Susana Abaitua no teme decir que le dio miedo interpretar a la protagonista de El último mono. Lleva el suficiente tiempo en esto para saber que la línea que separa la comedia de la defensa es, a veces, muy fina. Por eso quiso asegurarse de que esta comedia, que protagoniza junto al cómico y actor Juan Dávila, no jugara a la ambigüedad. Al ‘ni machismo ni feminismo’ que, por desgracia, sigue presente en muchas capas de la sociedad. La imposible historia de amor entre una cómica feminista y un youtuber de la fachosfera solo podía darse si el que cambiaba, si el que quedara en el foco, fuera el hombre machista.

Lo tenía claro, lo trasladó y al final saltó a la piscina para hacer esa comedia loca que le apetecía. Una que le venía bien para quitarse también el peso de un drama como el de Un fantasma en la batalla, donde como infiltrada de ETA en el filme de Agustín Díaz Yanes logró su primera nominación al Goya. Su cambio de registro la confirma en su solidez como una representante de una generación de actrices que rompen con prejuicios, clichés y que hablan sin miedo de todo.

¿Qué pensó cuando leyó el guion de esta comedia?

Este guion me llegó porque me llamó Fernando Bovaira, productor y me dijo: “Tengo este proyecto y me gustaría que lo hicieras, quiero que lo leas”. Tenía mucho interés en que lo hiciera una actriz comprometida con el feminismo. También para hablar, para modificar si había que modificarlas… Entonces, al principio, fue un poco de susto. Es verdad que luego vi que estaba escrita por Joaquín Oristrell y Yolanda Serrano, y con Joaquín Mazón como director. Tuvimos varias reuniones de guion, yo dije algunas cosas, hablamos un montón y luego me apetecía tirarme a la locura de una comedia. Yo había hecho ya Loco por ella, pero es una comedia más feelgood movie con su drama debajo, y venía de hacer mucho drama. Yo en mi vida soy supergansa y creo que es algo que no he enseñado como actriz.

Siempre se dice el topicazo que hacer comedia es mucho más complicado.

Es muy difícil. Para mí era un reto este personaje. Yo no quería pasarme y no tener verdad. Pensaba en cómo, desde la verdad, iba a encontrar la comedia. Y también te digo, cuando yo veía a Joaquín [Oristrell] meado de risa en combo… [el monitor para seguir el rodaje].

Lo ha mencionado, que escriben Oristrell y Yolanda García Serrano, dos de los popes de la comedia en España, que siempre dicen que la comedia es la mejor forma de hablar de temas importantes y aquí lo hace, ¿eso le apetecía?

Sí, me apetecía, pero era justo lo que me daba miedo también. Lo que pasa es que Joaquín Mazón me dijo desde el minuto uno: “Aquí no es ver quién gana. Para mí hay una clara verdad y lo otro es ridículo. Entonces vamos a buscar el camino, sobre todo de encontrar que Mariela pueda pillarse por este tío. Este es el gran objetivo de esta película, pero nunca se va a salvar al personaje de él porque no tiene sentido lo que hace”. Entonces eso sí me gustó y me lancé.

Yo no sabía lo de la machosfera, los incels y todo este mundo. Hay youtubers ahora, que no voy a mencionar porque no quiero darles publicidad, pero donde la realidad supera la ficción. Es muy heavy la de cursillos que hay en contra de las mujeres, en contra de derechos fundamentales. Me quedé… Todos investigamos bastante, todo el equipo de actores y actrices y flipamos. Entonces, y además con Juan Dávila, que tiene un público muy diverso, si hay alguna manera de que puedan ver la película, que se puedan reír, pero a la vez vean que esto de aquí no tiene sentido. Creo que es una manera bonita de llegar a la gente.

Ha dicho que le daba miedo, es cierto que había un riesgo con la película, y era caer en el ‘ni machismo ni feminismo’, ¿cuánto miedo le daba que eso pudiera ocurrir y cómo vive que algo así todavía se piense?

Es una mierda. Primero, respecto a la película. Nunca sentí lo de 'ni machismo ni feminismo'. De hecho, es una de las cosas que me convenció para hacer la película. Para mí era una red flag. Si yo hubiese visto que la energía del proyecto tiraba por ahí, no la hubiese hecho. Y tanto el productor como los guionistas y el director lo tenían clarísimo. Esto no va de 'ni machismo ni feminismo', esto es feminismo. Y hablamos de lo que está pasando con el machismo y cómo poder evolucionar en ese sentido. Y en la vida sigue pasando.

Es verdad que en mi entorno quizá lo noto menos, pero también es un entorno más artístico. Hay algo como que cuando salgo de Madrid lo sigo notando muchísimo y pienso cuánto trabajo queda. Ya no es el movimiento feminista de ahora, es que nuestras abuelas también estaban luchando con esto y pienso, ¿se acabará en algún momento? ¿Se llegará realmente a una igualdad? ¿Se entenderá que el feminismo no pretende aplastar al hombre, que es un tema de derechos, de igualdad, de oportunidades, de salarios, de violencia? Eso de las feminazis… Ese término ya está bien, es que no tiene sentido.

Es un movimiento en contra por parte de ciertos hombres que veo, además, muy violento. Como actriz imagino que está expuesta a esos comentarios en redes, en su día a día… ¿Lo nota?

Lo noto en general. Ya no solo con el feminismo, en todo. El otro día, en una conversación, pensaba: “¿Por qué está pasando esto?”. Y creo que algo que todo el mundo está que salta a la mínima, hay mucho odio y se ha perdido un poco la empatía… No sé si tiene que ver con las redes, con el individualismo, con que todos miramos hacia abajo en la calle, al teléfono… Falta ponerse en la piel de la otra persona. Creo que nos escuchamos menos.

Y aunque suene naif, pero, ¿el cine y el arte qué pueden hacer frente a esto?, ¿esta comedia puede hacer que alguien cambie en algo?

Yo sí lo creo. No que una peli vaya a cambiar todo, pero sí contribuir a que haya una conciencia cultural. El arte siempre ha servido para mover, para reivindicar. Yo me doy cuenta cuando viajo mucho en países donde todavía el machismo es más fuerte, y veo que en contraposición hay muchísimas más pintadas, hay mucho más movimiento, hay más manifestaciones, hay más películas. El tema se habla más. Y sí creo que hay algo que el arte es una manera de hablar de lo que no se puede hablar tanto, lo que no se puede confrontar y te provoca cosas. Me da más miedo la gente que decide no ir. Por eso creo que la comedia es importante. Muchas veces, si esto lo plantas en drama, hay cierto sector que decide que no va a ir al cine. Y creo que la comedia tiene un punto que puede reunir a mucha más gente. ¿Quién no ha visto películas y se ha replanteado algo? En mi caso, muchísimas veces, muchas películas me han tocado. ¿Tú qué piensas?

Cada vez pienso una cosa diferente. Me gusta pensar que sí, pero luego salgo a la calle y cada vez soy más misántropo y me cuesta más confiar, pero quiero pensar que sí.

¿Tú no crees también que hay algo de la estética de la mujer, que todo también está unido a que en las publicidades nos ponen delgadas, perfectas y en las series de televisión están los guapos y las guapas y que si todo eso estuviese cambiado…? Por eso digo que no creo que sea una película, sino que creo que es un todo.

Eso es muy interesante, porque mira que hemos hecho cambios, pero es verdad que en los personajes femeninos hay cosas que no cambian.

Se está volviendo heavy. Y eso es fuerte porque a mí también me pasa. Yo hacía tiempo que ya no me agobiaba con mi físico y es inevitable. De repente estoy viendo actrices que admiro, de Hollywood, hiperdelgadas, extremadamente delgadas y digo: “Ay, estoy gorda”. Solo el hecho de pensarlo… Me castigo también de pensarlo y digo, no puedes pensar eso. Pero está pasando. Y hay algo de ahí que sigue pasando y ojalá cambie.

¿Hasta qué punto todo eso influye en los personajes que elige?

Un montón. Por ejemplo, esta película si hubiese leído un guion que iba por un lado que no me gustaba no la hubiese hecho. Yo puedo hacer un personaje que sea la más mala de todas, eso no tengo ningún problema, pero nunca haría una película que esté a favor de unos valores que estén en contra de los míos. Si puedo hacer un cine que no tenga un contenido político o social enorme, pero si va en contra de valores en los que creo… No, no lo haría. Incluso te diría que de más pequeña también, cuando no tenía trabajo, y he estado trabajando en hamburgueserías y tiendas, me atreví a decir que no sabía cosas porque no estaba de acuerdo con los valores.

La película es una comedia romántica, y apuesta porque el amor es posible. Eso llega en un momento en que hemos pensado mucho en eso del amor romántico, ¿cómo encaja la película en el momento actual y cuál es su opinión?

Pienso que es complicado a día de hoy eso de estar casados y felices para siempre. Yo pienso, ¡qué dices!

¡Mucho tiempo!

¿Que yo voy a estar toda la vida con alguien? Me parece difícil mantener esto que todavía nuestros padres estaban ahí, en la fidelidad para siempre y para toda la vida. Yo hablo muchísimo de esto con amigas. Me parece para hablarlo también, cómo encajar la libertad de hoy en día con la pareja. Somos como esa generación que estamos ahí transitando entre esa libertad y, a la vez, también quiero que me elijan para siempre. Pero, por otro lado, me parece una idea que ya no me creo. Entonces, bueno, estamos deconstruyendo eso. En mi caso, por lo menos, a mí no me digas voy a estar contigo toda la vida y no te voy a ser infiel nunca porque, sinceramente, no me lo creo.

No sé, igual estoy diciendo cosas muy locas, y me estoy metiendo en un lío. Es como que hay una 'Susana Disney' que sueña con ese 'para toda la vida' y la otra Susana, que es superterrenal, que mira a su alrededor y dice: “Disfruta de los tres o cuatro años que estés con tu pareja”. Tengo la mezcla de las dos. El sueño de que ojalá sea para siempre y la realidad que veo es que la gente se separa.

Hay una cosa que mencionamos mucho a las actrices de esta nueva generación que es el ver cómo os apoyáis, tirando viejos clichés machistas sobre la competitividad entre las mujeres.

No sé cuánta competitividad había antes realmente, o cuánto se fomentaba o era que se quería vender esa competitividad porque, por ejemplo, Penélope Cruz y Salma Hayek llevan siendo amigas toda la vida. Sí es verdad que yo, desde mi lado, lo que puedo decir es que, por ejemplo, Carolina Yuste es mi amiga, y mira que hemos estado en dos películas que las han colocado como rivales. Y Carol y yo nos queremos, nos admiramos. Me pasa con un montón de amigas de la profesión.

Lo que sí que creo es que hay que currárselo, que la amistad hay que trabajarla. Porque claro que entras en momentos de vulnerabilidad y de inseguridad, porque a una amiga tuya le pueda estar pasando algo que te apetece que te pase a ti, pero es bonito hablarlo y decirle que te alegras un montón. Creo que hay que hablarlo y ser sincera. Porque esto no deja de ser una carrera donde tienes objetivos, donde hay personajes, dónde estás buscando metas, donde hay una ambición y, entonces, creo que es cuidarse, hablar. Hay menos rivalidad de la que se cree, pero ya desde hace tiempo.

Entrevista completa

En el debate de la Ley del Cine, la esperada reforma de una norma que necesita actualizarse y que todavía no ha podido aprobar el gobierno de coalición en todos los años que llevan en el poder, se escucharon cosas muy preocupantes. Vinieron, cómo no, de Vox. El partido de extrema derecha ya había insultado al cine español y sus representantes en muchísimas ocasiones, eso ya no sorprende. Subvencionados es lo mínimo que sale de su boca para referirse a casi todos los representantes del sector.

Pero lo que levantó todas las alarmas fue cómo, de forma abierta, ya dijeron que pretendían quitar “administración y aquellos servicios que no sean esenciales”. Cuando les preguntaron si se referían a hacer lo mismo que ha hecho Milei con Argentina y su instituto del cine, el diputado de Vox en vez de achantarse se envalentonó y dijo que cerrarían el Ministerio de Cultura.

Hemos hablado con periodistas y directores argentinos y da mucha pena, pero sobre todo mucho miedo, ver lo que ha hecho la extrema derecha con el sector del cine. La motosierra ha podado toda una industria que ha dado películas increíbles en las últimas décadas. No se está produciendo cine, sus directores o trabajan con plataformas o directamente no lo hacen. Milei ha cumplido su amenaza de forma impune.

Me sorprende que las palabras del diputado de Vox no hayan tenido casi eco. ¿Nos da igual que se diga abiertamente que esto es lo que se pretende hacer con nuestro cine?, ¿qué tiene que decir el PP ante esta amenaza? Sería el momento de establecer claramente unas líneas rojas sobre las cosas que son intocables. La cultura es una de las primeras que sufre los ataques de la extrema derecha cuando estos tocan el poder. Lo hemos visto en cada ayuntamiento y cada comunidad donde el PP les ha metido en sus gobiernos.

El sector cultural es rico, aporta dinero y valores intangibles que no se pueden medir, pero sobre todo es un sector frágil, al que unas cuantas embestidas y una motosierra bien afilada puede dejar temblando. Duele ver que no hay una posición contundente y clara para defenderlo como sí ha pasado en el pasado en otros países.

Nos da igual el gran momento que vive el cine español, su proyección internacional y la imagen de marca que da de nuestro país. Porque no va de eso, va de vengarse y de acabar contra quien no piensa como ellos. Por eso es importante que se aprueben leyes para protegerlos. Es importante el paso adelante que ha dado el estatuto del artista, y es importante que antes de que acabe la legislatura se apruebe, de una vez, una ley del cine que debe cercar lo logrado estos años antes de que desaparezca.

Tres películas

'El mensaje'. El argentino Iván Fund ganó el Premio del Jurado en el pasado Festival de Berlín con esta delicada y sutil mirada a la crisis económica en Argentina a través de una niña con un don para hablar con los animales muertos. Una road movie sobre la incomunicación y las heridas de la crisis rodada en un precioso blanco y negro.

'Nicky, la aprendiz de bruja'. La resaca de La Odisea todavía se nota, y es que hay pocos estrenos esta semana. Entre lo más interesante está la reposición de la versión restaurada en 4K de una de las primeras obras maestras del estudio Ghibli. Una oportunidad única para verla y emocionarse en pantalla grande con las aventuras de esta pequeña aprendiz de bruja.

'No soy yo'. Menuda maravilla este cortometraje donde el cineasta Leos Carax, responsable de una de las carreras más personales e inclasificables del cine de las últimas décadas, revisa su propia filmografía en un ensayo fílmico hermoso, político y lleno de su personalidad arrolladora. Lo puedes ver en Filmin.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

¿No te pasa que hay discos que no se pueden disfrutar del todo en días calurosos de verano? Es lo que me ha ocurrido a mí con el tercer álbum de Gracie Abrams, Daughter from Hell. La artista, fiel a su intimismo lírico y su minimalista producción, ha firmado un proyecto que grita melancolía y otoño. Compuesto por 16 temas y de casi una hora de duración, Abrams no abandona el estilo relajado que la llevó a la fama y que tan bien le queda en su voz, aunque no todas las canciones se digieren igual de bien. Una que sí destaca sobre el resto es Good Reason, que ya está en nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de semanas anteriores.

'Good Reason' de Gracie Abrams. La joven cantautora estadounidense, que el año pasado visitó España en el Mad Cool y hará lo propio el año que viene en Barcelona, nos abre el corazón en este tema folk-pop. Producida por Aaron Dessner, la canción aborda el dilema de tener que dejar una relación perfecta simplemente porque ya no funciona, deseando tener una excusa real o que la otra persona la trate mal para no sentirse culpable. Es uno de los mejores títulos de su nuevo disco.

'Light The Way' de Leon Bridges. Con trompetas que invitan a salir a bailar, el rey del soul moderno regala el perfecto himno veraniego como adelanto de su próximo álbum, Happiness Anytime. Producido por miembros de la banda británica Jungle, el tema presenta un ritmo optimista que fusiona funk, R&B y sutiles destellos de música africana. A diferencia del proyecto de Gracie Abrams, esta pista sí es perfecta para escuchar bajo el sol en estos días de julio.

'Esquinitas' de Maria Arnal. La artista catalana regresa con una joya sonora que nos reconcilia con el mundo y nos invita a buscar la luz en los días más difíciles. En este nuevo single, Arnal fusiona electrónica con folk experimental para cantar a la esperanza de tiempos mejores. “No hay mal que por bien no venga”, dice la cantante recurriendo a uno de los dichos populares. Maria Arnal visitó a inicios del año pasado la redacción de elDiario.es, donde ya adelantó que estaba trabajando en su primer disco en solitario, AMA, publicado este año. Escúchala.

Tres libros, por Andrea Benavent

'La tarde de un domingo' de Gabriel Lavao Calafell (Talón de Aquiles). En este poemario, Gabriel Lavao Calafell explora la nostalgia, el amor, el paso del tiempo y la intimidad de los momentos cotidianos. El libro supone la carta de presentación de una de las voces emergentes de la poesía y una invitación a descubrir a un nuevo y joven autor. Una lectura para las tardes calurosas, que ojalá fueran infinitas, de vacaciones. Ya puedes encontrarlo en las librerías.

'Cerillas Garibaldi' de Julià Guillamon (Galaxia Gutemberg). Con humor y una buena dosis de ironía, Julià Guillamon reúne una colección de relatos breves que encuentran en el absurdo el mejor detonante para la risa y la reflexión. La IA, los videojuegos, el arte o los asuntos domésticos protagonizan estas historias que, como las cerillas que dan título al libro, saltan al rozar la realidad. Para carcajadas en la playa. Ya disponible en librerías.

'Inventario de lo que queda cuando el bosque arde' de Michele Ruol (Siruela). El autor Michele Ruol propone un retrato del duelo a través de los objetos que permanecen en una casa tras una tragedia. Pasando por cada habitación, el autor recompone la historia de una familia marcada por la pérdida y, con una escritura delicada, toca temas como la culpa, el perdón y la memoria. Puedes hacerte con la obra en las librerías.

Cinco planes para el finde, por Laura G. Higueras

'Música en cada rincón' (Cantabria y Huelva). Esta intervención artística corre a cargo de Suakai, un colectivo que reúne a creadores que comparten una misma manera de sentir y respetar la música: honrando su pasado, mirando al futuro y poniéndola siempre en el centro. Para ello organizan esta iniciativa que recorre la España despoblada en la que 'instalan' la Plaza Suakai, un espacio abierto donde vecinos, visitantes, artesanos y creadores conviven antes del concierto con el que culminan sus jornadas.

Hay actividades como concursos de fotografía y vídeo y 'Voces del territorio', donde se escuchan las historias de quienes habitan en cada lugar. Arrancan el sábado en Pesaguero (Cantabria), el martes 28 estarán en Sanlúcar de Guadiana (Huelva) y más adelante estarán en Patones (Madrid), Castell de Mur (Lleida), Enciso (La Rioja) y Usún (Navarra).

Festival de Teatro de Olite (Navarra). Este festival alcanza este fin de semana su ecuador con teatro, circo y creación comunitaria. Entre las producciones que podréis ver están 'Leonora' en La Cava el viernes, un montaje que propone un acercamiento libre al universo de la artista Leonora Carrington; y 'No mires', también en La Cava, el sábado, un thriller escénico que aborda cuestiones como la culpa, el silencio, el compromiso político y la memoria familiar.

'Enclave de agua' (Soria). Este festival gratuito celebra su 19ª edición uniendo ritmos de blues, soul, funk, rock y afrobeat con la naturaleza y el río Duero. En el cartel de los artistas que podréis disfrutar durante el finde están Tom McGuire & The Brassholes, Judith Hill, London Afrobeat Collective, Shirley avis & The Silverbacks, Juan Zelada, Daniel Nel-Lo y Lion Family Band. Cuenta con actividades paralelas como un mercado de artesanía, talleres y jam sessions.

'Agua' (Avilés). El Centro Niemeyer acoge esta exposición del fotógrafo canadiense Edward Burtynsky, que reúne una selección de impactantes imágenes que exploran la compleja relación entre el ser humano y uno de los recursos más esenciales del planeta, el agua. El artista ha atravesado los cinco continentes para documentar paisajes y escenarios donde el agua es protagonista de historias de transformación, tensión y fragilidad. Desde vastas estructuras hidráulicas hasta explotaciones industriales, pasando por deltas, glaciares y zonas afectadas por la sequía, Burtynsky sitúa al público frente a realidades al límite, revestidas de un poderoso encanto visual.

'Un tema Al Día, ¡en el teatro!' (Madrid). Ojito con este planazo para el que por desgracia todavía quedan unos meses, pero apuntaros ya el próximo 3 de octubre en vuestros calendarios. Y no solo porque sea mi cumpleaños (que evidentemente es un evento importantísimo ;), sino porque los compañeros de nuestro maravilloso podcast diario (que si no escucháis cada mañana, deberíais empezar a hacerlo también ya) van a hacer un episodio especial, en directo, en el Teatro Lope de Vega (sí, el mismo que donde representan El Rey León, nivelazo). Podéis conseguir las entradas en este enlace, ¡aprovechad que todavía quedan!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Lo que Nolan no muestra. Todo el mundo habla de La Odisea. Nosotros también. En este artículo de The Guardian analizan todo lo que la película ha cambiado, omitido, o inventado respecto a la obra original.

