elDiario.es - Francisco Gámiz

Qué pasaría si ya no pudieras ser gay: la película que imagina una pandemia de heterosexualidad

Francisco Gámiz — Sat, 05 Sep 2026 19:46:51 +0000

El guionista Simon Balteaux presenta 'Jim Queen', una cinta dirigida por Nicolas Athané y Marco Nguyen que pone el foco en una enfermedad ficticia que convierte a los hombres gays en heterosexuales

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Empieza con la pérdida paulatina de abdominales y continúa por el repentino interés por el fútbol, el pésimo gusto para vestir y las ganas irrefrenables de emparejarse para tener hijos. Son los síntomas de la heterosis, una extraña enfermedad que convierte a los hombres gays en heterosexuales... y que forma la premisa de Jim Queen, una película de animación para adultos que se proyectó en el Festival de Cannes fuera de concurso y que llega ahora a los cines de España. La cinta narra la historia de Jim Parfait, un musculoso influencer gay que, tras contagiarse y perder su popularidad, se alía con Lucien, un chico tímido que no se atreve a salir del armario, para buscar una cura.

El filme propone una sátira que se ríe de los clichés internos del colectivo y denuncia la homofobia que todavía pervive en la sociedad. Lo hace recurriendo a parodias de canciones de Disney en cuartos repletos de dildos y arneses, gags sobre la obsesión con los orgasmos prostáticos, la temida gaystapo, el postureo de gimnasio y los eternos debates entre activos y pasivos. Sin embargo, abordar una epidemia en tono de comedia dentro de la comunidad LGBT conllevaba el riesgo de rozar la frivolidad, sobre todo por la consideración que merece la memoria histórica de crisis tan dolorosas como la del VIH.

Los guionistas pasaron meses calibrando cada broma para asegurarse de que la película fuera respetuosa sin perder frescura. “Es muy difícil”, admite Simon Balteaux a elDiario.es sobre el proceso de escritura. “Hemos dedicado mucho tiempo a probar los chistes porque la idea principal era que no queríamos ser crueles, queríamos ser considerados y divertidos a la vez. De quien primero me burlé fue de mí mismo, así que intentamos buscar ese tipo de humor que compartes con tus amigos íntimos en una cena. Queríamos pasarlo bien juntos y bromear todos a la vez, sin herir a nadie”, subraya el creador, enfatizando que por ello trataron de tener “mucho cuidado”.

No obstante, la película apunta directamente a la hipocresía política y el avance de los discursos reaccionarios. Aunque el proyecto nació hace ocho años como una comedia desenfadada en un clima de optimismo social, la realidad terminó contagiando el tono de la historia. “Cuando empezamos a escribir estábamos viviendo una época dorada en Francia y parecía que las cosas avanzaban con el matrimonio igualitario”, cuenta Balteaux. “Ahora notamos que el viento está cambiando y que estamos retrocediendo. Vemos leyes terribles en países como Senegal, donde meten a los gays en la cárcel, o cómo se mueven las cosas en Hungría, Rusia o Estados Unidos. La película se volvió política porque el mundo real está cambiando y da miedo”, comenta.

Balteaux denuncia, además, cómo ciertos gobernantes utilizan a las minorías como chivo expiatorio para desviar la atención de sus propias deficiencias de gestión. “No tengo ni idea de por qué este discurso de odio sigue teniendo eco, pero creo que es una técnica política”, critica el guionista frente al avance de la polarización, agregando que “a veces resulta más fácil luchar por normas absurdas, como debatir sobre no compartir el mismo baño, en lugar de centrarse en la economía o en los problemas reales de la gente”. “Se financia algo absurdo para no tener que trabajar en los proyectos verdaderamente importantes; sigo sin entender por qué la sexualidad, el género y los cuerpos tienen que seguir siendo un problema para tantos políticos”, resalta.

La búsqueda de una catarsis colectiva a través de la risa hunde sus raíces en la juventud de los propios cineastas. Balteaux y el director Marco Nguyen concibieron la idea a partir de sus vivencias compartidas durante la infancia. “La pregunta principal era: ¿qué pasaría si ya no pudiéramos ser gays?”, explica el guionista. “Marco y yo nacimos en los 80 y quedamos completamente traumatizados por dos cosas. La primera fue, por supuesto, la pandemia del VIH. Y la segunda es que nacimos y crecimos en pequeños pueblos, por lo que, durante toda nuestra vida, nos han hecho sentir como si fuéramos una especie de monstruos por ser gays”, relata.

Ese sentimiento de aislamiento queda plasmado en el personaje de Lucien, quien todavía no es capaz de contar a nadie su orientación sexual. Aunque las leyes hayan avanzado en Europa a lo largo de las últimas décadas, Balteaux tiene claro que salir del armario continúa tratándose de un proceso lleno de barreras emocionales para muchas personas. “Sigue siendo difícil hoy en día, por desgracia”, lamenta. “Me llevó unos 20 años aceptar cómo era y tuve que mudarme a París para lograrlo. Durante la crisis de la COVID-19 me fui a vivir a un pueblecito durante un tiempo y me di cuenta de que, si no vives en una gran ciudad, sigue siendo igual de difícil”, detalla a este periódico.

En el extremo contrario se encuentra Jim, quien en el largometraje tiene una fijación con levantar pesas, lucir bíceps y mantener una imagen impecable frente al espejo. Balteaux vuelca en el personaje sus propias contradicciones cotidianas en torno al culto al físico. “La crítica que puedo hacerme a mí mismo es que estoy completamente obsesionado con mi cuerpo; voy al gimnasio todos los días y sé que no es saludable”, confiesa. “Hoy en día, especialmente en la cultura gay, existe una obsesión por la perfección, los músculos y el masculinismo. Esta película era una forma de decirle a la comunidad: 'Vale, ¿podemos relajarnos un poco, ser más amables y dejar de ser tan duros con nosotros mismos y con los demás?'”, reflexiona.

“Nos hemos convertido en un producto”, apunta Simon Balteaux cuando piensa en cómo plataformas como Instagram condicionan la autoestima. En la película, en cuanto Jim pierde sus abdominales a causa de la heterosis, sus seguidores se esfuman. No obstante, el guionista destaca que la tiranía de la imagen en internet no se diferencia mucho de las dinámicas que se sufren a diario en las aplicaciones de citas. “Ya no estoy en Grindr porque es demasiado duro; tengo la sensación de ser un yogur y de tener que darme consejos y decir: 'Vale, soy supersaludable, de sabor a fresa y lleno de proteínas”, dice. “Es un gran problema porque, en el fondo, te estás vendiendo a ti mismo como una mercancía”, añade.

Al contraer la heterosis, Jim comienza a interesarse de forma compulsiva por el fútbol y adopta los modales más toscos de la masculinidad tradicional, un recurso que el filme aprovecha para ridiculizar los estereotipos y las presiones por encajar en un molde viril. “Fue muy interesante reírse de ello porque a mí mismo me costó mucho construir mi masculinidad”, indica el guionista. Este reconoce que hace un par de años estaba obsesionado con parecer masculino: “Esta película me ayudó mucho a que por fin me diera igual todo: a veces puedo ser muy masculino y otras veces descarado y eso está bien. Hay muchos tipos diferentes de masculinidad y todos molan, solo sé tú mismo”.

Esa necesidad de catalogar a las personas también se traslada a las discotecas del filme, donde desfilan desde bears —hombres corpuletos con abundante vello corporal y facial— y twinks —hombres delgados con aspecto juvenil y sin demasiado vello corporal— hasta devotos del cuero. Aunque las etiquetas han servido tradicionalmente para crear espacios seguros, los creadores señalan las barreras que a veces provocan. “Hay una escena de fiesta donde aparece una drag queen para recordar con ironía: 'No, no, aunque esto es la comunidad LGBT, aquí solo importa la G de gays'”, explica Balteaux, que argumenta que uno de los objetivos de Jim Queen era inquirir “si podíamos ser un poco más comprensivos los unos con los otros”.

Ante el actual clima de regresión, Simon Balteaux advierte de que ninguna conquista social está garantizada y reivindica la urgencia de arropar a las identidades menos visibles del colectivo queer. “Todavía tenemos que tener mucho cuidado con el hecho de mantener nuestros derechos y la libertad de ser quienes somos”, subraya el guionista. “El mercado y el cine han convertido a los hombres gays en un producto más visible, pero mi idea es usar ese foco para dar luz a las otras letras. En Jim Queen nos centramos en un grupo específico por razones de presupuesto, pero me encantaría hacer una segunda parte o una serie para hablar más de las mujeres lesbianas y de las personas trans”, concluye.

‘La bola negra’, ‘El ser querido’ y ‘Los domingos’, finalistas para representar a España en los Oscar 2027

Francisco Gámiz — Thu, 03 Sep 2026 08:39:08 +0000

La Academia de Cine se ha decantado por las películas de los Javis, Rodrigo Sorogoyen y Alauda Ruiz de Azúa; la cinta que luchará por acudir a Los Ángeles será anunciada el 16 de septiembre

Entrevista - Javier Bardem: “En los jóvenes hay un renacer de una masculinidad peligrosa”

La Academia de Cine ha anunciado las tres cintas finalistas que lucharán por representar a España en los Premios Oscar 2027 en la categoría que honra a la mejor película internacional. La bola negra de los Javis, El ser querido de Rodrigo Sorogoyen y Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa son los tres títulos seleccionados por la institución. Ahora, serán sus miembros quienes decidan la película que finalmente competirá por la nominación a la estatuilla. La elección final será anunciada el 16 de septiembre.

El largometraje resultante tomará el relevo a Sirat de Oliver Laxe, la cinta por la que apostó la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2026, que, al contrario que la anterior Segundo premio de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, sí logró hacerse con la nominación. Laxe incluso optó a dos galardones: mejor película internacional y mejor sonido. En esta ocasión, España llega de hacer un buen papel en el Festival de Cannes, donde tanto La bola negra como El ser querido compitieron en la Sección Oficial, siendo la primera galardonada con el premio a la mejor dirección.

La bola negra, el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi, es una de las grandes apuestas de Netflix para los próximos Oscar. En Cannes tuvo una buenísima acogida por parte de la crítica y, desde entonces, la plataforma de streaming ha preparado una gran campaña para la cinta en la temporada de premios. Tanto es así que tendrá el periodo de tiempo más largo en la cartelera de Estados Unidos antes de su estreno en Netflix. Asimismo, su canción La nieve, compuesta por Guitarricadelafuente y Raül Refree, ha sido presentada para recibir una nominación.

La bola negra narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia; y una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca. Ha sido escrita por los Javis junto con Alberto Conejero, y está protagonizada por Guitarricadelafuente, en su debut como actor, así como por Penélope Cruz, Glenn Close, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres. Se estrenará en cines en España el próximo 25 de septiembre.

Javier Ambrossi ha agradecido por la preselección de La bola negra y ha afirmado que se “dejarían la piel” por representar al país en los Oscar. “Más allá de lo que pase, que sería precioso, hay planes de que la película llegue a la mayor cantidad de gente posible”, ha comentado. Asimismo, también se ha acordado de Amarga Navidad, el que era otro de los títulos favoritos: “Quiero felicitar a Almodóvar porque, aunque no está entre las tres pelis, ha hecho un peliculón y se va a quedar con nosotros muchísimo tiempo”.

Por su parte, Javier Calvo ha apuntado que la cinta está trascendiendo fronteras. “Algo que creíamos que era muy español, muy de nuestra cultura, aquí en Estados Unidos emociona de una manera que me sorprende. Les interesa nuestra historia, les interesa Federico, y salen muy tocados de los visionados. Gente a la que admiramos muchísimo se nos está acercando, así que es un momento increíble”, ha destacado. Además, ha confesado que “el premio a mejores directores en Cannes fueron unas palabras de aliento”: “Fue una voz que nos dijo que éramos unos grandes directores. Hemos aprendido haciendo, rodando, y La bola negra ha sido el rodaje más intenso que hemos vivido todos los que hemos participado en él”.

Un “momento muy bonito” para los cineastas

Rodrigo Sorogoyen presenta en El ser querido un reencuentro, mostrando a un director de cine que quiere redimir sus pecados reencontrándose con la hija a la que abandonó. Se trata de un filme sobre la culpa, pero sobre todo sobre cómo se construye la memoria y el relato. Los recuerdos de ese padre, cuyo papel defiende Javier Bardem, y su hija, a la que interpreta Victoria Luengo, son radicalmente diferentes y ninguno pretende dar su brazo a torcer. El largometraje ha tenido un excelente éxito en taquilla, superando el debut de As bestas y salvando el verano de la taquilla española.

Sorogoyen ha reaccionado a la noticia afirmando que está en un “momento muy bonito”: “En el equipo comentamos mucho que está yendo todo muy bien. Las taquillas y las críticas van muy bien. Al público le está llegando mucho la película y sonreímos como tontos”. El cineasta ha declarado que el hecho de que El ser querido sea una de las tres películas que puede representar a España en los Oscar “es la guinda, una alegría más”. “Estamos muy contentos, sobre todo por la taquilla, que está siendo sorpresiva. Normalmente siempre pienso que no vamos a hacer taquilla, así que estoy contento de haberme equivocado”, ha añadido.

En cuanto a enfrentarse a Los domingos y La bola negra, Isabel Peña, guionista de la película, ha comentado que lo encara “con muchísimo orgullo de pertenecer a esta generación de cineastas”. “Estamos en un momento buenísimo y somos gente que, aunque se nos puede considerar jóvenes, todas las personas de todos estos equipos llevamos muchísimo tiempo currando y nos lo hemos ganado. Quiero felicitar también a los Javis y al equipo de Los domingos”, ha alegado.

Asimismo, Alauda Ruiz de Azúa se hizo con una de las películas más aclamadas del año pasado con Los domingos. Arrasando tanto en los Feroz como en los Goya, la película gira en torno a un difícil dilema: ¿qué harías si tu hija se metiera a monja? La decisión de una joven menor, que debería elegir carrera para ir a la universidad y elige un convento de clausura, enfrenta las posiciones de su padre, que deja que haga lo que quiera, y la de su tía, interpretada por Patricia López Arnaiz, que se da contra la pared constantemente en su intento de convencerles de que esa decisión no es libre, sino un proceso de gota china hecho durante años en un colegio religioso.

La directora ha indicado que Los domingos ha sido una película “muy especial”. “Lo hemos vivido con mucha emoción y estamos muy agradecidos a todos los compañeros de la Academia que nos han arropado y abrazado”, ha agregado Ruiz de Azúa. En cuanto a la segunda vida internacional que pueda tener la cinta, se muestra optimista: “Todavía no se ha estrenado en Estados Unidos, pero recuerdo que en el Festival de San Sebastián, donde ganamos la Concha de Oro, hubo mucha gente de todo el mundo e intuimos que atravesaba a la gente de distintas maneras. A veces, lo que hay dentro es mucho más profundo y sigue generando conversación entre personas de muchas culturas distintas”. “El dilema sobre lo religioso y la tolerancia está presente internacionalmente”, ha sentenciado.

Clara Peya: “Estoy sacrificando mi carrera por quitar mi música de Spotify”

Francisco Gámiz — Sat, 08 Aug 2026 20:22:44 +0000

La pianista catalana reflexiona sobre las consecuencias de los discursos de odio y la importancia de la música como altavoz político con ‘Nuca’, un disco que no está disponible en el gigante del 'streaming'

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Es un movimiento simple, casi rutinario: girar la cabeza, mover el cuello y mirar a la persona que tienes justo al lado. Sin embargo, en una sociedad acostumbrada a vivir aislada y pegada a las pantallas, un gesto así se torna todavía más relevante. Para la pianista Clara Peya (Palafrugell, 1986), una de las artistas más inconformistas de nuestra música, la nuca es el “músculo de la empatía”. Se trata de una zona del cuerpo que nos obliga a dejar de mirarnos a nosotros mismos para fijarnos en quien tenemos alrededor, vertebrando también el concepto de su último disco.

La forma que tiene Clara Peya de entender la vida no se queda en su discurso, sino que define la manera en que crea y se relaciona con el arte. Es lo que lleva a la compositora a apostar por el trabajo colectivo, cediendo en esta ocasión sus canciones a dieciséis voces diferentes que dan vida al álbum Nuca, como las de Niño de Elche, Rita Payés, Judit Neddermann, Sharim Aresté, Mar Pujol, Juan Quintero o Anna Andreu. Acompañada por un piano de pared interpretado con sordina, su propuesta deja atrás la rabia en la búsqueda de un espacio de refugio y sanación.

De hecho, su necesidad de coherencia la lleva a posicionarse siempre por aquello en lo que cree. La artista se embarcó en la flotilla de Gaza para denunciar el bloqueo humanitario y participa activamente en iniciativas solidarias como las de Comando Señoras para apoyar al pueblo palestino. Sobre el escenario, Peya prioriza el mensaje por encima de cualquier pirotecnia o decorado. Tanto es así que su reciente trabajo la lleva a reflexionar sobre la importancia de frenar el ritmo, el peligro de los algoritmos, las consecuencias de los discursos de odio o la falta de más música como altavoz político.

¿Por qué la nuca es tan importante?

La nuca es un lugar de fortaleza y de sensibilidad a la vez. Nuca es ver al otro, reunirse con el otro, hacerlo desde el genuino deseo de cambio y no desde el miedo, mirar a la otredad desde el 'sí' en vez de desde el 'no'. Es algo que nos cuesta mucho hacer: han entrado 40.000 personas por Ceuta y los discursos que escucho tienen muy poco que ver con la empatía. El contexto sociopolítico es tan histriónico que elegimos por protección no conmovernos por nada. He estado unos años sintiéndome muy sola y lo que he entendido es que intentar no sentirnos solas es muy complicado, pero sentirnos acompañadas en nuestra soledad es muy posible.

¿Es compatible sentirse solo con tener odio hacia el otro?

Lo es porque vivimos en la cultura del miedo y los discursos son absolutamente separatistas. En Barcelona, hay bancos separados en vez de juntos para que la gente se reúna. Toda la arquitectura urbanística está hecha para que la gente que no tiene casa no pueda dormir bien en la calle, todo está hecho para que sigamos preservando lo nuestro sin perder nuestros privilegios. Mirar al otro nos obliga a compartirnos y a ser generosos, y eso está muy poco entrenado actualmente. La generosidad pasa por compartir lo que tienes, pero también pasa por compartir quién eres, por dejarte conocer y por querer conocer a quien tienes delante.

El álbum reivindica la calma. ¿Se puede sentir calma y estar enfadada a la vez con lo que pasa en el mundo?

No, pero lo más político que podemos hacer ahora es reivindicar la presencia, la lentitud, la profundidad y la celebración. Son cuatro cosas que ahora mismo son muy necesarias porque van en contra de todo lo que nos pide este sistema, de toda la inercia mundial, que es abrumadora. Vivimos en una era digital en la que compartes memes de gatitos, recetas de pastel de zanahoria o la muerte [de niños] en una escuela porque han puesto una bomba. La capacidad de poner cada cosa en su lugar se pierde, así que es momento de dar espacio a las cosas.

¿Está más calmada o más enfadada?

Estoy enfadadísima, pero he aprendido a gestionarlo de otra manera. Me duele el mundo una barbaridad, aunque actualmente estoy casi más triste que enfadada. El enfado me genera mucha barrera, pero es muy necesario. Me destroza ver cómo está el mundo y me enfada, pero por el hecho de ser blanca, europea, por estar donde estoy y de la forma en la que estoy, intento hacer la música de una manera que pueda llegar. Digo música, pero en realidad hablo de política porque no lo separo. Son lo mismo y me permiten llegar a las personas que me escuchan.

Pero ha retirado su música de Spotify.

Lo he hecho por la estructura fascista de la plataforma. Tiene el monopolio del streaming [*], pero es que ha colaborado con el ministerio de Trump [**], ha invertido 600 millones de euros en desarrollo de tecnología militar [***], es decir, en matar gente en Palestina [****], también en anuncios y canciones de inteligencia artificial, que ponen en todas las listas y son beneficios para la plataforma. Pagan muy mal a los músicos, la calidad sonora es horrible, los músicos pequeños no cobran nada y lo que generan se va para músicos grandes... Es todo lo que yo no quiero, así que por eso no quiero estar ahí.

