Once exposiciones imprescindibles para este otoño en Madrid: feminismo, memoria, arte inmersivo y mucho más

Desde hace unas semanas, las salas, museos y centros culturales de Madrid no han dejado de incorporar nuevas exposiciones a su programación. El otoño ha llegado a la capital con una agenda que combina grandes nombres de la historia del arte, propuestas contemporáneas y muestras que recuperan figuras y movimientos que durante décadas quedaron relegados a un segundo plano.

Hay opciones para todos los gustos. Desde un viaje por los nueve círculos del infierno de Dante a través de las obras de Gustave Doré y Robert Rauschenberg hasta una experiencia inmersiva que invita a descubrir la biodiversidad del planeta. También hay espacio para el Barroco sevillano, el diseño gráfico, la fotografía y las creaciones que exploran las relaciones entre naturaleza y tecnología.

Las mujeres tienen, además, un protagonismo especial en varias de las propuestas de esta temporada. La Fundación Mapfre reivindica el papel de las artistas prerrafaelitas, mientras que la Fundación Ortega-Marañón recupera la historia de “las modernas” del Lyceum Club Femenino. A ellas se suman exposiciones dedicadas a la identidad, la memoria y las transformaciones sociales.

La mayoría de estas citas pueden visitarse gratuitamente y, además, muchas de ellas permanecerán abiertas hasta bien entrado 2027, por lo que todavía hay tiempo para recorrerlas con calma. En Hoy Se Sale hemos seleccionado las imprescindibles. Estas son las once exposiciones que no te puedes perder este otoño en Madrid:

Las mujeres que cambiaron el prerrafaelismo

El prerrafaelismo nació en Gran Bretaña en 1848 con la intención de romper con las convenciones académicas que dominaban el arte de la época. Aunque nombres como Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais o William Holman Hunt han quedado asociados al movimiento, su historia también estuvo marcada por mujeres que participaron en su desarrollo y cuya aportación quedó durante décadas relegada a un segundo plano.

La exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), organizada por Fundación Mapfre, recupera el trabajo de estas creadoras a través de 130 obras de más de 40 artistas. Elizabeth Siddal, Julia Margaret Cameron, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan y May Morris son algunas de las protagonistas de un recorrido que reúne pintura, fotografía, acuarela, grabado, cerámica, tejido y vidrieras, entre otras disciplinas.

La muestra examina las dificultades a las que se enfrentaron las mujeres para acceder a la formación artística y a los espacios de exhibición, así como las estrategias que desarrollaron para abrirse camino en un mundo dominado por los hombres. Lejos de limitarse a su papel como modelos o musas, estas artistas contribuyeron a ampliar los lenguajes del prerrafaelismo y a extender su influencia hacia ámbitos como la ilustración, el diseño textil y las artes decorativas. El recorrido también explora su relación con el movimiento Arts and Crafts, que reivindicó el trabajo artesanal frente a la producción industrial.

Comisariada por Pamela Gerrish Nunn, la exposición propone revisar el relato tradicional del arte británico y reconocer a estas mujeres como protagonistas de su evolución. La muestra puede visitarse en Fundación Mapfre, en Madrid, del 24 de septiembre de 2026 al 10 de enero de 2027.

Un viaje al infierno de Dante

Más de 700 años después de que Dante Alighieri escribiera la Divina comedia, los nueve círculos de su infierno siguen ofreciendo imágenes con las que interpretar los conflictos y las contradicciones de cada época. Fundación Canal explora esa vigencia en El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg, una exposición que reúne por primera vez las dos series completas que Gustave Doré y Robert Rauschenberg dedicaron a la primera parte del poema.

La muestra reúne 111 piezas de ambos artistas, separados por casi un siglo: 76 xilografías del ilustrador francés Gustave Doré del siglo XIX y 35 litografías offset del estadounidense Robert Rauschenberg, publicadas en 1965. El recorrido permite comparar la visión dramática y monumental de Doré, cuyas imágenes contribuyeron a fijar la iconografía popular del infierno, con la interpretación contemporánea de Rauschenberg, que incorporó fotografías y referencias visuales de su tiempo para trasladar a Dante y sus personajes a escenarios modernos.

Comisariada por Lola Durán Úcar, la exposición propone un descenso por los nueve círculos del infierno, desde el Limbo hasta el espacio reservado a los condenados por traición. A través de lenguajes artísticos muy distintos, las obras abordan cuestiones que atraviesan los siglos, como el poder, la violencia, el deseo, la avaricia, el fraude y la culpa. El montaje acompaña el recorrido con aros rojos suspendidos que evocan la estructura del poema y conectan las distintas interpretaciones.

La exposición puede visitarse gratuitamente en la Sala Mateo Inurria 2 de Fundación Canal, en Madrid, hasta el 5 de enero de 2027.

