dinero. Si hago El ser querido, pues no voy a pedir dinero. Hay otras formas de hacerlo. Cuando uno tiene una pasión por hacer un proyecto, el dinero no debe ser nunca un problema porque estás invirtiendo en tu trabajo. Al final se van dando circunstancias que hacen que trabajes más fuera. Pero es verdad que cuando trabajo en mi idioma, en España, con mis compañeros de aquí, la experiencia es otra. Es una experiencia mucho más… No sé, es diferente. El cuerpo se relaja, el cuerpo está más presente. Es mi cultura, es mi idioma, es mi comida, es mi aceite de oliva, son mis risas en el rodaje, es mi humor, es otra cosa.

Hacía tiempo que no le veía tan desnudo, sin máscara, en un papel, ¿eso le hace estar más vulnerable en la película?

Sí, la propuesta era esa también. Aparecer en este personaje sin una construcción tan externa y hacer una presentación del carácter a través de la emoción, de lo que siente y de lo que prefiere ocultar o evitar sentir. Una cosa que me gustó mucho de Rodrigo fue que yo le traje propuestas de apariencia física y él dijo que no, porque quería mostrar al público que en el cine trabaja gente normal, gente que va con un vaquero con una camiseta. Gente de diferentes géneros, diferentes tendencias políticas, diferentes sexualidades… un grupo de personas normales que hacen un trabajo concreto. Por eso no quería nada de exhibición en el director y me pareció muy valiente y muy, muy de verdad.

La película habla de la paternidad. Ha mencionado en ocasiones cómo el ser padre ha condicionado elegir a veces un proyecto u otro, ¿le ha cambiado como actor y como persona?

Yo creo que sí. La paternidad te cambia algo dentro si estás atento. De hecho, debe cambiarte algo. Es un deber que algo en uno se modifique por el hecho de ser padre o madre. Tiene que ver con la incondicionalidad y con el poner por delante los deseos de otra persona antes que los tuyos. Y eso también origina un cambio de criterio y un cambio de elección de proyectos que tiene que ver con las diferentes edades de esos niños. Haces La sirenita, haces el cocodrilo, haces cosas que valgan para que ellos entiendan qué hace su padre cuando está fuera dos semanas y no le ven. Ahí empiezan a entender y les gusta, y ahora que son más mayores lo entienden y lo respetan y se quejan menos, los pobres, de mis ausencias porque saben que estoy trabajando, que no estoy bailando con un cocodrilo, pasándomelo bien.

Su personaje es un director con una masculinidad tóxica, algo de lo que en los últimos años se ha hablado mucho. Los hombres hemos tenido que, de alguna forma, revisarnos, hacer examen. ¿Lo ha hecho?, ¿cómo ha sido ese proceso?

Sí, sin duda. Yo soy producto de eso, y también he sido origen de eso. Quiero decir, yo también he fomentado de alguna manera esa masculinidad desde mi educación, desde mi capacidad de comportarme cuando era más joven, cuando tenía menos recursos que ahora para entender situaciones que consideraba injustas y que ahora son absolutamente banderas rojas, pero que en aquel momento eran aceptadas socialmente. No hablo de temas de abuso, ni físico, ni emocional, ni sexual, evidentemente, pero sí de dar por hecho que hay un desequilibrio y que es así como la sociedad funciona. Y claro que hay que resetear todo eso, y hemos llegado a un momento en que tenemos más consciencia y la voluntad de tener que hablar de ello y denunciarlo.

La responsabilidad del hombre es apoyar a aquellas que lo denuncian. Y luego, evidentemente a nivel educacional con tus hijos, saber que es importantísimo que se cree una base de entendimiento, de empatía, de generosidad, de reconocimiento del otro y de la otra desde un lugar de igualdad para cuando crezcan. Pero estamos viendo como en esta sociedad, en la juventud, se están produciendo situaciones que uno creería que ya estaban olvidadas. Y eso es lo preocupante que se está enseñando desde los medios, desde las redes sociales y también las casas a ciertos jóvenes.

