‘La violinista’, el 'Doctor Zhivago' de la animación con dirección y coproducción española, “orgullosa de ser un melodrama en 2D”

Doctor Zhivago. El pianista. El puente sobre el río Kwai. Durante los primeros minutos de (encantadora) conversación con Raúl García (Madrid, 1958) se acumulan las menciones a clásicos del cine hollywoodiense de gran escala como referentes claros de La violinista. Tal es el título del filme que García ha codirigido con Ervin Han, cineasta oriundo de Singapur que también se encarga del guion repasando una turbulenta época de su país: la Segunda Guerra Mundial y la ocupación japonesa, que condiciona de forma irremisible la historia de dos amantes músicos, Kai y Fei. Lo curioso, sin embargo, es que La violinista es una película de dibujos animados.

“Un melodrama en 2D orgulloso de ser un melodrama, y en 2D”, especifica García muy orgulloso. Cuando durante la charla con elDiario.es se percata de que solo está lanzando citas de acción real rectifica rápidamente. Millenium Actress. La tumba de las luciérnagas. Películas de dibujos animados que, como La violinista, no temieron acercarse a la historia de todo un país, ni esquivar los traumas de la guerra o las particularidades culturales. La idea de La violinista surgió, de hecho, como una forma de celebrar el 50 aniversario de la fundación del Estado de Singapur. En ese momento García ejercía de docente en su Lasalle College of the Arts, donde había coincidido con Han. “Fue el equivalente animado de amor a primera vista”, recuerda con cariño.

“Ervin dice que soy su ‘alma gemela animada’. Coincidíamos un montón en nuestra visión de la animación, en lo que queríamos contar con ella, y yo solía enviar a mis alumnos más aventajados a su estudio”. García se refiere a Robot Playground Media, que Han había fundado en paralelo a su trabajo con Disney Channel Asia: los cortos de Mickey Mouse que desarrolló entonces venían a ser otro motivo de afinidad con el artista madrileño, pues la experiencia de García como animador trotamundos se remonta a los años 80 y a varias producciones del Renacimiento de Disney. Suya fue la responsabilidad, por ejemplo, de animar al Genio de Aladdin. O a las hienas de El rey león.

“El siguiente paso obvio era hacer algo juntos y a él ya le habían encargado este corto sobre la historia del país, que se narraría a través de un violinista ambulante sin protagonismo alguno: simplemente sería el hilo conductor de los eventos históricos”, prosigue García. “Entonces nos preguntamos qué pasaría si la historia fuera el trasfondo para centrarnos en la parte humana. Así pasó a ser un drama épico”. Uno que para Han resultaba “muy visceral, por ser la historia de su gente y su país”, y al que García aportaría una “mirada europea”. “Cuando llegué a Singapur no tenía mucha idea de lo que había pasado ahí, y me embarqué en un ejercicio de investigación”.

García explica entonces que, “como europeos, nuestra historia de la Segunda Guerra Mundial está muy sesgada por el cine estadounidense, y lo ocurrido en el sur de Asia nos parece muy difuso”. Pasó entonces que, durante el proceso, la película empezó a crecer. “Al principio solo iba a ser una producción modesta para el mercado asiático, pero luego se convirtió en una coproducción con Italia y España”. Entonces comprendieron que, sí, tenían “un Doctor Zhivago animado” entre manos.

La animación como espejo del mundo

“Había que buscar un punto medio entre nuestras dos culturas”, cuenta García al adentrarse en el estilo de animación de La violinista. “La diferencia Oriente-Occidente iba a volver a notarse porque yo he crecido con Disney, la Warner y la Metro Goldwyn-Meyer de Tom y Jerry, mientras que en Singapur las referencias animadas nos llevan más bien al anime. Tomamos esta estética y su forma de movimiento para La violinista, pero mezclándolo con corrientes de novela gráfica europea”. El estilo de La violinista, finalmente, apunta a las propuestas más realistas de Studio Ghibli —con una atención primorosa en edificios y localizaciones—, pasadas por el filtro de la línea clara francobelga.

Constituyendo en fin un estilo híbrido, como no podía ser de otro modo tratándose de una asociación entre dos polos tan separados. Desde este ángulo La violinista podría recordar a lo ocurrido hace dos años con Dragonkeeper, coproducción chino-española, si bien García reconoce que la coproducción es una estrategia indispensable para sacar adelante este tipo de proyectos. “Las películas animadas son caras y España a veces no puede levantar ciertas cantidades de financiación”, zanja García a poca distancia de lo que Enrique Gato nos contaba sobre el carácter transnacional de Tadeo Jones.

“Y ya no solo es que sean caras, es que se trata de un mercado muy competitivo donde, para llevar a la gente al cine, lidiamos con unos estándares estadounidenses de películas con 200 millones de presupuesto”. García insiste: “Hay unos mínimos, desde luego, pero estos solo se consiguen con coproducciones y esta combinación acaba siendo muy enriquecedora. Para La violinista hemos tenido un equipo de animadores de Singapur y otro español de menor número. Y ha habido que dividir tareas: personajes, fondos, la música ha sido desarrollada por un compositor de Singapur, Ricky Ho, junto a Isabel Latorre, española… y todo esto conlleva una diversidad muy interesante”.