Un festival modélico, al límite. No conocía el Dansàneu, uno de esos pocos festivales que no apuestan solo por el dinero, sino por aportar algo a la localidad que lo acoge y a la industria cultural. Puede que sea su último año.

Lo que realmente da miedo. La literatura siempre está atenta a lo que nos asusta. Desde siempre, pero ahora más, el miedo a no tener un techo es uno de nuestros grandes temores. Mucho más que cualquier espíritu.

El Festival de Cine de Venecia contará con la coproducción española Búnker dentro de su sección oficial en competición por el preciado León de Oro. El filme, dirigido por Florian Zeller, es una coproducción entre Francia y España, a cargo de Mod Producciones, responsable de títulos como El Cautivo. Además, Búnker cuenta con el atractivo de ver juntos en un filme a Javier Bardem y Penélope Cruz en la que será la octava vez que trabajan juntos y la primera desde Todos lo saben, de Asghar Farhadi.

Búnker es un thriller psicológico donde ambos dan vida a un matrimonio. Él (Bardem) es un arquitecto que acepta un proyecto moralmente ambiguo —construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico—, mientras que su esposa (Cruz) comienza a cuestionar su matrimonio tras 17 años juntos. Completan el reparto Stephen Graham, Patrick Schwarzenegger, Paul Dano y Mark Gatiss.

También opta al León de Oro y también con producción española lo nuevo de Nanni Moretti, que cuenta con la participación de las españolas Bteam Prods e Irusoin. Sucederá esta noche es el regreso del cineasta, que ganó la Palma de Oro por La habitación del hijo y que en esta ocasión cuenta con Louis Garrel y Jasmine Trinca como protagonistas. Desde finales de los 80 Mortetti no visitaba el Lido, debido a su habitual presencia en Cannes.

Será uno de los platos fuertes de una Mostra llena de estrellas. Empezando por sus dos leones de Oro honoríficos, que se entregarán a George Clooney y a Ellen Burstin, pero siguiendo por su sección oficial, que un año más parece diseñada para actuar como plataforma de lanzamiento para aquellos títulos que quieran optar a algo en la temporada de premios que culminará en los Oscar.

Entre ellas destaca el nuevo trabajo de Martin McDonagh, habitual de Venecia, y de los premios. Aquí presentó Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin. Por ambas se llevó el premio al Mejor guion y ambas acabaron nominadas a los premios de la Academia de Hollywood. Ahora estrenará Wild Horse Nine, una de las apuestas fuertes del cine anglosajón y que cuenta con John Malkovich, San Rockwell y Steve Buscemi al frente de una historia ambientada poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, cuando unos agentes de la CIA son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe de oficina.

Robbert Pattinson será otra de las estrellas más esperadas gracias a Primetime, de Lance Oppenheim, producida por él junto a A24; igual que las hermanas Rooney y Kate Mara, que dan vida a dos hermanas en el regreso de Werner Herzog con Bucking Fastard. A las cinco películas italianas se una la fuerte presencia del cine francés y el siempre dominio del cine anglosajón. Pero también habrá hueco para autores como Lee Chang Dong, que presentará una de las películas más esperadas por los cinéfilos, Possible Love. O para Koreeda, que adapta un manga en Look Back.

De las 20 películas de Sección Oficial, solo una está dirigida por una mujer, demostrando el poco cuidado del equipo de Alberto Barbera en la paridad. Se trata de Kvinde Ukendt, de May el-Toukhy.

Además de estos 20 títulos, Venecia ha anunciado muchísimas obras que irán en sus secciones fuera de concurso, como lo nuevo de Paul Schrader, además de documentales que pondrán su mirada en los asuntos políticos más candentes. En ese sentido, se espera con ganas el filme sobre Elon Musk que ha dirigido Alex Gibney, así como el que ha realizado Laura Poitras sobre los asesinatos del ICE.

Nada puede contra Christopher Nolan. El director se ha convertido en una de las marcas que más público atraen a las salas, y con La Odisea, su última película, lo ha vuelto a demostrar. Había mucha curiosidad por ver cómo funcionaba en la taquilla su adaptación de la obra clásica, sobre todo porque se había encontrado con unas cuantas piedras en el camino. La primera, un boicot alentado por la extrema derecha con Elon Musk a la cabeza. Excusándose en la fidelidad histórica, criticaron la decisión de elegir a una actriz negra (Lupita Nyong’o) como Helena de Troya y a un actor trans (Elliot Page) como Sinon. Desde hace meses han perseguido con sus ataques al director e intentando vender que nadie iría a ver la película por ser una versión ‘woke’ de La Odisea.

El segundo problema era el mundial de fútbol. El estreno del filme, puesto desde hace más de un año, coincidía con los dos últimos partidos de la Copa del Mundo: el del tercer y cuarto puesto que enfrentaba a Inglaterra y Francia, y la final que terminó con España como campeona tras vencer a Argentina por un gol a cero. Y aunque este hecho sí que pudo haber afectado un poco al resultado final, que podía haber sido incluso mayor, La Odisea ha arrasado en taquilla.

Nada ha asustado a Christopher Nolan, que ha logrado un debut a nivel global de 264,1 millones de dólares, el mayor de su carrera. Supera los 249 de El caballero oscuro: La leyenda renace en 2012, los 198 de El caballero oscuro —ambas películas sin ajustar su recaudación a la inflación— y los 198 millones de su anterior filme, Oppenheimer, en 2024.

En su primer fin de semana ha recuperado el dinero que costó hacerla. El presupuesto del filme se estima en 250 millones de dólares. Si a eso se suma unos 100 millones de gastos en promoción y publicidad, el filme debería recaudar unos 700 millones de dólares para ser rentable en su primera ventana de explotación (aunque el resto de ventanas, actualmente, aportan gran parte de los beneficios). Nadie duda de que los superará con creces, siendo todo un éxito para Nolan y para Universal Pictures, que fichó al cineasta tras el desencuentro de este con Warner por no apostar por las salas con Tenet tras salir de la pandemia.

A esas cifras hay que sumar que la recepción entre los espectadores ha sido espectacular, lo que augura que el filme tendrá mucho recorrido y podrá sumar mucho dinero. En CinemaScore, la calificación de EEUU que mide cuánto ha gustado una película al público obtiene una A, lo que equivale a un sobresaliente. Nadie duda que cruzará la casi imposible barrera de los 1.000 millones de dólares en todo el mundo y de que estará nominada a casi todo en los próximos Oscar.

En EEUU La Odisea ha superado todas las expectativas. Las primeras previsiones, siempre más conservadoras, colocaban el filme en una positiva horquilla de entre 80 y 100 millones. Finalmente, han sido 124,5 millones desde 3.919 cines. Sin Mundial, celebrado allí, creen que podrían haber sido más de 130 millones. Este dato es el tercero más alto de todo 2026, solo superado por dos películas de animación Toy Story 5, que debutó con 159 millones y Super Mario Galaxy, que logró 131.

Un mérito para una película calificada R por su acción y violencia. Esta calificación indica que los menores de 17 años deben ir acompañados de un adulto. Es, tras Deadpool & Lobezno, la película con esta calificación más taquillera en su primer fin de semana. Dentro de la carrera de Nolan supone el mejor estreno desde El caballero oscuro: La leyenda renace, que logró 160 millones en sus primeros compases en la taquilla de EEUU.

En España el resultado también ha sido espectacular: estamos ante la mejor apertura de Nolan en nuestro país. A pesar de un domingo marcado por el mundial, La Odisea ha logrado en solo tres días 4,47 millones de euros según las primeras cifras ofrecidas por Rentrak, la consultora que mide los datos en España. El viernes logró 1,8 millones de euros, el sábado 2,1, y el domingo bajó por la final del evento deportivo y solo recaudó en torno a los 600.000 euros. Mejora, con creces, el resultado de Oppenheimer, que debutó frente a Barbie con 2,7 millones. Los grandes comentarios hacia el filme la convierten en la película del verano y con mucha carrera por delante. De hecho, hasta el 29 de julio cuando se estrene Spider-Man, también protagonizada por Tom Holland, tiene diez días sin rival para seguir amasando dinero en cines.

“Ustedes, que tienen tiempo aún, no caigan en la trampa. La ultraderecha vino a destruirlo todo, eso es así, yo vengo del futuro, de un país donde el presidente incluso puso en venta el agua. Ya no solo defendemos el cine, tenemos que defender el agua. Que no les pase a ustedes”. La actriz Dolores Fonzi recogía su Goya a la Mejor película iberoamericana por Belén en la última edición de los premios de la Academia haciendo un grito de aviso. Ella, una de las figuras más importantes del cine argentino como actriz, directora y productora, ha vivido en primera persona cómo, desde la llegada de Milei, el Gobierno se ha encargado de destruir el cine argentino, desmantelando su instituto de cine, dejándoles sin fondos y con una campaña de ataques y desprestigio para colocar a los ciudadanos en su contra.

Las palabras de Dolores Fonzi resonaron hace poco como un eco cada vez más cercano en el Congreso de los Diputados cuando, en el debate sobre la Ley del Cine, Vox defendía su enmienda a la totalidad con ataques al cine español. Les acusaba, de nuevo, de “subvencionados”, de “tirar el dinero de los españoles” y de ser una “máquina de propaganda”. Nada nuevo. La derecha lleva alentando el odio al cine español desde el No a la guerra, y la llegada de Vox solo ha servido para tensar más la cuerda. Solo hay que recordar al vicepresidente de Castilla y León llamando “señoritos” al cine español en la previa de los Goya de 2024, o ese “bomba fétida” que soltó el diputado de Vox Antonio Martínez para definir nuestro cine.

Sin embargo, las palabras que más miedo causaron en todo el hemiciclo fueron las que ya directamente remitían a lo que harían si es que llegaban al Gobierno: “Quitar administración y aquellos servicios que no sean esenciales”. El propio Ministro de Cultura reaccionó y le preguntó directamente a Robles López, de Vox, si tal como había entendido, defendían “la eliminación prácticamente del INCAA llevada a cabo por el señor Milei”. Luego le preguntó directamente si ellos eliminarían el INCAA cuando estuvieran en el Gobierno. Lejos de rectificar, matizar o aclarar, Robles López contestó con una amenaza mayor: “Eliminaríamos el Ministerio”.

También desde el futuro, la periodista de elDiario.es desde Buenos Aires Mercedes López San Miguel explica cómo se fue forjando la destrucción del cine argentino desde antes de que Milei llegara al poder. “Milei hablaba de 'librar una batalla cultural' además de política en la precampaña y tenía y tiene un trato despectivo hacia figuras de la cultura, cuando las identifica con ideas de izquierda, progresistas. Por ejemplo, el enfrentamiento que Milei mantuvo con la cantante y actriz Lali Espósito, una de las artistas más populares del país. Una de las prioridades del presidente ultraderechista en sus primeros meses de gestión fue lo que llamó ‘desarmar el Gramsci Kultural’, un juego de palabras entre el teórico marxista italiano y el kirchnerismo, la fuerza política peronista que gobernó gran parte del siglo XXI”, recuerda la periodista.

Lo que ocurriría en España

Un vistazo a lo que pasó en Argentina hace temer lo que ocurriría en España. La primera amenaza seria allí llegó en agosto de 2023, cuando en plena campaña, Javier Milei amenazó con cerrar el INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) en caso de ser presidente, alegando que genera déficit, y “por lo tanto, no debería existir”. En una entrevista televisiva, un periodista le preguntó: “¿Vas a hacer una auditoría del INCAA?”. El ultraderechista le contestó: “Lo vamos a cerrar, igual que la Televisión Pública, igual que Télam (la agencia estatal de noticias Télam”. Se refería a la agencia más grande de América Latina, fundada en 1945 y que, como recuerda López San Miguel, “efectivamente dejó de existir como agencia de noticias”.

Ahí lanzó una mentira que caló en la gente: que el INCAA era deficitario. “El INCAA es un ente autárquico público, se autofinancia, es una falacia del Gobierno ultra decir que solo se sostiene con los impuestos de la ciudadanía, el engaño es decir que el Estado se iba a ahorrar gasto. El INCAA tiene a su cargo la gestión del Fondo de Fomento Cinematográfico cuyos ingresos se componen de: 10% de la venta de entradas de cine; 10% de la comercialización de videogramas y 25% de la recaudación de la ENACOM (Ente Nacional de Comunicaciones) en concepto de gravamen a la facturación de los canales de TV y servicios de cable”, explica Mercedes López San Miguel.

La industria del cine argentino está paralizada; antes daba trabajo a más de 600.000 personas, ahora no hay producción

Ana García Blaya — Cineasta

Pero caló y cumplió su promesa. Cuando Milei llegó al poder colocó al frente del INCAA a Carlos Luis Pirovano, “un economista sin ninguna experiencia en el rubro audiovisual” que “avanzó en el vaciamiento del INCA con despidos, un plan de retiros voluntarios, la eliminación de casi todos los planes federales, paralizó su actividad y dispuso un cambio radical en las reglas de juego para el financiamiento a la producción”. “Si hasta ahora el 50% de los ingresos del INCAA se dedicaba al fomento de películas, ahora solo se destina el 20% del total. Además, para aspirar a cualquier apoyo o subsidio del INCAA, una productora debe demostrar que posee de antemano el 50% del financiamiento, cuando hasta ahora el aval del INCAA servía como punto de partida para luego buscar dinero de coproductores y fondos del exterior o concretar alguna venta adelantada a un streamer”, analiza la periodista. Estas condiciones hacen que casi ninguna producción pueda optar a una ayuda pública.

Su compañero Diego Batlle, periodista argentino experto en cine, añade que no solo recortó las ayudas a la producción, sino también “cerró casi todos los planes de fomento y apoyo a festivales y actividades en las provincias, fuera de Buenos Aires, o la escuela de cine, que depende de ellos”. “Los que quedaron son unos pocos concursos, muy limitados y difíciles de ejecutar. Básicamente, cerró todo lo que es el sistema de subsidios y quedó el cine argentino muy desfinanciado”, añade.

Las consecuencias ya se notan. Y no han sido positivas. No se ha fortalecido un cine industrial y el cine medio ha desaparecido. “La producción está paralizada; solo las grandes productoras o quienes trabajan con plataformas pueden seguir”, dice Mercedes López. La directora argentina Ana García Blaya añade que “la industria del cine argentino está paralizada; antes daba trabajo a más de 600.000 personas, ahora no hay producción”. “Los concursos del INCAA no alcanzan para filmar y solo unos pocos proyectos avanzan, pero la mayoría no se realiza. La gente del sector busca otros trabajos porque ya no hay industria ni oportunidades laborales en el cine”, subraya, mostrando cómo se ha fulminado una industria.

La solución, como explica el cineasta Fernando Salem, pasa por producir con plataformas: “Hoy, la única forma de producir es a través de plataformas o fondos extranjeros, lo que lleva a una colonización cultural. Hoy creo que la única forma de contar nuestras historias es por plataformas o de una búsqueda de fomento de países extranjeros. Porque todos los países fomentan su propio cine”.

El ejemplo más claro lo coloca en la mesa Diego Batlle, que cita la nueva película de Damián Szifrón, autor de una de las películas más taquilleras de la historia del cine argentino, Relatos Salvajes, financiada con apoyo público y producción privada y que ha rodado con Netflix, al igual que Santiago Mitre, director de Argentina, 1985. “Los directores más consolidados que todavía pueden filmar, lo hacen directamente con financiamiento de Netflix o en algunos casos de Amazon Prime Video. Está pasando también con las series, no se está produciendo”, confirma.

Pero lo que cree que realmente ha muerto es “el cine intermedio, el cine industrial de autor que se hacía con los sindicatos y que era el cine de mayor riesgo financiero”. Quedarán películas como Homo Argentum, de Cohen y Duprat, cineastas que han sido muy críticos con el INCAA y que han sido tomados como representantes del cine que quiere que haya el Gobierno de Milei. Su Homo Argentum fue vista por dos millones de espectadores. El propio Milei alabó la película y se jactó de que no había tenido ayuda pública, algo que se demostró finalmente falso.

En cinco o seis años no vamos a tener una producción de películas nacionales

Fernando Salem — Cineasta

Batlle también confía en que seguirá rodándose lo que él llama “cine de guerrilla, cine ultra independiente, que nunca se hacía con apoyo del INCAA, que no se hace con los sindicatos y que se hace de manera autogestiva, en cooperativa”. También lo harán cineastas como Lisandro Alonso o Benjamín Naishat, cuyas nuevas películas tienen todo el dinero extranjero, lo que provoca lo que ya se está definiendo como una nueva fuga de cerebros, con “muchos técnicos que se están instalando en México y en España”.

Se ha elaborado, además, una narrativa que también lanzó el diputado de Vox en el Congreso: que las películas argentinas no interesan y no tienen espectadores. Eso, para Fernando Salem, es “el argumento de Pirovano para no ejecutar el presupuesto del Fondo de Fomento”. “Como si se pudiera medir el éxito de un film por la cantidad de gente que la va a ver. Los realizadores y las realizadoras necesitan que el Estado les permita hacer sus primeras películas, que después son las que se visibilizan en festivales, y los directores y directoras terminan dirigiendo en Netflix, en Amazon. En cinco o seis años no vamos a tener una producción de películas nacionales”, augura con pesimismo.

“Antes se filmaban un promedio de 200 películas por año y ha bajado a 0 este año. En el primer año de este Gobierno se firmaron unas 24 películas y eran proyectos aprobados en gestiones anteriores. O sea, lo que sucede es que ya no hay industria del cine. No es una fuga de cerebros, lo que hay es una fuga laboral, o sea, gente dedicándose a otras cosas porque no hay trabajo. Las posibilidades de producción que antes ocurrían en Argentina se van a otros países”, zanja Ana García Blaya. Ellos vienen del futuro. Comenzaron oyendo amenazas como las de Vox, y ahora avisan sabiendo las consecuencias de colocar a la extrema derecha a gestionar el patrimonio cultural de un país.

Tres películas españolas competirán por ganar la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián. El director del festival, José Luis Rebordinos, que afronta su última edición al frente, anunció los títulos que lograrán el galardón más importante de entre los festivales españoles. Lo hizo, además, junto a la que será su sucesora, Maialen Beloki. Las elegidas por el comité de selección han sido Cinco minutos más, de Javier Ruiz Caldera; Sants, de Mikel Gurrea, y El mal padre, de Roberto bueso. Las tres intentarán repetir el éxito de las dos últimas ediciones, cuando Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa y Tardes de Soledad, de Albert Serra, se llevaron la Concha de Oro.

De los nombres el único que se esperaba casi con seguridad era el de Gurrea. Con su debut en la dirección, Suro, ya compitió por la Concha de Oro, por lo que se esperaba que con su segundo filme, Sants, que tiene a Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulalia Ramón como protagonistas, también estuviera en el Zinemaldia, como así ha sido finalmente.

Las otras dos películas han sorprendido por motivos diferentes. La inclusión de Javier Ruiz Caldera por reconocer al cine de género (una comedia con bucle temporal con Berto Romero, Javier Cámara y Belén Cuesta) en el lugar de las películas dramáticas que suelen ir competición, y también reconocer la labor de un cineasta que ha dirigido varias de las mejores comedias del cine español reciente. De hecho, en la presentación del filme hace algo más de un año entre las producciones originales de Movistar +, el propio Ruiz Caldera bromeaba ante sus compañeros Sorogoyen o Laxe que por qué él no podía también optar a un festival internacional. Ahí lo tiene.

La otra, El mal padre, pocos contaban con ella. Se anunció su rodaje este mismo año, y Roberto Bueso había saltado al cine más comercial con Llenos de gracia tras su emotivo debut, La banda. Con su nuevo filme regresa al cine del circuito de festivales con este drama producido por Fernando Bovaira y protagonizado por Eduard Fernández. Una historia de reconciliación entre un hombre y su padre enfermo. Una edición que no tendrá, este año, ninguna directora española en competición.

Como todos los años, la presencia del cine español se extendió fuera de la Sección Oficial en competencia por la Concha de Oro. Fuera de concurso se podrá ver Ruega por nosotras, el regreso de Daniel Monzón a la dirección. El responsable de Celda 211 presentará Ruega por nosotras, un filme sobre el patronato de la mujer, institución que durante el franquismo sirvió para adoctrinar a las mujeres en la moral franquista. La serie documental sobre los protagonistas reales de La sociedad de la nieve; El Último adiós, de Kodo Almandoz; Bajañí, de Fernando Trueba, y Sacamantecas, de David Pérez Sañudo.

En Nuevos Directores se verán tres esperados debuts del cine español. Esta soledad, la primera película de Javier Giner tras el éxito de la serie Yo, adicto y con Oriol Pla y Marina Salas como protagonistas, El mal hijo, ópera prima del actor Jaime Lorente que ha partido de la novela homónima de Salvador S. Molina y la directora ucraniana Tatjana Moutchnik con su ópera prima Seven Days .

También habrá sitio para las series, pero de nuevo, fuera de concurso: El castillo, la producción de Caballo Films (productora de Sorogoyen) que adapta libremente El proxeneta, de Mabel Lozano, y que han dirigido Sandra Romero y Elena Martín Gimeno y protagonizado Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso y Laia Marull.