[*] Según los datos de la firma independiente MIDiA Research proporcionados por Spotify, la compañía no está en una situación de monopolio sino que representa aproximadamente el 30% de los suscriptores globales de streaming musical.

[**] Spotify puntualiza que no ha realizado campañas ni iniciativas para apoyar a la Administración Trump. Admite que ha alojado una campaña publicitaria del Gobierno estadounidense, difundida también en otras grandes plataformas digitales. Respecto a la toma de posesión de Trump, Spotify lleva años organizando encuentros en Washington D.C. y otras capitales con representantes políticos, medios y actores de la industria de diferentes sensibilidades. En este caso, Spotify organizó un encuentro con podcasters políticos y realizó una contribución al comité inaugural, no a la campaña presidencial de Donald Trump. Las contribuciones corporativas a comités inaugurales son además una práctica habitual y no equivalen a un respaldo político.

[***] Spotify no realizó esa inversión sino Prima Materia, la compañía de inversión fundada por Daniel Ek, cofundador y Executive Chairman de Spotify, la que participó y lideró una ronda de financiación de la empresa alemana de defensa Helsing.

[****] Spotify indica que, según fuentes independientes, no existe una conexión acreditada entre la tecnología de Helsing y la guerra en Gaza. La tecnología desarrollada por la compañía en la que invirtió Daniel Ek no se utiliza en Gaza y está desplegada únicamente en países europeos.

Si su estructura es fascista según usted, ¿quien se queda contribuye al fascismo?

Yo no solo pido a la gente que retire su música, pido a los usuarios que cancelen sus suscripciones. Es evidente que si eres una persona que depende de Spotify para sobrevivir es muy diferente que si eres una estrella internacional. Yo sí que pensaba que habría una horda de músicos sacando el catálogo y no ha ocurrido, pero tarde o temprano esta plataforma caerá. No sé si porque nacerán plataformas mucho peores o porque habrá más conciencia, pero esto no va a existir toda la vida. La manera de escuchar música se ha ido transformando siempre. Yo ya tomé la decisión y no quiero estar en guerra con compañeras que han decidido mantener la música allí porque me quedaría sola.

¿Se arrepiente al ver que no la han seguido?

Si pienso en el ego, sí: pienso que soy tonta porque no lo ha hecho nadie y yo estoy sacrificando mi carrera. Pero [la decisión] es un pensamiento coherente y para mí tiene sentido haber quitado mi música de Spotify. Es una lucha que puedo hacer y es la lucha que me toca por ser músico, así que estoy tranquila.

¿Su decisión la ha hecho perder mucho dinero?

Aún no te lo puedo decir del todo, lo que te aseguro es que mi disco no se lo ha escuchado ni una décima parte de la gente que lo hubiera escuchado si estuviera en Spotify. Aun así, sigo teniendo conciertos y vamos a ver qué va pasando. Es verdad que en los conciertos la gente no se sabe las canciones como antes y ahí lo noto mucho. Antes las cantaban y ahora no pueden porque no se las saben, pero de momento creo que puedo seguir viviendo de la música, que es algo que no se me hubiera ocurrido nunca.

¿Ha perdido la fe en la industria musical?

Nunca confié mucho en la industria musical, nunca fue un lugar de confianza para mí. La industria musical es un desastre, pero como cualquier industria. Es que el mundo es un desastre, así que la música se consume como se consume el mundo, como se consumen las personas, como se consume todo.

¿No es triste hablar de música y consumo a la vez?

Pues mucho, la verdad, pero ya hace años que la palabra 'consumo' se añadió en el vocabulario de las entrevistas. Puedes acceder a toda la música del mundo cuando quieras, por lo que no le das oportunidad a nada. Escuchas diez segundos como mucho de una canción y, si no te gusta, la pasas. Tengo por política, cuando me pongo un disco, escuchar mínimo cuatro temas. Si al cuarto no me gusta, vale, ya no le doy más oportunidades, pero entendiendo que es el trabajo de alguien y que hay que mirarlo con amor, darle tiempo y espacio, darle generosidad.

Decidió ir a la flotilla en Gaza.

Nunca pensé que lo haría, pero al final lo hice y me pasó factura porque soy un ser que no está preparada para estas cosas. Fue un shock muy fuerte, físico y emocional. Una experiencia así te cambia la vida para siempre, es una experiencia que aún no he podido ni ordenar ni narrar porque ocurren muchas cosas. No estás por lo importante, estás por lo urgente. El 31 de agosto hará un año desde que fui y pronto podré mirarlo con más perspectiva.

¿Sintió miedo?

Estuvo la idea, pero no lo sentí realmente. Ni cuando estaban los drones. Allí nos disociamos. Cada barco era diferente, a mí me tocó un barco con unas condiciones muy malas. Éramos 19 en un barco de diez. Dormíamos por turnos en el suelo y no teníamos lavabo, así que nuestras necesidades las hacíamos en un cubo y las tirábamos al mar. Era un barco que no estaba preparado para cruzar el Mediterráneo, así que se movía muchísimo, había muchísimos vómitos y no se podía cocinar. Era una situación bastante insalubre.

Al volver de la flotilla de Gaza no entendía que la gente siguiera haciendo vida con normalidad

Clara Peya — Pianista

¿Cómo fue regresar?

Estar en la flotilla es duro, pero es mucho más duro volver. Vuelves y no entiendes nada. Es imposible volver a tu vida porque nada de lo que haces tiene sentido. No podía entender cómo la gente iba al gimnasio con normalidad. Ya he vuelto a mis rutinas, ahora voy al gimnasio, pero al principio era rarísimo. La flotilla ha cambiado muchas cosas, pero el mundo sigue siendo el que es.

¿Qué responsabilidad tienen los músicos a la hora de dar voz a causas políticas?

Toda. Somos un altavoz, la gente nos escucha. Yo soy una artista mediana, pero los artistas grandes no están dispuestos a perder nada. También es de suma responsabilidad saber a quién consumimos y a quién seguimos. Yo he decidido no seguir a gente tibia, así que no escucho ni su música ni sus espectáculos. No me interesa, solo me interesa la gente que se compromete no solo con su arte, sino con entender que necesitamos que el mundo sea un lugar más amable.

¿Le da miedo el futuro?

Mucho, lo que pasa es que me polarizo: o soy muy negativa o soy muy positiva. Me cuesta el camino del medio, que es lo que tengo que trabajar. Hay veces que pienso que todo es un desastre y hay días que pienso que podremos arreglarlo, pero el camino del medio es el más real. Es que estamos en un momento muy difícil, hay gente que dice que ya lo importante es organizarse para ver cómo quieres que te pille el fin del mundo. Pues quiero que el fin del mundo me pille siendo coherente con la gente a la que amo, bailando, celebrando, creyendo que las cosas pueden ser distintas. No creo en la gente, pero sí creo en las personas.

‘Blue Film’, el polémico drama gay rechazado por los festivales: “Están en una situación tan delicada que son reacios al riesgo”

Francisco Gámiz — Fri, 07 Aug 2026 20:13:49 +0000

El cineasta Elliot Tuttle debuta en el largometraje con una película que retrata a un pedófilo como un ser humano y no solo como un monstruo, generando conversación en torno a la moralidad del deseo

‘En mar abierto’, el digno regreso al cine de tiburones del director de ‘Deep Blue Sea’

La mayor esperanza de Elliot Tuttle cuando dirige una película es que genere conversación. En ese sentido, puede darse por satisfecho con su última película. Desde su estreno en diversos países a lo largo del año, Blue Film se ha convertido en una de las cintas de temática gay más polémicas de la temporada. No tanto por las escenas de sexo que contiene como por la forma en que retrata la pedofilia y la economía del deseo en internet, enciende el debate al contar la historia ficticia de un joven que trabaja como modelo de webcam y que se reencuentra con un antiguo profesor de instituto, despedido por agredir sexualmente a un alumno, que asegura estar enamorado de él.

Se trata de un filme que busca incomodar al espectador, apelando a una reflexión sobre la pederastia y el trabajo sexual sin juzgar a los personajes; no obstante, y pese a la previsible controversia de retratar a un pedófilo como un ser humano y no solo como un monstruo, Tuttle no esperaba que los festivales le dieran la espalda. El cineasta ha sufrido diez rechazos consecutivos, incluyendo la rotunda negativa de festivales independientes como Sundance y South by Southwest (SXSW), según informó Variety. “Da la sensación de que la industria se encuentra en una situación tan delicada y en un estado tan frágil que hace que todo el mundo sea reacio al riesgo”, cuenta Tuttle a elDiario.es.

“Estos festivales cuentan con grandes patrocinadores corporativos y por eso tienen dinero para organizarlos, así que hay intereses económicos que controlan, en cierto modo, el funcionamiento del festival, algo que nunca puede ser bueno para el arte”, argumenta el director. Pese a que no conoce todo lo que sucede tras bambalinas, asegura que “es raro encontrar un festival verdaderamente independiente que esté al margen de las grandes inversiones”. “¿Son en realidad independientes?”, inquiere Tuttle, haciendo alusión al “momento difícil para el arte” que vive EEUU. Aun así, prefiere no culpar demasiado a los festivales: “Me alegro de que existan y de que el dinero los esté respaldando”.

El Festival Internacional de Cine de Edimburgo fue el primer evento que se atrevió a proyectar la película, donde logró recibir críticas sumamente positivas en el verano del año pasado. Desde entonces ha ido llegando a otros países, pues Elliot Tuttle siempre había creído en la calidad del filme. Ahora, su debut en el largometraje se estrena en Filmin en el marco del Atlàntida Mallorca Film Fest, donde ha recibido el premio a la mejor película en la sección Trends. Sin embargo, la película sigue impactando allá donde se exhibe por no haber un posicionamiento claro con respecto al joven Aaron, interpretado por Kieron Moore, y el profesor Hunk, cuyo papel hace Reed Birney.

Tuttle reconoce que le sorprende cuando le preguntan si la película aprueba las acciones de Hank. “Es como: 'No, espero que todos estemos de acuerdo en que la pedofilia está mal y, a partir de ahí, podamos involucrarnos en lo que sucede'”, declara el director, que buscó no hacer ninguna condena a propósito. “Sería complicado escribir una película honesta al tiempo que se juzga moralmente al personaje”, indica. “Mi intención era intentar comprenderlo, investigar todo lo que pudiera y tratar de escribir sus diálogos y sus movimientos de tal forma que lo haría él. Eso es lo más cerca que se puede estar de la honestidad: intentar comprender a un personaje con la máxima sinceridad posible sin juzgarlo”, añade.

Asimismo, la cinta pone en evidencia la dinámica en la que jóvenes buscan la aprobación de hombres mucho mayores, creyendo que encontrarán en ellos reconocimiento o salvación. “Cuando era más joven me habría resultado muy fácil caer en ese tipo de manipulación porque, cuando eres más joven, la sexualidad o la forma en que interactúas con la gente está menos empañada por la moral. Tienes esos deseos o impulsos que apenas están empezando a surgir, pero que aún no se han filtrado a través de una sensibilidad madura, así que te quedas con esas fantasías más carnales”, detalla Tuttle, enfatizando que es una “situación muy vulnerable”.

¿Hay pureza en la perversión?

“Me pregunto si hay pureza en la perversión”, reflexiona uno de los personajes en Blue Film. Cuando Elliot Tuttle piensa sobre ello, tiene clara su respuesta: “Sí, y la perversión puede ser diferente para cada persona”. “No me refiero específicamente a la pedofilia, porque eso es un delito, pero hay muchos otros tipos de perversión que no son delictivos. Esas cosas que consideras tabú sobre ti mismo te proporcionan una relación muy especial contigo mismo, es como si tuvieras un secreto”, señala el director. “Te aporta intimidad contigo mismo porque, por la razón que sea, tienes algo que consideras una perversión y que no quieres compartir con otras personas. Es una experiencia muy pura”, agrega.

La perversión es el eje sobre el que gira el filme, pero el cineasta intentó abordar temas tabúes sin caer en el sensacionalismo. “Podría haber incluido desnudos frontales completos, podría haber sido increíblemente explícita... pero la dirección que elegí seguir es un poco más de buen gusto, a falta de una palabra mejor”, señala. “Pero incluso cuando recibes una respuesta algo polarizada por parte del público, que se siente perturbado, molesto o escandalizado por la película, no es porque sea demasiado explícita, sino por las ideas que transmite”, dice Tuttle, que comenta que la reacción “no se debe a que los actores estén desnudos todo el tiempo, sino porque las ideas representan algo más peligroso que lo que resulta perturbador”.

El sexo y el amor se practican hoy en día de la misma forma en que alguien podría dedicarse a una afición

Elliot Tuttle — Cineasta

“Hacer esta película fue como crear una cámara de eco de la perversión, en la que vemos a dos personajes a los que el sexo les ha aislado en sus vidas y que ahora lidian con ello”, cuenta Elliot Tuttle a este periódico. De hecho, el día a día de ambos está moldeado por la lujuria y el deseo de intimidad, aunque de maneras distintas. “El sexo es muy importante porque dice mucho de cómo vivimos nuestras vidas y guía gran parte de lo que hacemos. Si vas a salir por la noche con tus amigos, te preguntas si quizá conocerás a alguien. Es como si el sexo no fuera solo un acto, sino que tiene mucho que ver con la forma en que satisfacemos nuestras necesidades como seres humanos”, resalta.

Inspirado por los filmes de Catherine Breillat, que tratan específicamente sobre la sexualidad adolescente, Tuttle recordó sus primeros flechazos y se dio cuenta de que hay una diferencia entre el modo en que su generación percibe el sexo, el amor y las citas en comparación con las anteriores. “Casi parece un pasatiempo, es una experiencia solitaria”, apunta el director. “En el caso de los hombres gais, y aunque no quiero menospreciar las relaciones sexuales esporádicas porque han sido partes importantes de mi vida, tengo la sensación de que, ahora mismo y en los lugares donde lo he vivido, el sexo y el amor se practican de la misma forma en que uno podría dedicarse a una afición”, comenta.

Asimismo, el cineasta explica que, con la llegada de internet, las aplicaciones de citas como Tinder y Grindr también han supuesto un cambio importante para quien quiere mantener relaciones sexuales con otra persona: “Hemos perdido esa idea del 'tercer espacio', donde podías conocer a gente de forma espontánea; es decir, en el supermercado ya no hablamos con nadie, simplemente porque ya no estamos acostumbrados a hacerlo. Las aplicaciones son las que han ocupado ese 'tercer espacio'. Tienen sus pros y sus contras, pero es la realidad de nuestro mundo ahora mismo, lo que las ha hecho muy prácticas y, al mismo tiempo, que [lo que ofrecen] no sea algo tan significativo”.

Actualmente, el cine está poniendo el foco en la importancia de cuidar la relación de los jóvenes con las pantallas, como ha sucedido con el estreno de Toy Story 5. Para Tuttle, es positivo que las nuevas generaciones puedan crecer con sus móviles porque es así como pudo ver cine de autor por primera vez, conectando con personas que compartían las mismas pasiones que él. No obstante, también hay amenazas a las que hacer frente. “Conozco a varias personas que buscaban en Craigslist a hombres mayores con los que acostarse. Así que, sí, es peligroso, pero hay mucha gente que está muy contenta de haber encontrado formas de expresar su sexualidad o de comprenderla. Al menos en Estados Unidos, en los colegios no te enseñan nada más allá del sexo heterosexual”, subraya.

Elliot Tuttle celebra que internet sea un refugio para aquellos que no tienen referentes o que no han visto determinadas historias a través de vías más convencionales como la televisión o el cine. “Para muchas personas queer, es una forma de conocernos a nosotros mismos cuando nadie más te enseña realmente si eso es algo bueno o malo”, destaca. De hecho, es lo que hace Blue Film al poner en el foco un tema sobre el que se prefiere apartar la vista. “Espero que la película conmueva al público, pero si no es así, me alegro de que al menos le haga tener una opinión. Tener una opinión sobre las cosas y hablar con otros acerca del arte es una de las grandes alegrías de mi vida, por eso me alegro de que esté generando debate y conversación”, concluye.

Pedro Pastor cancela su gira por EEUU: “No me han censurado, pero han puesto trabas para tener la visa a tiempo”

Francisco Gámiz — Tue, 04 Aug 2026 13:04:33 +0000

El artista se ha visto obligado a suspender una programación de conciertos que empezaba este mismo jueves en la ciudad de Port Angeles, en Washington

Muere John Douglas, cantante de la banda escocesa Trashcan Sinatras, a los 63 años

El cantautor Pedro Pastor ha suspendido la gira de conciertos que tenía programada por Estados Unidos al no recibir a tiempo su visado de trabajo por un requerimiento extraordinario de las autoridades consulares. El artista ha informado de esta cancelación a sus seguidores a través de un vídeo publicado en Instagram apenas tres días antes de tomar el vuelo que tenía reservado hacia Seattle, donde iba a comenzar junto a su equipo el recorrido programado. El inicio de sus actuaciones estaba previsto para este mismo jueves en un teatro de la ciudad de Port Angeles, en Washington.

Tras el anuncio, numerosos fans del artista han atribuido las dificultades consulares a su perfil abiertamente de izquierdas y su discurso crítico. Sin embargo, el músico declina verlo bajo ese prisma al no disponer de una notificación oficial que lo confirme. “No me han censurado la gira, han utilizado trabas administrativas, legales y jurídicas para que yo no pueda tener mi visa a tiempo”, explica el artista a elDiario.es, añadiendo que jamás le han comunicado que la decisión responda a su “discurso propalestino” o a su postura ideológica. A pesar de ello, sostiene que no es normal el problema con el trámite a última hora: “Hay una falta de interés en que vayamos”.

La mera idea de actuar en el país norteamericano ya suponía un dilema moral para el propio cantante, quien afirma que hasta ahora nunca le había interesado viajar allí por su “condición humanista, antiimperialista”. Pedro Pastor asume las dudas que le surgieron antes de aceptar hacer este tour: “Por supuesto que genera contradicciones ir a cantar a Estados Unidos hoy en día, que es el país que desestabiliza la paz mundial”. No obstante, decidió hacer la gira porque cree que no se puede juzgar a toda la gente del país por las decisiones de sus políticos.

Pastor defiende la importancia de llevar su música a los ciudadanos y, en especial, a la población migrante que reside en Norteamérica. “Es absurdo pensar que Estados Unidos es Donald Trump. La mayoría de personas que han ido a ejercer su derecho al voto han votado por él, como pasa en otros tantos países en los que gobierna la extrema derecha, pero es absurdo extrapolar eso a toda una población”, razona el músico. Por ello, reivindica la labor social de sus conciertos: “Hay muchísima comunidad latina que ahora más que nunca necesita escuchar canciones que le den un poquito de aliento, esperanza, de apapacho, de contención”.

Trabas administrativas y fondos públicos

El artista cuenta a este periódico que el proceso administrativo para lograr los permisos de trabajo comenzó en el mes de febrero, contando con los servicios de un equipo de abogados estadounidenses contratado por el equipo. Tras cumplimentar toda la información requerida, acudieron al consulado con la documentación. Fue entonces cuando, a una semana del vuelo previsto, recibieron un correo postal con un requerimiento extraordinario que ponía en duda gran parte de lo que habían presentado, exigiendo una respuesta legal que iba a tener que alargarse irremediablemente durante unas semanas.

El proyecto contaba con el respaldo de Mid Atlantic Arts, una organización estadounidense sin ánimo de lucro que funciona como socio creativo y financiero para apoyar la programación artística en varios estados norteamericanos. Esta entidad fomenta las giras de espectáculos, el intercambio cultural internacional y la concesión de subsidios para artistas de diferentes disciplinas. En este caso concreto, la gira de Pedro Pastor contaba con una ayuda económica de 26.000 dólares. Estos fondos no se entregan directamente al artista, sino que se destinan a los productores y programadores locales para cubrir hasta la mitad del caché del grupo musical en salas y festivales de zonas culturalmente menos transitadas.

