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Toni Polo

Toni Polo Bettonica (Barcelona, 1969). Licenciado en Historia Contemporánea en la Universidad de Barcelona y Master en Periodismo por El País y la Universidad Autónoma de Madrid. Trabajó en Público desde la fundación de la delegación de Cataluña hasta el cierre del periódico. Es autor de dos novelas ('Medusa', Plaza y Janés, 2007, y 'El cementerio de icebergs', Plaza y Janés, 2010) y de dos novelas juveniles ('Los vagabundos del hielo' y 'El pez de oro', Ediciones B, 2011). Es miembro fundador de la página web de recomendaciones teatrales Recomana.cat.

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Amunt les canyes!

El mundo baila conmigo / y cuando vaya a dejarlo / deseo que mis amigos/ me digan adiós cantando (…)El día que yo me muera / no lloren ni den la lata/ y canten El muerto vivo / que estaba tomando cañas. / Mi cariño y mis canciones / al irme les dejaré / para que sigan bailando / con la puntita del pie (…)Es mi último deseo / dejen la lágrima en el mar / recuerden que es preferible / reír que llorar (…)

De Porque yo me iré, del disco Cómo me gusta, 1993.

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¡Arriba esas cañas!

El mundo baila conmigo / y cuando vaya a dejarlo / deseo que mis amigos/ me digan adiós cantando (…)El día que yo me muera / no lloren ni den la lata/ y canten El muerto vivo / que estaba tomando cañas. / Mi cariño y mis canciones / al irme les dejaré / para que sigan bailando / con la puntita del pie (…)Es mi último deseo / dejen la lágrima en el mar / recuerden que es preferible / reír que llorar (…)

De Porque yo me iré, del disco Cómo me gusta, 1993.

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Más allá de la locura

"Cruzar la línea que separa el mundo animal del humano, la locura de la cordura, el sueño de la lógica". Con esta intención nos presenta la compañía australiana Circa Beyond. Podría ser retórico, la verdad. Una excusa como cualquier otra para dar coherencia a una sucesión de saltos, de acrobacias, de golpes, de equilibrios imposibles... Sin esta justificación, la obra ya sería brutal, pero a lo largo de la hora y pico de función, esta línea que atraviesan se convierte en una especie de dramaturgia subliminal que, efectivamente, da un plus importante al espectáculo.

Los protagonistas, cuatro mujeres y tres hombres, son artistas circenses, pero también actores con todo el sentido del humor. Nos miran, nos retan, nos advierten de lo que quieren hacer. Y lo hacen desafiando a la lógica, a la condición humana, a la cordura. Lo hacen con animalidad, con locura, con sueño. Una chica carga a dos chicos con una facilidad inhumana; otra se cuelga de dos cuerdas a ocho metros del suelo y se enreda hasta hacernos perder la noción anatómica (¿qué hace este pie junto a la cara...?); la misma forzuda resuelve un cubo de Rubick mientras los otros colegas (¿personas? ¿animales?) se le suben encima con una curiosidad indescriptible; un chico realiza malabares haciendo volar una hoja de papel entre las manos, los pies, las piernas, la cara, la ... ¿qué es esto? ¿la espalda? ¿cómo aguanta el papel en la espalda? otros suben por barras verticales y nos brindan una danza vertiginosa; otro hace de clown; de repente recorren el escenario a una velocidad pasmosa a base de saltos y volteretas en una danza urbana gamberra y precipitada; una asalta al público o los siete intentan contener sus instintos en fila, como queriendo demostrar algo a los espectadores, ocultar los tics simiescos de algunos, caninos de otros, gallináceos de otra... Como diciéndonos: somos humanos. (¿O no?)

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Més enllà de la bogeria

“Creuar la línia que separa el món animal de l’humà, la bogeria del seny, el somni de la lògica”. Amb aquesta intenció ens presenta la companyia australiana Circa el seu Beyond. Podria ser retòric, la veritat. Una excusa com qualsevol altra per donar coherència a una successió de salts, d’acrobàcies, de cops, d’equilibris impossibles... Sense aquesta justificació, l’obra ja seria brutal, però al llarg de l’hora i escaig de funció, aquesta línia que travessen es converteix en una mena de dramatúrgia subliminal que, efectivament, dóna un plus important a l’espectacle.