El tema de las redes sociales es muy fuerte lo que se puede consumir y ver.

Es muy fuerte. Y ahí hay también una masculinidad muy comparativa que tiene que ver con asuntos más relacionados con la fuerza, con la agresividad, con el poder, con el neoliberalismo más brutal, con esa cosa de consumir y de tener, de poseer. Y eso es peligroso.

En la película son las mujeres las que a Esteban le dicen en varios momentos “hasta aquí”, ¿son las mujeres las que nos han reeducado en este sentido en todos estos años?

Totalmente. Yo estoy aquí porque me educó una mujer, mi madre. Mi padre estaba ausente, y eso, evidentemente me ayudó a entender muchas cosas de El ser querido a un nivel más personal. Hizo lo que pudo, lo que supo en aquel momento. Y yo le perdono y le tengo muy presente y le quiero mucho. Pero la que se rompió el lomo fue mi madre, y entendí muchas cosas que tienen que ver con otro tipo de poder. El poder de la resiliencia, el poder de la constancia, el poder de la lucha, de la denuncia. También muchas cosas que tenían que ver con algo mucho más cercano a lo que se debe entender por fuerza interior en vez de la fuerza que ejerce una identidad masculina más agresiva.

Hablando de todo esto, me sorprendió mucho la que se lio por su declaración de que España es un país machista en Cannes, ¿le sorprendió?, ¿le afecta que una cosa que diga genere esa bola de nieve?

A mí me produjo curiosidad saber qué es lo que estaba produciendo rechazo a aquellos que rechazan el hecho de que consideremos que España es todavía un país machista en muchas cosas. Entonces me dio a entender que sí, que evidentemente seguimos teniendo ese problema, porque si no fuese así hubiera habido un entendimiento. Tenemos que mejorar, tenemos que indagar más en cuál es la raíz de eso a nivel educacional, de costumbres, de actitudes, de eso que se llama micromachismos o microabusos. Cuando veo que hay una rebelión tan fuerte frente a eso digo: bueno, ahí está el problema, que primero no se está aceptando.

España es un país en el que se mata a una mujer semanalmente. Eso es así, eso es un hecho, no es una opinión. No digo que sea el país más machista. Habrá países mucho más machistas o menos. Me da igual. Yo hablo de mi país. En mi país hay un problema que tiene que ver con lo que se ha originado en los años 60 y 70 desde una sociedad puramente patriarcal, donde ha habido asuntos de gran desequilibrio entre la mujer y el hombre y que ahora están dando la cara, además, en la juventud, con un nuevo renacer de esta masculinidad que estamos hablando, que es peligrosa.

Es como un concepto de patriotismo mal entendido, como si ser patriota fuera no ver lo malo de tu país en vez de criticarlo para mejorarlo.

Exactamente. Si quieres algo, hay que poner la atención ahí para mejorarlo, para saber cuál es el asunto que realmente necesita una voluntad de mejora para que la sociedad crezca y se conduzca hacia lugares mucho más creativos, mucho más constructivos, mucho más sanos. Si nos quedamos mirando el ombligo en las cuatro cosas que funcionan, que las tenemos y muchas más, y negamos las demás, nos quedamos enconados en cosas, en argumentos que son ya antiguos y que son peligrosos.

Tengo una edad en la que me da bastante igual lo que digan o no digan. La gente ya sabe quién soy, de qué palo voy y lo que voy a opinar más o menos de un tema o de otro

Javier Bardem — Actor

¿Esas cosas hacen que venga con el freno de mano puesto a una entrevista?

No. Depende mucho del entrevistador. Yo tengo una edad en la que me da bastante igual lo que digan o no digan. La gente ya sabe quién soy, de qué palo voy y lo que voy a opinar más o menos de un tema o de otro. Es verdad que si tú abres una intimidad a alguien en una entrevista y sientes que el entrevistador está tomando un camino, que está usando esa intimidad para abusar, para intimidar, para forzar, para tener un aspecto violento del entrevistado…

Se nos ve venir, vamos.