El proceso para conseguir esta importante ayuda no fue fácil. Tras el éxito de un concierto acústico que Pastor ofreció el año pasado en la Universidad de Memphis, su equipo decidió presentarse a este programa y competir con otras propuestas culturales, lograron quedar como finalistas. En octubre se anunció que habían sido uno de los cinco únicos proyectos seleccionados de toda España y Portugal. Por este motivo, el cantante señala la “absurdez” y la “paradoja tan grande” de que las autoridades consulares bloqueen un proyecto que está cofinanciado, precisamente, con dinero público de Estados Unidos.

Un duro golpe para un proyecto independiente

La cancelación supone un perjuicio económico directo para un proyecto musical que lleva 15 años autogestionándose. Han perdido el dinero invertido en los billetes de avión, no recuperarán el coste de los primeros alojamientos y devolverán el dinero de las entradas a sus seguidores. Además, el grupo asumirá parte del sueldo de los músicos y técnicos implicados, sufriendo también la pérdida de ingresos por haber rechazado otros conciertos en España este mes. “Hay pérdidas económicas reales que para un proyecto como el nuestro son grandes, y además se le suma que agosto es un mes muy fuerte de trabajo en España y habíamos dicho que no a muchísimas propuestas”, cuenta Pastor.

Además, este contratiempo llega en su momento de mayor éxito comercial, con más entradas vendidas que nunca en su trayectoria. “Nos ha pillado en nuestro mejor año desde que llevamos dedicándonos a esto, que es toda la vida, y eso es lo que más nos ha dolido”, confiesa el cantautor. “Un varapalo así te corta un poco el vuelo que tienes”, destaca el artista. “Ha habido un choque emocional muy fuerte con el resto del equipo, es una gestión mucho más profunda de lo que parece”, señala Pastor, agregando que “hay unos laberintos internos que son los de una familia, que es una banda que gira y que de repente ve cómo los planes que están hechos desde el año pasado se desestabilizan fuertemente y además sin margen de maniobra”

Vamos a Argentina a cantar aunque no estemos para nada alineados con su presidente, igual que vamos a cantar en España el año que viene si gobierna la ultraderecha

Pedro Pastor — Cantautor

Hasta su viaje a Memphis, el artista madrileño solo había estado en Estados Unidos en una vez. Ocurrió cuando tenía 20 años y viajó acompañando a Emilio Silva para cantar en una ceremonia de premios otorgados por la Brigada Lincoln a la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica. En esta nueva ocasión, la gira prometía llevarle a visitar la ciudad de Portland, una actuación en el San José Summerfest de California, el Centro Cultural de Las Vegas y conciertos gratuitos de verano al aire libre en Providence.

Pese a la cancelación de la primera parte de la gira estadounidense, la banda mantiene intacto el resto de su calendario laboral para este año. En septiembre emprenderán una gira por ocho países de Latinoamérica, mientras que desde octubre hasta finales de diciembre recorrerán diversas provincias de España, poniendo el broche final a la gira el 30 de diciembre en la sala But de Madrid. En estos directos seguirán tocando su disco aniversario 10 Locos Años Descalzos, que recoge versiones de sus temas clásicos con artistas como Silvio Rodríguez y Rozalén.

En cuanto a los conciertos norteamericanos cancelados, el equipo legal del cantante responderá al requerimiento consular con calma para intentar salvar el proyecto a largo plazo. De hecho, la banda ya tiene la otra mitad de la gira estadounidense cerrada y garantizada con diez fechas para el mes de junio del año 2027. Pastor mantiene su firme intención de actuar allí por respeto a su público y lo compara con otros de sus compromisos internacionales: “Vamos a Argentina a cantar aunque no estemos para nada alineados con su presidente, igual que vamos a cantar en España el año que viene si gobierna la ultraderecha”.

Los festivales de música siguen dando el cante: muchos hombres, pocas mujeres

Francisco Gámiz, Ainhoa Díez, David Velasco — Tue, 28 Jul 2026 19:41:33 +0000

Una radiografía a los carteles de los festivales más importantes del país confirma que la paridad todavía está muy lejos de ser una realidad en los grandes eventos musicales

Buscador - ¿Cómo sería el cartel de tu festival favorito si no tocaran hombres?

Carteles de festivales por género

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🎤 Este es el cartel de Bilbao BBK Live 2026, uno de los grandes festivales del país. Sus cabezas de cartel son Robbie Williams, Calvin Harris, Dellafuente, Idles, David Byrne, Lily Allen y FKA Twigs: de los siete nombres principales, cinco son hombres o grupos masculinos 👨‍🎤

¿Cuántas mujeres 👩🏽‍🎤 ves en el resto del cartel?

Vamos a ponértelo más fácil. Las artistas que ves destacadas son las mujeres.

Vamos a verlo más claro 👇

Así quedaría el cartel si dejáramos únicamente a las artistas y bandas de mujeres. El BBK es de los más equilibrados —29 solistas femeninas—, pero solo hay dos grupos formados por mujeres en todo el cartel.

Pero, ¿qué ocurre si nos quedamos solamente con los artistas o bandas de hombres? Ellos ocupan buena parte de las posiciones destacadas todas las jornadas, desde las primeras a las últimas filas del line up.

¿Crees que se diferencia mucho del original? Vamos a verlo 👇

¿Ves alguna diferencia con el cartel completo? Gran parte de la superficie sigue cubierta por grupos y solistas masculinos.

Te lo ponemos más claro. Destacados, los artistas y grupos formados por un solo hombre o por grupos con mayoría de hombres 👨🏻‍🎤.

Ahora bien, ¿es el caso del BBK una excepción o la norma? ¿Qué nota crees que sacarían en paridad los festivales más importantes del país? Hemos analizado el cartel de los grandes eventos con más asistentes para comprobarlo:

Persisten las malas noticias: la igualdad entre hombres y mujeres sigue sin cumplirse en los festivales de música en España. Si el año pasado la presencia de mujeres ya era baja, los números demuestran que el problema continúa, pues dos de cada tres artistas que suben a los escenarios continúan siendo hombres. Para esta radiografía hemos vuelto a revisar los diez eventos analizados en 2025, elegidos por ser los que aglutinaron el mayor número de asistentes según la Asociación de Promotores Musicales (APM), pero teniendo en cuenta sus carteles de 2026. Aunque la presencia de mujeres aumenta ligeramente en casi todos ellos, ni siquiera representan un 30%.

Para categorizar las bandas, las integradas mayoritariamente por hombres o mujeres han sido incluidas en la categoría del género del mayor número de miembros del grupo. Por eso, bandas como Kaiser Chiefs o Kings of Leon se cuentan como masculinas, mientras que HotWax, The Warning o Marlena se cuentan como femeninas. Sin embargo, en el caso de los grupos cuyo vocalista pertenece al género con menos integrantes, han sido clasificados como mixtos para reconocer el mayor peso que aportan los líderes de las bandas.

Con esta regla, las bandas formadas por músicos hombres en los que canta una mujer, como Wolf Alice, entran dentro de la categoría de bandas mixtas. Los dúos formados por un hombre y una mujer también se cuentan como mixtos, sin importar quién cante más. Además, en la suma final de los carteles de 2026 hemos tenido en cuenta a todos los artistas anunciados oficialmente por la organización de cada festival, sin quitar los cambios o las cancelaciones de última hora que hayan pasado después por motivos ajenos a los propios festivales.

Los festivales con más presencia de mujeres en 2026 son el Primavera Sound de Barcelona y el Sónar, ambos con un 41% de artistas femeninas (sumando solistas y grupos). En el Primavera Sound, la cifra se reparte entre un 35% de cantantes solistas y un 6% de grupos de mujeres, mientras que el Sónar llega a su 41% gracias a un 39% de solistas. Les siguen el Bilbao BBK Live con un 38% de presencia femenina (36% de solistas), el Granca Live Fest con un 31% y O Son Do Camiño con un 30% (en estos dos últimos, todas ellas son solistas). El Mad Cool se queda en un 28%, seguido del FIB con un 20% y el Arenal Sound con un 19%.

En los últimos puestos están el Low Festival, que cae hasta el 13% (8% solistas y 5% grupos), y el Viña Rock, con un muy bajo 9% de solistas femeninas y ningún grupo de mujeres. Los hombres, por ende, vuelven a ser una mayoría muy clara en los festivales más grandes de España. De los 760 artistas y grupos analizados en los carteles de 2026, un 64% pertenece a ellos. Es especialmente baja la falta de grupos formados solo por mujeres, que bajan hasta un escaso 2,8% del total. Festivales como el Arenal Sound, el Granca Live Fest, O Son Do Camiño y el Viña Rock directamente no tienen ningún grupo de mujeres en sus carteles de este año.

Algo mejor les va a las cantantes solistas, que representan el 25,7%, con nombres conocidos como Doja Cat, FKA Twigs o Lorde. Aun así, los solistas ocupan el 33,6% de los escenarios, con artistas como Robbie Williams, Calvin Harris o Guitarricadelafuente. Por su parte, las bandas mixtas representan un pequeño 7% del total de los carteles de 2026, con ejemplos como Alabama Shakes. En cambio, los grupos de hombres se quedan con el 30,4% del espacio con bandas como Foo Fighters, The Cure o The Prodigy. Mientras tanto, los artistas no binarios siguen teniendo una presencia casi invisible en los grandes eventos, reduciéndose a un mínimo 0,7% del total.

Al mirar la igualdad en los festivales, no solo importa contar el número de mujeres que actúan, sino también en qué lugar del cartel las ponen y qué relevancia les dan en los conciertos. El resultado vuelve a ser muy malo en este punto: ningún grupo de mujeres figura como cabeza de cartel en 2026 y solo una de cada cinco plazas principales (un 20,5%, es decir, 17 solistas) es para cantantes mujeres, de un total de 83 cabezas de cartel analizados. Hay que recordar que en esta cuenta no entran el Sónar ni el Viña Rock, porque ninguno de los dos marca en sus anuncios quiénes son los cabezas de cartel principales.

En este aspecto, el que tiene peores resultados es el FIB, con hasta 9 cabezas de cartel formados solo por grupos de hombres, sin poner a ninguna mujer arriba. El Low Festival tampoco tiene a ninguna cantante o grupo de mujeres al frente de sus 11 puestos principales (7 grupos de hombres, 3 solistas hombres y 1 banda mixta). En el Arenal Sound, las mujeres solistas solo ocupan 2 de los 11 puestos importantes, frente a 8 solistas hombres y 1 grupo de hombres.

O Son Do Camiño y el BBK Live ponen a 2 solistas mujeres entre sus nombres principales (de un total de 6 y 7 puestos). En el lado contrario, los festivales que ponen a más mujeres arriba son el Granca Live Fest, con 5 solistas mujeres de 14 cabezas de cartel; el Mad Cool, con 3 solistas mujeres y 2 bandas mixtas de 16; y el Primavera Sound, con 3 solistas mujeres (como Doja Cat o Addison Rae) y 1 banda mixta entre sus 9 nombres principales.

Aunque el porcentaje total de mujeres en los grandes festivales ha subido un poco, pasando del 26% en 2025 al 28% en 2026, la situación se vuelve más complicada si miramos cada festival por separado. El caso más claro de bajada lo tiene el Low Festival, que pierde 11 puntos al pasar del 25% al 14% en solo un año (sumando un 8% de solistas y un 5% de grupos femeninos). En otros eventos la situación se ha quedado totalmente parada, sin ningún avance: el Mad Cool repite exactamente su 28% del último año, el FIB se queda atascado de nuevo en el 20% y O Son Do Camiño frena su subida repitiendo el 30% que ya tuvo el año pasado.

No obstante, algunos festivales sí mejoran sus números en 2026, aunque vienen de cifras tan bajas que no se puede hablar de un cambio real. El Primavera Sound es el que más sube al pasar del 31% al 41% de mujeres (+10 puntos), seguido por el Granca Live Fest, que sube del 21% al 31% (+10 puntos). El Bilbao BBK Live sube del 32% al 38% (+6 puntos) y el Sónar pasa del 37% al 41% (+4 puntos). En otros, las subidas casi ni se notan: el Arenal Sound sube ligeramente del 16% al 19% y el Viña Rock pasa de un 8% a un 9%, un aumento de un solo punto que no cambia su enorme mayoría de hombres. Por tanto, la pequeña subida general de dos puntos se debe al esfuerzo de festivales concretos como el Primavera Sound o el BBK Live Fest, y no a una mejora en todo el sector.

De esta manera, la tendencia más clara en los carteles de 2026 es que los hombres siguen dominando los festivales de música. Los solistas ganan espacio y llegan al 33,6% de los carteles este año, lo que supone una subida de 1,5 puntos respecto a 2025. Por otro lado, los grupos de hombres siguen siendo una parte muy importante con un 30,4% del total, aunque bajan 2,9 puntos. En total, la suma de cantantes y grupos masculinos alcanza un abrumador 64% de todos los artistas analizados.

Las cifras siguen mostrando una diferencia muy grande con respecto a las mujeres. Aunque las cantantes solistas suben un poco y llegan al 25,7% de los carteles en 2026 (con un aumento de 2,9 puntos), esta pequeña mejora se pierde por la continua bajada de los grupos de mujeres. Las bandas femeninas caen 0,4 puntos más y se quedan en un escasísimo 2,8% del total. Por su parte, las bandas mixtas bajan 0,8 puntos y representan el 7% en los macroeventos, mientras que los artistas no binarios descienden 0,4 puntos y se quedan en un 0,7%.

Mientras los cantantes ganan fuerza y las mujeres solistas intentan conseguir algo más de sitio, los grupos femeninos y las bandas mixtas pierden todavía más presencia. Aun con la bajada de grupos de hombres, los artistas masculinos son la gran mayoría en los escenarios con más público, y deja claro que la falta de paridad sigue siendo un problema serio en los festivales más importantes de nuestro país. A continuación puedes comprobar cómo serían sus carteles según los solistas o bandas masculinas, solistas o bandas femeninas, o bandas mixtas que figuran en ellos.

Carteles de festivales por género

Quién toca en los grandes festivales de 2026

Cada bloque es un artista o banda del cartel, coloreado según su género. El tamaño indica la posición en el cartel.

Fuente: elaboración propia a partir de los carteles publicados por cada festival.

¿Debería España cancelar el concierto de Kanye West como han hecho otros países?

Francisco Gámiz — Sat, 25 Jul 2026 20:46:58 +0000

Pese a que Reino Unido, Francia o Polonia hayan suspendido el evento por los comentarios antisemitas del rapero en el pasado, el artista sí podrá subirse al escenario en Madrid, avivando el debate sobre los límites de la libertad de expresión y la cultura de la cancelación

El festival Wireless cancela su edición después de que Reino Unido prohíba a Kanye West la entrada en el país

“Soy un nazi, me encanta Hitler”, reza uno de los mensajes que Kanye West publicó en redes sociales a inicios del año pasado. No fue el único que escribió: “Algunos de mis mejores amigos son judíos y no confío en ninguno de ellos”. Son declaraciones que colman la carrera llena de altercados del rapero, cuya reputación se ha ido desmoronando en las últimas décadas por sus comentarios y acciones. Desde cuestionar los motivos de la muerte de George Floyd hasta enorgullecerse de su antisemitismo, la mochila del artista está cargada de controversias. Unas polémicas que, si bien han motivado a algunos países a cancelar sus conciertos, no le impedirán subirse al escenario en Madrid el próximo jueves.

Este iba a ser uno de los años más importantes de la trayectoria de Kanye West, con una vuelta al ruedo que lo iba a llevar a visitar las principales ciudades de Europa. No obstante, la gira ha atravesado conflictos desde su anuncio. Reino Unido, Francia, Italia, Suiza, Polonia... son países en los que iba a actuar Ye, como se hace llamar ahora el cantante, pero donde no podrá hacerlo por sus comentarios de odio ensalzando el nazismo. Su disculpa llegó en enero, cuando compró una página en el The Wall Street Journal para pedir perdón a la comunidad judía y a sus seguidores, atribuyendo su mal comportamiento a un trastorno bipolar derivado de una lesión cerebral no diagnosticada.

Aun así, las cancelaciones fueron sucediéndose en los siguientes meses. Reino Unido, de hecho, le prohibió directamente la entrada tras la indignación pública y las peticiones para anular su show. Un portavoz del Ministerio del Interior, el departamento del gobierno británico que se ocupa de las cuestiones migratorias, explicó que habían denegado la solicitud de West para viajar porque “su presencia en Reino Unido no favorecería el bien público”. Esto desencadenó la suspensión del festival Wireless, donde el rapero era cabeza de cartel, y del que marcas como Pepsi y PayPal habían retirado su patrocinio debido a las conductas antisemitas del autor de My Beautiful Dark Twisted Fantasy.

A pesar de que muchos países han cerrado las puertas al músico, España ha decidido mantener la celebración del concierto, que tendrá lugar en el estadio Metropolitano este 30 de julio. Ernest Urtasun, ministro de Cultura, sostuvo en mayo que le “repugnan” las manifestaciones vertidas en el pasado por el rapero: “No me gustan nada y me parecen fuera de lugar”. Sin embargo, alegó que “no le corresponde al Ministerio promover la cancelación de ningún concierto por las opiniones que haya tomado cualquier artista” y que la decisión debe tomarla el promotor del evento. “Más allá del rechazo que me producen sus declaraciones, no me corresponde a mí”, insistió Urtasun. Desde la promotora, de momento, no van a hacer declaraciones.

¿Sería posible cancelar el concierto?

Pese a que el ministro de Cultura haya asegurado que no incumbe a España la suspensión de dicho concierto, lo cierto es que el país sí tendría la posibilidad de cancelarlo si observa peligros en torno al mismo. Jorge Correcher, especialista en Derecho Penal, apunta a elDiario.es que hay artículos en el Código Penal que persiguen los discursos de odio y que, aunque no se han aplicado tanto en casos de industria musical, ya que eso se ha reservado mucho más para el enaltecimiento del terrorismo, sí se han aplicado en casos de manifestaciones que pudieran tener un contenido antisemita, racista, de antigitanismo o incluso de aporofobia.

No obstante, y aunque estos discursos aislados pueden generar ese tipo de reacción por parte del ordenamiento jurídico, Correcher pone también el foco en la adecuación de esa respuesta, puesto que, cuando lo que está en juego es la libertad de expresión, el experto medita que “resulta bastante complicado decidir dónde poner el freno”, agregando que “el Código Penal, al menos, limita ese freno a aquellos casos en los que puedan producirse actos de violencia, odio o discriminación”. Sin embargo, en un ámbito ya no jurídico, el especialista afirma que “este tipo de actos son difícilmente cancelables ahora mismo, sobre todo cuando tenemos un presidente de los EEUU que hace lo que hace”.

Ningún tipo de discurso de odio ni ninguna persona con mensajes tan violentos como los de Kanye West deberían tener cabida en ningún espacio cultural

Nerea Luján — Escritora

Correcher añade que esta situación “se replica en muchos ámbitos del mundo” y que “la ventana de Overton está tan abierta que entra cualquier cosa”, por lo que “es bastante difícil saber poner el límite en estos casos”, avivando el debate sobre cuándo se alcanza la censura. “¿Por qué le vas a decir a esta persona que no puede hacer proclamas supremacistas, cuando el presidente de EEUU tiene grupos que lo apoyan que impregnan eso?”, inquiere. Más tajante al respecto es Nerea Luján, escritora de la obra Creadoras y Combativas, donde ha analizado el arte urbano desde una mirada femenina: “Ningún tipo de discurso de odio ni ninguna persona con mensajes tan violentos como los de Kanye West deberían tener cabida en ningún espacio cultural”.

El discurso antisemita

Los comentarios antisemitas del cantante son el desencadenante de que se haya suspendido su concierto en varias ciudades. Alejandro Baer, sociólogo y especialista en memoria, violencia y estudios judíos contemporáneos, considera que “no es sorprendente que varios países europeos hayan optado por cancelar sus conciertos al considerar que sus manifestaciones públicas sobre los judíos o la banalización del nazismo trascienden el ámbito de la libertad artística porque contribuyen a legitimar discursos de odio”. El experto indica que “aquí volvemos a ser la excepción y tiene que ver con nuestra historia”.

“En gran parte de Europa occidental, la experiencia de la Segunda Guerra Mundial y, sobre todo, del Holocausto se convirtió en un elemento central de la cultura política después de 1945. Impuso un ejercicio de reflexión y responsabilidad que, aunque incompleto, contribuyó a modelar las instituciones, la educación y el discurso público. En España, este proceso nunca llegó a producirse y por eso no existen estas barreras de contención hacia el antisemitismo, ni siquiera con respecto a sus formas más explícitas”, valora Baer a elDiario.es.

