La historia de los Goya la conforman las grandes vencedoras como Mar adentro, que permanece en la memoria de todos por ser la más premiada de la historia con 14 premios; pero también las grandes derrotadas. Átame siempre será recordada por haber logrado 15 nominaciones y no conseguir materializar ninguna; o El artista y la modelo, que con 13 candidaturas se quedó con el marcador a cero. Sin ir más lejos, Madres paralelas el año pasado no logró ningún cabezón de sus ocho candidaturas, y eso que el filme de Almodóvar había logrado el premio a la Mejor actriz en Venecia, la nominación al Oscar para Penélope Cruz y muchas menciones internacionales.

El caso de Madres paralelas se parece bastante a lo ocurrido este año con Alcarràs, la película de Carla Simón que tras ganar el Oso de Oro en Berlín —el primero logrado por una mujer en la historia del cine español y el primer triunfo desde 1983— se fue de vacío la noche del pasado domingo al no lograr ninguna de sus once nominaciones. Una sorpresa que reconoció hasta Rodrigo Sorogoyen, el gran vencedor de la noche que con As bestas conseguía nueve Goyas. Nunca se sabrá el resultado de unas votaciones secretas y sometidas a control notarial, pero sí se pueden analizar las claves que dejaban entrever esa derrota desde los meses anteriores.

Las pistas de las nominaciones

Las nominaciones apuntaban a un duelo entre ambos filmes, pero ya dejaban claro que As bestas era la favorita de los académicos. Para los Goya, cada película debe presentar primero sus candidaturas. As bestas presentó 17. Materializó 16 en forma de nominaciones. Logró que hasta la actriz francesa Marie Colomb estuviera en el quinteto finalista a Mejor actriz de reparto por encima de otras interpretaciones destacables de este año de cine español como la de Emma Suárez en La consagración de la primavera o la de Adelfa Calvo en En los márgenes. Sin embargo, Alcarràs se dejaba por el camino siete de sus 18 candidaturas para lograr once nominaciones. 

Cómo se eligen a los nominados y ganadores

Para entender este resultado hay que comprender cómo se elige tanto a los ganadores como a los nominados de cada edición de los premios Goya. La Academia de Cine instauró un sistema mixto de votación para que los elegidos fueran un resultado del gusto de la mayor parte de los académicos y la opinión más profesional de los gremios. Este año —primero con cinco nominadas en cada categoría—, de las cinco finalistas, tres son elegidas por “el conjunto de todos los/as académicos/as y las otras dos las eligen los/as miembros de la propia especialidad”. Esto hace que en las nominaciones en los apartados técnicos haya sorpresas agradables como las de La piedad o Irati. El método mixto también provoca que cuando una película gusta mucho al grueso de la Academia, ese que elige tres opciones, se cuele en todas las categorías dando lugar a casos raros, como cuando el año pasado El buen patrón fue finalista en la categoría de Mejores efectos especiales.

Los ganadores, sin embargo, los eligen todos los académicos, y ahí radica la gran diferencia. Se elige a la favorita de cada categoría, lo que lleva a un efecto arrastre que provoque que casi siempre un filme consiga un gran número de Goyas incluso en categorías donde los especialistas quizás hubieran elegido otra. ¿Sabe un maquillador, un actor o un diseñador de arte valorar quién tiene la mejor Dirección de producción o simplemente ha votado a la que más le ha gustado? Esa es la eterna duda de un sistema que también se usa en otras academias. Esto puede explicar la victoria de As bestas en apartados donde quizás los gremios hubiera tenido otras apuestas.

La composición de la academia 

Otra de las cosas que ha llamado la atención esta edición es que en ‘el año de las mujeres’, con cinco directoras nominadas (dos en dirección y tres en dirección novel), el premio ha sido para Rodrigo Sorogoyen en vez de para Carla Simón. El de dirección novel fue, por sexto año consecutivo, para una mujer, esta vez para Alauda Ruiz de Azúa por Cinco lobitos. Solo una vez en la historia de la Academia los dos premios de dirección han sido para dos mujeres (Icíar Bollaín y Ángeles González Sinde en 2004). No ocurrió el de la pandemia, cuando Pilar Palomero ganó el novel por Las niñas, pero la favorita, Icíar Bollaín, candidata por La boda de Rosa, perdía frente a Salvador Calvo por una propuesta más académica y popular como Adú.

En 2023 parecía que el doblete podía ocurrir, pero volvió a no pasar. Pareciera que el voto para una mujer se limita a la categoría de los debutantes, mientras que sigue costando que una mujer gane el premio en la ‘de los mayores’. En 37 ediciones solo tres mujeres lo han logrado: Pilar Miró, Icíar Bollaín e Isabel Coixet. Para explicar esto basta con mirar a la composición, por género, de la academia, donde la paridad está lejos. Según los datos de la Asociación de Mujeres Cineastas (CIMA), de 1.948 miembros que había en 2021, solo 581 eran mujeres frente a 1.367 hombres. Una academia más paritaria llevaría a otros resultados, como se ha visto en los festivales de cine, donde la incorporación de la paridad en los comités de selección y, sobre todo, en los jurados, ha hecho que se multipliquen las victorias de directoras.

Otro dato importante es cuántos académicos hay en cada comunidad autónoma. Más de la mitad (1.205) están inscritos en Madrid. Eso no quiere decir que sean todos madrileños, sino que están inscritos en la capital, donde está la sede. Sin embargo, en Catalunya solo hay 257 miembros, muchos menos. Es la segunda autonomía con más miembros, pero estos datos sí que indican que la presencia de un cuerpo de votantes catalán que podría haber votado por Alcarràs es mucho menor.

Pero… ¿por qué la mandamos a los Oscar?

Muchos creían que al haber sido la elegida para los Oscar, Alcarràs era la favorita de los académicos. Solo hay que mirar la lista de películas elegidas para ver que no es cierto. La propia Carla Simón fue elegida para ir por Verano, 1993, pero luego perdió el Goya. La trinchera infinita, Julieta, Loreak, 15 años y un día… todas ellas pasaron por lo mismo. De hecho, la presencia de As bestas en la terna finalista ya indicaba que algo se cocía. 

La elección de la terna finalista se hace en septiembre, fecha en la que la mayor parte de películas que optan al premio no se han estrenado, y por tanto la mayor parte de los académicos no las han visto. Dos de las tres elegidas entre las finalistas este año se habían estrenado con gran éxito de público y crítica: Alcarràs y Cinco lobitos. Sin embargo, As bestas se coló sin haberse visto todavía en San Sebastián y estando lejos su estreno, solo con los pases de los académicos y aquellos que la vieran desde la plataforma que utilizan los académicos para hacer visionados online de películas candidatas. 

Además, el criterio para elegir la película no siempre es ‘la que más gusta’, sino la que tiene más opciones. Alcarràs venía con un sello importante, el Oso de Oro, que de cara al votante internacional es una seña de calidad. Además, tenía distribución asegurada en EEUU, ya que Mubi la había comprado, mientras que As bestas no tenía distribución allí. Todo ello decantaba la balanza a su favor. Este año ha pasado lo mismo en Francia, que han elegido a Saint-Omer, de Alice Diop, para ir a Hollywood, y sin embargo no ha logrado la nominación a los Cesar (los Goya franceses) en las categorías de Mejor película ni dirección.

El 'timing' perfecto

La carrera por los premios es una carrera de fondo. Hay que llegar con mucha energía al final, y por eso casi todas las películas que quieren optar a ellos se estrenan en el último trimestre. Tanto en EEUU, como aquí. Es raro ver que un filme estrenado en la primera mitad de año gane el Goya. El buen patrón, Las niñas, La librería, Tarde para la ira, Truman, La isla mínima… Desde 2010 solo dos películas que hayan ganado el Goya más importante se estrenaron antes. Fueron Campeones (la película más taquillera de aquel año) y Dolor y gloria, que mantuvo la fecha que más le gusta a Pedro Almodóvar para estrenar sus filmes, marzo.

Alcarràs se estrenó el 29 de abril de 2022 y ha llegado a la carrera sin aire. Se habla del filme desde hace un año, cuando ganó el Oso de Oro en la Berlinale. Es una película que en la cabeza de los académicos es cosa del pasado. As bestas es el presente. Se estrenó el 11 de noviembre, sigue en salas, es un fenómeno en taquilla, donde suma más de 4 millones de euros (un éxito en estos tiempos y más para una película en la que parte del metraje es con subtítulos y no se ha doblado), y la tienen fresca en su cabeza. 

El timing de la película de Sorogoyen (y su campaña promocional) ha sido perfecto y han conseguido mantener el filme presente en todo momento. Además, los eventos internacionales favorecían a As bestas y perjudicaban a Alcarràs. Mientras que la ganadora del Goya lograba reconocimientos en Francia por doquier (nominación al César y premio Lumière de la crítica incluido); Alcarràs recibía el duro golpe de no pasar la shortlist de los Oscar. Si hubiera logrado el pase y hubiera estado viva la llama de una posible nominación en Hollywood quizás se hubiera podido equilibrar una balanza que cada vez se inclinaba más del lado de Sorogoyen.

El peso de los actores

A los académicos les gustan las películas con ‘actores profesionales’. Este es otro factor que puede haber ido en contra de Alcarràs. En toda la historia de los Goya nunca ha ganado una película cuyo reparto se encuentre repleto de lo que se suele llamar ‘actores no profesionales’. El proceso de casting de Carla Simón, basado en encontrar a la persona más adecuada para el personaje, alejándose de rostros conocidos, no suele gustar en los premios académicos. Además, los actores son el sector más numeroso entre los miembros. Más de 400 de los casi 2.000 académicos.

Vencedora en premios… y en público

El mejor termómetro para un premio está en los premios anteriores, y As bestas ganó en todos y cada uno de ellos. Fue la mejor película para los Forqué (elegidos por los productores), los Feroz (elegidos por los periodistas, aunque aquí Alcarràs ganó Mejor dirección), y los premios del Círculo de Escritores Cinematográficos. No ha habido un solo premio que haya dejado por el camino. 

Además, la Academia suele coincidir bastante con el gusto popular, y ahí también gana As bestas. Si uno mira Filmaffinitty, donde los amantes del cine votan con una nota del 1 al 10 los estrenos, Alcarràs se ha quedado en un 6,9 con 10.647 votos mientras que As bestas tiene un 7,8 con 18.324. Es, de hecho, la mejor película del año pasado para los usuarios.

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A la tercera va la vencida. Y si no, que se lo digan a Joaquín Sabina. El artista se hizo por fin el pasado sábado con su primer Goya a Mejor canción original —tras tres nominaciones— por Sintiéndolo mucho, el tema compuesto junto a Leiva para el documental homónimo dirigido por Fernando León de Aranoa. Un galardón que, sin embargo, no recibió en mano hasta un día después. El músico, que acaba de cumplir 74 años, no asistió a la gala, y fue el propio Leiva quien le llevó el cabezón a su salón menos de 24 horas después. Intención que ya había anunciado sobre el escenario del Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES de Sevilla en el que se celebró la ceremonia.

El cantante, que ya suma dos Goya tras el que obtuvo en 2018 por La llamada, tema que creó para la ópera prima de Javier Ambrossi y Javier Calvo del mismo nombre; cumplió así su promesa en una emotiva escena que León de Aranoa compartió en sus redes sociales. “Flaco, aquí tienes tu regalito de cumpleaños, con todo el amor del mundo”, pronunció Leiva al darle el premio.

“Esto es para mí una cosa muy preciada y valiosa”, reaccionó Sabina, que sumó como aliciente de satisfacción el hecho de que lo hubieran obtenido juntos. “Nuestra última historia en común merecía que nos dieran un Goya a los dos”, aseguró reconociendo que, pese a que el tema tenía “mucho que ver” con León de Aranoa por tratarse de su película, el madrileño había sido su “motor”. “Me dijiste que creías que lo que estaba haciendo Fernando merecía una canción”, recordó.

“Desde entonces, todas las que hemos hecho, que ya son unas pocas porque estamos haciendo un disco, tiene mucho que ver con tu motor que hemos desarrollado. Así que esto es para mí un objeto sagrado”, declaró antes de darle un beso al cabezón.

Sentado a apenas unos centímetros de él, Leiva reivindicó que era un reconocimiento en el que el León de Aranoa había tenido “mucha culpa”. El director, por su parte, bromeó: “Que sepas que te has pasado del minuto que daban para dar el discurso en los Goya. Es la ventaja de hacerlo en casa”. “Estoy muy contento”, culminó Sabina.

El citado documental fue grabado durante 13 años, y tuvo su puesta de largo en el pasado Festival de San Sebastián. El director acompañó al artista en momentos vitales durante década y media, incluyendo la composición de un disco y sus giras por Latinoamérica.

La actuación que prendió la mecha

No es el primer cumpleaños de Sabina marcado por los Premios Goya. En 2022, celebró su 73º durante una gala en la que compartió escenario con Leiva. Juntos interpretaron Tan joven y tan viejo. Un número que tuvo lugar, como así recordó el madrileño en su discurso de agradecimiento, dos años después de la caída de Sabina en pleno concierto en febrero de 2020. Aquel golpe le provocó un derrame cerebral que precisó de operación.

“En ese momento me parecía bonito animarle a tocar juntos para que recuperara un poco de confianza y se sintiera músico otra vez”, rememoró Leiva, “esa actuación fue crucial para su su vuelta a su carrera, así que es bien bonito para mí recibir este premio, aquí”.

“En unas horas es su cumpleaños y le quiero decir: te quiero mucho Flaco, este es un regalo cojonudo que te llevo a casa”, concluyó el ex cantante de Pereza. Músico que, por su parte, aprovechó para dedicarle unas palabras al director del documental: “Quería compartir este premio con mi amigo Fernando León, que te quiero y admiro mucho”.

La fusión entre Leiva y Sabina supuso la tercera nominación cosechada por el segundo. La primera la recibió en 2022, por el tema Seremos diferentes que formó parte de la banda sonora de la película de Torrente 2: Misión en Marbella. Tres años más tarde repitió candidatura con La rubia de la cuarta fila, que creó para el largometraje de Chema de la Peña Isi/Disi. Amor a lo bestia, en 2005.

Con Sintiéndolo mucho se alzó por fin con el ansiado cabezón, imponiéndose a las propuestas de María Rozalén y Eduardo Cruz por En los márgenes; Aránzazu Calleja, Maite Arroitajauregi 'Mursego' y Paul Urkijo Alijo por Izena duena bada del filme Irati; Paloma Peñarrubia Ruiz y Vanesa Benítez por Un paraíso en el sur de La vida chipen; y a Joseba Beristain por Batalla de Unicorn Wars.

Días antes de empezar su gira mundial

El galardón llegó días antes de empezar su próxima gira, Contra todo pronóstico, que arrancará el próximo 25 de febrero en San José de Costa Rica; y que llegará a España el 20 de abril. El tour supondrá su vuelta a los escenarios tres años después de la aparatosa y citada caída que sufrió en plena actuación en Madrid de 2020. Bogotá (Colombia), Lima (Perú), Santiago (Chile), Buenos Aires y Córdoba y Rosario (Argentina) y Montevideo (Uruguay) serán las ciudades que visite en Latinoamérica antes de regresar a España, con primera parada en Las Palmas de Gran Canaria, cuyas entradas están agotadas.

Posteriormente viajará a Santa Cruz de Tenerife, Málaga, Alicante, Madrid, A Coruña, Palma de Mallorca, Valencia, Bilbao, Murcia, Torrelavega, Sevilla, Granada, Pamplona, Barcelona y Zaragoza. En octubre volverá a cruzar el Atlántico para actuar en Puerto Rico, México y Estados Unidos y; alcanzado diciembre, retornará para culminar la gira en Madrid los días 18 y 20 de diciembre.

En el tour no estará su habitual colaborador y guitarrista Pancho Varona, que el pasado mes de noviembre hizo público a través de su cuenta de Twitter que el músico iba a prescindir de él. “Ha decidido, contra todo pronóstico, no contar conmigo”, publicó jugando mordaz con el título de la gira. “Le quiero agradecer de todo corazón las 100 canciones que compusimos juntos, las 40 giras en las que le acompañé y los 15 discos en los que fui su productor”, añadió haciendo recuento.

Los Goya de este año tenían una misión complicadísima, estar a la altura de ese gran año del cine español del que tanto se ha hablado. Se nos ha llenado la boca con la frase. Hemos hablado de la presencia de nuestras películas en festivales internacionales, de la llegada de las nuevas directoras, de la diversidad, de la variedad de géneros… de tantas y tantas cosas que mostraban una foto amplia y hermosa de nuestra industria. Al ver el palmarés de los Goya, parece que de esa foto solo se hubiera tenido en cuenta un primer plano. Solo un rostro de tantos y tantos que había para elegir.

Sería injusto poner pegas al premio a la Mejor película a As bestas. Un filme que ha conectado con el público de una forma brutal, que ha sido un éxito en Francia, que estuvo en Cannes y que es la mejor película de sus creadores (Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña). Un thriller con aire de western que además afronta temas que están en el caldo de cultivo de una nueva generación de directores que ha irrumpido como un ciclón en nuestro cine. As bestas es una estupenda ganadora. Igual que lo hubieran sido todas y cada una de las cinco nominadas. El nivel de este año era tan alto que uno debía ir convencido de que fuera quien fuera la que se llevara el premio gordo habría que aplaudir.

El problema es la imagen que ofrece ese palmarés. Que en este año, donde ha habido tantas buenas películas, todos los Goya hayan ido a parar a dos de ellas da una imagen distorsionada, reduccionista e injusta. Pareciera que solo ha habido dos títulos buenos, As bestas y Modelo 77, cuando ha habido muchos, alguno de ellos hasta se había quedado fuera de las nominaciones. Un palmarés donde un filme arrasa con nueve nominaciones y otro con cinco no lanza el mensaje de que el cine español es amplio y diverso, sino todo lo contrario. Parece que, de nuevo, el cine que se hace más en los márgenes no cuenta para una Academia que vota más con el corazón que con la cabeza. O que lo hace por inercia votando a su favorita en todas y cada una de las categorías.

El propio Rodrigo Sorogoyen contaba en una entrevista el pasado Festival de Venecia, donde fue jurado de la Sección Oficial -lo que muestra el respeto y la proyección internacional que tiene-, que al elegir la película ganadora del León de Oro se estaba planteando qué había que valorar. Qué mensaje se lanzaba con el palmarés elegido. Y quizás eso es lo que deberían hacer los votantes de todos los premios que se dan en España (también los Feroz o los Forqué). Sentarse con calma, analizar cada categoría y pensar qué queremos decir de nuestro cine y de nuestro año. 