Cruz Novillo, el hombre que diseñó España

El artista José María Cruz Novillo, conocido como Cruz Novillo, lleva décadas explorando las posibilidades de la geometría, el color y las formas. CentroCentro dedica una exposición a su trayectoria con un recorrido no lineal que conecta trabajos de mediados de los años sesenta con obras producidas en 2025 y permite descubrir la evolución de una investigación artística que abarca desde el papel hasta la escultura.

Comisariada por Pepe Cruz-Novillo jr. y Elena Fernández Manrique, la muestra reúne piezas en madera, piedra y bronce, además de obras sobre papel y collages. El recorrido se articula alrededor de los conceptos que han marcado el trabajo del artista: la geometría, la aritmética, el tiempo, el sonido, el color y el juego. La exposición pone así en diálogo distintas etapas de su producción para mostrar las conexiones entre sus ciclos creativos y la pluralidad de lenguajes que ha desarrollado a lo largo de su carrera.

Entre las obras expuestas figuran piezas históricas como Estructuras manipulables, presentadas en la Bienal de São Paulo de 1977, Tximparta y Acoplamiento, junto a trabajos más recientes. Destaca el Ciclo Diafragma decafónico de dígitos para el Instituto Nacional de Estadística, una investigación que combina matemáticas, estadística, color y música y que nació en 2007 para la fachada del edificio del INE, aunque continuó generando nuevas piezas hasta 2025.

La exposición se completa con material documental y de archivo que permite acercarse al proceso creativo de Cruz Novillo. Maquetas, dibujos preparatorios, fotografías, escritos y publicaciones muestran cómo desarrolla una idea y la transforma a través de diferentes escalas, materiales y soportes. Puede visitarse en CentroCentro, en Madrid, del 8 de octubre de 2026 al 24 de enero de 2027.

Romanticismo, cultura pop y disidencia

El Museo del Romanticismo revisita el legado de Roberta Marrero, artista canaria que convirtió la poesía, el collage, la novela gráfica y la música en herramientas para explorar la identidad y cuestionar las convenciones sociales. La exposición Roberta Marrero. Yo soy la navaja y la herida recorre su trayectoria multidisciplinar y establece un diálogo entre el espíritu romántico del siglo XIX y la cultura popular contemporánea.

El recorrido reúne obras y materiales que permiten acercarse al universo creativo de Marrero, marcado por la ironía, la crudeza y la sensibilidad. En sus trabajos conviven autores como Charles Baudelaire y Arthur Rimbaud con referentes de la música y la literatura contemporáneas, desde Patti Smith y Lana del Rey hasta Alejandra Pizarnik y Jean Genet, junto a la estética de Tom of Finland. La muestra también recupera su faceta musical, con materiales vinculados a su etapa como DJ.

La biografía de la artista, sus vivencias travestis y la identidad queer ocupan un lugar central en una obra que desafía las normas sociales y los cánones tradicionales de belleza. Marrero transformó la diferencia y la herida personal en materia artística y en una forma de resistencia, al tiempo que conectó la sensibilidad decadentista y romántica con las reivindicaciones contemporáneas.

La exposición puede visitarse en el Museo del Romanticismo, en Madrid, del 30 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027. Una oportunidad para descubrir la obra de una creadora que tendió puentes entre épocas, lenguajes y referentes culturales para construir un imaginario propio.

El Barroco sevillano sale de su templo

Por primera vez en más de tres siglos, un conjunto de obras maestras del Barroco español abandona su ubicación original para exponerse fuera de la Iglesia del Hospital de la Santa Caridad de Sevilla. El Centro Cultural Conde Duque reúne estas piezas en Arte y misericordia. El Barroco de la Santa Caridad de Sevilla en Madrid, una muestra excepcional que permite contemplar en la capital algunas de las creaciones más destacadas de Bartolomé Esteban Murillo, Juan de Valdés Leal y Pedro Roldán.

La exposición reúne catorce obras del siglo XVII, diez pinturas y cuatro esculturas, concebidas expresamente para el templo sevillano. El conjunto responde al programa iconográfico ideado por Miguel Mañara, hermano mayor de la Hermandad de la Santa Caridad, en torno a las obras de misericordia. Entre las piezas de Murillo figuran San Juan de Dios transportando a un enfermo, Santa Isabel de Hungría curando a los tiñosos y La multiplicación de los panes y los peces.

El recorrido también permite acercarse al dramatismo de Valdés Leal a través de dos de sus obras más conocidas, In ictu oculi y Finis gloriae mundi, que reflexionan sobre la fugacidad de la vida y la vanidad de los bienes terrenales. A ellas se suman las esculturas de Pedro Roldán, entre las que destacan el Cristo de la Caridad, San Roque y San Jorge. Pintura y escultura se integran así en un conjunto concebido para transmitir un mensaje religioso y recordar la importancia de la caridad y la atención a los más necesitados.

