Cada vez más lectores... y menos libros leídos. Esa es la paradoja que se creó hace unas semanas cuando se difundió que la mitad de los títulos publicados en España no vendía ni un ejemplar al año. Un dato del que alertó CEGAL, la asociación de libreros del sector, al afirmar que el 49,4% de las obras disponibles en las tiendas vendía cero unidades a lo largo de un año. La cifra se reveló en el último Congreso de Librerías celebrado en Valencia y puso sobre la mesa una situación catastrofista muy llamativa, sobre todo cuando el más reciente Barómetro de Hábitos de Lectura apunta que la población que lee libros en su tiempo libre ha ascendido hasta el 66%.

Las editoriales aprovechan todas las semanas para llenar el mercado de novedades, pero esto no quiere decir que la mitad de las que se publican en el país fracasen. Al menos, según lo que ha podido descubrir CEGAL hasta la fecha. Aunque ha circulado el dato de que el 49,4% de los libros no vende nada, esta cifra se ha malinterpretado por haberse comunicado sin el contexto suficiente. En realidad, ese número sale de LibriRed, una herramienta digital que usan los libreros para ver cómo van sus ventas día a día. Este sistema recoge los datos de unas 1.100 librerías, que son las que están conectadas para compartir su información pero que no representan al total de librerías que existen.

Álvaro Manso, vicepresidente y portavoz de la confederación de libreros, explica a elDiario.es que el dato se ha extraído haciendo la media, reflejando que la mitad del catálogo de las librerías conectadas a LibriRed —que puede incluir títulos de hace diez años, obras de autores locales o ejemplares autopublicados— no registra ventas durante un año. Sin embargo, los mismos libros que no triunfan en un comercio pueden estar vendiéndose con normalidad en otra provincia o incluso en la librería de enfrente. Y ojo porque, aunque solo las 1.100 tiendas mencionadas pasan sus datos al sistema, en total CEGAL tiene identificadas 2.754 librerías independientes.

Estas 2.754 librerías tampoco representan el total de los comercios que se dedican a la venta de libros, pues solo contabilizan las tiendas físicas donde la venta de libros de primera mano es al menos el 30% de todo lo que ganan al año. No cuentan las librerías de segunda mano ni las webs que solo venden online ni las grandes superficies con numerosas tiendas locales. Tampoco las papelerías que venden algunos libros pero que se dedican principalmente a otra cosa. Por tanto, el 49,4% no muestra el porcentaje de libros no vendidos sobre los publicados al cabo del año ni reconoce títulos concretos. Álvaro Manso señala que es ahora cuando están analizando cuál es el patrón de los libros que no se mueven en las librerías.

El principal motivo de la confusión se debe a la diferencia entre “libros nuevos” y “libros vivos”. España produce unas 60.000 novedades anuales, que se considerarían “libros nuevos”, pero mantiene en circulación casi un millón de obras (949.066 referencias), los llamados “libros vivos”. Bernat Ruiz Domènech, director de la editorial independiente Apostroph y profesor en el postgrado de la escuela de librería y de prescripción lectora de la Universidad de Barcelona, es tajante al respecto: “Es normal que de los 900 mil títulos vivos, la mitad ya no vendan prácticamente nada porque están al final de su vida. Cualquier cosa que vendas termina su vida comercial vendiendo nada”.

Tanto es así que Manuel González, presidente la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE), aporta una visión marcadamente optimista con respecto a la industria pese al gran fondo editorial. Según el último informe del Comercio Interior del Libro en España, el sector ha crecido a un ritmo cercano al 5% anual en el último lustro. “Un sector que crece en estas proporciones y que afecta a toda la cadena del libro no parece que lo esté pasando mal. Al contrario, estamos en un proceso de transformación”, señala González, que celebra que se están “bajando las tiradas, manteniendo los precios y aumentando el número de títulos”. La facturación ha aumentado un 6,3% en 2024, impulsada por un incremento en la cantidad de libros vendidos (casi 195 millones de ejemplares).

Una crisis de consumo

No obstante, Ruiz Domènech advierte de que, aunque la facturación ha recuperado las cifras previas a la crisis de 2008 —superando la barrera de los 3.000 millones de euros—, estamos muy por debajo de las mismas si se tiene en cuenta la inflación. Para el experto, lo que vive España no es una crisis de lectura —la tasa de lectores continúa al alza—, sino una “crisis de consumo”. “La gente compra menos libros porque tiene menos dinero en el bolsillo. Los salarios no han subido tanto como los precios, y la gente debe elegir entre ir al supermercado o ir a la librería”, sentencia. Esta crisis de consumo deja un mercado invisible para las estadísticas oficiales: el libro de segunda mano.

Mientras que la venta de libros de segunda mano representa en Francia cerca del 20% del mercado, lo que supone una cantidad de dinero enorme porque el mercado francés es más fuerte, en España se desconoce su volumen exacto. “El libro que no te has leído, para ti siempre es novedad”, apunta Ruiz Domènech, destacando que la rapidez con la que las novedades pasan al circuito de segunda mano erosiona la facturación de las librerías tradicionales. “Hay gente que se espera para comprar porque sabe que al cabo de seis meses o un año tendrá la novela de segunda mano. Y, además, en buen estado”, indica el experto.

Uno de los puntos donde la industria sí ha ganado eficiencia es en la gestión del papel. Las librerías han llegado a asfixiarse bajo tasas de devolución que superaban el 34%, devolviendo libros que no se venden al almacén, pero hoy esa cifra ha caído al 27%. Manuel González explica que esto se debe a que los editores están apostando ahora por tiradas más cortas y ajustadas a la demanda real. En tanto que hace cinco años una tirada media se acercaba a los 4.000 ejemplares, en el dato de 2024 se rozan los 3.500 ejemplares. González lo describe como “una buena noticia para el editor, para la distribución y para el librero”, recalcando que supone un “ahorro en costes”.

La diversidad cultural

No obstante, esta eficiencia logística convive con una “presión administrativa infernal” para el librero pequeño en la que comercialmente es más difícil dar visibilidad a cada obra. Ruiz Domènech alude a una estrategia de los grandes grupos, como Planeta o Penguin, para ocupar espacio físico. “Saben que un libro va a durar 15 días si no funciona. Esa presión somete a los libreros a una rotación infernal en la mesa de novedades”, explica, ya que los títulos de las editoriales pequeñas también son empujados a durar solo 15 días o un mes. “El negocio de los grandes grupos es financiero, es el de mover dinero con libros, mientras que el negocio de los pequeños es vender libros”, sostiene Ruiz Domènech.

En este escenario, las librerías independientes apuestan más que las grandes superficies por la diversidad cultural, ofreciendo hasta “medio millón de obras distintas”, según afirma Manso. A diferencia de El Corte Inglés o FNAC, a donde la gente acude a comprar el libro que acaba de ganar el premio Planeta, hay quien va a librerías para comprar títulos menos conocidos. “Nosotros tenemos otro concepto de librería, un lugar al que tú vayas, digas que te gustan los sombreros de piel y tengamos la capacidad de encontrarte algo que hable sobre eso. Es un concepto muy diferente de venta”, indica el vicepresidente y portavoz de CEGAL para celebrar así la biodiversidad.

Lo que a menudo se etiqueta como un problema de sobreproducción tiene, sin embargo, una derivada positiva. Como explica Bernat Ruiz Domènech, este fenómeno aumenta exponencialmente el número de títulos vivos, lo que se traduce en mayores oportunidades de venta para el librero. “Aunque no lo tenga en la estantería, si alguien se lo pide, el librero lo vende; es una venta segura, en firme y sin devolución”, indica, recalcando que, “cuantos más libros estén vivos, más posibilidades hay para todos”. Además, concluye que, a pesar de la erosión que sufre el sistema por el cierre de librerías y la apertura de otras más pequeñas con menos personal, la librería independiente en España sigue siendo inusualmente fuerte.

Eran ya las últimas horas del Miércoles Santo y una veintena de correligionarios cantaban y bailaban al son de guitarras y panderetas. No se trataba de ninguna procesión de Semana Santa ni tampoco pertenecían a ningún espectáculo en concreto, aquello era el culmen a una jornada de rezos frente a la sala de conciertos 16 Toneladas (Valencia). Durante toda la tarde, un pequeño grupo de personas se iba turnando para arrodillarse, con rosario en mano, delante de unos contenedores de basura ubicados a las puertas del local. “Vinieron evangelistas, carlistas, protestantes... Era como La vida de Brian”, relata el dueño, José de Rueda, a elDiario.es. El motivo: un evento cultural centrado en la imaginería de Satán que se promocionó como “misa negra”.

Este grupo de gente combinaba oraciones con cánticos espirituales mientras que, a tan solo unos metros, grupos de punk-rock como Deaf Devils esperaban fumando y pasándose una botella de vino a que empezara su actuación. El acto, que suponía la primera edición de Coven Blasfemia y pretendía incluir música, presentación de libros, performances y venta de cachivaches infernales, acabó siendo cancelado por el local debido a una presión que no era “violenta” pero sí “incómoda”. Sin embargo, las plegarias de quienes se congregaron en el exterior se alargaron hasta la noche. “Cantaban lo que sea del prójimo y yo pensaba: 'El prójimo está intentando cenar, no seáis maleducados y dejad a la gente en paz, hostia'”, confiesa De Rueda.

Fue una jornada que María del Valle, una de las organizadoras de Coven Blasfemia, describe como “horrorosa”. Estaba en el interior del edificio preparando su charla con el escritor Javier Cavanilles, que presentaba su obra Historia del culto al mal, y la situación se fue complicando: “Yo no había hecho una entrevista en la vida, así que estaba muy nerviosa. Me dijeron que se estaban acumulando personas, y yo decía: 'No puede ser'. Salí, lo miré y decidí meterme para adentro”. Del Valle narra a este periódico que fuera del edificio “estaban muy exaltados”, que se “estaban empezando a caldear los ánimos” y que hubo quien aseguró que “estaba dispuesto a estar allí hasta su última gota de sangre con tal de que el evento se cancelara”.

La artista Lucy, de Deaf Devils, que esperaba en el camerino junto a sus compañeros a que llegara el turno de su concierto, relata que lo que sucedió fue “muy loco”. “Íbamos a hacer nuestra movida, a pasárnoslo bien, y de repente nos dicen: 'Oye, que hay peña rezando en la puerta'. Salimos a fumar a ver qué había y nos quedamos flipando. Se pusieron un poco amenazantes en el plan de que querían que lo canceláramos sí o sí”, reconoce. “Se ponían enfrente, como a mirarnos a lo lejos, e iba apareciendo más y más gente. Decíamos: 'Venga, terminarán y se irán'. Pero se quedaron ahí. No habíamos abierto y afuera estaban con toda la fiesta”, agrega la intérprete, que detalla que el suyo es un “show de rock & rock normal y corriente”. “No traemos cabras ni las sacrificamos ni nada”, aclara.

Entre los convocantes de esta manifestación para rezar se encuentra Marcos Vera, fundador de la asociación católica Jóvenes de San José de Barcelona y creador de la web Tekton desde la que hace apostolado a través de artículos y vídeos. Precisamente, fue en uno de estos vídeos donde instó a no quedarse “con los brazos cruzados”: “Los que puedan, les animamos a rezar el rosario en el mismo lugar del acto. Católico, defiende tu fe. Reza para frenar los ataques contra nuestro Señor Jesucristo”. Vera dice a elDiario.es que, aunque le hubiera gustado que hubiera más personas en la calle, “la respuesta fue muy buena y la prueba está en los resultados”.

Luchando por que el evento pudiera celebrarse, José de Rueda trató de dialogar sin éxito con algunos de los correligionarios. “Hice todo lo posible. Los invité a que pasaran para que vieran que no había ninguna misa satánica, que era algo de broma, pero son gente radical. Lo que menos les importaba era la misa, ellos querían protagonismo”, advierte el gerente de 16 Toneladas, que sostiene que “el enemigo es el que es” y que “estaban paralizando todo y cada vez había más”. De hecho, lamenta que ni siquiera se fueron después de haber suspendido el espectáculo: “Me contaron que [los que quedaban] no eran católicos, que eran protestantes, y yo decía: 'Menuda pandilla de frikis'”.

“Preferí cortar por lo sano, porque sabía que se iba a liar”, recuerda José de Rueda, quien acostumbra a albergar en su sala todo tipo de actuaciones, pues afirma que siempre ha sido un lugar inclusivo y diverso. No obstante, también expresa que se siente “engañado” con la organización debido a la forma en que se llevó la promoción del espectáculo. “Intenté decir que quitaran ese titular [el de 'la primera misa negra'] para que no pasara exactamente lo que pasó, pero no lo quitaron. Una performance no es una misa negra como tal, pero prefirieron enfocarlo así y cinco medios grandes titularon de esa manera [por la nota de prensa]”, explica.

María del Valle constata que la cancelación “ha puesto de manifiesto una realidad que creíamos que estaba superada” y que es “muy grave”: “No solamente atenta contra la libertad cultural, es que atenta contra todas las libertades. Estábamos metidos en la sala y no podíamos salir por miedo a nuestra integridad física”. La organizadora hace hincapié en que “era un evento privado en una sala privada” y utiliza lo sucedido como ejemplo para demostrar que “hemos retrocedido siglos”. “Pensábamos que lo teníamos todo conseguido. Los pasos que hemos ido dando para adelante hay que defenderlos a diario y no dormirse, porque si no corremos este riesgo”, declara.

La “primera misa negra” que nunca fue

La principal razón de la concentración fue la difusión tanto en medios de comunicación como en redes sociales de que se iba a realizar la “primera misa negra satánica abierta al público de España”. No obstante, María del Valle señala que ese era el nombre que se lo otorgó al “show y psicodrama” de “inspiración feminista y reivindicativa” que habían preparado, y que no pretendía ser una burla al catolicismo. “Mi madre me decía: '¿Pero por qué lo llamáis misa? No lo llaméis misa'. Y yo le respondía: 'Mamá, es que desde la Francia de Luis XIV, en Versalles, se le puso el nombre de misa negra. Había allí una hechicera llamada La Voisin, que estuvo implicada en el escándalo de los venenos, y desde entonces se le dio ese nombre”, argumenta, recalcando que “ni siquiera se utilizan elementos católicos”.

La organizadora indica que utiliza un cáliz para echar vino tinto en su altar a Hécate —un acto personal de devoción que suele incluir colores oscuros o símbolos como llaves, antorchas y serpientes— porque, en las advocaciones de Hécate en la época griega, las ofrendas se hacían con vino tinto, pero que esto “no representa nuestro cáliz ni la sangre de Cristo”. “Quieren apropiarse del término 'misa' al igual que se quieren apropiar del término 'matrimonio' únicamente para la unión bajo la Iglesia católica entre un hombre y una mujer. No entienden que otra liturgia que no sea la suya también puede llamarse misa”, reclama María del Valle, que especifica que no son satanistas. “La palabra 'satán' produce urticaria, han hecho mucho daño el cine y las leyendas. No adoramos a Satán como un dios ni hacemos sacrificios”, comenta.

Aun así, Marcos Vera incide en que “hacer una misa negra implica el haber robado en una Iglesia católica una hostia consagrada, que para los católicos es el cuerpo y la sangre de Jesús”, lo que supone “profanar uno de los elementos más sagrados de la fe católica”. Una acusación que desmiente Del Valle: “Nos hemos partido de la risa cuando escuchamos que nos habían visto robar una hostia consagrada y que la íbamos a mancillar. ¿Dónde, si no usamos hostias?”. Y, en mitad del caos, el dueño del local. “Al final todos tienen su momento. Unos de: 'Qué guay que somos los triunfadores'. Otros de: 'Nos han censurado'. Y yo estoy en medio, con cara de gilipollas, viendo lo que pasa a mi alrededor”, señala José de Rueda.