Un año como este pedía a gritos un palmarés repartido. El titular sería menos llamativo. Sería hasta buenista. Todos como amigos. Pero hubiera sido bonito que en esta ocasión no se optara por la misma tendencia de aupar a un título en detrimento de los demás. Hay que ser claros, y el propio Sorogoyen lo fue cuando atendió a la prensa al acabar la gala cuando dijo que era injusto que Alcarràs se hubiera ido de vacío. Que un Oso de Oro de la Berlinale no logre ni un Goya de sus 11 nominaciones debería hacer reflexionar a todos. ¿Cómo es posible que nadie haya pensado que era el año para dividir película y dirección? Ni un reconocimiento al trabajo de montaje, ingente, de una película coral llena de personajes que entran y salen. Carla Simón debería haber salido de la gala con un Goya en sus manos. 

Lo de Alcarràs es el ejemplo más llamativo, pero hay más. El premio a Denis Ménochet (tremendo en As bestas), por encima del de Nacho Sánchez vuelve a subrayar los mismos problemas. Una interpretación tan al límite, tan kamikaze y arriesgada como la de Sánchez merecía el premio. También porque era la forma de reconocer a Mantícora, que también se fue de vacío. Se fue de vacío La maternal, y Cinco Lobitos se llevó lo que nadie podía quitarle, porque si Laia Costa hubiera perdido ya nadie entendería nada. Menos mal que ese otro cine quedó representado con ese Goya al Mejor guion adaptado a Isaki Lacuesta, Isa Campo y Fran Araújo por Un año, una noche. El cine de Isaki Lacuesta siempre es uno de los olvidados, y por supuesto ha tenido que ser su filme más convencional el que les de su primer Goya. Ellos mismos decían en la alfombra roja que quizás era hora de que los galardones del cine español cambiaran el nombre y pasaran a llamarse Buñuel-Saura para reconocer el cine moderno y arriesgado.

Que en el año de las mujeres directoras su presencia en el palmarés volviera a verse reducida a la categoría de Mejor dirección novel es preocupante. Seis años consecutivos, pero en la categoría grande siguen triunfando ellos, los hombres. Solo tres directoras lo han ganado: Pilar Miró, Icíar Bollaín e Isabel Coixet. Sorogoyen ya tenía un Goya a la Mejor dirección. Carla Simón y Pilar Palomero no. Pero, de nuevo, la gente no se paró para pensar antes de marcar la casilla en su papeleta. Cuidado, porque Dirección novel no puede convertirse en una categoría cuota, un regalo al feminismo y a las directoras. No puede ser una categoría de lavado de cara. Esas mujeres deben seguir dirigiendo, y esa igualdad, por la que ojalá un día no tengamos que preguntar, no será real si las mujeres siguen sin tener un espacio real. Un cambio que también pasa por cambiar y rejuvenecer la masa de votantes de los Goya. Los propios festivales lo han demostrado, cuando hay paridad en los jurados y en los comités las cosas cambian. Y aquí ya toca.

Con la resaca emocional de haber ganado nueve Goyas en el gran año del cine español, el equipo de As Bestas atendió a la prensa. Un último esfuerzo para hablar de la película que les ha dado tanto. Eran las dos de la mañana, y Denis Ménochet lo dejó claro cuando entró. “Es muy tarde para que estéis trabajando, yo quiero beber algo”, dijo el francés abrazando su premio, una de las sorpresas de la noche y la confirmación de que el fenómeno As Bestas arrasó con todo. Tanto que dejó a la que parecía su rival a cero. Alcarràs llegaba a la gala con once nominaciones y se fue de vacío, un vacío que hasta el propio Sorogoyen declaró como inmerecido.

Nueve premios que en un año como este supieron agridulces. Por un lado emociona destacar en una cosecha tan buena, por otra pensar en que es demasiado botín viendo el nivel alrededor. “La pregunta es la propia respuesta”, reconocía el director, que contó que también lo pensaron cuando vieron el éxito de las nominaciones: “Tenerlas en este año… qué honor, pero también hay muchas películas buenas que no han tenido ese éxito. Solo unas pocas”.

As Bestas es su mejor película, y a su Goya como Mejor director por El reino suma ahora otro como guionista junto a su inseparable Isabel Peña y el de Mejor película que faltaba en su vitrina. Sorogoyen crece con cada obra, y en este thriller rural de cocción lenta vuelve a demostrar su capacidad de construir tensión. Lo que también ha demostrado en esta gala Sorogoyen es una humildad que ha mostrado en cada discurso, desde los Forqué a los Goya pasando por los Feroz, siempre acordándose del resto de nominadas y nominados.

Esta vez no fue menos, y dejó claro que aunque tenían buenas sensaciones el palmarés había “superado todas sus expectativas”. “Dirección pensé que no me lo llevaba y actor pensé que ganaría Nacho Sánchez”, decía con la honestidad que le caracteriza. “Pensé que ganaba Carla Simón. Esto es una prueba más de que los premios en general son injustos Es injusto que Alcarràs no se llevara ningún premio. También lo he dicho antes, tampoco le demos tanta importancia a los premios. Alcarràs es un peliculón Le ha gustado a mucha gente, ha ganado el Oso de Oro y esta vez nos ha tocado así”, zanjaba.

El éxito de As Bestas no está solo en los Goya. Ya lleva más de cuatro millones de euros en taquilla, una cifra heroica en un año como este, y más para una película que tomó una decisión que va contracorriente de las modas comerciales, estrenarse en versión original con subtítulos en vez de doblarse. “A lo mejor se estrena doblada y no hay Goya para Denis Ménochet”, decía Sorogoyen con su cabezón a los pies y junto a su actor, que no soltaba el suyo. “Esto es una prueba más de que hay que apoyar el cine en versión original, porque creo que se pierde una gran esencia de la película si la doblas, entonces estamos muy agradecidos a A contracorriente, la distribuidora que se atrevió cuando no debería ser un atrevimiento. Pero, evidentemente, en este mundo no aceptamos ese atrevimiento, se tomó ese riesgo y ha salido muy bien”.

Por mucho que analicen lo que ha pasado con su filme, no aciertan a dar con la clave. “Hay algunas películas que conectan y otras no”, aseguraba Sorogoyen, que cree que otro año el mismo título podría haber pasado desapercibido: “Estoy seguro que esta película puede estrenarse en otro momento, en otro año incluso, y no funciona tan bien en cines. Han sido una serie de circunstancias, unas azarosas, otras con riesgo, pero que han salido muy bien. Todo, todo el camino de As Bestas desde Cannes a cines ha ido genial, hemos tenido mucha suerte este año”.

Estoy seguro que esta película puede estrenarse en otro momento, en otro año incluso, y no funcionar tan bien en cines

Rodrigo Sorogoyen — Director de 'As Bestas'

Ménochet cogió el testigo para contar cómo en Francia también había sido un éxito de público. “Se estrenó en verano, antes que aquí, y tuvo el mismo resultado. La gente se identificó muchísimo con la película y fueron a ver una película extranjera y había cola delante de los cines. Todavía estábamos con medidas por la pandemia, pero la gente se apropió de la película, como cuando uno es adolescente y habla de algo y hace que todo el grupo se entere, eso es lo que pasó”, dijo el francés, que a pesar de sus ganas de tomarse algo aguantó y dijo con humor que se iba a ir a vivir con Sorogoyen. “Yo lo que hago es ayudar a contar historias y hablar de lo que hago. Y con las historias no hay lengua, no hay idioma. España es tan genial que me voy a quedar aquí con los españoles y las españolas”, concluyó.

Se cumplen, además, diez años del tándem creativo entre Sorogoyen e Isa Peña, una efeméride que la guionista aprovechó para hacer balance: “Solo lo reflexionas cuando alguien te lo pregunta, porque no piensas en eso cuando te levantas de la cama, pero si lo pienso ahora, con la perspectiva, creo que hemos tenido una suerte tremenda de encontrarnos los unos a los otros por el camino y creo que hemos sabido aprovechar esos momentos de suerte, y creo que también hemos trabajado mucho. Ese seria el resumen”. Un resumen que culmina, además, con nueve Goyas.

Daba igual las películas. Si ganaba As bestas o Alcarrás. La gala de los Goya, incluso, había quedado en un segundo plano. Se había ido el maestro. El director que inspiró a tantos. A toda una generación de nuevas voces que estaba nominada y que siempre han señalado a Carlos Saura como ese director que marcó, con un cine incómodo, críptico y moderno, toda una cinematografía. La muerte del autor, un día antes de recoger su Goya de Honor fue un golpe duro para toda la industria, y en la Alfombra Roja solo se habló de él. Había en el ambiente una sensación de honrarle, de decir alto y claro que junto a Buñuel y Almodóvar es el gran director español de nuestra historia.

“Harían falta mil galas para honrar tu legado”, dijo Antonio de la Torre para abrir una gala —tras un errado número musical— que estaba marcada por su ausencia y que afrontó de forma frontal aquella muerte. Entregó el Goya de Honor, de forma póstuma, al comienzo de la ceremonia, con Carmen Maura recordando las anécdotas del rodaje de ¡Ay, Carmela!, la película por la que Saura ganó el Goya al Mejor director y a la Mejor película. La intérprete no pudo contener las lágrimas al recordar cuánto le había marcado como actriz, antes de presentar a Eulalia Ramón, pareja de Saura, y a Anna y Antonio, sus hijos. Los tres recogieron un premio que el director ya había recibido antes de fallecer en su casa. La platea se puso en pie en un momento de esos que sobrecogen. En los que cualquier cosa que se diga no estaría a la altura. Ramón alzó el Goya al cielo en una ovación como quizás nunca se había oído en unos Goya.

“Estamos aquí, como él quiso, en representación de todos los hermanos. Nuestro padre se fue trabajando hasta el último minuto. Enseñándonos que hay que vivir apasionadamente, que la imaginación no tiene límites y que la cultura es lo más importante que tenemos, que hay que potenciarla, que no entiende de ideología, que es nuestro legado y nuestro futuro. Creo que es un ejemplo de vida para todos nosotros”, dijo Anna Saura antes de que Eulalia Ramón leyera las palabras que había dictado Carlos a su pareja y que agradeció a Elsa, su cuidadora, y a los médicos del hotel y de paliativos del centro médico de Villalba. 

“Muchísimas gracias por cómo le habéis cuidado y cómo nos habéis cuidado a nosotros para que todo fuera triste y bonito. La sanidad pública se merece que la cuiden como el personal médico nos ha cuidado a nosotros. A quien corresponda, que lo haga por favor. Le prometí a Carlos que le saludaría allá donde esté”, dijo Ramón antes de, ya sí, leer la carta de Saura. “Me considero una persona afortunada, gracias a los que habéis colaborado conmigo en ese trabajo maravilloso, hacer una película, en especial a mis actrices y actores favoritos. Estaré feliz si el cine que he hecho ha sumado algo de inspiración a la maravillosa generación de hoy. Me veo como una estrella errante en la inmensidad del cosmos. Muchas gracias y una pena no estar saboreándolo con vosotras y vosotros”, leyó antes del emocionante vídeo que resumía una carrera inabarcable, única y que culminó, como no podía ser de otra forma, con una versión de Por qué te vas, el himno de Cría Cuervos que versionó Natalia Lafourcade. En el monólogo inicial hubo dardo para Feijóo (no hay que confundir los Goya con los Oscar) y para Pedro Sánchez (con una mención a ese “chuletón imbatible”). Ambos estuvieron presentes en una ceremonia llena de políticos y ministros (con las dos Montero, Irene y María Jesús; el Ministro de Cultura, Miquel Iceta, y la vicepresidenta Yolanda Díaz).

Pero al final, había que entregar los premios y la carrera apuntaba a un duelo entre As bestas y Alcarràs que pronto se decantó del lado del filme de Sorogoyen. El primer premio de la noche, el de Actor de reparto, fue para el favorito, Luis Zahera, por su terrorífico pero humano hermano Anta en el thriller del director. “Siempre quise rodar un western y matar un francés”, dijo con sorna. El galardón predijo una noche mágica para el largometraje, que terminó triunfando con nueve galardones, entre ellos los más importantes: mejor película, dirección, guion original, actor principal (Denis Ménochet), actor de reparto (Luis Zahera), sonido, fotografía, montaje y música original. Eduardo Villanueva, productor del filme, dejó un recado con su discurso como productor del filme y dijo que la mejor forma de patriotismo es amar nuestra cultura.

La consecuencia del arrase de As bestas dejó a Alcarràs con el marcador a cero. Resultado injusto para una película que ganó un histórico Oso de Oro en la Berlinale pero que no ha sido reconocido por la Academia. En el año de las mujeres, los Goya no remataron la jugada. Pilar Miró, Iciar Bollaín e Isabel Coixet siguen siendo las únicas mujeres que han ganado el premio a la mejor dirección en 37 ediciones.

Donde sí siguieron dominando fue en la categoría de mejor dirección novel, donde Alauda Ruiz de Azúa se convirtió en la sexta mujer consecutiva que lo logra. Lo hizo por ese fenómeno llamado Cinco lobitos, un filme sobre la maternidad y los cuidados que también vio como sus dos actrices se llevaban el premio. Laia Costa, como mejor actriz protagonista y Susi Sánchez como actriz de reparto. Un duelo interpretativo que se merece estos dos galardones. La segunda pidió que la presencia de mujeres nominadas no sea una excepción. “Si la sociedad es un desastre, está en nuestras manos intentar arreglarla. Hasta ahora se nos han abierto muy poquitas puertas, básicamente la de la cocina y la del dormitorio. Espero que, vosotros compañeros, os deis cuenta de que tenemos muchas cosas que ofrecer, y que queremos estar codo con codo con vosotros”, dijo.

En número de Goyas Modelo 77 quedó segunda gracias a sus cinco cabezones, aunque todo fueron técnicos: mejor vestuario, mejores efectos especiales, dirección de producción, maquillaje y peluquería y mejor dirección de arte. El resto de películas se quedaron con la pedrea. Cerdita logró el premio a la Mejor actriz revelación para Laura Galán, que emocionó con un discurso contra el bullying, tema que aborda el filme de Carlota Pereda. Isaki Lacuesta, Isa Peña y Fran Araujo lograron el premio al mejor guion adaptado por Un año, una noche. Lacuesta se acordó de Joaquim Jorda al recogerlo. Ya en la alfombra roja, pidió “unos premios más modernos donde los nominados no sean tan académicos”. Una mención a la que se unió Juan Antonio Bayona antes de dar el premio de dirección, acordándose de la ausencia de Albert Serra.

Uno de los grandes momentos de la noche llegó con el premio al Mejor actor revelación para Telmo Irureta. Su discurso, en el que defendió el “derecho a la sexualidad de las personas con discapacidad”, terminó con una frase que arrancó los aplausos: “Nosotros también existimos y nosotros también follamos”. Es, además, el reconocimiento merecido para una de las grandes películas de este año que se quedaron fuera de las nominaciones importantes, La consagración de la primavera. También emocionó Fernando Esteso, que al entregar el premio al Mejor corto documental se acordó no solo de Saura, sino también de Agustí Villaronga. “Me reuniré con ellos más pronto que tarde”, dijo.

La Academia premió por fin a Sabina, que en su tercera nominación se llevó el goya a la Mejor canción original. Eso sí, no fue a recogerlo. En su lugar estuvieron Fernando León de Aranoa, director del documental por el que ganó, y Leiva, con el que han escrito la canción y que recordó que era el cumpleaños del cantante: “Flaco, te llevo un regalo cojonudo”. Sintiéndolo mucho perdería después el premio que parecía que tenía su nombre, el de mejor documental, que fue para Labordeta, un hombre sin más, en una de las pocas sorpresas de la noche.

Merecido fue el galardón de Unicorn Wars como Mejor largometraje de animación, que terminó con el reinado de Tadeo Jones, que por primera vez perdió el Goya con su tercera película. Argentina, 1985 venció como película iberoamericana y La peor persona del mundo como filme europeo. Los cortos fueron de los más reivindicativos. Todos los nominados lucieron su chapa reivindicando ese 1% de los ingresos que RTVE destina al cine para ellos y los ganadores también lo hicieron. Loop venció en la categoría de animación; Arquitectura emocional 1959 en la categoría de ficción y Maldita, a love song to sarajevo en la de documental.

El cine español celebra la gala de sus premios más importantes del año.

“Gracias a David, mi personaje, porque es un guiño al derecho a la sexualidad de las personas con discapacidad. Nosotros también existimos y nosotros también follamos”. Con estas importantes palabras ha recogido este sábado el Goya a Mejor actor revelación Telmo Irureta, intérprete de La consagración de la primavera. “Brindemos por un cine más inclusivo y con cuotas de todo tipo”, ha pedido en su discurso.

Irureta se ha referido también a Fernando Franco, director del largometraje por el que ha sido galardonado. “Eres maravilloso. Muchísimas gracias por esta oportunidad. Me encanta haberte conocido y ser parte de tu peli”, ha compartido. Las siguientes en ser nombradas han sido sus compañeras de reparto Valeria Sorolla y Emma Suárez. “Sois muy buenas y lo hacéis muy bien. Trabajar con vosotras ha sido una experiencia maravillosa”, ha afirmado.

El actor ha recibido el 'cabezón' en manos de su tía, la también intérprete Elena Irureta (Patria), con quien ha protagonizado un emocionante abrazo. “Muchas gracias a todos los que me han votado”, ha pronunciado nada más subir al escenario, “estoy muy contento, algo bloqueado”.

La consagración de la primavera se presentó en el pasado Festival de San Sebastián, en el que formó parte de su sección oficial. El director de La herida aborda en la película la sexualidad en las personas con diversidad funcional. El punto de partida del largometraje es la llegada de una joven a Madrid para estudiar en la universidad, donde conoce por casualidad a un chico con parálisis cerebral. Posteriormente se ofrece a actuar de terapeuta sexual en una historia de autodescubrimiento por parte de ambos.

Irureta se ha alzado con el único galardón para la película, por la que también estaba nominada Valeria Sorolla a Mejor actriz revelación; premio que se ha llevado Laura Galán por su trabajo en Cerdita. As bestas, por su parte, ha sido la gran triunfadora de una gala marcada por el recuerdo y homenaje al recién fallecido cineasta Carlos Saura.

