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Prado Campos

Periodista freelance. Community Manager.

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Priscilla, la reina llega a Madrid

Lo que sobresalen son las lentejuelas, las plumas, los brillos, las grandes plataformas y las –incluso– mayores pelucas. Lo que no deslumbra a primera vista pero atrapa de igual modo es una de las historias sobre la búsqueda de la identidad, la aceptación, las inseguridades y el amor en todas su ramificaciones más célebres de nuestra cultura. Pocos son los que no han visto la oscarizada película de Stephan Elliott  Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (1994), pero ahora podrán vivir este viaje en directo en Priscilla, reina del desierto. El musical.

El gran musical de la temporada se estrena el 2 de octubre en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid. Viene avalado por las hechuras de una espectacular puesta en escena de tres millones de euros, que viene íntegra del Palace Theatre de Londres (2009-2011), con una banda sonora de hits de la música disco de los años 70 y 80 donde no faltan Gloria Gaynor, Madonna o Tina Tunner. Y por el público, más de 3 millones de espectadores en sus seis años de recorrido por Londres, Broadway, Nueva Zelanda, Suecia, Italia, Canadá, Argentina y Brasil. Ahora es el turno de España aunque simultáneamente también estará en Seúl, Atenas y Manila.

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Stephen Shore, el desafío constante de la revolución de la fotografía

Si él bebió de grandes como Walker Evans, Ed Ruscha, Andy Warhol o Bach –el uso de las series en toda su obra, explicó ayer en Madrid, "es una cosa instintiva que probablemente tenga que ver con Bach y sus variaciones" y, probablemente, argumentó, uno de los motivos por los que conectó con Warhol–, Stephen Shore ha influido en una cantidad ingente de fotógrafos y artistas contemporáneos. No en vano, este fotógrafo norteamericano, que lleva trabajando sin parar de los años 60 y ha dado la vuelta a los cánones de la fotografía, está considerado uno de los grandes maestros del siglo XX y uno de los fotógrafos contemporáneos más influyentes. Además de uno de los nombres que consiguió llevar la fotografía al estatus de arte (y acabar con lo que hasta entonces se entendía como tal).

La Fundación Mapfre le rinde homenaje con la inauguración este viernes de la primera gran restrospectiva dedicada a Stephen Shore, que se podrá ver en la Sala Bárbara de Braganza hasta el 23 de noviembre. Una muestra organizada de forma cronológica que recoge cerca de 260 obras que van desde sus primeros trabajos inéditos cuando tenía 14 años hasta sus últimas obras, e incluye series nunca vistas como que realizó en las excavaciones arqueológicas de Hazor y Ascalón, en Israel, de 1994. "Siempre da un poco de miedo que te hagan una restrospectiva porque da la sensación de que estás a punto de morir, así que digamos que esta es una retrospectiva a media carrera", matizó el fotógrafo en la presentación en Madrid. Por su parte, la comisaria Marta Dahó destacó el valor de la exposición ya que consigue "establecer unas conexiones entre proyectos distanciados en el tiempo y conocer con mayor detalle su evolución".

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El feo asunto de las cuentas del Thyssen, el Prado y el Reina Sofía

2013 no ha resultado ser un buen año para los tres principales museos españoles, al menos en lo que a números se refiere. Si más o menos conseguieron capear la situación en 2012, el año pasado no ha hecho sino mermar más sus balances económicos. Menos subvenciones públicas, a pesar de los esfuerzos por seguir aumentando los ingresos propios, y menos visitantes que además se gastan menos dinero es la pinza que aprieta los balances de las pinacotecas.

El BOE ha hecho publicas las cuentas del Museo Thyssen, que cerró 2013 con 5,2 millones de euros en pérdidas. En 2012 fueron de 22.462 euros mientras que en 2011 el beneficio superó los 611.000 euros. Los datos del año pasado son los peores del museo en los últimos tiempos, que suma una deuda acumulada de 9,5 millones de euros, pero desde la pinacoteca niegan la alarma. "Las cuentas no solo se tienen que comparar con los datos del año anterior sino también con nuestras previsiones. Para nosotros estas pérdidas tienen un aspecto positivo. En nuestro presupuesto teníamos previstos 7,8 millones de euros de pérdidas. Por tanto, hemos mejorado un 33% el resultado esperado", asegura el director gerente del Thyssen, Evelio Acebedo, a eldiario.es.