En el recinto más grande y popular, el velódromo, se podrá ver Karateka, de Aritz Moreno, y el documental sobre la última gira del músico Fermín Muguruza mientras que tras publicar su primer tráiler y el premio en Cannes, Javier Calvo y Javier Ambrossi presentarán La bola negra justo antes de su estreno. Esta emotiva carta de amor a Lorca que apunta a los Oscar competirá por el premio del público en el apartado Perlas, que reúne lo mejor de otros festivales.

Zabaltegi tendrá varios títulos con producción española. Red Rocks, dirigida por Bruno Dumont y producida por Albert Serra; Jaleos, el largometraje de no ficción de Isaki Lacuesta sobre el flamenco, Lejos de los árboles, de Meritxell Colell, que tras competir en Locarno se verá en la sección más libre del Zinemaldia. También Oskar Alegría presentará su nuevo trabajo documental sobre la obra del artista Jorge Oteyza.

Un anuncio que llegó tras una ovación en pie a Rebordinos por parte de todo el salón de actos de la Academia de Cine para agradecer su trabajo todos estos años en la que será una edición de transición hacia el futuro con Beloki como encargada de rejuvenecer el certamen sin romper con lo ya logrado.

Me parece increíble la que se ha formado porque Christopher Nolan ha decidido darle el personaje de Helena de Troya a una actriz negra en su adaptación de La Odisea. Una Lupita Nyong’o que, además, está increíble en su papel. Bueno, habría que decir mejor ‘la que han formado’, porque el ruido viene de un sitio muy concreto, una derecha principalmente constituida por hombres blancos que sacan a pasear su racismo cada vez que tienen la oportunidad.

Con Elon Musk a la cabeza, la caterva de haters han inundado con su violencia digital y verbal las redes sociales. Primero fueron a por el tráiler de YouTube, intentando crear la sensación de que no había interés por la película, y luego a por cada crítico que ha alabado el filme de Nolan. Pasen por las redes sociales de elDiario.es para ver los insultos que nos dedican (especialmente al que esto escribe) por decir que es una excelente película y que respeta la narrativa de la obra original.

Todo por una actriz negra. Porque por mucho que lo quieran vestir con el término ‘fidelidad histórica’, lo que realmente muestran es un racismo terrorífico. Es inexplicable que en 2026 haya gente que no soporte que en una adaptación de una novela se haga lo que uno quiera. Los propios traductores e historiadores de La Odisea ya han dicho que eso de la fidelidad en una obra que no es histórica, sino pura ficción, es una tontería. Helena de Troya nace, según el mito, de un huevo que salió cuando Zeus se convirtió en cisne para engañar a Leda. Busquen la fidelidad histórica.

Esa fidelidad no les ha importado a la hora de que la película sea en inglés y con actores ingleses y de orígenes que no tienen nada que ver con Homero. Pero misteriosamente sí les ha molestado con Helena de Troya. Qué curioso. Tan curioso como que esto sea lo mismo que ocurrió previamente con la versión de acción real de La sirenita, donde el sector conservador hirvió porque contrataron una actriz negra. Según ellos, imagino que esperaban que hubieran contratado a una mujer con cola de pez en vez de piernas para ser lo más fieles al relato original.

Los mismos que no quieren una Helena de Troya negra son los mismos que no disfrutan con Lamine Yamal en la selección española o los que creen que en la selección francesa no hay realmente franceses porque muchos de los jugadores son negros. El racismo es racismo, lo disfracen como lo disfracen. Así que gracias a Nolan y su Odisea, y gracias a Lamine Yamal, porque se han convertido en detectores automáticos de racistas. El resto seguiremos disfrutando de ellos.

Tres películas

Ciclo de Maurice Pialat. El año pasado tuvimos la suerte de que la distribuidora Atalante nos descubriera a un cineasta descomunal llamado Maurice Pialat. Ahora es Filmin quien incluye en su catálogo la obra del director francés, y lo hace —de la mano de Atalante— con un regalo increíble, su serie inédita La casa del bosque que es una delicia. No os perdáis toda su filmografía.

'La Odisea'. La hemos dedicado ya una crítica muy positiva y hemos hablado de ella en la introducción de este boletín, pero es que la adaptación del clásico de Homero que ha hecho Christopher Nolan merece mucho la pena y va a dar mucho que hablar. Una maravilla que respeta las aventuras del relato clásico y las dota del estilo Nolaniano y una reflexión sobre nuestro presente.

'Omaha'. Y terminamos con una joyita indie que ha dirigido Cole Webley y que va a hacer llorar a todo el que la vea. Una mirada íntima a la crisis y sus consecuencias en forma de road movie. Dura y conmovedora, y con un John Magaro que demuestra otra vez que es un actor estupendo que merece muchas más oportunidades.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

A inicios de año, cuando recopilamos en elDiario.es la música más esperada de este 2026, cuatro nombres copaban todas las expectativas: BTS, Olivia Rodrigo, Harry Styles y Beyoncé. Hoy, cuando alcanzamos la mitad del año, podemos decir que todos han cumplido publicando discos o canciones. Solo faltaba Beyoncé, pero la artista ha frenado su sequía con un tema que ya puedes escuchar en nuestra playlist, donde están también las recomendaciones de las semanas anteriores.

'Morning Dew (Donk)' de Beyoncé. La primera canción de la artista desde su aclamado Cowboy Carter, que ganó el Grammy a Álbum del Año, es un sensual tema de R&B que celebrará los veinte años de su mítico disco B'Day. La pista formará parte de una reedición conmemorativa del álbum y recupera el sonido de esta etapa de la cantante, por lo que hay mucha, mucha nostalgia. Aun así, todavía habrá que esperar para su ansiado proyecto “Act III”.

'Tragedia' de Marta Sango. En el panorama español, la artista andaluza prepara el lanzamiento de su álbum debut con este segundo adelanto. Arropándose en sintetizadores y guitarras, el tema envuelve la frustración y la decepción de una relación llena de promesas sin cumplir y excusas bajo una melodía principalmente electrónica.

'In The Stars' de The Rolling Stones. La legendaria banda está de vuelta con un temazo de pop-rock que nos lleva al sonido clásico del grupo a principios de los 80. Menos de tres años después de que los Rolling Stones publicaran Hackney Diamonds, Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood se han vuelto a reunir con el productor Andrew Watt para hacer 14 nuevas canciones que componen Foreign Tongues, su nuevo álbum. Esta canción es la carta de presentación y lo mejor es su adictivo estribillo.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Huellas en los fiordos (Hildur 1)' de Satu Rämö (Salamandra Black). Esta novela se une al fenómeno del nordic blue, una variante del thriller nórdico mucho más atmosférica y humana. Ambientada en Islandia, la historia sigue a la inspectora Hildur Rúnarsdóttir, quien debe resolver una serie de crímenes mientras lidia con un doloroso trauma familiar que combate surfeando en aguas gélidas. Ya disponible en librerías.

'Inducción por shock' de Chuck Palahniuk (Random House). El autor de El club de la lucha regresa con una sátira distópica que pone el foco en el elitismo y la mercantilización del talento joven. En un reputado instituto, las mentes más brillantes desaparecen una tras otra en extraños suicidios que ocultan algo mucho peor: la subasta de sus vidas al mejor postor corporativo. Con su habitual humor negro, Palahniuk hace una crítica al privilegio. El libro ya está en las librerías.

'Odisea' de Milo Manara (Lumen). Esta semana hemos podido conocer las impresiones de mi compañero Javier Zurro sobre La Odisea, la adaptación de Christopher Nolan sobre este célebre clásico. Si queremos ir calentando motores antes de su estreno, Manara publica esta novela gráfica sobre la mítica epopeya de Ulises que, en lugar de relatarla desde la perspectiva del propio héroe, la relata a través de la mirada expectante de su hijo Telémaco. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival de Teatro Clásico de Peñíscola (Castellón). Esta semana podéis disfrutar todavía de este festival, en el que se representarán La trova de Buena Saña, Doña Rosita la soltera, La dama boba y Don Juan en los infiernos. El Patio de Armas y los Jardines del Castillo acogerán los espectáculos que recorren el legado de Lope de Vega, Federico García Lorca y Molière, además de reivindicar la tradición del teatro popular. El evento incluye también un Taller de Periodismo Cultural impartido por Pepe Monleón.

Tüpitanga Fest (Deleitosa, Cáceres). ¡Ojo a este festival gratuito! Música, tradición, cultura y risas se unen este finde en este evento que incluirá bailes populares, tapeo, productos artesanos durante el día; y bien de rock, punk, versiones, bandas tributos, grupos emergentes extremeños y nuevos talentos por en cuanto empieza a bajar el sol. Tienen hasta un concurso de bandas. Kamikazes, Periferia, Kalerizo, Deklibe, Awakate, Divina Papaya y Pedrá son algunas de los protagonistas de su cartel.

Torrezno Music Festival (Ágreda, Soria). Vamos con otro festival, también muy metido dentro de la naturaleza, en el que el alimento para recargar energías y bailar hasta el amanecer no es otro que el auténtico torrezno soriano. Su cartel propone desde rock a electrónica, con nombres como Guaraná, Lorca, DJ Mech-On, Linaje y tributos a Héroes del Silencio (Héroes, el culto) y Extremoduro (AMA).

Juana Cima. Una mirada disidente (Vitoria). El Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, acoge hasta finales de agosto esta exposición que recorre la obra de esta artista cubana. Una intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y su espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates sobre identidad, ecología y género.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

ERE en Ubisoft. 51 personas han sido despedidas de la sede de Barcelona de una de las empresas de videojuegos más importantes del mundo. Sus trabajadores han iniciado una huelga para protestar.

'Te hice dios'. Apuntad el nombre de este libro y el de su autor, Marcos Augusto, porque va a ser uno de los que van a dar mucho que hablar con esta provocadora novela sobre sida, relaciones y los límites de la pasión.

Campamentos musicales. Los catálogos de los artistas dan mucho dinero, y todo el mundo quiere firmar canciones. La última moda es realizar campamentos para encontrar grandes éxitos.

Desde que Christopher Nolan anunció que iba a adaptar La Odisea, todos los ojos estuvieron puestos en él. Está acostumbrado. Es uno de los directores más importantes del Hollywood actual. Uno de esos cineastas cuyo apellido es el atractivo para que la gente vaya al cine. Los espectadores van a ver ‘la última de Nolan’, y les da igual que la protagonice una estrella o un desconocido. Su particular estilo de narrativas fragmentadas e intensidad ampulosa es ya su seña de identidad, una que ha triunfado entre un público muy amplio, pero especialmente masculino.

Han sido, precisamente, los hombres blancos los que clamaron al cielo cuando se enteraron del casting que Nolan había elegido para su película. Les daba igual que Matt Damon fuera Odiseo/Ulises, o que Tom Holland fuera su hijo Telémaco. Había un nombre que les enfadó muchísimo, el de Lupita Nyong’o como Helena de Troya. No soportaban que una mujer negra interpretara a alguien que, en su imaginación era, cómo no, blanca. Así la habían representado también otras ficciones como la Troya de Wolfgang Petersen.

Desde aquel anuncio la fachosfera empezó a arder con insultos racistas. Desde entonces, a Helena de Troya la llaman Helena de Somalia. Todos esos haters han intentado hundir la imagen pública del filme. Cada comentario en redes sobre la cinta se llenaba de insultos y ataques. Ocurría este miércoles, cuando se levantó el embargo y llegaron las críticas del filme. Todas espectaculares. No podían soportar ver que, encima, los medios apoyaban esa afrenta al supremacismo blanco. De nuevo, insultos a Nolan, a los periodistas y a Lupita Nyong’o.

La fachosfera ha intentado hasta revertir la narrativa de que la gente quiere ver el filme. Lo han hecho yendo a su tráiler en YouTube, donde el avance que subió la distribuidora en diciembre se ha llenado de comentarios negativos y racistas en el último mes. Todos dicen que los comentarios positivos eran pagados. Un argumento que han usado también con las críticas desde que salieron.

Al frente de la fachosfera en la cruzada contra Nolan y Lupita Nyong’o está Elon Musk. Ha sido él quien ha alentado este linchamiento. Musk comenzó su ataque a Nolan nada más saberse el casting. Desde entonces le ha llamado “gusano” o “racista anti-blancos”. La última acusación es, estadísticamente, mentira. De todas las películas de Christopher Nolan, solo una, Tenet, estaba protagonizada por un actor negro. El resto tienen a intérpretes blancos en casi todos sus papeles. Su Batman fue blanco, sus protagonistas de Origen fueron blancos, y entre los soldados de Dunkerque no hubo ningún negro.

Curiosamente, en 2024, antes de saberse la elección de Lupita Nyong’o como Helena de Troya, Elon Musk comentaba a un vídeo del making of de Tenet diciendo que Nolan era “maravilloso”. Es decir, que el director le parecía maravilloso hasta que ha elegido a una actriz negra para hacer este papel. Le ha acusado de woke, algo que nadie hizo en los años 50 ni posteriormente cuando Orson Welles contrató a la actriz Eartha Kitt, afroamericana, para hacer de Helena de Troya en la obra teatral Time runs, que luego formaría parte del show An Evening with Orson Welles.

También ha atacado a Lupita Nyong’o directamente. El pasado 12 de mayo, tras la publicación de un tráiler donde se veía por primera vez a Lupita Nyong’o, Musk compartió un post en X del polémico y conservador Matt Walsh que decía: “Ni una sola persona en el planeta piensa realmente que Lupita Nyong'o sea ‘la mujer más bella del mundo’. Pero Christopher Nolan sabe que lo llamarían racista si le diera el papel de ‘la mujer más bella’ a una mujer blanca. Nolan tiene talento técnico, pero es un cobarde”. Musk contestó: “Verdad”. Más allá de su opinión subjetiva, la revista People eligió en 2014 a Lupita Nyongó con el título de “La mujer más hermosa del mundo”.

Dos argumentos falsos

Durante este tiempo, Elon Musk ha creado un ideario para atacar La Odisea de Nolan que ha basado en dos mentiras para justificar que debajo de todo no hay más que el racismo de un montón de hombres blancos. El primero lo ha lanzado varias veces, y lo repitió el pasado 6 de julio cuando en su red social, X, decía que “Chris Nolan profanó a Homero y se humilló de rodillas solo para cumplir con las normas de la corrección política necesarias para ganar un Oscar”.

Ahí está el primer argumento falso. Musk dice que ha metido una Helena de Troya negra para ganar el Oscar por las nuevas reglas de inclusión y diversidad de la Academia de Hollywood. Solo hay que mirar la anterior película de Nolan, Oppenheimer, para ver que no es cierto. En aquel biopic no hubo ni uno de los intérpretes de color y ganó el Oscar a la Mejor película, a la mejor dirección y otros cinco más.

Las normas de inclusión no han cambiado desde entonces. Aquel fue el primer año que entraron en vigor. Aun así, solo hace falta leerlas para darse cuenta de que casi la totalidad de producciones cumplen con esos estándares, que son realmente laxos. La Academia ha creado cuatro bloques de inclusión, de los que hay que cumplir solo dos. El primer criterio sí hace referencia a los intérpretes. “Al menos uno de los actores principales o de reparto importantes presentados para su consideración al Óscar pertenece a un grupo racial o étnico subrepresentado en un país o territorio específico de producción”, dice la norma. Primero, con Zendaya lo hubiera cumplido La Odisea, por lo que contratar a Lupita Nyong’o no hubiera sido necesario.

Aun así, este criterio no tiene por qué cumplirse si cumples otros dos de los tres, y estos sí que son prácticamente asequibles a todo el mundo. El bloque B hace referencia a los equipos técnicos. Puedes tener dos líderes creativos de todas las categorías técnicas (de casting a producción pasando por maquillaje) que sean de un grupo infrarrepresentado: (Mujeres, racializados, LGTBIQ+ o con alguna discapacidad física o cognitiva). Todas las películas de Nolan tienen a su mujer a Emma Thomas como productora, casi todas a Jennifer Lame como montadora, y a Luisa Abel como jefa de maquillaje. Por lo que es un estándar que cumple desde antes incluso de que se pusieran estas normas. Un punto hecho.

Y después llegan las otras dos categorías que son las que, incluso aquellas producciones que tienen todo hombres blancos en su equipo técnico, artístico y de intérpretes, cumplen de lejos. Básicamente, con tener becarios que pertenezcan a uno de los grupos citados anteriormente cumplirías el estándar C. El último dice que tienes que tener “Representación en desarrollo, marketing, publicidad y distribución”. Por tanto, si Nolan no hubiera querido poner a Lupita Nyong’o hubiera optado igualmente a los Oscar por cualquiera de los otros criterios. De hecho, simplemente viendo las películas nominadas al Oscar desde 2024, uno ve que hay muchísimos títulos sin intérpretes racializados en sus repartos: Anatomía de una caída, La zona de interés, Maestro, Anora, The brutalist, La sustancia, Bugonia, Hamnet o Valor Sentimental.

Los historiadores contra Musk

El otro argumento del ideario de Musk y sus seguidores es el de la fidelidad histórica y literaria. Se agarran a la única frase de La Odisea en donde se puede descifrar que el personaje es blanco, cuando Homero la describe “de blancos brazos”. Muchos expertos creen que Homero quería indicar con eso no la raza de Helena, sino su estatus social. De todas formas, se olvidan de que La Odisea es una ficción —ni Odiseo ni Helena de Troya son personajes históricos—, y esto es una adaptación. De hecho, si quisieran una fidelidad histórica, primero tendrían que haber boicoteado una película americana y rodada en inglés. Además, los actores deberían haber hablado griego.

La idea de ‘civilización occidental’ es una invención histórica del siglo XIX, desarrollada para justificar la esclavitud, el racismo y la colonización y construcción de imperios europeos y americanos

Emily Wilson — Clasicista

Han sido los historiadores y expertos en La Odisea los que han dicho que ese argumento no tiene ninguna lógica. Emily Wilson, clasicista que estudió en Oxford y responsable de las traducciones modernas de La Ilíada y La Odisea, además de jefa del departamento de estudios clásicos de la Universidad de Pensilvania, contaba recientemente al medio Wired que “la idea de ‘civilización occidental’ es una invención histórica del siglo XIX, desarrollada para justificar la esclavitud, el racismo y la colonización y construcción de imperios europeos y americanos. En realidad, no se trata de una continuidad histórica absoluta con la antigua Grecia”.

El historiador Tom Holland definió la adaptación como “la mejor del mito griego” que ha visto. “Honra a Homero y a la vez hace algo nuevo con él”, escribió en X, donde Elon Musk, por supuesto, le atacó. Otro experto en Homero es el profesor Daniel Mendelsohn, que ha traducido al inglés La Odisea y que ha escrito Una odisea: un padre, un hijo, una epopeya (Seix Barral). En una charla reciente en el Hay Festival, Mendelsohn ironizó diciendo que “¿quién iba a imaginar que Elon Musk supiera tanto de las leyendas griegas?”, y subrayó que se confirmaba que como en La Odisea “Helena de Troya seguía causando furor entre los hombres”.

“Lo más gracioso es que Helena tiene un papel minúsculo en La Odisea. Siempre acapara la atención, pero su papel es muy pequeño, así que el debate resulta particularmente absurdo. Nadie dice que Matt Damon, de origen escocés-irlandés, sea una elección absurda para interpretar a este astuto personaje del Mediterráneo oriental, así que es curioso lo que molesta a la gente”, añadió Mendelsohn, que como aficionado a la ópera comentó que nadie cuestiona actualmente que se “elijan actores afroamericanos para el papel de Isabel de Valois, porque es lo normal”.

“De todas las cosas que pueden preocuparnos en una adaptación de La Odisea, no creo que sea esta una de ellas. Creo que es una elección deliberada, una elección provocadora y, se podría argumentar, que concuerda con la preocupación del mito de Troya, que es cómo reflexionar sobre la belleza. Uno de los objetivos del mito es hacernos pensar sobre la belleza y sus efectos. Así que, en ese sentido, creo que la elección de Nolan de esta actriz tan bella, que además es de origen africano, nos sitúa de lleno en el centro de un debate muy antiguo”, afirmó.

También Mary Beard, especializada en estudios clásicos, catedrática en la Universidad de Cambridge y profesora de literatura antigua de la Royal Academy of Arts, ha opinado al respecto. “La Odisea es una historia. No sucedió en la realidad. No deberíamos confundir un personaje mitológico con personas que vivieron realmente. Por otro lado, los griegos sí creían que todo esto era histórico. Y existe un lugar llamado Troya. Y Odiseo regresa a un lugar que sí existe: Ítaca. Pero las brujas, los remolinos y los gigantes tuertos... eso no existe. La gente de ahora, la gente de antes, la gente durante miles de años ha intentado recrear el viaje de Odiseo en el mundo real. Algunas de las mentes más brillantes del mundo han perdido el tiempo intentando hacer esas cosas, pero lo siento, es ficción”, dijo en una charla con el Chicago Tribune.

Por suerte, la campaña no ha surtido efecto. Las primeras previsiones de los expertos colocan al filme de Nolan arrasando en taquilla en su primer fin de semana con unas cifras que pueden superar los 100 millones solo en EEUU, una cantidad superior que la de Oppenheimer, y que sería la mayor de Nolan sin contar la trilogía de El caballero oscuro.