La alfombra roja de los Goya suele ser un lugar de celebración, de nervios y de algarabía, pero este año nada fue como se esperaba. La muerte de Carlos Saura, Goya de Honor de este año, unas horas antes de la celebración de la gala dejaba a todo el mundo tocado. Se iba uno de los grandes maestros del cine español, autor de obras maestras como La caza, Cría cuervos o La prima Angélica. Un director que es influencia directa en la generación de directoras y directores que, precisamente, este año estaban nominados.

El Saura rural y que desgranaba lo político desde lo íntimo está en Alcarràs; su oscuridad y ambigüedad se nota en Mantícora; la mezcla de realismo y lo onírico de El agua… Todas tienen señas y detalles de Saura, y todos ellos han dedicado sus palabras al pasar por esa alfombra roja en la que normalmente responden a preguntas divertidas y hoy han tenido que enfrentarse a recordar a una parte de la historia del cine que nos deja.

“Es el abuelo de esta generación de cineastas”, ha señalado Carlos Vermut, director y guionista de Mantícora. “Para mí es el mayor referente que he tenido en el cine español. Es así de sencillo, siempre lo he dicho”, ha defendido, “es el último autor de cine psicológico de este país. Él lo decía”.

“Recuerdo que una vez me dijo que hubo un momento en su filmografía, a partir de Los golfos, en el que dejó de hacer cine social, y eso a día de hoy es un poco controvertido. Para empezar, es el cine de los espejos, lo que él se refería al cine de lo simbólico, de lo psicológico, de lo humano y lo profundo, y a mí eso me impactó muchísimo y he construido mi filmografía en base a esas palabras”.

“Estamos un poco huérfanas”, ha declarado Elena López Riera, directora de El agua, que ha reconocido que el largometraje del cineasta Elisa, vida mía fue una gran influencia en su ópera prima. Pilar Palomero, responsable de La maternal, ha asegurado: “Siento a Saura en muchas de las películas de mis compañeros y compañeras. Es muy importante que conservemos el tipo de cineasta que era, porque realmente fue libre. Hizo las películas que quiso y es un ejemplo a seguir”.

La directora ha reconocido que hay títulos suyos que forman parte de su “educación cinematográfica”. “Esto es algo que compartimos a toda una generación. Le tenemos como un gran referente del cine español”, ha reivindicado, “qué bonita esta despedida por parte de toda la industria, aquí”.

Carla Simón, nominada por Alcarràs, ha refrendado su postura: “Que muriera justo antes de recibir este Goya de Honor significa algo. Ha sido muy cósmico y de alguna manera nos da la oportunidad de estar hoy todos juntos aquí pensándolo, celebrándolo y dándole las gracias por el gran legado que nos deja y la gran inspiración que ha sido”.

“Quiero pensar que va a ser la noche en la que podamos rendir homenaje de la forma más especial, con toda la familia del cine español reunida”, ha valorado Juan Antonio Bayona. “Es una pérdida muy triste, pero estoy convencido de que va a ser precioso”, ha afirmado Rodrigo Sorogoyen , que ha definido al artista como uno de sus “cineastas favoritos”.

“El fallecimiento de Carlos Saura nos tiene que hacer ver también a los responsables públicos que tenemos que visibilizar ese cariño y ese reconocimiento no solo nacional sino internacional, a uno de los grandes cineastas de la historia”, ha valorado Pedro Sánchez antes dar comienzo la gala.

Inspiración, fascinación y homenaje

Félix Viscarret filmó en 2017 el documental Saura(s), sobre la figura del artista. Alcanzado 2022, opta junto a David Muñoz al Goya a Mejor guion adaptado por el filme No mires a los ojos. “Los que hemos tratado con él nos reíamos y disfrutábamos con su ingenio y su talento. De cerca veías veías a un Saura cálido, divertido, activo y tan lleno de vida hasta el último minuto. Seremos muchos los que tengamos en el corazón”, ha compartido.

Isabel Coixet le ha recordado con humor: “La última vez que le vi fue en un restaurante en Santander. Comimos y pidió dos tocinillos de cuelo que no compartió con nadie. Yo quiero ser así. Tenía una sorna... Era un tipo estupendo. ¿Dónde hay que firmar para tener la vida que tuvo él?”. Fernando León de Aranoa, por su parte, ha afirmado: “Me encanta su trabajo como artista, que hiciera fotografía, que dibujara, me encantan sus storyboards. Son una belleza. Tengo un cartel de Deprisa, deprisa en mi casa, así que creo que con eso lo digo todo”.

También ha tenido palabras para el cineasta Antonio de la Torre, presentador de la gala junto a Clara Lago: “Tengo dos recuerdos suyos. El primero de ellos, que me dijo que era buen actor, y que te lo diga él es bonito. El segundo, que era buena persona. Y yo creo que como artista eres igual que eres como persona”. Penélope Cruz, por su parte, ha revelado que estuvo “a punto” de trabajar con él “dos veces”.

Isaki Lacuesta e Isa Campo, artífices de Un año, una noche, han lanzado una propuesta: “Sería un buen momento para recordar que se podrían llamar Premios Buñuel Saura. Estamos a ver si cambiamos el nombre de una vez y hacemos algo un poco más contemporáneo”.

Especialmente emocionantes han sido las declaraciones de su hija Anna Saura: “Todo el rato hablaba de proyectos. Hasta hace una semana me decía: 'Tráeme la libreta, tengo que apuntar esto, por favor llama a no sé quién, tengo que decirle no sé qué…' Ha estado hasta el final. Ha tenido esa vitalidad hasta hace tres o cuatro días, así que es un ejemplo de vida para todos, con 91 apasionado por lo que hacía y feliz de trabajar en lo que le gustaba”.

Más allá del mundo del cine, han acudido a la gala figuras como Blanca Paloma, recién ganadora del Benidorm Fest y futura representante de España en Eurovisión. “Saura me fascina y me ha inspirado muchísimo”, ha revelado la cantante, “en los destellos y en las pantallas hay cierto homenaje a él porque siempre me ha inspirado. Estudie su plástica en Bellas Artes porque me parece que es ejemplar y ha dejado una huella que es histórica”.

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Luis Zahera, por As bestas

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

Yolanda Piña y Félix Terrero, por Modelo77

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

Esther Ballesteros y Ana Rubio, por Modelo 77

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Susi Sánchez, por Cinco lobitos

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Telmo Irureta, por La consagración de la primavera

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE

Pepe Domínguez del Olmo, por Modelo 77

MEJOR SONIDO

Aitor Berenguer, Fabiola Ordoyo y Yasmina Praderas, por As bestas

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Fernando García, por Modelo 77

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA

Argentina 1985

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

Manuela Ocón, por Modelo 77

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

Álex de Pablo, por As bestas

MEJOR MONTAJE

Alberto del Campo, por As bestas

MEJOR PELÍCULA EUROPEA

La peor persona del mundo

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Laura Galán, por Cerdita

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

Arquitectura emocional 1959

MEJOR CORTOMETRAJE DE DOCUMENTAL

Maldita. A love song to Sarajevo

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN

Loop

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Alauda Ruiz de Azúa, por Cinco lobitos

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

Sintiéndolo mucho, de Joaquín Sabina y Leiva

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Olivier Arson, por As bestas

MEJOR GUION ORIGINAL

Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen, por As bestas

MEJOR GUION ADAPTADO

Isa Campo, Fran Araújo e Isaki Lacuesta, por Un año, una noche

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Unicorn Wars

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

Labordeta, un hombre sin más

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

Denis Menochet, por As bestas

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

Laia Costa, por Cinco lobitos

MEJOR DIRECCIÓN

Rodrigo Sorogoyen, por As bestas

MEJOR PELÍCULA

As bestas

“Hoy me han preguntado unas 100 veces 'de quién voy a ir esta noche'. La verdad es que voy a llevar una chaqueta negra de una tienda de segunda mano (15 euros), pintada por Elena Scilinguo, con la cara de Mahsa Amini y Woman Life Freedom”. La directora Isabel Coixet ha publicado este mensaje en sus redes sociales horas antes los Premios Goya 2023, avanzando cuál iba a ser su vestuario para la velada.

“Llevo una chaqueta de segunda mano para que no se nos olvide que lo importante no es la alfombra roja, la ropa, las marcas, el 'glamour', el maquillaje, la fanfarria: lo importante es lo que hacemos, lo que se proyecta en una pantalla”, ha reivindicado la cineasta, nominada en la categoría de Mejor documental por El sostre groc (El techo amarillo).

“Lo demás... al que le guste estupendo. Y al que no, no pasa nada”, ha concluido, “no nos creemos obligaciones superfluas ni más presiones de las que hay. Relajémonos un poquito. O mucho”.

Ya en la alfombra roja de la ceremonia celebrada en Sevilla este sábado, Coixet ha sido tajante en su postura: “Hay un momento en la vida de una persona en el que dices, ¿qué tengo que hacer? ¿Contratar a una estilista?”. “Hay gente que disfruta con el tuneo. Yo nunca lo he disfrutado. Ni cuando tenía 18 ni ahora”, ha reconocido, “llega un punto en el que hay tanta presión... Que yo qué sé”.

Fue la cineasta quien le pidió a la ilustradora que incluyera la cara de Masha Amini, la joven iraní de 22 que murió a causa de la violencia ejercida por la Policía de la Moral tras ser detenida por llevar mal puesto el hijab el pasado mes de septiembre.

Durante la gala, la cineasta ha sido la encargada de entregar a Juliette Binoche el Goya Internacional, a quien dirigió en el largometraje Nadie quiere la noche. “Con ella he aprendido a no tenerle miedo a tener miedo. A estar alerta siempre, a abrazar la vida sin red. Es la mujer en la que están todas las mujeres. Representa un cine sin fronteras y sin algoritmos, el cine que busca la conexión de las personas sin importar de dónde vengan”, ha pronunciado sobre ella.

Participantes e invitados a la gala de los Premios Goya 2023 desfilaron por la alfombra roja de entrada al Palacio de Congresos y Exposiciones Sevilla

Siempre que me preguntan por ese momento fundacional, ese instante en el que nació mi pasión por el cine, menciono dos. El primero, un clásico infantil, se remonta a aquel niño que veía las películas de Star Wars en VHS con su hermano desde casa y que vivió como un momento emocionante poder ir con él a una sala a disfrutar del reestreno de las películas con nuevos efectos especiales. El otro, tiene que ver con el cine español. Con la afición ya asentada, ir al Blockbuster a alquilar una película con mi padre todos los fines de semana era el momento más esperado. Fue ahí donde alquilé y vi por primera vez con apenas 15 años (sería la primera de muchas), Todo sobre mi madre.

Descubrir el universo de Almodóvar transformó mi forma de ver el cine, y de alguna forma ese momento también queda vinculado a otro instante fundacional, aquel en el que se comenzó a formar mi activismo político gracias también al cine español. De alguna forma ya había comenzado de manera inconsciente. Había decidido librar mi propia batalla y me había negado a aceptar ciertos prejuicios sobre el cine español que ya revoloteaban.

Que un crío de 15 años diga en su colegio en Valladolid (concertado y de curas) que su película favorita es Todo sobre mi madre no era lo más habitual, y de alguna forma la etiqueta del ‘friki del cine’ estaba puesta. Todos los años, a principio de curso, se organizaban unas ‘convivencias’ a las afueras de la ciudad. Un año, en una actividad en la que se podía preguntar a cualquier persona de la clase lo que se quisiera, alguien me preguntó con cierto desprecio que por qué me gustaba el cine de Almodóvar. No recuerdo si en aquel momento se lanzó ese 'argumento cuñado' de que ‘solo iba de transexuales y prostitutas’, pero a mí me pareció una ofensa. Delante de la clase lancé un alegato sobre los sentimientos universales y el mundo particular del cine de Almodóvar.

Sirvió de poco. Meses después fui al cine con la chica que me gustaba. Esperando a ver la película le dije que todavía no había visto El sexto sentido. Luego nos pusimos a discutir sobre… el cine español. Ella me dijo que si seguía diciendo que el cine español era bueno me desvelaría el final de la película. Ahí me mantuve, defendiendo las bondades de nuestro cine hasta que llegó el “¡Bruce Willis está muerto!”. El final del que todos hablaban se había revelado por haberme partido la cara por el cine español.

Fueron las historias de las películas que se hacían aquí las que me abrieron los ojos a realidades a las que mi día a día de adolescente privilegiado no miraba. Achero Mañas me mostró la vida perra de un crío maltratado por su padre en El Bola; Fernando León me enseñó los barrios que yo no pisaba, y luego habló del paro poniendo nombres y apellidos a sus culpables. Icíar Bollaín me habló de violencia machista cuando nadie lo hacía, ni siquiera los periódicos. Alejandro Amenábar sacó el tema de la eutanasia y desde entonces no entendí que nadie pudiera negarse a dar una muerte digna a alguien como Ramón Sampedro.

Un verano, ese activismo cinéfilo se materializó en un calendario que decía explícitamente 'I love cine español'. Lo ilustraba un toro con un candado en la nariz y cara de enfado. Sí, todos los tópicos cañís juntos en un diseño de calidad nula pero que por primera vez expresaba mi pelea contra el mundo. Lo compré sin dudarlo y lo coloqué en el corcho de mi cuarto de adolescente como una declaración de intenciones. Un tesoro que enseñaba y que me presentaba ante todo aquel que entrara en la intimidad de mi dormitorio.

Todos esos sentimientos que flotaban sin solidificarse lo hicieron aquel 1 de febrero de 2003, cuando el cine español dedicó la gala de los Goya al No a la guerra. Como cada año, mi madre y yo compramos pizza para ver la ceremonia. Recuerdo de forma nítida el discurso de Marisa Paredes. Ver a aquella actriz, emblema de la elegancia, decir aquello de una forma tan valiente y que representaba a la gran mayoría de los españoles fue emocionante. Todos los actores, actrices, directores y técnicos aprovecharon su minuto de gloria para decir “no a la guerra”. 

Aquella gala histórica fue la gota que colmó el vaso de la inocencia para convertirla en un verdadero activismo político. No fue solo la gala en sí. Aquel 'No a la guerra' ya estaba calando en todos nosotros, pero se vio que no era un sentimiento único. Esas palabras no se habían dicho en mi clase, ni en mi colegio, y yo las escuchaba por primera vez de forma clara en prime time en una Televisión Española dominada con mano de hierro por Alfredo Urdaci. Me sentí parte de algo. No me sentí solo.

La gala fue el empujón para que la indignación que sentíamos saliera, pero recuerdo con aun más indignación los días posteriores. Los ataques que sufrió el cine español desde los medios afines al PP. Se pidió la cabeza de Marisa Paredes, se insultó de forma abierta y hasta en una portada apareció Javier Bardem ante una pregunta infame: “¿Por qué Bardem va se manifiesta contra la guerra pero no contra los atentados de ETA?”. Bardem solo fue uno de los millones de españoles que abarrotamos las calles con nuestra pegatina del 'No a la guerra' y que fueron ignorados por el Gobierno de Aznar. Un despiadado ataque frontal intentando desprestigiar a nuestro mejor actor solo por su posicionamiento político.

Han pasado 20 años, y aquel incipiente activismo ya no es incipiente y ha crecido y viajado de forma independiente al del cine español, pero en aquellos momentos nacieron juntos. Ahora, cuando regreso a Valladolid, a casa de mis padres, el cuarto donde pasé mi adolescencia está tomado por los juguetes de mi sobrina. Pero allí, en un marco del corcho sobreviven dos reliquias que guardo y me niego a tirar. Aquel calendario sobrevive junto a la pegatina que en letras rojas dice “No a la guerra” desde que la pegué la tarde del 15 de febrero de 2003 en aquella manifestación histórica.

Este sábado se desvelará la gran incógnita, qué película se llevará el Goya en el gran año del cine español. Esta vez la victoria tiene incluso más mérito al ver el increíble curso que se ha vivido. Nuestras películas han estado presentes en todos los festivales, logrando que la gente vaya a verlas y conectando con la gente como hacía tiempo que no lo lograban. Es un año de inflexión, importante, y los Goya deberían celebrar ese sentimiento. A priori no hay misterio, y a todo el que preguntes apunta al mismo duelo: As bestas y Alcarrás son las favoritas para la victoria final. La película de Sorogoyen tiene a favor, además de su calidad, el perfecto timing de su llegada, su paso arrasador por taquilla y un boca a oreja que la han convertido en un fenómeno. La de Simón tiene la sensación de ser una película importante para nuestro cine. Un Oso de Oro histórico dirigido por uno de los talentos más prometedores de nuestro cine y una nueva mirada que representa perfectamente los nuevos tiempos del cine español. En su contra, una propuesta mucho más intimista, y que aquel Oso de Oro y su estreno parecen algo de otro año. Fue en febrero de 2022, y ha llegado a la carrera desgastada.

Ojo, que nunca hay que descartar una tercera vía. En una carrera tan polarizada entre dos títulos puede ser la tercera opción la que triunfe, y esa sería, sin duda, Cinco lobitos, la película que más ha emocionado al público este año. La mirada alejada de clichés y lugares comunes a la maternidad de Alauda Ruiz de Azúa tiene muchos fans y no sería descartable una campanada ni que se llevara el premio al Mejor guion original, además de alguno que se da por descontado. Muy mal se tendría que dar la noche para Cinco lobitos para que la actriz Laia Costa no ganara su primer Goya; algo más complicado lo puede tener Susi Sánchez como actriz de reparto, una categoría en la que Ángela Cervantes por La maternal puede ser la amenaza y un premio que reconozca la obra de Pilar Palomero, también nominada como Mejor película y Mejor dirección. Mikel Bustamante como actor revelación también podría lograr el Goya en una de las categorías más reñidas de la noche. Telmo Irureta, por La consagración de la primavera, y Christan Checa, por En los márgenes, parecen sus rivales más fuertes.

El duelo entre estas tres grandes obras ha hecho que el resto haya quedado en un injusto segundo plano. Modelo 77 es una película excelente, un drama carcelario que muestra la madurez narrativa del dúo Rafa Cobos-Alberto Rodríguez y que nadie mira como lo hacen ellos debajo de la alfombra de la historia (sucia) de España. Una película impecable que se ha atrevido a cuestionar la ‘modélica Transición’ y que en otro curso sería la vencedora sin ninguna duda. Pasa lo mismo con la otra nominada a Mejor película, La maternal, donde Palomero confirma que lo de Las niñas no era una casualidad, sino puro talento para apuntar donde otros no quieren, aquí a la maternidad adolescente. Eso sin contar las que podrían estar. Un año, una noche, Mantícora, Pacifiction, Cerdita, El agua, La consagración de la primavera… Filmes que otros años habrían amasado nominaciones y que esta vez han quedado como secundarias de lujo o incluso olvidadas de lujo.

