eldiario.es

Síguenos:

Boletines

Boletines

Menú

J.M. Costa

José Manuel Costa es comisario y crítico de artes visuales y sonoras. Ha trabajado como crítico de pop y cultura contemporánea en El País, La Luna de Madrid y en ABC, donde co-fundó su legendario Suplemento de Artes. Tras una temporada como corresponsal de ese diario en Berlín y Londres, regresó a Madrid como jefe de Culturas del diario Público. Después pasó a RNE, primero con el programa Vía Límite y actualmente con Retromanía. En sus ratos libres programa exposiciones y eventos como ARTe SONoro, ECO, Thomas Ruff, etc.

El Nuevo Arte Esloveno o de cómo el Reina Sofía expone a un grupo de música

NSK del Kapital al Capital, un hito de la década final de Yugoslavia, (hasta el 8 de enero en el Reina Sofía) es una exposición curiosa. NSK es el acróstico de Neue Slowenische Kunst (Nuevo Arte Esloveno), un movimiento que surgió a mediados de los años 80 en esa república de la Federación Yugoslava. Apareció con cierto propósito identitario que debía contribuir a la independencia del pequeño estado balcánico (20.000 km² y 2 millones de habitantes) en 1991, tras un amago de guerra de 10 días, episodio muy menor comparado con los terribles de Croacia, Bosnia-Herzegovina o Kosovo. 

Antes de entrar en la exposición en sí, se plantean algunas cuestiones. Por ejemplo: ¿es representativa la NSK de la evolución de una nueva cultura en los países del Este o al menos de Yugoslavia? ¿Tiene la NSK alguna trascendencia o relevancia en lo general? En suma, ¿qué sentido tiene esta exposición?

Seguir leyendo »

La labor femenina en las costas: detrás del arte de las mariscadoras gallegas

El marisqueo en Galicia, más concretamente el de moluscos, siempre fue una ocupación de las mujeres de la costa. Una ocupación menor, como ir a sacar las patatas a la mínima parcela que poseía la familia. Mientras, los hombres salían a la mar o trabajaban en alguna fábrica, donde la había. Cosa seria. Sin embargo, andando en el tiempo, las mariscadoras tomaron su destino y su trabajo en sus manos, como tantos otros colectivos de mujeres por todo el país.

Ese es el motivo de Parábola de la abundancia, una instalación de los artistas Terry Berkowitz y Francesc Torres en el Museo do Pobo Galego en Santiago de Compostela (hasta el 24 de Septiembre). Ya es raro que un museo antropológico encargue una obra de arte actual e incluso más si se trata de celebrar con ella el 40 aniversario del museo. El caso es que la obra funciona desde ese doble punto de vista, como arte y como antropología.

Seguir leyendo »

La desconocida etapa de Sonia Delaunay en Madrid y cómo convirtió en arte el diseño

Sonia Delaunay no solo es una de las grandes figuras de las vanguardias de comienzos del siglo XX, sino una de las primeras artistas que trabajó en la decoración y el diseño desde el mismo punto de vista que la pintura, casi al tiempo que surgieron el constructivismo soviético, la Bauhaus o De Stijl.

A pesar de que un pintor como Gustav Klimt (1862-1918) diseñara las todavía inexistentes telas art nouveau para poder luego pintarlas o de que el movimiento británico Arts&Crafts hubiera luchado por las artes aplicadas, lo cierto es que en la segunda década del siglo XX cualquier cosa que no fuera pintura o escultura se consideraba un arte menor, si es que podía llamársele arte. Diseñar una tela para un vestido es que no debía entrar siquiera en la ecuación.

Seguir leyendo »

Arte sonoro en la capital de lo clásico

Hasta 27 de agosto puede visitarse en el Patio Herreriano de Valladolid Espacio. Sonido. Silencios, una exposición en torno al arte sonoro que vuelve mostrar las posibilidades de una práctica estupendamente refractaria a la definición y que reducida a su enunciado más básico sería arte que suena.

La exposición en el Patio Herreriano coincide con una crisis de varias de las instituciones culturales de la ciudad, hoy por hoy en plena reestructuración. De hecho, el Patio Herreriano está sin dirección desde hace meses. Lo que se propone es una fusión de varias instituciones locales, lo cual puede estar bien o mal. Depende de si el proceso responde a un plan sensato, con un organigrama acorde, se realiza con transparencia y el resultado final es un funcionamiento más ágil. Puestos a ello, sería una buena ocasión para fomentar un debate con el objeto de redefinir, si es que alguna vez se definieron con claridad, los objetivos culturales y sociales de las instituciones.

Seguir leyendo »

'Inéditos 2017', dos de cal y una de arena

Inéditos es una de las citas anuales con lo emergente, término que está sustituyendo al de joven. Aunque sea incluso un poco más ambiguo o precisamente por eso. En esta ocasión no se trata tanto de nuevos artistas (españoles) como de nuevas comisarias, porque las tres son mujeres. En las 16 ediciones de Inéditos nunca ha habido tres hombres y ninguna mujer y aunque no se trata de exigir discriminación positiva para hombres, que sería un puro sarcasmo viniendo de donde venimos y estando donde estamos en cuestiones de género, como repetía el samurái Miyamoto Mushashi en El libro de cinco anillos: "Es conveniente reflexionar detenidamente sobre esto".

La primera de las propuestas, de Bárbara Cueto, lleva un título que no puede sino hacer sonreír y al tiempo tiene gran calado: I would prefer not to (Preferiría no hacerlo) que está tomado de Bartleby, el escribiente (Una historia de Wall Street) escrita en 1853 por Herman Melville. La relectura que hace Cueto de esa narración tiene que ver con la precarización y sus consecuencias laborales y sociales. En esas condiciones, el no-hacer de Bartleby adquiriría otro significado.