En 2004, cuando Christopher Nolan empezaba a hacerse un nombre gracias al éxito de Memento e Insomnio, Hollywood le ofreció realizar una película sobre Troya. Paralelamente, Wolfgang Petersen, artesano sin excesiva personalidad que había entregado a la industria películas como Air Force One o La tormenta perfecta, preparaba un Batman Vs Superman que uniría a los dos héroes de DC mucho antes de que lo hiciera Zack Snyder. En un giro del destino, a Petersen le cancelaron su película, y Warner le ofreció… Troya. A Nolan, de rebote, le tocó reiniciar la saga de Batman. Mientras que Petersen se estrelló en su adaptación estilizada y casi de pasarela de modelos del relato clásico con Brad Pitt a la cabeza, Nolan reinventó el cine de superhéroes y lo llevó a otro nivel en una trilogía cuyas consecuencias se siguen notando (para bien y para mal) en el cine actual.

Podría decirse que estaba en el destino de Christopher Nolan rodar, en algún momento, una película épica ambientada en la Antigua Grecia. Así, tras el éxito de Oppenheimer —un éxito que llegó tras cambiar a Warner por Universal por el maltrato sufrido con el estreno en salas de Tenet cuando abrieron las puertas después de la pandemia—, un filme de tres horas que superó los 800 millones de dólares en todo el mundo y que ganó siete premios Oscar, Nolan ha recogido aquel sueño frustrado. Lo ha hecho a lo grande. Nolan decidió que era el momento de decirle a la industria que lo que quería era adaptar La Odisea, la madre de todos los relatos. La historia clásica por antonomasia. La que solidificó la narrativa del viaje del héroe. Una narrativa que, posteriormente, Hollywood ha copiado y pervertido hasta la extenuación.

De partida, que alguien que ha amasado una cantidad de dinero ingente, que tiene la oportunidad de hacer lo que quiera, haya decidido realizar una película que, a priori, va a la contra de lo que se está haciendo en Hollywood, es para aplaudirle. En un mundo de franquicias, de efectos visuales patateros y de reboots modernos, Nolan vuelve a la esencia del storytelling. A esa Odisea que se popularizó como relato oral y que en su propia esencia tiene el arte de contar historias como elemento central.

Nolan ha usado su posición de privilegio para adaptar un clásico de una forma fiel, pero trayéndolo al presente y subrayando algo muy importante: los clásicos hablan de nosotros. Leer ahora mismo las obras magnas de la literatura nos atraviesa desde el momento actual. La Odisea no es un relato viejo ni rancio, sino que es una emocionantísima historia de aventuras que cuenta el regreso de un personaje marcado por la pérdida y las heridas de una guerra.

Muchos podrán hacer el chiste fácil y decir que, que Nolan adaptara La Odisea es un designio de los dioses, y sin embargo, eso chocaría frontalmente con la propia película del director, que es tremendamente terrenal. Aunque se mencione constantemente a los dioses, estos nunca aparecen como personajes. No hay conversaciones entre Zeus y Poseidón, ni elementos fantásticos como las transformaciones de Atenea —aunque se hace un guiño constante con Telémaco diciendo una y otra vez “Tienes los ojos de Atenea”–, única deidad que aparece en pantalla y que solo Odiseo puede ver de forma física en una de las decisiones narrativas más arriesgadas y la que incluso se atreve a dar una explicación racional en una coda final magnífica, emocionante, puro Nolan, y que se desvía del relato original para reforzar su mensaje político y actual.

“En un tiempo de aparente magia”, dice el bardo que se escucha en los primeros segundos de La Odisea, y esa aparente magia es la que se cuestiona Odiseo constantemente. ¿Cómo saber que los dioses existen? La respuesta de Atenea le remite, sin embargo, a las cosas que puede ver y palpar en la tierra: el dolor, el amor, una lágrima… Para Nolan lo divino no son rayos que fulminan desde el cielo, sino que lo divino son los actos de los seres humanos, y entre todos ellos, el amor, algo que ya había explorado en Interestelar. Si allí el amor era lo que trascendía el tiempo y el espacio, la constante física que nadie había tenido en cuenta, aquí el amor no es solo el motor del viaje de Odiseo, sino que el amor y la empatía es lo que nos hace humanos y nos diferencia de los monstruos.

Es curioso que en pocos meses se hayan estrenado dos filmes como El día de la revelación y La Odisea, donde dos de los popes de Hollywood hayan creado filmes tan grandes, tan propios de Hollywood, y a la vez tan políticos sobre un mundo que se va a pique y donde solo aceptar las barbaridades cometidas y mirar con empatía al otro nos puede salvar de seguir cometiendo los mismos errores. Nolan no rechaza nunca la épica, la aventura ni la acción de su filme, pero tiene claro cómo unir La Odisea con la actualidad y logra uno de sus filmes con un mensaje político más potente.

La fidelidad Nolaniana

El gran triunfo de Nolan, además de haber podido hacer la película que ha querido, de rodar en IMAX, hacer un filme de tres horas, con efectos prácticos y los intérpretes que le han dado la gana, es haber conseguido una adaptación impecable de una obra cuya traslación a la gran pantalla parecía imposible. Quizás solo había que tener los medios y amar tanto como Nolan el material de partida. Su Odisea es fiel hasta el tuétano a la obra de Homero. Los amantes del texto original no estarán defraudados.

Nolan mantiene todas y cada una de las aventuras del viaje. Desde el encuentro con el cíclope Polifemo (aunque aquí difiere bastante del juego de ingenio del original), al Hades —una de las mejores escenas del filme por cómo resuelve uno de los pasajes más complicados—, pasando por las sirenas —un momento cuya apuesta formal pone los pelos de punta— y el encuentro con Circe, donde una Samantha Morton descomunal humaniza a uno de los personajes que más relecturas feministas ha tenido en un momento donde los efectos prácticos sobresalen y Nolan se sumerge en una especie de body horror espeluznante.

El gran triunfo de Nolan es haber conseguido una adaptación impecable de una obra cuya adaptación parecía imposible y haber podido trasladar su estilo y personalidad

Mantiene, además, algo importante. La Odisea es una historia que se recuerda. La guerra de Troya —otra escena magnífica que recuerda a lo agobiante de Dunkerque— se recuerda cuando Menelao se la cuenta a Telémaco. Igual que todo lo ocurrido con Odiseo —un estupendo Matt Damon— y su tripulación es algo que él va recordando en su estancia con Calipso. De alguna forma, Homero ya creó una estructura que responde muy bien a los intereses narrativos del propio Nolan, que utiliza ambas líneas narrativas y las va trenzando en un juego temporal muy suyo.

Pero si la película no es solo una adaptación de un ratón de biblioteca es porque Nolan consigue ser, sobre todo, él mismo. Su estilo está presente en cada plano. En la excelente banda sonora de Ludwig Göransson. En el montaje fragmentado. En esos fogonazos en forma de recuerdos que trufan la narración. En la importancia del sonido. También en la inclusión de esos elementos que remiten a la narrativa clásica, como el broche de Penélope o el palito del sorteo de Sinón.

Aunque a Nolan le cueste juntar su propia personalidad y la de La Odisea original, y en los primeros compases uno vea demasiado la mano nolaniana intentando destacar, acaba logrando una conjunción casi imposible y perfecta que alcanzan su cima en un clímax final donde Nolan es más Nolan que nunca. Si la película empieza con un amago de contar la historia de Troya a cargo del bardo —un intento que es cortado por Penélope—, ese mismo momento se repite en un final que otorga a su visión una estructura casi circular que tanto gusta al director.

Ahí es donde hace que algo obvio parezca hasta un final en una coda que se desmarca del texto base y donde Odiseo revive, en su reencuentro con Penélope, lo ya contado pero desde el punto de vista de quien lo vivió en primera persona. Así, La Odisea termina siendo una mirada a los horrores de la guerra que vamos a ver en un momento de actual guerra y donde los héroes quizás solo sean verdugos a los que la narrativa ha convertido en héroes. Una escena que es mucho más potente en lo emotivo que el enfrentamiento final con los pretendientes, demasiado alargado y repetitivo.

Otra de las actualizaciones que Nolan acomete con éxito tiene que ver con las mujeres de la historia. La base del texto de Homero le da al cineasta la posibilidad de escribir sus mejores personajes femeninos, algo que sin duda, nunca ha sido su fuerte. Se nota en la fuerza de la Penélope que borda Anne Hathaway, pero también en cómo mira desde el presente y en unas cuantas líneas complejiza y entiende a dos mujeres que fueron víctimas y que siempre se trató como villanas: Helena de Troya (al igual que su hermana Clitemnestra) y Circe a las que dan vida de forma imponente Lupita Nyong'o y Samantha Morton.

O en uno de los personajes que no aparecen en La Odisea y que aquí usa como uno de los corazones de la historia, el Sinón que interpreta Elliot Page. El hombre que engañó a los troyanos para meter el caballo y que sí aparece en La Eneida y La Iliada. Su presencia actúa para enlazar a Odiseo con el villano que da vida de forma desatinada y excéntrica Robert Pattinson —los intérpretes masculinos se lucen menos, aunque John Leguizamo destaque y Tom Holland esté mejor que nunca—, y también para incidir en las heridas de la guerra en Odiseo.

Entre las novedades también hay una última escena, que continúa la obra, y que subraya el interés de Nolan en las consecuencias terrenales de los actos y en el poder del amor para redimirnos. Constantes que vuelven a dejar clara su coherencia como narrador. Un narrador tan ambicioso como necesario en esta industria. Uno cuyos éxitos ensanchan los límites del cine comercial que vuelve a poner a Hollywood a sus pies con un filme apoteósico.

Desde hace tres semanas es casi imposible escapar en Netflix de alguna promoción de Te encontraré. Su algoritmo la recomienda a todos los usuarios que entran en la aplicación de la plataforma, y desde su estreno se ha consolidado como el último fenómeno de la compañía. La miniserie de ocho episodios lleva en el primer lugar de las series más vistas desde su estreno con grandes datos de audiencia (que publica Netflix cada martes). No es de extrañar cuando uno ve que detrás del argumento se encuentra una novela de Harlan Coben.

Seguramente casi nadie haya oído hablar de Harlan Coben, y con la misma seguridad pocos habrán leído una de sus creaciones, aunque es un escritor con decenas de novelas publicadas y está considerado como uno de los mayores creadores de best sellers de la actualidad, de esas novelas de aeropuerto de consumo rápido. Sin embargo, lo que es prácticamente imposible es que alguien no haya visto al menos un episodio de una serie basada en sus libros.

Te encontraré, que cuenta la historia de un padre encarcelado injustamente por el asesinato de su hijo que logra escapar de prisión tras descubrir una fotografía que sugiere que el niño sigue vivo, es el último ejemplo. Y todas siguen los mismos patrones. Thrillers de tramas rocambolescas, imposibles, sin lógica aparente y que se lo juegan todo a giros aún más locos que dejan sorprendido al espectador. Lo ha demostrado en otros fenómenos del streaming como Safe, No hables con extraños y El inocente.

Lo curioso del fenómeno de Harlan Coben es cómo su estatus de prestigio o éxito se ha construido gracias a las adaptaciones de sus libros más que gracias a los propios libros. Y cómo todos los países donde se ha publicado han coqueteado con sus creaciones intentando aprovecharse de esas historias que de puro delirio acaban conquistando a los espectadores. Aunque ahora haya sido Netflix quien esté explotando la gallina de los huevos de oro —la plataforma tiene un acuerdo de exclusividad para adaptar sus libros desde 2018 y hasta tiene una categoría propia donde agrupa sus series y películas— fueron los franceses los primeros que se fijaron en Coben.

Fue en 2006, mucho antes de que Netflix lo descubriera y de que se convirtiera en un éxito. El cineasta francés Guillaume Canet adaptó una de sus novelas en el thriller No se lo digas a nadie. Tuvieron que pasar nueve años para que se produjera otra adaptación. Fue de nuevo en Francia, donde François Velle adaptó Última oportunidad en formato miniserie. Un año después llegaría el debut de Coben como creador de series. La británica The five contaba con él como guionista, pero no adaptaba ninguna de sus novelas, algo que sí hizo la francesa Solo una mirada en 2017 y, sobre todo la inglesa Safe, que en 2018 se convirtió en la primera vez que Netflix apostó por una de sus novelas. Su éxito fue lo que cambió todo.

¿De dónde sale Harlan Coben?

Según la biografía oficial de su editorial en España y la que circula por diferentes medios, Harlan Coben nació en Nueva Jersey en 1962 en el seno de una familia judía. Estudió ciencias políticas, y fue en el último año de universidad cuando decidió probar suerte como escritor. A los 26 años aceptaron su primer manuscrito, una novela donde ya apostaba por el suspense de título Sin un adiós, que salió a la venta en 1990. Sin embargo, fue su saga dedicada al personaje de Myron Bolitar, un exbaloncestista convertido en agente de deportistas de élite que acaba enredado en crímenes y asesinatos la que le hizo famoso y exitoso.

La primera entrega, Motivo de ruptura, llegó en 1995, y desde entonces su producción de nuevos episodios de la franquicia ha sido constante. Solo un año después publicó dos nuevos libros sobre Bolitar, personaje al que ha seguido explotando comercialmente hasta en 12 ocasiones. La última en 2024.

Según RBA ha vendido más de 50 millones de ejemplares en todo el mundo y sus libros se han colocado en la primera posición de los best sellers del New York Times, además de traducirse a más de 46 idiomas. Le describen como el único escritor ganador de los cuatro premios de misterio y novela criminal más importantes: el Edgar Award, el Shamus Award, el Anthony Award y el Premio RBA de Novela Policiaca. Como curiosidad, en una entrevista en Vanity Fair contó que trabajó de joven como guía turístico en Marbella.

Un éxito en muchas lenguas

Una de las peculiaridades del éxito de Harlan Coben, especialmente desde su llegada a Netflix, es que sus adaptaciones no se limitan al mercado anglosajón, sino que se han producido en muchos idiomas y países. Bosque Adentro y Ni una palabra se han hecho en Polonia, mientras que El inocente fue una de las series españolas más vistas. Oriol Paulo se trajo a Barcelona y a su universo la creación de Coben en una miniserie con Mario Casas, José Coronado y Aura Garrido. También Argentina ha caído a sus encantos, donde Miguel Cohan y Hernán Goldfrid se encargaron, en 2025, de Atrapados.

Todas forman parte del acuerdo de colaboración global con Netflix que firmó en 2018 para adaptar, al menos, 14 de sus novelas como series o películas. En todas ellas él entra como productor ejecutivo y supervisa los proyectos. La primera producción de ese acuerdo se estrenó en 2020, y desde entonces se ha convertido en uno de los focos de producción más importante para la empresa de la N roja.

Un acuerdo que se ha extendido de nuevo, pero que no es exclusivo. Harlan Coben también prevé de giros y thrillers a otras plataformas. De hecho, en Prime Video se pueden ver Refugio y Lazarus. Ambos títulos vienen acompañados de la frase ‘De Harlan Coben’, dejando claro que el autor ya es una marca reconocible para aquellos espectadores que quieran ver una serie de suspense con final sorprendente.

Eso sí, será Netflix quien estrene una de sus adaptaciones más esperadas, la que tiene que ver con su personaje más popular en las novelas, ese Myron Bolitar que ya tiene showrunners (David E. Kelley y Kyle Long) y reparto para sus papeles más importantes. Colin Woodell interpretará a Myron Bolitar, KJ Apa a Win Lookwood, y Diane Guerrero dará vida a Esperanza en una serie que será, sin duda, uno de los platos fuertes de Netflix en 2027.

Este miércoles comenzó una nueva edición del Mad Cool. Por allí pasaron Foo Fighters, Moby —que fue el único que usó su altavoz para decir algo y atacar a Trump— y la sorpresa inocentona de unos Arde Bogotá disfrazados de la banda inventada Bigger Splash. Pero caminando por Villaverde de camino hacia su novena edición, siguiendo las hordas de gente que van desde el metro al macro recinto creado para estos eventos, y a 40 grados, me dio por pensar en la forma en la que consumimos cultura y sus consecuencias. Unas consecuencias que no solo afectan a la industria de la música, sino, como ejemplifica ese sitio, a las propias geografías y urbanismos de las ciudades.

Especialmente la música se ha convertido en los últimos años en una burbuja enorme. Una burbuja que ha ido creciendo y que ha tenido en los macrofestivales su cara más visible. No había ciudad, especialmente ciudad de vacaciones, que no tuviera su macrofestival. Y lo tenían no porque se amara a la música, sino porque se amaba el dinero. Veían en ese boom una forma de ganar cantidades ingentes de pasta.

No hay nada nuevo en ese sentido, pero el problema es que lo están haciendo a costa de la gente y de la connivencia de otros tantos. Cuando uno va al Mad Cool no piensa en los vecinos de Villaverde ni de Colonia Marconi. En cómo ese recinto ha alterado sus vidas. En cómo el ruido hace sus noches insoportables y cómo han construido un recinto que altera su día a día.

Los ayuntamientos construyen cada vez más estadios y superficies para poder dar conciertos. Y hasta anuncian normativas a su antojo para que no haya un solo estadio que se quede sin hacerlo. Sin salir de Madrid, lo que está pasando con el estadio Bernabéu es el mejor ejemplo. El enfrentamiento vecinos vs Florentino Pérez sigue su curso, pero el presidente del Real Madrid tiene claro que harán una norma para darle la razón.

Esa insensibilidad creo que viene porque realmente la gente que va a estos sitios, en muchas ocasiones, no ama realmente la cultura, sino que quiere contar que ha estado en un sitio. Un paseo por el Mad Cool lo deja claro. Muchas de las miles de personas que abarrotan el recinto no van porque amen la música de Foo Fighters, sino porque el Mad Cool es ‘el sitio en el que hay que estar’. Allí ves a gente que se cree que está en Coachella haciendo fotos con la noria en vez de ir a descubrir algún grupo. O jóvenes que, evidentemente, lo que están es de botellón con música de fondo.

Por supuesto que no todo el mundo es así, pero esa tendencia está cada vez más extendida. Y no solo en la música. Ahora se ha puesto de moda hacer una foto a la pantalla de cine para poder contar en redes sociales qué película estás viendo. ¿Por qué tienes que fotografíar la pantalla mientras está la película? Primero, es ilegal. Segundo, ¿no te vale con decir si te ha gustado o no? La gente no quiere consumir cultura, quiere acudir al evento cultural para ser guay y contarlo. Y eso está haciendo que nuestra responsabilidad como consumidores sea cada vez menor.

Parece que la burbuja de festivales se pincha. Este año han cancelado muchos alegando que no han vendido suficientes entradas, pero ¿y las heridas que dejan a su paso? Las heridas culturales, industriales, urbanísticas y económicas… A nadie le importa mientras puedan hacerse una foto con un look increíble en el sitio de moda. Menos mal que todavía hay excepciones. Nuestro compañero Nando Cruz nos habló el otro día del (a)phònica de Banyoles, y uno vuelve, de repente, a confiar en que las cosas se pueden siempre hacer de otra manera mejor.

Tres películas

'Las corrientes'. Qué película tan especial, misteriosa, diferente y sugerente ha dirigido la cineasta argentina Milagros Mumenthaler. El estudio del personaje que interpreta magníficamente Isabel Aimé Gonzalez Sola nunca sigue los derroteros del cine actual, y se convierte en una historia hipnótica en la que es mejor perderse sin buscar explicación.

'Winnipeg, el barco de la esperanza'. El Winnipeg fue el barco fletado por Neruda para que los republicanos españoles huyeran cuando Franco gana la guerra. Al cine español le cuesta poner sus ojos en historias como esta. Ha sido, además, la animación quien lo ha hecho en una rara avis de nuestra industria que hay que reivindicar.

'MegaDoc'. Filmin ha estrenado el documental que muestra las bambalinas del batacazo que se pegó Francis Ford Coppola con Megalópolis, su proyecto soñado que dio muestras de caos desde su rodaje. El director Mike Figgis (responsable de Leaving Las Vegas) tuvo acceso a todo (o casi) el rodaje y lo cuenta en una película que muestra la intrahistoria de un fracaso fascinante.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'Lobos' de Robert Brodsky (Random House). Adentrarse en las páginas de esta novela supone enfrentarse a la brecha insalvable que se abre entre un padre y su hija adolescente. Durante un largo e inquietante viaje en coche rumbo a un campamento ecológico en Ohio, ambos protagonistas deben lidiar con sus propios duelos, la enfermedad y los fantasmas políticos del pasado. Se trata de un retrato del desconcierto de toda una generación frente al derrumbe del mundo adulto. Ya en librerías.

'Polis y cacos' de Paloma Bravo (Contraluz). La autora madrileña publica una obra sobre la infancia elitista y las etiquetas sociales. Todo arranca cuando la antigua alumna más atractiva y cruel de la promoción propone un absurdo reencuentro de exalumnos de colegio privado para jugar de nuevo al clásico juego infantil. A través de un chat grupal, la convocatoria reactiva viejos rencores e incluso recuerdos de acoso escolar. Ya disponible en librerías.

'La reina que surgió del frío' de S. J. Bennett (Salamandra). La reina Isabel II se enfunda los guantes de detective en una obra de intriga con el telón de fondo de la Guerra Fría. Durante un trayecto a bordo del tren real en 1961, una dama de compañía asegura haber presenciado un asesinato desde la ventanilla, destapando una compleja red de espionaje internacional vinculada al entorno de la princesa. Ya se puede encontrar en librerías.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Siete años. Más de la mitad de una década. Ese es el tiempo que ha estado Madonna sin publicar nueva música. Sin embargo, la artista está de vuelta con la segunda parte de su clásico Confessions. Hemos analizado en elDiario.es lo que supone este lanzamiento en la trayectoria de la que es sin duda una leyenda, pero ahora toca hablar de una de las canciones, que ya forma parte de nuestra playlist de recomendaciones, donde puedes encontrar también las de las semanas anteriores.