Pese a las explicaciones que dio el gerente de 16 Toneladas, Marcos Vera justifica por qué continuaron en el lugar: “Ya que nos habíamos trasladado allí, unidos, para rezar, pues nos quedamos y rezamos también en la calle. Al fin y al cabo, no estábamos molestando a nadie”. Este especifica que “en ningún momento se increpó o insultó a los organizadores” —María del Valle afirma lo contrario—, y matiza que “los rezos no son contra nadie”. “Estábamos alabando a Dios y ya está. Como cristianos, poder reunirnos para orar en la calle o en cualquier sitio siempre es una alegría”, cuenta el convocante, que indica que “millones de personas se preocuparon por este asunto” y que “también había gente en parroquias haciendo oración y rezando para pedir perdón a Dios por estos actos de blasfemia”.

Sergio Plaza, creador de contenido católico que se hizo eco del evento, señala a este periódico que “en el mundo no vemos la trascendencia de las cosas, pero permitir hacer actos que ensalzan al demonio tiene consecuencias sobrenaturales muy altas”, y narra que quienes se reunieron allí lo hicieron de forma pacífica, rezando el rosario sin entrar en provocaciones y con cánticos —reapropiados por el nacionalcatolicismo franquista—, que él considera “no ofensivos”, como “¡Viva Cristo Rey!”. Además, garantiza que seguirán protestando ante aquello que consideren inadecuado: “Volveremos a rezar cada vez que anuncien cosas así. Cuando anuncian la promoción del aborto, vamos y rezamos. Cuando anuncian atentados contra cristianos, vamos y rezamos. El arma que tiene el católico es la oración”.

Los carlistas, también movilizados

Al encuentro también acudieron grupos carlistas como el Círculo Carlista Abanderado de la Tradición - Nuestra Señora de los Desamparados y el Círculo Cultural Alberto Ruiz de Galarreta de Valencia, los cuales publicaron después un comunicado sobre lo que ellos califican como un “acto de reparación, desagravio, protesta y afirmación de los derechos de nuestro Señor Jesucristo”. A diferencia del pacifismo que tanto Vera como Plaza aseguran que hubo, apuntan que permanecieron en los alrededores del local por si hubiese sido necesaria una “intervención física para impedir un posible sacrilegio”.

Además, escriben en el periódico católico-monárquico La Esperanza que, aunque son conscientes de que los actos que se promocionan como “satanistas” en realidad son “contenido performativo o teatral”, nada de ello quita un “ápice de gravedad al intento de normalizar la presencia explícita del Mal y del Malo mismo en la vida individual y colectiva”. Asimismo, ponen el foco en el peligro que supone “hacer pasar como cultural lo que no es sino una gravísima injuria a Dios y un escarnio hacia su obra redentora”.

Entre los cánticos que profirieron se encuentran “¡Viva la Unidad Católica de España!”, que significa que el Estado debería proteger solo la religión católica y prohibir legalmente cualquier otra manifestación, y “¡Muera la libertad religiosa!”, que rechaza que todas las creencias tengan los mismos derechos. En el comunicado denuncian que “Satanás está en la ciudad”, vinculando al demonio con “el liberalismo y la democracia moderna”, y celebran la cancelación del evento como una “victoria” concedida el día que se cumplen 87 años desde que Franco ganara la Guerra Civil (el 1 de abril de 1939). Ninguno de estos colectivos carlistas ha respondido a la solicitud de comentarios de elDiario.es.

Se refugia en la literatura de la posguerra, está cansado de las redes sociales y nutre sus canciones de referencias a la naturaleza. Martin Urrutia (Getxo, 2005) tiene tan solo 21 años y se ha convertido en una de las figuras más interesantes del panorama musical actual. Tras acabar su paso por Operación Triunfo 2023 como finalista, y pese a ser consciente de los prejuicios que conlleva la etiqueta de triunfito, el artista ha optado por esperar tres años para publicar La Insolación, su álbum debut.

Martin Urrutia viaja a través de los recuerdos en un disco que se aleja de sonidos comerciales. Lo hace, además, acompañado de Hidrogenesse, un grupo que es toda una eminencia dentro del pop electrónico y que ha estado a cargo de la producción. Esta banda no ha sido su único referente, pues el artista se ha inspirado en la novela homónima de Carmen Laforet publicada en 1963, en la que el protagonista, Martín Soto, atraviesa un proceso de maduración durante tres veranos en una España marcada por la represión, el hambre y la búsqueda de identidad.

Después de haber trabajado con Javier Ambrossi y Javier Calvo en la serie musical Mariliendre, Urrutia se ha detenido en el que supone su primer gran proyecto como cantante. El resultado son diez canciones que retratan a un joven en el inicio de su carrera, atravesado por contradicciones entre la nostalgia y el anhelo, en tanto que reflexiona sobre la necesidad de posicionarse políticamente y la importancia de permitirse parar en un mundo cada vez más digitalizado.

El título de La Insolación remite a la novela de Carmen Laforet. ¿Por qué esa novela?

La leí con 18 años y me identifiqué mucho con la historia del prota, que además se llama Martín. Leí el libro en un momento muy concreto y siempre ha estado ahí como inspiración, en el fondo de la cabeza a la hora de hacer el disco, componer y pensar en ideas. Me venía mucho esa historia y me resonaba con el tema veraniego, así que hice un poco de fusión de mi vida y de lo que me transmitió la novela.

En la novela, la insolación no es solo física, también mental. ¿Cómo ha sido salir de Operación Triunfo y curarse de la insolación mediática?

Aceptando lo que te da un programa como Operación Triunfo, que es esa exposición tan grande, y también aprendiendo a gestionarla con el ritmo de los años. Han pasado casi tres años y es verdad que todo se asienta un poco. Ese impulso que te da y esa emoción del principio de estar en todas partes luego baja. Lo llevo bastante bien. A la hora de hacer el disco, he podido estar centrado en el presente sin dejarme llevar por las expectativas o el ruido.

Supongo que ha aprendido mucho de Hidrogenesse, quien está a cargo de la producción.

Muchísimo, es lo que más me ha gustado de esta experiencia. Lo que más me llevo es poder haber hecho este disco con ellos de esta manera tan especial, haber aprendido de ellos como artistas, como productores, como creadores. Tienen un nombre superimportante y en el mundo alternativo son una superreferencia. Trabajar y hacer un disco con ellos ha sido un sueño. La propuesta vino desde el sello, desde Universal, y yo lo vi clarísimo. Todo esto vino después de haber trabajado con ellos para El Destello, que es otra canción mía que tengo con Juanjo Bona. Yo también les tenía ubicados, me pareció guay y empezamos a hacerlo realidad. A ellos también les gustó la idea.

La canción Otro Verano narra varios veranos que pasan sucesivamente. ¿Ha sido duro hacerse adulto?

No ha sido duro, ha sido inesperado. Acabo de hacer 21 y es verdad que los 20 me vinieron y fue como “ostras, 20 ya”. Los cogí con muchas ganas. Los 21 me han pillado desprevenido, pero nunca los cojo con miedo o con angustia de crecer. Sí que pienso cada vez más en el paso del tiempo, pero creo que es normal, cuando creces, darte cuenta de que la vida pasa un poco rápido, pero con ilusión, siempre con ilusión. Intento tener ilusión por vivir cada día. Y Otro Verano está muy directamente relacionada con La Insolación, con la novela, porque el personaje vive verano tras verano en su pueblo.

El tema Piscina Vacía recuerda al artículo de Juanjo Villalba sobre cómo ya no vivimos la vida con nuestros amigos, sino que nos la resumimos.

La canción habla de mi grupo de amigas y de las amistades que parecen una unión eterna física y, con los años, cada uno está estudiando en una ciudad. Es bonito porque cada uno hace su camino, pero a la vez está la sensación de, “¿dónde estamos?”. Mi grupo es el del instituto, nos veíamos todos los días en clase. Era un encuentro obligatorio que te hace estar en conexión constante. Cuando se acaba eso tienes que quedar, y cuando a eso le sumas que cada uno tiene sus estudios y su crecimiento personal, es aún más difícil. Por eso luego es más especial cuando quedas y vuelves a hacer el lazo. Es como, “esto sigue”, y es de lo que habla también la canción, de que siento que es un lazo muy fuerte y que, a pesar de la distancia, siempre va a estar esa energía que nos une.

¿Le frustra que sea difícil sacar tiempo para esto?

Le doy la misma importancia que al trabajo. Es verdad que, cuando tenga temporadas de más curro, estaré más enfocado en eso. Pero en cuanto encuentro un hueco para volver a casa, no dudo nada en cogerme un avión, un autobús o lo que sea y compaginarlo. Hay mucha sensación de producción constante, de hacer, hacer y hacer. Quien quiere algo se lo tiene que currar, pero es importante poder hacer la dualidad de parar. ¿Qué es lo que me hace tener buena energía para luego gastarla en trabajar? Pues ver a mi familia y estar con esa gente con la que veo que todo está bien. Por eso, cuando vuelves a la gente que importa en realidad, que es tu abuela de 90 años, y te dice que le gusta esta canción, ya no quiero más. Con eso soy feliz.

En Me Han Dado Un Bolígrafo reflexiona sobre la responsabilidad de tener una voz. ¿Le pesa mucho esa responsabilidad?

A ratos. Ahora menos, pero el año pasado, por ejemplo, sí que sentí mucho ese peso de tener como una meta o un proyecto. Empezar un proyecto es muy difícil. Me costó mucho empezar el disco y pensar hacia dónde podía ir, estaba todo el rato yéndome al resultado final y al final me di cuenta de que el proceso y el día a día desde el inicio hasta el final es lo que luego te va a hacer tener esa sensación de lo que ha sido crearlo. Entonces sí que hay esa responsabilidad de que ya soy una persona pública que crea, que la gente lo espera, y de hacerlo bien y fiel a mí.

Como artista, ¿cree que debe sacar esa antorcha que menciona en la canción y posicionarse en temas políticos?

Sí, esto lo tengo bastante claro. Siempre que uno pueda posicionarse debe hacerlo. Es verdad que el tema de la antorcha va más por una cosa simbólica que pensamos Hidrogenesse y yo, que simboliza al final de la canción el camino iluminado, lo que vendrá después de la insolación. Artísticamente estaba pensada que fuera la última canción del disco para que dejara ese final abierto un poco metafórico, pero quedó la cuarta. Pero, volviendo a lo que dices, sí que hay que posicionarse.

Y cuando mira a su alrededor, a su generación, ¿le preocupa lo que ve o es optimista?

Me preocupa un poco ahora mismo. El momento, el panorama... sí que me dan angustia algunas cosas. También sé que hay mucha gente dispuesta a luchar y tampoco creo que haya que olvidarse de esta gente, porque al final los que nos movemos, los que nos pronunciamos... los que tenemos un papel también estamos haciendo por que esto no colapse. Siempre hay que seguir. Esa es la conclusión final, que nunca hay que parar y que nunca hay que relajarse, porque siempre hay otro extremo que hace lo contrario y lucha por vencer.

¿Cómo ha llevado el convertirse en un referente para el colectivo LGTB?

Es un gusto. Estoy muy contento y orgulloso de ser un referente y que haya llegado a tanta gente simplemente sintiendo, siendo quien soy y pronunciándome siempre que haga falta.

¿Cómo ha equilibrado que la gente se sintiera identificada con su relación con la invasión de la privacidad?

Es una mezcla de sensaciones, porque es muy bonito ver hasta dónde llega un vínculo supernatural y que Operación Triunfo de repente te exponga tanto, que llegue a las casas y que sea un avance en el sentido de que un niño de seis años pueda ver a dos chicos juntos. Eso es precioso, pero tanto Juanjo [Bona] como yo somos muy de nuestro círculo, de nuestra gente y de valorar nuestro entorno familiar, de dar mucha privacidad a nuestra vida y de vivirla a gusto y sin la tensión de ser públicos. Hay que gestionarlo como uno puede, pero estamos contentos.

Ha participado en la serie Mariliendre. ¿Qué tal la experiencia y trabajar con Javier Calvo y Javier Ambrossi?

Estoy muy orgulloso de ese proyecto. Fue una experiencia muy intensa que siempre va a estar ahí, es una serie muy especial. Me dio vértigo por verme por primera vez en el papel de un personaje bastante principal en un proyecto en el que están los Javis involucrados. Fue un retazo de decir “ostras, qué presión de hacerlo bien”. Entra esa conciencia de que la gente me ha visto actuar y cantar y pueden confiar para que yo lo haga, pero cuando sales [de OT] estás todavía en tu mente de niño de “quiero ir a mi casa”. Pero me hacía mucha ilusión poder desenvolverme como actor en mi primer proyecto.

¿Es difícil desconectar siendo artista y teniendo que estar atento a las redes sociales?

Sí, estoy bastante harto de las redes sociales. Lo hablaba con mi hermana hace poco. Si no existieran ahora mismo ni TikTok ni Instagram, habría un cambio en la sociedad, habría la sensación de vivir un avance de algún tipo. Pero bueno, también disfruto mucho de estar tumbado y ponerme a ver Instagram y TikTok.

De hecho, ha habido debate sobre si los menores deben tener acceso a las redes.

No lo creo, la verdad. Eso también recae en la familia y en la educación, en cuándo decides darle a tu hijo un móvil. Yo, por ejemplo, lo tuve a los 13, pero porque todos tus amigos empiezan a tener móvil y, si eres el único que no puede comunicarse y tal para salir, te quedas un poco out. Pero todo lo que puedas estar viviendo sin móvil es que luego lo notas tanto... Cuando tienes móvil dejas de hacer cosas que cuando eres niño sí haces.

¿Qué supone formar parte de la industria musical, que es algo con lo que soñaba?

Es una gestión diaria de sentir dónde estoy colocado, de dónde vengo, hacia dónde voy, a qué puedo aspirar, qué es lo que quiero... Después de Operación Triunfo, pegas un salto muy directo y yo tampoco tenía claro que quería ser cantante solista y hacer mis discos. Estaba estudiando interpretación y sabía que quería hacer algo corporal y de voz, obviamente para vivir de ello. Además, sales de Operación Triunfo con la etiqueta de OT, que eso a veces se toma bien y otras mal. Es como otra movida salir de Operación Triunfo y tener tu hueco. Hay que tener referentes y seguir cada uno el camino a su manera, tener la intuición bien alerta y escucharla.

Vídeo de la entrevista completa

Isabel Allende (Lima, 1942) siempre ha sido consciente del poder de las palabras. Tanto es así que las palabras han sido la base de la trayectoria de la autora, y no únicamente por la extensa bibliografía a la que han dado forma, sino por lo que ha decidido contar a través de ellas. A lo largo de las décadas, la escritora ha aprovechado su altavoz para hacer un tremendo ejercicio de memoria, sobre todo desde que empezó, en el exilio, una carta a su abuelo moribundo el 8 de enero de 1981, que acabaría siendo la semilla de su clásico La casa de los espíritus.

Con la preocupación ante lo que está ocurriendo en el presente, pero con la mirada puesta en el pasado para recordar todo aquello por lo que ha pasado, Isabel Allende ha declarado este jueves en rueda de prensa que “la memoria lo transforma todo”. La autora regresa a las librerías con La palabra mágica. Una vida escrita, obra en la que explica lo que ha supuesto para ella ser autora y que sirve como reflexión sobre el papel que ha tenido este oficio. Un oficio para el que reconoce que ha necesitado de la distancia del tiempo, pues ha afirmado que tiene que separarse de los hechos para poder escribir sobre ellos.

“Escribí La casa de los espíritus en 1982. Estábamos en plena dictadura, pero el golpe militar y el exilio habían ocurrido mucho tiempo antes. Necesité tiempo para poder verlo con la distancia y la ironía necesarias. Hoy no podría escribir una novela sobre Trump o sobre lo que está pasando en EEUU”, ha explicado Allende, que ha agregado que para una circunstancia mayor, para una visión panorámica de lo que ocurre, se necesita la “distancia del tiempo” y perspectiva. “En este momento no estoy preparada para escribir sobre eso”, ha señalado, concretando que solo lo estaría si estuviéramos hablando de “casos particulares”.

