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Focos

J.M. Costa

José Manuel Costa es comisario y crítico de artes visuales y sonoras. Ha trabajado como crítico de pop y cultura contemporánea en El País, La Luna de Madrid y en ABC, donde co-fundó su legendario Suplemento de Artes. Tras una temporada como corresponsal de ese diario en Berlín y Londres, regresó a Madrid como jefe de Culturas del diario Público. Después pasó a RNE, primero con el programa Vía Límite y actualmente con Retromanía. En sus ratos libres programa exposiciones y eventos como ARTe SONoro, ECO, Thomas Ruff, etc.

CentroCentro, macedonia de exposiciones en el corazón de Madrid

En CentroCentro, el espacio público del Ayuntamiento de Madrid, hay un café, salas de lecturas, conciertos y también exposiciones. El mero hecho de que las haya puede ser puesto en cuestión, pero las malas noticias al final.

En estos meses, más o menos hasta junio hay tres muestras principales, llamadas 24/7 Conectados; Tiempo de alegría, tiempos de desamparo y El borde de una herida. También hay una del fotógrafo Geray Mena, una de artistas gitanos llamada Akathe te beshen, sastipen thaj mestepen ( Aquí nos quedamos, salud y libertad), además de Ciudad Decisiva, una reflexión sobre la desprotección de la arquitectura, compuesta por unos paneles sobre el patrimonio arquitectónico de Madrid. El destruido y el amenazado.

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Madrid, titiriteros, sustituciones... ¿y la política cultural?

Se ha sustituido a la concejala de Cultura de Madrid. ¿Tiene que ver semejante decisión con la Cultura? ¿Con cómo se han gestionado estos dos años? Según parece absolutamente nada. Así se deduce al menos de las informaciones y análisis recogidos en los medios.

Verán, según se refleja de forma unánime, Celia Mayer estaba condenada porque era "la concejal más polémica". Ya se sabe, titiriteros, Reyes Magos, placas de religiosos y alguna cosa más. Este sería el detonante. El otro factor sería una presunta "ruptura en Ahora Madrid", tema que sin duda conocen de cerca quienes informan sobre el Ayuntamiento. Y eso es lo que hay, escandalitos tan llamativos como anecdóticos, tensiones larvadas o equilibrios internos. Lo que se puede llamar política super-estructural, también conocida como politiqueo. ¿Y de lo sustantivo, de la buena o mala acción del Ayuntamiento en Cultura? Pues nada, ni una palabra, no debe jugar un papel destacable.

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Ramón Casas, el arte de agradar

Los miércoles deben ser día de visitas colegiales. Y también del Imserso. Ese era el numeroso público que llenaba la amplia exposición dedicada a Ramón Casas (1866-1932) que se estrenó el año pasado en Barcelona y que ahora recala en el Caixaforum de Madrid. Es normal, Casas representa el último estilo de pintura figurativa con pretensiones realistas que conocemos. Pintura luego prolongada con acentos mucho más clásicos y épicos en todos los totalitarismos, así como en numerosos realistas menores que llegan hasta nuestros días y aún  nos explican lo complicado de pintar un membrillo.

Casas es un pintor representativo de un estilo internacional ecléctico y sin nombre que había evolucionado hacia finales del XIX hacia una pintura que no era ni muy vanguardista ni muy clasicista. Una pintura que no trataba los grandes hechos históricos o militares nacionales en una época marcada por el nacionalismo y el imperialismo. Apenas se ven temas religiosos y muy raras veces retratos de tipo oficial, como los que rememoran a ministros, generales o parlamentarios notables.

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The Velvet Underground & Nico, medio siglo de arte y música pop

Hace cincuenta años, el 12 de marzo de 1967 se publicó The Velvet Underground & Nico, un disco que llegó a alcanzar el puesto 171º en las listas de ventas y desapareció casi de inmediato. No obstante, con el tiempo ese LP figura para la revista Rolling Stone entre los 20 mejores de la historia (nº 13). Y es, con cierta diferencia, el más heterodoxo, duro y con menor éxito entre los primeros 50 de esa lista. El álbum y el grupo de culto por antonomasia.

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Mujeres en el arte, de la oscuridad a la injusticia

Un informe de MAV, la asociación de mujeres en las artes visuales, fundada hace unos ocho años, explica como en el periodo 1999-2009 solo un 9,4% de artistas españolas han expuesto en alguna de las 22 instituciones oficiales más representativas. El total de mujeres expuesto, contando las extranjeras, fue del 20,5%. Se trata de una situación anómala que hunde sus raíces en la historia.

En realidad, solo puede empezarse a hablar de equiparación desde que a finales del siglo XIX (1876 en España) las Escuelas, Academias o Facultades de Bellas Artes abrieron sus puertas a las mujeres. Equiparación en un sentido legal, entiéndase. La antigua ideología dominante siguió y sigue presente, aunque en progresiva retirada. En un estudio llamado La estudiante de Bellas Artes y la generización masculina del artista creativo publicado en el 2010 en México, el profesor de la Complutense Miguel Figueroa–Saavedra, presentaba datos disponibles hasta ese momento (tampoco es que haya muchos) y opiniones significativas.

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Bruce Conner, el arte inteligente puede ser conmovedor

Hay exposiciones de vídeo-arte a las que el visitante, o llega avisado o se entera enseguida de qué allí solo hay vídeos. Son más frecuentes las exposiciones en las que, entre otras cosas, hay vídeos. Muchos, incluso. En ellas los vídeos suelen contemplarse de forma casi distraída, como tomando nota de que existen y un poco de qué van. Pero también hay exposiciones alrededor de un vídeo (película), como la recién inaugurada exposición sobre Bruce Conner (1933-2008) en el Reina Sofía.