Claro, pero yo debo decir que gracias a Dios, no sé si también porque yo he cambiado en ese aspecto, no me encuentro ya ese perfil de entrevistadores. Antes creo que había más.

Ha mencionado que ahora hace lo que quiere, ¿es eso el éxito, el poder decir lo que quiere, permitirse hacer lo que desea? Pienso en los Oscar del año pasado, aparecer con la chapa del 'No a la guerra' y una mención al genocidio en Palestina es la prueba más clara de ello.

Bueno, como dices tú, quizás el mayor de los éxitos es la libertad, el sentirte con la capacidad de decisión sobre tus propios actos y tu propia voluntad, sin tener que dar explicaciones a nadie ni estar subyugado por las necesidades de tener que rendir pleitesía. Algo que pasa por muchísimas razones, y todas son entendibles. Cuando no tienes para comer, pues habrá que hacer lo que sea para dar de comer a tus hijos. No es mi caso, afortunadamente. Tengo un panorama laboral que me da una tranquilidad, y puede ser mucho menor porque hay represalias, sí, pero en la balanza eso tiene menos importancia que el hecho de poder decir algo en lo que creo firmemente y que creo además tiene una consecuencia real, produce cambio. La gente cuando lo escucha en un escaparate como ese dice joder, qué bien, se puede decir. Eso anima a que la gente tome también partido.

Sucede que cuando nos juntamos cada vez más y hacemos una denuncia pública, las sociedades se van dando cuenta de que es posible decir en voz alta aquello que se ha tenido que ocultar por miedo a la represalia, al castigo y se ve que se puede dar la vuelta a la tortilla. Y aquellos que castigan empiezan a ser expuestos. Eso es lo que está pasando. Por ejemplo, en el caso de Gaza, la narrativa que siempre ha imperado desde el Estado de Israel a través de la manipulación mediática y de la narración ha cambiado a nivel social. La gente ya sabe que esas tres o cuatro cosas que siempre sacan a colación cuando uno hace su derecho legítimo de crítica no son reales, ya no tienen la eficacia que tenían hace diez años. Y eso es porque hay gente que habla.

Sin embargo, luego está el caso de Mark Ruffalo, que abiertamente han hecho un comunicado en su contra. O sea que todavía hay fricciones.

Porque saben que funciona y porque saben que tienen una responsabilidad con AIPAC, el lobby sionista más fuerte en EEUU que controla tanto a tantos niveles, tantos medios, tanta industria y tanta política. Tienen una responsabilidad frente a esas personas que ponen tanto dinero en sus empresas, en sus proyectos y en sus medios. Pero si te das cuenta, el eco llega muy lejos y acaba muriendo en muy poco tiempo, porque ya no tiene esa relevancia, porque la gente no le da valor a eso. Eso no es real. Tú puedes criticar a EEUU y no pensar que todos los americanos son como Trump o no odiar a los americanos. Pero la política estadounidense en este momento es una política dañina, destructiva a todos los niveles, diplomático, económico y hasta vital con estas guerras.

En este año increíble, con El ser querido y El cabo del miedo, además debuta en el teatro, ¿hay nervios?

Claro, hay una inseguridad y un miedo, pero por eso me he metido. Es un proyecto muy, muy humilde, en el mejor de los sentidos. Es un lugar íntimo. Son 100 butacas. Un grupo de actores no muy numeroso. Y la intención es traer un proceso de trabajo que abogue por la intimidad, por el compartir esa experimentación y esa forma de trabajar más íntima a un público reducido y ver dónde llegamos todos. Quiero decir, no es un Teatro Español hasta la bandera, como hacía mi queridísimo y admiradísimo Juan Diego Botto en esa maravilla dirigida por Mencheta sobre Lorca. La vi tres veces y las tres veces me rompió. Eso es un teatro mayúsculo para mí.

Hay algo también de homenaje a un maestro que me imagino que también de alguna forma es volver a tus inicios.