'Danceteria' de Madonna. Esta canción toma el título del nombre de una discoteca neoyorquina de principios de los años 80. Fue allí donde comenzó la carrera de Madonna. El tema recrea con dinamismo la vida de la estrella en el Nueva York de aquel entonces, nombrando a amigos y figuras clave como Keith Haring, Basquiat y Debi Mazar. La canción utiliza una interpolación de Lou Reed, trayendo de vuelta su cláisco Walk on the Wild Side.

'Die on This Hill' de Sienna Spiro. La joven compositora británica, una de las voces revelación de este año, firma una de las baladas más conmovedoras de su álbum debut, Visitor. La pieza comenzó a gestarse mientras Spiro intentaba tocar Bohemian Rhapsody al piano, derivando en un desgarrador himno de corte soul sobre la lealtad extrema y la tozudez en el amor.

'Gospel Oak' de Wolf Alice. Esta semana se está celebrando el Mad Cool en Madrid y entre sus invitados se encuentra Wolf Alice, que subió al escenario el pasado miércoles. Sin embargo, el aclamado cuarteto de Londres también tiene novedades musicales. En este caso, la banda regala una joya de folk íntimo y acústico que rescata las mejores esencias de su sonido. Se trata de un descarte de su último álbum, compuesto por la vocalista Ellie Rowsell, que toma su nombre del distrito donde creció la banda.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Festival Pirineos Sur (Huesca). Que no cunda el pánico si no podéis ir a este festi este fin de semana, porque durará hasta el próximo 26 de julio. Se celebra en el Auditorio Natural de Lanuza, un lugar espectacular al aire libre en mitad de la naturaleza. Este viernes actúan Suede y Nacho Vegas, el sábado Los Planetas y Christina Rosenvinge, el domingo Bomba Estéreo y Alex Serra & Totidub. Más adelante les tomarán el relevo artistas como La M.O.D.A, Judeline, Samuraï, Monrieur Periné, Valeria Castro y Jorge Drexler.

Esther Boix - Un mundo en lucha (Barcelona). Este fin de semana es vuestra última oportunidad para visitar esta exposición del Espais Volart sobre Esther Boix i Pons, que fue todo un ejemplo de lucha y superación. Comprometida con la transformación social, entendió la pintura como un instrumento de reivindicación de los derechos y las libertades individuales y colectivas. Paralelamente desarrolló una intensa labor pedagógica como una de las fundadoras de la Escola d'Expressió L'ARC, donde formó a generaciones de jóvenes poniendo el arte al servicio de las personas. La exhibición es la primera gran muestra retrospectiva dedicada a la artista.

Yo fui a EGB (Madrid). El Centro de Cultura Contemporánea CondeDuque acoge esta nostálgica exposición que reúne elementos como el cuaderno 'Rubio', los materiales escolares, la primera colonia 'chispas', los sábados por la mañana en la tele, la banda sonora de tantas infancias y las cocinas de las abuelas. Los visitantes se embarcarán en un viaje al pasado en el que se reencontrarán con una serie de personajes como la profe de tercero, el dependiente del videoclub del barrio o, incluso, Espinete.

Bilbao BBK Live (Bilbao). No podía faltar un festival de música en nuestras recomendaciones de planes. Calvin Harris, David Byrne, Robbie Williams, Belle and Sebastian, Dellafuente, Lily Alen, Zaz, Ralphie Choo y Paris Paloma son algunos de los más de 80 artistas que actuarán este fin de semana en este evento musical que celebra su 20º aniversario. ¡Enhorabuena!

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Eclipse total en nuestros corazones. Ha muerto Bonnie Tyler, la voz rota que nos emocionó y que animó las noches de muchos karaokes. Una cantante con una de esas voces únicas y reconocibles.

Demoler, demoler y demoler. Es una pena lo que está pasando en Aragón, donde se están descatalogando palacios del siglo XVII para echarlos abajo. Nos lo cuenta nuestro compañero Jose María Sadia.

Algo pasa en la Feria del Libro. Tras cinco años, la Feria del Libro ha destituido a su directora, Eva Orúe. No se han dado motivos exactos, y las librerías y editoriales han salido en su defensa y piden explicaciones.

A las 18:35 de la tarde del miércoles, cuando daban comienzo los dos primeros conciertos del primer día del Mad Cool —Palaye Royale en el Orange, uno de los más grandes, y Hot Wax, en el Mahou Cinco estrellas—, el termómetro madrileño marcaba casi 40 grados. A ambas bandas les había tocado la pajita más corta en el sorteo. Salir a tocar a primera hora de un macrofestival siempre es malo. Hacerlo con una ola de calor que hacía que la gente buscara las sombras, los chorros de agua y los dispensadores gratuitos de crema que ofrecía una marca de bronceadores es, directamente, una misión casi imposible.

El miércoles del Mad Cool se vio marcado por el calor extremo. Un calor que hacía que la gente estuviera, además, en un extraño estado de aplatanamiento del que solo salían gracias a estímulos concretos. El primero lo logró Jehnny Beth, que comenzó su concierto haciendo mención, cómo no, al calor. “Estoy un poco mareada, ¿cómo estáis vosotros?”, dijo la artista en un momento de su actuación.

Es difícil tocar bajo una carpa sin climatización a las siete de la tarde en este Madrid tórrido, pero Jehnny Beth envolvió al público en algo que no es en absoluto frescor, pero sí un rapto hipnótico, sucio y salvaje. Salvaje como fue su grupo Savages, mucho más incómodo y punk que esta formación en solitario —acompañada de una banda de hombres, al contrario que su anterior formación— en la que ahora se presenta la también actriz (dio la sorpresa en Anatomía de una caída). Beth pidió en español que las mujeres del público levantaran la mano: “¡Mujeres al frente siempre!”, dijo antes de acometer una versión intensa de Army Of Me de Björk. Después, y a pesar del calor, la humedad y el aire que solo se mueve alrededor de los abanicos, se lanzó a hacer flexiones en la canción Push ups (que compuso con el genial dúo Sextile).

Por si fuera poco, pidió que alguna mujer subiera también a hacerlas. Una lo hizo, y llegó hasta el heroico número de 25. En ese punto del concierto, y quizá la borde del desmayo, la manera de refrescarse fue todo lo contrario de lo esperado: con sus zapatos de tacón fino de 13 centímetros, bajó del escenario, cruzó el foso y se lanzó sobre los brazos del público de las primeras filas, que la sostuvo no se sabe con qué fuerzas mientras ella cantaba, mirando fijamente a su público I’m The Man. Un concierto de una fiereza excelente para iniciar el Mad Cool.

La (no) sorpresa de Bigger Splash

El concierto de uno de los platos fuertes, Wolf Alice —que también comenzó su concierto haciendo referencia al insportable calor— coincidía casi en horario con el de una banda desconocida. Bigger Splash apareció en el cartel del Mad Cool sin que nadie les conociera. Pero había algo raro. ¿Por qué colocar a una banda random en una hora como las 21:00?, ¿por qué el Mad Cool no había colocado ni siquiera foto de ellos? Y lo más raro, ¿cómo es posible que los Bigger Splash no tuvieran ninguna canción publicada en ninguna plataforma musical pero hubieran sido contratados también en el Cruïlla y en el BBK?

Los rumores de que Bigger Splash no eran otros que Arde Bogotá comenzaron a coger fuerza la mañana del miércoles de comienzo del Mad Cool. La propia banda había dejado miguitas de pan que surtieron efecto. La cola media hora antes de empezar el concierto de aquella banda desconocida daba varias vueltas por el recinto. En esa cola había mucha gente con camisetas de Arde Bogotá. La banda española había realizado una performance/troleo que solo podía tener dos finales: o la decepción de todos sus fans, que podían estar haciendo cola para un grupo que no conocían, o llevarles al cielo al ver a una de las bandas españolas más pujantes del momento.

Cuando comenzaron los acordes (15 minutos más tarde de la hora planeada) de La torre Picasso ya no quedaba ninguna duda, y el recinto Mahou Reserva, que encima es cubierto y climatizado, se convirtió en el segundo momento en el que el Mad Cool se olvidó del calor asfixiante. El troleo de Arde Bogotá salió a la perfección y convirtieron uno de los escenarios más pequeños en uno de los focos de la primera jornada del festival donde cantaron singles de su próximo disco, entre ellos el que se llama Bigger Splash, solucionando el misterio del nombre de la banda fantasma. Cabe preguntarse qué necesidad hay de esta “performance” como ellos la llamaron, y qué pasa ahora con los próximos conciertos, que ya han perdido el factor sorpresa.

Una carrera de obstáculos

La planificación de horarios del primer día del Mad Cool convertía el recinto en una partida infernal del Mario Bros. Si uno quería ver a todos los artistas que quería le obligaba a ver conciertos a medias o apurar e ir corriendo de uno a otro para intentar llegar a tiempo en una carrera de obstáculos. Si encima, como ocurrió con el de Arde Bogotá, empieza tarde, llegar a Dogstar a tiempo era casi imposible. Y había morbo por ver al grupo que tiene a Keanu Reeves como bajista.

Nunca se aplaudió tanto a un bajista en Mad Cool, quizá desde que Flea salió al escenario con Red Hot Chilli Peppers en 2023, pero a Flea, que también es actor, no le gritaron el nombre de uno de sus personajes como ocurrió entre la primera y la segunda canción del concierto de Dogstar cuando se escuchó un “¡Neo!”. Y es que Keanu Reeves, que protagonizó la saga Matrix con ese personaje, está en el escenario y todos los móviles hacen zoom sobre él, un discreto bajista, pero Keanu Reeves al fin y al cabo, una leyenda del cine.

Dogstar no es la banda con la que Reeves se entretiene entre películas, en realidad es una vida anterior en la que él podría no haber sido Neo, si no un bajista más de una banda más del grunge americano de los 90. El grupo se formó ocho años antes del estreno de Matrix, y menos mal que Keanu Reeves no lo apostó todo a Dogstar. El grupo se separó en 2002 y la covid les juntó de nuevo dos décadas después. Y aquí les tenemos, en Villaverde, devolviendo un sonido indie 90s a este presente en el que todo vuelve, tan solo un par de horas después de que el hijo de Liam Gallagher (Gene) actuara en otro escenario —climatizado y con portadas de discos gigantes, como el Goo de Sonic Youth, eso es un plus—, en una especie de banda tributo a aquel sonido, Villanelle, que viene a ser apreciada más por nostalgia que por necesidad.

El rock eterno de Foo Fighters

Para escuchar realmente rugir al Mad Cool hubo que esperar a que ocurrieran dos hechos. El primero, lógico y natural, es que el sol se fuera y bajara la temperatura, aunque es cierto que tampoco lo hizo tanto. El otro —lo que se espera de un cabeza de cartel de un evento como el Mad Cool— se dio en cuanto Dave Grohl y su banda pisaron el escenario dos minutos antes de la hora prevista. Nada más apareció el lider de Foo Fighters el Mad Cool se desgañitó, resucitó y olvidó de golpe el calor del día.

Se notaba que había ganas de Foo Fighters. Suele ocurrir en el Mad Cool que cuando tocan bandas tan marcadas por su personalidad, y que no se suelen desviar del rock que han destilado toda su carrera, la gente que acude está poblada, mayoritariamente, por fans reales de la banda, y no por grupos de jóvenes que piensan que están en un Coachella cañí y se acercan a Villacerde para hacerse fotos con botas altas y la noria de fondo. Se nota en el uniforme. Las camisetas de Foo Fighters y de Nirvana —no hay que olvidar que Grohl comenzó como baterista de la mítica banda de Kurt Cobain— eran mayoría aplastante.

Eso ayuda a que conciertos como el que ofreció Foo Fighters funcionen a la perfección. Mad Cool sabía de las ganas y del poder de la banda, y les dio, además, el tiempo suficiente para que desplegaran su habitual setlist. Los conciertos del grupo siempre son largos. Hacen el suficiente hueco a sus míticos himnos, y eso siempre provoca que se alarguen a más de dos horas. El escenario principal de Mad Cool se reservó durante dos horas y media para un regreso que ya se hacía esperar.

Desde 2017 Foo Fighters no pisaban nuestro país. Primero la pandemia y luego la muerte de su batería, Taylor Hawkins, fallecido a los 50 años en marzo de 2022, hicieron que cancelaran las dos ocasiones previas en donde iban a tocar en España. Por eso los fans esperaban ese momento que era, además, casi un acto de presentación de una banda renovada y que ha sabido sobreponerse a la tragedia.

Grohl y compañía lo sabían, e hicieron lo que mejor saben, entretenerse poco entre canción y canción e ir encadenando sus temazos en detrimento de los de su último disco, Your Favorite Toy, publicado hace pocas semanas. Tras tirarse un vaso de agua por la cabeza en los primeros minutos, Grohl encadenó un repertorio a prueba de bombas. Es imposible no tener a los pies a las decenas de miles de personas del Mad Cool si encadenas en los primeros compases temazos como All My Life, The Pretender, Times Like These, Rope, My Hero y Learn to Fly.

Y así hasta un final en alto con Exhausted y Everlong como bises perfectos. A los que no tuvo de su lado, sin embargo, fue a los fotógrafos profesionales, que vuelven a quejarse por las condiciones que sufren en los conciertos. Si en el de Rosalía no les dejaron acreditarse, aquí solo a unos pocos elegidos a los que pidieron firmar un contrato leonino por el que cedían el copyright de las fotos al grupo a cambio de poder usarlas durante un año.

Un trance electro/político

El dichoso solapamiento de los festivales hizo que en la primera jornada los dos cabezas de cartel coincidieran a la vez y en los dos escenarios más grandes. Solo 40 minutos después de que los Foo Fighters empezaran a tocar, Moby comenzaba su concierto a escasos metros. Y ahí se evidenció el principal error en la planificación de los escenarios de este año. En una edición en la que todos los días van a ocurrir a la vez dos conciertos, el sonido de uno va a acabar comiendo parte del otro.

A Moby le ocurrió con los restos del concierto de Foo Fighters. La parte derecha de la pista se veía afectada y eso hizo que la gente apostara por ir a escucharle al otro lado, donde la propuesta por el dance y la electrónica del artista se disfrutó a la perfección. Una pena lo del ruido, porque lastró un concierto que fue una auténtica fiesta. Primero, porque Moby fue el único que alzó la voz. Es un poco triste que en momentos como los que vivimos, los músicos pasen de puntillas por todo en sus conciertos.

Apenas unos ‘Hola Madrid’ y poco más. Quizás por eso la ovación que recibió Moby cuando tras comenzar con Body Rock se dirigió al público para decirles que había traducido algo con su móvil que quería decir en español, especialmente “tras las noticias de hoy”. “¡Que se joda Trump”, dijo pronunciando la J como si fuera una Y. Lo repitió y lo subrayó: “Sé que vosotros odiáis mucho a Trump, pero nosotros le odiamos más ”, dijo haciendo referencia al ataque del presidente de EEUU a España en la cumbre de la Otan este miércoles.

Desde ese momento el artista, que iba con tatuajes de 'Vegan for life' y 'Human Rights' en brazos y cuello, desplegó una especie de conjuro electro/político que puso a los que habían abandonado a Foo Fighters a bailar en una especie de trance nostálgico (reforzado por unos visuales absolutamente noventeros) en el que recordó sus mejores temazos, Porcelain, Honey o Natural Blues, además de ese par de goles que le metió a las radiofórmulas: We are all made of stars y un Lift me up que sirvió de casi colofón en el que Moby volvió a hablar: “Esta es una canción que alerta de los peligros del fascismo y de los ataques a la democracia que vivimos. Hagamos todo por defender la democracia”. Una pincelada a la acción en una primera jornada de Mad Cool marcada por el calor y la astenia política generalizada.

No hay nada que le guste más a los medios de Hollywood que un buen fracaso. Solo hay que ver la ristra de publicaciones en torno a la taquilla de Supergirl y los líos de producción que ahora salen a la luz al rebufo del fiasco de la nueva aventura de DC. Si el batacazo, además, se lo pega una figura consagrada, el morbo es doble. Por eso, a Francis Ford Coppola se le esperó con los cuchillos afilados cuando presentó su proyecto más ambicioso y soñado, Megalópolis en el Festival de Cannes de 2024. La película había sido su obcecación desde hacía décadas. Se había intentado levantar una y otra vez, hasta que Coppola, pasados los 80 años, tuvo claro que quería materializar su sueño.

Vendió parte de sus cosechas de vinos e invirtió 120 millones de dólares de su propio dinero. Pero la preproducción fue solo el primero de los problemas de Megalópolis. Mal rollo con algunos de los intérpretes, un equipo de efectos especiales abandonando a mitad de rodaje… así hasta que se vio el resultado, una obra tan impredecible, indescriptible y loca que nadie supo bien cómo articular lo que había visto. Megalópolis era un caos, pero uno tan libre que también había que rendirse a un cineasta que, con todo ganado, se atrevía a arriesgarse por algo que le salía de las entrañas y en donde revisaba los clásicos griegos para ofrecer un mensaje político de optimismo utópico en tiempos oscuros.

Megalópolis llegó a su estreno ya con la etiqueta de película maldita, y su batacazo en taquilla lo confirmó. También le colocó una etiqueta, la de filme de culto. Viendo todo lo ocurrido uno soñaría con ver cómo se fraguó todo, qué ocurrió en las bambalinas de aquella producción caótica. Deseo concedido. Coppola, perro viejo en esto, le dio a su amigo Mike Figgis permiso para rodar todo lo que aconteciera y material personal de todas las intentonas para levantar Megalópolis años antes de que por fin lo lograra.

El resultado es MegaDoc, un documental donde se ve que todo apuntaba a problemas desde el principio. Figgis muestra el material inédito de los ensayos de las primeras versiones de muchos años antes, con Uma Thurman, Robert De Niro y Ryan Gosling en papeles que nunca hicieron. Y luego comienza a mostrar y a contar lo que ocurrió. Cómo no pudo introducir una cámara grande porque los actores se quejaban. Cómo Adam Driver y Nathalie Emmanuel se negaron a que les grabaran rodando —todo lo contrario de una Aubrey Plaza que se lo pasa pipa—, y cómo los roces de Shia Labeouf y Coppola, que luego salieron a la luz, se notaron pronto. Es el diario de bitácora de un fracaso anunciado. Un fracaso del que hasta saca las cuentas y que gastó siete millones en vestuario, casi 19 en efectos visuales y 3 en maquillaje y peluquería.

Desde el pasado Festival de Venecia, donde MegaDoc tuvo su estreno en todo el mundo, Mike Figgis contaba cómo creía que, efectivamente, la gente tenía ganas de ver caer a Coppola. “Querían ver una muerte. Querían ver al viejo toro muerto. Eso siempre ha sido parte de nuestra cultura, la prensa popular siempre quiere ver una muerte, una humillación, un escándalo. Ver la caída de un poderoso personaje es fascinante como historia dramática, y en el periodismo barato, es una historia rápida para gente que ni siquiera ama el cine y que solo buscan otro escándalo”, contaba a elDiario.es en una charla desde el Lido.

Figgis confirma que Coppola no le puso ninguna línea roja para acercarse a rodar las bambalinas, pero sí los actores, y que se dio cuenta de que, para hacer un making of como el que él quería, el tamaño era importante. “Hice un buen trabajo porque no fui una molestia. La cámara es el secreto, y una cámara pequeña fue la mejor solución. Ahora vivimos en una cultura donde todo el mundo graba con un iPhone y a nadie le importa, pero cuando Shia Labeouf me vio con una cámara grande me preguntó qué estaba haciendo. La psicología del tamaño de la cámara es algo muy importante en el cine”, argumenta.

La idea de gastar 120 millones a los 84 años no es gran cosa para Coppola. Estoy seguro de que ha hecho cálculos y le queda suficiente para vivir bien. No está en la ruina

Mike Figgis — Cineasta

Tras todo el proceso de rodaje, montaje y ahora estreno por todo el mundo —en España se puede ver en Filmin—, Mike Figgis ha llegado a una posible teoría a la pregunta que se hace todo el mundo, ¿cómo alguien se gastaría 120 millones para rodar una película?: “La relación de Francis con el dinero es casi existencial. Tenía dinero y luego lo perdió todo y parecía no importarle. Fue ahí cuando se dedicó al negocio del vino. Tiene una especie de espíritu emprendedor. Y él ha inventado muchísimas cosas, no era consciente de cómo él y Lucas cobran derechos de autor por muchas cosas, o sea que tienen ingresos. A medida que uno envejece, su relación con el dinero cambia. Cuando eres joven piensas que vas a ser inmortal y que las posesiones son muy importantes, y ahora no tiene un sentido de la propiedad tan grande, aunque lo coleccione todo”.

Figgis explica que Coppola no tiene, en estos momentos, “ningún tipo de sentimentalismo con respecto a una casa o algo así”. “Siempre piensa: Ya me compraré otra. Así que la idea de gastar 120 millones a los 84 años no me parece gran cosa para él. Es casi como si pensara: ¿Cuánto tiempo me queda? Voy a gastarlo. ¡Qué más da!. Y estoy seguro de que ha hecho cálculos y ha visto que todavía le queda suficiente para vivir bien. No está en la ruina”, aclara.