La ministra polaca de Cultura, Marta Cienkowska, afirmó durante una rueda de prensa que una nación marcada por la terrible historia de los campos de concentración nazis no podía dejar cantar en Polonia a alguien que apoya a Hitler. La presión del gobierno obligó a los dueños del Estadio de Silesia, donde iba a actuar el artista el 19 de junio, a romper el contrato con la empresa organizadora, Projekt Hałas. En el pasado, Kanye West llegó a vender camisetas con esvásticas y publicó la canción Heil Hitler, donde hace apología del dictador. El tema fue retirado momentos después por plataformas como Spotify, YouTube o SoundCloud. “Literalmente dejan a los negros abajo”, protestó el rapero en X.

Más allá de ello, Baer resalta que “es un problema que una figura tan popular contribuya a normalizar mensajes antisemitas entre públicos amplios, especialmente jóvenes”. Es algo en lo que coincide con Tania María García Arévalo, experta en estudios hebreos y arameos, quien alerta de que, mientras que en el siglo XVII y XVIII solo una parte concreta de la población tenía acceso a los discursos de odio, en la actualidad “este tipo de declaraciones se expanden como la pólvora y ganan muchísima más aceptación, calando en la sociedad más joven”. Además, existe un desconocimiento evidente: “Los alumnos llegan de cero en cuanto antisemitismo, solo reconocen el Holocausto”.

El uso de las redes sociales ha sido fundamental para Kanye West. Incluso Elon Musk canceló la cuenta del rapero en 2022 cuando publicó una imagen de una esvástica fusionada con una estrella de David. “Lo hice lo mejor que pude. A pesar de eso, volvió a violar nuestra regla contra la incitación a la violencia”, dijo el empresario. García Arévalo destaca que “el antisemitismo ha tenido una expansión brutal en los últimos años debido a las redes y el anonimato que generan, donde cualquiera puede decir cualquier cosa” sin que nadie lo contraste. Carmen Domingo, periodista y autora de Cancelado, obra en la que repasa la cultura de la cancelación, advierte que “estamos generando una sociedad de titulares, donde a veces el titular es el que te condiciona el retuiteo sin leer el artículo”.

Las palabras de West no solo han provocado que varios países le den la espalda, también lo han hecho las marcas. Adidas puso fin a su cooperación con él y Foot Locker anunció la retirada de las zapatillas del cantante. Aun así, Domingo sostiene que “las marcas se mueven por economía”: “No tiene nada que ver con la ideología, tiene que ver con el mercado”. Lo ejemplifica con la polémica de El Xokas por sus comentarios sobre Ester Expósito, que hizo que Burger King cancelara su colaboración con el creador de contenido. “Le puso [el menú especial] y se lo quitó por los mismos motivos: se lo puso porque daba dinero y se lo quitó porque ahora ya no lo da”, relata.

Cuando Kanye West se suba al escenario el próximo jueves, habrán pasado más de cuatro meses desde que iniciara la venta de entradas. En aquel entonces, numerosos fans mostraron su descontento cuando, tras la preventa, varias localidades rebajaron su precio hasta en más de 100 euros durante la venta general. Muchos compradores denunciaron haber pagado de más, a lo que las promotoras respondieron justificando el cambio por ajustes en la configuración del recinto y ofreciendo la posibilidad de cambiar las entradas. Pese a ello, desde la organización del evento aseguran que ha habido una “alta demanda” y que el concierto, además de haber movilizado a alrededor de 3.000 profesionales, “proyectará la imagen de Madrid en todo el mundo”.

Ni hombres lobo ni vampiros: lo más terrorífico de la literatura es el miedo a quedarte sin casa

Francisco Gámiz — Wed, 22 Jul 2026 19:27:01 +0000

Los libros sobre casas encantadas utilizan el problema del mercado inmobiliario o la crisis de la vivienda como metáfora del miedo, aprovechando que estas edificaciones "son hijas de su contexto y reflejan muchas inquietudes"

‘Jenny’, la novela de Sigrid Undset que desmontó el mito del amor romántico hace más de un siglo

Alguien cierra la puerta de su piso, echa la cerradura y se queda a oscuras en el pasillo. Es entonces cuando entra en pánico, pero no tiene miedo de que un fantasma salga del armario o de que los peluches cobren vida. Lo que de verdad le quita el sueño es la mancha de humedad en el techo que no puede pagar o la idea de que no llegar a fin de mes le deje en la calle. Un escenario tenebroso que bien podría ambientar una de las novelas de terror de Grady Hendrix, quien ha escrito sobre la pesadilla del mercado inmobiliario y ha reconocido que “la ansiedad económica es lo que alimenta las novelas de casas encantadas”.

“Lo peor que le puede pasar a alguien es quedarse sin casa”. Así de tajante fue el autor de Cómo vender una casa encantada a través de un vídeo en Instagram donde recomienda leer Ofrendas de verano. Se trata de una obra que demuestra que el miedo a que el propio hogar se convierta en una trampa de deudas no es nuevo. En la década de los 70 en EEUU, miles de familias de clase media huyeron de la delincuencia de las grandes ciudades buscando el paraíso en las afueras. Sin embargo, las idílicas construcciones que encontraron estaban levantadas junto a ríos contaminados o tenían cuentas pendientes, un engaño que inspiró la novela de Robert Marasco.

“La casa encantada en sí misma no solo es un espacio de horror, sino que es también una protagonista, un monstruo en sí”, declara Rosa María Díez Cobo a elDiario.es. La filóloga, profesora de la Universidad de Burgos, lleva años analizando la figura del monstruo en la literatura contemporánea. Sin embargo, mientras otros se centran en hombres lobo, zombis o vampiros, la experta se ha especializado en estas edificaciones porque “las casas encantadas son hijas de su contexto y reflejan muchas inquietudes y miedos”. Son lugares que, en lugar de cumplir siempre con su función primordial de dar refugio y tranquilidad, se tuercen y se desvían de manera fantasmagórica.

Mientras los zombis o los vampiros experimentan picos de popularidad irregularmente, yendo más allá de la literatura y dominando la cartelera de los cines durante periodos de tiempo concretos, las historias que giran en torno a viviendas malditas logran mantenerse estables año tras año. Es algo que se debe, principalmente, a que la residencia es como la segunda piel del ser humano, el espacio íntimo donde el individuo se muestra más vulnerable y oculta sus mayores dramas. “La casa es un hogar y, por lo tanto, una protección, pero a la vez alberga los mayores horrores reales, como abusos y maltratos. El morbo viene de eso”, explica Díez Cobo.

La crisis de la vivienda, por ende, forma parte de la angustia que se percibe entre sus cuatro paredes, sobre todo en un momento en el que encontrar un piso digno se ha vuelto una misión imposible. En su ensayo Infestación, la investigadora Erica Couto-Ferreira analiza cómo los miedos económicos han ido moldeando la evolución cultural de estos edificios tenebrosos. Un ejemplo es La casa de al lado (1978), obra en la que la escritora Anne Rivers Siddons presenta una vivienda de lujo recién construida en una urbanización de las afueras de la ciudad. El terror allí no procede de espíritus, sino de la ambición de las familias de clase acomodada y el horror a perder su posición económica.

La casa que toma vida

Estas viviendas insólitas también puede dividirse según la forma en que son representadas en la literatura. Rosa María Díez Cobo utiliza el término de “casa consciente” para referirse a aquellas que dotan de pensamientos y de voz propia. Un precedente en nuestro idioma es La casa (1954), escrita por el argentino Manuel Mujica Lainez, donde un palacete de Buenos Aires relata su propia demolición y evoca con melancolía su pasado. Es una obra que inspiró a la autora barcelonesa Mercedes Abad en su novela ilustrada Casa en venta (2020), donde el apartamento protagonista sufre por su incapacidad para comunicarse con los dueños o retener a inquilinos estables.

Lo interesante del libro de Mercedes Abad es que otorga vida a un piso ubicado en la periferia industrial de una ciudad, rodeado de solares y al lado de una central térmica. Esto permite reflejar los estragos que ha causado la burbuja inmobiliaria en los extrarradios de Barcelona y la consecuente gentrificación de los centros urbanos, pues la casa sufre la tristeza de verse convertida en una simple mercancía especulativa a la que se le pone precio, perdiendo así su alma. Mercedes Abad hace que el lector vea y sienta el mundo a través del hormigón, mostrando la deshumanización que dejan las leyes del mercado inmobiliario.

Díez Cobo sostiene que, debido a la crisis de la vivienda, los lectores contemporáneos interpretan las obras de forma más política que hace 20 o 30 años. Sin embargo, es algo que irá en aumento no solo por parte de quienes disfrutan de los libros, también por parte de quienes los escriben. “Es un problema que no solo pasa en Madrid o en grandes capitales y no tardará mucho en reflejarse en más obras artísticas. Es un fenómeno que, aunque se viene fraguando desde hace años, es ahora cuando está explotando con fuerza: toda la crisis del alquiler, los precios y condiciones excesivas...”, detalla la experta, asegurando que se publicarán más historias sobre esto en un futuro no muy lejano.

La casa, que es un sitio protector frente a la hostilidad social, es al mismo tiempo una cárcel de la que no se puede salir

Rosa María Díez Cobo — Experta en Estudios Literarios y Comparados de lo Insólito

Asimismo, echar un vistazo al interior de una vivienda hace imposible ignorar el sesgo de género y la violencia machista que ocurren en ella. “El espacio tradicional de una mujer es la casa, por lo que de alguna manera es su feudo, pero también su prisión”, alega Díez Cobo. “Es el lugar que se le ha impuesto, por lo que este espacio, que puede ser un sitio protector frente a la hostilidad social, es al mismo tiempo una cárcel de la que no se puede salir”, señala la experta, agregando que, “dentro de ese espacio, la mujer no ha sido la voz poderosa, sino que ha sido una voz sometida por las voces masculinas de la sociedad patriarcal”.

Esta misoginia se refleja en El empapelado amarillo (1892), de la autora norteamericana Charlotte Perkins Gilman. Se trata de un cuento que ya incluso en el siglo XIX ponía el foco en los abusos que pueden darse dentro de una casa, en este caso a través del encierro forzado de la protagonista por parte de su marido, lo que acaba derivando en que ella se obsesione con el espantoso papel tapiz amarillo de su habitación y poco a poco pierda la razón. “Enseña la ambivalencia de un espacio que te es asignado, que se te considera propio, pero que alberga todos los males de la sociedad y la posición secundaria que se espera de ti como mujer”, indica Rosa María Díez Cobo.

De los libros a la gran pantalla

El relato Céntrico, dos habitaciones, fenómenos paranormales, que el novelista sevillano Isaac Rosa publicó en este mismo periódico en 2019, también señala cómo la urbanización madrileña, que tanto encanto muestra hacia los turistas, esconde en el interior de sus hogares las consecuencias que este turismo produce para quienes viven allí. El texto aborda el problema de la turistificación en las ciudades a través de una casa encantada cuyos inquilinos, que llegan de visita a la capital, no saben cuál es el motivo de los sucesos sobrenaturales que ocurren en ella. El texto se acabaría adaptando a la gran pantalla a través del cortometraje Céntrico de Luso Martínez, nominado a los Goya.

De hecho, aparte de la literatura, el cine también ha sabido captar la deriva de las grandes ciudades, utilizando los espacios domésticos como metáforas de la precariedad social. En la película de terror Barbarian (2022), del director Zach Cregger, la casa protagonista se sitúa en un barrio completamente abandonado de Detroit, una urbe que ha sufrido la desindustrialización. La película muestra cómo la degradación de un vecindario entero da lugar a monstruos nacidos de la miseria más absoluta, convirtiendo la vivienda en un termómetro que mide la decadencia de una población devorada por el sistema económico.

En España, el año pasado se estrenó Decorado, una fábula que refleja la “crisis” de una sociedad en la que “es muy difícil escapar del dinero”. Dirigida por Alberto Vázquez y expandiendo el cortometraje por el que ganó un Goya en 2017, la cinta explora desde la problemática laboral que impulsa la adicción al trabajo hasta el susto constante por no llegar a fin de mes para pagar el alquiler, como sucede al protagonista. En una entrevista para elDiario.es, el cineasta señaló que “nuestro valor es lo que consigamos económicamente”. Por ello, mientras la vivienda siga siendo un bien de lujo inalcanzable, el arte de lo insólito seguirá recordando que el peor de los miedos es quedarse sin un sitio en el que dormir.

Pipiolas, en la redacción de elDiario.es: “Las cuotas femeninas en los festivales se usan como un blanqueamiento”

Francisco Gámiz — Thu, 16 Jul 2026 19:29:16 +0000

El dúo compuesto por Paula Reyes y Adriana Ubani ha abordado la situación de la mujer en la industria musical y las polémicas declaraciones de El Xokas sobre Ester Expósito en un evento donde ha interpretado varios temas de su nuevo disco

La música que todo el mundo escucha y baila en TikTok se llama ‘budots’ y reivindica a la clase obrera

En un mundo que exige socialmente mostrarse inquebrantable, a veces la verdadera fortaleza reside en poder reclamar el derecho a estar rota, furiosa o confusa. Es un tipo de mentalidad que está siempre merodeando por la música de Pipiolas, una banda que prefiere sacudirse las expectativas ajenas y que canta sin pedir disculpas. Así lo han compartido Paula Reyes y Adriana Ubani este jueves en un encuentro con socias y socios en la redacción de elDiario.es, donde han reivindicado las canciones como un arte que invita a la liberación y que no siempre debe ser un refugio complaciente para quien las escucha.

“Rechazo mucho la poesía relamida porque al final la veo mucho más vacía, lo poético está en la verdad”, ha declarado Reyes. Una verdad por la que Pipiolas ha apostado durante la conversación que ha mantenido con Laura García Higueras, redactora de Cultura. Y, puesto que el dúo no tiene miedo a señalar aquello a lo que se le sigue sin prestar la atención suficiente, ha abordado directamente la dificultad que continúa conllevando ser mujer en el mundo de la música. “Por mucho que se quiera ver que no es así, las mujeres tenemos un techo de cristal en la industria”, ha apuntado la artista.

Con respecto a la cuota que se exige en algunos festivales para asegurar un número determinado de mujeres en el festival, Paula Reyes ha alegado que esta “discriminación positiva” es “lo que hay que hacer”, pero ha optado por poner el foco en el problema sistemática que existe en torno a ello. “Los parámetros que hay hoy en día son estructuras patriarcales educacionales totalmente. No es una cosa de meritocracia”, ha indicado la cantante. “Los gustos son aprendidos y adquiridos. Esto es lo complicado de hacer entender, y la manera de obligar a que encontremos nuestro hueco a partir de cuotas”, ha agregado.

Sin embargo, Adriana Ubani ha puesto el foco en el “arma de doble filo” que suponen las cuotas cuando dejas de ser novedad en la industria como mujer. “Cuando dejas de ser cuota, hay seguramente otra persona a la que pueden utilizar como cuota porque es novedad. Esa discriminación positiva todavía está en que solamente es una cuota y no hay un ejercicio ni una estructura de permanecer en ese espacio que te ha dado la cuota”, ha argumentado la artista. Para ella, esto no soluciona nada de forma permanente: “En muchos espacios te programan por esas razones y, después, si te he visto no me acuerdo. Parece que crean un espacio para gente nueva, pero no hay una estructura que sostenga a las que estuvieron”.

Esta es, además, una conversación que ellas mismas mantienen con otros cantantes del sector. “A nivel interno lo hacemos siempre cuando hablamos con compañeros. No todo se puede reducir a una cuestión de programar a grupos que te gusten y que todos acaben siendo hombres. Hay que pararse a reflexionar de dónde viene esto. Estamos a favor de las cuotas, pero se están empezando a utilizar como un blanqueamiento”, ha reflexionado Paula Reyes. De hecho, no solo es que las mujeres sigan sin haber logrado equidad en los carteles de los festivales, sino que ahora hay una tendencia por parte de grupos masculinos de ponerse nombres femeninos que copan estos carteles.

“No programamos a mujeres, pero un grupo de hombres decide que es lícito ponerse un nombre femenino”, comenta Ubani. “Es como: 'No sé muy bien por dónde va esa narrativa. ¿Es que eres más moderno así? ¿Es que cuela ponerte de cabeza de cartel y que piensen que eres una mujer?'”, ha inquirido la componente de Pipiolas. Reyes, por su lado, ha dicho que les “explota más la cabeza” con las bandas recientes. “Claro que hay grupos que podemos salvar porque cuando se crearon no había esta conciencia, pero ahora, con todo lo que se dice y se señala, no nos entra en la cabeza que haya hombres que decidan coger esos nombres. Esto va en detrimento de ayudar”, ha declarado.

Asimismo, tampoco han podido evitar hacer alusión a las excusas que escuchan por parte de los jefes de festivales. “Te dicen que programan por los números y por lo que vende, pero al grupo de siete tíos que tiene un nombre femenino con 300 oyentes mensuales dudo mucho que lo hayas metido en el cartel por las razones que me estás intentando vender... para no programarnos a muchas mujeres en la industria”, ha contado Adriana Ubani. El dúo, que debutó en 2023 con No hay un Dios, ha publicado este 2026 su disco Pipiolas. Tres años han pasado entre un trabajo y otro, una “factura” que, según alertan, han “tenido que pagar” por haber dejado de ser nuevas en la industria.

“Eres más fácil de olvidar cuando sirves para rellenar un cupo y ya no eres la novedad”, ha apuntado Paula Reyes. “La música necesita pausa y reposar. Fue arriesgado porque éramos nuevas y normalmente se recomienda aprovechar la inercia de un buen comienzo, como fue el nuestro, pero es que no resonaba eso con nosotras. Se han pagado facturas, pero, a partir de ahí, que fuera lo que fuese siempre acorde con nuestra identidad y las decisiones que queríamos tomar”, ha añadido. Ubani ha detallado que “esta generación es la de la inmediatez y estamos acostumbrados a que tres años nos parezcan mucho, pero para la composición de un disco no es tanto”.

En su disco, con temas como No tocar, que han interpretado en la redacción del periódico con unos socios metidísimos de lleno en el concierto, Pipiolas invita a reflexionar sobre la impunidad que existe en los hombres para mirar o incluso tocar a las mujeres ya sea en persona o hasta desde la distancia con mensajes. Hace unos días, el creador de contenido El Xokas acaparó titulares por sus polémicas declaraciones acerca de Ester Expósito en una transmisión en directo en Twitch, afirmando que “no vale la pena” salir con ella “por su pensamiento político”. “Es mejor estar con un 6, te lo aseguro”, expresaba El Xokas, por lo que la canción ha servido para abordar este asunto.

Vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor que cualquier cosa tiene muchísima repercusión

Adriana Ubani — Cantante de Pipiolas

“Qué ganas de que saquen un menú con Ester Expósito”, ha bromeado Adriana Ubani en relación a la colaboración que tenía el creador de contenido con Burger King, que la empresa ha cancelado esta misma tarde por sus declaraciones. “Qué ganas de McDonald's”, ha rematado Reyes. Por su lado, Ubani ha explicado que “vivimos en una sociedad en la que las redes sociales tienen tanto valor y peso que cualquier cosa vuela y tiene muchísima repercusión”. “Al Xokas no lo justifico, es fuerte, pero todo tiene una repercusión que no se puede controlar y que no es la que pretendes que tenga”, ha aludido.

“No considero que sea complicado decir en alto las cosas que decimos porque considero que no decimos las cosas que dice El Xokas”, ha incidido la artista. “Ya me gustaría a mí que dijera algo El Xokas sobre nosotras para devolvérsela”, ha dicho entre risas Paula Reyes. “Pero la mitad de la argumentación que le daríamos no la entendería”, ha sentenciado su compañera. Frente a este tipo de polémicas y las dificultades que hay en la industria musical, la sororidad sigue siendo una de las mejores armas. “Está muy metido en la cabeza esto de que las mujeres nos pisamos”, ha denunciado Ubani para desmentirlo. “Motiva ver a otras mujeres, que se esté empezando a hacer espacio, ha añadido Reyes.