Totalmente. Y aparte con los compañeros y compañeras con los que empecé a trabajar, a estudiar hace 25 años y con mi maestro, mentor, amigo y guía en todos los sentidos, artístico y personal, Juan Carlos Corazza. Como dices tú, es como una vuelta al inicio, al origen, y desde ahí nace el deseo de compartir con un público esta cosa de buscar a ver qué encontramos. Lo que pasa que cuando estás trabajando con Chéjov hay tantas joyitas que es muy bonito el poder compartir esos textos.

Entrevista completa

Tim Curry, el mítico Dr. Frank-N-Furter de la película de culto The rocky horror picture show ha muerto a los 80 años en su casa de Los Ángeles según ha informado el portal de noticias de EEUU TMZ y confirmado Variety. Curry había sufrido previamente un infarto en 2012, un accidente que le tuvo en silla de ruedas hasta el día de su fallecimiento. El actor se convirtió en un icono gracias a su papel en el musical que interpretó tanto en las tablas como en la versión cinematográfica, dirigida por Jim Sharman (basada en la obra original de Richard O'Brien) y con Susan Sarandon en el reparto.

The rocky horror picture show, una versión moderna, irreverente y provocadora de Frankenstein se convirtió en un icono queer y en un filme con una legión de millones de seguidores en todo el mundo gracias a himnos como Sweet transvestite o Time Warp. Este año, de hecho, se ha reestrenado una nueva versión donde Luke Evans da vida al Frank-N-Furter que hiciera icónico Tim Curry. No fue el único papel que quedó en el imaginario popular. También fue el primero que dio vida al terrorífico payaso Pennywise en la versión televisiva de IT (1990), la novela de Stephen King que posteriormente tuvo versión cinematográfica.

Curry se curtió en los musicales de Londres y Nueva York, y participó en producciones como Hair en el West End en el año 1968. Fue aquí donde conoció a Richard O'Brien, quien le escribiría el papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show que interpretaría tanto en la versión londinense del musical como en Broadway y Los Ángeles, un papel que le tuvo encima de las tablas más de un año, hasta 1975.

Curry siempre confió en el proyecto, como diría en entrevistas durante toda su vida, pero dudó precisamente porque, si la película funcionaba, “podía ser una imagen difícil de borrar”. Aunque es cierto que Tim Curry siempre estuvo vinculado al del personaje, logró construir una sólida carrera, sobre todo en teatro musical, con también papeles más que relevantes en cine y televisión.

El éxito del musical hizo que trabajara en obras como Travesties, escrita por el prestigioso dramaturgo Tom Stoppard, y que estuvo representándose en Londres y Nueva York de 1975 a 1976. También triunfó dando vida a Mozart en la versión de Amadeus que se pudo ver en Broadway en 1980, y por el que logró la primera de sus tres nominaciones al premio Tony. La segunda llegaría en 1993, cuando Curry interpretó a Alan Swann en la versión musical de Broadway de My Favourite Year. Fue dando vida Rey Arturo en el Spamalot del West End entre 2005 y 2007 cuando sumó su tercera y última nominación de un premio que nunca logró.

En cine su rostro anguloso le hizo perfecto como villano de títulos como Congo, Los tres mosqueteros, donde interpretó al Cardenal Richelieu en el filme de Stephen Herek y con Charlie Sheen, Kiefer Sutherland y Chris O'Donnell como los míticos espadachines, o como el demonio Darkness (El señor de la oscuridad) en Legend, la epopeya de fantasía dirigida por Ridley Scott y donde, como en IT, tuvo que pasar por largos procesos de maquillaje. Otros de sus papeles más emblemáticos incluyen el doctor Yevgeniy Petrov en La caza del octubre rojo (1990) y Long John Silver en Los Teleñecos y la isla del tesoro (1996).