Aun así, la escritora ha expresado su descontento con la situación actual en EEUU, y ha aconsejado que para dedicarse a la escritura es importante evitar las distracciones, pues “el silencio interior es fundamental”: “Si cojo el teléfono y veo todas las brutalidades que ha hecho Trump, se me arruina el día”. Isabel Allende ha denunciado que en el país estadounidense se esté controlando “lo que se enseña en las clases”. “Se está censurando la mitad de la historia de este país, lo que tenga que ver con razas, con la lucha de los trabajadores. Solo La casa de los espíritus está censurado en varios estados, lo cual me parece un honor, por algo los censuran”, ha indicado.

Esta no es la única de las cosas sobre las que ha puesto el foco la escritora. Allende también ha apuntado que sigue existiendo un sesgo machista en la crítica por parte de la prensa especializada. “Yo no controlo lo que se va a decir de mí, pero la crítica es brutal con las mujeres”, ha declarado. “Si una mujer escribe El amor en los tiempos del cólera, la habrían tildado de sentimental, pero como lo escribe un hombre nadie piensa eso”, argumenta sobre el libro de Gabriel García Márquez. “Si una mujer escribe una novela histórica, tiene que estar absolutamente investigada a fondo y tiene que competir con otras novelas históricas muy inferiores que están escritas por hombres”, explica, sentenciando que “la crítica es muy fuerte contra la mujer” y que, aunque “ahora hay un poco más de respeto”, este “sigue faltando”.

Asimismo, la autora ha hecho hincapié en la autocensura a la que llegan los propios escritores. “En el caso de la ficción, no tengo problemas en usar a miembros de mi familia porque los transformo”, ha destacado, alegando que tiene “libertad” para hacer lo que le convenga. “En una memoria, en cambio, son personas, no son personajes, y tengo que tener mucho más cuidado”, ha contado en la rueda de prensa. “Para no tener miedo, escribo todo lo que quiero y luego lo reviso para ver si es cierto. Después, le muestro el manuscrito a las personas que están mencionadas, y ellas deciden si quieren o no estar en el libro, pero no lo cambio porque esa es mi visión”, ha añadido para reclamar que “hay que perder el miedo”.

Hoy, la mayor parte de la gente joven tiene miedo a la página porque están acostumbrados a la pantalla y lo quieren todo visual

Isabel Allende — Escritora

A lo que también ha invitado la autora a perder el miedo es a la página en blanco, ya que “uno no va a contar la gran novela americana”. “Da miedo cuando uno piensa en un proyecto enorme. Si vamos día a día y página a página, se va haciendo. A mí lo que más me cuesta son las dos o tres primeras semanas de escritura, porque tengo que quitarme de la cabeza la ambición de hacer algo extraordinario”, ha reflexionado. “No puedo escribir con un guion, porque no sé lo que va a pasar. El propósito de La palabra mágica. Una vida escrita es quitarle el miedo a la gente: no solo el miedo a escribir, también el miedo a leer. La mayor parte de la gente joven hoy tiene miedo a la página porque están acostumbrados a la pantalla y lo quieren todo visual”, ha declarado.

Por otro lado, Isabel Allende ha querido pronunciarse sobre la importancia de tomarse en serio el trabajo. “Soy muy disciplinada porque este es mi trabajo”, ha alegado, agregando que siempre le ha sobrado “energía” y que es “hiperactiva”. “Todos los días me siento temprano a escribir. Si lo que quieres es dedicarte a cualquier trabajo creativo, la inspiración y el talento son fantásticos, pero sin la disciplina no llegas a nada”, ha resaltado. “No tengo más vida que esto. Esto es todo lo que hago, me apasiona y ocupa todo mi tiempo. Lo único que hago es escribir, jugar con mis perros y amar a mi marido”, ha comentado, señalando que es una “vida muy simple” y que le “sobran horas”. “No me podría jubilar porque volvería loca a toda mi familia”, ha bromeado.

Las presencias de las que se nutre la escritora

Con respecto a la memoria, la autora también ha indicado que “existen muchas dimensiones de la realidad”, que “controlamos muy poco” y que “cualquier cosa puede pasar”. “No veo fantasmas y no soy particularmente supersticiosa, pero me rodeo de presencias. Esas presencias son de la gente a la que quiero que ya no está aquí, pero que en un ejercicio de memoria y de amor los tengo presentes”, ha reflexionado. “Todos ellos son partes de mi realidad, y los personajes, que son inventados, también tienen algo de alguien que he conocido. Cuando termino mi día, cierro la puerta de mi oficina y no quiero que nadie entre a limpiar, porque ahí están esas presencias esperando. Ese realismo mágico es una manera de vivir en una realidad múltiple que no es solamente lo palpable. Hay mucho más, y está la memoria y todo lo que uno ha vivido”, ha contado.

“Cuando alguien se pone vieja como yo, se recuerda mejor y más intensamente lo más antiguo. Ahora estoy recordando mucho la infancia, lo que me pasó cuando era joven, y la mayor parte de las cosas que recuerdo me dan una vergüenza tremenda. ¿Cómo pude haber sido tan ignorante, tan impulsiva, tan indiscreta?”, cuestiona Allende. “Pero tengo una ventaja inmensa respecto a la memoria, y es que compartí con mi madre una cantidad inmensa de cartas, que tengo guardadas. La memoria lo transforma todo, es como la imaginación: le das vueltas y, al cabo del tiempo, lo que recuerdas no pasó así. Pero esas cartas son mi memoria viva”, ha aclarado.

Unas semanas después de la publicación del libro, el 29 de abril, Prime Video estrenará a nivel mundial la serie basada en la novela La casa de los espíritus, que supondrá la primera adaptación televisiva en español de la aclamada obra. “En 1995 se hizo la película, y en aquella época la gente no leía subtítulos. Para que tuviera éxito internacional tenía que ser en inglés, tenía que tener estrellas de Hollywood. No tenía el sabor latinoamericano del libro, pero era una buena película”, ha apuntado sobre el filme de Bille August que contaba en el reparto con Meryl Streep, Jeremy Irons o Antonio Banderas. “Esto es muy diferente porque son ocho episodios y te permite contar la historia con calma. Tengo una ilusión tremenda de que le guste a la gente y, si es posible, que atraiga a los jóvenes”, ha concluido.

2.400 euros. No es el precio de un ordenador de última generación o de una joya de oro, sino lo que cuesta un envase de plástico con forma de dinosaurio verde del tamaño de un cubo de palomitas. El estreno de la esperada secuela de Super Mario Bros., que vuelve a llevar a los cines el universo de la figura más famosa de Nintendo, ha desatado una auténtica locura por el palomitero de Yoshi, un objeto que ha pasado de ser un simple recuerdo para los fans a convertirse en el centro de una guerra de reventa.

Yoshi es uno de los personajes más entrañables del mundo de Mario Bros. El icónico compañero dinosaurio de Mario apareció por primera vez en el juego Super Mario World de 1990 y se ha convertido en uno de los más queridos de la exitosa franquicia, habiendo lanzado al mercado sus propias sagas como protagonista y participando en otras tan aclamadas como Mario Kart. No es de extrañar, por ende, que un palomitero exclusivo con forma de Yoshi haya despertado tanto interés entre los seguidores más acérrimos.

Sin embargo, el cubo de palomitas, que en España se ha vendido en cadenas de cine como Yelmo o Cinesa por un precio de 40 euros, no ha tardado en agotarse y empezar a revenderse por cientos o incluso miles de euros en plataformas como Wallapop, eBay o AliExpress. Esto ha sido a consecuencia de que, como Yelmo ha afirmado a través de su cuenta de Instagram, “puedes hacerte con tantas unidades como quieras con tu entrada”. Los palomiteros se pusieron a la venta el miércoles 1 de abril, el día de estreno de la película.

Desde entonces, conseguir uno de estos cubos de palomitas se ha vuelto toda una proeza, sobre todo porque hay quien se ha hecho con cientos de ellos con la única intención de venderlos después a un precio más alto. Rubén Sánchez, secretario general y portavoz de Facua-Consumidores en Acción, destaca que esto “es algo habitual cuando son ediciones muy limitadas”, pero que no sería un fraude mientras que nadie se invente que solo existen cinco unidades como esa en el mercado. “La cuestión es si encuentras a alguien dispuesto a pagar ese pastizal, igual que hay quien puede pagar decenas de miles de euros por un cómic de los años 50 de Superman”, explica.

En esta ocasión, sin embargo, se da la circunstancia de que no se trata de un producto histórico lanzado hace varias décadas, sino que acaba de salir al mercado e inmediatamente se agota. “Eso provoca que, precisamente por el funcionamiento de la ley de la oferta y la demanda, quienes han podido ya tener uno lo estén vendiendo a un precio que puede ser a ojos de mucha gente disparatado”, argumenta Sánchez a elDiario.es, que insiste que “no habría ilegalidad de por medio”.

La única reventa de un particular donde está regulada su prohibición es en las entradas de eventos, como puede ser un concierto, pues no se permite la reventa física en la calle. “A nivel de internet está pendiente de aprobarse una ley por la que se prohibirá la reventa lucrativa; es decir, la reventa donde le incluyas un margen de beneficio, que no afectará a la reventa de entradas por el mismo precio cuando alguien se pone malo y no puede ir al evento”, cuentan desde de Facua-Consumidores en Acción. No obstante, esto sigue sin aplicarse a los objetos de coleccionistas.

Los revendedores, al acecho del fenómeno fan

“Estamos hablando de un mercado libre. Esto es como si te compras un Van Gogh en una subasta porque tienes dinero y luego lo intentas vender al doble”, comenta Sánchez. “Un Van Gogh es único, pero cuando se trata de un producto del que ha habido 3.000 unidades en el mercado y de repente desaparecen de la venta y son particulares o tiendas las que quieren revenderlo, tampoco hay ningún problema en que se revenda mucho más caro. No hablamos de un servicio público, de un producto de precio regulado”, agrega, especificando que, de haber algún conflicto, podría haberlo “entre empresas, pero no de cara al consumidor”.

La alta demanda provocada por los palomiteros ha sido objeto de polémica en redes sociales. “Especulador de Yoshis que debe de ir a la cárcel”, reza la biografía de TikTok de un usuario llamado Rubén, que ha publicado varios vídeos en la aplicación con muchísimos de estos cubos. “A ver si pasamos menos tiempo revendiendo y más haciendo un currículum”, le ha respondido Inés. Quien también ha comentado es un usuario llamado Mente Millonaria, en su caso dando las “gracias” a Nintendo: “Compré cuatro y los vendí en dos días por más del doble”.

Rubén ha especificado en la sección de respuestas, donde le han llovido las críticas, que no trabaja en ningún cine. “Solo fui a un cine y pregunté si vendían, me dijeron que sí. Yo dije: '¿Cuántos tienen?'. Y así empezó”, ha indicado el usuario, que también ha señalado que ha vendido 89 unidades y que ya no le quedan más. Asimismo, hubo quien persiguió a diferentes empleados de un cine de México para grabarlos tras negarle la compra de este producto por no ser socio. Este hombre arrancó hojas del mostrador y acusó al personal de que lo estaban “discriminando” e “infringiendo la ley”, como se aprecia en un vídeo que ahora es viral en redes sociales.

Desde Facua-Consumidores en Acción resaltan que una empresa puede decidir cómo y a quién vender este tipo de producto. “Ahí realmente no estamos hablando de un bien de consumo habitual, como sí lo sería si vendieras refrescos o palomitas a personas que tengan un tipo de entrada y al resto no se los vendes. En este caso no estamos hablando de un establecimiento abierto al público que está ejerciendo una limitación en el derecho de admisión desproporcionada”, apunta Rubén Sánchez, ya que se trata de “reunir unos requisitos para poder acceder a un determinado tipo de producto”.

“Al igual que un banco puede decidir que los clientes que tengan unos requisitos podrán acceder, por ejemplo, a un tipo de interés del 2% en remuneración de su cuenta, pero para ello está condicionado a que hayan depositado tanto dinero o a que tengan domiciliada la nómina, aquí sucede lo mismo”, insiste Sánchez, declarando que es posible vender este producto exclusivo solamente a quien sea socio o, por ejemplo, a quien haya comprado más de diez entradas a lo largo del último mes, si así el cine lo desea. Seguiría sin cometerse una ilegalidad independientemente de que sea o no moral hacerlo.

Unas cifras de taquilla espectaculares

El fenómeno de los cubos de palomitas no se limita a esta película, pues en 2024 el palomitero de Dune ya inspiró memes y hasta un sketch del Saturday Night Live. Más allá del éxito del cubo de palomitas de Yoshi, las cifras de taquilla de Super Mario Galaxy también son un enorme triunfo, arrasando como ya hiciera la primera película a pesar de las malas críticas por parte de la prensa especializada. El filme ha logrado recaudar 372,5 millones de dólares durante sus primeros cinco días en cines en todo el mundo y se ha convertido en el mejor estreno del año tanto en EEUU como internacionalmente.

Además, la franquicia ha hecho historia al ser la primera animada en tener dos debuts por encima de los 350 millones de dólares. La entrega inicial acumuló unos ingresos mundiales de 1.360 millones de dólares, por lo que aún queda pendiente ver si su secuela es capaz de alcanzarlos. Lo que parece evidente es que superará con creces la marca de los mil millones, toda una hazaña cuando el presupuesto ha sido de unos 100 millones de dólares.

En España, Super Mario Galaxy se ha adjudicado el segundo mejor miércoles de estreno de la historia en España, así como el segundo mejor estreno para una película animada, solo por detrás de Del revés 2. En total, más de 625.000 espectadores acudieron el pasado miércoles a las salas, provocando la mayor asistencia al cine desde julio de 2023, cuando coincidieron en cartelera Barbie y Oppenheimer. La cinta ha hecho en su primer día más de 2,5 millones de euros de recaudación, superando así la taquilla del primer día de Torrente, presidente, que se quedó con 2,4 millones de euros.

En un momento marcado por la polarización, la capacidad de un artista para mantenerse fiel a un discurso reivindicativo es un acto de resistencia. Y lo es porque, en la actualidad, reivindicar no solo consiste en gritar contra la injusticia, sino también en obligar al oyente a detenerse y reflexionar en medio de los bulos y del ruido que inundan las redes sociales. Domingo Antonio Edjang Moreno, conocido como El Chojin, lleva 25 años haciendo de la palabra la fortaleza de su música.

Convertido hoy en un referente tras un cuarto de siglo triunfando en la escena de rap, el cantante ha construido su legado basándose en la importancia del mensaje por encima del propio sonido. Desde sus orígenes en un Torrejón de Ardoz profundamente influenciado por la cultura urbana que entraba a través de la base aérea estadounidense, ha llevado a cabo una amplia carrera defendiendo el poder que tiene el rap para abordar temas sociales desde distintas perspectivas y no quedarse con los brazos cruzados.

Su nuevo disco, Balance, está compuesto por 27 temas y reúne a más de 40 artistas de una docena de países diferentes. Desde el peligro del auge de la ultraderecha hasta la disparidad de opiniones y la aceptación de las imperfecciones, El Chojin presenta un proyecto que lo ayuda a hacer balance tanto de su carrera como del mundo que lo rodea.

¿Qué supone conmemorar 25 años de carrera en un disco?

Es motivo para hacer balance, que es como se titula el disco. Darte la vuelta, mirar hacia atrás y ver si todo este tiempo has conseguido conectar con la gente, si has conseguido dejar huella en algún sitio. Por la vorágine en la que estamos metidos, el tiempo no te permite pararte y examinar qué es lo que estás haciendo. Ha sido un ejercicio muy bonito porque me he recordado a mí mismo muchas veces que el éxito no es alcanzar el número que tú tenías en la cabeza, sino continuar ahí y haber dejado cierta huella en la gente.