No es fácil ver actuar a Pipiolas. Desde el lanzamiento de su segundo proyecto, muy pocos son los conciertos que han ofrecido. “No nos está disgustando el proceso, pero no solo queremos girar el disco en festivales. Es algo que va a acabar explotando de alguna forma, así que estamos selectivas”, ha reconocido Reyes sobre el auge de estos macroeventos. Por eso, su propuesta en la redacción de elDiario.es, donde también han tocado NaNaNa y Soy una estrella!!!, ha sido única y ha contagiado a los socios. Han sido, como ellas reclaman, escuchadas en vez de consumidas: “La palabra 'consumir' va a favor de reducir lo que se hace a una cosa propiamente de consumo. Al final, no dejamos de ser productos, buscas ser consumido, pero preferimos decir que queremos ser escuchadas”.

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Cinco películas para recordar a Sam Neill, desde ‘El piano’ hasta ‘La caza del Octubre Rojo’

Francisco Gámiz — Mon, 13 Jul 2026 09:43:25 +0000

El actor neozelandés, que ha fallecido este lunes a los 78 años, estuvo en tratamiento durante años por un cáncer del que informó en abril que estaba libre

Muere Sam Neill, actor de 'Jurassic Park', a los 78 años

La vida se abre camino. Es una de las grandes enseñanzas que nos dejó Parque Jurásico, la aclamada película que hoy es imposible no asociar al rostro de Sam Neill, el paleontólogo que nos enseñó a mirar con asombro el pasado mientras el futuro se descontrolaba ante nuestros ojos. El actor neozelandés ha fallecido este lunes en Sídney, Australia, dejando al cine un enorme legado de películas por las que perderse y recordarlo. El intérprete tenía 78 años y durante años estuvo con tratamiento por un cáncer del que informó en abril que estaba libre.

Nigel John Dermot 'Sam' Neill nació en Omagh, dentro del condado de Tyrone, en Irlanda del Norte, donde su padre estaba destinado en ese momento, sirviendo en la Guardia Irlandesa. Su nombre artístico, Sam, surgió en el colegio, puesto que en su clase había otro niño que se llamaba Nigel y decidieron que para evitar errores él fuera conocido como Sam. Y tanto que se le acabaría conociendo con ese nombre: tras trabajar en la compañía de cine de Nueva Zelanda ya como actor y director, comenzaría a destacar en la década de los 80. No obstante, fue más adelante, en los 90, cuando llegarían sus mejores trabajos.

'Calma total' (1989)

No es una de las películas más conocidas de Sam Neill, pero sí es una de sus más inquietantes. Basada en una novela de Charles Williams, el terror y el suspense psicológico se entremezclan en esta tensa cinta liderada también por Nicole Kidman y Billy Zane. En ella, un matrimonio trata de recomponer su vida tras perder a su pequeño hijo en un trágico accidente de coche. Como una terapia para superar el dolor, deciden emprender un viaje en su yate por el océano, donde acaban rescatando a un único superviviente de una goleta en ruinas. Una vez que el marido decide ir a investigar el barco abandonado, el joven les explica que es el único superviviente de una intoxicación alimentaria que ha acabado con toda la tripulación. Pero no todo es lo que parece y el largometraje aprovecha el aislamiento del mar para generar pánico.

'La caza del Octubre Rojo' (1990)

Sam Neill, junto a Sean Connery y Alec Baldwin, protagoniza este filme ganador de un premio Oscar a mejores efectos sonoros. La película, basada en la novela de Tom Clancy, presenta a un analista de la CIA, Jack Ryan, al que se le encomienda descifrar las verdaderas intenciones del comandante de un moderno submarino soviético. Se trata de un caso que, aparentemente, y dada la tensa situación de la Guerra Fría, amenazaba con iniciar una III Guerra Mundial, pero que acaba demostrando un deseo desesperado de deserción hacia Occidente. El resultado, con Neill encarnando al leal segundo al mando, es un entretenido drama militar y de intriga que obliga al espectador a contener la respiración bajo el agua.

'Parque Jurásico' (1993)

Es una de las mejores odas a la aventura cinematográfica, una de esas películas que te devuelven la ilusión de la infancia y que hacen homenaje a la gran pantalla. Steven Spielberg dirige en este largometraje a unos inspiradísimos Sam Neill, Laura Dern y Jeff Goldblum, que también cuenta con Richard Attenborough y Samuel L. Jackson. Basado en la exitosa novela de Michael Crichton, escrita en 1990, relata la historia de un grupo de científicos en una remota isla de Costa Rica donde los dinosaurios vuelven a la vida. Una historia que acabó cosechando tres premios Oscar: a mejor sonido, mejores efectos sonoros y mejores efectos visuales.

La trama se convierte en un auténtico reto de supervivencia cuando una pareja de eminentes científicos y un matemático visitan el parque temático para comprobar la viabilidad del proyecto. Sin embargo, los animales prehistóricos escapan de sus jaulas y se desata el caos, poniendo a prueba la codicia del ser humano y la fuerza de la naturaleza. La cinta dio lugar a una de las franquicias más importantes de la historia del cine. Muchas son las entregas de la saga que siguen estrenándose en cartelera, pero hubo dos inmediatas sucesoras: El Mundo Perdido (1997) y Parque Jurásico III (2001).

'El piano' (1993)

Estamos ante una de las películas más aclamadas de los años noventa. Escrita y dirigida por la cineasta Jane Campion, con Holly Hunter y Harvey Keitel como coprotagonistas, la película sigue a ambos personajes y a un frío terrateniente, interpretado por Sam Neill, en su viaje a la Nueva Zelanda colonial de mediados del siglo XIX. Ambos se conocen por un matrimonio concertado, pero pronto el valioso piano que ella trae de Escocia abre una brecha insalvable cuando él decide vender el instrumento a un vecino. Esto propicia un pacto de encuentros íntimos en torno al piano, un debate silencioso pero doloroso que marcará la vida de los tres mientras intentan sobrevivir a sus propias pasiones.

El filme fue reconocido, sobre todo, por el papel de Hunter, que ganó el premio Oscar a la mejor actriz principal tras haberse hecho con el Globo de Oro por el mismo motivo. También hizo lo propio Anna Paquin, que forma parte del reparto, logrando la estatuilla a la mejor actriz de reparto. Campion, por su parte, obtuvo el Oscar al mejor guion original. Su éxito en la temporada de premios comenzó tras su victoria en el Festival de Cannes, donde El Piano triunfó en el palmarés.

'En la boca del miedo' (1994)

El cineasta John Carpenter confió en Neill para protagonizar esta asfixiante película para amantes del miedo psicológico en la que estuvo acompañado por Jürgen Prochnow y Charlton Heston. El largometraje se inspira directamente en el universo literario de H.P. Lovecraft, mostrando cómo un detective especializado en destapar fraudes es contratado por una editorial para localizar al famoso escritor de terror Sutter Cane, desaparecido misteriosamente antes del lanzamiento de su próxima novela en la que se presupone que es, erróneamente, una táctica de promoción.

Pero esta no es la única pesadilla cinematográfica que forma parte del catálogo de Sam Neill. El intérprete también forma parte de películas de terror como Horizonte (1997), aunque esta se encuentra más cercana a la ciencia ficción. La trama comienza con la repentina reaparición de la nave experimental Event Horizon, desaparecida misteriosamente años atrás en Neptuno. Su diseñador, el doctor William Weir, se une a un equipo de rescate militar para recuperar el navío y descubrir qué ocurrió a la tripulación original, dando así vida a un filme oscuro y casi claustrofóbico.

La música que todo el mundo escucha y baila en TikTok se llama ‘budots’ y reivindica a la clase obrera

Francisco Gámiz — Sun, 12 Jul 2026 20:07:48 +0000

Los jóvenes de su barrio hacían bailes para disimular su consumo de drogas y DJ Love decidió ponerles melodía, dando vida a un género musical que nace de la precariedad y ahora triunfa en redes sociales

El drama del solapamiento de conciertos en los festivales: pagar por grupos que no podrás ver

Una miniván avanza por las desordenadas calles de la ciudad de Davao, en el sur de Filipinas. Al volante va Sherwin Tuna, que recorre el territorio polvoriento y ruidoso donde comenzó a hacer música, en tanto que su compañero de viaje, su representante e investigador Jorge Juan B. Wieneke, contempla cómo la vida de los barrios más humildes pasa zumbando ante sus ojos. Viajan rumbo a las playas de Mabini, donde les espera un festival masivo, pero lo que importa es lo que se escuchan durante el viaje. Se trata, en realidad, del portal de entrada al universo del budots, un género musical que nació en estos mismos suburbios marginados y que ha terminado explotando como uno de los grandes fenómenos de TikTok.

En ese simple trayecto con las ventanillas bajadas, ya se cruzan con el estilo callejero y casi espontáneo que caracteriza el budots. Ya sea que escuches el sonido de la bocina de un coche, las voces de vendedores ambulantes o los silbidos típicos que caracterizan el ambiente de cualquier ciudad, cualquier elemento cotidiano puede acabar en una de las canciones de este género. Sherwin Tuna lo sabe mejor que nadie: conocido artísticamente como DJ Love, es el gran pionero del budots. Dio vida a esta música en su modesto cibercafé, donde experimentaba en su ordenador con ritmos acelerados que encajaran con los bailes que veía en su vecindario.

Estos bailes se observaban en las zonas de gran pobreza de Davao. Allí, la palabra budots se usaba para describir a una persona “vaga” que pasaba el día sin hacer nada. Eran personas, en su mayoría adolescentes sin hogar, que consumían pegamento industrial barato para intentar olvidar el hambre y sus problemas familiares. Estos muchachos eran llamados popularmente rugby boys por la marca de pegamento que utilizaban y, para camuflar su consumo de drogas ante la gente o la policía, recurrían a estos bailes a los que se les empezó a poner melodía. “El budots se convirtió en una herramienta para el bien social de forma natural, no por decisión deliberada”, explica DJ Love a elDiario.es.

“Para las personas que vivían con esa etiqueta, esta nunca reflejó la realidad. El budots surgió del aburrimiento, la curiosidad y la supervivencia cotidiana”, añade el artista que reflexiona que, “a través de la música, ese significado cambió”. “Lo que antes se menospreciaba se convirtió en una fuente de orgullo, alegría y conexión”, cuenta. Tanto es así que, cuando suena la música, la gente se reúne, los jóvenes bailan, experimentan con la mesa de mezclas o ayudan a montar equipos de sonido. DJ Love argumenta que “les dio algo a lo que pertenecer, algo creativo en lo que centrarse en lugar de verse arrastrados a meterse en líos”: “La música se convirtió en un camino alternativo”.

El ruido cotidiano y los sonidos de la calle incorporados en los temas nunca se añadieron a propósito, pues “simplemente estaban ahí” cuando DJ Love se puso a crear estas canciones a inicios de siglo. “El budots no intenta escapar de su entorno, sino que lo refleja”, comenta el pionero. “Con el tiempo, pasaron a formar parte de la identidad de la música. La densa vida de los barangays [la división territorial y administrativa más pequeña de Filipinas, equivalente a lo que en otros países conocemos como un barrio o una aldea] es ruidosa, comunitaria, repetitiva y compartida, y la música es un reflejo de esa realidad”, detalla.

De esta manera, el género budots conecta directamente con aquellos que no tienen recursos. “Lo que hace que sea tan poderoso es su conexión con la clase trabajadora y los pobres, no como público, sino como su fuente. No habla de ellos, sino con ellos. Por eso resuena con tanta fuerza y sigue llegando mucho más allá de donde comenzó”, celebra DJ Love. Es algo que sostiene Jorge Juan B. Wieneke, representante del artista. “Es una música que no requiere formación académica, gustos elitistas ni infraestructuras costosas para ser sentida o para participar en ella”, alega el investigador.

Una liberación mucho más que física

Wieneke afirma que, para muchas personas que viven en condiciones precarias, el budots “ofrece una liberación emocional y física directa, comunitaria y sin pretensiones”. “Surge de los espacios cotidianos, del software pirata, de los estudios caseros improvisados, de la difusión por bluetooth, de las fiestas callejeras, de los mercados públicos, de los cibercafés y de los equipos de sonido montados con lo que haya a mano”, expone el agente de DJ Love a elDiario.es, aseverando que “es música de baile creada a partir de la limitación, pero que transforma esa limitación en placer, humor, movimiento y presencia”.

Lo que llamó la atención de Wieneke fue, precisamente, lo autosuficiente y descaradamente local que era la escena. “El trabajo de DJ Love no parecía tanto una imitación como una documentación de la realidad vivida”, asegura. Aun así, esta música fue considerada de mal gusto durante mucho tiempo. Las canciones se propagaban de forma lenta y muy rudimentaria, compartiéndose de teléfono a teléfono mediante conexiones bluetooth de baja calidad. Sin embargo, todo este aislamiento cambió radicalmente con la llegada de las redes sociales y la expansión de la conexión de internet móvil barata en las islas.

La viralización del género

El budots encontró en la plataforma TikTok el trampolín perfecto para darse a conocer ante millones de personas gracias a la sencillez de su ritmo y el enfoque divertido de sus coreografías. Varios temas se han convertido en la banda sonora de infinidad de vídeos virales en todo el planeta. Entre ellos destaca la clásica canción TiwTiw de DJ Love, que se ha coronado como un himno fundamental del género. Por otro lado, el remix Paro Paro G del productor DJ Sandy alcanzó la fama gracias a un baile colectivo que fue imitado incluso por las celebridades más famosas de la televisión filipina.

Budots World (Reloaded) de DJ Love (Sherwin Tuna)

“A medida que el budots llega a un público global, proteger la propiedad intelectual y el trabajo de Sherwin es una prioridad. Esto implica acuerdos claros, licencias adecuadas y garantizar que los colaboradores entiendan que esta música es una obra cultural, no contenido gratuito o desechable”, defiende Wieneke. “La protección no es solo legal; es ética. Equilibrar la visibilidad global con la autenticidad significa negarse a suavizar las asperezas. No intentamos hacer que budots resulte más 'agradable'. Su carácter local es precisamente la razón por la que conecta a nivel internacional. El objetivo no es exportar un producto, sino invitar a la gente a adentrarse en su contexto”, agrega.

Algunas de las artistas más importantes del momento han utilizado este tipo de música para acompañar sus vídeos, como sucedió con Olivia Rodrigo en una de sus publicaciones en TikTok durante su anterior gira. Una canción que no venía de un refinado estudio de Los Ángeles, sino de los callejones más humildes de la ciudad de Davao. Por su parte, DJ Love se propone a seguir llevando él mismo estas canciones a todos los rincones del planeta. “Actuar a nivel internacional ha sido una lección de humildad. Da igual dónde sean los conciertos, ya sea en Europa o en Asia, mantenerse conectado con el hogar es esencial. La música siempre lleva consigo a la comunidad”, concluye.

El Mundial también se vive en el Mad Cool, pero España no deja a Kings of Leon en fuera de juego

Francisco Gámiz — Sat, 11 Jul 2026 02:14:20 +0000

Ni la selección española ni ninguno de los artistas del festival tuvieron que salir a remontar: Pixies, Twenty One Pilots y Halsey se suman a la fiesta de la Roja en una jornada para amantes de la música... y del fútbol

El sol de Lorde y la luna de Florence guían las constelaciones del Mad Cool

16 años. Si contamos hacia atrás, 2010. Fue una de las veces que tocó en Madrid una de las bandas de rock más respetadas del género. En aquel entonces, Kings of Leon asaltó el Palacio Vistalegre de la capital; ahora, repite actuación en el Mad Cool frente a decenas de miles de personas. En un rincón del recinto, una de ellas observa emocionada lo que está ocurriendo frente a sus ojos. Está nerviosa, frustrada. Faltan tan solo 10 minutos y la cosa se acaba. Tiene cerca al admirado grupo, que está regalando Manhattan a la multitud, pero tan solo puede ofrecerle sus oídos. Su mirada, en cambio, pertenece a la selección española.

Fue también en 2010 cuando nuestro país ganó su primer Mundial de fútbol. De hecho, la Roja ya tenía su estrella cuando Kings of Leon tocó en el Vistalegre, pues la banda no visitaría la ciudad hasta diciembre y España ganó el torneo tal día como hoy, entrada ya la madrugada del 11 de julio a la hora de escribir estas líneas. El equipo no había alcanzado los cuartos de final del campeonato desde aquella edición, por lo que, 16 años después, hay quien no es capaz de perderse el partido contra Bélgica que decide quién se enfrenta a Francia en semifinales. El Mad Cool, además, lo pone fácil: la enorme pantalla que se cierne en mitad del recinto, utilizada para mostrar los horarios, emite el encuentro.

Los segundos pasan y la selección está a punto de irse a la prórroga. 1-1 al minuto 88, mientras suena Waste a Moment. Sin embargo, aquí nadie parece sentir que esté desperdiciando una entrada. Alrededor de la pantalla, muchísimos aficionados se interesan por el desenlace, tumbados sobre el césped artificial y bebiendo como si el partido fuera lo que les ha traído al festival. La coincidencia del evento con el Mundial hace que el ambiente sea distinto. La ropa, por supuesto, también: fans con la equipación de la Roja —la camiseta blanca parece haber calado bastante— superan en número a aquellos con merchandising de alguno de los artistas del cartel.

Y entonces se desata la locura: Mikel Merino marca el gol que concede la victoria a España, apenas unos minutos antes del tiempo de descuento, y la selección culmina su pase a la siguiente ronda. Cuando el partido acaba, Supersoaker de Kings of Leon pone la banda sonora a la celebración. Pero no es la única. El grupo detiene el concierto, felicita a España por su triunfo en las pantallas y se hace con todo el recinto al cantar su himno Use Somebody. Es un momento de fervor que, aunque suele suceder un poco más al principio de su espectáculo, en este caso se lo reservan justo para el final del España-Bélgica. Incluso Nathan Followill, el baterista, se pone la equipación.

Quizás Kings of Leon alcance a intuir una mínima parte de lo importante que es el fútbol para nuestra sociedad por el hecho de que EEUU esté sirviendo como sede. Aun con todo, lo demuestra sobre el escenario porque parece saber demasiado sobre nuestra cultura. “Una de mis ciudades favoritas del mundo”, dice su líder, Caleb Followill, en alusión a Madrid. Quien sin duda es más discreto es Black Francis, que durante el show no es un hombre de muchas palabras. El pitido inicial del árbitro, precisamente, coincide con su concierto, una fabulosa propuesta de Pixies que devuelve la nostalgia y la sabiduría de la que ya impregnaron el Movistar Arena hace tres años.

Ha habido muchas reuniones musicales recientemente —la jornada del sábado estará protagonizada por Pulp, que se alejó de la industria en 2002—, pero la vuelta de la banda de Boston logra un equilibrio entre pasado y presente que se percibe en su propuesta en el Mad Cool. Casi sin interrupción y confiando en la efectividad de su catálogo, el grupo encadena una veintena de canciones que brillan cada vez que llegan a sus estribillos. Temas como Wave of Mutilation, Vamos o la belleza de Monkey Gone to Heaven evidencian que Pixies no necesita apoyarse en la nostalgia para sonar como una banda vigente sobre las tablas. Aunque qué maravillosa es Isla de Encanta en español... o el clásico Where Is My Mind?.

De una portería a otra

Si te detienes a pensarlo, lo cierto es que un Mundial de fútbol tampoco se diferencia tanto de un festival. Sobre todo, teniendo en cuenta que la FIFA se ha obscecado en la instauración de las pausas de hidratación. Son dos minutos en mitad de cada uno de los dos tiempos que sirve a los jugadores para hablar con el entrenador y beber agua, pero que beneficia todavía más a las televisiones permitiéndoles incorporar segundos publicitarios de oro. Son pausas que observamos constantemente en los macrofestivales: tanto por parte de los artistas durante su concierto, como por los asistentes cuando cambian de un escenario a otro. Hay tantas porterías que, con carteles repletos de nombres que se solapan, uno ya no sabe a cuál mirar.