Curry, que nació en Grappenhall (Cheshire) en 1946, acudió a la Lymm High School, pero tras la muerte de su padre a causa de una neumonía en 1958, su familia se trasladó al sur de Londres. Allí acudió a la Kingswood School en Bath, donde se formó en su talento como cantante y destacó por su voz de soprano, aunque siempre tuvo claro que era en la interpretación donde quería centrarse. Finalmente pudo unir sus dos talentos convirtiéndose en uno de esos todoterrenos que son capaces de sostener sobre sus hombros, y su voz, cualquier musical de Broadway.

La anécdota es simpatiquísima y deberíamos tenerla más en mente: cuando entrados los 2000 el fenómeno Shrek forzó la decisión de la Academia de Hollywood de acuñar por fin la categoría de Oscar a Mejor película de animación, nuestra Academia de Cine le sacaba una década de ventaja. El primer Goya a Mejor película de animación se entregó en 1990. Tal y como pasaría otras veces, el humilde volumen de producción forzaba a que solo pudiera ser nominado un título para ganar de forma automática —en esta ocasión Los cuatro músicos de Bremen—, pero igualmente puede ser una prueba encantadora de las ganas que teníamos en España de celebrar la animación patria.

Tal parece que en España siempre hemos confiado en la animación. Y esto va también por el público, a punto de acudir ordenadamente a ver Tadeo Jones y la lámpara maravillosa en lo que ya es la cuarta entrega de la saga. Ha pasado siempre, pero pasó con especial intensidad en los 2000, según la animación 3D se asentaba en nuestro país. La seguridad en sí mismos de la que presumían aquellos Goyas tan prematuros y estrambóticos, sin embargo, perdía un poco de aplomo entonces. Shrek había sido un absoluto bombazo, y hubo quien dedujo que sería buena idea emular la jugada en España. De la forma más directa posible, reclutando a su guionista John Stillman para que hiciera con las invasiones extraterrestres algo parecido a lo que había hecho con los cuentos de hadas.

Y Planet 51 trajo la consolidación de la animación 3D española. Por cuestión de cifras —un enorme presupuesto rentabilizado por una recaudación que a día de hoy solo superan Los otros y Lo imposible como taquillazos de capital patrio— y sobre todo por las circunstancias de desarrollo. Planet 51 daba puntual réplica desde España a la desmedida influencia de Shrek dentro de la animación estadounidense —en cuanto a las constantes referencias a la cultura popular, el diseño de personajes y el doblaje de estrellas estilo Dwayne Johnson— gracias a una meticulosa emulación de las estrategias del país vecino, hasta el punto de diluir completamente su identidad nacional. Planet 51 se obstinaba en parecer DreamWorks, aunque se hubiera producido en Alcobendas.

Los artistas implicados ya tenían experiencia en estas cuestiones, pues su productora Ilion Animation había nacido a partir de Pyro Studios: el estudio de videojuegos que hubo de despuntar en 1998 con la saga Commandos. Poco después de Planet 51 —distribuida mundialmente por Sony y estrenada en noviembre de 2009 en sintonía al fin de semana de Acción de Gracias estadounidense donde siempre estrena Disney— la misma Ilion tendría oportunidad de bajarse un poco al barro cañí responsabilizándose de la animación de Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, pero fue un esfuerzo anecdótico. Llegado 2017 se asoció con la productora estadounidense Skydance, y tres años después fue absorbida por esta para pasar a llamarse Skydance Animation.

Hoy Skydance Animation produce vistosas películas en 3D para Netflix y Apple, y está liderada por nada menos que John Lasseter. La ambición de ser la Pixar española que guiaba a los hermanos Pérez Dolset (fundadores de Pyro e Ilion) desde luego ha prosperado, viniendo muy bien para ello que Lasseter fuera expulsado del estudio del flexo por propasarse con sus empleadas. También, sobre todo, ha sido necesario perfeccionar algo que Enrique Gato, creador de Tadeo Jones, entiende como vital en el presente estado de la animación comercial española: la cooperación internacional.