Eso sí, tiene claro que su ejemplo muestra una especie en peligro de extinción, la del director que no le da miedo “chocar contra la pared y sigue sus instintos aunque pueda tener un accidente”. “En un momento del rodaje le pregunté, ¿qué tal ha estado la jornada de hoy? Y él me dijo: Bueno, algunas cosas han funcionado, otras no. Así que haremos más de lo que ha funcionado y no repetiremos lo que no ha funcionado”, contaba con humor Mike Figgis.

El proceso de rodaje también caló en el propio Figgis, al que “ese choque entre lo viejo y lo nuevo” le hizo pensar en sí mismo y en la industria del cine: “Pensé en por qué hacíamos películas, por qué nos atraía la idea del cine, y cómo eso fue, de alguna manera, aplastado por la industria del cine, por el negocio del cine. Yo no podría hacer lo que hace Coppola. Nunca querría tener tanto dinero y tanta presión y tanta gente. Yo lo contrario. Diría que el cine necesita volver a una especie de protestantismo, más reduccionista”, opina.

Para él existen dos mundos dependiendo de cómo se responda a la pregunta de por qué uno se dedica al mundo del cine: “¿Es porque quieres ser rico y famoso, porque quieres tener una novia actriz? Ahí te das cuenta de que hay dos mundos, el del cine comercial, y el del cine puro. Y creo que esto es un debate para el público joven. El cine debe tratar sobre nosotros, decir algo sobre la humanidad. Aunque sea una historia sobre dos personas alguien tiene que decir: 'yo tuve una experiencia similar y he aprendido algo sobre mí mismo’. El cine es una extensión del teatro, y el teatro existe por una razón psicológica que tiene que ver con la sanación colectiva. Pero el cine ahora no tiene nada que ver con eso, es solo entretenimiento. Es una tontería”.

Dentro de años la gente seguirá hablando de Megalópolis. Y Figgis no sabe si será por la propia complejidad de la película, pero sí porque el propio Coppola cree que no ha terminado con ella. “Creo que hasta que él muera estará pensando en ella y habrá diferentes versiones”, zanja.

Albert Serra ya no es solo uno de los directores más radicales del cine español. Ahora, también es uno de los productores más arriesgados y que busca levantar los proyectos de colegas que buscan los mismos retos y apuestas que él. El cineasta podía haberse apoltronado, quedarse centrado en sus películas y olvidarse del resto. Sin embargo, ha decidido que hay un posicionamiento ético en ayudar a aquellos autores que comparten una visión. Como hicieron los directores de la Nouvelle Vague. Como hace Pedro Almodóvar.

Desde su productora Andergraun —junto a su socia Montse Triola— bucea entre aquellos directores que quieren levantar un proyecto y les ayudan a conseguir una financiación que ya no llega de un solo país, sino de muchos. Lo hicieron el año pasado con Alain Guiraudie, y ahora con Lav Díaz, el director filipino habitual de los festivales de cine y que acaba de estrenar Magallanes, su peculiar y único biopic sobre el conquistador al que da vida Gael García Bernal.

Serra defiende las herramientas que se están dando desde el Ministerio de Cultura para crear filmes que defienden una idea que siempre él ha expuesto, y es que el concepto de cine nacional tiene cada vez menos sentido, y que el lenguaje del cine atraviesa cualquier lengua o identidad nacional. Por eso, la unión de países y de sus ayudas públicas son clave para lograr un cine que se aleje de fórmulas rancias y algoritmos.

El año pasado produjo Misericordia, de Alain Guiraudie, y este Magallanes, de Lav Díaz, ¿ha aumentado su labor como productor?

No es que esté más ahí. Siempre estaba ahí. Lo que pasa es que ahora hay, en el ICEX y en el ICAA, y con los incentivos fiscales, pequeñas herramientas para que cada país pueda contribuir con algo en estas coproducciones minoritarias, que no son tan exorbitantemente caras. Algo de talento artístico y técnico, evidentemente, pero también con dinero de financiación. Lógicamente, antes se podía hacer sufriendo, luchando contra molinos de viento, pero ahora realmente se puede hacer. Pero lo mismo pasa con mis propias películas, son coproducciones con países que no tiene por qué ser Francia, que parece más evidente. Ahora la herramienta está ahí, y por qué no aprovecharla.

¿En qué se fija para producir a un director?

En mi caso me gusta aprovecharlo para producir a gente que me interesa. Todos son realizadores con mucha filmografía, no es como una guardería. Hoy en día hay muchos directores jóvenes que los ponen allí y luego ponen un director de fotografía superfamoso, o un director artístico superfamoso, actores superfamosos… y al final parece que el más inútil es el director, que es como un niño pequeño al lado de todos estos supertécnicos. Y lo hacen para garantizar una seguridad, para que no sea un desastre la peli. Pero tampoco se consigue mucho. Aquí es todo lo contrario, el que manda es el director, son gente que sabe muy bien lo que tiene que hacer y me interesa porque son gente con una filmografía a veces un poco irregular o desigual, como la de todos, pero que tienen varias películas muy buenas.

Ahora voy a producir la nueva de Ulrich Seidl. Si alguien ha hecho una o varias películas muy buenas puede hacer otra. La idea es que el proyecto me interese, que sea original la idea, pero tiene un poco de altruismo, de ayudar, algo que era habitual en los 60, con la Nouvelle Vague. Directores que se ayudaban unos a otros. Los que tenían más dinero porque eran de familia rica o porque habían tenido algún éxito se convertían en productores. A mí eso siempre me gustó. Y Almodóvar también produce otras cosas, o ayuda o lo que sea. Aquí no hay tanto una voluntad industrial como una cosa de ayudar a personas concretas. Ayudar no es la palabra tampoco, sino colaborar en cosas concretas de gente concreta.

Estas coproducciones de varios países me hacen pensar en algo que dice siempre, y es que el concepto de cine nacional no tiene sentido.

Hoy en día se puede rodar en inglés, en francés, en cualquier idioma porque no es tan importante el idioma. Eso es la constante de fondo de cada autor, pero lo que va a penetrar si tiene la suficiente energía y la suficiente inteligencia va a ser su obra. Esto es lo que importa. Pero para eso necesitas un poco de actitud, y también necesitas, que es lo que intento yo ofrecer, facilidad. No imponer todo el rato porque eres el productor. Que a mí también me lo hacen, no te creas, aunque a mí nunca me ha sugerido nadie cambiar una coma ni nada. Me han podido sugerir que sea un poco más corta, esto es una constante que escucho cada día.

No produzco a otros directores para figurar. Lo hago para ayudar. Es como una cosa ética. Lo que tú quieres que le hagan a uno, pues tiene que hacerlo a los otros

Albert Serra — Cineasta

¿Le ha dicho a Lav Díaz que su película fuera más corta?

No, le dije solo que no fuera de nueve horas, pero con eso podían haber sido ocho horas y media. Se sobreentendía que iba a ser una película como muchas que él ha hecho. La que ganó en Venecia eran más de tres horas. Muchas de las últimas están alrededor de las tres horas. No tienen por qué ser de cinco horas tampoco.

He leído que la distribuidora, A Contracorriente, decía que era la primera película de Lav Díaz que se estrena comercialmente en España. Es bastante curioso.

Me extraña que la que ganó en Venecia no se estrenara, pero claro, era en blanco y negro, con un tema muy específico filipino, es larga… puede ser. No me acuerdo. Pero, hostia que es un León de Oro en Venecia. En cualquier caso, bienvenido sea. Ahora se está viendo mucho en distribución esta tendencia, que funcionan las películas un poco más radicales que las que son un poco menos. Antes estaba ese cine medio que arrasaba y ahora pasan estas cosas que son sorpresas que nadie se lo espera.

Es lo que hemos visto con las películas de Cannes, que son películas raras, que se van un poco hacia el género, escoradas, algo que a mí no me interesa tanto, o pelis ya muy bien hechas, como la que ganó este año, pero siempre tienen algo de sorpresa. La película, digamos, demasiado preparada, convencional, y aburrida, ya no funciona. Estos proyectos que produzco son arriesgados, con esta película tuvimos unos problemas de la hostia en Filipinas, fue como Apocalypse Now pero en cine de autor. Se destruyeron muchos decorados, se iba alargando el rodaje… un caos. Pero qué quieres que te diga. Una vez has empezado una cosa no te puedes quejar. No haber empezado si no.

Magallanes aborda el tema del colonialismo, que de alguna forma contó en Pacifiction, donde se mostraba ese presente postcolonial, ¿hay algo de ese tema que le atrae?

Sí, me gusta. Yo leí el libro de Stefan Zweig antes del guion, cuando me empezó a hablar Lav Diaz el proyecto. Me interesaba la paradoja, que me parece hasta cómica, de alguien que era considerado tolerante, el más humanista de los explotadores, el que tenía una mirada digamos más abierta hacia lo indígena, aunque en la película se ve el sadismo en los barcos, pero comparado con los otros era más humanista, y al final muere por un arrebato de egolatría. Eso de decir ‘lo hago por cojones’. Pues ‘por cojones estás muerto’. Estuvo muy cerca de completar la vuelta, pero al final le sale la vena conquistadora e imperialista y muere.

Normalmente, a los productos no se les suele hacer una entrevista a no ser que sea para hablar de la industria, ¿cree que su nombre se ha convertido en un sello, en algo atractivo para la gente?

No sé, me da igual. Yo no lo pretendo, no quiero ni figurar. Esta película, si miras, ni salgo en la foto. No es mi cometido. Lo hago para ayudar. Joder, es que yo quiero que me lo hagan a mí. Es como una cosa ética. Lo que tú quieres que le hagan a uno, pues tiene que hacerlo a los otros. Y a la inversa, lo que uno no quiere no lo tiene que hacer él. Si yo produzco a un director no es mi sello, es el sello de esos directores. En España ahora tenemos estas herramientas que hay que agradecerlas mucho porque ahora somos un poco la envidia de algunos países y mucha gente viene a rodar aquí, y hay que aprovecharlo hasta que dure, porque todo son beneficios. Y yo tengo mi criterio, pero creo que si a mí me gusta, me impresiona, es porque algo tendrá, algo que es relevante para el cine contemporáneo o para su evolución. Algo que no está ni en las series ni en el cine convencional.

Mi nueva película está montada a un 65%. Te garantizo que vas a ver cosas que que valdrán la pena y que lo que más te dolerá será irte del cine después de la última escena

Albert Serra — Cineasta

¿Cómo lleva el montaje de su nueva película?

Bueno, yo diría que está a un 60% o un 65%. Estamos montando cada día. Quizás esté lista a finales de año o primeras dos semanas de enero. En teoría, si no suceden cosas extrañas. Pero te garantizo, ahora que he montado ese 60%, que hay entre 20 y 40 minutos intocables, que vas a ver cosas que sabes que valdrán la pena y que lo que más te dolerá será irte del cine después de la última escena. Esto ya te lo digo. Ahora queda conjugar lo que hay ahí en medio y estoy ahora en ello. Además, ya se va viendo un poco el tono de la película y es una película positiva.

Ahora que todo el cine es cínico…

Claro, todo son conflictos, problemas, y mi cine en eso era el campeón, siempre estaba la sospecha, lo latente, la ambigüedad, los malos que son buenos y los buenos que son malos, y llegaba más lejos de lo que la gente llega hoy en día. Pero me cansé de esto y de ser campeón de esto. Ahora todo es positivo. No hay conflicto, no hay nada, todo es fantástico y todo es un mundo solo con elementos positivos. Y me gusta la atmósfera. Estuve este año en Cannes y vi doce películas de competición y dos o tres fuera de competición y no hay ninguna peli así. Tiene esta atmósfera, de algo raro, a pesar de ser realista, no sé ni cómo lo conseguí porque no estaba ni en el propósito. De hecho, en el guion había un poco más de lo mismo de las anteriores, sabes que trata sobre lo que pasa con Rusia y Estados Unidos al principio de la guerra de Ucrania. Pero no es sobre guerra. Y esto desapareció por la misma lógica del rodaje. Realmente es un mundo diferente. Es bonito vivirlo, porque te pone en un estado mental diferente.

Esta semana he tenido la suerte de charlar con Pepe Viyuela, que recibe el premio Corral de Comedias en el Festival de Teatro de Almagro. Creo que muchas personas tienen al actor en su imaginario por sus personajes en series como Aída o por su mítico número de la escalera que sigue compartiéndose. Pero Viyuela es un actor que debería ser ejemplo no solo para la profesión, sino para todos nosotros. Su carrera es de una coherencia tan complicada… No hay discursos vacíos para quedar bien, sino que cuando dice algo lo siente de verdad. Siempre ha sido una de las voces más comprometidas del sector, y lo sigue siendo.

Me gusta cómo sigue defendiendo, ahora incluso más que nunca, la palabra payaso. Nosotros la hemos usado siempre para insultar y, sin embargo, él encuentra en la fragilidad y la inocencia del payaso algo revolucionario. En un mundo cínico, de figuras mesiánicas y totalitarias, de masculinidades tóxicas e inquebrantables, el payaso es todo lo contrario. Quizás deberíamos ser todos más payasos, preocuparnos más los unos de los otros y olvidarnos de querer vender una imagen de nosotros mismos que siempre muestra la cara brillante en redes sociales.

Pepe Viyuela también hizo una defensa del teatro como sitio de resistencia y activismo, y de cómo los clásicos nos hablan del presente, aunque parece que la gente se olvida de ellos. Tengo la sensación de que el audiovisual español no se está acercando a sus clásicos literarios, cuando sus problemas nos atraviesan todavía. Mientras que en Latinoamérica se han visto recientemente adaptaciones de Pedro Páramo o incluso Cien años de soledad, aquí parece que solo el teatro se atreve a agarrarlos y revisarlos.

En tiempos de algoritmo, de TikTok y de Inteligencia Artificial, el teatro sigue estando ahí, y quizás por eso hasta Javier Bardem, que hasta ahora no se había subido a las tablas, haya decidido que lo va a hacer por primera vez, de la mano de su maestro, Juan Carlos Corazza, y para revisar a otro clásico, Chéjov. Bendito teatro, y benditos payasos.

Tres películas

'Hermanos'. Las hermanas Rodríguez Colás (Carol y Marina) sorprendieron con Chavalas y ahora continúan con su retrato de la adolescencia alejado de clichés. Por fin una película que muestra jóvenes reales de barrio, con sus problemas reales y que aborda temas como la clase social o la falta de oportunidades. Todo con un trío protagonista lleno de carisma. Una bonita película.

'9 Lunas'. La sensibilidad y el humor con el que afronta la directora Patricia Ortega la historia de un hombre trans que se queda embarazado hace que el filme se aleje de cualquier posible ataque. Su respuesta es una empatía y una ternura con la que es imposible no emocionarse.

'Magallanes'. Café para los muy cafeteros, pero para los que les guste el cine pausado, reflexivo pero con un fondo político potente aquí está la mirada al colonialismo del cineasta filipino Lav Díaz con un Gael García Bernal como el conquistador y Albert Serra como productor.

Tres canciones, por Francisco Gámiz

Phoebe Bridgers está de vuelta y trae la que se ha convertido en una de nuestras recomendaciones de la semana. Recuerda que puedes escuchar nuestra playlist, actualizada cada viernes, donde encontrarás todas las canciones que han pasado por nuestra agenda cultural.

'Lost Boys' de Phoebe Bridgers. Tras más de cuatro años sin lanzar material en solitario, la compositora regala el primer adelanto de su próximo disco, Lost Weekend, que saldrá en agosto. El tema es una de las propuestas más pop y optimistas de su catálogo, distanciándose de su habitual folk melancólico. Está producido junto a Jack Antonoff y Alex G, y cuenta además con las armonías de sus compañeras de boygenius. La canción viene acompaña de un videoclip de estética medieval donde no falta guiño alguno al videojuego RuneScape.

'Autosmile' de @. El original proyecto de art-folk de Victoria Rose y Stone Filipczak debuta con una canción de casi siete minutos de duración, empezando como una balada acústica que poco a poco se engrosa con guitarras distorsionadas y panderetas. El tema aborda casi de forma poética las complejidades de una ruptura y la espiritualidad. Escúchala.

'Azúcar y Sal' de Rebe y Amaia. Una colaboración mágica que junta la delicadeza de Rebe con la calidez vocal tan directa de Amaia. Con una producción intimista y minimalista de la propia Rebeca Díaz, la canción juega con metáforas sencillas pero de un gran simbolismo sobre el amor y las contradicciones de los sentimientos: “Tú eres azúcar, tú eres sal, tú eres el vino, tú eres pan”. Rebe visitó recientemente la redacción de elDiario.es para avanzar detalles sobre su siguiente disco, que incluirá esta colaboración.

Tres libros, por Francisco Gámiz

'El cuerpo sonoro' de Corinne Frayssinet Savy (Athenaica). Esta obra es una parada indispensable para cualquier amante del baile flamenco. La autora propone entender el cuerpo del bailarín no como un elemento pasivo, sino como un instrumento autónomo capaz de producir su propio sonido y resonancia. A través de más de diez años de entrevistas y observación, el ejemplar desentraña el arte de grandes figuras contemporáneas como Israel Galván, Rocío Molina y Andrés Marín. Ya en librerías.

'La hija del gran invierno' de Isabelle Autissier (Nórdica). Recuperando la biografía de Arnarulunguaq, una niña inuit que tras sobrevivir a la hambruna de su infancia decide desafiar los roles tradicionales para sumarse a una histórica expedición en trineo en 1921, este relato plasma la resistencia y emancipación femenina frente a las adversidades de la naturaleza polar. La novela ya está disponible en todas las librerías.

'Los ingleses entienden de lana (y otros trucos)' de Helen DeWitt (Random House). La autora de El último samurái regresa con una sátira social. Se trata de una historia que presenta a una joven de 17 años educada bajo los feroces estándares estéticos de su madre adoptiva. Sin embargo, sus certezas se desmoronan al descubrir que sus padres son estafadores internacionales. La novela es una reflexión sobre cómo defenderse en un mundo que a menudo degrada y comercializa el talento. Ya en librerías.

Cuatro planes para el finde, por Laura G. Higueras

Astrid Jones & The Blue Flaps (Madrid). Nada como la música para combatir el calor, y más si es al aire libre, y gratis. Como parte del ciclo 'Las lunas de Vallekas', este grupo presentará en el Parque Cerro del Tío Pío (conocido popularmente como 'el de las siete tetas') su nuevo disco, Shine. En él invitan a poner luz sobre aquello que define quiénes somos y a celebrar la belleza y fortaleza que surge de esa conciencia. Todo ello con una fusión de soul, jazz, reggae y ritmos africanos. La voz de Astrid Jones (que os sonará si fuisteis a ver en su momento el musical sobre Tina Turner en Madrid) es alucinante, y va acompañada de guitarra, batería, bajo, saxo y coros. ¡Imprescindible!

'Apoteosis Now' (Valencia). Con sus fotografías, Cristina de Middel transmite que las imágenes no solo pueden servir para someternos, sino también para ofrecernos instrumentos capaces de liberarnos: a nosotros y a nuestra mirada. Esta muestra del IVAM exhibe en modo 'Catarata', el término que su autora usa para definir la cascada de imágenes a la que nos somete la era actual y, al mismo tiempo, esa enfermedad ocular que nos impide verlas con claridad. Si el Apocalipsis nos lleva, inevitablemente, al abismo, la 'Apoteosis' de esta fotógrafa incluye maneras de esquivarlo en esta época gobernada por la Iconocracia.

'Dibujar la modernidad' (San Sebastián). El Museo San Telmo reivindica el papel del dibujo como una de las artes más desnudas y silenciosas, de las más cercanas a los impulsos y estados del inconsciente, así como una de las más puras y primitivas. La exposición reúne obras de grandes autores albergadas en las Colecciones de la Fundación Mapfre, como Mariano Fortuny, Juan Gris, Maruja, Mallo, Pablo Picasso, Edgar Degasse, Auguste Rodin y Egon Schiele; con otros presentes en la propia institución, como Aurelio Arteta, Nicolás Leukona, María Paz Jiménez y Mari Puri Herrero.

'Espejo del mundo' (Cáceres). Esta exposición reúne todas las obras que Patricia Gómez y María Jesús González han realizado en torno al Hospital Psiquiátrico Padre Jofré de Bétera (Valencia), sobre el que trabajan desde 2017. Su proyecto, a través de materiales y soportes diversos, rescata material y sombólicamente lo invisible y marginal de los espacios, convirtiendo la memoria en gestos poéticos, en un archivo de experiencias humanas que establece un diálogo entre pasado y presente y genera una reflexión sobre exclusión, abandono y olvido.

Tres artículos por si te los perdiste esta semana

Fiesta pagana. Resulta que la mítica banda española Mägo de Oz ha estado en una espiral de demandas, indemnizaciones y acusaciones entre sus miembros. Nuestro compañero Alberto Pozas lo ha contado aquí.

Prioridad Humana. Viaje al país de los blancos se ha convertido en una de las sorpresas en la cartelera. La película se basa en la increíble y emocionante historia real de Ousman Umar, y hemos hablado con él.