Una portería dispuesta a no dejar que entre ningún gol es la de Twenty One Pilots. Ya bien entrada la noche en Madrid, el grupo no tiene que hacer frente a ningún partido, pero Tyler Joseph sí que se acuerda: “Felicidades por vuestra victoria”. En su espectáculo no hay lugar para prórrogas o penaltis, tampoco para preocupaciones. La banda se hace con la audiencia al cantar Heathens, un tema que no hay quien no conozca a estas alturas sobre no juzgar a los demás. La versatilidad del dúo de Ohio resulta apabullante: ambos transitan con asombrosa naturalidad entre el hip-hop alternativo, el electropop y el rock.

La puesta en escena no requiere demasiado, pues apuesta por poca iluminación y hace uso de un micrófono fluorescente que sigue la misma atmósfera. No falta su hit Stressed Out para servir como la guinda del pastel, pero por faltar no faltan ni los petardos ni los fuegos artificiales. El concierto deambula de estruendo en estruendo y no permite a nadie quedarse dormido, aunque la música tampoco invita a ello. Más minimalista es el espectáculo de Interpol, que sucede de manera simultánea en el segundo de los escenarios principales. Sumida en un filtro blanco y negro, la banda se anima con canciones nuevas como Wings On Fire.

No obstante, ocurre algo bonito cuando el grupo echa la vista atrás. Una pareja descansa sobre el césped mientras escucha el concierto, que presumiblemente no ve por la infinidad de gente de pie que tiene delante. Sin embargo, en cuanto suena el primer acorde de Evils, la joven no se lo piensa dos veces y se levanta. No contenta con ello, ofrece sus brazos al chico para que se incorpore y no se pierda tampoco el que es uno de los momentos más especiales del show. Ambos disfrutan de la actuación en una escena que genera paz alrededor de tantas personas que utilizan sus móviles para grabar.

Aparte de la presencia de A Perfect Circle, grupo formado por el músico Billy Howerdel y el vocalista de Tool, Maynard James Keenan, que también cuenta en su séquito con James Iha, exguitarrista de The Smashing Pumpkins, la jornada destaca a la revelación Holly Humberstone. Sin apenas música pop en el cartel del viernes, el trabajo de la artista recuerda a la propuesta que ofreció Gracie Abrams hace justo un año, ensalzándola por la sencillez de su actuación, que otorga todo protagonismo a las letras. Más guerrera es Halsey, una “chica en la torre” que puede salvarse ella sola. Tanto, que se encarga de abrir la jornada con un sol que afortunadamente está oculto tras las nubes.

La cantante le echa agallas y hace un concierto reivindicativo que deja una pregunta: ¿por qué la industria se ha olvidado de ella? Halsey grita, domina el escenario y se lo pasa de lujo con el público. “Si estáis cansados ahora, ¿qué coño vais a hacer después?”, bromea refiriéndose a la gente sentada al fondo. “Levanta la mano si eres lesbiana”, dice a continuación para ganarse a su audiencia, que levanta la mano sin pensarlo. Su espectáculo no ignora tácticas cliché, como la que emplea durante la rockera Experiment on Me al invitar a los asistentes a agacharse para levantarse todos juntos durante el último estribillo. Aun así, funciona para abrir un viernes que deja felices a muchos: por lo menos, a los fans de la música y también a los del fútbol.

El sol de Lorde y la luna de Florence guían las constelaciones del Mad Cool

Francisco Gámiz — Fri, 10 Jul 2026 01:55:38 +0000

La segunda jornada del festival de música, protagonizada también por Jennie, Teddy Swims, Charlie Puth y Zara Larsson, ha estado marcada por el pop en todas sus formas

El rock de Foo Fighters ruge en la primera jornada de un Mad Cool que comienza contra Trump y con troleo de Arde Bogotá

Son como la luna y el sol y, sin embargo, ambas podrían convivir perfectamente en el mismo firmamento. Tanto, que parece que las dos controlan sus respectivos astros cada vez que sostienen el micrófono. La primera de ellas, Lorde, jamás había actuado en Madrid hasta este preciso día. No es casualidad, por ende, que el sol se resistiese a abandonar el cielo mientras la artista permaneciera sobre el escenario del Mad Cool, como si el único motivo de su existencia se justificase con iluminarla durante este concierto. Florence and the Machine, en cambio, ya conocía de sobra la luna de la ciudad, por lo que el escondite del satélite no hacía más que añadir misterio a la noche.

Aun así, también había planetas pululando por la segunda jornada del festival: Jennie, esta vez sin sus compañeras de Blackpink girando a su alrededor, llegaba dispuesta a poner el broche k-pop ante su enorme séquito de fans; Teddy Swims, por su lado, buscaba demostrar que el soul que triunfa en TikTok también puede hacerlo en directo; Charlie Puth, por su parte, que “debería ser un artista más grande”, y Zara Larsson, por la suya, que no hay fiesta si no hay pop chicle de por medio. Y cada uno de ellos ha intentado acometer su propósito a su manera —algunos con más fortuna que otros—, pero la sombra de un eclipse se ha cernido sobre ellos en el que ha sido el Mad Cool de Lorde y Florence Welch.

Antes siquiera de que los primeros indicios del atardecer se empezaran a percibir en el distrito de Villaverde, los acordes de Liability ya habían sonado bien alto en el festival. “Van a verme desaparecer en el sol / Todos me van a ver desaparecer en el sol”, ha cantado Lorde en un clásico que alude a una sensación de unidad con el universo. No es ninguna sorpresa: la artista ha dedicado mucho tiempo a comunicarse con la estrella madre. Lo ha hecho a través de cartas y, por supuesto, música. Una música que se adueña de cualquier espacio cuando el mito, esa cantante que evita las redes y escribe a sus fans por correo electrónico según el calendario natural, es quien sale a defenderla.

El concierto de la artista se llenó de magia desde el momento en el que la neozelandesa abandonó a Ella Marija Lani Yelich-O'Connor, la persona detrás de la icono, y se transformó en la guía de las miles de personas que la vitoreaban a escasos metros. Es algo que Lorde hace sin pretenderlo, puesto que siempre se ha esforzado por no ser ese tipo de referente, evitando los focos y el ruido mediático, y optando por vivir lejos de las alfombras rojas de Hollywood tras descubrir lo que conlleva la fama. En el escenario, no obstante, es capaz de cambiar todas las facetas de sí misma. Es lo que hace que uno no pueda cambiar la dirección de la mirada. Todas las pupilas le pertenecen.

“He sido el hielo, he sido la llama / He sido el premio, la bola, la cadena / He sido el dado, la bola mágica”, ha declarado Lorde en la interpretación de su exquisita Shapeshifter, perteneciente a su último disco, Virgin (2025). La canción es uno de sus himnos más recientes, una realidad que se nota cuando la gente recibe el final como la máxima de las confesiones de su ídolo: “No, no me afecta / Pero esta noche solo quiero caer”. Pero la fiesta no podía terminar sin las extraordinarias Supercut o Ribs, esta última interpretada mientras era arropada por la audiencia y daba la mano a los fans de las primeras filas.

El espectáculo de la artista ha estado marcado por las altas temperaturas, pero la religión que ha creado Lorde en torno a su trabajo ha sido suficiente para que cualquier gota de sudor mereciera la pena. “Hace mucho calor”, ha dicho Lorde en un perfecto español. Más adelante, la compositora ha aprovechado para criticar las gafas Ray-Ban Meta, patrocinadoras del festival, que sirven para capturar fotos y vídeos en primera persona, escuchar música y realizar llamadas sin usar las manos. “Cada vez es más difícil saber si algo es real. Ya no sabes si alguien lleva gafas de sol o si lleva esas jodidas gafas de mierda...”, ha alegado. Lorde, la diosa que de adolescente le añadió una 'e' al término masculino Lord para coronarse a su manera, invitó a sus seguidores a rezar... y claro que sus seguidores rezaron.

Sin embargo, si la religión permaneció en el recinto del Mad Cool es porque hubo más de una predicadora. La noche tiene ese sabor al misticismo de la iglesia, ese olor a lo sagrado de los libros. Y la noche tuvo como dueña a Florence and the Machine. La banda, capitaneada por la ya legendaria Florence Welch, ha estado hasta cuatro veces en Madrid, la última siendo en 2022 en el propio Mad Cool. No es de extrañar que apenas necesitaran de las estrellas, ocultas bajo las nubes durante gran parte de su actuación, ya que no hubo instante durante el concierto del grupo que la audiencia no estuviera sumida en una profunda hipnosis.

La sola presencia de Florence Welch sobre las tablas lograba cortar la respiración. Descalza y girando sobre sí misma como si fuese su último día sobre los escenarios, la británica destiló presencia en un espectáculo que calificarlo como tal se queda hasta corto. Lo de la artista es un homenaje a la música en todas sus formas. La inicial Everybody Scream ya era toda una declaración de intenciones: o gritas o gritas. Y no únicamente eso: “Todos a bailar / Todos a cantar / Todos a moverse”. Supuso un espléndido inicio antes de continuarlo con el himno Shake It Out, que todavía en 2026 sigue invocando las lágrimas de quien lo escucha. Así es el torbellino de emociones de la banda.

La cantante brilló con su tema Spectrum, aupada por una preciosa melodía de violín y piano que encendió los ánimos antes de provocar una pura catarsis colectiva durante Hunger, donde miles de personas respondieron al unísono con palmadas. No obstante, la misa de Florence and the Machine no podía acabar sin su respectiva comunión: Welch, dejándose caer de rodillas, se cargó de dramatismo en King para reclamar su trono. “No soy una madre, no soy una novia, soy un rey”, ha asegurado al alcanzar el estribillo de la canción. La devoción llegó a su punto de no retorno en What Kind of Man, un tema que explotó de forma salvaje tras la primera estrofa con un simple rasgueo del batería.

El ritual de la banda se consumó durante la puesta en escena de Rabbit Heart, cuando Welch invitó a los fans a subirse a los hombros de otros, llenando el horizonte de muchas cabezas sobre otras. No importaba que la persona de delante tapase durante varios minutos a la de atrás o que quienes se sostenían no se conocieran de nada, las canciones tienen estas cosas y su sacerdotisa sabía prender la mella de la magia como ninguna otra. Este es el refugio de la música contra la tormenta, y que haya quien lo saque a relucir con tanta proeza la misma jornada en la que ocurre el fallecimiento de la mítica Bonnie Tyler lo hace aún más valioso.

Un artista más grande

Canta Taylor Swift en The Tortured Poets Department (2024) que “Charlie Puth debería ser un artista más grande”. Como si quisiera demostrarlo, el cantante salió tras el teclado dispuesto a jugar con él como si se tratara de una mesa de mezclas. Es poco común ver a grandes estrellas cantar con las gafas de vista, pero el estadounidense parecía no querer perderse ni un solo detalle de lo que ocurría en el foso. Tras apenas un tema, se puso una gorra para afrontar el calor y recordó que, en efecto, había “pasado mucho tiempo” desde su última visita a la capital. En concreto, una década. Pese a ello, el público coreó de memoria su memorable We Don't Talk Anymore y respondió complacido a su show.

Menos gracia tuvo el espectáculo de Jennie, aunque no precisamente por su enorme producción. La integrante de Blackpink, uno de los reclamos más fuertes de la jornada, otorgó un concierto que quedará pronto en el olvido fuera de su base de fans. Apenas se la escuchó, con los coros sonando a todo volumen, y a sus bailes les faltó autenticidad. Era difícil creer lo que veías y no por admiración, sino por la pretenciosidad que derrochaba. Los fans, eso sí, hacían que el plato fuera más digerible gracias a su increíble pasión. La mayoría acudió con un martillo de corazón y estrellas, un tipo de barra de luz que se ha convertido en un accesorio fundamental para los seguidores de la banda, que utilizaron para iluminar el recinto.

El día también acogió el soul contemporáneo de Teddy Swims, soberbio en directo al desnudar su voz en la balada Some Things I’ll Never Know, y la purpurina de Zara Larsson. Esta última, ya considerada una diva del pop, se subió a un coche rosa sobre el escenario, se hizo un selfie con la multitud a sus espaldas y se escudó en sus coreografías para divertir a la audiencia. Aunque su fenómeno solo ha explotado en España con una o dos canciones, casi todo el público —y no había precisamente pocas personas— tarareó todos los temas, incluso los que no lucían interesados en su espectáculo —un ejemplo de la gran cantidad de asistentes extranjeros, que se encamina a alcanzar el 40%—. Ambos también dejaron huella como constelaciones del Mad Cool, que no han tenido mejor guía que la luz del sol y la luna de Lorde y Florence and the Machine.

Pablo Und Destruktion: “Hay identidad en la casita de Bad Bunny, pero ninguna conciencia de clase”

Francisco Gámiz — Sun, 05 Jul 2026 19:42:05 +0000

El músico y psicólogo social desentraña cómo la industria del pop de masas utiliza las canciones para jugar con nuestras emociones, destacando su importancia en la política y el relevo que ha intentado coger a la religión

Entrevista - Pepe Viyuela: “Las redes sociales ahora son tabernas infames donde lo mínimo que encuentras es un navajazo”

Antes, los pueblos antiguos subían a altares de piedra para arrancar corazones a sus enemigos y así ganarse el favor de sus dioses. Ahora, regalamos “corazoncitos” virtuales en la pantalla de nuestro móvil con la esperanza de que Internet nos devuelva un poco de cariño y nos cure la soledad. La reflexión la hace Pablo García (Gijón, 1984), musicalmente conocido como Pablo Und Destruktion, que lleva más de veinte años recorriendo carreteras con su guitarra a cuestas como trovador, pero a la vez es psicólogo social y ha estado dos décadas estudiando cómo funciona nuestra imaginación. Un análisis que le ha hecho darse cuenta de que, por mucho avance tecnológico que haya, los humanos seguimos respondiendo a los mismos rituales y miedos de siempre.

El también escritor ha plasmado todas estas reflexiones en Música de carne: Pop, seducción y sacrificio, una obra que invita a mirar la música de una forma totalmente distinta. No como un simple entretenimiento para bailar, sino como la herramienta de control mental más antigua que existe. Pablo Und Destruktion indaga en cómo la industria del pop de masas utiliza las canciones para jugar con nuestras emociones, engancharnos a través del cerebro y exprimir nuestro tiempo. Pero no solo eso: también la relevancia de la cultura en la política, el relevo que ha intentado coger a la religión y la cada vez mayor falta de conciencia de clase entre los artistas.

¿Cómo la tecnología ha ocupado el lugar que antes tenía, por ejemplo, la religión?

La canción esotérica trata de conmoverte por medio de la apertura de tu corazón, por el sentimiento. Cuando te conmueve, produce esa apertura. Pero una nana ya no está para dormir a un niño por medio de entrar en él y conseguir ese truco de magia. Ahora, una nana está para tener muchas reproducciones y mucha repercusión. La lógica cambia progresivamente hasta acabar siendo la de la tecnología, que tiene sus propios planes, como estamos viendo ahora con el desarrollo de las inteligencias artificiales. Es como construir una segunda naturaleza. Sin entrar en un juicio moral de si es bueno, malo o regular, nos permite estar hablando de estas cosas y volver a replantearnos qué conexión sutil y natural existe que nos conecta a todos sin falta de Internet.

¿Las nanas solo sirven ahora para hacer dinero?

Bueno, es que la música popular hasta hace muy poco sí era popular, realmente venía de abajo y, en todo caso, podía llegar hasta arriba cuando algún gran artista recopilaba canciones populares y hacía un disco como Johnny Cash, que de repente se internacionaliza y se vende por todo el mundo. Ahora, en cambio, se propone como música popular aquella que viene de arriba y va hacia abajo. La cuestión es visibilizar el poder que tiene la canción para con uno mismo y para con su entorno, sin necesidad de enmarcarla en un contexto ni político, ni mercantil, ni social. Se trata de ver cómo la canción transforma en ti y en tu entorno la percepción de la realidad.

La izquierda ha tenido más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha dejado ese poder cultural a la religión

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

La música es poderosa en la política.

Los políticos se pegan por controlar la cultura, como vimos hace unos días con Pedro Sánchez corriendo para ir al Primavera Sound. Y es importante porque genera amores y, por lo tanto, amos. Y tanto unos como otros, de un lado o de otro del espectro político, forman parte de un proceso que es mucho más orgánico. La izquierda sí ha tenido muchísimo más presente la importancia del control cultural que la derecha, que ha estado más torpe porque ha dejado ese poder cultural a la religión. Lo hemos visto estas semanas de Papa en Madrid y Primavera Sound.

Hay como cierta convergencia entre determinados postulados de la izquierda cultural y de la religión católica. Ahora parece que convergen porque tanto unos como otros quieren utilizar la idea del bien para gobernar y, de esta manera, decidir quiénes son los malos para poder así pastorear. A mí me parece interesante la cultura independiente, la cultura popular, lo contracultural, aquello que trata de salir de estas tendencias tan moralistas en el uso de la cultura. Normalmente, siempre que te dicen “esto es lo bueno”, es la antesala de que te digan “esto es lo malo, atácalo”. Si no quieres vivir en esas guerrillas, está bien utilizar todas las posibilidades que te da la música como canalización de tu propia ira, para luego poder relajarte como algo meditativo, como creación de lazos con personas con las que realmente quieres tenerlos.

Si la derecha ha tendido más a la religión, ¿cómo se explica el auge de la religión en la cultura?

En el acercamiento a lo religioso, como siempre, hay una parte sincera y otra que es de ampliación del campo de batalla mercantil y de meterse en parcelas en las que no se había atrevido a meter. Primero hubo un revival mágico, todo este rollo witch presente en Lady Gaga, Marina Abramović y tantísimos artistas de las últimas décadas. Pero, cuando eso ya empieza a estar agotado, te metes en el catolicismo para utilizarlo y transformarlo. También el catolicismo tiene esa capacidad: acogió a los dioses paganos y los integró dentro de su seno. Y ahora lo hace también con esto, por eso es una institución que sobrevive durante tantos siglos. Lo ideal de este revival mercadotécnico de lo religioso, más allá de los intereses mercantiles, es que traiga de vuelta lo verdaderamente artístico.

¿Falta más conciencia de clase en las canciones?

La conciencia de clase no es identidad de clase. Hay mucha identidad de clase, pero falta conciencia. Por ejemplo, Bad Bunny y la casita. Hay identidad de clase, pero, ¿qué conciencia de clase hay? Ninguna. Todo lo contrario, y ese es el problema de las identidades. Las identidades sirven para hacer exactamente lo contrario de lo que dicen. Si no hubiera sido por esta trampa de lo identitario, sería imposible algo como lo de la casita de Bad Bunny. La conciencia no es identidad, sino darte cuenta de que formas parte de un engranaje productivo en el que, organizándote colectivamente, puedes intervenir en él.

Una canción con conciencia de clase es una canción que llame a la huelga, por ejemplo, y que haga que esa huelga se realice para lograr una intervención directa en el sistema productivo. Y eso sí que falta. Más allá de la canción con conciencia de clase, un acercamiento artístico con conciencia de clase es el que hace que los sellos independientes sean verdaderamente independientes. Ahora casi nada lo es realmente porque llegas a distribuidores que no son independientes y no te queda otra que obedecer a fuerzas imperiales. TikTok, Instagram y Spotify lo son. ¿Uno puede mejorar las condiciones de la clase trabajadora de su comunidad si su comunidad es sierva a nivel internacional?

El hackeo del poder político está en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que nos dicen quién es el malo y a quién tenemos que atacar

Pablo Und Destruktion — Músico y escritor

¿Hasta qué punto Silicon Valley controla lo que escuchamos?

De una forma evidente, por eso vemos cómo todas las ideologías han cambiado desde que la tecnocracia ha entrado a jugar. La forma de salir de la polarización es entender que esa polarización no es más que el código binario de ceros y unos. Se ha utilizado la hipersensibilización de un espectro de la sociedad para que la izquierda abandone luchas obreras concretas, cohesión comunitaria basada en el trabajo y en el vecindario real, e ir así metiendo luchas identitarias para luego dárselas a la ultraderecha. Es lo que está haciendo ahora que en Francia uno de los mayores grupos de ultraderecha se llame Generación Identitaria.