En Mejor dirección el duelo a muerte es Carla Simón versus Rodrigo Sorogoyen. ¿Vencerá un hombre en el año en el que las directoras lograron la paridad? Habrá que verlo. Palomero y Alberto Rodríguez repiten aquí y el quinto puesto se lo dejan a Carlos Vermut, sorpresa en la categoría por una película incómoda e inteligente que aborda un tema tan peliagudo como la pedofilia. Nadie como él observa las sombras del ser humano. Mantícora es su película más humana y cuenta con la mejor interpretación masculina del año, la de Nacho Sánchez, que debería ganar el Goya al Mejor actor protagonista.

Sería un reconocimiento al filme y a uno de los mejores actores de su generación. De sus rivales tres ya tienen uno o más cabezones (Luis Tosar, Miguel Herrán y Javier Gutiérrez). En los Forqué la sorpresa la dio Denis Menochet, el protagonista de As bestas. Si la película de Sorogoyen se lleva los premios de interpretación la noche estará decidida a su favor. Si Marina Foïs vence a Laia Costa será la seña definitiva de que será su noche. Poco parece que tenga que hacer Anna Castillo por Girasoles silvestres o Bárbara Lennie por el éxito de taquilla Los renglones torcidos de dios. Aquí toca parar y reivindicar una de las grandes interpretaciones de este año, la de Vicky Luengo, excelente en Suro, ópera prima de Mikel Gurrea que hubiera merecido mejor suerte en las nominaciones. La de Luengo fue una de las nominaciones más aplaudidas. Una de las actrices más potentes de una nueva generación que se deja la piel en un papel complicado y lleno de matices. 

Otro premio cantado parece el de Mejor dirección novel, donde Alauda Ruiz de Azúa tiene todo a favor para convertirse en la sexta mujer consecutiva en lograrlo. Una candidatura donde todos los nominados confirmaron el esperanzador futuro de nuestro cine. La comprometida apuesta por el mejor cine social de Juan Diego Botto en En los márgenes; el drama rural sobre una pareja burguesa en deconstrucción de Mikel Gurrera en Suro, y dos de las obras más personales y únicas del año. El agua, de Elena López Riera, es un filme tan libre y diferente que su simple existencia habría que celebrar. Lo realista y lo onírico se dan la mano en una obra que no atiende a normas y donde la ficción y el documental se funden. Cerdita, de Carlota Pereda, ha roto una barrera increíble, esa que hacía que las mujeres no dirigieran género. Pereda ha hecho un slasher que encima es un alegato contra la gordofobia y el bulllying. La muestra de que las directoras pueden hacer terror, tener presupuestos abultados y hablar de temas importantes desde el género. Apuesten por que en Hollywood tantean a la directora en poco tiempo, que seguro que aciertan.

Al adaptar su propio corto, Carlota Pereda opta al Goya al Mejor guion adaptado, y aquí podría obtener un premio importante para su película. Lo haría por encima de otra de las favoritas de esta categoría, Un año, una noche, el excelente filme sobre las secuelas del atentado terrorista de Bataclán de Isaki Lacuesta, una de las grandes olvidadas de estos Goya. Cerdita también parece la favorita para llevarse el premio a la Mejor actriz revelación por esa presencia importante en nuestro cine, una Laura Galán que es un torbellino necesario. Una categoría donde las cinco nominadas merecerían el premio: la raza y el nervio de Luna Pamiés en El agua; la sensibilidad especial de Valeria Sorolla en La consagración de la primavera; la sutilidad de Zoe Stein en un personaje tan complicado como el de Mantícora y el empoderamiento de Anna Otin en Alcarràs. Atentos todos a las categorías revelación: si Otin o sus compañeros Albert Bosch o Jordi Pujol vencen por el filme de Carla Simón –un galardón que también reconocería el increíble proceso de casting del filme realizado por la directora–, la noche prometerá emociones fuertes. 

Parece justicia poética que un año tan potente se corone con un Goya de Honor tan merecido, justo e impepinable como el que recibirá póstumamente Carlos Saura. El director, fallecido este viernes a los 91 años, es el responsable de algunas de las obras maestras más influyentes de nuestro cine como Cría cuervos, La prima Angélica o Ana y los lobos. Un cine que desafió las normas establecidas, que supuso un soplo de modernidad en una España gris que vivía los últimos coletazos del franquismo, y un cineasta que durante años estuvo olvidado hasta que la generación de los directores nominados esta noche lo reivindicaron como el maestro que realmente ha sido.

La rueda de prensa por el Goya internacional a Juliette Binoche quedó ensombrecida por la triste noticia de la muerte de Carlos Saura. El autor, que este año recibía el Goya de Honor, moría a los 91 años en su casa de Madrid, e hizo que la tarde en Sevilla se quedara gris, sin el júbilo que debía suponer el tener delante a una de las actrices más importantes del cine de las últimas décadas. Una intérprete que ha trabajado con los mejores. De Godard, a Kiarostami pasando por Kieslowski. Una de esas mujeres que solo entiende el arte desde el riesgo, y así lo explicó en su brillante encuentro con la prensa este viernes en Sevilla.

La actriz confesó que no era su primera vez en la capital andaluza, sino que una vez se plantó de forma improvisada en Nochebuena y casi se queda sin cenar. De aquella vez recuerda “los naranjos, el cielo azul y los palacios de la ciudad”. Ha calificado este premio como un honor, ya que lo recibe en un país que ama el arte. “España es un país de arte y de artistas y eso me inspira y me emociona. Veo los rostros verdaderos que pintó Goya, los cuerpos estilizados y luminosos que pintó el Greco, las obras de Gaudí, Velázquez, Lorca… Cervantes. España es una nación de arte y artistas, y eso es lo que necesitamos para evolucionar como seres humanos”, dijo en su primera intervención, donde también habló de las grandes actrices que la emocionaron de pequeña.

Binoche habló de la revolución feminista que ha vivido el mundo y el cine, y también de lo que ella soportó hace décadas, cuando la industria era mucho más masculina y menos paritaria. “Ahora todo ha cambiado, hay más mujeres directoras, pero cuando yo empecé eran más hombres y había un juego de seducción y atracción que no entiendo muy bien por qué ni cómo funcionaba. No sé cómo lo conseguí, quizás fue mi educación, que fui criada por una mujer consciente de esos peligros y que me educó sólidamente para estar preparada para detectarlos, para ser independiente y fuerte desde pequeña, pero gracias a eso he podido solucionar situaciones peligrosas. A mí me ha ocurrido. Hay directores y productores que me han querido besar o tocar y he dicho que no”, dijo de forma valiente. 

Considera que ser consciente de lo que pasaba le ayudó a “ser fuerte y salvar a la artista”. También reconoció que le encantó haberse enamorado de directores como Leos Carax o Techiné, “pero esa atracción que había con la juventud desaparece cuando una madura”. “Tienes otras necesidades. No eres la misma con 30, 40 o 50 años, y hay que aprender el no en la vida. Se hace camino al andar y hay que escucharse a una misma. Yo creo que tengo un ángel que a veces dice sí y a veces dice no, puede que sea intuición, pero creo que también se aprende mucho de los errores. Actuar siempre es descender, encontrar la luz desde la oscuridad. Yo estoy muy contenta de que haya pasado el Me Too, porque ha cambiado la vida para mejor, y desde aquí quiero decir que mi corazón está ahora con las mujeres de Irán, Afganistán y las que luchan por sus vidas a diario”, añadió.

No se arrepiente de ningún papel, y cree que aquellos que escogen papeles solo por dinero se equivocan. “Todas las películas me han cambiado de forma inesperada, y si una película no te cambia es que hay algo que no esta bien. Siempre hay que tomar un riesgo, ya sea físico o emocional. Cada director trabaja de una forma, y por eso me gusta tanto esta profesión, porque siempre es diferente. En una película un director de fotografía estaba comiendo un chicle mientras yo actuaba, y yo estaba en la escena viéndole. Cuando terminé le dije, por favor, ¿puedes dejar de mascar chicle? Cada momento es importante, y cada instante tiene que ser especial, porque si no, para qué dedicas tanto dinero, tanto trabajo y tanto tiempo. Si no lo sientes así, dedícate a otra cosa. Cada escena tienes que hacerla como si fuera la primera o la última”.

Los actores recibimos mucho amor, pero también queremos dar amor. Recibimos esperanza, pero también queremos darla. Queremos ayudar a la gente a ver otros horizontes distintos

Juliette Binoche — Actriz de cine y Goya Internacional 2023

Cuando no se dan esas condiciones ella lo tiene claro, “eso no es arte y no compensa hacerlo”. “Ya no sería una expresión de ti misma. Tiene que haber un salto, un lugar al que quieras ir. No hay películas más importantes que otras. Las menos importantes son importantes precisamente por haber sido menos importantes. Todas tienen una función. Es como la vida, todos los días importan, no hay días que sean más importantes que otros. Una vez me llamó una agente de Estados Unidos y me dijo, ‘haz esta película que es comercial e importante y eso te permitirá hacer esas de autor que te gustan’, y le dije que si ese era el sistema no me gustaba, que yo quería hacer las películas por una razón legítima, no regatear el hacer una para poder hacer luego otras tres. Todas tiene que merecer la pena, tiene que haber motivos internos porque si no, no merece la pena”, zanjó.

Recibir este Goya es un “honor”, pero cree que el premio no se lo dan a ella, sino a su “fuego y energía interior”. “Cuando hay un personaje siempre hay un comienzo y un final, pero lo importante es la transformación, y compartir esa transformación con otras personas. Mi vocación es ayudar a las personas a vivir. A mí la interpretación me ayudó mucho cuando era pequeña. He hecho más de 100 películas. Tienes que saber por qué eliges ser actriz y estar expuesta, porque a veces prefieres ir a tomar una copa con tus amigos en vez de estar expuesta, pero yo lo elijo porque esta es la esencia de lo que quiero hacer. Mañana intentaré hablar de esto. Los actores recibimos mucho amor, pero también queremos dar amor. Recibimos esperanza, pero también queremos darla. Queremos ayudar a la gente a ver otros horizontes distintos y a vivir de forma distinta. Creo que cuando me pongo delante de la cámara lo mas importante es ser humilde, porque a veces piensas que eres importante, y lo importante es hacer ese ejercicio de humildad y saber por qué estás ahí. Si no lo haces, es muy peligroso”.

Los premios van asociados a la competitividad: enemigos luchando por ganar. Da igual que sea una carrera de relevos o un Goya, desde la infancia se inculcan valores como la rivalidad. La historia la cuentan los que ganan y nadie se acuerda de los que pierden. La cámara de los premios siempre se fija en ese rostro que no acepta bien la derrota, esa persona que contaba con ganar y que no puede esconder su decepción por no ser quien salga a dar el discurso que ha ensayado durante meses con el bote de champú en su casa.

Este año el cine español ha mostrado que hay una nueva generación que cuenta otras historias. Una generación de productores, de directoras y directores, pero también de intérpretes. Las nuevas miradas ya no quieren a las actrices de siempre, buscan otros rostros frescos que aporten nuevos registros a las películas. Una generación que se ve en las nominaciones interpretativas a los Goya, donde se encuentra ya mucha juventud. En la categoría de mejor actriz, ninguna nominada es uno de los clásicos rostros del cine español. Cuatro de ellas tienen menos de 40 años y tres nunca habían sido nominadas.

Una de ellas es Vicky Luengo. La actriz despuntó gracias a la serie Antidisturbios, pero ha logrado su primera nominación por su papel en Suro, debut en la dirección de Mikel Gurrea, donde interpreta a una joven burguesa que decide cambiar de vida, mudarse a una masía heredada y dedicarse a la recolección de corcho. Un papel complejo que le ha dado una merecida candidatura. El día de la lectura de las nominaciones, varios de los candidatos atienden a la prensa tras conocer las buenas nuevas. Una de las primeras en hacerlo fue Anna Castillo, que lograba su cuarta nominación —ya tiene un Goya por El olivo— con Girasoles silvestres. Sus primeras palabras fueron para Vicky Luengo. Estaba emocionada y reconocía que le hacía casi más ilusión que su amiga estuviera junto a ella este año que la propia nominación.

Aquel instante desenmascaraba la mentira de la competitividad y la rivalidad. Ahí había dos amigas que, en unos meses extenuantes de promoción y campaña por el Goya, vivirían en común la soledad que conlleva y los momentos más duros. Por si fuera poco, Vicky Luengo cuenta con un hombro más en el que apoyarse en esta ocasión: el de Ángela Cervantes, nominada por segundo año consecutivo. Si en 2022 optaba como Actriz revelación por Chavalas, este lo hace como actriz de reparto por La maternal. Luengo y Cervantes dejaron hace unas semanas una foto que vuelve a romper los prejuicios patriarcales sobre la amistad entre mujeres profesionales. Tras la ceremonia de entrega de los Gaudí, donde ambas ganaron en diferentes categorías, se encontraron en la alfombra roja. En cuanto se vieron, corrieron a abrazarse dejando una imagen para el recuerdo, que ilustra este reportaje.

Luengo recuerda el momento en el que se enteró de la nominación a los Goya. No se lo esperaba. Suro era una película pequeña y la lectura la pilló rodando. “Yo nunca llevo el móvil en los rodajes, lo dejo en el camerino. Subí un momento a cambiarme de ropa y tuve este acto involuntario de mirar el móvil un segundo. Descubrí que tenía 50 llamadas así que lo conecté, lo vi y me puse a gritar y llorar de la alegría. Lo estoy viviendo con muchísima ilusión. Me preguntan mucho si lo he asumido y digo que no lo sé, porque no sé muy bien cuál es la sensación de haber asumido estar nominada porque no lo puedo comparar con nada. Lo estoy intentando vivir todo con muchísimo detalle, porque es la primera vez”, cuenta.

Me alegro muchísimo cuando ellas consiguen un logro y creo que es lo que hay que hacer, porque la otra se basa en algo patriarcal que había enseñado a la mujer a competir por ser la mejor

Vicky Luengo — Actriz y nominada al Goya por 'Suro'

Suro fue un proyecto especial. Llegó en un “momento delicado para ella” ya que acababa de fallecer su padre, por lo que ese rodaje siempre quedará vinculado a ella. También era especial el orgullo de estar en una película pequeña, de poco presupuesto, para la que nunca esperaron que tuviera esa repercusión. Ahora ha llegado la nominación y la comparte con dos amigas. Luengo, subraya la importancia de tener gente con la que caminar en una profesión donde solo un 8% de los intérpretes viven de su trabajo: “Me parece importantísimo, porque creo que la vulnerabilidad que genera este oficio muchas veces es muy poco entendible para personas que no se dedican a él. Por ejemplo, cuando rodamos Chavalas, Ángela no había hecho nunca ni un photocall ni estas entrevistas enormes. Me acuerdo de que ella estaba nerviosa y nos preguntaba. Yo le decía 'tranquila, esto va así o asá', o le decía como iba el photocall...”.

Ahora las tornas han cambiado, y es Ángela Cervantes la que le ayuda a ella: “El otro día nos cagábamos de risa porque volvimos de los Gaudí, las dos con un premio en la mano y le dije: 'Ángela, ahora me tienes que ayudar tú a mí, porque yo nunca he ido a las Goya en mi vida y estoy cagada de miedo. No sé cómo es ese photocall, no sé qué jaleo va a haber ahí'. Y entonces Ángela me estuvo contando, tranquilizándome y diciendo que no me preocupara. Tener esos anclajes es superimportante porque me ayudan a sostenerme y a relajarme. También me ayudan a sentirme fuerte y a quitarle importancia, porque creo que todo el mundo, no solo los actores sino en general, cuando tenemos un miedo, pasa a ser lo más importante que hay para nosotros en la vida, pero cuando tienes una persona al lado que te diga ‘está bien, a mí ya me ha pasado, tranquila’, le quitas importancia y lo vives con más ligereza. Es necesario en todo este jaleo”.

A pesar de la seguridad de aquel momento, Ángela Cervantes está “más nerviosa este año que el anterior”. Es más consciente, pero a pesar de los nervios también lo está disfrutando más porque tiene más información y porque quiere “acompañar como se merece” a La maternal, una película a la que tiene un amor especial. En la vorágine de entrevistas, jornadas promocionales y actos, uno de los momentos donde toma tierra es cuando ve a una amiga: “Hemos tenido momentos de no parar de entrevistas y alfombras, y cuando me la encontraba ahí era un subidón tremendo. Piensas que merece la pena todo ese ajetreo”.

Desde que coincidieron en el rodaje de Chavalas, se formó una amistad que es un ejemplo de una generación que rompe prejuicios. Caminar hacia el Goya de la mano de Vicky Luengo le aporta tranquilidad. “Poder estar en estos momentos hablando con alguien, mirarle a los ojos y decir, ‘¿estás bien?, venga, seguimos’, eso ayuda mucho”, asegura. Cuando escuchó la nominación de su amiga, pegó “un grito”. “Es difícil de explicar, pero genera algo como mucha felicidad. Y yo lo estaba escuchando con mi hermano —el también actor Álvaro Cervantes—, lo estábamos viendo y también él es muy amigo de Vicky, y hemos visto a esa persona trabajar muchísimo para llegar hasta ahí y entonces te alegras mucho porque al final los logros son de todos, de las amigas y de los compañeros, y eso al final también se contagia. Hay algo como de comunidad que hace muy feliz”, explica.

De esta temporada de premios, destaca esa foto con Vicky Luengo tras ganar las dos el Gaudí, una imagen que pone de relieve a esa generación que lejos de competir, disfruta viendo a sus amigos. De hecho, para Ángela Cervantes fue fundamental para lanzarse a actuar ver que la profesión no estaba ligada a esos valores tan negativos, algo que hizo hace poco: “Creo que yo también empecé a trabajar cuando hice ese clic de pasar de verlo como una competencia a verlo como un compartir y un alegrarte por el otro. A mí me ayudó mucho, pero sí que es verdad que en esta profesión hay algo que parece que te lleve a eso, a la parte más negativa, a la competencia, porque al final es muy difícil trabajar, pero estos momentos también ayudan a ver que que no, que cuanto más amor haya, mejor para todos”. Ángela Cervantes señala también a su hermano como apoyo fundamental que la acompaña “desde el minuto uno”. “Me lo ha dado todo”, dice Cervantes que se califica como “muy privilegiada”. 