Els protagonistes, quatre dones i tres homes, són artistes circenses però, també, actors amb tot el sentit de l’humor. Ens miren, ens repten, ens adverteixen del què volen fer. I ho fan desafiant la lògica, la condició humana, el seny. Ho fan amb animalitat, amb bogeria, amb somni. Una noia carrega dos nois amb una facilitat inhumana; una altra es penja de dues cordes a vuit metres del terra i s’hi enreda fins a fer-nos perdre la noció anatòmica (què hi fa aquest peu al costat de la cara...?); la mateixa forçuda resol un cub Rubick mentre els altres col·legues (persones? animals???) se li pugen al damunt amb una curiositat indescriptible; un noi fa malabars fent volar un full de paper entre les mans, els peus, les cames, la cara, la... què és això? l’esquena? com aguanta el paper en l’esquena? uns altres pugen per barres verticals i ens brinden una dansa vertiginosa; de sobte recorren l'escenari a una velocitat sorprenent a base de salts i tombarelles en una dansa urbana gamberra i precipitada; un altre fa de clown; una assalta al públic o tots set intenten contenir els seus instints en fila, com havent de demostrar alguna cosa als espectadors, amagar els tics simiescos d’alguns, canins d’uns altres, gallinacis d’una altra... Com dient-nos: som humans. O no?

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Pena per soleàs a les barraques de Montjuïc

Romance de Curro ‘el Palmo’ és, per a mi, la cançó més trista de Serrat, i amaga tot una història que va molt més enllà del cruel desamor entre Merceditas, “ese mal bicho”, i Currito el Palmo, el bailaor coix i somiador. És un poema que conté els ingredients de tota una crònica social d’una època (dura, com el desamor), que ara Jaume Villanueva, recolzant-se en els escrits de Paco Candel, ens descobreix convertint-los en un musical flamenc al qual donen vida un Antonio Canales enorme (en tots els sentits), una Eli Ayala poderosíssima, un Nacho Blanco hipnotitzant, un Kike Morente pletòric i un Pep Cruz que més que una estrella convidada, és el referent imprescindible en la lectura social de l’obra. La resta de la vintena llarga d’artistes que acompanyen llueixen a l’alçada de les circumstàncies, aportant cada personatge el seu gra de sorra en la realitat de la història.

La cançó és el fil conductor de la dramatúrgia. Cada estrofa dóna peu a una dramatització musical que ens fa escoltar la peça com a seguiriya, com a soleà, com a pasodoble, com a sardana, inclús, o com a jota i ens descriu tot el que els versos simplement deixen intuir. Tot amb coreografies esplendoroses, ben trenades i ballades que il·lustren la desgraciada història d’amor del Palmo, que veu com la seva Merceditas deixa el tablao per anar-se amb un ric metge (“de clínica propia y Rolls de contrabando”). No ho superarà: “Entre palma y palma, Curro fue palmando”. L’enterrament del Palmo, posat en escena amb sobrietat i delicadesa, és un dels moments culminants de l’obra. El Curro apareixerà des dels cels, “a mano derecha, según se va alcielo...” y ballarà radiant, de blanc lluent, feliç, mostrant el talent que en la resta de la funció ja s’intuïa veient-lo ballar amb una cama rígida i tot torçat (gran actuació). La versió de Villanueva, però, ens regala un bonus track en el que triomfa l’amor...

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Pena por soleás en las barracas de Montjuïc

Romance de Curro 'el Palmo' es, para mí, la canción más triste de Serrat, y esconde toda una historia que va mucho más allá del cruel desamor entre Merceditas, "ese mal bicho", y Currito el Palmo, el bailaor cojo y soñador. Es un poema que contiene los ingredientes de toda una crónica social de una época (dura, como el desamor), que ahora Jaume Villanueva, apoyándose en los escritos de Paco Candel, nos descubre convirtiéndolos en un musical flamenco al que dan vida un Antonio Canales enorme (en todos los sentidos), una Eli Ayala poderosísima, un Nacho Blanco hipnotizante, un Kike Morente pletórico y un Pep Cruz que, más que una estrella invitada, es el referente imprescindible en la lectura social de la obra. El resto de la veintena larga de artistas que acompañan brillan a la altura de las circunstancias, aportando cada personaje su grano de arena en la realidad de la historia. Sensacional el cameo de La Barni, expertos en la copla, como demostraron en Ojos verdes.