La lucha por las identidades siempre es una lucha que va a favorecer a la derecha nacional, a la derecha étnica, que es al fin y al cabo la que están apoyando los tecnócratas. Tanto aquellos de Meta, que tienen una orientación más sionista, como Elon Musk y compañía, que tienen una orientación más propia del apartheid sudafricano, el supremacismo blanco y el imperialismo angloamericano. En el fondo son dos caras de la misma moneda. La cuestión es que tienen un monopolio tan grande que ya es imposible no llegar hasta el final del relato que nos han planteado. El hackeo de ese poder político está precisamente en salir de las lógicas que vienen dadas por otros y que siempre nos van a decir quién es el malo, a quién tenemos que atacar y de quién tenemos que tener miedo.

¿El devenir de la cultura siempre va a estar condicionado por lo que ellos decidan?

Siempre van a ir apareciendo personas que son conscientes de esos procesos y que luego son martirizadas y sacrificadas, como ha pasado a lo largo de la historia con múltiples figuras. La de Cristo es bastante evidente, pero con muchos revolucionarios ha ocurrido lo mismo cuando han sido capaces de generar el no imperio. El imperio es la voluntad de poder, de economía y la sed de sangre, mientras que el no imperio es lo que trata de resistir a esa deriva que trasciende lo ideológico, lo religioso y los siglos.

Ahora lo tenemos delante de los morros y lo estamos viendo, puesto que la corrupción política trasciende la ideología y la sed de sangre trasciende los imperios. Es una fase muy apocalíptica en la que estamos viendo el horror del poder político en todo su esplendor. Nunca se va a ganar, porque si se gana, entonces eres imperio. Entras dentro de la lógica imperial, como ha ocurrido mil veces. Entonces te corrompes y acabas montando la marimorena.

¿El silencio puede ayudarnos entre tanto ruido?

A mí me gustaría, y lo digo para pedírmelo a mí mismo para Reyes Magos. En el silencio habita un tipo de conocimiento que no está en otro lado, que no está ni los libros ni en los reels ni en los pódcasts ni en los gimnasios. Está única y exclusivamente en el silencio, y para tener ese silencio necesitamos tener la voluntad de no atender al resto de reclamos. Ese es el verdadero empoderamiento: que por mucho que te llamen, que por mucho que te chantajeen los medios de comunicación para que ames u odies a tal, seas capaz de conquistar ese centro de gravedad permanente. Es un silencio de ser consciente de ese centro y mantenerlo independientemente de los bombardeos ajenos que tengamos.

Luego, por supuesto, tratar de ir creando espacios seguros más allá de lo eclesiástico para que pueda haber ese tipo de escucha. Los pequeños conciertos, el underground y la música independiente es eso. No necesito gente, no necesito la gran fiesta. Puedo ir a ver un concierto para 15 personas, estar tranquilo y salir renovado y conmovido. La obra de arte puro todavía tiene la capacidad de llevarte a un lugar mental o espiritual en el que hay ese silencio, esa parada.

El drama del solapamiento de conciertos en los festivales: pagar por grupos que no podrás ver

Francisco Gámiz — Sun, 28 Jun 2026 20:09:56 +0000

La incorporación de numerosos escenarios en los macroeventos musicales provoca que el público no pueda disfrutar de todo el cartel por el que compró su abono: “Es como si te vendiesen una entrada para un partido de fútbol en el que solo puedes ver una portería”

Festivales a los que no les salen las cuentas: una veintena han sido cancelados este año por problemas de viabilidad

Llevas meses ahorrando, pagas los más de 150 euros que cuesta el abono de ese festival de verano al que tantas ganas tenías de ir y por fin sostienes la entrada en tu mano. El cartel promete a varios de tus artistas preferidos en un solo fin de semana y todo parece idílico. Sin embargo, unas semanas después, llega el jarrón de agua fría: la organización publica los horarios y las dos bandas por las que decidiste gastar el dinero tocan exactamente a la misma hora en dos escenarios situados en puntas opuestas del recinto. Se trata del temido solapamiento de conciertos, un drama frecuente en eventos de gran envergadura.

La música en directo ha pasado a encontrar su principal plataforma en los macrofestivales. Los más importantes de nuestro país llegan a incluir a más de 100 cantantes en su cartel, una cifra astronómica para únicamente tres o cuatro días de actuaciones que solo se logra llevar a cabo con la incorporación de varios escenarios, donde los intérpretes actúan a la vez. No obstante, hay quien lo considera incluso una “publicidad engañosa”. Entre ellos, Fran Checa, investigador de la Universidad de Almería, quien ha investigado el fenómeno de los festivales como reflejo de los nuevos paradigmas de ocio: “Te hacen la promesa de que podrás ver a tus 20 artistas favoritos y luego es imposible materializarla”.

“Es como si te vendiesen una entrada para un partido de fútbol en el que solo puedes ver una portería”, alega el experto a elDiario.es, declarando que un cartel de nombres infinitos supone que no exista la “posibilidad real” de que puedas disfrutar de todos ellos. Aun así, el comprador solo tendría derecho a reclamar la devolución del dinero en el caso de que el festival no hubiese informado de que ofrece shows simultáneos. Rubén Sánchez, secretario general y portavoz de Facua-Consumidores en Acción, advierte que “lo que ocurre es que, muy habitualmente, no te aclaran desde el principio quién va a actuar un día o quién va a actuar el siguiente”, siendo esta la clave del descontento.

De hecho, muchos festivales utilizan la táctica de poner a la venta las entradas sin anunciar a todos los artistas, empleando la supuesta baza de que quedan nombres fuertes por anunciar. “Crean hype y provocan que la gente compre con la expectativa de que puede que venga gente muy potente, pero igual no la acaba habiendo y se han gastado una pasta en una entrada”, dice Sánchez. “No han sido objeto de ningún fraude porque no les han dicho quiénes iban a ser los artistas, por lo que no están incumpliendo ninguna promesa, pero el consumidor tiene que poner pie en pared y frenar tomaduras de pelo de este tipo”, añade el principal responsable de Facua a este periódico.

El solapamiento en los conciertos se ha normalizado tanto que ha pasado a ser “parte de la experiencia”, como indica David Saavedra, periodista musical y escritor del libro Festivales de España (2022). Y no es reciente: ya en 1998, recuerda que le coincidieron la banda James y Sinead O'Connor en el Guinness Fleadh, que fue un importante festival de música irlandesa. “Ves el cartel con un mogollón de letras y te vuelves loco asimilando todo lo que hay. Es evidente que sabes que no lo vas a poder ver todo”, comenta. “Cuando iba al Primavera Sound, parte de la experiencia previa sucedía cuando se publicaban los horarios y alguien hacía un excel en el que se veía quién coincidía con quién”, afirma, reconociendo que ver los solapamientos que iba a haber ese año era casi como algo consustancial al festival.

Sin embargo, detalla que ese ritual era algo propio de los “frikis de la música”, que han pasado a ser una minoría en estos eventos. Ahora, los macrofestivales también triunfan por la experiencia que venden y no solo por los cantantes que componen su programación. No todo el público decide estar atento a los conciertos, ya que hay gente que se monta en las atracciones, se toma algún cóctel en las numerosas casetas del recinto u opta por disfrutar del ambiente. “Ha cambiado la mentalidad del público en ese sentido”, apunta Saavedra, pues hay quien “ya no se deprime tanto por el hecho de que coincidan dos de sus artistas favoritos”.

Un festival sin solapamientos

El problema se agrava porque la oferta de grandes artistas nacionales e internacionales se ha concentrado en estos eventos, por lo que los fans se ven obligados a asistir a los festivales para verlos y a compartir espacio con personas que no están realmente interesadas en muchas de las actuaciones, algo que antaño era lo fundamental de la cita. David Saavedra apunta que, en la actualidad, “a la mayoría de los grupos importantes solo los puedes ver en un festival”: “No vienen a España a tocar en salas o pabellones porque, desde hace muchos años, los festivales los contratan en exclusiva y la única opción es verlos allí”.

Aunque los solapamientos se han convertido en la base de los grandes festivales, lo cierto es que sí podría ser posible un evento de esta índole sin que haya diversas actuaciones a la vez. El quid del asunto reside en que no siempre existe interés comercial en llevarlo a cabo, ya que la burbuja de eventos obliga a las promotoras a competir mediante la acumulación masiva de artistas. En las dos primeras ediciones del Festival Internacional de Benicàssim (FIB), por ejemplo, no hubo coincidencias porque solo se montó un escenario. Por su parte, el Visor Fest, un festival de música de los años 80 y 90, está diseñado para quienes desean disfrutar sin solapamientos y sin correr de un escenario a otro.

Asimismo, hay otros modelos que demuestran que es perfectamente viable programar sin coincidencias con dos escenarios. Así lo ha hecho el Vodafone Paredes de Coura, en Portugal, desde su edición de 2024. El festival ha alternado el escenario principal y el secundario de manera que, cuando un concierto termina, el del otro escenario empieza de inmediato. Esto no solo permite al espectador ver todo el cartel sin perderse nada, sino que da a los técnicos el tiempo necesario para montar y probar los instrumentos de la siguiente banda mientras la otra está tocando.

En el caso de que sí se quieran utilizar más de dos escenarios, lo ideal sería que el festival mostrase la programación en el momento en que los abonos se ponen a la venta. Pese a que a nivel de producción sea difícil saber los nombres y fechas completas demasiado tiempo antes, David Saavedra valora que, “por contrato, es factible que se pueda saber con muchos meses de antelación la hora en la que va a tocar cada grupo”. No obstante, el experto alega que “probablemente se guarde el secreto para que no haya quejas y la gente no quiera devolver las entradas”.

Los nuevos “consumidores de bufé”

La masificación de los festivales ha transformado radicalmente el consumo cultural, haciendo que se asemeje al estilo de un bufé: estás 15 minutos en un concierto y corres al siguiente para no perderte nada. “Tener más posibilidades de elección genera la paradoja del consumidor de no saber si has elegido la mejor o la peor opción, ocasionando más estrés y ansiedad y quedando siempre insatisfecho”, cuenta Checa, que sostiene que esto se debe a la “factorización de la cultura”. “Habla muy mal de los tiempos en los que vivimos y de cómo consumimos cultura de forma voraz. Es como pasar de un reel a otro y otro. He visto a gente ir a un festival, grabar un vídeo e irse”, dice.

El público que huye de la masificación puede buscar refugio en el circuito de las salas de conciertos, que son las que realmente han sostenido a los artistas locales, pero estos recintos viven una situación de extrema debilidad económica. Saavedra explica que “las salas están en una situación de tal precariedad que no pueden competir con los festivales”, en tanto que “los costes de una gira de este tipo son tan grandes que van a salir perdiendo porque no dan los números”. Esto desencadena que los promotores tampoco se atrevan a llevar a sus cantantes de gira por salas, apostando en su lugar por los macrofestivales.

La verdadera salida, según comenta Fran Checa, está en la resistencia del público exigiendo “espacios más amables”. “La solución es intentar ser lo más sostenible posible y generar espacios verdaderamente respetuosos para todos: para los trabajadores, para los artistas y para nosotros como público”, afirma el experto, que recalca que se debe seguir apostando por “espacios en los que no prime la lógica capitalista y mercantilista”. Para él, “la esperanza es generar iniciativas interesantes que, aparte de cuidar el medio ambiente, cuiden también los espacios comunitarios y tengan transparencia económica”.

La verbena de Évole, La Bien Querida y Hinds cierra un multitudinario FIC en Rivas que intentó cancelar la derecha

Francisco Gámiz — Sat, 27 Jun 2026 22:55:13 +0000

La Plaza de la Constitución del municipio acoge tres espectáculos que llevan más allá el jolgorio y la celebración para recordar a las mejores fiestas de barrio

El festival que se impuso a la censura y consiguió reunir en torno a la cultura a miles de personas en Rivas

Unos palillos se deslizan entre los dedos de un músico en un rincón del escenario. Durante muchísimos años, esas manos han sostenido herramientas manuales y equipos mecánicos en un taller de coches. Esta noche, en cambio, Jesús Salas se aferra a sus dos palillos y hace de estos la chispa que desencadena la tormenta. El artista, que acabó dando nombre a Los Niños Jesús, forma parte de un grupo que cree con convicción que la música es capaz de coexistir junto a otras profesiones. Para prueba, su líder, Jordi Évole, que demuestra en Rivas que es posible cambiar las preguntas difíciles por las canciones de toda la vida.

“Estoy probando en esto de la música porque con un cambio de Gobierno me podría ir a la mierda”, dice entre risas el periodista. Junto a Salas y Évole se encuentran Jacob Carrasco, Juan Carlos Patrón, Javi López y Óscar Huertas, quienes forman una banda de amigos que parece saber mejor que nadie los principales requisitos para divertirse. Hacen gala de estos nada más sonar el primero de los acordes, puesto que logran que personas de todas las edades se agolpen en la Plaza de la Constitución en un ambiente que recuerda a las mejores fiestas de barrio. Desde familias con niños pequeños hasta grupos de jóvenes con sus refrescos, toda la zona está abarrotada para despedir el FIC.

El nostálgico y divertido repertorio de Los Niños Jesús devuelve el brillo a himnos como Pacto entre caballeros de Joaquín Sabina, Escuela de Calor de Radio Futura o Marta, Sebas, Guille y los demás de Amaral, canciones que demuestran su poder atemporal al ser coreadas a todo pulmón por los espectadores. Évole lo pone todavía más fácil, puesto que es muy difícil no querer sumarse a su celebración cuando parece que incluso el escenario se le queda pequeño. Ya sea dando palmadas que el público no tarda en replicar o apostando por hits más reconocibles por los adolescentes como El Fin del Mundo de La La Love You, el grupo se propone con éxito que nadie se quede sin bailar.

Todo está permitido en la verbena de Évole y sus amigos. Todo, que hasta el periodista comienza su espectáculo con la equipación de La Roja. “¿Qué pasa? ¿Que los de izquierdas no podemos ir con España o qué?”, declara para despertar el clamor de la plaza de Rivas, a la que se mete en el bolsillo bastante rápido. El músico, que reconoce que llevaba mucho tiempo queriendo formar una banda de rock, puede darse por satisfecho tras un espectáculo al que todo el mundo está entregado. “Si yo lo he podido hacer y cumplir así mi sueño, vosotros lo podéis hacer también”, apunta Évole, que transmite a la perfección su unión con Jesús Salas y el resto de amigos.

Los palillos de Salas, de hecho, recuerdan también a los pinceles de La Bien Querida. Antes de convertirse en un referente en el pop independiente español, la cantante era Ana Fernández-Villaverde y se dedicaba a la pintura. Cualquiera podría pensar que poco queda de ese talento en la intérprete que toma el relevo de Jordi Évole y su grupo para ofrecer a Rivas un espectáculo más minimalista, pero lo cierto es que es algo que queda intrínseco en ella. “Todas las artes sirven para sacar lo que uno tiene dentro y, a mí parecer, tienen un punto de conexión. El creador saca sus miedos, sus frustraciones, sus deseos...”, contó a elDiario.es en 2022.

Y todos sus miedos, frustraciones y deseos inundan la Plaza de la Constitución de Rivas en el que es un precioso homenaje a la verdad. Tanta verdad que, si por algo consigue brillar la artista, es precisamente por la honestidad de sus letras. “Todo el mundo tiene restos de sueños / Y regiones de la vida devastadas / Todo el mundo tiene una infancia / Que resuena en las esquinas de su casa”, canta la artista en su presentación de Los jardines de marzo, uno de los temas más emotivos sobre el escenario y un punto de inflexión para el resto del concierto, que va metiendo a más y más gente dentro de su particular narrativa.

El fervor de la actuación de La Bien Querida llega con la interpretación de algunos de sus clásicos, como De momento abril o Dinamita. Sin embargo, la gente se conoce también las canciones de su último disco, LBQ. El mejor ejemplo es el de Bar Dixie, con su ya icónico “No sé cómo decirte lo mucho que me gustas tú”. Aun así, la artista tenía guardada para el final una de las grandes sorpresas, que es su atractiva versión de Porque te vas de Jeanette. Probablemente porque no hay persona que no se sepa esa canción y porque la gente está absorta en el espectáculo y no quiere que La Bien Querida abandone el escenario, la cantante regala así una despedida por todo lo alto.

La segunda jornada del FIC finaliza con el DJ set de Hinds. Carlotta Cosials y Ana Perrote, las almas detrás del dúo, han conquistado la escena musical global llevando su inconfundible garage rock a escenarios tan imponentes como los de Glastonbury o Coachella. Aunque Perrote no acompaña en esta ocasión a su compañera, su sonido también hace mella bajo la luna casi llena de Rivas, derrochando energía y actitud con su destreza en la mesa de mezclas. Un éxito tremendo pese a que el PP intentara cancelar el festival a tan solo unos días de la inauguración del mismo.

Una jornada de reflexiones y canciones

El ambiente festivo y cercano que se respira en los conciertos no contrasta con los debates profundos que se han desarrollado en ese mismo espacio pocas horas antes, puesto que la música no deja de ser otra forma de reivindicación. El propio Évole, que pone el broche de oro con su show, se subía a ese mismo escenario por la mañana acompañado por la periodista Silvia Intxaurrondo y el director de este medio, Ignacio Escolar, para analizar los grandes retos a los que se enfrenta la sociedad actual y, en particular, el mundo de la comunicación.

En ese encuentro se ha debatido sobre la enorme saturación de información que sufren los ciudadanos en su día a día. Ante semejante avalancha de datos y ruido en las redes, la tarea principal del periodismo riguroso es pararse a explicar qué es verdad y qué no lo es. “No es normal que el señor que nos explicaba de dónde venían los ovnis ahora nos esté explicando la corrupción del país”, ha ironizado Évole en alusión al espacio de Iker Jiménez. Asimismo, también ha alegado que, en el ejercicio del periodismo, “es muy importante la resistencia a las grandes corporaciones”. “No dejar amedrentarnos por los que quieren que estemos callados, nosotros y vosotros”, ha declarado.

Lucía Solla Sobral, en el FIC: “La precariedad te lleva a no poder dejar una relación por no tener a donde ir”

Francisco Gámiz — Sat, 27 Jun 2026 20:07:33 +0000

La autora de 'Comerás flores' ha aprovechado su conversación en el Festival de las Ideas y la Cultura para acercar al público la experiencia de mujeres que sufren violencia machista

‘Un Tema al Día’ sube el monstruo de la vivienda al escenario del Festival de elDiario.es

Es fácil identificar la violencia cuando viene acompañada de gritos, portazos o amenazas explícitas, pero reconocerla se complica cuando llega disfrazada de atenciones constantes o una buena relación con el entorno de la víctima. Dispuesta a desarmar los mecanismos invisibles de la sumisión y a reivindicar la importancia de dar voz a quienes sufren maltrato, la escritora Lucía Solla Sobral ha puesto el foco en los límites del dolor y la supervivencia emocional sobre el escenario del Festival de las Ideas y la Cultura en Rivas. “Siempre nos hacen creer que somos las responsables como si no hubiese un agresor, y eso genera mucha culpa y vergüenza. Lo silencia”, ha declarado.

La autora de Comerás flores (2025) ha aprovechado la conversación con Laura García Higueras, redactora de Cultura, para acercar al público la experiencia de mujeres que han sufrido violencia machista. Es algo que hace en su novela a través del personaje de Marina, pero para ello tuvo que documentarse previamente con personas que han pasado por ello. “Creen que son las únicas que están pasando por eso y se sienten tontas al creer que están solas, pero, en cuanto empecé a observar comportamientos, me di cuenta de que los de ellos se repiten muchísimo. Parece que hay un manual no escrito para ser un maltratador”, ha detallado la escritora.

Asimismo, Solla Sobral ha señalado que el sentimiento que se repite en las mujeres es el de “culpa”, lo que la impulsó a escribir la obra “con mucha rabia”. Durante el proceso, la autora se dio cuenta de que sobre la víctima no solo afecta la violencia del abusador, ya que la clase social también tiene un papel importante. “La precariedad influye en el hecho de que cuando quieras irte de una relación, no puedas hacerlo porque no tener a donde ir, no solo porque el agresor fue capaz de romper tu red, sino porque quizá no tienes dinero para alquilar un piso”, ha apuntado, añadiendo que, “cuantas más herramientas tengas, va a ser más fácil detectarlo a tiempo o salir, pero no es igual salir de una relación si no llegas a fin de mes que si tienes mucho dinero”.