Mientras que Vicky Luengo y Ángela Cervantes se conocieron hace unos cuantos años, la relación de Luengo con Anna Castillo viene de lejos. “Anna tenía 12 y yo 15. Yo creo que hace 16 años que la conozco. Anna y yo íbamos a una escuela de teatro musical juntas, hicimos un grupo de música que se llamaba SP3, y entonces grabábamos discos e íbamos dando vueltas por Cataluña, íbamos cantando las canciones del Club Super3, el grupo del programa de niños de TV3, como el Megatrix. Era mítico, porque Anna y yo éramos enanas y yo tengo cartas de Anna, de cuando yo tenía 16 años y ella 13 diciendo, ‘¿Hola, cómo estás? Te voy a echar mucho de menos’. Era superbonito”, recuerda Luengo.

Poder estar en estos momentos hablando con alguien, mirarle a los ojos y preguntarle si está bien ayuda mucho

Ángela Cervantes — Actriz y nominada por 'La maternal'

En 2017, cuando Anna Castillo fue nominada por primera vez, Vicky Luengo realizó una publicación en Instagram dándole la enhorabuena a ella y a otro de sus grandes apoyos en esta industria, el actor Ricardo Gómez que ese año lograba su primera nominación por Los últimos de Filipinas. Son todos parte de una generación que se han hecho amigos y en donde Luengo también nombra a actrices como Susana Abaitua, gente con la que comparte las alegrías y los sinsabores de esta profesión.

“La alegría que me dio la nominación de Anna aquel año fue algo muy genuino. La quiero muchísimo. Me parece una de las mejores actrices que tenemos de esta generación en este país. Estoy contentísima de que todo le vaya bien y de compartir mi primera nominación con ella al lado. Es precioso poder vivirlo con una amiga. A ella le dije: 'Me vas a tener que ayudar porque yo no he visto esto nunca y tú ya llevas cuatro nominaciones, perra'. Es muy bonito estar acompañada de gente”, cuenta Vicky Luengo.

Sus palabras rompen estereotipos machistas que siempre han apuntado a las relaciones entre mujeres como llenas de envidia y celos. Vicky Luengo recuerda una columna de Lucía Lijtmaer que leyó hace poco en El País que habla sobre “La mujer única”: “Hablaba de esta tendencia, o manía, de coger un comportamiento de una mujer y atribuirlo a todas las mujeres, como si tuviera que ser representativo de todas, como si todos tuviéramos que responder por ella. En este grupo en el que están Ángela, Carolina Yuste, Susana Beitia, o cantidad de amigas, siento que no hay nada eso. Yo siento genuinamente que es gente que se alegra muchísimo cuando a mí me va bien. Yo me alegro muchísimo cuando ellas consiguen un logro y creo que es la única manera de hacerlo, porque la otra está basada en una cosa patriarcal que habían enseñado a la mujer a competir por ser objeto de deseo, tener que ser la mejor, la más talentosa. Se está produciendo un cambio interesante que ojalá consigamos ensanchar y que siga ocurriendo”.

1 de febrero de 2003. El Palacio Municipal de Congresos del Campo de las Naciones de Madrid se encontraba abarrotado para celebrar la 17 edición de los Premios Goya. Un año en el que el morbo parecía estar en ver si Fernando León de Aranoa y su drama sobre el paro en España, Los lunes al sol, vencería a Almodóvar y su Hable con ella, que acabaría propulsada hacia el Oscar al Mejor guion original. Sin embargo, aquel año no fue un año normal. Días antes, José María Aznar había mostrado de forma abierta su apoyo a George Bush en su intención de invadir Irak. Una invasión que iba en contra de la posición común tomada por el resto de países y que no contaba con el apoyo de la Unión Europea, pero que Aznar rubricó posteriormente en la foto de las Azores.

El clamor contra una posible guerra ya circulaba por todo el mundo, pero en nuestro país se convertía en un punto caliente, ya que de la noche a la mañana España se veía en el centro de un conflicto cuyo argumento eran unas armas de destrucción masiva que nunca aparecieron. Fue la mecha que encendió una indignación que se mostró de forma explícita en una gala de los Goya que pasaría a la historia y de la que se cumplen 20 años. Los responsables de aquella ceremonia fueron los integrantes del grupo de teatro Animalario, con Alberto San Juan y Willy Toledo a la cabeza como presentadores. Ambos se encontraban en la cresta de su popularidad por el éxito de El otro lado de la cama, la comedia musical por la que ambos optaban ese mismo año a los galardones como Actor de reparto y Actor revelación respectivamente (ambos perdieron).

Poco tardó la ceremonia en descubrir esa indignación, que nació de forma improvisada. Si bien se repartieron pegatinas con el lema “No a la guerra”, no hubo ninguna petición a los asistentes para que sus discursos fueran políticos ni activistas, pero casi todos los que subieron aprovecharon su minuto de gloria para pedir que se evitara aquel conflicto bélico. Hasta la presidenta de la Academia, Marisa Paredes, aprovechó su discurso institucional para ello.

“Esta no es una noche tensa, sino libre. No hay que tener miedo a la cultura ni al entretenimiento, ni a la libertad de expresión, ni mucho menos a la sátira, al humor. Hay que tener miedo a la ignorancia y al dogmatismo. Hay que tener miedo a la guerra”, dijo ante un público que aplaudió a rabiar cada intervención. Bardem, Tosar, León de Aranoa… pocos no se unieron al grito común. Lo que se vivió en aquella gala se materializó dos semanas después en las calles de toda España. Millones de personas salieron a la calle para pedir lo mismo. Sin embargo, el PP tomó aquella ceremonia como un ataque frontal del mundo del cine y les declaró también la guerra a ellos.

Aznar y el cine español

El Gobierno de Aznar se sintió traicionado. Para entender esa traición hay que viajar a su primera legislatura, cuando el presidente se empeñó en tener al sector cultural de su lado y romper un enfrentamiento clásico. Aznar organizó veladas culturales en la Moncloa y se ganó, al menos, el silencio de la industria. Lo cuenta Enrique González Macho en sus memorias, Mi vida en V. O. (Editorial Atticus). Macho, que posteriormente fue presidente de la Academia, era en aquellos momentos uno de los productores españoles más importantes y uno de los interlocutores de la industria con los políticos. 

“Resulta paradójico que el Gobierno de Aznar, abanderado de ese ultraliberalismo que tanto nos asustaba a los distintos sectores del cine, mantuviera al principio una actitud especialmente positiva hacia el cine español. Ello se debía a la propia intervención del presidente José María Aznar. Él fue el que promovió y asistió personalmente a varias reuniones en Moncloa con los diferentes sectores del cine español, desde los directores y actores, pasando por los productores, hasta los distribuidores y exhibidores, tuvimos acceso directo a los altos cargos de Hacienda y Economía, incluidos los ministros del ramo, lo que sin duda era síntoma de cierto interés por parte del Gobierno, por mucho que haya quienes no lo quieran reconocer”, dice en su libro.

Aquella paz se rompió con aquella gala. Aquel 1 de febrero. “¿Qué ocurrió para que el Partido Popular dejara de ser aliado del cine español y se convirtiera en su peor enemigo en los tiempos de la nueva democracia? Los premios Goya del 'No a la guerra'. Allí se rompió, se frustró todo de forma grotesca y comenzó otra guerra, y esa era y sigue siendo, desgraciadamente, más personal e ideológica que ninguna de las que ha vivido antes el cine”, añade Macho, que deja claro que en ese momento “el Partido Popular declaró la guerra abierta al cine español”.

Las consecuencias para el cine español se vivieron desde el día después. El presidente de la Asociación de Productores, Eduardo Campoy, pidió públicamente la destitución de Marisa Paredes, algo a lo que el sector se opuso radicalmente. Los políticos del PP y los medios de derechas comenzaron un hostigamiento para cambiar la opinión popular y crear en el imaginario un falso mito que consiguió calar: aquellos que habían gritado “No a la guerra” eran “los rojos subvencionados del cine”.

¿Qué ocurrió para que el Partido Popular dejara de ser aliado del cine español y se convirtiera en su peor enemigo en los tiempos de la nueva democracia? Los premios Goya del 'No a la guerra'

Enrique González Macho — Expresidente de la Academia de Cine

“Si algo hay que reconocerles es su eficacia propagandística, tan eficiente que llevaron a convencer a una buena parte de los españoles de que los profesionales del sector éramos unos aprovechados que chupábamos del bote del Estado y que vivíamos a costa de las subvenciones. Que éramos casi el único sector de este país que recibía ayudas públicas”, explica González Macho en sus memorias.

Una gala “histórica”

La prensa se cebó contra los actores, pero quienes más lo vivieron fueron aquellos que representaban aquella gala, Alberto San Juan y Willy Toledo. Al revisar la gala, uno se sorprende al descubrir que los presentadores fueron los más calmados y que, excepto en su intervención final, cuando sacaron aquellas míticas camisetas con las palabras “No más sangre por petróleo”, se habían mantenido bastante contenidos. Pero ellos tenían otro motivo para ser atacados, ya que apenas diez días después de aquella gala estrenarían Alejandro y Ana. Lo que España no pudo ver del banquete de la boda de la hija del Presidente, obra satírica sobre el enlace de la hija del presidente Aznar en El Escorial.

A pesar de todo, Alberto San Juan mantiene 20 años después “un recuerdo maravilloso de aquella gala por las intervenciones espontáneas de los premiados”. Su definición de lo que ocurrió en aquella ceremonia es clara: “Fue un ejercicio de libertad”. Su adjetivo para aquella edición es tajante: “histórica”. “No por la labor de Animalario de dirección y presentación de la gala, eso fue anecdótico. Lo histórico fue el uso libre y político de la palabra que hicieron las premiadas y premiados. Yo asistí como espectador a lo histórico de aquella gala y fue realmente emocionante”, cuenta.

La decisión de que la gala fuera política no fue unánime dentro de la propia compañía. San Juan reconoce que “hubo una discusión previa en Animalario”. “Parte del colectivo quería hacer una gala política, contra la guerra, de principio a fin, y parte pensaba que no podíamos posicionar al conjunto de la profesión, al que ha de representar la gala, sin saber previamente su opinión, cosa que no era posible. Así que, finalmente, lo único que había de posicionamiento político por parte de Animalario eran las camisetas, que estaban preparadas de antemano. Las intervenciones contra la guerra de Eduard Fernández y Rosa María Sardà, que entregaban premios, fueron aportaciones suyas”, matiza.

Recuerda claramente las palabras de la entonces ministra de Educación y Cultura del PP, Pilar del Castillo, que vivió la gala desde el patio de butacas. “Dijo que la gente del cine éramos el brazo armado de la oposición al Gobierno. Le contestó Willy Toledo diciendo que las únicas armas que había en este asunto eran las bombas que se lanzarían sobre Irak”. Su compañero al frente del evento declararía posteriormente que presentar aquella gala hizo que se le vetara de muchos sitios. “A los que más sacamos la cabeza se nos marca con una cruz, porque existen las listas negras, y no solo en las instituciones, sino también en las productoras. Hubo un acoso y derribo hacia mi persona. Fui el chivo expiatorio. En la gala de los Goya me marcaron la estrella judía en el pecho. Este ya está señalado. Y se decía a los demás: señores actores y actrices, aquí tenéis el ejemplo vivo de lo que ocurrirá si continuáis así, mirad lo que le ha pasado a Willy”, recordaba en una entrevista.

Si la respuesta fue ‘habrá consecuencias’, ¿eso es motivo para dejar de desobedecer? Creo que no. Hay que seguir desobedeciendo y permanecer unidos después para resistir las consecuencias

Alberto San Juan — Actor y presentador de la gala del 'No a la guerra'

Alberto San Juan no sabe si presentar en aquella gala tuvo una consecuencia directa sobre su carrera, pero sí cree que el PP mandaba un mensaje a las generaciones posteriores: si os manifestáis políticamente seréis señalados y habrá consecuencias pero, aun así, cree que ese no es motivo para dejar de hacerlo. “Si la respuesta fue ‘habrá consecuencias, el que desobedezca será castigado’, ¿eso es motivo para dejar de desobedecer? Creo que no. Hay que seguir desobedeciendo y permanecer unidos después para resistir las consecuencias”. Por eso cree que lo peor que le puede pasar al cine es caer en “la autocensura, asumir el papel de policía y reprimirse él mismo”. Sin embargo, es optimista y cree que el mensaje que se mandó fue claro y conciso: “Estamos vivos y despiertos, pensamos por nosotros mismos y podemos intervenir políticamente”.

La venganza política

Tras más de siete años de calma tensa (especialmente por el canon digital) con el Gobierno de Zapatero, el cine español viviría las consecuencias reales de aquella gala con la llegada al poder de Mariano Rajoy y, al Ministerio de Educación y Cultura, José Ignacio Wert. La crisis fue la excusa para materializar su ataque al cine español. “La represión que vive el cine español desde entonces no ha cedido y ha provocado males atroces”, escribe González Macho. Los recortes en los presupuestos afectaron de forma frontal al cine español. En los presupuestos de 2012 se recortó un 36,2% del dinero dedicado al cine. Las deducciones fiscales, que se habían prometido al sector en un 30%, se quedaron en un 18%, y por si fuera poco el IVA cultural subió del 8% al 21%. Ante todo ello, la directora del ICAA, Susana de la Sierra, dimitió al no poder llevar a cabo las medidas que tenía en su agenda.

El IVA cultural fue la estocada final. España se convirtió en el país con el IVA más alto de toda Europa. En Francia fue de un 5,5%; en Alemania se aplicó un 7%; en Holanda, un 6%; en Grecia, un 6,5%; en Finlandia, un 10%; en Irlanda, un 9%; en Italia, un 10%; en Portugal, un 13% y en Noruega se mantuvo al 0%.

Todas las industrias culturales se manifestaron en contra. La Unión de Asociaciones Empresariales de la Industria Cultural Española realizó un informe alertando de las consecuencias que fue ignorado: 4.226 puestos de trabajo perdidos, cierre de 20% de empresas, pérdidas de 533 millones de euros de ingresos y 43 millones de espectadores menos. A cambio solo recaudarían unos pocos millones más de euros de los que recibirían si el IVA solo hubiera subido al 10%. Solo en el primer año de implantación se vio una pérdida de público del 30%, un 16,33% menos de recaudación bruta y un 22% menos de recaudación neta. 

El Gobierno recaudó con el IVA cultural 90 millones de euros en 2013, más de todo el dinero que aportaba a través de los presupuestos del Estado, que tampoco subieron gracias a la recaudación extra a base del impuesto. Ese mismo año se vivieron dos de los desplantes más grandes que se han hecho al cine español. Por primera vez en la historia no acudió el ministro de Cultura a la gala de los Goya; y meses después, el ministro de Hacienda, Cristóbal Montoro, declararía que “los problemas del cine no tienen que ver solo con las subvenciones… tienen que ver también con la calidad de las películas que se hacen”, una declaración que fue respondida de forma tajante por la Academia de Cine, que le recordó al ministro que tenía “fecha de caducidad”, pero que “la creatividad, no”.

La situación se tensó todavía más cuando el IVA se fue retirando de diferentes sectores culturales, pero se mantuvo para el cine hasta el último minuto. Primero fueron las transacciones de obras de arte, en 2014; y en marzo de 2017 se anunció la bajada del IVA para todo el sector… menos para el cine. El PP se fue del Gobierno sin bajar el IVA al cine español y con las ayudas al sector congeladas a 30 millones de euros. Aunque su anuncio fue realizado por el ministro cultural Íñigo Méndez de Vigo, fue el nuevo Gobierno de Pedro Sánchez tras la moción de censura de 2018 quien defendió las cuentas anteriores y eliminaría la medida que cerraba el ciclo que comenzó en una gala de los Goya de 2003, cuando todo un sector alzó su voz contra la guerra.

Cuando Carlos Saura comenzó a hacer cine, España seguía en blanco y negro. Era 1960, y tras unos cortos y estudiar en la escuela de cine, debutaba con una película de cine quinqui antes de que el término se acuñara, Los golfos. Saura miraba, con su primera obra, a los débiles, a los abandonados, y lo hacía desde el Festival de Cannes, donde desde bien pronto se rindieron a sus historias y su forma de contar. Sus fricciones con la censura comenzaron desde antes de empezar como director, y se mantuvieron todos los años en los que el franquismo siguió cercenando la libertad de expresión.

Sin embargo, fue su cine quien comenzó a traer color y modernidad a aquella España gris y dictatorial. Con un ingenio prodigioso, Saura se las apañaba para burlar la censura y realizar ataques frontales a la burguesía franquista en películas como La caza o Peppermint Frappé, una de las obras más radicales y autorales de la historia del cine español. Cuesta creer que con Franco todavía vivo —aunque poco antes de morir—, Saura rodara dos películas como Ana y los lobos y La prima Angélica, una de las grandes obras (si no la mejor) del cine español sobre la Guerra Civil.

Un carrera que le ha convertido en uno de los directores más premiados de la historia de nuestra industria, con un Oso de Oro, dos Osos de Plata y un Gran Premio del jurado en Cannes entre otros muchos. Con 91 años sigue creando y buscando. Su curiosidad está intacta, la misma que tenía cuando se colgó del telón del Palais de Cannes para protestar por el mayo del 68. Saura sigue encontrando la forma de hablar de temas que le obsesionan, como en Las paredes hablan, el documental que estrena este viernes y en donde reflexiona sobre la historia del arte, desde las pinturas rupestres hasta los grafitis. Es la esencia de una figura fundamental de nuestro cine, alguien siempre buscando la forma de hablar de nosotros y que, además, recogerá este año el Goya de Honor a toda su carrera, a la altura de los grandes maestros (Buñuel, Berlanga y Almodóvar), aunque no siempre igual de reconocida.

En su cine la pintura, el arte o la música siempre han estado muy presentes, y de repente rueda un documental que une las pinturas rupestres con los grafitis.

El arte siempre me ha fascinado, y ha sido algo que he tenido muy cerca gracias a mi hermano Antonio. Este fue un proyecto que me llegó a través de José Morillas, el coguionista, y de María del Puy Alvarado, la productora, y desde el principio me pareció muy interesante, aunque la evolución hacia los grafitis no estuvo en la idea inicial y ha sido algo que hemos ido descubriendo poco a poco.

¿Que tienen los grafitis de aquellas pinturas rupestres?

