“Otro Family Plot”, retrato de Txomin Badiola en el Palacio Velázquez

La exposición “Txomin Badiola. Otro Family Plot”, primera gran retrospectiva institucional en Madrid dedicada a este artista, es un gran retrato del creador vasco realizado por él mismo en colaboración con otros artistas.

Así ha definido el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, la muestra que abre hoy sus puertas en el Palacio Velázquez del Retiro formada por 60 obras, entre fotografías, dibujos, piezas escultóricas e instalaciones multimedia y que abarca desde los años ochenta hasta la actualidad.

“Es una exposición de Txomin Badiola por Txomin Badiola”, una figura clave del arte español actual “no solo por su obra sino por que es catalizador de muchas inquietudes de otros artistas de su generación y de otros más jóvenes”.

Según Borja-Villel, su obra se presenta siempre como un diálogo en el que explora referencias a través de la escultura, la pintura y el cine y en la que “Oteiza es esencial. A partir de su figura ha hecho un trabajo monumental que abarca tanto obras, como escritos y un catálogo”.

La exposición no es una retrospectiva en el sentido tradicional, ya que “ha habido un diálogo con otros artistas y colaboradores de Badiola”, y en ella Joao Fernandes ha actuado como comisario asistente.

En este dialogo han participado, junto al comisario, Ana Laura Aláez, Ángel Bados, Jon Mikel Euba, Pello Irazu, Asier Mendizabal, Itziar Okariz y Sergio Prego, que han seleccionado cada uno de ellos diez obras de Badiola y han realizado grabaciones en las que razonan su elección. Los interlocutores han sido otros artistas más jóvenes.

Badiola (Bilbao, 1957) ha recordado que, cuando le propusieron la exposición, pensó que su “descentramiento hacia los demás iba a ser clave de la muestra”. Eligió, por ello, a artistas de su “alrededor” y con los que colabora en la creación tanto de sus obras como de las de ellos.

Los trabajos de Txomin Badiola son resultado “de una permanente lucha y conflicto para ser capaz de asumir decisiones y no aceptar imposiciones. Su obra es siempre la expresión de un conflicto” y la obra de arte ha sido para él “el sentido de una complejidad”, en opinión de Joao Fernandes.

El recorrido no es estrictamente cronológico ni tampoco temático, ya que responde a problemáticas que han buscado respuestas de manera acumulativa a lo largo del tiempo.

“Por mi manera de trabajar, la idea de evolución está permanentemente traicionada. Los temas vuelven a aparecer y son continuamente reinterpretados”, ha remarcado.

La muestra comienza con “Formas deseantes, bastardas e insatisfechas”, espacio que plantea cómo se genera una manera de funcionar a niveles formales-estructurales en el “intersticio” entre el cuestionamiento de herencia minimalista y conceptual, y la no aceptación de la inevitabilidad del nuevo paradigma en los años ochenta.

“Cada uno de nosotros formuló su propia respuesta a esta situación. La mía consistió en una serie de esculturas que denominé ”Bastardos“ realizadas con materiales de procedencias diversas (bronce, hierro, madera), así como la combinación escultura-pintura y la articulación de diferentes formas”.

El espacio “Sobrevivir entre signos, ser signo” aborda cómo las relaciones sujeto-objeto han quedado trastocadas en una sociedad plenamente posmoderna, mientras que en “Un Yo-imagen. Alteridad ineludible. Todo es vanidad” se incluyen obras que tratan de las consecuencias de todo ello en la subjetividad, lo real y lo simbólico.

“Necesidades públicas/Pasiones privadas” se compone de obras relacionadas con los dilemas generados entre el respeto a los proyectos más personales y las responsabilidades respecto de lo común, entre lo individual y lo colectivo.

“El grupo, la banda, el comando» trata sobre la atracción hacia figuras ”intermedias“, como la familia, el grupo o la comunidad de iguales. Según el artista, ”la idea de lo familiar atraviesa tanto mi trabajo como mi mundo relacional dentro del arte“.

La sexta sección, “Avatares de la forma”, incluye piezas que participan de la tensión entre la tendencia a identificarse con la vida, a disolverse como obras, y la de mantenerse separadas de la vida como formas.

El cuerpo, el espacio y el lenguaje son protagonistas de las obras que se exhiben antes de la última sección, “Frase-imagen-cosa”, una zona transversal al resto de la secciones y que incluye únicamente “Lo que el signo esconde” (2010), obra formada por 11 elementos imagen-texto que se intercalan entre las obras de la exposición.