Que la gente se pregunte cuántas horas pasa mirando la pantalla del teléfono. Invertimos más tiempo en mirar a gente a la que no conocemos, haciendo cosas que realmente no nos interesan, que mirando dentro de nosotros o a nuestro alrededor. ¿Qué puedo hacer para que sea un poquito más feliz la persona que tengo a mi lado? ¿Qué puedo hacer para ser un poquito más feliz? Estamos en esa dinámica, y entiendo que no va a cambiar a mejor, porque los tiempos son así y ya está, pero darle una pensada y una reflexión tampoco viene mal.

¿Suele hacer balance de su vida?

Intento mirar lo menos posible hacia atrás, porque eso me mantiene alejado del foco. El futuro tampoco existe, pero es más interesante y divertido imaginar cómo puede ser algo que recordarlo. Cuando lo estás recordando, al final te lo estás inventando y cambiando cómo fue. No reniego de nada de lo que me ha pasado, pero procuro estar en el presente.

¿Es este disco una aceptación de nuestras imperfecciones?

Sí. Llevo un tiempo trabajando mucho en ese sentido. La única forma de sentirte cómodo contigo mismo es entendiéndote, y para entenderte necesitas ver tanto lo que te gusta ver como lo que no. Muchas veces apartamos lo que no nos gusta y hacemos como que no está ahí, pero siendo así, creo que es muy complicado terminar queriéndote. De modo que la forma que he encontrado de quererme es a través de mis imperfecciones, de estar tranquilo y cómodo con ellas, trabajando para que sean cada vez un poquito más pequeñas, pero no soñando con la posibilidad de no tenerlas.

Ahora eres el tonto por estar en contra de la guerra, mientras que lo inteligente es estar a favor de que se bombardee una escuela

El Chojin — Rapero

Si hace balance de lo que está ocurriendo ahora mismo en el mundo, ¿a qué conclusión llega?

Soy muy poco optimista. Tengo la sensación de que los buenos están perdiendo. Cuando ahora dices que estás en contra de la guerra en Irán, hay quien te tacha de ser demasiado inocente. Eres el tonto por estar en contra de la guerra, mientras que lo adulto, lo inteligente y lo lógico es estar a favor de que se bombardee una escuela y maten a 150 niñas. Se están imponiendo una serie de valores que hablan de la imposición por la fuerza. Y me refiero a los tiros, pero también a los gritos o al hecho de ser un abusón.

La lectura que se está dando ahora es que el abusón lo es porque naturalmente merece más. Si eres frágil, si eres débil, mereces estar abajo, mereces sufrir. Si eres pobre es porque no te lo has currado lo suficiente. También se está instaurando de forma errónea la idea de la meritocracia, que alguien se inventó un día y es el comodín en todas las conversaciones. Me gustaría pensar que podemos retomar un mensaje que gire en torno a la bondad, la bondad, la empatía, a esas cosas que cuando las dices delante de estos hombres tan duros y tan fuertes te tachan de blando y de idealista.

¿Cómo se lucha cuando un discurso de odio cala más en la sociedad que el mensaje de un artista?

Sin resignarme. No se puede soñar con ganar todas las batallas, ni siquiera aquellas en las que estás convencido de que tienes razón, porque la justicia es un concepto estúpido. A nadie le importa la justicia. Aunque tenga razón, eso no quiere decir que cuando combata al que no la tiene vaya a ganar. Por eso acepto que va a haber conversaciones en las que pierda, va a haber bulos que se va a terminar creyendo la gente, va a haber malinterpretaciones. Y perderé, volveré a perder la siguiente, y al final ganaré una. Will Smith dijo una vez: “Yo no soy el mejor, pero si yo me subo a una cinta de andar contigo pueden pasar dos cosas. O que tú te bajes primero, o que yo me muera en la cinta”. Esa es mi actitud.

¿Y cree que la música tiene el poder de hacer algo cuando está ocurriendo un genocidio en Gaza?

Sí, lo tiene y lo hemos intentado. Hicimos un tema para la banda sonora de un corto que estuvo nominado a los Goya, Todos somos Gaza. Tuve la oportunidad de viajar para allá para verlo en primera persona y poder nutrirme de lo que estaba ocurriendo allí. Lo que puedas hacer se puede considerar más o menos importante, pero no hay ningún vaso que se llene si no entra una primera gota. Lo que voy a hacer es, siempre que pueda, aportar lo poco o lo mucho que tenga en las causas en las que yo creo que es justo hacerlo. Que no sea porque yo no me posicioné o no lo intenté.

Estamos ahora en un momento de negación de la existencia del fascismo, que me parece fascinante. “El fascismo nunca existió, eso se lo han inventado los historiadores, ¿eh?”. Todo el mundo es libre para tomar la decisión que considere. La mía es que necesito saber en el futuro que, pase lo que pase, yo estuve en contra del fascismo, y lo voy a trabajar desde la posición que tengo, que es desde la música y desde el escaparate que puedan darme a mí.

¿Cómo le afecta a su sentimiento de pertenencia el auge de la ultraderecha en España?

La diversidad es que exista esta gente. Hay gente que dice que no, pero a mí sí me gustaría que todo el mundo pensara como yo. Estaría mucho más tranquilo. Pero no es así, y con la ultraderecha pasa lo mismo. No me preocupa que exista, lo que me preocupa es que gane el relato. Eso sí me preocupa, pero no quiero que se implante una idea autoritaria en la sociedad en la que vivo. Quiero ser un agente activo, no esperar a que las cosas ocurran. Quiero hacer algo para intentar que no pasen.

Si pasan, si al final terminan votando lo que creo que no se tiene que votar, pues me lo tendré que comer igual que ellos se comen el resultado cuando es al revés, pero no significa que me vaya a quedar con los brazos cruzados. Esta es mi sociedad y, me guste o no, esta gente existe. Lo que toca ahora es intentar que sean lo menos posible a través del convencimiento, no a través de lo que intentan ellos, que es hacerte desaparecer.

¿Pero cree que todas las ideas merecen ser respetadas?

Para nada. Hay muchísimas ideas que no respeto, pero que no las respete no quiere decir que no existan. Hemos de tener la capacidad de entender que una cosa es el mundo tal y como nos gustaría que fuera, y otra cosa es el mundo tal y como es. En un mundo en el que hay gente que dice cosas con las que estoy absolutamente en contra, puedo hacer dos cosas: taparme la cabeza y hacer como que no están ahí, como que no existen, o escuchar qué están diciendo para a partir de ahí saber cómo puedo pelear contra eso. Yo intento ser realista. No respeto tus ideas, pero las combato con argumentos. En función de cómo de grave sea el problema, así tiene que ser también la forma en la que te defiendas.

La culpa de gran parte del auge de la ultraderecha la tienen los dos partidos mayoritarios de España, porque llevaban más de 40 años prometiendo unas cosas que luego no nos estaban dando. Entonces, de repente, hay un montón de gente que cree que son todos lo mismo, que dicen que el PSOE y el PP son la misma mierda y que todos son unos mentirosos. Así es como ha aparecido un señor que dice “Yo tengo la solución, los inmigrantes son el problema”, y la gente responde “Bueno, pues vamos a votar a este señor porque sí, parece que él tiene la solución”.

Nos venden que España está fatal, pero cuando no viajas crees que la normalidad es la que tienes a tu alrededor

El Chojin — Rapero

En el álbum colabora con artistas de Latinoamérica. ¿Tienen algo ellos que no hay en España en cuanto a fuerza reivindicativa?

Totalmente. Estamos en una época en la que nos venden que España está a punto de implosionar, que todo es horrible y está megafatal, y da la sensación de que cuando no viajas, cuando no sales de un sitio, te terminas creyendo que la normalidad es la que tienes a tu alrededor. El mundo ahí fuera es mucho, mucho, mucho peor de lo que lo es aquí. En Latinoamérica en concreto tienen el rap como herramienta de lucha social porque es prácticamente lo que les queda. Sin embargo, aquí somos como más burgueses, somos como niños pijos que se quejan porque papá no les deja coger el coche el fin de semana. Allí se están quejando de cosas realmente importantes y tienen un espíritu más reivindicativo que aplaudo muchísimo. Es parte del motivo por el que quería que hubiera artistas latinoamericanos en mi disco.

¿Le da miedo envejecer en la industria?

Me da mucho miedo envejecer en general. No me gusta hacerme mayor, quedarme fuera del argot de la calle, pero que no me guste tampoco implica nada. La vida es como es, no hay nadie que no envejezca y yo no voy a ser una excepción. Pero si pudiera elegir, si tuviera un superpoder, no sería ni volar ni nada, sino tener todo el rato 21 años. Sigo en contacto con la calle, pero es un contacto muy diferente, porque una cosa es cuando pasas por la calle y hablas con gente que está en la calle, y otra cosa es cuando la calle es tuya, que es lo que pasa cuando estás en los diecipico o veintipico.

Ocurre porque haces que ocurra, porque están tus amigos, tu gente, y es tu ambiente. Lo que nos ocurre a nosotros, a los que hemos tenido mucha calle pero que ya somos más mayores, es que recordamos nuestra calle y creemos que esa es la calle que hay ahora. Pero es diferente porque hay otras personas. Por mucho que la tengamos cerca y que nos la cuenten, ya no estás ahí.

La familia no es siempre ese refugio instaurado en el imaginario colectivo. En ocasiones, los lazos de parentesco son una bomba cargada de deudas emocionales y roles perpetuados desde la infancia. Esto, que se ha visto frecuentemente en el cine de Cesc Gay (Barcelona, 1967), caracterizado por exponer las debilidades humanas, se vuelve a apreciar en la comedia que el director acaba de estrenar en Netflix. Disponible en la plataforma desde este viernes, 53 domingos usa la reunión de tres hermanos para diseccionar el mito de que el amor fraternal es un espacio seguro y abordar el tabú de cómo gestionar el cuidado a los padres cuando se convierten en personas dependientes e irreconocibles.

Protagonizada por Javier Cámara, Carmen Machi, Javier Gutiérrez y Alexandra Jiménez, la película es la adaptación de la obra de teatro homónima del cineasta. La historia obliga al espectador a asomarse a un espejo incómodo en el que se reflejan las estructuras de cuidado, las jerarquías familiares y el impacto del envejecimiento en una generación que trata de cuidar a sus progenitores enfrentándose a la realidad de la falta de tiempo y recursos. Es una generación que ha alcanzado la edad adulta y que, además de lidiar con sus propias crisis vitales y laborales, intenta encontrar cuáles son sus personas de confianza al percatarse de que los vínculos de sangre quizá no lo son todo.

De hecho, el motor de 53 domingos no es el padre, sino la relación que mantienen los tres hermanos y su evolución a lo largo de la cinta. Cesc Gay explica a elDiario.es que creer que la familia debe ser un bloque sin fisuras es “como pensar que todos los matrimonios son felices”, una falacia que ignora que “el ser humano es así, se pasa el día peleándose” y que no existe diferencia entre la dinámica de unos hermanos y la de una “reunión de vecinos intentando ponerse de acuerdo en si arreglan el ascensor o no”. “No hay lugar en el que no haya conflicto”, señala el director, que agrega que quien se dedica a escribir se aprovecha de eso para crear dramas o, en este caso, comedias.

La cinta recoge un combate de egos entre hermanos que se manifiesta en discusiones que el director califica de “absurdas y ridículas”, como la disputa por cambiar una bombilla. Son problemas que evidencian cómo la familia es capaz de ignorar el problema real —el futuro del padre— para centrarse en sus propias rivalidades. La película juega con roles de envidia y competitividad a menudo aprendidos en la niñez, mostrando patrones que se repiten constantemente mientras el tiempo pasa fuera de la casa en la que se ambienta la trama. El final es muy significativo, pero 53 domingos pone el foco en aquellos cierres que no se producen, en esas rencillas que nunca acaban desapareciendo.

La estructura de la película indica lo difícil que es llegar a acuerdos mediante cuatro intentos fallidos de una cena, una muestra de la disfuncionalidad familiar donde los hermanos no se sientan en la mesa hasta que es demasiado tarde. “La primera vez que como director afrontas un guion siempre vas un poco más perdido”, advierte Cesc Gay. “Aquí ya venía con esa ventaja, y mi trabajo se trataba, sobre todo, de adaptar y reescribir cosas. Quería que fuera una película muy ágil, y no quise que se sentaran a hablar hasta la última secuencia, que es la estructura irónica que tiene. Cuando finalmente se sientan, aparece Alexandra con malas noticias”, explica.

El papel de la mujer en los cuidados familiares

En el ring doméstico de 53 domingos, es la hermana Natalia quien intenta ejercer un “papel conciliador” que el director define como un lugar “donde lo que ella siente no es lo importante, pues lo importante es encontrar y generar siempre un ambiente agradable”. Aunque al final todo salta por los aires, el personaje interpretado por Carmen Machi representa a la mujer que asume la carga, algo a lo que pone el foco Cesc Gay en una España donde la mayoría de cuidadores siguen siendo ellas. “Las mujeres son quienes más pringan eso. Es una realidad en las familias y en la forma de funcionar en esta sociedad, pues nos cuesta cuidar a los padres y acaba siendo más la mujer la que lo hace”, señala el cineasta.

Es por esta razón que Gay quería que, al estar Natalia entre dos hombres, tomara ese rol. “Es un personaje que tiene este equilibrio de querer siempre que no haya conflictos, que no haya peleas. En este caso, además, lo que quiere es ponerse de acuerdo con sus dos hermanos”, argumenta el director. No obstante, este utiliza a Carol, interpretada por Alexandra Jiménez, para que sea la narradora que rompe la cuarta pared. “No es ninguno de los tres hermanos. Por eso mira a cámara, se relaciona directamente con el espectador y le avisa de que van a ver una película donde los hermanos se van a pelear”, cuenta, agregando que era una estructura que tenía la versión teatral y no quiso eliminarla.

Carolina alude al espectador en los interludios y en la reflexión final. “Todo el rato te está recordando, con el hecho de mirarte, de hablarte un poco, que es la narradora. Y no estamos acostumbrados en las películas. Cuando hay una voz en off es más fácil, por ejemplo, que el espectador se asocie o se vincule con esa voz en off. Pero a mí me gustó la energía que tenía hacerlo de esta manera, por eso quise abrir con ella andando por la calle y contando cosas”, argumenta el cineasta.

Asimismo, el filme también juega con la influencia que tiene la posición económica de cada hermano, esa disparidad de clases que existe dentro de una misma familia. “Es radicalmente importante”, reflexiona Cesc Gay. “En muchos momentos de la película es clave que a tu hermano mayor le vaya muy bien, que tenga una vida de lujo y no porque se la haya ganado él, sino porque se casó con la hija del jefe, que es la frase literal que tiene Javier Cámara. Él interpreta a un actor y, como cuenta Alexandra al público, no le han ido tan bien las cosas. Se lleva al extremo lamentable y patético por mi parte, con toda la ironía posible, de que lo contratan para hacer de tomate en un anuncio de gazpacho”, añade.

Pese a que Cesc Gay ha apostado por el humor para hablar de estos temas y mostrar en pantalla los conflictos familiares, considera que también se puede abordar esto desde otra perspectiva y llamar la atención de la gente. “Un director o directora podría hacer esta película, hacerla muy dramática e intensa y que saliera una grandísima película que tuviera mucho éxito. Al final las películas conectan con el espectador, sean dramas o sean comedias”, afirma el cineasta, que concluye que “todo se puede hablar desde muchos lugares y todos tocamos los mismos temas”, siendo lo que cambia “la mirada y la intención del director y del escritor”.