Organizada en colaboración con Afundación, Obra Social ABANCA, el Ayuntamiento de Madrid y la Hermandad de la Santa Caridad, la exposición coincide con la rehabilitación de los espacios de origen y ofrece una oportunidad poco habitual para contemplar estas obras reunidas fuera de su contexto original. Puede visitarse en la Sala Sur del Centro Cultural Conde Duque hasta el 22 de noviembre.

La memoria trans indígena frente a la colonización

La historia de las identidades de género en América es también la de las culturas que sobrevivieron a la colonización. El Museo de América aborda ese legado en Nación Trans. Un proyecto de Antonio López, una exposición fotográfica del artista Antonio López Díaz que explora las raíces históricas de la discriminación que sufren las mujeres trans indígenas y pone el foco en sus formas de resistencia en el presente.

Antes de la llegada de los europeos, numerosas sociedades indígenas reconocían identidades de género diversas y les otorgaban un lugar propio dentro de sus comunidades. Es el caso de los muxes zapotecos, los empupillan mapuches, los nadleeh navajos o las wigudun gunas. La colonización y la evangelización impusieron progresivamente un orden moral basado en el binarismo de género y en normas sexuales occidentales, que contribuyeron a reprimir estas identidades y a relegarlas a los márgenes.

La muestra conecta esa herencia histórica con las dificultades que afrontan hoy muchas mujeres trans indígenas, expuestas a la discriminación tanto por su identidad de género como por su origen. La expulsión familiar, la precariedad y la vulnerabilidad forman parte de una realidad que el proyecto busca visibilizar, sin limitarse a mostrar sus consecuencias: también reivindica la resiliencia de estas mujeres y las estrategias con las que construyen espacios de autonomía y apoyo mutuo.

A través de la fotografía, Antonio López Díaz propone imaginar una comunidad basada en la solidaridad, la autonomía corporal y nuevas formas de pertenencia más allá de las estructuras que históricamente han excluido a estas identidades. La exposición puede visitarse en la Sala La Tapada del Museo de América, en Madrid, hasta el 22 de noviembre.

Una cita con Luis Escobar

Director, dramaturgo, empresario y actor, Luis Escobar fue una de las figuras clave de las artes escénicas españolas durante la posguerra. Desde su posición al frente de instituciones teatrales, contribuyó a recuperar la vocación artística de la escena tras la Guerra Civil y buscó fórmulas para llevar al público textos modernos de otros países, incluso en un contexto marcado por la censura. El Archivo Regional de la Comunidad de Madrid recupera ahora su trayectoria en Una cita con Luis Escobar, una exposición que reconstruye su legado a través de documentos personales y profesionales.

La muestra reúne manuscritos, carteles originales, publicaciones periódicas, fotografías y otros materiales procedentes del fondo personal del creador, conservado en el propio Archivo Regional. Este recorrido documental permite acercarse a sus relaciones con dramaturgos, escenógrafos, cineastas y artistas de su época, así como a las decisiones y los proyectos que marcaron su carrera.

Uno de los ejes de la exposición son los montajes más representativos de su etapa al frente del Teatro María Guerrero, desde donde Escobar impulsó textos y propuestas que conectaban la escena española con las corrientes internacionales. El recorrido también repasa sus incursiones en el cine y la televisión, medios en los que su personalidad cercana y su particular sentido del humor contribuyeron a convertirlo en un rostro popular.

La exposición puede visitarse en la Sala de Exposiciones Cristóbal Portillo, situada en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid, en el complejo El Águila, del 16 de octubre de 2026 al 21 de febrero de 2027. Una oportunidad para descubrir, a través de su archivo, la trayectoria de un creador que contribuyó a transformar el panorama teatral español de su tiempo.

Seis décadas de arte en transformación

¿Cómo ha cambiado el arte español desde los años sesenta hasta la actualidad? La Fundación Juan March propone recorrer esa evolución en La transición estética. España, 1960-2020, una exposición que reúne obras de las últimas seis décadas para explorar las rupturas, continuidades y experimentaciones que han marcado la producción artística en el país.

La muestra ofrece un panorama de lenguajes y disciplinas que abarca la pintura, la escultura, el dibujo, la instalación y los medios audiovisuales. A través de obras clave de distintas etapas, el recorrido permite observar cómo los artistas han ampliado los límites de la creación y han respondido a las transformaciones sociales, políticas y culturales de cada momento.

Más allá de una sucesión cronológica de estilos, la exposición plantea una reflexión sobre la manera en que se presenta y se interpreta el arte. El papel de los museos, las decisiones que condicionan el montaje de una muestra y las tensiones estéticas que han atravesado el panorama artístico español forman parte de una propuesta que invita a cuestionar cómo construimos nuestra mirada sobre las obras.