Pues tienen la esencia del ser humano, tienen la pulsión artística, el deseo de crear del hombre, el plasmar “yo estuve aquí” como bien cuenta Suso33 en el documental. Al final, por mucho que pasen los siglos el arte es una forma de expresión inherente del ser humano.

Reivindica algo como el grafiti que, normalmente, está denostado, ¿por qué cree que ocurre?

Porque no se sabe apreciar, porque a veces se etiqueta como vandalismo pero, como se ve en el documental, no es más que una forma de expresión del ser humano, una forma de expresión que forma parte de nosotros y que nos acompaña desde que tenemos conciencia y empezamos a crear.

A mi generación nos costó mucho salir adelante en una España gris, en una España en la que casi todo estaba prohibido

Carlos Saura — Director de cine

Sus primeras películas también tenían esa modernidad, eran un soplo de aire fresco, ¿siente que en España no fueron bien recibidas por ese motivo?

Eran otros tiempos, otra situación social y cultural, no olvidemos la Guerra Civil, la posguerra y el franquismo, que fueron terribles. A mi generación nos costó mucho salir adelante en una España gris, en una España en la que casi todo estaba prohibido. En nuestro grupo la mayoría éramos de la escuela de cine, queríamos otra cosa, teníamos otras inquietudes, otras formas de ver la vida, y eso es lo que siempre he contado en mis películas. Es verdad que las primeras películas tuvieron una mayor repercusión fuera de España, sobre todo en Francia, y seguramente gracias a eso y a los festivales pude seguir haciendo cine.

¿Cómo de importante fueron festivales como Berlín o Cannes para usted y para su carrera?

Ambos festivales, y también el de San Sebastián, han sido esenciales para mi carrera. Cuando fui a Berlín con La caza estábamos en un hotel de tercera, pasamos la película y ese día nos llamaron para cambiarnos de hotel. El día que nos íbamos a ir nos dijeron que nos quedáramos y nos llevaron a un hotel de cinco estrellas y nos pusieron un Mercedes con un chófer a nuestra disposición, y ganamos el Oso de Plata, luego volvimos años después con Peppermint Frappé. Con esto quiero decir que los premios te abren puertas, te dan ciertos privilegios y te dan reconocimiento. Yo gracias a Berlín y a Cannes tuve gran reconocimiento en España y fuera de España, sobre todo en Francia y gracias a eso pude seguir haciendo películas.

¿En algún momento temió que no pudiera hacer cine en España y tuviera que irse fuera, como le ocurrió a Buñuel?

Temerlo sí lo he temido. Ahora echamos la vista atrás y parece que se nos ha olvidado, pero hace no tantos años España era un país completamente diferente, atrasado, pobre… No me hubiera importado irme, pero por suerte no tuve que hacerlo y siempre que he hecho películas fuera de España ha sido por placer. 

Sus películas de esos años son claros ataques al franquismo, algunas de ellas hechas durante el franquismo, ¿tuvo problemas con la censura, cómo los esquivaba?

Sí, todos teníamos problemas con la censura, era algo terrible. Nosotros hacíamos lo que podíamos, nos las ingeniábamos para poder pasar el control del guion utilizando la imaginación, agudizando el ingenio. Recuerdo cuando leyeron el guion de La caza que me dijeron “la caza sí, pero del conejo, no”, y así se quedó.

¿Cree que se ha ganado a pulso la etiqueta de autor que tan rápido le pusieron fuera y tanto costó que se la pusieran en España? 

A mí, la verdad que eso de cine de autor nunca me ha gustado, porque creo que el cine siempre es de un autor. Entiendo que se refiere más al cine de arte y ensayo, al cine menos comercial, diferente, innovador. Sea como sea, que se etiquete, mientras sirva para conservarlo e impulsarlo, bien está.

Eso de cine de autor nunca me ha gustado, porque creo que el cine siempre es de un autor. Sea como sea, que se etiquete, mientras sirva para conservarlo e impulsarlo bien está

Carlos Saura — Director de cine

Su cine ha sido reivindicado por una nueva generación de directores como Carlos Vermut, Juan Antonio Bayona… y realizadores internacionales como Bong Joon-Ho, ¿siente que su cine, aunque quizás más tarde, sí ha encontrado su reconocimiento?

Es algo que, la verdad, no me ha preocupado, porque yo no he hecho cine para agradar a nadie o para recibir reconocimiento, lo he hecho porque me gustaba, porque a través de él puedo contar las historias que se me ocurren, porque puedo jugar con la música. Pero desde luego, siempre es un halago que el trabajo que uno hace lo vea la gente, que les haga pensar y que lo aprecien.

¿Siente Carlos Saura que tiene herederos en el cine? 

Herederos como tal, no. Siento que hay gente a la que le ha podido influir mi cine, cineastas que han visto mis películas y les ha hecho reflexionar, les ha hecho pensar, y eso para mí es un triunfo.

Laia Costa ha seguido un camino inverso a la mayoría de las actrices. Normalmente, después de una interpretación destacada en España se salta al resto de países, pero en su caso el viaje fue desde fuera hacia adentro. Su llegada a las pantallas fue como un torbellino. Lo hizo en forma de plano secuencia (cuando no estaban tan de moda) en Victoria, película alemana que sorprendió en el Festival de Berlín de 2015. Costa se convirtió en la primera española en ganar un Lola, el Goya alemán, y su carrera se vio propulsada a todos los mercados -nominación a los Premios del Cine Europeo incluida-… menos el nuestro. 

Tardó la actriz en aterrizar en nuestra industria y puede que haya sido ahora, gracias a ese fenómeno llamado Cinco Lobitos, cuando muchos la hayan descubierto. Nunca es tarde para disfrutar de una intérprete que tiene algo muy difícil de encontrar, una naturalidad y una verdad desbordante. Su Amaia en el filme de Alauda Ruiz de Azúa es un torrente de emociones que ella aborda desde la contención y la inteligencia. Una muestra más del talento de una de las grandes actrices de su generación que, a partir de ahora, debería estar en todos los proyectos importantes. De momento, es la favorita al Goya a la mejor actriz protagonista con su primera nominación, algo que se ha confirmado con su premio Feroz.

Hace casi un año desde que se presentara la película en el Festival de Berlín, ¿cómo ha sido este viaje, qué le ha dado Cinco Lobitos?

Lo primero en lo que pienso es en la sorpresa, porque era una peli muy chiquitita, de cine independiente, con un presupuesto chiquito, con una temática de cuidados, intimista, con una narrativa que a priori se aleja un poco del algoritmo de la plataforma, en la que cuando rodábamos no teníamos ninguna aspiración de nada... Y como dices tú, en febrero fuimos a Berlinale y cuajó muchísimo con el público y con la crítica. En Málaga recuerdo dos momentos que jamás había sentido. Uno, la ovación del público, que estuvo ahí unos cuantos minutos y yo vi a la jefa de prensa llorando al lado, aguantándose las lágrimas. Además, llevábamos mascarilla todavía, y cuando se encendieron las luces, desde el palco ves a todo el público girado hacia ti, con los ojos brillando todavía de esas lágrimas y las mascarillas puestas… fue bastante impactante.

Y el segundo momento que me impresionó fue en el hotel, haciendo entrevistas. A la mañana siguiente, los periodistas empezaban la entrevista contándote algo personal de ellos. La película les había llevado a una emoción, a un pensamiento, y yo recuerdo sentirme un poco como en El show de Truman. ¿Sabes aquello que dicen de 'desconfía si algo le gusta a todo el mundo o a nadie le gusta algo'?, pero claro, en mayo sale en cines y sigue estando en cines. Estamos en enero. Es una pasada. Creo que la sorpresa es el viaje. Ha sido muy bonito. Además, es una ópera prima. Es la ópera prima de Alauda, pero también de algunas productoras. Ha sido la primera peli que producen, el montador es su primera peli… Han sido como muchas primeras veces y todo ha sido como muy, muy hermoso.

Todo el mundo se identifica de alguna forma con Cinco Lobitos, en este tiempo, ¿habéis pensado cuál es la magia por la que ha tocado y conectado tanto con la gente?

Al final, de hablar tanto con la gente te lo planteas un poco. A mí me sorprendió que en Berlín conectara tanto con el público. Recuerdo ese encuentro con la gente después de la proyección, en el que hubo muchas preguntas. Nosotros siempre hemos trabajado que esta familia es muy vasca y con una cosa muy contenida, y no sé cuál es el éxito, pero sí que siento que el mensaje es muy universal. Y también que el cine recoge un poco las circunstancias de la sociedad y nosotros estamos saliendo de una pandemia. Creo que había mucha necesidad por reconectar un poco con los seres queridos, con los cuidados, algo que se echó mucho de menos en ese aislamiento durante todos esos meses de COVID. No sé si la peli en ese sentido también ha recogido un momento perfecto para explicar esta historia.

El cine recoge un poco las circunstancias de la sociedad y nosotros estamos saliendo de una pandemia. Creo que había mucha necesidad por reconectar un poco con los seres queridos

Laia Costa — Actriz

De momento lo que sí le ha dado es una nominación al Goya, ¿cómo está viviendo este momento?

Yo estoy feliz, porque algo que me gusta mucho de los 'Lobitos' es que tenemos 11 nominaciones. Siempre digo que este trabajo es un trabajo de mucha gente. Un actor o una actriz no te levanta una película, tiene que ser un guion, una buena dirección, un buen vestuario, una buena fotografía porque si no, no te crees al actor. Todo se retroalimenta en un proyecto así y el hecho de que se reconozca el trabajo de todo el equipo hace que la fiesta sea más divertida. Es más bonito y además, lo sentimos así. Fue un trabajo muy colaborativo de todos y creo que se hizo una pequeña familia profesional muy hermosa. 

Su caso es raro: yo creo que es la primera actriz española que ha estado nominada antes en los Premios del Cine Europeo, con Victoria, que en los Goya. Es un recorrido un poco a la inversa.

Esto lo he pensado a veces, y yo siento que es un poco un ciclo. Me gusta jugar a los paralelismos entre los 'Lobitos' y mi carrera profesional, porque yo también fui mamá, y Victoria se estrenó también en la Berlinale, que fue mi primer festival de cine. La gala de los Lola -los Goya alemanes- fue mi primera gala de cine, y fue con Victoria, hace siete años, en 2015, y ahora, con Cinco Lobitos, se estrena en la Berlinale, y yo regreso a la Berlinale después de ser mamá, después de la pandemia, después de haber trabajado mucho fuera… Y regreso también aquí, y es la primera vez que voy a asistir a los Goya, por ejemplo. Es la primera vez que lo estoy viviendo tan de cerca con una película. El público español es muy hermoso, siento que hay como un ciclo ahí, me gusta pensar que es como cerrar un ciclo.

¿A qué cree que se debe que sea su primera vez, escoge mucho los proyectos o no le ofrecían películas?

Yo tengo la sensación que Victoria nos puso en el foco internacional a todos los que formamos parte de ese proyecto. Y no sé si te acuerdas, pero Victoria tardó dos años en llegar a España. Fue a la Berlinale, fue a Toronto, se estrenó en EEUU, se estrenó en Francia, hicimos una promo mundial brutal y ese trabajo llegó antes a industrias de otros países. Entonces a mí la agenda se me llenó con proyectos de fuera antes que españoles, porque aquí tardó. Aquí creo que se estrenó en 2017, porque recuerdo de estar haciendo promoción en los BAFTA en 2017, que es cuando se estrenaba aquí, si no me equivoco. Claro, llegó dos años tarde y en esos dos años yo no paré de trabajar fuera y creo que es un tema de agendas que se han ido equilibrando con el tiempo.

¿Y qué tenía ese guion de una ópera prima pequeñita para decir que sí?

Esto fue una apuesta personal 100%. Pero para que te hagas una idea, yo leo el guion en el 2019 y cuando hago un café con Alauda, estoy embarazada de tres meses. Obviamente ella no lo sabía, pero cuando me preguntó si me podía interesar este tema yo estaba con mi café como… “creo que sí”. Sentí que ahí estaba empezando un viaje personal muy interesante del que desconocía absolutamente todo y leyendo un guion que el punto de arrancada era ese, pero que luego se va a otro lugar que no tiene nada que ver con la primera maternidad. Y luego Alauda me gustó mucho. Me encontré una sensibilidad sin artificios, muy honesta. Tiene un talante y un talento increíbles. Había algo que me interesaba mucho de la propuesta que tenía ella en mente. Y bueno, tuvimos una charla que fue muy interesante y luego con 'Lobitos', pues ya te digo, se han ido como retroalimentando un poco esa vida personal y esa vida profesional.

¿Este talento y ese talante de Alauda se nota también rodando? Hace poco decían las directoras nominadas a los Goya que las mujeres tienen otro talante porque no tienen miedo a decir que no saben algo, que van a preguntar.

Yo lo he notado en los últimos cuatro años. Ha coincidido que he trabajado solo con mujeres y la primera semana de Alauda aluciné. Era su ópera prima, así que dices “bueno, una directora novel, vamos a jugar a favor del director para ayudar”. Pero ella no necesitaba ayuda de ningún tipo, ella entraba, estaba tranquila. Estamos rodando con bebés que ahora lloran, que ahora ríen, que ahora se cagan, que miran, que ahora necesitan tomar teta, con un equipo todo nuevo que no se conocía y ella es súper tranquila. Juguetona en la dirección. Decía: “Dame esto, vamos a probar aquí”. No sentí que estaba trabajando con una directora novel, sentí que trabajaba con alguien que lleva muchos años pisando un set de rodaje. Ella lleva 12 años haciendo publicidad, o sea, tiene como ese peso, pero desde la calma, desde no imponer. Siento que ha habido una relación muy colaborativa y es cierto eso que dices, yo he visto a muchísimas directoras decir “no sé cómo voy a hacer esto, me voy a tomar un momento para pensarlo”.

Es un cambio de paradigma, porque tenemos esa imagen de director que todo lo sabe.

Exacto, y como de presuponer que el director tiene que saberlo todo, y eso es hermoso porque de golpe se van encontrando cosas. Yo recuerdo rodando Cinco lobitos que el texto siempre era el mismo, pero Alauda nos lo pedía desde muchos, muchos ángulos, muchas opciones. Y recuerdo que Susi Sánchez me decía en algún momento, “pero se va a volver loca en la edición con tantas opciones”, y luego en un mes, la tenía editada. Creo que tenía tan claro que lo que buscaba era el tono y que eso lo encontraría en la edición, que por eso quería jugar con opciones para subir y bajar personajes, que me parece de una inteligencia brutal.

Me imagino las conversaciones que mi madre pudo tener cuando era una mamá novata con sus amigas y creo que no tienen nada que ver con las conversaciones que yo tengo con mis amigas

Laia Costa — Actriz

Ha dicho que en los últimos años ha trabajado solo con mujeres. Está claro que hay un cambio en esta industria, ¿lo ha notado en los guiones que le llegan, se cuentan otras historias que no se estaban contando o con otro punto de vista?

Yo creo que sí, pero es por lo que te digo, porque el cine recoge los cambios en la sociedad. Yo me imagino las conversaciones que mi madre pudo tener cuando era una mamá novata con sus amigas y no tienen nada que ver con las conversaciones que yo tengo con mis amigas que son madres. Creo que el diálogo ha cambiado, ya no estamos intentando mostrar una imagen idealizada de lo que es una familia o la maternidad y se queda todo de puertas para adentro o te lo tragas. Ahora se está reivindicando poder mostrar maternidades muy imperfectas y miedos, y se está hablando de temas. Que el tema de la maternidad venga de la mano de las directoras tiene todo el sentido del mundo. Fíjate que hay mucha maternidad en muchas películas internacionales y desde muchos ángulos diferentes este año, o el tema de lo rural también, y yo pienso esto tiene que ser algo que se ha cocido en los últimos años, que a nivel social hemos necesitado respirar y buscar otras narrativas, y creo que eso tiene que ver con las nuevas voces.

No es solo una película sobre la maternidad, sino que habla de los cuidados, y de cómo estos recaen sobre las mujeres. ¿Esto la hace más intergeneracional?

Mira, yo te confieso que como actriz no me di cuenta de eso hasta que la vi como espectadora. Claro, al final en mi trabajo yo me ocupo de mi personaje. O sea, tú eres el director y tú te ocupas de todo, de la historia, del tono. Yo solo te prometo estar presente en este momento y ocupada en mi personaje, pero yo no me ocupo del resto. Cuando estoy en la cabeza de Amaia, mi personaje, rodando, estoy con ella, y luego ya como espectadora veo todas las capas. Entonces, de golpe lo veo y me es inevitable comparar ese matrimonio de Koldo y Begoña respecto al de esos jóvenes. A muchos niveles, a nivel de pareja, a nivel de profesión, a nivel de trabajo doméstico, a nivel de intenciones… y hay muchísimas diferencias. Cuando Amaia, sobre todo, se convierte en la madre de su madre, también se convierte de alguna forma en la mujer de su padre y entonces su padre ya no es su padre y no le gusta nada lo que ve. Y con eso hace las paces con su madre. Todo eso como actriz, tú no lo ves, pero como espectador es cuando empiezas a hablar de un montón de cosas que en realidad no se ha hablado de eso necesariamente rodando.

Y es una película que también habla de los hombres, nos pone un espejo sobre cómo aunque vayas de moderno y lo quieras hacer bien, al final esos cuidados recaen en la mujer. 

¿Sabes qué he visto a posteriori? Que cuando comparo a los dos padres tengo la sensación de que Javi, respecto a Koldo, quiere actuar desde la calma. Quiere estar presente. Quiere estar allí, quiere aprender. Pero hay algo nuevo en esta pareja joven que es la precariedad laboral, que no existía con los padres, porque los padres tenían un pacto. Yo trabajo en casa, tú trabajas fuera. Tiene muchos contras eso, pero llegaban a final de mes. Cada uno se encargaba de una cosa y vivían bien. Esta pareja joven dice: “No, los dos queremos mantener nuestras profesiones y los dos queremos encargarnos del niño, y ser conscientes y constantes con eso, pero no tenemos herramientas porque tenemos una precariedad laboral tan grande que ni siquiera con el sueldo de los dos podemos pagar para que el bebé vaya a parvulitos”.