La cultura pop está repleta de polémicas que fortalecen y destruyen el imperio de los artistas. Esta semana le ha tocado a Chappell Roan, cuyo equipo de seguridad ha sido acusado por el futbolista Jorginho de hacer llorar a su hijastra, pues supuestamente estaban alojados en el mismo hotel y le pidió que no molestara a la cantante. Tras las críticas, la artista ha optado por explicarse a través de varios vídeos publicados en Instagram, afirmando desde la cama que no era su guardaespaldas y que no siente “odio” por los niños. Se trata de otra controversia que constata que la autenticidad, además de poder ensalzar a las estrellas, es aquello que las sostiene en el pop contemporáneo.

Las redes sociales empujan a los artistas a mostrarse cercanos y espontáneos, evidenciando a través de stories que son mucho más que meros intérpretes de los hits del momento. Sin embargo, esa misma visibilidad alimenta el escrutinio público, por lo que, mientras que la exposición les permite conectar mejor con sus fans y humanizar su imagen, al mismo tiempo genera una contradicción: cuanto más enseñan de sí mismos, más difícil les resulta delimitar su vida privada, volviéndose en su contra cuando intentan reclamar intimidad. Consiste en todo un espectáculo que continúa fuera del escenario y que el músico y sociólogo Hans Laguna recorre en el ensayo Yo siendo yo (Anagrama, 2026).

Analizando cómo la identidad se define y se explota en una industria que exige la reinvención constante, sobre todo a las mujeres, y aportando las claves respecto a por qué se ha convertido en uno de los activos más valiosos para cualquier cantante, Hans Laguna cuenta los secretos detrás de la imagen que proyectan las estrellas del pop. Unos secretos de los que “somos víctimas y cómplices”, puesto que las estrellas y quienes las seguimos formamos parte del mismo juego. “Lo que hacen estas figuras lo hacemos nosotros a pequeña escala. Todos estamos metidos en las redes sociales y todos, de alguna forma, construimos un personaje para el consumo público”, señala el autor a elDiario.es.

Como ocurre con los cantantes que utilizan aplicaciones como TikTok o Instagram para proyectar una imagen determinada a su comunidad de fans, también nosotros nos vemos cada vez más atravesados por esos mismos problemas identitarios: hasta qué punto somos fieles a nosotros mismos en nuestra vida diaria y social, y hasta qué punto el personaje que construimos en redes nos representa realmente. “Las estrellas del pop llevan estas inquietudes a la arena pública de una forma muy evidente, pero lo interesante es que no es algo ajeno a los demás”, apunta Hans Laguna, que agrega que “el sistema nos lleva a construir una marca personal que rentabilizamos a nivel laboral”.

Es por ello que, para alcanzar una mayor empatía y fidelidad por parte de sus seguidores, los artistas moldean una personalidad de atributos entre los cuales destaca la autenticidad. Uno de los casos a los que alude el autor es el de Rosalía, quien ha logrado una gran relevancia cultural y social más allá del panorama musical porque ha conseguido mostrar una “imagen de mujer autónoma e independiente que hace lo que le da la gana”. “Eso le permite colaborar con un montón de marcas y capitalizarlo. Es el ejemplo de que construir una imagen de persona auténtica hoy en día es un negocio”, detalla.

Rosalía no es la única que lo hace, teniendo en cuenta que incluso se ve con buenos ojos. “Antes, hacer publicidad era un anatema, pero ahora la Generación Z lo acepta porque están demostrando su triunfo social y celebran que lo estén petando”, indica Hans Laguna. La anomalía en este aspecto la presenta Taylor Swift, la figura que lo inspiró a escribir Yo siendo yo tras ver el documental Miss Americana (Netflix, 2020). Según Forbes, la creadora de The Life of a Showgirl tiene un patrimonio neto de 2 mil millones de dólares, convirtiéndola en la artista más rica del mundo y la primera en alcanzar dicho estatus gracias únicamente a sus giras y su catálogo, sin necesidad de patrocinios o asociaciones.

Aunque no es negativo que la mayoría de artistas se vinculen con otras empresas, Hans Laguna subraya que si sobrepasan ciertos límites puede ser peligroso. “Debe haber una coherencia entre la marca con la que se asocian y su marca personal”, argumenta. Si no, corren el riesgo de que sus movimientos sean tildados de hipócritas, como le sucedió a Aitana al asegurar que ni ella misma podría comerse el menú que sacó con McDonald's porque es celíaca. La intérprete, además, alegó el verano pasado que no ganaba dinero con sus conciertos en estadios, algo que responde a la paradoja de que, en tanto que las estrellas del pop son más capitalistas que nunca, proyectan el discurso de que son auténticas y no hacen las cosas por beneficiarse económicamente.

“Es un malabarismo al que estamos acostumbrándonos, pero es una anomalía histórica que debería llamarnos la atención”, comenta Hans Laguna, que asevera que es una situación que está cada vez más normalizada. “Están jugando a eso y cada vez es más obvio que son máquinas de hacer dinero y de colaborar con marcas. Quizás precisamente por ello necesitan al mismo tiempo construir una imagen que se mantenga al margen de esto y convencernos de que en realidad tienen una necesidad expresiva”, reflexiona.

El posicionamiento político

Otra de las consecuencias de la exposición de los artistas es el reclamo por parte de sus seguidores de pronunciarse sobre los problemas políticos y sociales. Rosalía se vio obligada a apoyar públicamente a Palestina después de la polémica desatada en redes sociales que señalaba a la cantante por no haberse manifestado al respecto. “El hecho de no haber usado mi plataforma de forma alineada con el estilo o expectativas ajenas no significa en absoluto que no condene lo que está pasando en Palestina”, indicaba la catalana. Hans Laguna afirma que “las estrellas son más conscientes de que no tienen un cheque en blanco, sino que saben que los fans pueden reaccionar”.

El autor critica que estos artistas, que “viven del engagement que han generado con sus públicos, con su audiencia en redes, provocando relaciones parasociales”, se molesten “cuando el público les exige determinadas actitudes o les afea ciertas conductas”: “Es como que solo lo quieren para lo bueno y no para lo malo. Parece que tienen nostalgia de unos tiempos en los que podían hacer cualquier cosa sin tener que rendir cuentas”.

En EEUU, no obstante, sí es más normal que los cantantes tomen partido. Elton John y Katy Perry, por ejemplo, hicieron campaña para Hillary Clinton en 2016, mientras que Taylor Swift y Beyoncé han hecho lo propio en 2024 apoyando a Kamala Harris frente a Donald Trump. “¿Cómo puedo subirme al escenario y decir '¡Feliz mes del Orgullo a todos!' y no hacer nada mientras la gente, literalmente, va a por el cuello [de la comunidad LGBT]?'”, advertía Swift en su documental. “Es interesante que las estrellas perciban que tienen que ir con más cuidado, puesto que ahora los fans ejercen poder de influencia sobre ellos”, apunta Hans Laguna.

Aun así, el escritor advierte que “hay una base de fans muy fieles que les van a defender hagan lo que hagan”. Se ve constantemente con las polémicas a las que se enfrentan en internet, e incluso con informaciones tan delicadas como la denuncia de dos extrabajadoras de Julio Iglesias acusando al cantante de agresiones sexuales. “El caso de Julio Iglesias es muy particular porque es una estrella de la vieja escuela y, justo al final de su vida, ha surgido un escándalo bastante desagradable del que fue una locura la repercusión”, dice Hans Laguna, conocido también por su obra sobre el intérprete Hey! Julio Iglesias y la conquista de América (Contra, 2022).

“Cuando alguien es muy fan, psicológicamente intenta encajar la nueva información en sus creencias previas. El fenómeno fan es muy diverso: hay muy fieles, otros más escépticos, algunos críticos y otros menos. Cuando hablamos de la audiencia, hablamos de una masa muy heterogénea. Las estrellas tienen que ir navegando esa diversidad”, argumenta el autor, que hace alusión a que hay personas que olvidan rápidamente. A través de Instagram, el futbolista Jorginho le recriminó a Chappell Roan el trato a su fandom: “Sin tus fans no serías nada”. Sin embargo, más allá de que los seguidores recuerden o no esta polémica en unos meses, el juego de las estrellas ya no solo depende de lo que hagan con su micrófono encima del escenario, sino su capacidad para gestionar las expectativas de un público cada vez más activo y dividido.

El mundo del espectáculo y, en concreto, el mundo de la interpretación, son gremios sobre los que más y menos se conoce al mismo tiempo. Todos tienen algo que decir acerca de la industria del cine, todos creen tener la certeza de saber qué ocurre tras bambalinas. De hecho, sería difícil pensar lo contrario, teniendo en cuenta la infinidad de galas de premios que existen y el foco mediático que acaparan sus alfombras rojas. Pero la realidad es que, al contrario de lo que a veces aparentan, los actores y la gente de teatro son seres insoportables. Al menos, esa es la conclusión a la que se puede llegar tras leer Yo, Eduard, una adictiva y divertida sátira al sector cinematográfico.

Sirviendo como crítica del glamur y la purpurina que caracteriza esta disciplina, el escritor y actor Elías González desvela los entresijos detrás de la industria de la interpretación en una novela que destruye sus mitos. La obra, cuya idea nació del rencor de las negativas que el autor se ha llevado en los cientos de castings que ha hecho a lo largo de su trayectoria, aborda este tema a través de la ironía. González se dedica al arte dramático desde hace ya 20 años y, aunque reconoce a elDiario.es que se le da mejor actuar que escribir, necesitaba plasmar sobre el papel la hipocresía de toda la parafernalia que hay alrededor de los brillos de Hollywood.

La intención del autor era la de “mostrar la cara oculta del cine”: “El teatro es más artesanal y hay más compañerismo, pero sí que quería mostrar la cara oculta de las redes sociales, de los castings, que son cosas superficiales. Y quise hacerlo desde el humor y con la ciudad de Madrid como gran paradigma de los actores. Todos vienen a Madrid a triunfar y a tener éxito, pero siempre me acuerdo de Vila-Matas, que referenciaba a Séneca al decir que el éxito es una horterada”. Elías González repasa las causas y consecuencias de lo negativo de dedicarse al arte, desde el uso de las redes sociales hasta la pérdida de autenticidad.

El libro está protagonizado por Lorenzo, un personaje gañán que vive muy tranquilo alejado de la actuación. Sin embargo, solo cuando deja de ser él mismo y comienza a imitar al actor Eduard Fernández atisba el éxito. O más bien otro tipo de éxito, puesto que hay quien consideraría más que un triunfo lograr vivir tranquilo en la sociedad actual. Elías González lo explica bajo el término de “miseria confortable”, que consiste en ganar el dinero suficiente para hacer las cosas que te gustan. Este concepto, que el intérprete lo toma como filosofía de vida, es complicado de aplicar en un momento en el que las redes sociales te empujan a ansiar más y más, a no conformarse con lo que se tiene.

“Es una cuestión de ego”, argumenta González. “Yo también quiero tener éxito con las novelas o actuando, pero hay otras personas que lo tienen como su marca, como su objetivo. Eso, en cuestiones artísticas, me parece lo más errado, porque el arte se rige por otras cosas”, explica el intérprete. “No voy a ser hipócrita, el éxito tiene algo que nos llama, pero es cuestión de controlar el ego, que los actores lo tenemos muy disparado”, agrega. Este orgullo, a menudo arrogante, es una de las consecuencias del “veneno del teatro”, algo que Elías González asegura que han experimentado todos los que son actores.

El intérprete no olvida la primera vez que se subió a un escenario ni tampoco cómo la experiencia lo impulsó a querer hacerlo de nuevo. “Recuerdo la emoción, recuerdo la energía con el público, recuerdo pasármelo que te cagas y decir 'necesito más'. Es como una droga”, confiesa el escritor. “Pero en esta profesión solo trabaja el 8%. Por eso, en los momentos de parón, tenemos que tener la cabeza muy bien amueblada, porque necesitamos actuar delante de una cámara y eso es muy jodido”, cuenta. Es una disciplina para la que Elías González señala la importancia de la salud mental, pues puede acarrear peligrosas carencias de seguridad emocional.

Tanto es así que el actor afirma que “tienes que estar muy preparado para todas las negativas que te vas a encontrar, para sentirte juzgado”. “Cuando entras a un casting, tienes que saber que te van a mirar para juzgarte. Pero, al igual que tienes que estar preparado para eso, también para cuando te den regalos y te adulen, porque puede volverte un poquito majara”, indica, poniendo al descubierto en el libro un proceso de casting arbitrario y absurdo que lleva a muchos actores a cuidarse yendo a terapia. Asimismo, considera imprescindible reforzar el silencio: “Cada vez se escucha peor y cada vez se habla más deprisa. Hay que pensar muy rápido y eso una putada para quienes pensamos lento. Es paradójico porque los actores se dedican a eso, a reaccionar a lo que te dice el otro, pero se escuchan poco y hablan muy alto”.

A pesar de ello, Elías González insiste en que también hay mucha frivolidad entre la gente que no trabaja en esto. “No sé por qué está instaurada toda esta idea de los subvencionados del cine español, cuando lo cierto es que se curra mucho en el cine español”, apunta el autor de Yo, Eduard. “Un país sin una cultura de calidad es un país muerto. Están desapareciendo los libros clásicos de los institutos, el griego, el latín... El gusto por la palabra, por la lectura, por la etimología o habituar a los chavales a ir al teatro haría un pueblo más libre, más preparado, más inteligente y más culto”, añade González, que lamenta que en el arte haya que tener “mucha suerte y paciencia” debido a la precariedad.

La cultura, que es un pilar básico y fundamental de las sociedades, ayuda a ejercitar el pensamiento crítico para reflexionar sobre temas que nos atañen a todos como la política. Este es, de hecho, uno de los asuntos que se tocan en Los árboles no votan, una obra que protagoniza Elías González junto a Susana Hernández, Ana Janer y Pedro Cerezo en el Teatro del Barrio de Madrid. Dirigida por José Ignacio Tofé y con una última función programada para este miércoles 18 de marzo, se trata de una comedia política que busca ser incómoda al poner el foco en el greenwashing, la manipulación de los partidos y las mentiras que se cuentan en nombre del bien común.

Hemos llegado a un punto en el que cualquiera puede opinar de todo. Es una época de cuñadismo propiciada por las redes sociales

Elías González — Actor y escritor

El argumento de la obra gira en torno a una planta de descarbonización que no funciona, generando un dilema en los políticos sobre admitir el error o vender la mentira, para denunciar la estrategia de mercado empleada por algunas empresas que consiste en aparentar ser más respetuosas con el medio ambiente de lo que en realidad son. De hecho, hay un debate entre una científica con datos y un empresario que, con toda su tergiversación dialéctica, convence al público más que la científica. “Utiliza términos como 'libertad', como aquí hace Ayuso, o como 'esperanza'. Son generalidades que entran muy bien al oído, pero en realidad son barbaridades”, expresa González.

No obstante, “estas son las personas que hoy en día ganan los debates”, comenta el intérprete. “Lo vemos en televisión, en todas las tertulias. Es una obra cojonuda para que el público reaccione y tener votantes preparados para que, cuando llegue la hora de votar, sepa quién le está tomando el pelo y quién no. Pero no es para que voten lo que alguien quiera según sus ideales, esa es una labor que tiene que hacer el votante”, dice, haciendo énfasis en que “el ciudadano no tiene que hacer dejación de funciones”, pues “tiene que estar preparado y ser una persona culta para que al escuchar un debate sepa diferenciar los discursos vacíos”.

Aun así, y aunque reconoce que es un “buen pesimista”, Elías González afirma que “de esta cosa se sale colectivamente”. “Hemos llegado a un punto en el que cualquiera puede opinar de todo. Es una época de cuñadismo propiciada por las redes sociales, ya que todo el mundo opina de todo y todo el mundo sabe de todo, lo que te hace llegar a un nivel de encrespamiento y de polarización en el que vale cualquier cosa con tal de tener la razón”, reflexiona el actor. Tanto con su libro, indagando en la industria del cine para destapar su hipocresía, como con su obra de teatro, repasando la incoherencia política, González apuesta por un futuro en el que lo importante sea “abrazar lo colectivo, el compañerismo, el cariño y la empatía”.