La transición estética. España, 1960-2020 puede visitarse en la Fundación Juan March, en Madrid, del 16 de octubre de 2026 al 10 de enero de 2027. Una oportunidad para acercarse a seis décadas de creación artística y descubrir cómo los cambios en los lenguajes y las formas de exhibición han transformado nuestra relación con el arte contemporáneo.

Explorar el vínculo entre naturaleza y tecnología

Un bosque suspendido de paracaídas, dibujos de aves y ramas, semillas y mapas celestes componen el universo de Sobre/salto, la exposición que CentroCentro dedica a la artista plástica Laura Lio. Comisariada por Nerea Ubieto, la muestra reúne obras producidas desde 2010 junto a piezas creadas específicamente para este espacio y propone una reflexión sobre los vínculos entre naturaleza, tecnología, lenguaje y territorio.

El recorrido se articula entre dos polos simbólicos, la naturaleza y la tecnología. En el espacio central destaca una gran instalación de paracaídas en movimiento, inspirada en el poema Altazor o el viaje en paracaídas, del chileno Vicente Huidobro. La obra toma el vuelo como metáfora del trayecto vital y sus incertidumbres, en una exposición que combina elementos naturales, referencias científicas y exploraciones poéticas.

La segunda sala establece un paralelismo entre las estructuras botánicas y las formas en que se organiza la ciudad. Las ramificaciones internas de los árboles y los dibujos de las hojas evocan las arterias de circulación y el trazado urbano, mientras que el proyecto Hacer la calle. Lo digo con un cartel introduce proclamas de contenido poético y político concebidas para interpelar a quienes transitan por el espacio público.

Lio también incorpora la historia del edificio que alberga la exposición, el antiguo Palacio de Telecomunicaciones, mediante obras de mail art, postales y carteles inéditos que reflexionan sobre la comunicación y la memoria urbana. Sobre/salto puede visitarse en CentroCentro, en Madrid, del 13 de noviembre de 2026 al 28 de marzo de 2027.

Un recorrido inmersivo por la biodiversidad

CaixaForum Madrid propone una forma diferente de acercarse a la biodiversidad con Somos Naturaleza, una experiencia inmersiva producida por OASIS Immersive Studios en colaboración con National Geographic. A través de imágenes, animaciones digitales y proyecciones envolventes, la exposición invita a descubrir la diversidad del mundo natural y reflexiona sobre la importancia de proteger los ecosistemas.

La visita dura unos 70 minutos y comienza con una pieza audiovisual de Katerine Giguère en colaboración con Johnny Ranger, que reúne imágenes de National Geographic para mostrar la variedad y la capacidad regenerativa de la naturaleza. El recorrido continúa en una galería diseñada por Alex Le Guillou, donde células, raíces y organismos se convierten en protagonistas de una composición digital que explora las conexiones entre las distintas formas de vida.

La experiencia concluye con una creación de Émile Roy, un mosaico audiovisual que aborda la resiliencia de los ecosistemas y la capacidad humana para contribuir a su renovación. La propuesta combina tecnología y divulgación para acercar al público a los procesos naturales y plantear cómo la acción colectiva puede contribuir a conservar la biodiversidad.

El proyecto cuenta con el apoyo de organizaciones como Naciones Unidas, la Fundación David Suzuki y los Talleres para la Biodiversidad. Somos Naturaleza puede visitarse en CaixaForum Madrid hasta el 7 de marzo de 2027.

Las “modernas” que cambiaron España

La Fundación Ortega-Marañón conmemora el centenario del Lyceum Club Femenino con una exposición dedicada a las mujeres que impulsaron uno de los espacios más importantes de la vida cultural e intelectual española del siglo XX. Fundado en 1926 por María de Maeztu, el club reunió a cerca de 500 mujeres vinculadas a ámbitos como las artes, la ciencia, el deporte y el pensamiento, en una época en la que su presencia en la esfera pública seguía encontrando numerosas barreras.

Conocidas como “las modernas”, sus integrantes defendieron la participación de las mujeres en la vida cultural y social y promovieron un espacio de encuentro e intercambio intelectual. La muestra recupera su historia a través de cinco bloques temáticos que permiten acercarse a las protagonistas del club, sus inquietudes y el papel que desempeñaron en la transformación de la sociedad española.

Entre los materiales expuestos figuran documentos históricos como el censo de socias, carnés de afiliación, correspondencia y fotografías, además de volúmenes originales de la biblioteca del club. Estas piezas permiten reconstruir la actividad de la institución y acercarse a las redes de colaboración que tejieron sus integrantes. La exposición está comisariada por Tània Balló, con Carmen de la Guardia Herrero como asesora científica, y puede visitarse en la Fundación Ortega-Marañón hasta el 22 de enero de 2027.