El desencanto de Felicidad. Felicidad Blanc se convirtió en el personaje que robaba cada escena de 'El desencanto', la obra maestra de Jaime Chávarri. Detrás de aquella figura había una mujer fascinante.

Pepe Viyuela es payaso. Lo es a mucha honra. El actor lleva décadas reivindicando que payaso no es un insulto. Es mucho más que una profesión, es una forma de estar en el mundo. Una que reivindica la inocencia, la duda y hasta la ternura, pero sin perder las ganas de luchar y de cambiar las cosas. Quizás haya sido ese vínculo con el clown lo que ha hecho que logre una coherencia que apabulla. Pepe Viyuela es uno de esos actores en los que lo que dice y lo que hace van de la mano, y no es tan fácil.

Ha reivindicado lo popular desde el arte. Pero sin que eso signifique trivial o inofensivo, sino algo que pueda atravesar a todos de una forma horizontal, porque si en algo no cambia es en su creencia de que el teatro y el arte pueden cambiar el mundo. Él lo ha intentado siempre, desde aquel mítico número de la escalera, desde que creara hace más de 30 años su compañía El vodevil, hasta ahora, donde se mantiene en activo con las mismas ganas de jugar… y de incomodar.

Por todo ello, y por una carrera sin fisuras, el Festival de Teatro Clásico de Almagro le ha reconocido con su premio Corral de Comedias, un galardón que hace referencia al mítico espacio teatral de la localidad que para Viyuela es “un símbolo” y “un espacio de renacimiento del teatro”. Un corral descubierto casi por azar que se convierte en un “ave fénix” que invoca el espíritu del teatro desde que se creó, un teatro que ofrece la posibilidad de conectar unos con otros para buscar soluciones a problemas que, por desgracia, siguen siendo muy parecidos. Poco antes de acudir a recoger su galardón, Pepe Viyuela visitó la redacción de elDiario.es para hablar de su carrera, del compromiso del actor y de lo que es, para él, el éxito.

¿Tiene muchos recuerdos en ese Corral de Comedias?

Tengo recuerdos de espectador y como actor con algunas funciones. Las noches en el corral son inolvidables porque el lugar, esa caja mágica, yo creo que impresiona a todo el mundo, tanto al que va como espectador como al que va como actor a contar la historia. En ese lugar yo diría que siempre es un éxito, incluso si la función no es muy buena, solo con detenerte a mirar los artesonados, a escuchar cómo suena aquel espacio, e incluso a ensoñar y a sumergirte en el pasado y a pensar que el teatro es un ritual que llevamos a cabo los seres humanos desde tiempos inmemoriales. Es algo hermoso y provoca unas sensaciones muy bonitas. Y luego el festival es una fiesta.

Tanto en Almagro como en Mérida se reivindican los clásicos, pero nos hablan del presente. Tengo la sensación de que el teatro nunca ha perdido de vista los clásicos como forma de contar el momento actual, ¿es importante conocer los clásicos?

Sí, porque de algún modo tranquiliza, aunque también desasosiega, pensar que hemos seguido cometiendo los mismos errores. Tranquiliza saber que tenemos a gente que ha escrito antes sobre la condición humana y que aportaron soluciones que yo creo que siguen siendo válidas: la ética, el compromiso, el respeto a los derechos humanos… Todo eso está presente de una u otra manera. Los de las mujeres es verdad que no aparecen hasta mucho después y probablemente todavía no estén en vigencia ni en uso. Pero sí que tenemos que asomarnos constantemente a los clásicos, porque ellos hablaron de lo mismo que nos pasa y probablemente con mayor conocimiento, mayor sosiego y mayor calma de lo que nosotros nos podemos permitir hoy.

Aitana Sánchez-Gijón contaba que el teatro es el arte que seguro va a resistir a amenazas como la Inteligencia Artificial. 

Las personas que nos dedicamos al teatro reflexionamos mucho sobre esto y creo que estamos intentando hacer un coto, cerrar el acceso a estas tecnologías precisamente por el hecho de que podemos permitírnoslo, porque no es cine ni televisión, y nuestra imagen en el teatro permanece durante el tiempo que permanece y después desaparece. Tiene la fugacidad de la propia existencia y, por lo tanto, hasta ahora hemos conseguido mantenernos al margen de esta espiral digital que nos envuelve, nos atrapa, nos enreda y nos complica la vida. 

En el teatro seguimos teniendo la suerte de poder asistir a una ceremonia. Algo ancestral que se remonta a los primeros tiempos de la humanidad. Eso no ha cambiado durante miles de años y hasta ahora, afortunadamente, lo digital no ha entrado demasiado. Y confiemos en el teatro como reducto privilegiado del contacto directo entre las personas y de la huida absoluta de todo lo que tenga que ver con este mundo digital que nos ha complicado la vida en la medida en que se ha convertido en un mundo de control absoluto, de vigilancia permanente, de odio expuesto abiertamente en las redes sociales, de falsedades, de mentiras… Mientras podamos permanecer al margen de esto, yo creo que nos salvaremos el pellejo.

¿Ha cambiado cómo se enfrenta un actor a su trabajo y a una entrevista por las redes sociales?

Sí, inevitablemente piensas que todo lo que digas puede ser y va a ser, en muchos casos, utilizado en tu contra. Pero yo intento, y hablo por mí, preservar mi derecho y mi deseo de mantenerme firme en que es importante opinar. Hacerlo sabiendo que, evidentemente y probablemente, vas a estar equivocado y que tu opinión puede ser corregida o matizada por las opiniones de otros, pero prefiero no censurarme a mí mismo. No pensar en que hay que tener mucho cuidado con lo que dices, porque a lo mejor prefiero no tener cuidado y que se enfangue todo lo que se tenga que enfangar. Este mundo ya está lo suficientemente enfangado con las redes sociales y la desinformación. Yo mantengo mi deseo y mi voluntad de expresar lo que pienso en cada momento. Me parece que si tengo miedo a contar lo que pienso, ya sí que me han derrotado.

También esos ataques en redes sociales muchas veces son para que no se politicen, no hablen… Eso ya lo ha vivido en otros momentos, y pienso directamente en el 'No a la guerra'. Parece que vuelve un poco ese señalamiento cuando uno se posiciona… o quizás nunca se ha ido.

Yo creo que nunca se ha ido. Y creo que siempre hemos estado aconsejados por instancias muy diversas, por la familia, los amigos, los compañeros, que dicen no te compliques la vida. Complicarse la vida es precisamente no opinar, y por eso yo hace tiempo que no tengo redes sociales, ni las uso ni las quiero y te diría que las detesto. Me parece un lugar del que hay que salir. Creo que es una taberna en la que ya todo el mundo está borracho y en la que se respira mal y de la que es mejor irse a pasear, a conversar tranquilamente con alguien con quien te encuentres, o a estar en soledad. Las redes sociales se han convertido en tabernas infames donde lo menos que te puedes encontrar es un navajazo, insultos. Yo prefiero mantenerme al margen y prefiero seguir mi camino fuera de ellas y con quien me encuentre fuera de ellas. Hablar de lo que sea abiertamente. E insisto, sabiendo que puedo y seguramente estaré equivocado, pero que tengo mi opinión sobre las cosas que se pueden matizar y que se pueden contrastar. 

¿Afecta también al teatro que se hace? El teatro siempre ha estado pegado a la urgencia. 

No. El teatro está de algún modo al margen, en el mejor de los sentidos. Al no ser un espacio especialmente interesante para los mercantilistas, los que buscan exclusivamente el dinero en aquello que hacen, y ser un espacio más para la libertad de creación. Evidentemente, existe un teatro que busca fundamentalmente dinero. Pero hay otro tipo de teatro, que es el que a mí me resulta el más interesante, que es en el que se puede pensar, en el que se puede opinar y que se hace con muy poco dinero, con lo cual te encuentras en un espacio artesanal y de alguna manera también muy revolucionario en el sentido de que no está sometido, o al menos no tanto, a las reglas del mercado. Podemos contar las mismas historias que se cuentan en el cine, pero sin la presión de aquellos inversores que te pueden decir no cuentes esto, porque a lo mejor entonces perdemos espectadores.

En el teatro somos más libres y creo que en esa medida merece más la pena vivir ahí, en ese lugar de espacio de libertad. Hablábamos antes de la ceremonia, pero también tiene mucho que ver con el encuentro directo con el público, con ese encontrarse y respirar juntos el mismo espacio que no se vive en el cine ni muchísimo menos en la televisión. El teatro, sin que esto sirva para colocarlo en un lugar elitista, sino todo lo contrario, es un lugar para la reflexión, un lugar tranquilo y un lugar para aquellos que saben degustarlo y que quieren huir del ruido y encontrarse con la reflexión, la emoción directa en un espacio íntimo.

Siempre que se habla de Pepe Viyuela se menciona la palabra payaso, ese término tan denostado y que usted siempre ha defendido mucho.

Hace unos minutos aplicábamos el término revolucionario al teatro y es aplicable al payaso. El payaso es un personaje que va a la contra de la corriente constante en la que vivimos de desear el éxito a cualquier precio. El éxito que nos empuja a ocultar aquello que es más humanamente nuestro, nuestros defectos, nuestras debilidades. Parece que para ser exitoso hay que ser fuerte, hay que ser resistente. El payaso reivindica que puedes triunfar siendo imbécil, siendo estúpido. El payaso es el ser estúpido por excelencia que se equivoca, pero que, en cambio, a través de sus errores y de sus fracasos, consigue provocar momentos de hilaridad y, por lo tanto, de esperanza en el público asistente. Es una recuperación de lo humano en el mejor de los sentidos.

Ser exitoso en esa terminología tan utilizada por muchas universidades, por muchos discursos políticos y económicos, yo creo que nos acerca al cíborg, a ese ser aparentemente perfecto, pero carente de sentimientos. Cuando dejas entrar la emoción en ti, cuando la dejas brotar, te conviertes en un ser vulnerable, en un ser que se equivoca, en un ser que tropieza, en un ser que pide perdón, en un ser que reconoce sus errores. Yo quiero ser un payaso toda la vida porque es lo más cercano que puedo tener a volver a ser niño. Y creo que es un lugar a recuperar. Por eso no me canso de decir cuando me preguntan, '¿te ponemos como actor, te ponemos como payaso?', ponme como quieras, pero lo de payaso no lo consideraré nunca un insulto. Yo lo considero un halago y me parece que mientras viva seguiré buscando en la esencia del payaso mi lugar en el mundo.

En un momento de figuras mesiánicas y autoritarias ser payaso es casi lo opuesto.

Absolutamente. ¿Hay alguien más ridículo que Donald Trump? Creo que no. Creo que es el ser más ridículo de la Tierra. Y él se reivindica como exitoso. Me parece un patán, me parece un torpe, me parece un estúpido. El problema es que ha llegado a un tal grado de confianza en sí mismo y de acumulación de tanto poder que se ha vuelto peligroso. Pero si no fuera por el peligro que conlleva, todos nos estaríamos riendo de sus gilipolleces, de las tonterías que dice, de sus excesos, de esas fanfarronadas, esas bravuconadas que hablábamos antes de la taberna. Si en el bar escuchas hablar a alguien como Donald Trump ni miras para atrás, piensas ‘Ese tío es idiota’.

El mayor fracaso del planeta en estos momentos es estar consintiendo que alguien como él ocupe el lugar que ocupa. Es un gran fracaso, hay que reconocerlo y hay que intentar enmendarlo y evitarlo. Y no sé cómo lo vamos a hacer, pero no pierdo la esperanza de que este hombre desaparezca y deje de estar donde está y deje de tener tanto poder. Y que en algún día toda esta gente que le idolatra se dé cuenta de lo estúpido que es y además lo peligroso que es.

¿El arte tiene alguna responsabilidad?, ¿puede cambiar algo?

Yo creo que sí y que no es una ingenuidad. Pienso que el teatro es ahora mismo un elemento revolucionario y es un elemento potente de cambio. Si conseguimos sencillamente llevar adelante funciones que hablen en contra de todo lo que nos molesta, estamos consiguiendo grandes victorias. Depende de cómo midamos, del baremo que apliquemos a los logros. Pero yo prefiero ser utópico y pensar que no estoy equivocado. Sí creo que el mundo todavía se puede cambiar. Yo no soy un general a cuyas órdenes obedezcan ejércitos. No tengo millones y millones de euros que me hagan ser considerado como alguien respetable. Pero sin tener todo eso también se puede ejercer influencia, se pueden ejercer movimientos que cambien el pensamiento. Y creo que las grandes obras y las grandes conquistas han empezado por algo pequeño. Yo ahora mismo no considero naíf el hecho de pensar que una función de teatro pueda estar cambiando la forma de pensar y de ver las cosas de un número reducido de personas. Creo que hay que ser infatigable. Creo que hay que luchar, creo que hay que trabajar y no dejarse abrumar por los números.

Ha mencionado varias veces la palabra éxito, ¿qué es para usted el éxito?

Nos han escrito también que ser exitoso es tener mucho dinero, es tener poder, es tener influencia en otros. Yo creo que el éxito, a lo mejor resulta muy ingenuo, es mantenerte firme en aquello que piensas. Actuar conforme a tus principios, no dejarse corromper y tener amigos que te duren y a los que no hayas traicionado y que tampoco te hayan traicionado. Tener un entorno social en el que moverte, que confíe en ti y en quien confiar. Creo que esos son elementos de éxito. El hecho de tener mucho dinero o tener un gran coche o no sé, saber moverse en bolsa, a mí no me parece un éxito. A mí me parece que eso es saber jugar determinadas cartas que yo no sé jugar, pero que dentro de mi fracaso con respecto a estas cosas, yo sí me considero una persona con éxito. Me he equivocado muchas veces, pero ahora mismo estoy tranquilo y eso, la tranquilidad y la calma, creo que es un éxito.

¿En una carrera tan larga es difícil mantener la coherencia?

Yo creo que no, siempre y cuando tengas a lo que agarrarte. Si tú tienes unas convicciones y unos principios… siempre pueden moverte la silla y siempre puedes arrepentirte de no haber hecho esto o aquello, o de no haberte puesto de rodillas en algún momento. Puede ocurrir, pero yo es que tampoco creo que haya sido un referente. Para nada. Creo que simplemente he vivido conforme a lo que en cada momento me parecía que debía hacer, equivocándome y a veces arrepintiéndome. Quizás como nunca he estado en el ojo del huracán, pues a lo mejor ha sido fácil para mí mantenerme en una cierta coherencia. Por eso digo que no ha sido difícil. A lo mejor si ocupas un puesto de poder enorme resulta más difícil ser coherente, porque los vaivenes, los empujones y las tormentas te pueden afectar más.

¿Ha cambiado mucho el Pepe Viyuela del número de la silla o la escalera, el que montó El vodevil hace 30 años o sigue siendo en esencia ese mismo actor que salía a jugar al escenario?

Yo creo que ese es uno de los elementos que más firmemente he mantenido. La idea de que lo que hacía en mi trabajo tenía que divertirme. Y ha habido momentos en los que me he equivocado y no me divertía y he tenido la suerte de poder dejarlo y poder reconducir. Y he encontrado siempre o casi siempre en el teatro esa posibilidad. Me he hecho más viejo y probablemente en muchas cosas no tenga nada que ver con aquel jovencito que fui cuando empecé a hacer los números de la silla y la escalera, pero la silla y la escalera me siguen acompañando. Sigo aprendiendo de ellas, me siguen divirtiendo. La gente se sigue riendo con ello. Entonces hay espacios que no he abandonado nunca y otros en los que entré y decidí marcharme. Creo que estoy donde quería estar aquel estudiante de arte dramático que estaba estudiando para ser actor.

Entrevista completa

Pensar en Robin Hood es pensar en justicia. En aquel ladrón de buen corazón que robaba a los ricos para dárselo a los pobres. Es pensar en el bigotito y el traje verde de Errol Flynn, en el zorro animado de Disney. Las versiones cinematográficas del cuento medieval del bandolero que atacaba a los poderosos en el bosque de Sherwood y que desafiaba el abuso de poder del sheriff de Nottingham crearon un héroe para el recuerdo. En el imaginario de los espectadores no hay ninguna duda, Robin Hood es un héroe. Y ya llegarían después otras estrellas como Kevin Costner o Russell Crowe para demostrarlo.

La versión dirigida por Ridley Scott con Crowe como protagonista ha sido, hasta ahora, la más oscura de las miradas a los relatos originarios. Y aun así, la oscuridad era más en la forma de abordar la violencia o en la estética que en el fondo, donde Robin Hood seguía fiel a su leyenda. Ahora el director Michael Sarnoski, que saltó a la fama gracias a Pig, aquel peculiar filme donde Nicolas Cage se vengaba de todos los que habían robado a su cerda, regresa a Sherwood para ofrecer una mirada realmente violenta, oscura y que revisita el mito desde otro ángulo.

¿Qué pasaría si Robin Hood no hubiera sido tan bueno como lo pintaron las leyendas?, ¿y si detrás de todo había, realmente, un ladrón cruel y violento que perpetró salvajadas para lograr sus objetivos? Sarnoski, que probó suerte con acierto en Hollywood con la precuela de Un lugar tranquilo, ha encontrado en A24 su hueco para abordar una película que se encuentra a medio camino entre el indie de Pig y el blockbuster de la franquicia de terror creada por John Krasinski. 

Con La muerte de Robin Hood —que llega a los cines este viernes— indaga en sus obsesiones (como la soledad y la mirada oscura al héroe) y cuenta la historia nunca vista del mito gracias a un Hugh Jackman como un Robin Hood que ha sido una bestia salvaje y que tras quedar herido de muerte se replantea su existencia desde un retiro al lado de una Jodie Comer como cuidadora. Lo hace con una propuesta realmente oscura y violenta que nace de su fascinación por la leyenda en la que se han basado todas las versiones, que para el cineasta “son interpretaciones del folclore y del personaje”. “En la leyenda todo era más simple, blanco o negro, y quise humanizar estos personajes, pensar en cómo sería realmente un bandido medieval, cómo de violenta habría sido su vida y qué efecto tendría esa violencia en alguien si hubiera envejecido hasta el punto de conocer las leyendas que se contaban sobre él”.

Por eso aclara que “no quería convertir el personaje en un villano”, sino simplemente “humanizarlo y experimentar ese mundo a través de sus ojos”. Le gustaba la idea de pensar en “alguien que había sobrevivido a su leyenda y explorar el folclore de este personaje de forma bastante literal, como si él mismo estuviera viendo lo que está sucediendo con su folclore y como si estuviera lidiando con su identidad y lo que eso significa”. Por eso planteó un Robin Hood mucho mayor al que las ficciones sobre el personaje nos tienen acostumbrados, porque eso le permitía introducir esa conversación sobre “las historias que contamos sobre nosotros mismos y sobre nuestro mundo”.

Así, Sarnoski crea un filme que, más allá de la épica, la violencia y el gancho del personaje conocido habla del relato, de cómo “estamos tan inmersos en estas narrativas que tenemos la necesidad de construir mitos y construir buenos y malos”. “Creo que es importante que demos un paso atrás y hablemos de estas cosas y entendamos que detrás de todo siempre hay seres humanos, para bien o para mal. Y que intentemos no tratar de agrupar todo en categorías fáciles. Creo que ahora es un momento realmente importante para abordar esa creación de mitos, porque creo que nosotros, también a nivel personal, sentimos esta necesidad de mitificarnos y vernos como una especie de héroes de nuestra propia narrativa”. 

La simplicidad de héroes y villanos no es útil. Necesitamos asumir la responsabilidad de las historias que nos contamos a nosotros mismos y que permitimos que nos cuenten

Michael Sarnoski — Cineasta

Esa forma de construir ídolos cree que “puede ser realmente peligroso y separarnos de otras personas”. “Necesitamos entender que todos somos parte de una historia mucho más grande. Eso era algo que quería explorar y creo que es algo que todos necesitamos abordar de una manera muy empática y humana de ahora en adelante porque nos hemos vuelto bastante malos en eso”, zanja.

Define la narrativa, el relato, como “el agua en el que nadamos a través de las redes sociales y las noticias”. Un agua “casi tan absorbente que nos hemos vuelto peores en evaluarla y analizarla y comprender cómo nos está afectando y cómo permitimos que nos afecte y cómo la estamos usando para afectar a otras personas”. “Es como si estuviéramos casi más rodeados del relato que nunca, pero somos peores que nunca en comprender realmente su fuerza y nuestra responsabilidad. Por eso quería hablar de que la simplicidad de héroes y villanos no es útil en muchos sentidos. Necesitamos asumir la responsabilidad de las historias que nos contamos a nosotros mismos y que permitimos que nos cuenten”, añade sobre el corazón de su nueva película.

Al analizar sus obras él mismo se ha percatado de que hay algo que le fascina en los personajes “que se han alejado del mundo y se sienten espiritualmente muertos, como si hubiera vivido su vida y de alguna manera hubiera terminado”. Personajes que luego “desde ese lugar de soledad encuentran una nueva forma de explorar la empatía y les hace comprender el mundo, su pasado y a sí mismos”. Lo hacen “abrazando la oscuridad e integrándola en su presente”. “Hay momentos en que todos nos sentimos un poco aislados y pensamos, ‘esto es todo’. Pero si miras más de cerca a ti mismo y a las personas que te rodean, siempre hay más por descubrir. Y hay maneras de abrazar la oscuridad y las cosas tristes de nuestras vidas, pero aun así seguir adelante y aún tener luz y esperanza. Por eso me gusta hacer películas que no le teman a la oscuridad”, zanja.