Todas las mujeres se han levantado de su asiento para inundar de aplausos la victoria de Autumn Durald Arkapaw en los Oscar por su trabajo en Los pecadores. La directora de fotografía estadounidense se ha convertido en la primera mujer en los 98 años de historia de los Oscar que se hace con la estatuilla en la categoría de Mejor fotografía, muy masculinizada a lo largo del tiempo y en la que ha habido mucha desigualdad.

Anteriormente solo tres mujeres habían logrado siquiera la nominación: Rachel Morrison por For Mudbound (2018), Ari Wegner (2022) por The Power of the Dog (2022) y Mandy Walker por For Elvis (2023). Ninguna de ellas era racializada. “En realidad, me gustaría que todas las mujeres presentes se pongan de pie porque siento que no estaría aquí sin vosotras”, ha apuntado Autumn Durald Arkapaw al recoger el galardón.

“He sentido muchísimo cariño por parte de todas las mujeres que participan en esta campaña”, ha afirmado la directora de fotografía, que también ha aprovechado su discurso de agradecimiento para recordar al equipo de Los pecadores. “He tenido la oportunidad de conocer a muchísimas personas. Siento que momentos como este son posibles gracias a vosotros, y quiero daros las gracias por ello”, ha agregado.

La directora también ha provocado el aplauso de toda la sala de prensa. Cuando le han preguntado si espera que su victoria abra las puertas a la representación de las mujeres en el mundo de la fotografía, Autumn Durald Arkapaw ha afirmado que “cambiará la vida de muchas niñas porque se sentirán inspiradas cuando antes no lo estaban”. “Muchas niñas pequeñas que se parecen a mí dormirán muy bien esta noche por el simple hecho de estar en el escenario, de haber recibido este premio”, ha alegado.

“Durante mi discurso, quería decir a todas las mujeres de la sala que momentos como este no ocurren sin que las mujeres te apoyen y te defiendan”, ha explicado la directora. “Sé que esto ha pasado gracias a eso, así que quiero daros las gracias porque no conozco a muchas, ya sabéis, votantes, y he aprendido en los últimos meses que se necesita un pueblo para que cosas como esta sucedan. Pero esto ya no se trata de mí, se trata de mucho más. Quería el premio para todas las mujeres de esta sala, y lo quería para todas las chicas que están en casa. Ha sucedido, y estoy muy feliz por ello porque quiero regalárselo a ellas”, ha concluido.

Barbra Streisand ha puesto en pie al público de los Oscar con un emotivo homenaje a su amigo y antiguo compañero Robert Redford. Lo ha hecho concluyendo el segmento In Memoriam de la ceremonia, cuando ha recordado a Robert Redford interpretando una estrofa del tema principal de Tal como éramos, el drama romántico de 1973 que ambos protagonizaron.

“Después de leer el primer guion de Tal como éramos, solo podía imaginar a un hombre en el papel y ese era Robert Redford”, ha confesado Streisand en su discurso. “Pero él lo rechazó porque dijo que el personaje no tenía carácter, que no defendía nada, y tenía razón. Tras muchos borradores, Bob finalmente accedió a hacerlo. Era un actor brillante y sutil, y lo pasamos de maravilla interactuando porque nunca sabíamos muy bien qué iba a hacer el otro en una escena”, ha agregado.

“Me emociona que Tal como éramos se considere ahora una historia de amor clásica, pero también trata sobre una época oscura de nuestra historia, a finales de los años 40 y principios de los 50, cuando la gente se delataba entre sí y estaba sujeta a juramentos de lealtad”, ha continuado Streisand. “Bob tenía verdadera entereza tanto dentro como fuera de la pantalla. Alzó la voz para defender la libertad de prensa, proteger el medio ambiente y fomentar nuevas voces en su Instituto Sundance, algunas de las cuales optan a los Oscar esta noche”, ha añadido, indicando que es “fantástico”.

La cantante y actriz ha destacado que Robert Redford “era reflexivo y audaz”: “Yo lo llamaba un vaquero intelectual que se abrió su propio camino y ganó el Oscar al mejor director, y ahora lo echo de menos más que nunca, aunque le encantaba burlarse de mí. Me llamaba Babs, y yo le decía: 'Bob, ¿sabes?, ¿parezco una Babs? No soy una Babs, ¿sabes?'. Pero la forma en que lo decía me hacía reír”, ha señalado Streisand.

“Muchos años después, estábamos charlando por teléfono sobre lo de siempre: política, arte, nuestros temas favoritos, y cuando íbamos a colgar, me dijo: 'Babs, te quiero mucho y siempre te querré'. Y en la última nota que le escribí a Bob, la terminé con 'Yo también te quiero', y la firmé como 'Babs'”, ha concluido.

La última aparición de Streisand en el escenario de los Oscar fue hace 13 años, cuando interpretó la misma canción para homenajear a su difunto compositor, Marvin Hamlisch, como parte del segmento In Memoriam de la ceremonia. Redford ganó un Oscar por su debut como director, Gente corriente (1980), además de recibir un premio honorífico de la Academia, que le fue entregado por Streisand en 2002. Redford falleció en septiembre de 2025 a los 89 años.

Es algo que solo había ocurrido seis veces en la historia de los Oscar, pero ha vuelto a suceder por una séptima vez. La categoría de Mejor cortometraje de ficción ha tenido un empate entre Los cantores rusos y Dos personas intercambiando saliva. La última vez fue que ocurrió fue en 2012, en cuando en la categoría de Edición de sonido empataron Skyfall y La noche más oscura. Asimismo, la primera vez que sucedió fue en la quinta edición, la de 1931 a 1932, en la categoría de Mejor actor.

“¡Un empate! ¡Guau! No sabíamos que eso podía pasar”, han confesado sorprendidos Sam A. Davis y Jack Piatt sobre el escenario. Los directores de Los cantores rusos han celebrado que se conceda el galardón a una historia “sobre el poder de la música y el arte para unirnos”: “Quizás todos seamos lo suficientemente valientes como para seguir cantando”.

Por su parte, Alexandre Singh y Natalie Musteata se han alzado con el Oscar en esta misma categoría por Dos personas intercambiando saliva. “Gracias a la Academia por apoyar una película que es extraña, queer y que fue realizada en su mayoría por mujeres”, declaró Musteata al aceptar la estatuilla.

Por su parte, el presentador Conan O'Brien los felicitó por “arruinar” millones de apuestas de los Oscar con su victoria conjunta. “Es irónico que la entrega al corto vaya a durar el doble”, bromeó. Este suceso ha recordado al empate de los Goya de 2025, pues nunca en la historia la Academia de Cine de España había entregado un premio 'ex aequo' a la Mejor película. En esa edición, primero anunciaron El 47, y fue la actriz Belén Rueda la que pidió calma para decir que también la otra gran favorita de la noche, La infiltrada, era ganadora del cabezón.

En esta edición de los premios Oscar, la película española Sirat de Oliver Laxe ha optado a dos galardones, mientras que Los pecadores llegaba como la cinta con más nominaciones en la historia de los Oscar, optando a 16 estatuillas. Por su parte, tras su contundente victoria en los Globos de Oro, Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson, acumulaba 13 nominaciones y era otro de los títulos favoritos de la noche.

“No a la guerra y Palestina libre”. Así de contundente se ha mostrado Javier Bardem en la gala de los Oscar, a los que ha acudido con la mítica insignia del 'No a la guerra'. Se trata de exactamente la misma pegatina que la popularizada en 2003 para condenar la invasión de Irak liderada por EEUU. En esta ocasión, el actor ha acompañado la insignia del dibujo de Handala, un personaje de viñeta que continúa siendo uno de los símbolos más poderosos de la causa palestina, de los refugiados y de resistencia ante la injusticia.

“Tengo muchas ganas de que la gente no tenga miedo y hable, que diga lo que tenga que decir estemos o no de acuerdo”, ha declarado Bardem a Movistar Plus+ antes de subir al escenario para presentar la categoría de Mejor película internacional. “Se puede pertenecer a este circo y al mismo tiempo ser ciudadano y denunciar lo que uno cree que es importante. Por eso estoy aquí, para demostrar que se debería poder hacer ambas cosas”, ha agregado.

El intérprete, que ha acudido a la noche más importante de Hollywood como presentador de una de las categorías, no ha querido perder la oportunidad de reivindicar la lucha del pueblo palestino. El personaje de su pin, Handala, fue creado en 1969 por el caricaturista político Naji al-Ali, y tomó su forma actual en 1973. Este dibujo se convirtió en la firma de las caricaturas de Naji al-Ali y actualmente es un símbolo de la identidad y resiliencia de Palestina.

Esta no es la primera vez que Javier Bardem aprovecha su altavoz y plataforma en una gala de premios. En septiembre del año pasado, el actor acudió a los Emmy con una kufiya palestina. “Tenemos que llamar al bloqueo diplomático con Israel”, declaró en aquel entonces Bardem, que estaba nominado en los principales premios de televisión en EEUU y utilizó de nuevo la alfombra roja para volver a mostrar su rechazo al genocidio.

Bardem no ha sido el único que ha asistido a los Oscar dispuesto a lanzar un mensaje reivindicativo. Oliver Laxe, que representa a España con la película Sirat, también ha posado en la alfombra roja con un pin de apoyo a Palestina. El director ha lucido una sandía, que es también un símbolo de resistencia y solidaridad palestina, adoptado tras la Guerra de los Seis Días en 1967, cuando Israel prohibió la bandera palestina en los territorios ocupados.

Este domingo se ha celebrado en Los Ángeles una gala de los Oscar 2026 en la que la española Sirat de Oliver Laxe optaba a dos galardones, pese a que no ha podido llevarse ninguno. Los pecadores llegaba como la cinta con más nominaciones en la historia de los Oscar, optando a 16 estatuillas, pero, tras su contundente victoria en los Globos de Oro, Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson ha sido la gran triunfadora de la noche, alzándose con el premio a la mejor película.

Aunque el alarmante ambiente internacional haga difícil no dejarse llevar por el derrotismo, aferrarnos a las cosas buenas nos ayuda a mantenernos con vida. Así lo ha celebrado Rufus T. Firefly en su último trabajo, Todas las cosas buenas, y así lo ha celebrado este jueves la prensa especializada (PAM, Periodistas Asociados de Música) al otorgarle el premio Ruido al mejor disco español de 2025. El grupo, originario de Aranjuez y liderado por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro, se ha impuesto así a Rosalía, quien partía como favorita tras la enorme aclamación crítica lograda con su álbum Lux, y ha triunfado en una gala presentada por Alex Gara en la sala Berlanga de Madrid.

La distancia que ha separado a Rufus T. Firefly del segundo artista más votado ha sido solo de tres votos. “Dedico este premio a la gente que hace música y periodismo con el corazón y no con la cartera”, ha declarado Cabezuelo al recibir el galardón de manos del periodista Julio Ruiz. Su victoria supone el reconocimiento de la música independiente, cuyas raíces demuestran estar más que consolidadas. El nacimiento de la banda de rock se remonta a 2006; sin embargo, 20 años después, Rufus T. Firefly sigue sin necesitar sucumbir a las normas del mainstream, siendo un grupo de culto capaz de resistir a la longevidad y de certificar con su octavo álbum de estudio la mejor obra de su discografía hasta la fecha. “Quienes seguís nuestra carrera sabéis que solemos hacer lo que nos da la gana. Si os gusta, pues encantados”, ha afirmado el cantante.

Esta es la cuarta ocasión en la que el grupo ha sido nominado a estos premios. De hecho, Rosalía le arrebató el trofeo en 2017 y 2018 por Los Ángeles y El Mal Querer respectivamente. Ahora, la banda toma el relevo de Alcalá Norte, quien ganó en la pasada edición por su exitoso debut homónimo, para representar a los artistas veteranos que continúan marcando la industria musical. “Es muy inesperado”, ha confesado Cabezuelo junto a su banda y acordándose de Julia Martín-Maestro, que no pudo acudir. Rufus T. Firefly también se encargó de abrir la ceremonia con una preciosa interpretación de Camina a través del fuego, una de las canciones más emotivas de su reciente álbum.

Entre los 12 nominados se encontraban importantes títulos como Spanish Leather de Guitarricadelafuente, Si abro los ojos no es real de Amaia, El cuerpo después de todo de Valeria Castro, Daisy de Rusowsky o La boca del lobo de Carlos Ares. Todos estos discos son la demostración de que la música nacional está atravesando un excelente momento, y a ello ha apelado Sebas E. Alonso, vicepresidente de la PAM y director de Jenesaispop, apuntando que “la cultura española está en su top”. Tanto es así que la prensa ha votado hasta 240 discos. “No somos el premio amigo o el premio enemigo, ni premiamos la independencia ni tenemos ningún acuerdo con marcas o patrocinios raros. Por eso la gala es más austera, pero es muy real y se rige únicamente por criterios periodísticos”, ha señalado.

La gala también ha destacado por una fuerte presencia femenina, capitaneada a la perfección por Alex Gara, quien ha puesto el foco en la desigualdad que sigue habiendo en el sector. “Entre lo de Julio Iglesias y lo de Evan Dando, una ya no sabe muy bien qué pensar. ¿De verdad estamos avanzando en la percepción de las mujeres en el mundo de la música?”, ha cuestionado la presentadora. La lista de nominados de esta edición ha encumbrado propuestas como la de Shego, que optaba al galardón por No lo volveré a hacer, su segundo disco. La banda ha cantado su empoderado tema Backstage con su “pido de rodillas cosas tan básicas” y su recién publicado Amiamiga.

Al igual que Shego, el dúo de hermanas de Repion ha subido al escenario para interpretar su vibrante El sueño dura una semana, perteneciente a su álbum nominado 201. “Nos encanta tocar por cualquier motivo, pero si es por este reconocimiento a nuestras canciones, pues mejor que mejor. Es un honor, hay mucho nivel y ya solo estar aquí nos hace muy felices”, han destacado Marina y Teresa Iñesta. Las actuaciones más emocionantes de la noche, no obstante, fueron las protagonizadas por la fusión de ambas con Rufus T. Firefly. El grupo volvió a cantar junto a Repion su colaboración Viernes y sorprendió con una nueva versión de Canción de paz en la que las voces empastaron de maravilla.

Por su parte, los músicos madrileños de Fuet! aspiraban al premio por su trabajo Make It Happen, donde ensalzan el sonido hardcore punk. “Nada nos sorprende más que estar aquí sentados ahora mismo”, han reconocido. “La verdad es que es un orgullo, sobre todo haciendo lo que hacemos nosotros, que igual es un poco menos rosaliesco”, han enfatizado, recalcando que hay un montón de bandas que les han servido de inspiración como Viva Belgrado. Asimismo, Sebastián Cruz de Frente Abierto, banda nominada por su debut Guerra a todo eso, ha defendido romper las barreras entre géneros: “El flamenco tiene que tener la libertad de poder retroalimentarse de otras músicas como el metal. Tienes que tener las puertas abiertas. Como cantaor flamenco, esa experiencia me ha enriquecido en lo personal”.

Honrando aquello que se nos escapa de las manos con No sueltes lo efímero, Pumuky ha asistido igualmente a los Ruido desde las islas Canarias para celebrar la nominación de un proyecto que el grupo describe como un “pequeño milagro”. “Hicimos el álbum para nosotros porque no teníamos la certeza de que se fuera a publicar. Ha sido para nuestro disfrute, para nuestra curación, porque la música es sanación, terapia, y que hayamos conseguido conectar con la gente ha sido un regalo añadido”, ha comentado la banda. Los premios que otorga la prensa especializada han contribuido un año más a que esa curación se celebre a lo grande. La curación, y también el resto de cosas buenas.