García es consciente, por otro lado, de que son las obras de animación 3D las que más público llevan a las salas, en detrimento de un 2D que suele ser más autoral e independiente. “Desde que el 3D vino al mundo a mediados de los 90 con Toy Story todo ha cambiado”. Obligando, por ejemplo, a que en La violinista no hablemos de un 2D puro: la ficción se apoya en las tres dimensiones para las secuencias más espectaculares. “El 3D te da la riqueza expresiva de poder mover la cámara y una libertad para planos que de otra forma serían imposibles… aunque en nuestra película solo es una herramienta”. Y en efecto, como dibujos animados en dos dimensiones, La violinista tiene un talante autoral e independiente (ganó el premio a Mejor largometraje hace unos meses en el prestigioso Festival de Annecy) que le aleja frontalmente de Tadeo Jones y la animación más comercial.

“El gusto del público por la animación ha sido definido por Hollywood, y en un momento dado Hollywood decidió que el 3D era para los grandes largometrajes y el 2D para la televisión. A partir de ahí vinieron los rebeldes que quisieron usar 2D para películas más adultas, pero igualmente todo esto ha sido determinante para fijar qué espera el público de la animación”, detalla el artista, sin olvidarse del lamentable cliché de que “la animación solo es para niños”. “Todo se resume en esa creación del gusto impuesta por los grandes estudios, calando la idea de que la animación es un género. Pero no lo es. Solo es una técnica para contar todo tipo de historias”.

“Esto en Japón lo saben perfectamente y el público está acostumbrado a ello. Nadie se extraña de que una película animada sea policíaca, o de terror, o erótica, o un melodrama histórico como es el nuestro”. Es en el mercado asiático, entonces, donde García atisba una mayor falta de prejuicios, por oposición a un marco occidental donde el último Disney, la factoría donde trabajó durante tantos años y definió su gusto, le inspire algo parecido a la preocupación.

El regreso del 2D y una nueva industria

“Aquí nos topamos con el tema de la Inteligencia Artificial”, continúa García. “La IA lo roba todo, y roba especialmente el estilo Disney o el estilo Pixar. También roba el estilo Ghibli, pero a Ghibli no tiene por qué importarle porque ellos han mantenido su propia filosofía, su forma de hacer las cosas”. Frente a la factoría de Miyazaki y compañía, Disney se ha arrojado al 3D sin realizar avances significativos, poniéndoselo fácil a la IA para “ser fagocitado”. Por eso “todo el mundo busca nuevas formas de animar ahora mismo”, razona García, y lanza el ejemplo de DreamWorks o la animación NPR que inaugurara Spider-Man: Un nuevo universo en 2018.

Años antes García había puesto su propio granito de arena para escapar de la rigidez del 3D. Ya había ganado un Goya a Mejor película animada por El lince perdido en 2008, pero de cara a Extraordinary Tales (2015) “quise probar formas distintas de renderizado, alejándome de las texturas hiperrealistas”. Esta antología de cortos basados en relatos de Edgar Allan Poe ya fue una buena muestra de la habilidad de García como “animador trashumante” (como él mismo se denomina), y de que “el público agradecería técnicas no convencionales de animación”.

“Al final la IA lo que ha hecho es poner más en valor películas como la nuestra: artesanales, orgullosas de ser 2D, dibujando fotograma a fotograma”. Un trabajo, finalmente, que como otros títulos en dos dimensiones estilo Robot Dreams, Klaus o la filmografía de Alberto Vázquez simbolizaría el momento tan estimulante que vive la animación española. “Ha habido un progreso enorme porque ahora cuando hablo de animación española ya no me echo a llorar”, dice entre risas.

“En España siempre hemos tenido artistas maravillosos: animadores increíbles que tenían que irse al extranjero a trabajar. Desde los 80 puedes ver cualquier película de animación estadounidense y te topas con un equipo español; no podemos olvidar que Skydance Animation está en Madrid”, apunta sobre la empresa ubicada en Las Rozas y liderada por el mismísimo John Lasseter tras su salida de Pixar. “Pero hoy además se hacen muchísimas películas de animación, lo que quiere decir que hay un sistema en marcha que permite diversificar las películas. Ahora tenemos una industria de verdad”. García pone el acento en “la continuidad”. Ese sería el factor auténticamente diferencial.

“Era el mayor drama que teníamos antes en España: todos éramos francotiradores que buscábamos financiación, montábamos un equipo, hacíamos la película y luego ese equipo se dispersaba. Pero ahora hay estudios serios, como 3Doubles en Canarias (responsable de títulos como SuperKlaus) que manejan tres o cuatro producciones a la vez, permitiendo que el equipo trabaje continuamente y todos puedan ir creciendo como artistas”. García destaca por último que “ahora hay más academias y universidades”. Todo lo cual ha conducido a que la gente pueda plantearse la animación “como una profesión seria, que diría mi padre”, concluye con una última carcajada.