Aunque sonara bonito decir que escribió el personaje pensando en Hugh Jackman, Sarnoski dice con sinceridad que él nunca ha trabajado así y espera “no hacerlo nunca”. “Me gusta escribir personajes que me parezcan completos y vivos, y luego encontrar a alguien que entienda ese guion y pueda aportar aún más. Y eso fue definitivamente lo que pasó con Hugh Jackman. Leyó el guion en dos días, nos reunimos menos de una semana después y entendió el personaje a un nivel tan profundo… estaba comprometido con la ambigüedad y los grises de este personaje. Creo que es una elección audaz para una estrella como él interpretar un personaje que no es fácil, es un personaje muy ambiguo. Y creo que el hecho de que estuviera tan entusiasmado con ese aspecto, con la idea de explorar la brutalidad y reconocer la violencia, pero también de encontrar esa sensibilidad y esa quietud del personaje, me emocionó”, subraya entusiasmado con una elección sorprendente que se añade a la lista de Robin Hoods de la historia del cine.

Ousman Umar tenía 12 años cuando abandonó Ghana. Se fue buscando el sueño europeo. El canto de cisne de una vida mejor que tantos otros emprendían. Nadie le dijo que muy pocos lo lograban. Tampoco que al llegar estaban casi condenados a sufrir el racismo de la sociedad y a malvivir mientras buscaban un trabajo. Su trayecto duró cinco años. Cruzó el Sáhara a pie después de que aquellos que les prometieron que les llevarían hasta el mar le dejaran tirado junto a otras 55 personas. Solo sobrevivieron seis.

Vagaron por el desierto, cayó en manos de traficantes y tuvo que permanecer cuatro años en Libia hasta que logró el dinero para pagar a otro traficante que le prometió que le ayudaría a cruzar el Mediterráneo. Pagó 1.600 dólares. Por fin llegó a Fuerteventura y más tarde a Barcelona. Fueron cinco años de penurias hasta llegar a ese “país de los blancos” como él lo describe y bautiza. Su caso fue una excepción. Cuando llegó fue acogido por un matrimonio que le ayudó en su integración. Aprendió catalán y se convirtió en un superviviente y en un símbolo. 

Ousman Umar contaba en primera persona las terroríficas condiciones de su viaje. Que sobreviviera fue casi un golpe de suerte, y por eso tuvo claro que debía servir de algo. En 2012 fundó la ONG Nasco Feeding Minds, con el objetivo de fomentar el acceso a la educación y la información en Ghana. Quería que jóvenes como él supieran la realidad a la que se enfrentan cuando deciden viajar a Europa. Después escribió un libro, Viaje al país de los blancos (Plaza & Janés), en donde contó toda su travesía, y ahora ese libro se convierte en una película dirigida por Daniel Sancho donde, además, se interpreta a sí mismo en la etapa adulta del personaje.

Umar cree que si él fue quien sobrevivió de aquel grupo, tenía que ser un motivo. “No llegué vivo por ser el más fuerte de mi equipo, sino que tenía que cumplir un propósito en mi vida, y era dar voz a todos aquellos que no lo lograron. El otro propósito es trabajar en el origen del problema para evitar que otros niños sufran lo mismo que yo, y poder trasladar esta historia a la gran pantalla es la mejor forma de hacerlo. Cumplir esos objetivos me dio la razón para sentirme vivo, porque después de todo lo ocurrido, me era imposible”, dice Ousman desde el otro lado del teléfono.

Aunque suene naif, cree firmemente en el poder del arte para cambiar las cosas. “Me encantaría poder compartirte algunos de los comentarios que me llegaron cuando publiqué el libro en 2019”, dice cuando le preguntan por ello. Para él “el arte tiene una gran fuerza, llega donde no lo hacen las palabras. Dicen que una imagen habla más que mil palabras y yo creo que es literal, por eso el libro puede hacer mucho, pero el audiovisual tiene una fuerza mayor y tiene este gran potencial para llegar a las masas”, opina.

Desde aquel 2019 cuando salió su libro al 2026 de la llegada de la película han cambiado las cosas. La extrema derecha ha extendido su mensaje y llegan a los ayuntamientos y autonomías enarbolando un concepto como el de ‘prioridad nacional’, cuyo racismo hubiera hecho que gente como Ousman Umar quizá no hubiera deseado quedarse en España. Por eso creo que “la película ha llegado en el momento correcto para demostrar que realmente es posible la convivencia, para arrojar una luz en la oscuridad y una luz de esperanza en la sociedad”. 

La película ha llegado en el momento correcto para demostrar que realmente es posible la convivencia, para arrojar una luz en la oscuridad y una luz de esperanza en la sociedad

Ousman Umar — Activista y escritor

En momentos donde la extrema derecha tensa la cuerda del racismo, él pide un cambio, “hablar de prioridad humana en vez de prioridad nacional”. También les da una lección de Historia. “Si lees los libros de Historia te das cuenta de que la mayor fábrica de migrantes de la humanidad es Europa. Pregunta a alguien de Argentina, por ejemplo, por sus cuatro apellidos, y verás que hay españoles, italianos, alemanes… De 1947 a 1952, cientos de centenares de pateras llegaron a Venezuela desde España hasta que Franco firma un convenio con el presidente de Venezuela para que acepten legalmente a los españoles migrantes, así que solo pido que lean un poquito más para darse cuenta de que hablan de chorradas. Los que realmente causan dificultades al Estado no son los más vulnerables”, dice con contundencia.

Le parece “triste” que ciertas personas “llenen sus discursos con la prioridad nacional”. “Son los mismos que luego van a misa los domingos. Es la hipocresía máxima. Yo no quiero dar lecciones a nadie, ni mucho menos. Pero sí estoy totalmente convencido que ese libro y esta película llegan en un momento culminante para arrojar esperanza y humanidad en la situación que estamos viviendo, de la misma manera que el mensaje del Papa fue un golpe grande que espero que tengan conocimiento y sabiduría suficiente para poder interpretarlo y entenderlo. Pero bueno, muchas veces tenemos orejas pero no escuchan. Espero que hayan podido escucharlo bien”, asevera.

Su historia se convirtió en referente para muchos, pero como él siempre destaca, es una excepción. Uno de los pocos que sobreviven a esa travesía. Por eso aclara que no se considera “una persona exitosa ni mucho menos” y que para él, el éxito, “es una acumulación de fracasos sin perder la ilusión”. “Yo era un auténtico fracasado. Lo que pasa es que jamás me doy por vencido, jamás pierdo la ilusión de seguir adelante. Yo creo que mi vida es un espejo de muchos de mis compañeros que no llegaron con vida, pero también para los que han llegado pero no están visibles. Gracias a esa historia, la gente puede hacer esfuerzo para girar a mirar todas esas personas. Basta ya de culpar a los más vulnerables. Es una historia que llama a mirar al migrante con otros ojos”, apunta.

También una historia para los que sobreviven, a los que pide que “no bajen los hombros” y “sigan luchando” porque siempre puede mejorar su situación. “A los españoles y europeos también les puede hacer ver que la convivencia es posible, porque el talento no tiene color, y la gente que llega son diamantes en bruto. Si somos capaces de darles la oportunidad, van a contribuir a nuestro país, a nuestra cultura y al crecimiento económico de nuestro país, que es justamente lo que nos hace falta”, zanja.

En Viaje al país de los blancos narra las partes de la travesía que suelen ser olvidadas, como todo lo que ocurre antes de llegar al mediterráneo. Para Ousman la gente “no quiere ir más allá” y se quedan con un titular que suele ser un número, aunque se trate de “personas con nombres, apellidos, familia y sueños”. Una “falta de interés” en un tema demasiado “crudo”. “No queremos saber. No preguntamos porque no queremos saber cómo es realmente. Nos imaginamos que lo que hay detrás es tan duro que preferimos mirar a otro lado, y eso es también lo que me pasó en las calles de Barcelona mis primeros meses, que cientos de personas pasaban por delante, pero nadie me miraba a la cara. Y cuando intentabas pedir un vaso de agua la gente apartaba el bolso”, recuerda.

A pesar de todo sigue viendo “siempre el vaso medio lleno” y tiene claro que “las grandes batallas se ganan desde dentro”. Por eso sigue activo con su ONG con la que tiene claro que no va a cambiar el mundo, pero que al menos puede poner un grano de arena para que vea que “el amor puro es lo único que nos puede humanizar”.

Una bolsa llena de helados y polos, muchas botellas de agua fría y ventiladores. Son la clave con la que el equipo de Domani ha afrontado un rodaje cuya última semana (la quinta de las seis que durará) ha coincidido con una ola de calor que ha llevado a los termómetros madrileños a los 40 grados. La película, que supone el debut en la ficción de Santos Bacana, tiene a Madrid como un protagonista más de esta comedia frenética que narra algo más de 24 horas en la vida de un joven que vuelve a la ciudad desde Miami y se enfrentará a una sucesión de líos y enredos que le harán madurar de golpe y cuando menos lo esperaba. 

Todo el equipo la define como “un blockbuster de autor”, y mencionan la comedia felliniana como uno de los referentes de una película que tiene claro que quiere mostrar Madrid como no lo suele hacer el cine. Lejos de la imagen de postal. Siendo una carta de amor, pero una carta de amor realista, y en ese realismo la ola de calor ha entrado de golpe en su planificación. Santos Bacana lo abraza y dice que, de alguna forma, es parte del mismo Madrid, y que como tal hay que incluirlo. 

Eso sí, para ese día el calor ha dado algo de tregua. De hecho, por la mañana, una tormenta ha hecho temer por el rodaje de una escena para la que han montado un travelling en el Lago de la Casa de Campo. La película muestra 24 horas en orden cronológico, y así se ha rodado Domani. Por tanto, esta escena en la quinta semana de rodaje pertenece a un momento que, idealmente, ocurrirá en el atardecer. 

Tienen unas tres horas para lograr la magia. Tienen todo pensado: los raíles del travelling, la figuración corriendo para que la Casa de Campo parezca real… y helados para el equipo que mira desde el combo la conversación entre Daniel Ibáñez (protagonista absoluto) y Milena Smit, que ha entrado en la última parte del filme bajando las revoluciones de la comedia y llevándola a un sitio más reflexivo. Pero nunca puedes controlar todo, y algún grito de una barca al fondo del lago amenaza con colarse en la escena, aunque finalmente se quede en una falsa alarma.

Pocos minutos antes de rodar la escena, Santos Bacana se sienta en una terraza al lado del lago. Está tranquilo. Dice que esa tranquilidad la ha ido ganando con los días de rodaje, pero que las primeras jornadas no se parecían en nada a esta. A pesar de que la temperatura ha bajado, reconoce que la ola de calor les ha venido incluso bien. “Forma parte de ese Madrid en verano, un lugar que a veces se vuelve un poco árido y de pronto mágico cuando ya se mete el sol. Me está ayudando de alguna manera esa energía”, explica. 

Sus productoras coinciden. “La película transcurre en verano en Madrid, y todos sabemos la sensación de angustia que provoca. Esos sitios medio vacíos… Queríamos transmitir esa sensación de agosto en Madrid”, añade Cris Trenas, socia de Bacana desde hace años en Little Spain y codirectora junto a él de Esa ambición desmedida, el documental sobre C. Tangana. Trenas cuenta que su amigo tenía mucha prisa por rodar, pero que le convencieron de que, en la ficción, intentar trasladar que es verano sin serlo es muy complicado.

“Es que se ve en esas pieles, en esa cosa aletargada que te da el calor… Es verdad que los equipos tienen que estar activos, y hemos puesto más agua, más ventiladores… pero para el ritmo del rodaje ha estado bien”, añade a su lado María Zamora, productora de Carla Simón y Premio Nacional de Cinematografía, que recuerda que le sorprendió el guion —que Santos Bacana ha escrito junto a Clara Roquet y Edu Sola—, una comedia fresca, diferente y vibrante “sobre un hombre que no sabe decir que no”, como dice su director de un filme que ha sido el primer anuncio de Movistar Plus tras el cambio de todo su departamento de ficción original y que distribuirá Elastica.

El Madrid que no está en las postales

Domani quiere ser un homenaje a un Madrid que no suele enseñarse. Pero desde que Santos Bacana empezó a escribir esta especie de road movie cañí hasta ahora, Madrid ha cambiado mucho, y eso asegura que lo ha notado y está presente. Cuando él se fue a Los Ángeles en 2014, Madrid era una ciudad más local. “No tenía esta cosa de cruce de caminos, algo que en ese sentido es muy estimulante. No aparecían esas rarezas que a día de hoy se dan”, explica.

Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy. De alguna forma estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global

Santos Bacana — Cineasta

Es consciente de que “depende de en qué entornos se vive la gentrificación”, algo que cree que ha provocado “nuevas dinámicas y una nueva fauna con nuevos personajes”. Pone siempre el mismo ejemplo. Cuando llegaron a Madrid alquilaron una oficina en Las Vistillas y siempre iban a comer al Landó. Todos eran clientes clásicos de toda la vida. Ahora es un restaurante de alto standing donde va gente con mucho más dinero, muchos de fuera de España. 

“Siento que Madrid y el guion se han acompañado en ese sentido. Madrid es un lugar donde cada vez cuesta más encontrar a la abuela de Soledad, que es el personaje que interpreta Milena Smit, porque esos entornos se están alejando y cada vez es más habitual ver a dos francesas haciendo jogging. Me parece interesante entender cuál es el Madrid de hoy, donde conviven y luchan muchos Madrides. De alguna forma en muchos casos estamos pasando a ser ciudadanos de segunda por el contexto de ciudad global, y me interesaba eso verlo desde la piel de una persona española y madrileña”, comenta. 

Un blockbuster de autor

Desde las primeras comunicaciones sobre Domani, que buscará su lugar en los festivales de 2027, se ha hablado de ella como “un blockbuster de autor”. Bacana asegura que le gusta el término, pero admite que “hay algo pretencioso en la frase”. “No sé si va a ser un blockbuster ni si tiene la entidad de autor, pero me gusta aspirar a que la puedan entender mis colegas del pueblo, que se puedan echar unas risas, que la vean mi madre y sus amigas, que la entienda la gente de nuestra generación, y que dentro del mundo del cine pueda representar algo o contribuir a algo. Cuando recibes ayudas también interiorizas una responsabilidad por el cine de tu país, y yo quiero hacer algo que la gente se sienta orgullosa y piense que les representa”, señala. 

Cris Trenas añade que la expresión se la escucharon a un amigo de ambos de Los Ángeles y que Santos dijo que precisamente eso es lo que él querría hacer: “Creo que está en el ADN de todo lo que hemos hecho antes. Esta cosa de que Pucho delante de 20.000 personas en el WiZink puso a los flamencos. Colarte algo que a priori no contabas con ello. Que pienses que vas a ver algo más mainstream y que te cuele algo un poco más nicho. Queríamos abrazar esta idea de algo que sepa como un producto más comercial, pero que luego al final tiene algo muy autoral, muy íntimo y muy personal”.

Ahí entra otra de las peculiaridades de la película, que está rodada en 35 milímetros, y tiene una estética que juega a lo autoral. No obstante, como vuelve a subrayar María Zamora, con la confianza de que “puede llegar a un público amplio y a una generación amplia”, intentan que Domani sea “esa película generacional que España hace mucho tiempo que no tiene”.

En el pasado Festival de Cannes no solo los Javis salieron como triunfadores con su premio a la Mejor dirección. A pocos metros, en la playa de la Semana de la Crítica, la sección paralela que se encarga de descubrimientos y debuts, Aina Clotet recibía un día antes el premio Rising Star Awards que confirmaba las sensaciones que su ópera prima, Viva, había dejado tras su proyección. La actriz y cineasta catalana había conmovido y hecho reír con un retrato de una mujer poliédrica, compleja y llena de aristas. Una de esas que, aunque suene a tópico, no es tan habitual ver en el cine.

Su filme comienza como una película sobre la enfermedad. Una mujer en su cuarentena, a la que ella también interpreta, se somete a una mamografía. Ahí viene la primera pista de que esta no es una película más. Por primera vez el cine muestra el pecho aplastado de su protagonista, que ya perdió una mama por un cáncer. Su cuerpo, operado, se muestra en su plenitud en un filme que subvierte las expectativas. No es una película sobre el cáncer. Al revés, es sobre la huella que dejó la enfermedad y cómo Nora, se embarca en un viaje de descubrimiento sexual con un joven para reconectar con la vida tras esa experiencia traumática.

Viva se estrena en cines españoles, pero ya ha asegurado también su estreno en Francia, donde ha sido comprada por Haut et Court, distribuidora especialista en el cine internacional de calidad. Un mes después del premio, Clotet todavía se muestra sorprendida por el recibimiento y cautelosa por cómo la recibirá ahora el público. Le ha sorprendido las risas en los pases en Francia y cómo la gente ha conectado. Le ha hecho tener confianza en los espectadores y en que entiendan cada guiño y cada intención. 

Hay gente que le dice que Nora, su protagonista “es la hostia y que les encanta, y otros que les cae mal”. A ella su personaje le encanta, porque es “errático e imperfecto”. “Es un personaje egoísta, pero tan egoísta como podemos ser todos, y precisamente por lo que le ha pasado puede tener conductas más erráticas”, explica. Curiosamente, aquellos a los que Nora no ha caído bien son hombres. “Sí, creo que hay una mirada de género al respecto, pero también hay muchos hombres que están conectando un montón y eso me hace muy feliz, pero sí que es verdad que las pocas personas que les irrita el personaje han sido más hombres que mujeres”, concede.

Su Nora viene a ser una muesca más en un imaginario en el que “faltan todavía más referentes”. “Las mujeres hemos tenido personajes menos poliédricos y estamos superacostumbradas a ver personajes masculinos erráticos, antihéroes a los que acompañamos y entendemos, pero sigue sorprendiendo ver una mujer en su plenitud, cuyos miedos la llevan a ser egoísta, a no escuchar, a priorizarse. Pero esto sí lo hemos visto muchas veces en los personajes masculinos y no tanto en los femeninos”, aclara.

Aunque la enfermedad no centre el conflicto de Nora, sí que la película muestra sin tabúes el cuerpo que ha sufrido una mastectomía. Y lo muestra teniendo sexo, sin complejos y sin problemas en otra imagen que el cine no suele aportar y rompiendo con un estigma y un complejo que sufren las mujeres que han sido operadas. Recientemente, Sharon Stone contaba que su marido la dejó por su decisión de hacerse una doble mastectomía.

Sigue sorprendiendo ver una mujer en su plenitud, cuyos miedos la llevan a ser egoísta, a no escuchar, a priorizarse. Pero esto sí lo hemos visto mucho en personajes masculinos

Aina Clotet — Actriz y cineasta

Lo que desveló la actriz de Instinto Básico no es una excepción, y Aina Clotet lo descubrió en la investigación del filme: “En estadística, es superalto el porcentaje de separaciones que hay posteriores a la mastectomía. Hablé con muchas mujeres y sobre todo con los médicos que me asesoraron y me daban tantos por cientos muy altos de la gente que se separa. Muchas veces la decisión está tomada por ellas también, pero muchas veces es por ellos. No deja de haber un cambio muy fuerte en el cuerpo de la mujer. Por eso, aunque no sea una película que hable sobre el cáncer, sino sobre su huella y cómo lanza al personaje a este carpe diem, nos parecía muy necesario mostrar el cuerpo de una mujer no normativo y reivindicarlo en su plenitud con respecto a la sexualidad y de deseo de todo”.

La vitalidad de la película, que apela a las ganas de vivir y disfrutar, le han servido como medicina en momentos donde “sentía la presión y el control”. “Muchas veces me recordaba que estaba haciendo una peli que precisamente habla sobre soltar el control y sobre enfrentarte a tus propios miedos. Sobre equivocarse y disfrutar. Para mí el clown ha sido muy importante en mi formación, y eso significa mostrarse patética y saber ir hacia tu miseria. Me lo recordaba para ser más libre. Y me lo recordé en Cannes, que no me quise preparar nada para el discurso porque quería poner en práctica lo que intento hacer con mis propios proyectos, que es estar en presente y disfrutar y asumir que en la vida te equivocas y bienvenido sea. Yo quería que la peli se recibiera como ligera y que hubiera una joie de vivre, que hubiera juego y diversión. Siento que si no te lo pasas bien, con lo que llega a costar levantar una peli y esfuerzo que es al menos mientras estás haciendo, es una tortura”, subraya.

Como demostró en la serie Esto no es Suecia y ahora en Viva, le gusta “el humor negro”, pero huye del cinismo: “Para mí la ternura, la empatía y el respeto son muy importantes. Me gusta la ironía, reírme de cosas con mala leche, pero necesito que haya ternura y que haya luz. Desde que empecé a dirigir tenía clarísimo que yo quería hacer pelis que se recibieran como ligeras, porque es como a mí me gusta acercarme a la vida, probablemente por mi grado de miedos y porque siento que desde el humor y la ligereza sé digerir las cosas mucho mejor. Siento que el mundo ya es muy hostil y que necesito, al menos, un halo de luz y de esperanza donde agarrarme. Aunque hable de las cosas que más me preocupan y más me angustian, pero quiero que haya esa ternura”.