No es agradable acercarse a la muerte. Aunque es mucho lo que se ha escrito, cantado o rodado sobre ella, el mero hecho de imaginar qué hay más allá suele provocar una reacción evitativa: mirarla pone de manifiesto que el tiempo no es ilimitado y que el control que tenemos sobre el mismo es escaso. Cuando Andrea Gibson, una de las voces principales de la poesía hablada, recibió un diagnóstico de cáncer incurable, todo lo que creía conocer sobre el mundo cambió por completo. Su lucha ante la enfermedad también se convirtió en una carrera constante frente a un reloj cuyas manecillas empezaron a girar hacia atrás.

Quizás porque somos más felices tratando de no pensar que el tiempo se agota, la experiencia de quien de pronto percibe que hay una cuenta regresiva imposible de frenar se vuelve todavía más compleja. Esa cuenta atrás revolotea de manera constante por Come See Me in the Good Light, un documental que retrata cómo Andrea Gibson afrontó la última etapa de su vida antes de fallecer el pasado 14 de julio a los 49 años. Siendo una de las figuras más reconocidas del slam estadounidense, la cinta dirigida por Ryan White sigue a Gibson tanto en sus sesiones de composición como en sus tratamientos hospitalarios para reivindicar que darnos cuenta de que somos mortales puede hacernos despertar.

Pero Andrea Gibson no gestionó la enfermedad en soledad. Su esposa, Megan Falley, igualmente poeta, fue un apoyo esencial y estuvo a su lado en todo momento. “A Andrea le dan un diagnóstico que mucha gente consideraría una tragedia, y es una tragedia, pero Andrea se negó a considerar el cáncer como una batalla”, cuenta Falley a elDiario.es. “No quería que nadie dijera que había perdido la batalla contra el cáncer. Decía que, si moría, ese día sería una ganadora. Después de haberla visto pasar por algo tan difícil con tanta alegría, y tras haberla perdido, es un modelo a seguir para mí, para vivir con el baile y la risa con la que vivía Andrea, y así lo hago”, agrega.

El filme nació gracias a su amiga Steph Wilson, una de las productoras, quien pasó mucho tiempo con Gibson y Falley, siendo así testigo de la transformación de ambas tras el peligro del diagnóstico y de la magnificación de la historia de amor que proyecta el documental. Aunque la visión de Gibson estaba muy afectada por la quimioterapia que estaba recibiendo, dificultándola escribir, adoraba crear arte de forma pasiva, simplemente viviendo, y la cinta captura la chispa de quien se dedica a esta disciplina con la conciencia de que el tiempo se está acabando. “Poder estar en la cama, en el hospital o jugando con nuestros perros, y saber que alguien convertiría eso en cine, en algo que ayudaría a la gente, era muy atractivo para Andrea”, señala Megan Falley.

La resistencia de Gibson tras los resultados médicos invita a reflexionar sobre cuán fácil es encontrar la felicidad cuando sabemos que no tenemos todo el tiempo del mundo para encontrarla. “Cuando te enfrentas tan íntimamente a tu mortalidad o a la mortalidad de alguien a quien amas, es como si el velo de todo lo que no importa se desvaneciera. Las críticas, las culpas, los juicios, la ansiedad y todo lo que no es amor”, explica Falley. “Llegamos a aceptar que, cuando morimos, no podemos llevarnos nada: ni nuestra identidad, ni nuestras creencias, ni nuestra ropa, ni nuestros coches, ni nuestros trofeos ni nada de eso. Pero tenemos este tiempo, y lo mejor de este tiempo es que nos permite amarnos los unos a los otros”, indica la artista.

Las personas con dinero tenemos más acceso a mejores médicos y mejores medicamentos, pero es una pena que la curación tenga un precio

Megan Falley — Escritora

Entrelazando algunos de los poemas de Andrea Gibson con episodios menos esperanzadores en los que ha de sobrellevar los tratamientos, Come See Me in the Good Light logra que esté más cerca de alcanzarse su propósito, que consistía en que las personas no necesitaran tener una enfermedad tan grave para darse cuenta de la belleza de la vida. Que no fuese necesario que alguien te diga que te queda un tiempo limitado de vida para apreciar aquello que te rodea. “Andrea diría: 'No estás a las puertas de la muerte, pero estás cerca. No hablo de mi cáncer para que todo el mundo sepa que soy mortal, hablo de ello para que todo el mundo se dé cuenta de que es mortal'”, subraya Megan Falley, “y la película está ayudando a que la muerte sea más accesible y a que la gente pueda hablar de algo que nos pasa a todos”.

Además, la cinta refleja la importancia de la seguridad social en España, pues el nivel económico continúa siendo clave en países como EEUU a la hora de someterse a tratamientos por enfermedades. De hecho, en una parte del filme, Andrea Gibson hace alusión a las “facturas médicas carísimas” que está recibiendo. “Curarse es un privilegio para los ricos”, afirma tajantemente Falley, sosteniendo que “el seguro médico y el sistema sanitario en EEUU son absolutamente ridículos, una locura y horribles”. “Pero los ricos también mueren de cáncer. Está claro que las personas con dinero tenemos más acceso a mejores médicos y mejores medicamentos, pero es una pena que la curación tenga un precio”, advierte.

Asimismo, Gibson, que es de género no binario, relata en el largometraje su experiencia como persona queer que ha impulsado su convicción en utilizar el arte para que otra gente pueda sentirse identificada o menos sola. Una de las reflexiones que plasma en sus poemas es que muchas personas queer, a diferencia de las personas heterosexuales, no se llevan mal con sus ex porque han perdido a tanta familia que, cuando encuentran a personas a las que sienten como tal, hacen lo que sea por no perderlas. Aun así, Falley indica que le gusta que el documental no sea una “película política en sentido estricto”: “No hay mucho dogma intencionado ni enseñanza, ni siquiera las formas tradicionales en que se ve el activismo o la educación”.

“Esta es solo una historia de amor entre dos personas y el cáncer, y eso nos afecta a todos, sin importar nuestra raza, nuestra sexualidad, nuestro género, nuestra situación económica o el lugar del mundo en el que estemos”, cuenta Megan Falley, enfatizando que algo así “nos conmueve a todos”. La artista comenta que “gran parte de nuestro odio, nuestra intolerancia y nuestra fobia hacia los demás proviene simplemente de no conocerlos”, y Come See Me in the Good Light ayuda a combatirlo. Andrea Gibson dio una nota al director recalcando que no quería que hubiera villanos en la película, ni siquiera el cáncer. No quería ver nada a través del prisma de que hubiera un villano.

La cinta parte como favorita en los premios Oscar de este domingo en la categoría de Mejor Película Documental. “Estoy muy emocionada porque he notado que mucha más gente está viendo la película solo porque tiene ese sello de aprobación”, confiesa Falley. “Cuanta más gente la vea, más gente se verá ayudada por Andrea. Y eso era lo que siempre quiso, ayudar a los demás”, argumenta, concluyendo que “la gente tiene miedo a ser olvidada” y ella se siente “muy agradecida” por la decisión de hacer este documental, pues “hará que Andrea no sea olvidada durante esta vida ni durante la vida de las generaciones venideras”.

No ha estado paseándose por alfombras rojas, publicando fotos en Instagram o regalando colaboraciones mientras se tomaba un descanso desde su última gira: Harry Styles ha estado corriendo maratones. El artista, que alcanzó la gloria en 2023 adjudicándose el Grammy a Álbum del Año por Harry's House, bajó definitivamente la persiana a la industria musical y la dejó así durante casi tres años. Unos años que ha aprovechado para olvidarse de su estatus de estrella y jugar a ser un poquito más humano. Styles hizo en 3 horas y 24 minutos el Maratón de Tokio en marzo de 2025 y, seis meses más tarde, el Maratón de Berlín en 2 horas y 59 minutos bajo el nombre de Sted Sarandos.

Después de haberse hecho con el galardón más codiciado para cualquier persona que se dedique a esta disciplina, nadie podía esperar que Harry Styles probara suerte en el mundo del atletismo. Sin embargo, los artistas que más nos llaman la atención son aquellos que hacen lo que no esperamos que hagan. Beyoncé, Lana Del Rey, Taylor Swift, Lady Gaga... su permanencia en el foco público permanece porque nadie es capaz de predecir su siguiente paso. Y Harry Styles, que parece haber tomado nota de las mejores, se ha aplicado el cuento también a su regreso con Kiss All The Time. Disco, Occasionally. El artista ha subido la persiana dispuesto a ser el anfitrión de su propia fiesta y que te pases o no por ella no es algo que le importe demasiado.

Los primeros acordes de la nueva era del intérprete de As It Was son lo opuesto a la fórmula para labrarse un hit. Precisamente por ello, la inicial Aperture ha pasado sin pena ni gloria por las listas de éxitos. El tema, de más de cinco minutos y cuya producción se embarca en el pop electrónico y el house minimalista, es un enorme bandazo con respecto al soft-rock de su anterior trabajo. El estribillo es pegadizo, sí, pero no hay forma de que un tema así tenga cabida en las radios a pesar de que fuera su elección como primer sencillo. Y ahí radica su magia. Quizá por sus ritmos hipnóticos, quizá por la sorpresa de quien la canta, la canción actúa como una droga que da la bienvenida a la discoteca del cantante.

La música que envuelve el cuarto álbum de estudio de Harry Styles no es para todo el mundo, pero el artista elige el riesgo para ofrecer un viaje atractivo que confirma su triunfo. Una decisión mucho menos aburrida que la tomada por Bruno Mars hace tan solo una semana, quien fue a lo seguro para dar a sus fans un disco que carece de giros y que busca contentar a la mayor parte de sus oyentes. “Las bebidas van directas a mis rodillas”, reconoce en el tema de apertura el que fuera integrante de One Direction antes de que el grupo se separara. Sin embargo, y aunque suene paradójico, las adicciones están presentes en todo el proyecto. Solo hay que cerrar los ojos y dejarse llevar por unas melodías que en ocasiones arrasan con las propias letras.

Esta revolución sonora toca las estrellas en la sobresaliente Ready, Steady, Go!, en la que el ritmo muestra su garra al combinar una guitarra española con la batería. Es uno de los momentos excepcionales del disco, alzando el instrumental y dejando que se apodere de la atmósfera. Lo mismo ocurre en la sofisticada The Waiting Game, en la que vuelven a aparecer las cuerdas para dejar en un segundo plano la reflexión del autor. Esto, que puede resultar interesante, no se ejecuta con tanto éxito en Are You Listening Yet?, donde el peso que se otorga a la producción no consigue ser lo suficientemente memorable para que perdure en la memoria. Pese a que Styles se pregunta si puedes oír la voz que está dentro de tu cabeza, lo cierto es que en esta canción es más sencillo que escuchar la suya.

No obstante, la fiesta de Harry Styles no solo está aupada por la electrónica. El artista británico se deja arropar por una orquesta y un piano en la delicada Coming Up Roses, canción que nació como un villancico y que acabó evolucionando hasta convertirse en la balada del álbum. Poco queda ahora de la Navidad que inspiró al artista más allá del primer verso: “Cuéntame tus miedos / He retrocedido el reloj, es esa época del año”. El cantante fantasea con “perseguir la resaca” en una metáfora de alcanzar el placer temporal más allá de las consecuencias posteriores, uno de los pensamientos que más destacan en Kiss All The Time. Disco, Occasionally, donde se debate sobre si el impulso debe ser una prioridad.

No tan emocionante como evocadora de sus anteriores trabajos es Taste Back, un tema con el obvio sello del intérprete que aun así mantiene la agradable cohesión musical de la obra. Este es uno de los tres títulos con coros de Ellie Rowsell de Wolf Alice y explora el volver a abrirse al amor después de haber tenido una experiencia no muy enriquecedora. El sonido más pop del álbum, que no por ello más cautivador, se lo adjudica —no podía ser de otra manera— la canción Pop, en la que enigmáticamente canta que “es bueno probar dos sabores” bajo una energía juguetona.

Bastante más predecible es American Girls, cuyo estribillo parece sacado de su debut homónimo publicado en 2017. Es la menos experimental y a canción lo lleva a moverse entre ritmos house tranquilos. “Mis amigos están enamorados de las chicas americanas”, canta una y otra vez a lo largo de sus tres minutos de duración hasta que finalmente suena convincente. Este no es un disco para bailar, sino para esos momentos de la fiesta en los que lo único que queda es sentarse en el sillón mientras te atrapan las luces de colores intermitentes. Y, justo por eso, la agitada Dance No More se siente como un soplo de aire fresco ya al final del álbum, con un puente que sí invita a ponerse de pie.

Aun así, poco tiempo dura el éxtasis, pues Paint By Numbers, la pista siguiente, devuelve las melodías lentas de Kiss All The Time. Disco, Occasionally, que nunca terminan de molestar al conseguir dominar el ambiente. “Eres el más afortunado, oh, la ironía”, bromea Harry Styles. “Soportando el peso de los niños estadounidenses cuyos corazones rompes”, añade en la segunda estrofa. Es un tema suave que encauza de maravilla la canción de cierre, Carla’s Song, inspirada mucho en los sonidos de los 80, reuniendo todas las capas instrumentales que se han mostrado a lo largo del trabajo y provocando una perfecta explosión de sintetizadores.

Es probable que Harry Styles no hubiera optado por un trabajo como este si su principal objetivo fuera el de arrasar en ventas, como hará de todas formas. Eso no significa que su cuarto álbum lo haya alejado del mainstream —sería una locura pensar que las masas no pueden disfrutar de esta propuesta—, pero no por ello su movimiento es menos arriesgado. “¿Me quieres ahora?”, inquiere el cantante en la solvente Season 2 Weight Loss. “Quiéreme ahora”, le pide al oyente. Sin embargo, más allá de la pregunta, el artista jamás se había mostrado más desinteresado ante la respuesta del público. Ya sea por los elementos disuasorios de una fiesta o por la resaca que se avecina al apagar las luces, Harry Styles parece estar corriendo un maratón diferente.

Ernerst Urtasun, ministro de Cultura, ha sido recibido con pitos por las galerías españolas a su llegada a ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, para protestar de nuevo ante la discriminación que sufren por no poder aplicar un IVA reducido. Lo han hecho justo después de que tanto los galeristas como los artistas aprovecharan la jornada inaugural para fotografiarse con una pancarta que rezaba el lema “IVA cultural ya”.

Aunque Urtasun ha estado acompañado en todo momento por el rey Felipe VI, la reina Letizia y la directora de ARCO Maribel López, los pitos han sido dirigidos al ministro por no haber aplicado el IVA cultural a las obras de arte tras haberse comprometido hace ya dos años. Se trata de una diferencia considerable con respecto al IVA que se aplica al resto de distribuidores de otros ámbitos de la cultura, como las salas de cine, teatro o conciertos, que tienen un 10%. Para los libros es de un 4%.

El problema se hace todavía más patente en la feria, donde las galerías españolas conviven con las de otros países como Francia, Italia, Alemania y Portugal, territorios en los que el IVA fluctúa entre el cinco y el ocho por ciento. Miguel Ángel Sánchez, codirector de la galería ADN, explica a elDiario.es que se encuentran en una “situación de desventaja competitiva inigualable”: “Se nos identifica como una industria de lujo, sin tener en cuenta que hay una cadena de precariedad brutal. Los artistas jóvenes y los no tan jóvenes, las galerías jóvenes y las no tan jóvenes, tenemos realmente dificultades para llegar a fin de mes”.

Sánchez sostiene que la industria del arte “no es una industria enorme y fructífera”, pues alega que “hay más losers que winners”. “No acabamos de entender por qué no se transpone a la directiva europea, que permitiría ponernos a la par con nuestros competidores directos”, argumenta el galerista. “Hoy en día, que la información fluye, se pueden comprar obras de arte en cualquier país de forma fácil”, añade, indicando que “si alguien tiene que defender el IVA cultural para el arte, obviamente es el ministro de Cultura”.