Por otro lado, la escritora ha explicado cómo las series y las películas, independientemente de su época, pueden repercutir en la normalización del machismo. “Hay mucho contenido que todavía perpetúa ese amor romántico que te da a entender que es la solución a todos los problemas, haciéndote ser de una forma que no eres”, ha contado la autora de Comerás flores. Su novela propone un discurso diferente: “Siempre se dice que la escritura es terapéutica. Me divertí mucho escribiendo porque me lo paso genial con la escritura, pero lo que sí está siendo terapéutico es la lectura. Que las mujeres lo lean y se sientan refugiadas o comprendidas hace que todo esto sea bienvenido”.

Las consecuencias de la bulimia

Entre las consecuencias de quienes sufren violencia de género está la bulimia, uno de los temas esenciales de la obra. “En una relación de maltrato las mujeres son más propensas a sufrir un TCA. Es terrible la cantidad de tutoriales que consiguen saltarse las normas de las redes y que te dan trucos para vomitar. Tenemos la imagen social de que quienes sufren TCA son adolescentes y víctimas de las redes sociales, pero hay personas con 40 o 50 años que estamos a un paso del TCA. Si piensas en la comida como un premio o una compensación, algo está mal, pero es tan sutil que no pensamos en ello”, ha argumentado Solla Sobral. Esto se suma “que te dejen sin energía como superviviente”. “Nos movilizamos menos porque llegamos a casa derrotadas”, ha indicado.

Además de la bulimia, la escritora ha puesto énfasis en la gente que se queda a un lado porque no sabe gestionar que un ser querido esté pasando por esto. Esas personas son la familia y las amigas, y no siempre conocen que una situación de violencia machista está ocurriendo. “Quería mostrar cómo un maltratador no es tan evidente aunque desde fuera lo parezca, puesto que no sabes nada de esa persona, no lleva un letrero ni es un maltratador las 24 horas del día. Y no solo conquista a la pareja, también al entorno, por lo que la gente no tiene por qué sospechar”, ha dicho. “La única forma de entender que algo va mal es ver cuánto está adelgazando la víctima, pero como socialmente está bien vista la delgadez, nadie lo ve raro”, ha agregado.

En un momento del encuentro, Estefanía, una espectadora, ha intervenido para preguntar a Lucía Solla Sobral sobre por qué la amiga de Marina desaparece. Ella montó un club de lectura en 2024 y, algo que hicieron para ellas mismas, acabó siendo para una veintena de personas. “Tenía ganas de saltarme la realidad y que hubiese esa heroína que te prepara para el final de la película, pero es que no funciona así”, ha contado la autora. “Contraté un psicólogo para trabajar en el personaje de Marina. A él le llegué a preguntar qué podemos hacer como amigas la solución es esperar. Pasarte 12 años a que tu amiga logre dar una señal para que puedas decirle que estás ahí y que no las vas a juzgar... Para ellas es más fácil huir de ti que afrontar esa realidad”, ha añadido.

Una de las experiencias más bonitas de Solla Sobral ha sido la de llevar Comerás flores a la prisión, por lo que la artista ha animado a sus compañeros a ir a prisiones porque lo considera “fundamental”. “[Los reclusas] están muy solos, abandonados. Te vas de allí sintiendo que no haces lo suficiente, pero fue muy especial. En un club de lectura con 20 hombres, ver cómo entendían la lectura y cómo empatizaban o no juzgaban a la víctima fue increíble”, ha comentado la escritora. “En el caso del grupo con las mujeres también fue maravilloso, pero me fui con bastante tristeza. Cuentan sus historias, lo que vivieron, y te vas con el corazón encogido”, ha declarado, destacando que “e importante que no nos olvidemos de que también existen y de que tienen voz”.

Tras el éxito de la obra, la autora ha confesado que no piensa mucho en el buen recibimiento que ha tenido. “Lo escucho, pero lo olvido”, reconoce. “No me paro a pensar en todo lo que está pasando porque entonces no lo disfrutaría y me volvería loca”, ha alegado, pero piensa aprovechar la “suerte” que ha tenido en su incursión en el mundo editorial. “Por supuesto que hay una parte de esfuerzo y de saber escribir, pero hay una parte de suerte: que el editor abra ese correo, que decida leer ese manuscrito... Hay muchos componentes que van más allá del trabajo”, ha explicado. “Lo más difícil, que es ese primer paso, ya está dado, pero lo más difícil es hacer una carrera de esto. Lo voy a intentar”, ha sentenciado.

El rock de Ariel Rot convive en Rivas con el gamberrismo de Señora! y las mezclas de Inés Hernand

Francisco Gámiz — Fri, 26 Jun 2026 22:11:02 +0000

La primera jornada del FIC ha dejado referencias a leyendas de la música e incluso ha servido como ejercicio de resistencia y reivindicación

Ignacio Escolar, en la inauguración del FIC: “El intento de cancelación de este festival es un aperitivo de lo que viene”

Si la música es un acto de reivindicación política, la Plaza de la Constitución de Rivas ha sido testigo de cómo las canciones pueden transformarse en memoria colectiva, resistencia y espacio de encuentro ciudadano. Ni siquiera las altas temperaturas de junio han conseguido frenar lo que ha sido un ejercicio de celebración y también de protesta. “Estamos hasta las narices de que opinen de nuestros cuerpos”, ha clamado Rocío Zarzalejos desde el escenario de la nueva edición del Festival de las Ideas y la Cultura. Y lo ha combatido con una de las grandes actuaciones de la jornada.

Electrizando las últimas horas de calor con su peculiar jugueteo con el punk, el grupo Señora! ha abierto los conciertos de la primera jornada del festival. Lo ha hecho con un divertido espectáculo que recuerda a otras bandas como Cariño o Marlena y que ha culminado con una excelente interpretación de Guapa de cara. El tema, un canto al empoderamiento femenino, responde a los comentarios que se pueden leer constantemente en redes sociales sobre los cuerpos de las mujeres. “Estoy ya muy cansada y también cabreada / De esas frases de mierda que ya no dicen nada”, ha cantado el grupo ante una audiencia enganchada desde la primera canción.

El grupo ha interpretado temas inéditos como Mejor, una pista “para cuando has tocado fondo y empiezas a ver la luz”. “Yo que quería ser la reina del lugar / Y, a veces, no tengo fuerzas ni para hablar”, confiesa Señora! en el tema, aupándose por la guitarra eléctrica de María López Villodres, los agudos de Marta Santo y la batería de Luke Larraona. Asimismo, cargada de energía ha sido su interesante versión de A mí ya me iba mal de antes de Aiko el grupo. Aunque el inicio es tranquilo y casi a capela, pronto la banda rompe para regresar al sonido más potente que ha absorbido la mayor parte de su actuación.

A la fiesta del FIC se ha unido Ariel Rot, el que fuera fundador de grupos como Tequila y Los Rodríguez, que ha regalado a Rivas un repertorio que ya es historia del rock español. Su propuesta ha empezado con Vals de los recuerdos, que narra su exilio desde Argentina a España en el verano de 1976. “El frío agosto del 76 fue la fecha elegida / Pero, al final, nadie nos vino a buscar ni a darnos la bienvenida”, canta el artista. En la misma línea del paso del tiempo y la memoria, el cantante ha ofrecido su tema Hoja de ruta, que comienza así de contundente: “En silencio por el recuerdo de los amigos que ya no están / Si no volvemos a casa, se acumula el equipaje”.

Sobre el escenario han sonado clásicos de Ariel Rot como Dos de corazones o incluso ha habido referencias a otras leyendas de la música. “Muchos de los que están hoy aquí conocen al señor Moris. ¿Se acuerdan de él? Inolvidable”, ha declarado el artista. A continuación, ha interpretado Bruma en la castellana, que evoca la atmósfera nocturna y madrileña retratada por Moris en sus canciones más memorables. El tema hace mención a lugares icónicos de la ciudad como el estadio Santiago Bernabéu, el barrio de Chueca y, como indica el título, el área de la Castellana.

La noche también ha tenido guiños para el Mundial, pues la Selección Española juega contra Uruguay esta madrugada y Ariel Rot no ha querido dejar escapar la oportunidad de desear suerte al equipo. Sin embargo, los gritos estaban reservados para Baile de ilusiones, Mucho Mejor o Me estás atrapando otra vez, un himno que ha cerrado el propio público cantando el icónico verso “Nunca me podré alejar de ti”.

La jornada ha terminado con Inés Hernand en la mesa de mezclas, una cita que ha empezado por todo lo alto con los primeros acordes de Berghain, una de las canciones más emblemáticas de Lux de Rosalía. No es la única diva del pop de nuestro país que ha sonado durante su puesta en escena, pues la DJ también se ha acordado de Superestrella de Aitana o hasta del Asereje de Las Ketchup. No obstante, también han tenido hueco clásicos de la rumba flamenca como Bamboléo, el tema que lanzó a la fama mundial a los Gipsy Kings en 1987, o Estrellita de Madrugada, el popular merengue interpretado por Omega “El Fuerte” y Daddy Yankee.

Los chistes contra Franco que usan el humor como herramienta de memoria histórica: “Fueron una venganza oculta”

Francisco Gámiz — Fri, 26 Jun 2026 19:48:14 +0000

La propuesta, que corre a cargo del historietista Darío Adanti, el artista Eugenio Merino y la actriz Eva Redondo, ha llevado al FIC los chascarrillos de la dictadura franquista para convertirlos en un arma de resistencia

Ignacio Escolar, en la inauguración del FIC: “El intento de cancelación de este festival es un aperitivo de lo que viene”

“Franco visita el Principado de Andorra, el pequeño país vecino, y allí saluda a todos los ministros. Cada uno, antes de estrechar la mano del dictador español, le anuncia su cargo. 'Aquí, el ministro de Economía'. 'Aquí, el ministro de Educación'. 'Aquí, el ministro de Guerra'. Al llegar a este último, Franco no puede disimular una sonrisita. Se vuelve a su ayudante y le comenta: 'Pero ¿un país tan pequeño para qué necesita un Ministerio de Guerra?'. Su ayudante le responde: '¿Y nosotros, general, para qué necesitamos un Ministerio de Justicia?'. Así reza uno de los chistes que han inundado de carcajadas el Auditorio Pilar Bardem de Rivas.

La broma forma parte del espectáculo Chistes contra Franco, uno de los más esperados de la nueva edición del Festival de las Ideas y la Cultura, que supone un inteligentísimo homenaje a quienes se jugaron la libertad recurriendo al humor para desafiar la dictadura franquista. La propuesta corre a cargo del historietista Darío Adanti, fundador de Mongolia, el artista Eugenio Merino y la actriz Eva Redondo, que recuperan los chascarrillos populares que se contaban en la clandestinidad durante el régimen en un acto de memoria disidente.

Así dice el primero de ellos, seleccionados de entre todos los que se escucharon en España durante la dictadura franquista y la Transición: “Un gobernador civil visita un instituto de enseñanza a los dos años de terminar la guerra. Interroga a los alumnos que en el bachillerato estudian la nueva asignatura Formación del Espíritu Nacional. El gobernador civil pregunta a uno de los alumnos: '¿Quién es su padre?'. '¡Franco!', responde el chaval. '¿Y quién es su madre?'. '¡La Falange!', responde el crío. 'Bien', sonríe el gobernador. 'Y a ver, chaval, ¿qué quieres ser de mayor?'. Y el crío responde: '¡Huérfano!'”.

“El humor supuso una venganza oculta frente al poder onmipotente y una crítica radical a la figura del dictador”, se ha señalado al comienzo del evento. Después, Adanti ha ido recitando algunas de las ocurrencias más divertidas de la época, estructurándolas por temas y cronología como la vida matrimonial del dictador, su ascenso al poder o su evolución en la política, y ha aprovechado la crítica con ingenio que hacen de la figura de Franco para convertirlas en una arma de resistencia. Teniendo en cuenta que sus autores tuvieron que mantenerse anónimos y que es posible que hubiera quien fuera castigado por alguno de estos chistes, se torna todavía más relevante traerlos ahora de vuelta.

Las bromas sobre los abusos del franquismo han estado acompañadas de la intervención de Eva Redondo, que se ha encargado de contextualizarlas con documentos y textos históricos que recuerdan la violencia del régimen. “¡Justicia!”, ha gritado uno de los asistentes tras una de las explicaciones de la dramaturga. Entre ellas, la intensa propaganda del dictador dentro de su estrategia de control social y represión, ya que Franco “fue consciente del valor instrumental del sello postal como un medio en el que podían configurarse mensajes ideológicos”.

El primer sello de Correos con la cara de Franco apareció en 1939 y mandaría a hacer nuevas versiones en 1955. Su imagen contribuyó a la construcción simbólica de la autoridad e intentó legitimar así la violencia al régimen. Y, de ahí, otro de los chistes: “Marchaba Franco por una calle cuando una apisonadora lo atropelló y le pasó por encima. El asustado conductor paró la máquina y le dijo a su ayudante: 'Baja rápido y mira la calzada, que creo que hemos aplastado algo'. El otro se apea, corre hasta detrás de la máquina, mira detrás del último rodillo y regresa a su puesto tranquilo: 'No, no ha sido nada, era solo un sello'”.

Todos los chascarrillos aparecen en el libro Los chistes de Franco, editado por P. García en 1977. El volumen se describe como un recopilatorio de aquellos que fueron “populares” y, entre los que se plasman en sus páginas, algunos fueron ocasiados por la larga y dura posguerra marcada por la miseria y el hambre que vivió España. “En cierta ocasión, Franco vuela sobre España acompañado en el avión por sus familiares más directos. Sobrevuelan pueblos y aldeas. Entonces, tiene una idea: '¿Qué te parece, Carmen, si ahora mismo cojo mil pesetas y los tiro por la ventanilla? Pueden caer en un pueblo y encontrarlas alguien. Habríamos hecho felices a un español', dice a su mujer”, cuenta el chascarrillo.

El chiste sigue así: “Doña Carmen mueve la cabeza asintiendo, pero sugiere una cosa mejor: 'Oye, Paco, ¿y si en vez de tirar un billete de mil tiras dos de 500? Lo encontrarán dos personas y entonces harás felices a dos españoles'. [...] Entonces el piloto, que ha escuchado y guardado silencio, propone: 'Yo tengo una idea mejor, excelencia. ¿Por qué no se tira usted del aparato y así hace felices a todos los españoles?'”. Hasta los hay con más connotación sexual. “Franco y su mujer están acostados en la cama. El caudillo duerme a pierna suelta, pero su esposa se encuentra desvelada por el picotazo del gusanillo sexual. Doña Carmen se le acerca y le susurra: 'Anda, Paco, ¡vamos a joder!'. Y Franco salta de la cama, corre a su despacho y se pone a firmar sentencias de muerte”, narra otro.

Un viaje hasta los últimos días del dictador

El espectáculo también ha repasado la historia de la pena de muerte de España, que vivió un proceso extraordinario en la dictadura con las 50.000 ejecuciones desde el 1 de abril de 1939 hasta 1950. “Lo peculiar es que, una vez finalizada la guerra, España prolongó los signos más brutales de lo que se consideraba incivilizado. La represión franquista de posguerra siguió atormentando y destruyendo la vida de millones de ciudadanos. Franco convirtió una institución penal excepcional, la pena de muerte, en un instrumento de guerra, terror, exterminio, castigo y venganza”, lee Eva Redondo.

Asimismo, casi medio millón de exiliados abandonaron forzosamente su tierra por el avance de las tropas de Franco y los pocos que regresaron antes de la muerte del dictador se encontraron con una realidad de persecución política y marginación social. También hay chiste para esto: “Un español vuelve a España al cabo del tiempo y charla con un familiar. '¿Y por aquí cómo estáis?', pregunta. 'Bah, no nos podemos quejar', le responden. 'Ah, entonces bien, ¿no?'. 'No, no, que no nos podemos quejar'”.

Ya hacia el final del acto, se abordaron los últimos días de vida del dictador. “Franco, a punto de morir en el hospital, se le aparece San Pedro y le dice: 'Francisco, que le dejo aquí las llaves y ya sube usted cuando le venga bien'”, dice una de las bromas que recita Darío Adanti. “En sus últimos días, Franco está internado en la habitación de la residencia de La Paz. Está en coma, entubado con el respirador artificial, con el reanimador cardíaco, bolsas de plasma, tubos de anestesia... Entonces, para sorpresa de todos los presentes, Franco abre los ojos, ve tubos por todas partes y dice: 'Queda inaugurada la decimoprimera feria nacional del plástico'”, reza el siguiente chiste. Y así concluye otro: “¿Cómo llaman a la carretera de El Pardo? La feria, porque al final está el tiovivo”.

Los chistes contra Franco llegan a Rivas y forman parte del FIC gracias al apoyo del Comisionado para la celeración de los 50 años de España en Libertad.

Hidrogenesse felicita el 87 cumpleaños a Álvaro Pombo con su nueva canción ‘Yo dije la verdad’

Francisco Gámiz — Tue, 23 Jun 2026 10:08:25 +0000

El icónico dúo, que ya celebró el año pasado la efeméride del escritor cantando una de sus poesías, publica el tercer avance de un disco que homenajea su literatura

Kase.O: “Si eres facha no puedes escuchar rap porque es un movimiento antifascista y antirracista”

Álvaro Pombo cumple hoy 87 años y el icónico dúo de pop electrónico Hidrogenesse ha puesto la guinda del pastel a la celebración. Lo ha hecho con el lanzamiento de Yo dije la verdad, una canción en la que homenajea al célebre escritor y académico de la RAE que fue galardonado con el Premio Cervantes en 2024. El tema forma parte del próximo proyecto de Genís Segarra y Carlos Ballesteros, en el que viajan a través de poemas del autor para darles vida musicalmente.

“Es raro que la gente lea poesía porque tiene el bloqueo de que es alta cultura”, explica Genís a elDiario.es. “Mucha gente dice que no sabe leerla o que solo les gusta una cita concreta. Pero la poesía nació siendo una expresión oral y tiene algo intrínseco que, si lo devuelves a la oralidad, hace que sea más fácil de comprender porque la estás escuchando”, alega el artista. Este cuenta que la poesía de Álvaro Pombo es “muy declamativa”: “Parece hecha para que Pombo la declame, exagerando todos los giros y cambiando el tono cada tres versos”.

De hecho, eso es lo que Hidrogenesse trata de lograr con este homenaje al escritor. “La manera de acercar la poesía de Álvaro Pombo a la gente es declamarla. Está hecha para eso: no es una poesía muy hermética o cerrada, está muy viva, es muy exagerada y muy echada pa'lante”, declara Genís Segarra. Esta canción, aupada por flautas, violines y tambores, utiliza como texto un fragmento del poema Variación 15ª de su libro Variaciones (1977), que consiguió el Premio El Bardo de poesía ese año.

Aunque el poema no tenga una métrica muy musical al estilo del Romancero, sí que el dúo considera que tanto el texto como la estructura era muy “cancionable”. “Este en particular tiene una estructura que repite siempre lo mismo, pero ampliando el sentido y haciéndolo más profundo hasta decirte la verdad”, señala Genís. “Una verdad que es que uno no existe, que uno no es el centro del universo”, agrega el músico. El tema se asemeja a su canción Disfraz de Tigre, que recurre a una estructura parecida.

El proyecto, cuya publicación puede esperarse para este año, utiliza poemas que han sido elegidos cada uno por un motivo distintos. Algunos han sido seleccionados por lo bien que suenan en voz alta, mientras que otros por el significado de la letra. Esto les ha dado “libertad” para componer un disco en el que no solo tuvieran que decantarse por un poema, pues de esta forma han podido decantarse por varios del escritor. “Es mucho mejor porque te da más libertad para crear y para imaginar música diferente para versos diferentes”, indica.

Hidrogenesse ha bromeado en Instagram con la manera en que los oyentes pueden compartir Yo dije la verdad en redes sociales, proponiendo una posible descripción: “Está muy bien. Nadie hace música así”. El dúo, además, presentará el álbum con dos conciertos que ya tiene programados: el primero de ellos será el 30 de octubre en la sala Cat de Gràcia de Barcelona y el segundo tendrá lugar el 14 de noviembre en la sala Villanos de Madrid. Entre las canciones que podrán escucharse, los adelantos ya publicados Imaginado es todo y A la muerte.