Nuestros maravillosos aliados

“Ha sido algo básico en todos mis proyectos”, admite Gato en conversación con elDiario.es. Del mismo modo que Planet 51 precisó la distribución de Sony, las películas de Tadeo Jones han llegado desde 2012 en colaboración con Paramount —hoy justamente fusionada con la citada Skydance—, garantizando así tanto un presupuesto holgado como su posterior expansión a lo largo del mundo. Un escenario de cuya lenta configuración Gato ha sido testigo en primera persona, ya que él también empezó diseñando videojuegos con Pyro Studios, a principios de los 2000.

El cineasta madrileño recuerda esa época con mucho cariño. “Yo era ingeniero informático y justamente entré en el mundo del videojuego porque no había más sitios en España donde se pudiera hacer animación en 3D”. Como tantos otros artistas Gato había quedado deslumbrado por el estreno en 1995 de Toy Story, que con su animación pionera hubo de motivar una carrera entre las cinematografías de todo el mundo por ver quién lograba antes su propio largometraje de dibujos en tres dimensiones. Dentro de Europa ganó España con Megasónicos, en 1997, si bien Gato fija el estallido realmente prometedor con El bosque animado (2001).

Supongo que Tadeo es a Indiana Jones lo que Superlópez es a Superman

Enrique Gato — Creador de Tadeo Jones

“Fue cuando pensamos ‘esto arranca’. Y fue relativamente pronto, no había pasado tanto tiempo de Toy Story. En España hemos sido pioneros y recuerdo estos proyectos con mucha ilusión, deseando que tuvieran éxito y dieran pie a más películas”. Efectivamente, Gato pudo cambiar los videojuegos por la animación 3D, desarrollando sus primeros cortos en paralelo a los pasos iniciales de Ilion Studios. Un paralelismo reforzado finalmente por la necesidad de internacionalizar discurso: los cortos de Tadeo Jones son bastante distintos a lo que han terminado siendo las películas.

En un principio la idea de Gato —y así se vio en los cortos galardonados con el Goya Tadeo Jones y Tadeo Jones y el sótano maldito— era parodiar las películas de Indiana Jones con un personaje muy influido por el historietista Jan y en concreto por su personaje insignia, Superlópez. “Supongo que Tadeo es a Indy lo que Superlópez es a Superman”, admite Gato. “La gran evolución de Tadeo ha sido pasar de la parodia estricta a contar con un mundo entero, como tiene a día de hoy. La parodia encorseta demasiado el lenguaje, tienes que preocuparte de cómo replicar elementos de las películas originales y eso te limita. No habría dado pie a unas películas tan interesantes. Habría seguido siendo divertido, pero nada comparado con la riqueza que ahora tienen los personajes”.

La riqueza de la que habla Gato alude a dejar atrás el tono meta de los cortos de Tadeo, para en su lugar convertirlo en un héroe torpón. Las aventuras de Tadeo Jones fue un taquillazo inmenso en el verano de 2012, como un paso lógico tras Planet 51 que además retenía camuflaje internacional: cualquier rasgo vagamente español fue suprimido, y Gato no niega que “se vio obligado a ello” de cara a las expectativas comerciales de la película. “Sentí esa obligación porque estaba acostumbrado al chiste localista de toda la vida, que no iba a funcionar en una película internacional. Es un tipo de gag que te apetece, claro, pero que cuando saltas al mundo tienes que evitar de alguna forma”.

El afán de desarraigo —o, lo que es lo mismo, de parecer una producción californiana— reapareció tras Planet 51 y la primera Tadeo Jones en Atrapa la bandera: segundo largo de Gato, estrenado en 2015 con otro éxito contundente, cuyas filias foráneas llegaban al extremo de tratar el alunizaje del Apolo 11. “Tadeo Jones ha mantenido un espíritu universal por esas dudas que tuvimos al principio de dónde ubicar al personaje”, prosigue Gato. “Si era 100% español no se habría percibido bien internacionalmente… y aun así siempre le ideamos como lugar de nacimiento Valladolid, eso lo tiene desde el primer día”. Con el paso de los filmes Gato acabó incluyendo esos guiños localistas, y Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas llegó a ambientarse en Granada.