Entonces, claro, estamos hablando de un nuevo paradigma en que no tenemos herramientas para estas nuevas familias, en que los dos quieren llegar a todo, que ese es otro debate, porque tú no puedes cuidar de un bebé recién nacido y trabajar y que tu padre o tu madre enfermen y cuidarlos también a ellos, y tener tiempo para ti y tener tiempo para tu pareja. No llegamos a todo eso. Entonces creo que ese es el tema, que hay una diferencia entre Koldo y Javi, pero creo que Javi y Amaia no encuentran herramientas para gestionar esta nueva vida y ahí entra la precariedad laboral, que me parece que es el suelo que les tiembla.

Su interpretación está desde la contención, no sé si como actriz el cuerpo le pedía otra cosa, o normalmente incluso le piden lo contrario, más exhibicionismo.

Es que eso depende del director. Yo siempre digo que mi método es como Alicia en el País de las Maravillas, que es seguir al conejo, que es el director o la directora y lo que ellos te propongan. Alauda nos propuso desde el principio esta contención. Igual otro tipo de dirección te lleva a otro lugar. Al final tú eres la marioneta, tienes que seguir sus pasos.

¿Es difícil ser marioneta?

A veces supongo que sí. Depende del proyecto. Puede ser difícil, pero puede ser muy disfrutón también. Yo me lo pasé muy bien en Cinco Lobitos, pese a toda la intensidad de la historia.

Hace poco le leí decir que le gustaba escuchar a los productores, sentarse con ellos, ¿le gustaría producir?

Bueno, yo he producido ya, pero siento muchísimo la necesidad de escuchar todas las voces que implican en un rodaje. Es muy interesante. Cuando escuchas a los productores, te quitas peso de encima, te das cuenta de que como actor o como actriz no eres tan importante. Eres realmente una marioneta. Sientes que hay tantas decisiones, tantas cosas que pensar. Yo cuando me fijo realmente en un director pienso: “Madre mía, que trabajo estar pendiente de absolutamente todo”. Las conversaciones de los productores a mí me ayudan a entender la industria, por qué las películas salen de una manera o de otra, por qué esas decisiones artísticas han acabado siendo las que son. Te libera mucho.

Se habla mucho de la relación de los actores y actrices con las redes sociales, con Instagram… Yo he buceado en sus perfiles, y no hay nada ahí. No es especialmente activa, ni exhibe su vida. ¿Cómo convive con ese tema, cree que os empujan hacia esa exhibición en redes?

Tengo una relación con las redes sociales inestable y poliamorosa. La verdad me cuesta mucho. Las tengo por exigencia del guion, porque me han recomendado en muchas ocasiones tenerlas, porque son una plataforma a la hora de comunicar desde el equipo que, por ejemplo tenemos Cinco lobitos y la vamos a presentar en un sitio. Es algo con lo que quieres participar, pero es un medio en el que no me acabo de sentir especialmente cómoda y me siento siempre un poco a la defensiva. Entonces a mí no me gusta. Es que creo que no es interesante. No voy a decir que no es interesante mi vida personal. Me encanta mi vida personal, pero no sé hasta qué punto es necesario compartirla. Siento que necesito poner una distancia, siento que no es mi trabajo también, entonces me cuesta disfrutar de ellas y gestionarlas.

En ese sentido, ¿le da miedo de alguna forma la sobreexposición que puede traer un Goya?

Sí, a mí la sobreexposición en general me me molesta. Supongo que son temas en los que no quiero pensar mucho, porque no me siento muy cómoda. Es que creo que no tiene nada que ver con nuestro trabajo y creo que no nos juega a favor. Bueno, depende de lo que quieras, de lo que te apetezca. Hay gente que lo disfruta mucho y es genial. Todo lo que te haga disfrutar está muy bien. Yo el disfrute lo encuentro en comer bien, por ejemplo. A veces pienso que no sé jugar al juego.

Ya ha sido un año de viaje, y no sé si hay algo de vértigo porque se acabe. De repente, se acaba Cinco lobitos.

Es que no siento que se acabe. Siento que la peli se acaba cuando acabo de rodar. Sinceramente, todo lo que viene después no cuento con ello en el sentido de que si funciona lo celebro, y si no funciona, los motivos por los que yo hice ese proyecto ya los he vivido. Siento que cuando acabo me despido de un proyecto, todo lo demás es fiesta. Todo lo que viene después es mucho. Esta vez pues ha habido mucha fiesta que me encanta y la celebro. Siento que la peli cuando llega al cine ya no es nuestra, es de la audiencia y con Cinco lobitos me queda súper confirmado. Es una peli que la gente se la ha hecho suya y es más suya que nuestra. Entonces, no siento que tenga que despedirme de nada. Siento que mi despedida de Amaia fue hace mucho tiempo.

Vídeo: Nando Ochando y Xabi González

Carla Simón, Pilar Palomero, Carlota Pereda, Alauda Ruiz de Azúa y Elena López Riera. Ellas son las cinco mujeres nominadas este año al Goya (dos de ellas en categoría de Mejor Dirección y tres en Dirección Novel). Cinco mujeres que protagonizaron este jueves una fotografía histórica en un encuentro organizado por elDiario.es en colaboración con La Casa Encendida; en el que su complicidad, talento y experiencias y fueron las grandes protagonistas.

“Estamos en un momento de reparación histórica”, afirmó rotunda Simón nada más empezar la conversación moderada por el periodista de elDiario.es Javier Zurro, “el cine estaba liderado por hombres, no había historias lideradas por mujeres”. La directora de Alcarràs, que ya cuenta con un 'cabezón' por su ópera prima, Verano 1993, triunfó en Berlín con su segundo largometraje, logrando un histórico Oso de Oro para el cine español y el primero conseguido por una cineasta española.

Ella fue la primera en introducir un sentir compartido por sus otras cuatro compañeras: el hastío de tener que responder en sus campañas de promoción a preguntas relacionadas con el hecho de ser mujeres dedicándose al séptimo arte. “Hace tiempo que llegamos a la conclusión de que hay que seguir contestando para que las nuevas generaciones no tengan que hacerlo; y que ellas acaben hablando solamente de sus películas”, expuso, “estamos en un momento de tránsito”.

Pereda, que ganó el Goya a Mejor cortometraje de ficción en 2019 por Cerdita, pieza que convirtió en su primera película, por la que opta al 'cabezón' a Mejor Dirección Novel; celebró el hecho de que “la puerta para las directoras no solo se ha abierto, sino que se mantiene abierta”.

Antonio, por su parte, fue uno de los 180 asistentes del evento, para el que las entradas se agotaron en apenas media hora. “Me ha encantado verlas las caras. Escucharlas dialogar sobre unas películas que me han encantado por su mirada de la realidad y cómo la plasman en su cine”, reconoció el socio de este periódico al concluir la conversación.

Los costes de ser madre

Eso sí, todas compartieron que la lucha no ha de quedarse, ni mucho menos, en el punto actual. Algo en lo que la maternidad se erige como elemento a tener en cuenta. Pereda filmó Cerdita siendo ya madre, igual que Alauda Ruiz de Azúa, con quien compite en la misma categoría. “Durante un tiempo pensé que nunca iba a poder hacer una película”, reconoció, “cuando rodé Cinco lobitos había un relato que no estaba encima de la mesa y que merecía la pena ser contado. Desde el coste emocional de que no puedes conciliar y sientes esa renuncia”.

“Cuando conocí a mi chico le dije que hasta que no hubiera hecho dos pelis no tendría un hijo”, reveló Simón, “me parecía importante consolidar mi manera de trabajar, entender mis procesos y sentir que podía seguir”. La cineasta catalana ha llevado a su pequeño Manel a todos los viajes de promoción, incluido a este acto, mostrando con naturalidad la dificultad de conciliar en una profesión como la suya. “Lo llevo como puedo y básicamente estoy cansada todo el rato”, compartió.

“Lo hemos puesto sobre la mesa pero, ¿cómo se arregla algo tan sistémico?”, planteó Ruiz de Azúa, “estamos hablando de una revolución institucional y empresarial, con unos costes que no parece que haya gran voluntad de asumir”.

“Ahora está cambiando un poco con el tema de las guarderías”, declaró Cristina Andreu, presidenta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA) a este medio al concluir el encuentro, “Isabel Coixet tuvo la suerte de tener una madre maravillosa que siempre cuidaba a su hija. Iba hasta a los rodajes. La de Icíar Bollaín igual, cuando sus hijos eran pequeños”.

En el camino hacia la igualdad dentro de la industria del cine están siendo claves las políticas culturales que incentivan que haya más mujeres trabajando. “Ojalá llegue el momento utópico en el que no tengamos que hablar de género”, indicó Elena López Riera, directora de El agua, “hasta entonces está bien que haya políticas que reparen”. “Debe ser temporal. No podemos estar toda la vida con que por ser mujer te den más puntos. Aquí están sus frutos, se nota que hacen algo”, defendió Simón, señalando a sus compañeras de escenario. “He escuchado decir a algún hombre preocupado que 'ya no van a poder hacer películas mediocres'”, añadió. “¡Con lo que nos gustaban!”, sumó cómplice e irónica su compañera López Riera. “A lo mejor así todas las películas van a estar mejor”, sostuvo la directora de Alcarràs en el mismo tono.

Andreu se sumó a la reivindicación: “No podemos quedarnos solamente en órdenes y buenas intenciones. Hay que cambiar las leyes. Esto es imparable”.

No podemos quedarnos solamente en órdenes y buenas intenciones. Hay que cambiar las leyes

Cristina Andreu — Presidenta de CIMA

Dudar está bien, hasta cuando diriges una película

“Me ha resultado muy relevante lo que han comentado sobre dirigir desde la duda”, afirmó al salir la asistente Laura, “aunque el ser humano está buscando siempre la certeza, y de ahí a que parezca que no podemos dudar nunca, me parece muy humilde y también una lección para todo el equipo el poder admitir que no sabes algo y construir de manera comunitaria”. Simón fue la encargada de mencionar esta cuestión tan relevante. “Es importante reivindicar la duda en el liderazgo”, indicó, “te das cuenta de que los equipos técnicos no están para nada acostumbrados”.

Pilar Palomero, que opta al Goya a Mejor Dirección por La maternal, coincidió: “Desde el primer momento lo hice mi bandera. Nunca he disimulado mi duda. No me imagino trabajar desde esa posición de autoridad tratando con las emociones como materia prima”.

“Lo que también ha cambiado es el que lo contemos. Igual también ha habido un montón de hombres que dudaban”, apuntó López Riera. Y es que esta manera de trabajar afecta en la raíz de la propia profesión, por cómo permite, según las palabras de la aurora de El agua, “cambiar la manera de relatar el oficio del cine”.

“El nepotismo de la figura del director viene de la inseguridad”, declaró Palomero, “hay que desmitificar”. “Recuerdo que al llegar a la [escuela de cine] ECAM uno de los primeros días dije que hacía frío y un profesor me dijo: 'Ya verás lo que es tener frío en un rodaje'. Yo quiero que los que yo lidere sean amables. Que estén hechos con bondad”, añade.

Un “aquelarre” con su propio grupo de WhatsApp

Si hubo algo que marcó la conversación fue el derroche de complicidad entre las cinco protagonistas. “Tenemos hasta un grupo de WhatsApp”, aseguró Simón, “se llama Directoras aman la prensa”. Su revelación provocó el desconcierto entusiasta en el público, ávido de conocer la intrahistoria de su título. Surgió en una Seminci, en el que decidieron unirse a través de este grupo extensivo al resto de cineastas mujeres del país. Palomero reveló una anécdota que fue clave en su origen. Cinco directoras (ella, Simón, Belén Funes, Neus Ballús y Liliana Torres) participaron en un reportaje de 2019 en el que les hicieron una singular petición para la fotografía que iría de portada.

“Nos propusieron dar un saltito”, recordó la también artífice de Las niñas. El titular era “las cineastas dan el salto”. “Dijimos: '¿Por qué hemos hecho esto?' ¿Os imagináis a Oliver Laxe y Sorogoyen dando un saltito?”. “Pedimos públicamente esa foto”, planteó López Riera con humor.

“Hay una sensación de comunidad muy grande y es muy bonita”, valoró Simón sobre la sororidad imperante en sus discursos y actitudes, “llegamos a la temporada de premios y más que competir, compartimos los procesos. Como directora a veces te sientes sola y cuando hablas con otras es crucial”.

La dificultad de “hacer 'match'” con las productores

Las cinco indicaron que en este sentido ha sido igualmente clave encontrarse con productoras que se han convertido en sus mejores aliadas y sostén. Ruiz de Azúa contó en Cinco lobitos con Manuel Calvo, Marisa Fernández Armenteros, Sandra Hermida y Nahikari Ipiña, incorporadas las tres últimas gracias al programa de la Incubadora de la ECAM. “Aunque a veces haya tensiones creativas, sientes que estás en un sitio en el que todo el mundo quiere hacer lo mismo: la mejor película posible”, argumentó.

“Cuando tienes a tu productora y amiga que te acompaña no te sientes tan sola”, expuso Simón, que ha trabajado desde Verano 1993 junto a María Zamora, a quien conoció en el programa CIMA Mentoring, “tengo la sensación de que es alguien que confía en lo que hago. Entiende cómo quiero hacerlo”.

Palomero sumó que deben ser figuras que compartan “la misma sensibilidad”. “Lo más bonito que he podido sentir es esa confianza plena en lo que vas a hacer. Es una relación que merece la pena cuidar porque es un match complicado”. López Riera defendió que “una productora es también cineasta. Suda y piensa la peli contigo. Aporta mucho creativamente”.

La importancia de vivir

A la hora de crear sinergias, además de compartir escuelas de cine, las cineastas hablaron sobre la labor de los laboratorios. “Son importantes a nivel profesional y humano”, explicó la autora de El agua, “creas vínculos con la gente. Hablas de cosas que te preocupan en la vida. Tampoco hay que estar produciendo todo el rato, hay que vivir”.

Esta fue precisamente la reivindicación que más marcó a Sally, otra joven asistente al evento: “Me ha gustado mucho que lo normalizasen. Decir 'se necesita vivir, con un cierto descanso'. En las artes siempre se suele caer en el estar siempre haciendo algo, y es una cosa que tiene que ver con la observación e inspiración de cosas que hay a tu alrededor”.

“Los laboratorios colocan tus proyectos en un mapa profesional”, expuso Simón, “para empezar es sobre todo muy clave”. Pereda apuntó que a su vez “es muy delicado saber a quién hay que escuchar. Hay que tener mucho cuidado”.

La directora de Cerdita confesó a sus compañeras tener “envidia”, dado que ella fue rechazada de uno de esos programas por “ser mayor”. Simón y López Riera fueron juntas a la residencia Cinéfondation en París, donde tuvieron que escuchar que “no querían a mujeres con hijos. Decían que iba a romper la vida comunitaria”. Eso sí, a Jaime Rosales sí que se le permitió acudir siendo padre y, en el año en el que participaron ambas, alguien consiguió superar la barrera, relataron. “Una chica no dijo que estaba embarazada... Pero nueve meses después acabó pariendo allí”, relató la autora de El agua.

Mismos temas, distinta mirada

“Estoy cansada de que las mismas personas cuenten las mismas historias, saber que hay alguien ahí fuera haciendo este trabajo es muy importante. Quiero seguir consumiendo todo lo que hagan”, afirmó a elDiario.es Laila, otra de las espectadoras del evento.

La presidenta de CIMA defendió que el hecho de que estas cinco mujeres estén nominadas al Goya “no va a cambiar solamente el panorama cinematográfico, sino el social. Hasta ahora siempre sabíamos lo que le pasaba a los hombres: en literatura, en cine, el servicio militar, el gatillazo... Pero el punto de vista de las mujeres, no. ¿Cómo vamos a tener una sociedad sana y democrática si los hombres no nos conocen? Es imposible. Por eso esto es buenísimo”.

Ruiz de Azúa comentó que la clave no es tanto que hayan variado los temas sobre los que las cineastas han puesto el foco, sino “el punto de vista”. “Con Cinco lobitos me han llegado mensajes de personas diciéndome que en la película habían visto sus historias. Te das cuenta de que había una serie de cosas invisibilizadas”. “Y no solo sobre las mujeres, también sobre los hombres. ¿Cuántas veces hemos sido retratadas bajo la mirada de los hombres? Vamos a retratarles nosotras”, amplió Simón.

¿Cuántas veces hemos sido retratadas bajo la mirada de los hombres? Vamos a retratarles también nosotras

Carla Simón — Directora

Aun así, la gran lacra continúa siendo la diferencia en los presupuestos. “Ahí queda mucho por hacer. No hay muchas mujeres haciendo películas con presupuestos grandes”, lamentó la autora de Alcarràs. A la hora de buscar una explicación, López Riera lo tuvo claro: “Porque hay machismo en el mundo. Hay algo que tiene que ver con la ambición, que parece que el que una mujer lo sea está mal. Quiero hacer una película de superhéroes con quince millones de euros. ¿Por qué no?”.

Sus próximos proyectos

A la espera de lo que suceda en la gala de los Premios Goya 2023, que se celebrará el próximo 11 de febrero en Sevilla, las cinco cineastas ya están trabajando en sus siguientes proyectos. “Voy a dejar de salir de fiesta y escribir”, bromeó López Riera, para quien lo siguiente será “una película de una médium espiritista a principios de siglo”. Palomero, por su parte, está desarrollando Los destellos, que espera estar rodando en un año.

Simón comenzó a escribir un guion que ahora ha retomado, con el que espera “cerrar los temas familiares. Habla sobre la memoria”. Al igual que la directora de Las niñas y La maternal, su plan es rodar en 2024. Ruiz de Azúa está “intentando escribir” su segundo proyecto, con el que espera repetir equipo. Pereda ya está sumergida en la posproducción de su segundo largometraje, La Ermita, que terminó de rodar el pasado mes de diciembre; al tiempo que empieza a trabajar en otro nuevo título. Desde luego, su rueda no se ha parado. En palabras de Antonio, socio de elDiario.es presente en la charla: “Ojalá se esté creando algo generacional. Tiene que pasar tiempo, pero sí que parece el germen de algo”.