Una exageración, probablemente, pero es que Crossroads (1975, 37’), la proyección en la que desemboca Es todo cierto (hasta el 22 de Mayo), vale la pena más que mucho y es una pieza que ayuda a entender un poco mejor el arte y sus relaciones sociales y psicológicas en la segunda mitad del siglo XX. Arte inteligente que conmueve o puede conmover, porque esta no es una ciencia exacta.

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La subjetividad en ARCO 2017 y lo que hay fuera

Madrid en ARCO no es que sea la capital del arte mundial, pero tiene de bueno que en torno a la feria se ha desarrollado uno de los fines de semana más agitados de la ciudad. Y si se enfoca bien, de los más entretenidos. Hay de todo, tanto en el lejano Ifema como en pleno centro de Madrid, en esas calles por las que se deambula de bar en bar los fines de semana. Se puede incluir en el trayecto algo de arte -para todos los gustos- y luego incluso irse a bailar a fiestas relacionadas que parecen tener buena pinta. Porque ARCO es un punto de encuentro. Y no solo de la fauna que se aloja en hotelones, sino de todo tipo de seres menos o nada pudientes que también establecen sus contactos, de bajo nivel pero alta intensidad.

Visto lo que hay, ha de apuntarse que lo expuesto en la feria es más barato de media que lo que reluce en un salón del automóvil. El alto mercado será para ricos, que lo es. Y habrá transacciones de cierto porte que conoceremos o no, pero buena parte de lo presente en ARCO sería en principio asequible para sectores de población bastante más amplios. Por debajo de 10.000 euros hay para escoger y revolver. No es lo que se llama popular, pero tampoco 1%.

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La frágil nave de ARCO en la tempestad del mercado

Otro año de ARCO y van treinta y seis. Pero este 2017 viene interesante. Tras un 2015 en el que el mercado global del arte contemporáneo bajó de forma notable y no se recuperó mucho en 2016 ni en estos principios de 2017, ARCO, a la que medios del país invitado, Argentina, llaman una feria "hoy en su ocaso", vuelve a sacar sus trajes de fiesta. Con su principal acceso, una linea de metro cerrada por obras, añadiendo suspense logístico a la situación.

Lo que sucede en el mundo de las ferias es que la competencia ha crecido. En 1970 había tres ferias de arte contemporáneo en todo el mundo. Hoy hay más de 300, sin contar algunas de las ferias-satélite de los grandes eventos internacionales. Solo a finales de febrero, coincidiendo con ARCO, JustMAD y Art Madrid (las tres más notables de las más de media docena de ferias que tienen lugar en Madrid esta semana), hay ferias en Bruselas, Filipinas, Miami, Ciudad del Cabo o Zurich (esta ultima una feria-boutique con solo seis galerías). A principios de marzo llega Nueva York con al menos siete ferias coincidentes y luego Dubai, Tokyo, Hong Kong o París. Es cierto que ARCO sigue siendo la feria más visitada del mundo, con casi 100.000 visitantes. Pero incluso a ese nivel ha sido alcanzado por Art Basel, por Estambul, por el Armory Show de Nueva York e incluso por el Arte BA de Buenos Aires y sobre todo por ART Miami. Esto último es notable porque la crisis obligó a ARCO a abandonar sus ambiciosos y puede que quiméricos planes de expansión americana. Y cuidado, aunque este sea un ámbito de sedicente lujo, la mayor parte de los visitantes que se dejan 30-40 Euros en la entrada ha solido ir en metro. ¡Y la linea 8 está en obras! No se sabe si pintan bastos, pero oros tampoco parece.

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Lyonel Feininger, de la caricatura a la Bauhaus

Lyonel Feininger (1871, N.Y. - 1965, N.Y.) es conocido en nuestro país por su pertenencia al cuadro de profesores de la Bauhaus, por el grabado de una iglesia cercana a Weimar que es uno de los iconos de esa misma Bauhaus y por una serie de cuadros figurativos pero muy geometrizados que son un verdadero prodigio. Pero nunca ha habido en España una exposición dedicada a su trabajo y tampoco hay ninguna monografía en castellano. Sin embargo, su valoración tanto en Alemania como en Estados Unidos es muy elevada. Y ello por buenas razones que se exponen en la Fundación Juan March de Madrid hasta el 28 de mayo.

Feininger nació en Nueva York de un matrimonio de músicos de origen alemán, emigrados a Estados Unidos en busca de mejores horizontes en un país donde la cultura, amplio sensu, estaba en pleno desarrollo. En 1887 los Feininger realizaron una gira por Alemania, y Lyonel, su segundo hijo, se quedó a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Hamburgo, aunque al año siguiente ya estaba en Berlín.

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La fea huella de lo humano y Lewis Baltz

Las primeras fotografías lo fueron de objetos inanimados. Lógico, dado que los tiempos de exposición eran demasiado largos como para captar nada que se moviera. Esos objetos fueron en primer lugar flores y otros adornos caseros, pero a la que pudieron asomarse a la ventana tanto Talbot como el mismo Daguerre fotografiaron su entorno inmediato, semirrural en el caso del primero y el de un París anterior a la reforma Haussmann el segundo.

A partir de esos comienzos, la arquitectura se mantuvo como una de las protagonistas del nuevo medio , acumulándose nombres como Nègre, Marville, Baldus, Bisson, Soulier o Le Gray (entre otros) en el siglo XIX. Por lo general recogiendo monumentos y paisajes urbanos famosos.

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