A día de hoy Gato considera que estos temores eran algo infundados. “Quizá me asustaba estar hablándole al mundo entero, pero no somos tan distintos. Tadeo Jones se ha estrenado hasta en China, ¿cómo sabría yo lo que le apetece a un espectador chino? Pero hoy de repente todos vemos series coreanas y cosas que no entendemos, pero que podemos incorporar. Asumimos que es algo de allí y está bien, no pasa nada si ciertos localismos viajan a lo largo del mundo”. Gato asegura que de cara a la última Tadeo Jones y la lámpara maravillosa —una película que incorpora viajes en el tiempo y retrata el viaje de Cristóbal Colón— no se ha contenido tampoco, y que le gustaría que gente de todo el mundo dedujera “ah, es algo español” tras una búsqueda rápida en internet.

El momento de la animación

Al margen de las decisiones creativas que pueda tomar Gato, el talante apátrida de todas estas películas no deja de obedecer a condicionantes industriales: a día de hoy una película de animación en tres dimensiones suele requerir un presupuesto de 10 millones de euros mínimo, de modo que (y en lo que supone algo parecido a una excepcionalidad europea) la cooperación con entes estadounidenses es indispensable. Como lo ha sido, por supuesto, elaborar un tejido productivo propio, una cantera de profesionales que no ha hecho más que crecer desde el hito de Planet 51.

“La mejor señal de esta consolidación es la evolución que han tenido los profesionales de la animación en España”, explica Gato. “No te imaginas lo difícil que era hacer animación 3D hace 20 años, porque apenas había gente que supiera hacerlo”. Fue esta carencia la que llevó a que Gato fundara Lightbox Academy en 2015: una escuela dedicada a la formación de jóvenes animadores prestos a integrarse en la correspondiente Lightbox Entertainment, productora de Gato. “La escuela nació por pura desesperación: fue tan duro terminar Atrapa la bandera que pensamos ‘así no hay manera, falta gente’. Falta gente que entienda los procesos, la complejidad técnica, la profundidad de cada área profesional. Animadores, modeladores… hay hasta 18 áreas profesionales distintas, pero antes todos le dábamos a todo y esa no era forma de sostener un sector”.

“Entonces ya había muchos otros estudios con el mismo problema y todo terminó mezclándose: la formación no solo ayudó a la animación 3D sino a los videojuegos y al desarrollo de efectos especiales, todas son ramas hermanas y nos topamos frente a una demanda gigantesca de educación para áreas que ni siquiera sabíamos que existían”, prosigue Gato. “Pasó de ser un problema nuestro al problema de todos, y hoy día el nivel profesional es gigantesco”.

Hoy día, en efecto, la animación 3D española se aferra a una comercialidad sólida, amparando otros éxitos contundentes —Momias en 2023, Buffalo Kids al año siguiente— a la vez que complejas coproducciones que incumben incluso a la China susodicha, como ejemplificó Dragonkeeper en 2024. Hablamos entonces de un estado de salud bastante positivo a nivel financiero, si bien pueda cundir la suspicacia ante este régimen abocado a la disolución de particularidades estéticas. También por todo lo que tiene de polarizante: las películas de 3D alardean de una escala tan amplia y unas expectativas de taquilla tan voraces que han de distanciarse enormemente de otros rincones.

La diferencia de las películas de Enrique Gato o Skydance con proyectos independientes estilo el cine de Alberto Vázquez es extrema y, el mismo Gato lo admite, bastante lamentable. “El problema que tenemos en Occidente es que todavía estamos demasiado atados a una superproducción animada que parece que ha de ser familiar sí o sí. Sería maravilloso no tener la necesidad de hablar de cine independiente o de gran superproducción, en función a un cine donde no hubiera fronteras”. A nivel de áreas de producción y agentes económicos desde luego no las hay, pero parece difícil que con el modelo imperante pueda llegar a haber un equilibrio entre Tadeo Jones y un Robot Dreams.