Seguir leyendo »

Venturas y desventuras de un arquitecto en el despotismo ilustrado

Una exposición sobre dibujos de los proyectos del arquitecto Ventura Rodríguez (1717-1785) en el centro Conde Duque de Madrid con motivo de su tricentenario, permite seguir su carrera como maestro de obras de la capital en un momento crítico: el reinado absolutista de Carlos III, cuando la ciudad comenzó a cambiar su fisonomía medieval. Y también las luchas encarnizadas entre alarifes por la influencia real y la riqueza material.

Como es público y notorio, vivimos en una época de arquitectos-estrella. No es la primera y previsiblemente no será la última. Aunque igual habría que remontarse a egipcios, chinos,  griegos o romanos, la eclosión documental del arquitecto-estrella tiene lugar con el Renacimiento y se ha desarrollado a través de estilos como el Barroco, el Neoclásico y el Neogótico, el Racionalismo o el Organicismo (por mencionar solo unos pocos) hasta llegar a la globalización de nuestros días.

Seguir leyendo »

Espacio P., recordando una historia ninguneada por la Movida

Montar una exposición sobre un espacio dedicado en primer lugar a la performance parece algo casi contradictorio. Al fin y al cabo, entre las características de la performance se encuentran lo efímero y lo presencial. De otra parte, se trata de actividades artísticas de alcance directo muy minoritario, dado que la asistencia a las mismas suele contarse en decenas, todo lo más algún centenar de personas. Es posible que la performance se repita unas cuantas veces, pero nunca tiene una carrera extendida, como una obra de teatro, convencional o no. De modo que para el público interesado en las artes, la performance es algo no demasiado conocido y mucho menos vivido. Siendo esto último la gracia del asunto.

También es cierto que exponer lo efímero no es muy diferente a relatar lo efímero. Y sobre la performance, al menos desde su formalización como género allá por los años 60 del pasado siglo, se han escrito docenas de libros. En muchas ocasiones muy interesantes porque no solo describen una acción que suele carecer de argumento literario, sino que la explican. La mayor parte de las veces los libros y ensayo parten de fuentes secundarias (el escritor no solía estar allí) y siempre después del suceso. Como sucede en realidad con los sucesos de cualquier tipo, sea un concierto, un fenómeno atmosférico o un asesinato. Sobre los sucesos se han edificado imperios de la información y ello por buenas razones: son historias extraordinarias que despiertan la curiosidad.

Seguir leyendo »

Ruta por PHotoEspaña en la Línea 1 del Metro de Madrid

PHotoEspaña se ha convertido en un evento que combina lo comercial y lo institucional de forma curiosa. Como su nombre indica trata de la fotografía, entendida como se entendía la fotografía artística hasta los años 70 del pasado siglo. Hay un centenar de exposiciones pero, o faltan medios o faltan ganas de correr algún riesgo. No hay fotógrafos digitalizados (es decir, que investiguen las posibilidades de lo digital más allá de usar una cámara que lo sea), ni casi cualquier veleidad de orden conceptual con origen en Düsseldorf (Ruff, Gursky, Höfer, Hütte, Struth...) o Vancouver (Wall, Lum, Graham, Wallace...).

Lo que se va viendo en la bien pensada pero lenta página web de PE son algunos grandes nombres ya reconocidos por las enciclopedias o fotógrafos de ahora que se les parecen mucho. Ya no hay un comisariado general, visto que el evento se ha demostrado casi imposible de comisariar y el único criterio común aparente es este de no sacar los pies del tiesto, a ver si nos pasa algo.

Seguir leyendo »

Mateo Maté y la ironía del buen orden

La ironía es una forma de paradoja y un mecanismo de defensa. Esta frase surge de combinar sendas definiciones de dos grandes irónicos: un pensador romántico, Friedrich Schlegel (1772-1829) y un músico pop, David Byrne (1952). En realidad la ironía es un recurso muy interesante porque, pudiendo ser muy mordaz, siempre conserva un punto de benevolencia que le impide caer en el sarcasmo. Por eso, siguiendo a Byrne, la ironía sería un mecanismo más bien de defensa, no tanto de ataque.

Canon, la exposición recién inaugurada por Mateo Maté (Madrid, 1962) en Alcalá 31 de Madrid descansa en una ironía lanzada en múltiples direcciones y hacia objetivos muy diversos. Canon se abre con esa palabra en tipografía Bodoni, surgida en la Ilustración del siglo XVIII y que se utiliza en todo tipo de situaciones, desde el nombre del Washington Post a los logotipos de Time Warner o Nirvana. Aquí aparece en su variante original de tipografía clásica y racional. Una tipografía canónica, vaya.

Seguir leyendo »

Cine y arte, 120 años de una relación complicada

En una entrevista televisiva, Steven Spielberg explicaba su primer encuentro con John Ford, ya un director mítico para el, todavía estudiante de secundaria. Ford, sentado ante su mesa y con las botas encima de ella, utilizó unos cuadros tipo Oeste que había en su despacho para explicarle al joven Spielberg que cuando entendiera por qué situar el horizonte en la parte de arriba o en la parte de abajo es mejor que ponerlo en medio, igual podría llegar a ser un cineasta.

La anécdota no debe ser menor porque Spielberg la repite a menudo e indica la continua relación del cine y el arte, más concretamente la pintura. Que es el motivo de Arte y Cine, 120 años de intercambios, exposición que permanecerá en el Caixaforum de Madrid hasta el 16 de diciembre.

Seguir leyendo »