La canción es el hilo conductor de la dramaturgia. Cada estrofa da pie a una dramatización musical que nos hace escuchar la pieza como seguiriya, como soleá, como pasodoble, como sardana, incluso, o como jota y describe lo que los versos simplemente dejan intuir. Todo con coreografías esplendorosas, bien trenzadas y bailadas que ilustran la desgraciada historia de amor del Palmo, que ve como su Merceditas deja el tablao del Lacio para irse con un rico médico ("de clínica propia y Rolls de contrabando"). No lo superará: "Entre palma y palma, Curro fue palmando". El entierro del Palmo, puesto en escena con sobriedad y delicadeza, es uno de los momentos culminantes de la obra. El Curro aparecerá desde los cielos, "a mano derecha, segun se va al cielo..." y bailará radiante, de blanco reluciente, feliz, mostrando el talento que en el resto de la función ya se le intuía al verlo bailar con una pierna rígida y todo torcido (gran actuación). La versión de Villanueva, sin embargo, nos regala un bonus track en el que triunfa el amor...

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Monti guanya a la mort

“Un bolo de treballar, i al LLiure?”, pregunta el pallasso carablanca al telèfon. “Sí, també treballem per a sales alternatives”, diu. “Però amb el Rhum..., és clar”, se li sent dir, ara. I es preocupa. Es preocupa perquè el Rhum no hi és. Igual que Monti, el pallasso “oficial” del Teatre Lliure, fa més d’un any que no hi és. Ell, que tantes vegades es va batre en duel, però “a ‘muehte’, a ‘muehte’ de morirse, a ‘muehte’ de que gane el mejor”, no va assistir a aquest duel, protagonitzat pels seus col·legues Jordi Martínez, Pep Pascual, Joan Arqué, Roger Julià i Guillem Albà. L’emotivitat, la poesia, el gamberrisme i la professionalitat d’aquests pallassos, però, el va tenir molt present en una funció de la qual Monti va ser coautor, per homenatjar, precisament, a l’admirat i mític pallasso de fa gairebé un segle, Rhum. La dramatúrgia de l’obra exigeix que el Rhum aparegui. I l’hauran de suplantar. Donant peu a tot un seguit de situacions que són un sincer homenatge al món del circ.

L’espectacle és brillant. Per a grans i petits (sí, també per a petits: alguna cosa senzillament no l’entendran i no passarà res). Farcit de repeticions histriòniques tan circenses, ple d’humor, regalimant tendresa (que diria Serrat), acompanyat de música i envoltat de riallades. L’Espai Lliure esdevé una pista de circ, delimitada per baüls i maletes, amb instruments i globus i confetti i una taula per un sopar romàntic (tot el romanticisme que cal esperar...), i una desgavellada i colorida exhibició de natació sincronitzada (i elegant, per descomptat) culminada amb el rap dels Swimming Brothers i una corrida de toros i un duel (a ‘muehte’, de la de morirse) i cançons i esbojarrats comentaris del Equipo A de Clint Eastwood o de Braveheart i un mirall trencat a través del qual intuïm Groucho i, per acabar, una conversa amb la consciència.

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Monti gana a la muerte

"¿Un bolo de trabajar, y en el Lliure?”, pregunta el payaso carablanca al teléfono. "Sí, también trabajamos para salas alternativas", dice. "Pero con Rhum ..., claro", se le oye decir, ahora. Y se preocupa. Se preocupa porque Rhum no está. Al igual que Monti, payaso "oficial" del Teatro Libre, que hace más de un año que tampoco está. Él, que tantas veces se batió en duelo, pero "a 'muehte', a 'muehte' de morirse, a 'muehte' de que gane el mejor", no asistió a este duelo, protagonizado por sus colegas Jordi Martínez, Pep Pascual, Joan Arqué, Roger Julià y Guillem Albà. Pero la emotividad, la poesía, el gamberrismo y la profesionalidad de estos payasos lo tuvo muy presente en una función de la que Monti fue coautor, para homenajear, precisamente, al admirado y mítico payaso de hace casi un siglo, Rhum. La dramaturgia de la obra exige que el Rhum aparezca. Y lo tendrán que suplantar. Dando pie a una serie de situaciones que son un sincero homenaje al mundo del circo.