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Los clásicos se adueñan del verano

El amor, los celos, el honor, la ambición o la política nunca pasan de moda, sobre todo si han salido de la pluma de Shakespeare, Calderón de la Barca, Cervantes, Aristófanes, Homero o Sófocles. No hay más que ver, además de su vigencia, la larga trayectoria de los festivales de Almagro y Mérida, dos de los certámenes teatrales más señeros y famosos de España que en los últimos años se han convertido más si cabe en las citas ineludibles del verano. Tanto es así que, anteayer en Mérida, ya llevaban 24.000 entradas vendidas (9.000 más que el año pasado) y en Almagro se rozaba el 50% de localidades. Así que, apunten estas dos ciudades, elijan (una o varias) obra y arménse con un abanico porque el teatro clásico se apodera del verano.

Almagro es el centro del teatro del Siglo de Oro gracias a su  Festival Internacional de Teatro Clásico, que celebra este año su 37º edición. El certamen se ha convertido en el auténtico referente teatral y transforma hasta el 27 de julio la localidad de los bolillos, la gastronomía quijotesca y las fachadas teñidas de blanco y añil en una suerte de especial maremágnum en el que vecinos, turistas, público y compañías rinden tributo a los clásicos.

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Las miradas del ojo del siglo XX

La Leica fue su compañera de viaje durante los 96 años que duró su vida. Con ella recorrió el mundo de arriba a abajo, ayudó a convertir la fotografía en un arte, asentó las bases de lo que es hoy el fotorreporterismo y se convirtió en el maestro de maestros. Pero lo vital de Henri Cartier-Bresson era su mirada. Una mirada que empezó a formarse con la Nueva Visión, bebió de su formación artística, se dejó influir por el surrealismo, se tornó comprometida gracias a su fuerte conciencia política y se convirtió en testigo de la historia. Y todo ello con una mirada artística en la que la composición, la luz y el encuadre eran tan decisivos –y sello de la casa– como ese instante que le ha hecho célebre y le ha elevado a una merecida categoría de mito.

Por eso y mucho más, Cartier-Bresson es llamado el 'ojo del siglo' y, aunque esto no le gustaba mucho, el maestro de la fotografía del siglo XX. "Soy muy visual. Observo, observo, observo. Yo comprendo con los ojos", decía el fotógrafo francés. Y ahora, cuando el 3 de agosto se cumplan diez años de su muerte, nosotros seguimos comprendiendo el mundo y la historia a través de los ojos de Cartier-Bresson.

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La rica ambigüedad de Richard Hamilton

Fue el fundador del pop art pero no se quedó ahí. Richard Hamilton por encima de todo es uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y puede ser considerado el primer artista postmoderno de la historia. Incombustible hasta su muerte en 2011, el artista británico nos ha legado más de 60 años de trabajos tremendamente actuales y tan heterogéneos y anacrónicos que dejan clara la reticencia de Hamilton a definirse a través de un estilo concreto así como su espíritu independiente. 

El Museo Reina Sofía inauguró ayer la primera gran retrospectiva dedicada a Hamilton, que podrá verse hasta el 13 de octubre. La exposición reúne 270 obras que van desde la pintura hasta el dibujo, el grabado, la fotografía, las instalaciones –de las que fue precursor y que fueron los verdaderos antecedentes de los happenings de finales de los 50 y los 60–, o el apropiacionismo.

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Las webseries piden paso

Si decimos House of Cards u Orange is the new black, pocos serán los que piensen a priori en lo que son en realidad: webseries. Las dos ficciones estrellas de la plataforma online Netflix han dejado claro que el modelo de consumo tradicional de las series, si quedaba alguna duda, ha cambiado por completo. No solo se han estrenado sus segundas temporadas íntegras para consumirlas a demanda sino que compiten en igualdad de condiciones (calidad, factura, actores...) con las series tradicionales y, además, no las emite un canal de televisión.

La plataforma, llámese canal x o internet, y el soporte, sea el televisor, el portátil o la tableta, no es hoy lo importante para el consumidor de series (acostumbrado a maratones o a ver sus ficciones favoritas al ritmo de emisión, generalmente, estadounidense). Pero, más aún, han ayudado a desterrar ese tópico de que las series de ficción para internet son por lo general amateurs y primeros trabajos.