Por su parte, el Consorcio de Galerías declara que “esta acción no va dirigida contra la Casa Real ni contra Su Majestad el Rey, cuya presencia institucional respetan plenamente”: “La protesta se circunscribe exclusivamente contra la inacción y ausencia de interlocución entre los ministerios de Cultura y de Hacienda que lleven a una solución real para todo un sector, y a la falta de comprensión y adecuación de unas políticas culturales coherentes con las artes visuales”.

Asimismo, el Consorcio agrega que “no son privilegios, sino una petición que aborda cuestiones como una fiscalidad justa e igualitaria con el resto de la cultura y del sector europeo, un apoyo estructural al mercado del arte y a la internacionalización de nuestra cultura y patrimonio, fundamentales para garantizar la sostenibilidad y competitividad del ecosistema artístico español”. Óscar López, galerista de Espacio Mínimo, subraya que “el problema es que viene el ministro a pasearse por las galerías españolas, pero no está haciendo lo que tiene que hacer”.

Más de 350.000 hectáreas ardieron en España en 2025. Fue el peor año de incendios del siglo XXI y registró los fuegos más voraces de la historia. Hoy, la madera quemada el pasado verano en los bosques del norte del país resurge en ARCO, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo que se celebra desde el miércoles 4 de marzo al domingo en Madrid, para concienciar sobre el peligro del cambio climático y reivindicar “la importancia de trabajar en mecanismos de prevención, pero también en mecanismos de reacción”. Así lo explica Manuel Bouzas, quien junto a Laura Salazar y Pablo Sequero presenta el proyecto 350.000 Ha, la respuesta de una generación joven a los problemas del presente y también del futuro.

La relevancia de esta propuesta, que busca suponer un recordatorio de la vulnerabilidad del paisaje rural, es todavía mayor al ser la ganadora de diseñar el Guest Lounge, un espacio exclusivo de descanso, encuentro y restauración para galeristas, coleccionistas e invitados especiales. La feria, que puede ser percibida como un lugar en ocasiones elitista, rompe esa barrera para generar un debate que nos alude a todos. “Estamos en la ciudad más grande del sur de Europa, en un foco metropolitano, y de repente la joya de la corona de la feria es un espacio rural”, celebra Bouzas, quien señala a elDiario.es que “tiene mucha importancia hacerlo aquí, donde gente de toda Europa verá el valor en relacionar el diseño con algo más”.

Ese “algo más” es el contexto medioambiental y ecosistémico en el que nos encontramos actualmente. A diferencia del arte autorreferencial que ha dominado el discurso de la arquitectura en los últimos años, Manuel Bouzas destaca el hecho de “establecer conversación con algo que en el fondo es mucho más relevante que nuestra propia disciplina”. El artista pontevedrés, testigo de los incendios constantes en el paisaje de Galicia este pasado verano, ha buscado de la mano de Salazar y Sequero dar visibilidad a una situación que “lamentablemente hemos normalizado”: “Ya sea con agua en Valencia o con fuego en Galicia, los desastres meteorológicos van a ser cada vez más frecuentes y desde la cultura tenemos un foco crítico que aportar”.

Para ello, los artistas han optado por una propuesta que utiliza los troncos quemados para servir, por ejemplo, de lámpara en la estancia. Pero también recurren a estos para construir una especie de luz de lumbre, donde los seres humanos se han reunido durante generaciones y que ha acabado dando lugar a las sociedades, la gastronomía o el lenguaje. “Queremos alejarnos un poquito del ruido, la cantidad de intensidad lumínica de estos días de feria, e irnos a un lugar de silencio recogido que invita a la gente a acercarse a ese muro donde están todas las heridas del bosque”. Aparte del Guest Lounge, el proyecto se encarga del stand de la revista de decoración AD España, zona llamada Lumbre en la que crea una atmósfera que evoca el fuego como espacio ancestral de reunión.

Una generación joven que mira al futuro

La mirada desde la que 350.000 Ha se enfrenta a los problemas del futuro muestra una perspectiva joven, propia de una generación que ve cómo la crisis climática queda como una cuenta pendiente. Laura Salazar argumenta que “es una necesidad encararnos a estas urgencias climáticas, económicas y sociopolíticas”: “Estamos viviendo contextos que generaciones anteriores no han tenido que afrontar de la misma manera, y es una necesidad que entendamos la arquitectura desde lo simbólico, desde lo matérico, porque son esos materiales los que tienen la capacidad de contar estas historias. Nuestra capacidad es la de encontrar una forma de sacar esa narrativa y de convertirla también en una arquitectura evocadora”.

La artista apunta que este proceso es “muy importante” porque ayuda a llegar a audiencias “para no solamente hablar del proyecto, sino sobre los territorios, las comunidades y todas las personas que se relacionan o que se tocan a través de este”. Manuel Bouzas sostiene que “todos los jóvenes hemos vivido entre permanentes crisis”. “Cuando íbamos a escoger nuestra carrera, todo el mundo nos lo desaconsejaba. Hablo del año 2008-09, cuando sucede la crisis de Lehman Brothers. De hecho, crecimos con la crisis del petróleo en el 93, y luego nos encontramos con la crisis de la pandemia”. El arquitecto explica que, pese a que todo eso lo superamos, ahora “estamos en una crisis de vivienda y de crisis climática”.

“Hemos aprendido que tenemos que reaccionar contra eso y no quedarnos de brazos cruzados”, declara Bouzas, que asegura que, “aunque suene mal decirlo”, todo esto se ha convertido en una “fuente de inspiración” porque “hay algo contra lo que establecer un diálogo”. “Qué poco interesante sería no tener nada contra lo que reaccionar, que la disciplina simplemente se mirara a su propio ombligo hablando de cosas que en el fondo a la sociedad no le interesan nada”, indica a este periódico. “Si nuestro altavoz es el diseño y la arquitectura, nosotros podemos lanzar luz o poner la atención a un contexto que nadie espera dentro de una feria con tanta exposición y ante gente que quizás no se asomaría a ese tipo de problemas”, agrega.

Asimismo, Manuel Bouzas resalta la influencia de que la mirada apunte a lo rural. “Durante los años 90 la conversación iba sobre las grandes ciudades, la metrópolis, los paisajes operacionalizados... Pero ahora los paisajes extractivos comienzan a dominar la conversación y a ser fuente de inspiración”, cuenta, señalando que “por eso vemos más que nunca que el foco se aleja de las grandes áreas metropolitanas de la Península Ibérica y pasa a alumbrar zonas que hasta hace no mucho estaban muy oscuras”. “Este tipo de narrativas acercan la arquitectura y el diseño a la sociedad. Entienden el valor de lo que hacemos y entienden la importancia de hacerlo como lo hacemos”, reflexiona.

Una de las grandes particularidades del proyecto es que está hecho con madera. Sobre todo, después del “despropósito” que comenta Bouzas ocurrido en la Revolución Industrial, cuando empieza a haber inputs de energía extremadamente grandes que permitían refinar materiales derivados de lo petroquímico, desde el acero hasta el hormigón a los plásticos, causando mucho daño en el medioambiente. “Trabajar con madera y trabajar con materiales de recuperación permite mantener el CO2 que ha absorbido esa madera durante su época como árbol, preservándolo de alguna manera”, explica, “y estás evitando cortar más material del que es necesario, pues estás tratando de trabajar con una economía de medios equilibrada”.

La propuesta del pontevedrés junto al grupo Salazarsequeromedina se desvincula de los materiales estandarizados en pos de los recursos locales. “La transición hacia la piedra, hacia la madera y hacia la tierra se está volviendo cada vez más evidente. Es una arquitectura que habla de la descarbonización, de la calidad de los espacios, porque esto no va en detrimento de lo otro y creemos que hacemos espacios más amables, más cálidos y con menos emisiones”, detalla Manuel Bouzas. “La construcción aporta prácticamente el 40% de las emisiones de CO2 a la atmósfera. Somos casi la mitad del problema y debemos ser casi la mitad de la solución”, insiste.

Pero estos artistas no solo se dejan cautivar por el paisaje, ya que para ellos es igual de esencial la gente que forma parte del mismo. Tanto es así que, cuando uno entra a la sala, lo que ve son fotografías de operarios, técnicos forestales, gente que está cortando árboles o que está en el aserradero... “Son inspiradores para nosotros porque son los que nos dan las restricciones para que el diseño no sea una tabula rasa, que es lo peor que puede ser”, dice Bouzas, agradeciendo la ayuda que les han brindado y pretendiendo darles visibilidad en la feria. “Cuando no tienes nada contra lo que reaccionar, no existe, pero aquí hay un problema que resolver y unos límites por los que moverte”, concluye.

“IVA cultural ya”. Las galerías y artistas españoles presentes en ARCO 2026 han aprovechado la inauguración de la nueva edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que se celebra desde este miércoles 4 de marzo al domingo día 8 en Madrid, para volver a poner el foco en la discriminación que sufren por no poder aplicar un IVA reducido. Lo han hecho con este contundente lema que reza la pancarta con la que se han fotografiado los artistas en representación de las galerías.

Angustias Freijo, de la Freijo Gallery, reconoce a elDiario.es que están “muy tristes y molestos” con la situación. “Somos cuatro gatos y el arte contemporáneo está cada vez menos apoyado oficialmente en nuestro país”, lamenta. “Para las galerías es duro significarnos en estos temas porque somos comercio y tenemos que defender el trabajo de nuestros artistas; y defenderlo es lograr situarles en colecciones”. “No pedimos privilegios, pedimos igualdad”, ha señalado.

Esta no es la primera vez que los stands españoles de ARCO hacen una acción para reclamar la bajada del IVA cultural, que Ernerst Urtasun prometió hace ya dos años y que sigue sin aplicarse. En 2025, todas las galerías del país apagaron sus luces durante diez minutos para protestar ante el 21% de IVA vigente a la venta de arte. Se trata de una diferencia considerable con respecto al IVA que se aplica al resto de distribuidores de otros ámbitos de la cultura, como las salas de cine, teatro o conciertos, que tienen un 10%. Para los libros es de un 4%.

Esta situación de desventaja con el IVA más alto entre los grandes mercados europeos se hace todavía más patente en la feria, donde las galerías españolas conviven con las de otros países como Francia, Italia, Alemania y Portugal, territorios en los que el IVA fluctúa entre el cinco y el ocho por ciento. José de la Mano critica ante este medio que en España “el mercado del arte se considera una cosa de ricos, cuando no es así”. “Para la derecha somos unos izquierdosos y para la izquierda un comercio de élite; y al final perdemos el foco en que la labor del galerista es defender la obra de los artistas y que los artistas puedan vivir de su obra, que tengan una visibilidad”, insiste.

“Si nos quieren hacer daño, están haciendo lo ideal”, asegura a este periódico el galerista Max Estrella, agregando que “las condiciones son una penalización terrorífica al mercado, las galerías y artistas españoles”. “Todos los artistas que residen en este país están minusvalorados a la hora de vender en comparación con cualquier otro artistas de Francia, Italia, Portugal, Alemania o Reino Unido”, asegura. “Estamos seguros de que lo van a cambiar, lo que queremos es que sea cuanto antes”, indica.

Por su lado, las artistas Violeta Andreu y Soniya Amritlal Patel proponen a la gente hacerse una pregunta: “¿Necesitan los artistas a un galerista para vivir de su arte?”. “Hay un sistema social en el que los artistas y las artistas estamos trabajando como cualquier trabajador y no hay manera de salir adelante. Es complicado por la estructura social, pero no podemos vivir de nuestro trabajo”, apunta Andreu. Además, cuenta que “no tiene sentido que se estén pagando estos precios” en alusión al 21% de IVA.

La promesa de un cambio que sigue sin llegar

“En la reunión con el Consorcio de galerías españolas de Arte Contemporáneo hemos renovado el compromiso del Ministerio de Cultura con la labor de las galerías”, declaró Urtasun en marzo de 2024. “Seguiremos trabajando para conseguir el IVA reducido para la compra de arte contemporáneo, una reivindicación histórica que debe ser atendida”, prometió entonces el ministro, cuyo compromiso sigue sin cumplir a día de hoy. Guiomar Díez, coordinadora del Consorcio de galerías, afirma que llevan desde 2022 traslandando “la importancia que tiene para el sector una igualdad con respecto a los países vecinos, y también para los artistas, que siguen en inferioridad de condiciones”.

El galerista Guillermo de Osma, por su parte, se muestra desesperanzado por la falta de información y porque no les han hecho “ni caso” hasta ahora. “Nos consideran al margen de otras actividades culturales, incluidos los artistas, porque nosotros somos intermediarios, y el coleccionista es fundamental para la creación del patrimonio artístico de un país”, comparte. Su compañero Pedro Marín Boza recuerda que este agravio afecta a toda la industria, que incluye otros oficios como iluminadores, restauradores y transportistas. “Todo esto genera una cantidad de trabajo brutal”, argumenta, añadiendo que “el cine ha sabido muy bien hacer didactismo y todos sabemos que, aparte de las grandes estrellas, hay un iluminador, un técnico”, y que ellos “no saben hacer esa didáctica” o “no se les quiere entender o escuchar”.

Una de las obras llamadas a marcar esta edición es Pan, trabajo y libertad, que hace hincapié en los derechos fundamentales que se niegan a las mujeres de Afganistán bajo el régimen talibán, en el que prevalecen la pobreza, el miedo, la opresión y la persecución. Esto lo ha sufrido la artista Kubra Khademi, exiliada en París desde 2015. Angela Merkel, Kamala Harris, Hillary Clinton y Ursula von der Leyen son algunas de las líderes políticas protagonistas de su serie, en la que las ha representado desnudas y compartiendo una orgía sexual. Maribel López, directora de ARCO, ha afirmado que es una “obra estupenda” y que no cree que sea “polémica”.

“Sin comunicación somos muebles, sin comunicación no hay respeto, sin comunicación somos un fracaso cultural como sociedad”, ha expresado de forma contundente Miriam Garlo en los Goya, donde ha recogido el galardón a la Mejor actriz revelación por su película Sorda. Garlo ha aprovechado para reivindicar la lengua de signos y compartir el premio “con todas las personas con discapacidad, especialmente con la comunidad sorda”.

“Para todas las mujeres sordas, las que han sido madres y las que no, porque a la violencia obstétrica hay que añadirle la violencia de la no comunicación o la violencia de la invisibilidad”, ha declarado la actriz sobre el escenario. “Aprendamos lenguaje de signos si podemos y, si no podemos, usemos nuestros cuerpos. Nuestra inteligencia y nuestro arte para comunicarnos, sin límites, sin fronteras, sin miedo y sin vergüenza”, ha agregado.

Asimismo, Miriam Garlo ha señalado que “ningún ser humano es invisible y ninguna persona sorda es muda”: “Somos personas sordas, tenemos identidas propia y tenemos una voz propia, pero no siempre es oral. No al genocidio, no al feminicidio y sí al arte, a la conexión, a la ternura y a la empatía. Viva la lengua de signos y viva el cine accesible”.

Su discurso no ha sido el único reivindicativo de la noche. Dolores Fonzi ha recogido el Goya a la Mejor Película Iberoamericana y ha alertado de los tiempos en los que vivimos. “No caigan en la trampa, la ultraderecha vino a destruirlo todo”, expresó la cineasta. “Somos las películas que hacemos y en este momento el mundo se convirtió en una película de terror”, sentenció la directora y actriz argentina.

Sirat, de Oliver Laxe, y Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, partían como las películas favoritas de la noche. Mientras que Los domingos dejó alguna categoría técnica libre y acabó sumando 13 nominaciones, Sirat le siguía en la cuenta con 11. La cinta de Ruiz de Azúa fue la gran victoriosa de los premios Feroz, pero Sirat llegaba a la gala tras haber triunfado en Cannes y haber logrado llevar a España a los Oscar. Completando el quinteto de nominados se encuentraba la revelación del curso pasado, Sorda, de Eva Libertad —que logró siete nominaciones—; Maspalomas, de Josemari Goenaga y Aitor Arregi —que amasó nueve— y La cena, de Manuel Gómez Pereira, que terminó con ocho.