Vídeo: Nando Ochando, Clara Rodríguez, Xabi González y Andreu Far

Mejor película

Mejor dirección

Mejor dirección novel

Mejor actriz protagonista

Mejor actor protagonista

Mejor actriz de reparto

Mejor actor reparto

Mejor actriz revelación

Mejor actor revelación

Mejor guion original

Mejor guion adaptado

Mejor dirección de fotografía

Mejor sonido

Mejor montaje

Mejor dirección de producción

Mejor dirección de arte

Mejor diseño de vestuario

Mejor maquillaje y peluquería

Mejores efectos especiales

Mejor música original

Mejor canción original

Mejor película europea

Mejor película iberoamericana

Mejor película documental

Mejor película de animación

Mejor cortometraje de ficción

Mejor cortometraje documental

Mejor cortometraje de animación

Goya de Honor 2023

Un rodaje es un puzle de muchas piezas. Muchas personas contratadas, técnicos, directores de áreas, extras… Hay que cuadrar fechas, presupuestos, lugares. Realizar un plan que sea a la vez férreo pero que tenga previsto un plan B para los imprevistos. ¿Qué ocurre cuando uno plantea rodar con sol en un exterior y de repente llueve? Cada minuto en el cine es dinero, y no puede quedar nada a la imaginación. Hay una persona que se encarga de todo esto, y no es el director. Un realizador tiene la idea de su película en la cabeza, pero luego se la cuenta a los productores y a una figura desconocida para el gran público pero fundamental para cualquier filme: la directora de producción. Es ella quien debe valorar qué es lo más importante, estudiar el presupuesto, contratar al equipo, organizar el plan de rodaje y asegurarse de que todo funciona hasta que se dé el último claquetazo. Una tarea que, por suerte, se reconoce en nuestro país. Los Goya son los únicos premios que lo reconocen cada año con una estatuilla. Ni los Oscar, ni los César, ni los BAFTA… 

La Academia de Cine sigue apostando por incluirles entre las figuras fundamentales, y este año las candidaturas han dejado una foto histórica. Por primera, vez hay cinco mujeres nominadas por cinco trabajos diferentes y complejos. Manuela Ocón, que logra su cuarta candidatura, ha rodado en la cárcel real de la Modelo en un filme cuya localización era fundamental, y que cuenta un momento crucial de nuestra historia en Modelo 77. Carmen Sánchez tuvo que cuadrar un rodaje en dos tiempos con un fuerte parón entre medias para aprovechar la luz y el tiempo meteorológico real de una aldea de El Bierzo donde nada podía fallar porque no había mucho plan de emergencia en As bestas. Elisa Sirvent vivió un parón por la COVID-19 en un filme que dependía de la luz natural y de los melocotoneros de Alcarràs y con un proceso de casting más largo que el propio rodaje, y un reparto muy coral. Sara García trasladó a un equipo completo a un pueblo extremeño para un slasher cañí en Cerdita, y María José Díez desafió las normas de los manuales de cine que dicen que nunca ruedes con niños y animales introduciendo en el plató bebés de apenas una semana de vida en Cinco lobitos.

Cinco trabajos que muestran la increíble variedad y calidad del cine español y que también sirven para ejemplificar la importancia de la dirección de producción. La definición más técnica de qué es una directora de producción la da Manuela Ocón, habitual colaboradora de Alberto Rodríguez: “Se encarga de la gestión de todos los recursos humanos y técnicos y de la gestión del presupuesto, pero siempre con un extra que tiene nuestro trabajo, y es que cada proyecto audiovisual es diferente y tiene unos estándares de calidad que hay que cumplir. Un trabajo que solamente se puede hacer en equipo, por lo que no puedes ser un mero gestor. Por eso se habla de diseño de producción, porque cada proyecto te lo tienes que imaginar. Todo eso con un añadido, y es que los recursos siempre son muy limitados”. En Modelo 77 sintió la presión. “Era una historia real y había un compromiso con ella”, dice Ocon.

Para Carmen Sánchez de la Vega, la labor de una directora de producción se parece a “lo que hacían nuestras madres cuando éramos pequeños, o sea, con el dinero que tenían, conseguir que la familia entera estuviera impecable”. Para ello hay que gestionar un presupuesto, pero principalmente “meterse en la cabeza del director, intentar entender su idea y participar en la historia que tiene en su cabeza”. Aunque no solo en esa cabeza, sino en la de “todos los jefes de departamento para que todos tengan lo necesario para poder solucionar problemas y que consigamos transmitir al público esa idea que en origen estaba en la cabeza del director”. Ella tiene una frase infalible para ver si un trabajo de dirección de producción es bueno o no: “Si alguien te dice, 'joder, qué luz tan bonita tiene la película' ya la hemos cagado, porque un buen trabajo es cuando alguien ve la película como un todo, como un pack”. Su trabajo ha sido valorado así en la Academia, donde As bestas tiene 16 nominaciones.

La palabra ‘presupuesto' es la que más se oye al conversar con ellas. Para Sara García, nominada por Cerdita, la parte más bonita es cuando llega el guion y empieza a diseñar ese puzle. Un rompecabezas en el que, a veces, les toca “ser los malos”. “Somos los que tenemos que cortar, aunque siempre tienen que buscarse decisiones creativas incluso mejores”, cuenta. Un clásico problema de un rodaje es qué hacer si llueve cuando el tiempo preveía sol y habían desplazado al equipo. “En mis producciones la última palabra sobre si se rueda o no la tengo yo. O si incluso nos arriesgamos a rodar aunque haya algo de lluvia. Siempre preguntas al dire de foto y al equipo, pero si la directora de producción dice que se rueda, se rueda. Es una última palabra con la opinión de todos”, añade García. En el caso de As bestas se buscaba lo contrario a lo que normalmente se busca. Carmen Sánchez estaba siempre esperando que nevara y en cuanto lo hacía se iban a rodar con nieve para aprovechar el momento.

Una directora de producción hace lo que hacían nuestras madres cuando éramos pequeños, o sea, con el dinero que tenían, conseguir que la familia entera estuviera impecable

Carmen Sánchez de la Vega — Directora de Producción de 'As bestas'

María José Díez es quien ordenó todo para que Cinco lobitos se convirtiera en un fenómeno de boca a oreja. Lo hizo en un filme donde el reto fue trabajar con bebés reales y de la misma edad (semanas incluso) que los que se representaban en la ficción. Confirma que el presupuesto es importante, pero añade otro elemento, “la coherencia”, que debe estar “independientemente del dinero que se tenga para hacer una película, creo que eso significa que detrás ha habido una dirección de producción inteligente y pendiente de cuidar todos los elementos de la película”.

Para ello, hay que sentarse pronto con el director y ver qué proyecto quieren, y una pregunta es fundamental: cómo será el casting y los ensayos. Si uno quiere estar un año buscando a los actores perfectos para dar vida a la familia Solé, como ocurrió con Carla Simón, la directora de producción tendrá que dedicar más esfuerzos en esta parte, y también en que todos esos actores ensayen juntos, como ocurrió en Alcarràs. “Ha sido una película que nos ha exigido mucho tiempo de preparación”, confirma Elisa Sirvent, que selecciona como el mayor reto el rodar en un sitio “donde la gente no solo no estaba acostumbrada a rodar, sino que además estaban trabajando porque teníamos que rodar mientras ellos hacían la cosecha en verano, cuando el fruto está maduro, porque lo queríamos maduro”. “Tuvimos que coordinarnos, convencer a la gente de que nos dejara entrar y rodar y luego organizarlo para no molestarles, para no interrumpir su trabajo, que es el trabajo de todo el año. Fue todo un reto”, añade.

En este campo siempre ha habido mujeres pioneras, como Esther García, miembro fundamental del equipo de Almodóvar en El Deseo; o Cristina Zumárraga, pero hasta ahora nunca había habido pleno de mujeres nominadas. Como recuerda Sirvent, no solo ha ocurrido en los Goya, sino también en los Gaudí del cine catalán. Destaca que “el departamento de producción ha empezado a introducir a la mujer sin tantas dificultades como otros departamentos”. “Quizás es porque es el departamento de gestión humana, que veían más vinculado al perfil femenino… No sé, pero me encanta compartir esta nominación con mujeres en películas muy diferentes. Nos hemos conocido estos días pero tenemos una forma de entender la producción bastante parecida, con implicación personal”, añade.

Manuela Ocón destaca que en producción es uno de los sitios donde “más igualada está la presencia femenina”, aunque sigue habiendo más hombres que mujeres. Las nominaciones de este año cree que también son fruto de las medidas tomadas por el ICAA, que han hecho que haya más mujeres en puestos de producción, guion y dirección, “y eso afecta a la composición de los equipos y hace que se impregne, que sea más fácil que las mujeres accedan a estos cargos”. Lo confirma María José Díez, que ha visto cómo en los últimos años aparecían mujeres técnicas en apartados como fotografía o en puestos de eléctrica, donde antes era complicado que hubiera: “Es un hito, porque ahora cuando contrato ya tengo a mujeres en esos campos, o maquinistas, que siempre ha sido algo muy masculino y se empieza a romper y es maravilloso. Me da mucho gusto poder llamar a una mujer para formar parte de esos equipos”.

El taxi para en la puerta de la Academia de Cine y Carla Simón baja con el pequeño Manel colgado en una mochila. El taxista ayuda para sacar el carrito del maletero y la directora intenta abrirlo con su bebé colgando de ella. Rápidamente acude a echar una mano su amigo Arnau Vilaró, con el que ha escrito Alcarràs, la película con la que lleva desde febrero dando la vuelta al mundo. La gira con el filme, que ganó un histórico Oso de Oro hace casi un año, comenzó en febrero en Berlín. Allí ya estaba embarazada, igual que un mes después, cuando la presentó en Málaga y cuando el filme llegó a las salas.

Manel nació en junio, y desde entonces Alcarràs ha sido la elegida para representar a España en los Oscar, se presentó en festivales por todo el mundo, opta a once premios Goya, estuvo nominada a cuatro premios del cine europeo y ha hecho que Simón encadene una gira mundial para promocionarla y luchar por cada premio que ha hecho que Manel se convierta en, probablemente, el bebé que más países ha conocido en menos tiempo. Los Ángeles, Nueva York, Londres, Venecia, París, Reikiavik… en todas esas ciudades ya ha estado en menos de un año.

Carla Simón no ha parado, pero aquí está la diferencia: ha introducido a su bebé en la rutina de promoción cinematográfica, dando una imagen de normalidad y visibilizando lo difícil de la conciliación para cualquier madre y para cualquier cineasta. Cuando presentó su cortometraje Carta a mi madre para mi hijo, Simón dio el pecho a su bebé, que entonces tenía apenas dos meses, delante de la prensa en el Festival de Venecia. Lo hizo con la misma normalidad con la que lo hizo Carolina Bescansa hace años en el Congreso de los Diputados, provocando la mirada de extrañeza de sus colegas. Simón es madre y directora, y ambas labores se solapan.

Durante esta entrevista, el pequeño Manel se encuentra a pocos centímetros, bajo su supervisión, y realizando gestos de contorsionista mientras ella habla, precisamente, de la dificultad de conciliar en una profesión donde no existen los contratos fijos y donde una se mueve mucho. Demasiado. En un momento dado pide ayuda a una de las personas que llevan la prensa del filme, que se acerca y coge al pequeño cuando empezaba a llorar. La directora cuenta con humor que Manel ya ha “cogido 16 vuelos con escala, y trenes ya ni te cuento”.

“Mucha gente nos dice ‘qué valientes', y yo pensaba que tampoco tenemos mucha opción. Yo soy de las que me hago la maleta en cinco minutos, y mi pareja y yo hemos viajado mucho. Creo que eso ayuda, porque no sé si lo podría hacer todo el mundo, porque es un despliegue de maletas, de carrito…”, dice y aporta el primer adjetivo que describe su estado: “Físicamente es muy bestia”. Una de las claves, “estar muy zen”. “Pasa una cosa con los bebés, que es que si tú estás ansiosa, nerviosa, o lo que sea, eso se transmite, y claro, cuando estás viajando en avión tienes que estar tranquilo y el niño tiene que estar tranquilo para no joder a todo el mundo que está alrededor”, cuenta.

Esa visibilización de lo que supone la maternidad en una directora de cine “es una decisión voluntaria”. Una imagen que rompe y vuelve a demostrar la importancia de la llegada de esta nueva generación de directoras que ponen en la lupa otras realidades. “Creo que por un lado había pocas mujeres haciendo cine y pocas cineastas madres, pero porque es muy jodido. Por eso tardamos tanto en tenerlos y a algunas se les pasa el momento. Creo que estamos en un momento muy confuso con la maternidad. Porque está ahí ese discurso de dar el pecho, de criar intensivamente, de darle todo a tu hijo, que sea una crianza como la de nuestras abuelas… Pero currando igual que tu madre, que se pasaba el día trabajando y te daba el biberón. Entonces, cómo lo hago… ¿muero? Porque realmente las dos cosas no cuadran, y para mí la única forma de hacerlo es llevarme a mi hijo a todos los sitios, pero luego te das cuenta de que ese discurso de 'hazlo todo' está muy lejos de la realidad, porque en los sitios no tienen cambiador, porque no les gusta que haya niños… la vida no está adaptada para ese discurso actual de darle todo a tu hijo y encima trabajar”, opina. 

Había pocas mujeres haciendo cine y pocas cineastas madres, pero porque es muy jodido. Por eso tardamos tanto en tenerlos y a algunas se les pasa el momento

Carla Simón — Directora de cine

Dar entrevistas con un bebé al lado requiere una concentración extra. Carla Simón confiesa que está “agotada”, y que a veces se distrae durante las jornadas promocionales al tener a Manel cerca. Sabe que es más cómodo, y además mantiene que es una decisión activista: “Me gusta llevar a mi hijo para hacer entender que se puede, pero creo que también las cosas se tienen que adaptar y estamos muy lejos”.

En esta experiencia ha vuelto a tener el apoyo de su productora María Zamora, que también es experta en la conciliación en el mundo del cine. “María me decía, la conciliación son los padres. Es como que no existe. No existe y es muy jodido. La conciliación llegará el día que veas a un director haciendo una entrevista con su hijo. Al final nosotras los tenemos tarde. Yo cuando conocí a mi chico le dije, primero hago dos pelis, antes no lo tenemos. Eso era una cosa que lo tenía ya ahí, y me acuerdo cuando conocí a Claudia Llosa, que me hizo de mentora con mi corto de graduación en la escuela de Londres y me parece un ejemplo a seguir en este sentido. Una mujer que hace dos películas y cuando siente un poco que ya va a poder seguir haciendo cine, tiene un hijo. Y claro, cuando luego ganamos el Oso de Oro el paralelismo era muy fuerte [Llosa también lo ganó por La teta asustada]. Yo tenía mucho miedo de tener un hijo, porque ¿cuántos ejemplos hay de mujeres que no vuelven a hacer una película después?”, explica Carla Simón.

Todo lo que cuenta no sería posible sin el apoyo de su pareja. Sería “absolutamente imposible”. “En Estados Unidos había muchísimas proyecciones, coloquios, recepciones… y yo no puedo estar con el bebé todo el rato. En Londres y en Reikiavik hicimos muchísima prensa. Como ya veíamos que esto podía pasar, de los cuatro meses [de permiso parental] que él tiene, dos los hicimos juntos. Luego se guardó otras dos semanas para acompañarme ahora… porque es cierto que esto lo podrías hacer con otra persona, pero lo mejor es hacerlo con tu pareja”, cuenta. Tiene claro que la ayuda es fundamental. “Sola, tendría que haber cancelado la mitad de cosas por agotamiento o por imposibilidad. O que todos nos acostumbremos a tener niños llorando mientras hacemos una entrevista, que podría ser también”, dice con risa mientras Manel empieza a hacerlo y antes de pedir ayuda para seguir con la entrevista.

La maternidad le ha hecho surgir el miedo de no volver a rodar. “Es que el vínculo con el bebé lo tienes tú. No es lo mismo para las mujeres que para los hombres. La maternidad ha parado muchas carreras artísticas y de otras profesiones. Parece que nos da cosa decirlo, pero es obvio, entonces la pregunta es cómo cambiar esto, y creo que es bueno que se esté hablando tanto de este tema. El cambio tiene que pasar por un mundo que se adapte más”, añade. De momento, los festivales de cine empiezan a instalar guarderías para que los cineastas y acreditados puedan dejar a sus hijos, y en películas como Cerdita se creó una ludoteca para que de diez de la mañana a cinco de la tarde los niños estuvieran atendidos, pero todavía es poco.

La conciliación no existe y es algo muy jodido. La conciliación llegará el día que veas a un director haciendo una entrevista con su hijo

Carla Simón — Directora de cine

A la dificultad de cualquier mujer para conciliar, se suma el hecho de que los cineastas son autónomos y no tienen contratos fijos con los que cogerse bajas, por lo que la suya fue “casi de palabra”. “Al mes rodé el momento en el que sale Manel en el corto, a los dos meses y medio lo estábamos terminando y antes de que cumpliera tres estábamos en Venecia. Luego suma las entrevistas a nivel internacional, coloquios todo el rato… No ha sido una baja normal. Como mucho el primer mes, porque necesitaba recuperarme y porque el tema de la lactancia es una movida. También es verdad que yo tampoco lo quería, cuando llevaba dos semanas en casa sola y la gente me visitaba les pedía cuéntame más cosas por favor porque no puedo más. No me puedo desconectar totalmente. Cuatro meses parada no los aguanto. No es mi forma de ser y cuando haces cine siempre estás buscando algo. Una baja en una disciplina artística es muy relativa, y en mi caso la idea de parar no existía”, dice. 

Ahora viene el próximo reto: la conciliación en la etapa creativa. Si en la de promoción ha sido complicado, en la de escritura y futuro rodaje lo ve todavía más. De momento, su tercera película esperará un poco más. Prefiere parar, respetar sus tiempos “y disfrutar también de la maternidad”. “La promoción es algo que, dentro de lo que cabe se puede llevar bien, porque al final estás hablando de cosas que ya sabes, es algo más automático. Es más una cuestión física de aguantar los viajes. Lo que más difícil me parece es volver al espacio creativo, a escribir. El primer paso es que ya he contratado una canguro unas horas al día y eso me ha permitido empezar a retomar el guion y pensar de una manera algo más intensa, porque me siento muy dispersa. Volver a encontrar tu mundo interior es difícil en cualquier situación, pero ahora con tan poco tiempo todavía más”, sostiene.

Hay, de alguna forma, un hilo invisible que une a Carla Simón con aquella alfombra roja de Paula Ortiz en 2016, cuando embarazada paseó por la Alfombra Roja rompiendo el tabú de ver a una directora a punto de dar a luz en un lugar que hasta entonces parecía que tenía prohibida la maternidad. Un hilo que es el resultado de la lucha de muchas mujeres como ellas por visibilizar problemáticas que los hombres no conocen y nunca han sufrido, y que ellas han puesto sobre la mesa de una industria que vive un cambio imposible de parar.