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Mucho más que Warhol y Lichtenstein

"El pop art es popular, efímero, prescindible, barato, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, divertido, glamouroso y un gran negocio". Así definía Hamilton, en una carta a sus compañeros del Independent Group en 1957, la corriente con la que estaban revolucionando el panorama artístico de su época. No queremos ser nosotros los que pongamos un pero... aunque hoy tenemos que añadir que el pop art es mucho más.

Para empezar, el  pop art va mucho más que los omnipresentes –tanto en museos como en la memoria colectiva– Warhol y Lichtenstein. No es un arte banal ni superficial (ni mató la pintura como muchos le recriminaron a Warhol) sino que, más allá de ese mito, cuenta con más lecturas y poso social y político de lo que puede aparentar. Pero, además de la forma tan novedosa y aparentemente sencilla de hacer del arte algo cercano y atractivo para el público usando su propia realidad, está intrincado con la tradición pictórica. Esas son las lecturas que dibujan la exposición  Mitos del pop, que se inaugura mañana en el Museo Thyssen de Madrid y que se podrá ver hasta el 14 de septiembre. Una muestra que trae a la capital, tras más de 20 años sin que esta corriente artística protagonizara una exposición en los grandes museos, una revisión de los inicios de este movimiento artístico haciendo dialogar a los pioneros ingleses con la explosión americana y los representantes alemanes, franceses, italianos o españoles, muchos grandes desconocidos para el público, de la expansión que vivió el  pop art en Europa. Y todo ello tirando de esa relación con la historia del arte.

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Guía práctica para no perderse en PhotoEspaña

Julio se ha convertido en el mes de la fotografía en Madrid y en España. Tanto es así que PHotoEspaña ha querido este año dedicar su edición número 17 a nuestra fotografía. Una mirada poliédrica a la riqueza y la pluralidad de nombres, obras y técnicas utilizadas por los fotógrafos españoles que se hilvana en forma de un gran mural de más de un centenar de exposiciones que abarcan la historia de nuestra fotografía desde sus orígenes a la actualidad. 

En total, desde hoy y hasta el 17 de julio (las fechas oficiales de PHE aunque hay exposiciones que se prolongan hasta el mes de septiembre), podremos ver 108 exposiciones con obras de 440 artistas, de los que más de 310 son españoles, en ciudades como Madrid, Alcalá de Henares, Alcobendas, Getafe, Cuenca y Zaragoza. Sedes a las que se suman este año otras invitadas como Cádiz, Almería, Londres o Arles.  

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Arte y provocación sobre el escenario

“Durante todos estos años me he detenido, igual que tantos otros frente a mil, dos mil, Dios sabe cuántos, cuadros de Pollock, Newman, de Kooning, Noland, Rothko, Rauschenberg, Judd, Johns, Olitski, Louis, Still, Franz Kline, Frankenthaler, Kelly y Frank Stella, bizqueando unas veces, otras con los ojos abiertos como platos, aproximándome y alejándome, esperando, esperando, siempre esperando ese… algo… ese algo que de repente aparece; en pocas palabras, la visual recompensa a tanto esfuerzo, el premio que debe aguardarnos allí, que todos y cada uno (tout le monde) saben que está… allí esperando, ese algo que irradie directamente desde los lienzos colgados en estas paredes de blanca pureza inmarcesible, en esta habitación, ahora, hasta mi propio nervio óptico. En resumen, durante todos estos años he creído que en arte, más que en cualquier otra cosa, ver es creer. Bien, ¡cuánta miopía! Ahora, por fin, el 28 de abril de 1974, ya podía ver. De golpe he recuperado mi visión. Nada de “ver para creer”, tonto de mí: “creer para ver”, porque el Arte Moderno se ha vuelto completamente literario: las pinturas y otras obras solo existen para ilustrar el texto”.

Tom Wolfe en su mordaz La palabra pintada (1975, reeditado por Anagrama) comienza con estas palabras a desgranar la parodia en la que, para muchos, se ha convertido inconscientemente el llamado arte moderno, el conceptual, las vanguardias o el contemporáneo. Un arte que buscaba ser revolucionario pero que ha terminado, defiende, viviendo pendiente de la literalidad del texto que le da sentido, devoto –y dependiente– de los críticos-gurús, o creadores de la palabra pintada como les llama, y de la alta sociedad, o el culturburgo.

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