El espectáculo es brillante. Para mayores y pequeños (sí, también para pequeños: algo sencillamente no lo pillarán y no pasará nada). Plagado de repeticiones histriónicas tan circenses, lleno de humor, desbordando ternura, acompañado de música y rodeado de carcajadas. El Espai Lliure se convierte en una pista de circo, delimitada por baúles y maletas, con instrumentos y globos y confeti y una mesa para una cena romántica (todo el romanticismo que hay que esperar de la situación...) y una descabellada y colorida exhibición de natación sincronizada (y elegante, por supuesto) culminada con el rap de los Swimming Brothers y una corrida de toros y un duelo (a 'muehte', de la de morirse) y canciones y alocados comentarios del Equipo A o de Clint Eastwood o de Braveheart y un espejo roto a través del cual intuimos a Groucho y, para terminar, una conversación con la conciencia.

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“La llum de la democràcia se’ns va menjar la resistència”

Laminimal Teatre Sistèmic és una companyia etiquetada de “emergent” que, però, té les coses molt clares i un estil propi. La supervivència de les lluernes és un projecte sòlid que ha nascut i s’ha assajat a Tàrrega i que ja ha passat (amb nota) per l’Àtic 22 del Tantarantana, per Madrid (sala Matadero), ara pel Grec i estarà a Tàrrega al setembre. Ens explica històries de supervivència, conflictes sistèmics, il·lusions justificades (o no) en una època molt concreta, mitjans dels anys 70 a Espanya. Sense un argument lineal, se centra a explicar aquestes vivències ubicades en la beneïda i incorrupta Transició que mai ningú no ha gosat criticar. Aquella època en la qual, en paraules de la directora del muntatge, Daniela de Vecchi, “la llum de la democràcia se’ns va menjar la resistència”. I tot ens va estar bé, tot va encaixar: l’oblit, el perdó, l’exemplar gestió política. Els relats desmanegats ens parlen de memòria històrica, de tortura, del Siscents, d’absència, de bojos que es creuen reis, de fronteres (“ninguna se ha defendido sin sangre”)...

La reivindicació de la peça és prou clara. “Crec que a la generació que ara tenen entre gairebé 30 i 40 anys, com aquests actors, se’ls ha negat parlar del seu passat recent. Aquí ho fan”, diu De Vecchi. En parlen a través de textos de Sinisterra (Esperando algo), de Juan Mayorga (La legión i de la membre de la companyia Carla Rovira (Ausencia). Textos gairebé recitats, alguns, dialogats, d’altres, i lluitats, uns altres quants, però sempre des de la complicitat amb el públic i amb els mateixos personatges: als quals els actors cedeixen els propis noms i, per descomptat, els propis caràcters. El resultat són 10 interpretacions extremadament properes i convincents, divertides, amargues, tendres, innocents...

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"La luz de la democracia se nos comió la resistencia"

Laminimal Teatre Sistèmic es una compañía etiquetada de "emergente" que, sin embargo, tiene las cosas muy claras y un estilo propio. La supervivencia de las luciérnagas es un proyecto sólido que ha nacido y se ha ensayado en Tàrrega y que ya ha pasado (con nota) por el Àtic 22 del Tantarantana, por Madrid (sala Matadero), ahora por Grec y estará en FiraTàrrega en septiembre. Nos cuenta historias de supervivencia, conflictos sistémicos, ilusiones justificadas (o no) en una época muy concreta, mediados de los años 70 en España. Sin un argumento lineal, se centra en explicar estas vivencias ubicadas en la bendita e incorrupta Transición que nadie ha osado criticar. Aquella época en la que, en palabras de la directora del montaje, Daniela de Vecchi, "la luz de la democracia se nos comió la resistencia". Y todo nos estuvo bien, todo encajó: el olvido, el perdón, la ejemplar gestión política. Los relatos deslabazados nos hablan de memoria histórica, de tortura, del Seiscientos, de ausencia, de locos que se creen reyes, de fronteras ("ninguna se ha defendido sin sangre") ...

La reivindicación de la pieza es bastante clara. "Creo que a la generación que ahora tienen entre casi 30 y 40 años, como estos actores, se les ha negado hablar de su pasado reciente. Aquí lo hacen", dice De Vecchi. Hablan a través de textos de Sinisterra (Esperando algo), de Juan Mayorga (La legión) y de la miembro de la compañía Carla Rovira (Ausencia). Textos casi recitados, algunos, dialogados, otros, y luchados, otros cuantos, pero siempre desde la complicidad con el público y con los mismos personajes, a los que los actores ceden los propios nombres y, por supuesto, los propios caracteres. El resultado son 10 interpretaciones extremadamente cercanas y convincentes, divertidas, amargas, tiernas, inocentes ...

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